Η ανάρτηση είναι εμπνευσμένη από το πρόγραμμα «Τι, πού, πότε;» Θα ξεκινήσω με έναν γρίφο.
Αυτός είναι ένας πίνακας του Tivadar Kostka Chontvari, που ονομάζεται "Ο παλιός ψαράς". Εκ πρώτης όψεως, δεν υπάρχει τίποτα ιδιαίτερα αξιοσημείωτο σε αυτό, όπως πίστευαν και οι ιστορικοί τέχνης, αλλά από τη στιγμή που προτάθηκε ότι απεικονίζει τον Θεό και τον διάβολο. Το μυστήριο είναι γιατί γεννήθηκε μια τέτοια ιδέα. Κάτω από την περικοπή θα υπάρχει μια μεγαλύτερη εικόνα, μια βιογραφία και μια λύση :)

Το μαντέψατε; Οχι? Ίσως οι λεπτομέρειες να σας πουν την απάντηση;

Θα σας βασανίσω λίγο περισσότερο με μια ιστορία για τον ίδιο τον καλλιτέχνη. Αν δεν μπορείτε να περιμένετε, πετάξτε κάτω για μια απάντηση.

Αυτοπροσωπογραφία

Ο Tivadar Kostka γεννήθηκε στις 5 Ιουλίου 1853 στο ορεινό χωριό Kisseben, που ανήκε στην Αυστρία (τώρα Sabinov, Σλοβακία) - ένας αυτοδίδακτος Ούγγρος καλλιτέχνης.

Ο πατέρας του Λάσλι Κόστκα ήταν γιατρός και φαρμακοποιός. Ο Tivadar και τα πέντε αδέρφια του μεγάλωσαν σε μια ατμόσφαιρα εμποτισμένη στο πνεύμα της φαρμακολογίας. Ο μελλοντικός καλλιτέχνης ήξερε από την παιδική του ηλικία ότι θα γινόταν φαρμακοποιός. Αλλά πριν γίνει, άλλαξε πολλά επαγγέλματα—εργάστηκε ως πωλητής, παρακολούθησε διαλέξεις στη Νομική Σχολή για κάποιο διάστημα και μόνο μετά σπούδασε φαρμακολογία.

Μια μέρα, όταν ήταν ήδη 28 ετών, ενώ βρισκόταν σε ένα φαρμακείο, άρπαξε ένα μολύβι και σχεδίασε σε μια συνταγή μια απλή σκηνή που είδε από το παράθυρο - ένα περαστικό καροτσάκι που το σέρνουν βουβάλια. Είτε αυτή ήταν η αρχή της σχιζοφρένειας, την οποία έπαθε αργότερα, αλλά από τότε το όνειρο να γίνει καλλιτέχνης τον έπιασε.

Πηγαίνει στη Ρώμη, μετά στο Παρίσι, όπου γνωρίζει τον διάσημο Ούγγρο καλλιτέχνη Mihaly Munkacsi (ο οποίος, παρεμπιπτόντως, πέθανε επίσης σε ψυχιατρείο). Και μετά επιστρέφει στην πατρίδα του και εργάζεται σε ένα φαρμακείο για δεκατέσσερα χρόνια, προσπαθώντας να πετύχει οικονομική ανεξαρτησία. Έχοντας σώσει ένα μικρό κεφάλαιο, πηγαίνει για σπουδές πρώτα στο Μόναχο και μετά στο Παρίσι.

Οι σπουδές του δεν του έφεραν ικανοποίηση. Ως εκ τούτου, το 1895, πήγε ένα ταξίδι στην Ιταλία για να ζωγραφίσει τοπία. Ταξίδεψε επίσης στην Ελλάδα, τη Βόρεια Αφρική και τη Μέση Ανατολή.
Το 1900 άλλαξε το επώνυμό του Kostka σε ψευδώνυμο Chontvari.
Ήδη το 1907 και το 1910 πραγματοποιήθηκαν ατομικές εκθέσεις στο Παρίσι, αλλά δεν του έφεραν αναγνώριση. Οι πίνακές του δεν έτυχαν αναγνώρισης ούτε στην Ουγγαρία και ο συγγραφέας είχε τη φήμη του τρελού.

Το 1910 τελείωσε η περίοδος της δημιουργίας. Οι κρίσεις της νόσου γίνονταν όλο και πιο έντονες. Τώρα σχεδίαζε εξαιρετικά σπάνια, μόνο σκίτσα των σουρεαλιστικών οραμάτων του.
Τα τελευταία χρόνια έγραψε βιβλία: το φυλλάδιο «Ενέργεια και Τέχνη, τα λάθη του πολιτισμένου ανθρώπου» και τη μελέτη «Genius. Ποιος μπορεί και ποιος δεν μπορεί να είναι ιδιοφυΐα».
Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο καλλιτέχνης δεν πούλησε ούτε έναν πίνακα.
Ο τελευταίος σημαντικός πίνακας, «Ride along the Shore», ζωγραφίστηκε στη Νάπολη το 1909.

Στις 20 Ιουνίου 1919 πέθανε, όπως λένε, από αρθρίτιδα ο καλλιτέχνης Χοντβάρη.
Οι συγγενείς συμβουλεύτηκαν ειδικούς, οι οποίοι τους διαβεβαίωσαν για την πλήρη καλλιτεχνική αποτυχία του Tivadar ως καλλιτέχνη, και σύντομα οι πίνακες βγήκαν σε δημοπρασία όχι ως έργα τέχνης, αλλά ως κομμάτια καμβά. Ένας τυχαίος συλλέκτης (ή είναι τυχαίος;) αγόρασε όλους τους πίνακες χύμα έναντι ενός πενιχρού ποσού, ικανοποιώντας τους κοντόφθαλμους (ή εξαπατημένους) ανιψιούς του.

Λοιπόν, τώρα η απάντηση :) Πάρτε έναν καθρέφτη και τοποθετήστε τον στο κέντρο της εικόνας και θα δείτε αυτές τις απαντήσεις :)
Ο Θεός, με μια ήρεμη θάλασσα στην πλάτη του.

Και ο διάβολος με τα μανιασμένα πάθη.

Σχεδόν κάθε σημαντικό έργο τέχνης έχει ένα μυστήριο, έναν «διπλό πάτο» ή μια μυστική ιστορία που θέλετε να αποκαλύψετε.

Μουσική στους γλουτούς

Ιερώνυμος Μπος, «Ο κήπος των γήινων απολαύσεων», 1500-1510.

Θραύσμα τμήματος τρίπτυχου

Οι διαφωνίες για τα νοήματα και τα κρυφά νοήματα του πιο διάσημου έργου του Ολλανδού καλλιτέχνη δεν έχουν υποχωρήσει από την εμφάνισή του. Η δεξιά πτέρυγα του τρίπτυχου με τίτλο «Μουσική Κόλαση» απεικονίζει αμαρτωλούς που βασανίζονται στον κάτω κόσμο με τη βοήθεια μουσικών οργάνων. Ένας από αυτούς έχει μουσικές νότες σφραγισμένες στους γλουτούς του. Η φοιτήτρια του Χριστιανικού Πανεπιστημίου της Οκλαχόμα, Αμέλια Χάμρικ, η οποία μελέτησε τον πίνακα, μετέφρασε τη σημειογραφία του 16ου αιώνα σε μια μοντέρνα ανατροπή και ηχογράφησε «ένα 500χρονο τραγούδι από την κόλαση».

Γυμνή Μόνα Λίζα

Η περίφημη «La Gioconda» υπάρχει σε δύο εκδοχές: η γυμνή εκδοχή ονομάζεται «Monna Vanna», ζωγραφίστηκε από τον ελάχιστα γνωστό καλλιτέχνη Salai, ο οποίος ήταν μαθητής και καθοδηγητής του μεγάλου Leonardo da Vinci. Πολλοί ιστορικοί τέχνης είναι σίγουροι ότι ήταν αυτός που ήταν το μοντέλο για τους πίνακες του Λεονάρντο "Ιωάννης ο Βαπτιστής" και "Βάκχος". Υπάρχουν επίσης εκδοχές ότι ο Salai, ντυμένος με γυναικείο φόρεμα, χρησίμευε ως εικόνα της ίδιας της Μόνα Λίζα.

Γέρος Ψαράς

Το 1902, ο Ούγγρος καλλιτέχνης Tivadar Kostka Csontvary ζωγράφισε τον πίνακα "The Old Fisherman". Φαίνεται ότι δεν υπάρχει τίποτα ασυνήθιστο στην εικόνα, αλλά ο Tivadar έβαλε σε αυτό ένα υποκείμενο που δεν αποκαλύφθηκε ποτέ κατά τη διάρκεια της ζωής του καλλιτέχνη.

Λίγοι σκέφτηκαν να βάλουν έναν καθρέφτη στη μέση της εικόνας. Σε κάθε άτομο μπορεί να υπάρχει και ο Θεός (ο δεξιός ώμος του Γέροντα διπλασιάζεται) και ο Διάβολος (ο αριστερός ώμος του Γέροντα διπλασιάζεται).

Υπήρχε φάλαινα;

Hendrik van Antonissen, Scene Shore.

Θα φαινόταν σαν ένα συνηθισμένο τοπίο. Βάρκες, άνθρωποι στην ακτή και μια έρημη θάλασσα. Και μόνο μια μελέτη ακτίνων Χ έδειξε ότι οι άνθρωποι συγκεντρώθηκαν στην ακτή για έναν λόγο - στο πρωτότυπο κοιτούσαν το κουφάρι μιας φάλαινας που ξεβράστηκε στην ακτή.

Ωστόσο, ο καλλιτέχνης αποφάσισε ότι κανείς δεν θα ήθελε να κοιτάξει μια νεκρή φάλαινα και ξαναέγραψε τον πίνακα.

Δύο "Πρωινά στο γρασίδι"

Εντουάρ Μανέ, «Μεσημεριανό γεύμα στο γρασίδι», 1863.

Claude Monet, "Luncheon on the Grass", 1865.

Οι καλλιτέχνες Edouard Manet και Claude Monet μερικές φορές μπερδεύονται - άλλωστε ήταν και οι δύο Γάλλοι, έζησαν ταυτόχρονα και δούλεψαν με το στυλ του ιμπρεσιονισμού. Ο Μονέ μάλιστα δανείστηκε τον τίτλο ενός από τους πιο διάσημους πίνακες του Μανέ, «Μεσημεριανό στο γρασίδι» και έγραψε το δικό του «Μεσημεριανό στο γρασίδι».

Διπλοί στο Μυστικό Δείπνο

Λεονάρντο ντα Βίντσι, «Ο Μυστικός Δείπνος», 1495-1498.

Όταν ο Λεονάρντο ντα Βίντσι έγραψε τον Μυστικό Δείπνο, έδωσε ιδιαίτερη σημασία σε δύο μορφές: τον Χριστό και τον Ιούδα. Πέρασε πολύ καιρό αναζητώντας μοντέλα για αυτούς. Τελικά, κατάφερε να βρει ένα μοντέλο για την εικόνα του Χριστού ανάμεσα στους νεαρούς τραγουδιστές. Ο Λεονάρντο δεν μπορούσε να βρει μοντέλο για τον Ιούδα για τρία χρόνια. Όμως μια μέρα συνάντησε έναν μεθυσμένο στο δρόμο που ήταν ξαπλωμένος σε ένα λούκι. Ήταν ένας νεαρός άνδρας που είχε γεράσει από το βαρύ ποτό. Ο Λεονάρντο τον κάλεσε σε μια ταβέρνα, όπου άρχισε αμέσως να ζωγραφίζει τον Ιούδα από αυτόν. Όταν ο μεθυσμένος συνήλθε, είπε στον καλλιτέχνη ότι του είχε ποζάρει ήδη μια φορά. Πριν από αρκετά χρόνια, όταν τραγούδησε στη χορωδία της εκκλησίας, ο Λεονάρντο ζωγράφισε τον Χριστό από αυτόν.

«Night Watch» ή «Day Watch»;

Rembrandt, «Night Watch», 1642.

Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του Ρέμπραντ, «The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Leuteant Willem van Ruytenburg», κρεμόταν σε διαφορετικά δωμάτια για περίπου διακόσια χρόνια και ανακαλύφθηκε από ιστορικούς τέχνης μόλις τον 19ο αιώνα. Δεδομένου ότι οι φιγούρες έμοιαζαν να εμφανίζονται σε σκοτεινό φόντο, ονομάστηκε «Night Watch» και με αυτό το όνομα μπήκε στο θησαυροφυλάκιο της παγκόσμιας τέχνης.

Και μόνο κατά την αποκατάσταση που έγινε το 1947, ανακαλύφθηκε ότι στην αίθουσα ο πίνακας είχε καταφέρει να καλυφθεί με ένα στρώμα αιθάλης, το οποίο παραμόρφωσε το χρώμα του. Μετά την εκκαθάριση του αρχικού πίνακα, τελικά αποκαλύφθηκε ότι η σκηνή που αντιπροσωπεύει ο Ρέμπραντ λαμβάνει χώρα στην πραγματικότητα κατά τη διάρκεια της ημέρας. Η θέση της σκιάς από το αριστερό χέρι του Captain Kok δείχνει ότι η διάρκεια της δράσης δεν είναι μεγαλύτερη από 14 ώρες.

Αναποδογυρισμένη βάρκα

Henri Matisse, "The Boat", 1937.

Ο πίνακας του Henri Matisse "The Boat" εκτέθηκε στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης το 1961. Μόνο μετά από 47 μέρες κάποιος παρατήρησε ότι ο πίνακας κρεμόταν ανάποδα. Ο καμβάς απεικονίζει 10 μωβ γραμμές και δύο μπλε πανιά σε λευκό φόντο. Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε δύο πανιά για κάποιο λόγο· το δεύτερο πανί είναι μια αντανάκλαση του πρώτου στην επιφάνεια του νερού.
Για να μην κάνετε λάθος στο πώς πρέπει να κρέμεται η εικόνα, πρέπει να δώσετε προσοχή στις λεπτομέρειες. Το μεγαλύτερο πανί πρέπει να είναι η κορυφή του πίνακα και η κορυφή του πανιού του πίνακα πρέπει να είναι προς την επάνω δεξιά γωνία.

Παραπλάνηση στην αυτοπροσωπογραφία

Vincent van Gogh, "Αυτοπροσωπογραφία με έναν σωλήνα", 1889.

Υπάρχουν θρύλοι ότι ο Βαν Γκογκ φέρεται να έκοψε το αυτί του. Τώρα η πιο αξιόπιστη εκδοχή είναι ότι ο Βαν Γκογκ κατέστρεψε το αυτί του σε έναν μικρό καυγά που αφορούσε έναν άλλο καλλιτέχνη, τον Πωλ Γκωγκέν.

Η αυτοπροσωπογραφία είναι ενδιαφέρουσα γιατί αντικατοπτρίζει την πραγματικότητα σε παραμορφωμένη μορφή: ο καλλιτέχνης απεικονίζεται με το δεξί του αυτί δεμένο επειδή χρησιμοποιούσε καθρέφτη όταν εργαζόταν. Μάλιστα, ήταν το αριστερό αυτί που προσβλήθηκε.

Εξωγήινες αρκούδες

Ivan Shishkin, "Πρωί στο πευκοδάσος", 1889.

Ο διάσημος πίνακας δεν ανήκει μόνο στον Shishkin. Πολλοί καλλιτέχνες που ήταν φίλοι μεταξύ τους συχνά κατέφευγαν στη «βοήθεια ενός φίλου» και ο Ιβάν Ιβάνοβιτς, ο οποίος ζωγράφιζε τοπία όλη του τη ζωή, φοβόταν ότι οι συγκινητικές του αρκούδες δεν θα πήγαιναν όπως ήθελε. Ως εκ τούτου, ο Shishkin στράφηκε στον φίλο του, τον ζωικό καλλιτέχνη Konstantin Savitsky.

Ο Σαβίτσκι ζωγράφισε ίσως τις καλύτερες αρκούδες στην ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής και ο Τρετιακόφ διέταξε να ξεπλυθεί το όνομά του από τον καμβά, αφού τα πάντα στην εικόνα «από την ιδέα μέχρι την εκτέλεση, όλα μιλούν για τον τρόπο ζωγραφικής, για τη δημιουργική μέθοδο ιδιόμορφο του Σίσκιν».

Η αθώα ιστορία του "Gothic"

Grant Wood, American Gothic, 1930.

Το έργο του Γκραντ Γουντ θεωρείται ένα από τα πιο παράξενα και καταθλιπτικά στην ιστορία της αμερικανικής ζωγραφικής. Η εικόνα με τον ζοφερό πατέρα και την κόρη είναι γεμάτη λεπτομέρειες που υποδηλώνουν τη σοβαρότητα, τον πουριτανισμό και την ανάδρομη φύση των ανθρώπων που απεικονίζονται.
Στην πραγματικότητα, ο καλλιτέχνης δεν σκόπευε να απεικονίσει καμία φρίκη: κατά τη διάρκεια ενός ταξιδιού στην Αϊόβα, παρατήρησε ένα μικρό σπίτι σε γοτθικό στυλ και αποφάσισε να απεικονίσει εκείνους τους ανθρώπους που, κατά τη γνώμη του, θα ήταν ιδανικοί ως κάτοικοι. Η αδερφή του Γκραντ και ο οδοντίατρός του απαθανατίζονται με τους χαρακτήρες από τους οποίους προσβλήθηκαν τόσο οι Άιοουαν.

Η εκδίκηση του Σαλβαδόρ Νταλί

Ο πίνακας «Φιγούρα σε παράθυρο» ζωγραφίστηκε το 1925, όταν ο Νταλί ήταν 21 ετών. Εκείνη την εποχή, το Gala δεν είχε ακόμη μπει στη ζωή του καλλιτέχνη και η μούσα του ήταν η αδερφή του Ana Maria. Η σχέση μεταξύ αδελφού και αδερφής επιδεινώθηκε όταν έγραψε σε έναν από τους πίνακες «μερικές φορές φτύνω το πορτρέτο της μητέρας μου και αυτό μου δίνει χαρά». Η Άνα Μαρία δεν μπορούσε να συγχωρήσει μια τέτοια συγκλονιστική συμπεριφορά.

Στο βιβλίο της το 1949, Σαλβαδόρ Νταλί μέσα από τα μάτια μιας αδερφής, γράφει για τον αδερφό της χωρίς κανένα έπαινο. Το βιβλίο εξόργισε τον Σαλβαδόρ. Για άλλα δέκα χρόνια μετά, τη θυμόταν θυμωμένος με κάθε ευκαιρία. Και έτσι, το 1954, εμφανίστηκε ο πίνακας «Μια νεαρή παρθένα που επιδίδεται στο αμάρτημα της σοδομίας με τη βοήθεια των κεράτων της δικής της αγνότητας». Η πόζα της γυναίκας, οι μπούκλες της, το τοπίο έξω από το παράθυρο και το χρωματικό σχέδιο του πίνακα απηχούν ξεκάθαρα το «Φιγούρα στο παράθυρο». Υπάρχει μια εκδοχή ότι ο Νταλί εκδικήθηκε την αδερφή του για το βιβλίο της.

Διπρόσωπη Δανάη

Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647.

Πολλά μυστικά ενός από τους πιο διάσημους πίνακες του Ρέμπραντ αποκαλύφθηκαν μόνο στη δεκαετία του '60 του εικοστού αιώνα, όταν ο καμβάς φωτίστηκε με ακτίνες Χ. Για παράδειγμα, τα γυρίσματα έδειξε ότι σε μια πρώιμη εκδοχή το πρόσωπο της πριγκίπισσας, που συνήψε ερωτική σχέση με τον Δία, ήταν παρόμοιο με το πρόσωπο της Saskia, της συζύγου του ζωγράφου, που πέθανε το 1642. Στην τελική έκδοση του πίνακα, άρχισε να μοιάζει με το πρόσωπο της Gertje Dirks, ερωμένης του Rembrandt, με την οποία ο καλλιτέχνης έζησε μετά το θάνατο της συζύγου του.

Η κίτρινη κρεβατοκάμαρα του Βαν Γκογκ

Βίνσεντ Βαν Γκογκ, «Υπνοδωμάτιο στην Αρλ», 1888 - 1889.

Τον Μάιο του 1888, ο Βαν Γκογκ απέκτησε ένα μικρό στούντιο στην Αρλ, στη νότια Γαλλία, όπου έφυγε από τους Παριζιάνους καλλιτέχνες και κριτικούς που δεν τον καταλάβαιναν. Σε ένα από τα τέσσερα δωμάτια, ο Vincent στήνει ένα υπνοδωμάτιο. Τον Οκτώβριο, όλα είναι έτοιμα και αποφασίζει να ζωγραφίσει «Το υπνοδωμάτιο του Βαν Γκογκ στην Αρλ». Για τον καλλιτέχνη, το χρώμα και η άνεση του δωματίου ήταν πολύ σημαντικά: όλα έπρεπε να προκαλούν σκέψεις χαλάρωσης. Ταυτόχρονα, η εικόνα έχει σχεδιαστεί σε ανησυχητικούς κίτρινους τόνους.

Οι ερευνητές του έργου του Βαν Γκογκ το εξηγούν από το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης πήρε αλεπούδα, ένα φάρμακο για την επιληψία, το οποίο προκαλεί σοβαρές αλλαγές στην αντίληψη του χρώματος του ασθενούς: ολόκληρη η περιβάλλουσα πραγματικότητα είναι ζωγραφισμένη σε πράσινους και κίτρινους τόνους.

Τελειότητα χωρίς δόντια

Λεονάρντο ντα Βίντσι, «Πορτρέτο της Λαίδης Λίζα ντελ Τζιοκόντο», 1503 - 1519.

Η γενικά αποδεκτή άποψη είναι ότι η Μόνα Λίζα είναι η τελειότητα και το χαμόγελό της είναι όμορφο στο μυστήριο της. Ωστόσο, ο Αμερικανός κριτικός τέχνης (και οδοντίατρος μερικής απασχόλησης) Joseph Borkowski πιστεύει ότι, αν κρίνουμε από την έκφραση του προσώπου της, η ηρωίδα έχει χάσει πολλά δόντια. Ενώ μελετούσε μεγεθυντικές φωτογραφίες του αριστουργήματος, η Borkowski ανακάλυψε επίσης σημάδια γύρω από το στόμα της. «Χαμογελάει» έτσι ακριβώς εξαιτίας αυτού που της συνέβη», πιστεύει ο ειδικός. «Η έκφραση του προσώπου της είναι χαρακτηριστική για ανθρώπους που έχουν χάσει τα μπροστινά τους δόντια».

Major στο face control

Pavel Fedotov, "Major's Matchmaking", 1848.

Το κοινό, που είδε για πρώτη φορά τον πίνακα "Major's Matchmaking", γέλασε εγκάρδια: ο καλλιτέχνης Fedotov τον γέμισε με ειρωνικές λεπτομέρειες που ήταν κατανοητές στο κοινό εκείνης της εποχής. Για παράδειγμα, ο ταγματάρχης σαφώς δεν είναι εξοικειωμένος με τους κανόνες της ευγενικής εθιμοτυπίας: εμφανίστηκε χωρίς τις απαιτούμενες ανθοδέσμες για τη νύφη και τη μητέρα της. Και οι έμποροι γονείς της έντυσαν τη νύφη η ίδια με ένα βραδινό φόρεμα, παρόλο που ήταν μέρα (όλες οι λάμπες στο δωμάτιο είχαν σβήσει). Η κοπέλα προφανώς δοκίμασε για πρώτη φορά χαμηλό φόρεμα, ντρέπεται και προσπαθεί να τρέξει τρέχοντας στο δωμάτιό της.

Γιατί η Ελευθερία είναι γυμνή;

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, "Freedom on the Barricades", 1830.

Σύμφωνα με τον κριτικό τέχνης Etienne Julie, ο Ντελακρουά στήριξε το πρόσωπο της γυναίκας στη διάσημη επαναστάτρια του Παρισιού - την πλύστρα Anne-Charlotte, η οποία πήγε στα οδοφράγματα μετά το θάνατο του αδελφού της στα χέρια βασιλικών στρατιωτών και σκότωσε εννέα φρουρούς. Ο καλλιτέχνης την απεικόνισε με γυμνό το στήθος της. Σύμφωνα με το σχέδιό του, αυτό είναι σύμβολο αφοβίας και ανιδιοτέλειας, καθώς και του θριάμβου της δημοκρατίας: το γυμνό στήθος δείχνει ότι η Ελευθερία, ως κοινός, δεν φορά κορσέ.

Μη τετράγωνο

Kazimir Malevich, "Black Suprematist Square", 1915.

Στην πραγματικότητα, το "Black Square" δεν είναι καθόλου μαύρο και καθόλου τετράγωνο: καμία από τις πλευρές του τετράγωνου δεν είναι παράλληλη με καμία από τις άλλες πλευρές του και με καμία από τις πλευρές του τετράγωνου πλαισίου που πλαισιώνει την εικόνα. Και το σκούρο χρώμα είναι αποτέλεσμα ανάμειξης διαφόρων χρωμάτων, μεταξύ των οποίων δεν υπήρχε μαύρο. Πιστεύεται ότι αυτό δεν ήταν αμέλεια του συγγραφέα, αλλά μια θέση αρχής, η επιθυμία να δημιουργηθεί μια δυναμική, κινητή μορφή.

Ειδικοί από την Πινακοθήκη Τρετιακόφ ανακάλυψαν την επιγραφή του συγγραφέα στον διάσημο πίνακα του Μάλεβιτς. Η επιγραφή γράφει: «Η μάχη των μαύρων στη σκοτεινή σπηλιά». Αυτή η φράση αναφέρεται στον τίτλο του χιουμοριστικού πίνακα του Γάλλου δημοσιογράφου, συγγραφέα και καλλιτέχνη Alphonse Allais, «The Battle of Negroes in a Dark Cave in the Dead of Night», που ήταν ένα εντελώς μαύρο ορθογώνιο.

Μελόδραμα της Αυστριακής Μόνα Λίζα

Gustav Klimt, «Πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer», 1907.

Ένας από τους πιο σημαντικούς πίνακες του Klimt απεικονίζει τη σύζυγο του Αυστριακού μεγιστάνα της ζάχαρης Ferdinad Bloch-Bauer. Όλη η Βιέννη συζητούσε για το θυελλώδες ειδύλλιο της Adele με τον διάσημο καλλιτέχνη. Ο πληγωμένος σύζυγος ήθελε να εκδικηθεί τους εραστές του, αλλά επέλεξε μια πολύ ασυνήθιστη μέθοδο: αποφάσισε να παραγγείλει ένα πορτρέτο της Adele από τον Klimt και να τον αναγκάσει να κάνει εκατοντάδες σκίτσα έως ότου ο καλλιτέχνης άρχισε να κάνει εμετό από αυτήν.

Ο Bloch-Bauer ήθελε το έργο να διαρκέσει αρκετά χρόνια, έτσι ώστε ο καθήμενος να δει πώς τα συναισθήματα του Klimt ξεθώριαζαν. Έκανε μια γενναιόδωρη προσφορά στον καλλιτέχνη, την οποία δεν μπορούσε να αρνηθεί και όλα αποδείχθηκαν σύμφωνα με το σενάριο του εξαπατημένου συζύγου: το έργο ολοκληρώθηκε σε 4 χρόνια, οι εραστές είχαν από καιρό δροσιστεί ο ένας στον άλλον. Η Adele Bloch-Bauer δεν ήξερε ποτέ ότι ο σύζυγός της γνώριζε τη σχέση της με τον Klimt.

Ο πίνακας που επανέφερε τον Γκωγκέν στη ζωή

Paul Gauguin, "Πού ερχόμαστε; Ποιοι είμαστε; Πού πηγαίνουμε;", 1897-1898.

Ο πιο διάσημος πίνακας του Γκωγκέν έχει μια ιδιαιτερότητα: «διαβάζεται» όχι από αριστερά προς τα δεξιά, αλλά από δεξιά προς τα αριστερά, όπως τα καμπαλιστικά κείμενα για τα οποία ενδιαφερόταν ο καλλιτέχνης. Με αυτή τη σειρά ξεδιπλώνεται η αλληγορία της ανθρώπινης πνευματικής και σωματικής ζωής: από τη γέννηση της ψυχής (ένα παιδί που κοιμάται στην κάτω δεξιά γωνία) μέχρι το αναπόφευκτο της ώρας του θανάτου (ένα πουλί με μια σαύρα στα νύχια του κάτω αριστερή γωνία).

Ο πίνακας ζωγραφίστηκε από τον Γκωγκέν στην Ταϊτή, όπου ο καλλιτέχνης δραπέτευσε από τον πολιτισμό αρκετές φορές. Αλλά αυτή τη φορά η ζωή στο νησί δεν λειτούργησε: η απόλυτη φτώχεια τον οδήγησε στην κατάθλιψη. Έχοντας τελειώσει τον καμβά, που έμελλε να γίνει η πνευματική του διαθήκη, ο Γκωγκέν πήρε ένα κουτί με αρσενικό και πήγε στα βουνά για να πεθάνει. Ωστόσο, δεν υπολόγισε τη δόση και η αυτοκτονία απέτυχε. Το επόμενο πρωί, ταλαντεύτηκε προς την καλύβα του και αποκοιμήθηκε, και όταν ξύπνησε, ένιωσε μια ξεχασμένη δίψα για ζωή. Και το 1898, η επιχείρησή του άρχισε να βελτιώνεται και μια πιο φωτεινή περίοδος ξεκίνησε στη δουλειά του.

112 παροιμίες σε μια εικόνα

Πίτερ Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος, «Ολλανδικές Παροιμίες», 1559

Ο Πίτερ Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος απεικόνισε μια γη που κατοικείται από κυριολεκτικές εικόνες ολλανδικών παροιμιών εκείνης της εποχής. Ο πίνακας περιέχει περίπου 112 αναγνωρίσιμους ιδιωματισμούς. Μερικά από αυτά χρησιμοποιούνται ακόμα και σήμερα, για παράδειγμα, όπως: «κολυμπήστε αντίθετα στο ρεύμα», «χτυπώντας το κεφάλι σας στον τοίχο», «οπλισμένοι μέχρι τα δόντια» και «τα μεγάλα ψάρια τρώνε τα ψαράκια».

Άλλες παροιμίες αντικατοπτρίζουν την ανθρώπινη βλακεία.

Υποκειμενικότητα της τέχνης

Paul Gauguin, "Breton Village in the Snow", 1894

Ο πίνακας του Γκογκέν «Βρετονικό χωριό στο χιόνι» πουλήθηκε μετά τον θάνατο του συγγραφέα μόνο για επτά φράγκα και, επιπλέον, με το όνομα «Καταρράκτες του Νιαγάρα». Ο άνδρας που κρατούσε τη δημοπρασία κρέμασε κατά λάθος τον πίνακα ανάποδα επειδή είδε έναν καταρράκτη σε αυτόν.

Κρυφή εικόνα

Πάμπλο Πικάσο, «Μπλε δωμάτιο», 1901

Το 2008, η υπέρυθρη ακτινοβολία αποκάλυψε ότι κάτω από το Μπλε Δωμάτιο κρυβόταν μια άλλη εικόνα - ένα πορτρέτο ενός άνδρα ντυμένο με κοστούμι με παπιγιόν και ακουμπισμένο το κεφάλι του στο χέρι του. «Μόλις ο Πικάσο είχε μια νέα ιδέα, πήρε το πινέλο του και την έφερε στη ζωή. Αλλά δεν είχε την ευκαιρία να αγοράζει έναν νέο καμβά κάθε φορά που τον επισκεπτόταν μια μούσα», εξηγεί η ιστορικός τέχνης Patricia Favero έναν πιθανό λόγο για αυτό.

Μη διαθέσιμοι Μαροκινοί

Zinaida Serebryakova, «Γυμνό», 1928

Μια μέρα η Zinaida Serebryakova έλαβε μια δελεαστική προσφορά - να πάει σε ένα δημιουργικό ταξίδι για να απεικονίσει τις γυμνές φιγούρες ανατολίτικων κοριτσιών. Αλλά αποδείχθηκε ότι ήταν απλά αδύνατο να βρεθούν μοντέλα σε εκείνα τα μέρη. Ο μεταφραστής της Zinaida ήρθε στη διάσωση - της έφερε τις αδερφές και την αρραβωνιαστικιά του. Κανείς πριν ή μετά δεν κατάφερε να συλλάβει γυμνές ανατολίτικες γυναίκες που είναι κλειστές.

Αυθόρμητη διορατικότητα

Valentin Serov, «Πορτρέτο του Νικολάου Β΄ με σακάκι», 1900

Για πολύ καιρό, ο Σερόφ δεν μπορούσε να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο του Τσάρου. Όταν ο καλλιτέχνης εγκατέλειψε εντελώς, ζήτησε συγγνώμη από τον Νικολάι. Ο Νικολάι ήταν λίγο αναστατωμένος, κάθισε στο τραπέζι, απλώνοντας τα χέρια του μπροστά του... Και τότε ξημέρωσε στον καλλιτέχνη - ιδού η εικόνα! Ένας απλός στρατιωτικός με σακάκι αξιωματικού με μάτια καθαρά και θλιμμένα. Αυτό το πορτρέτο θεωρείται η καλύτερη απεικόνιση του τελευταίου αυτοκράτορα.

Άλλο ένα δίδυμο

© Fedor Reshetnikov

Ο διάσημος πίνακας «Deuce Again» είναι μόνο το δεύτερο μέρος μιας καλλιτεχνικής τριλογίας.

Το πρώτο μέρος είναι «Έφτασε στις διακοπές». Προφανώς μια πλούσια οικογένεια, χειμερινές διακοπές, ένας χαρούμενος αριστούχος μαθητής.

Το δεύτερο μέρος είναι «A deuce again». Μια φτωχή οικογένεια από τα εργατικά περίχωρα, το ύψος της σχολικής χρονιάς, ένας καταβεβλημένος ηλίθιος που πήρε πάλι κακό βαθμό. Στην επάνω αριστερή γωνία μπορείτε να δείτε τον πίνακα "Έφτασε για διακοπές".

Το τρίτο μέρος είναι η «Επανεξέταση». Ένα αγροτικό σπίτι, καλοκαίρι, όλοι περπατούν, ένας κακόβουλος αδαής, που απέτυχε στις ετήσιες εξετάσεις, αναγκάζεται να κάθεται μέσα σε τέσσερις τοίχους και να στριμώχνεται. Στην επάνω αριστερή γωνία μπορείτε να δείτε τον πίνακα "Deuce Again".

Πώς γεννιούνται τα αριστουργήματα

Joseph Turner, Rain, Steam and Speed, 1844

Το 1842, η κυρία Σάιμον ταξίδεψε με τρένο στην Αγγλία. Ξαφνικά άρχισε μια δυνατή νεροποντή. Ο ηλικιωμένος κύριος που καθόταν απέναντί ​​της σηκώθηκε, άνοιξε το παράθυρο, έβγαλε το κεφάλι του έξω και κοίταξε για περίπου δέκα λεπτά. Μη μπορώντας να συγκρατήσει την περιέργειά της, η γυναίκα άνοιξε επίσης το παράθυρο και άρχισε να κοιτάζει μπροστά. Ένα χρόνο αργότερα, ανακάλυψε τον πίνακα "Rain, Steam and Speed" σε μια έκθεση στη Βασιλική Ακαδημία Τεχνών και μπόρεσε να αναγνωρίσει σε αυτόν το ίδιο επεισόδιο στο τρένο.

Μάθημα ανατομίας από τον Michelangelo

Michelangelo, «Η δημιουργία του Αδάμ», 1511

Ένα ζευγάρι Αμερικανών ειδικών νευροανατομίας πιστεύουν ότι ο Μιχαήλ Άγγελος άφησε πίσω του κάποιες ανατομικές απεικονίσεις σε ένα από τα πιο διάσημα έργα του. Πιστεύουν ότι η δεξιά πλευρά του πίνακα απεικονίζει έναν τεράστιο εγκέφαλο. Παραδόξως, μπορούν να βρεθούν ακόμη και πολύπλοκα συστατικά, όπως η παρεγκεφαλίδα, τα οπτικά νεύρα και η υπόφυση. Και η εντυπωσιακή πράσινη κορδέλα ταιριάζει απόλυτα με τη θέση της σπονδυλικής αρτηρίας.

«Ο Μυστικός Δείπνος» του Βαν Γκογκ

Vincent Van Gogh, Café Terrace at Night, 1888

Ο ερευνητής Jared Baxter πιστεύει ότι ο πίνακας του Van Gogh «Cafe Terrace at Night» περιέχει μια κρυπτογραφημένη αφιέρωση στον «Μυστικό Δείπνο» του Leonardo da Vinci. Στο κέντρο της εικόνας στέκεται ένας σερβιτόρος με μακριά μαλλιά και με λευκό χιτώνα που θυμίζει τα ρούχα του Χριστού και γύρω του υπάρχουν ακριβώς 12 επισκέπτες του καφέ. Η Baxter εφιστά επίσης την προσοχή στον σταυρό που βρίσκεται ακριβώς πίσω από τον σερβιτόρο στα λευκά.

Η εικόνα της μνήμης του Νταλί

Salvador Dali, "The Persistence of Memory", 1931

Δεν είναι μυστικό ότι οι σκέψεις που επισκέφθηκαν τον Νταλί κατά τη δημιουργία των αριστουργημάτων του ήταν πάντα με τη μορφή πολύ ρεαλιστικών εικόνων, τις οποίες ο καλλιτέχνης μετέφερε στη συνέχεια στον καμβά. Έτσι, σύμφωνα με τον ίδιο τον συγγραφέα, ο πίνακας «The Persistence of Memory» ζωγραφίστηκε ως αποτέλεσμα συνειρμών που προέκυψαν από τη θέα του επεξεργασμένου τυριού.

Τι ουρλιάζει ο Μουνκ;

Edvard Munch, "The Scream", 1893.

Ο Μουνκ μίλησε για την ιδέα ενός από τους πιο μυστηριώδεις πίνακες στην παγκόσμια ζωγραφική: «Περπατούσα σε ένα μονοπάτι με δύο φίλους - ο ήλιος έδυε - ξαφνικά ο ουρανός έγινε κόκκινος, σταμάτησα, ένιωθα εξαντλημένος και έγειρα ο φράχτης - κοίταξα αίμα και φλόγες πάνω από το γαλαζομαύρο φιόρδ και την πόλη - οι φίλοι μου προχώρησαν και εγώ στάθηκα τρέμοντας από ενθουσιασμό, νιώθοντας την ατελείωτη κραυγή να διαπερνά τη φύση». Αλλά τι είδους ηλιοβασίλεμα θα μπορούσε να τρομάξει τόσο πολύ τον καλλιτέχνη;

Υπάρχει μια εκδοχή ότι η ιδέα της "Κραυγής" γεννήθηκε στον Μουνκ το 1883, όταν συνέβησαν πολλές ισχυρές εκρήξεις του ηφαιστείου Κρακατόα - τόσο ισχυρές που άλλαξαν τη θερμοκρασία της ατμόσφαιρας της Γης κατά ένα βαθμό. Άφθονες ποσότητες σκόνης και τέφρας εξαπλώθηκαν σε όλο τον κόσμο, φτάνοντας ακόμη και στη Νορβηγία. Για αρκετά βράδια στη σειρά, τα ηλιοβασιλέματα έμοιαζαν σαν να επρόκειτο να έρθει η αποκάλυψη - ένα από αυτά έγινε πηγή έμπνευσης για τον καλλιτέχνη.

Ένας συγγραφέας ανάμεσα στο λαό

Alexander Ivanov, «Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους», 1837-1857.

Δεκάδες καθιστοί πόζαραν στον Αλεξάντερ Ιβάνοφ για τον κύριο πίνακα του. Ένας από αυτούς είναι γνωστός όχι λιγότερο από τον ίδιο τον καλλιτέχνη. Στο βάθος, ανάμεσα σε ταξιδιώτες και Ρωμαίους ιππείς που δεν έχουν ακούσει ακόμη το κήρυγμα του Ιωάννη του Βαπτιστή, μπορείτε να δείτε έναν χαρακτήρα με χιτώνα ρόμπας. Ο Ιβάνοφ το έγραψε από τον Νικολάι Γκόγκολ. Ο συγγραφέας επικοινώνησε στενά με τον καλλιτέχνη στην Ιταλία, ιδιαίτερα για θρησκευτικά ζητήματα, και του έδωσε συμβουλές κατά τη διάρκεια της ζωγραφικής. Ο Γκόγκολ πίστευε ότι ο Ιβάνοφ «έχει από καιρό πεθάνει για όλο τον κόσμο, εκτός από το έργο του».

Ουρική αρθρίτιδα του Μιχαήλ Αγγέλου

Ραφαήλ Σάντι, «Η Σχολή των Αθηνών», 1511.

Δημιουργώντας τη διάσημη τοιχογραφία «Το Σχολείο των Αθηνών», ο Ραφαήλ απαθανάτισε φίλους και γνωστούς του στις εικόνες των αρχαίων Ελλήνων φιλοσόφων. Ένας από αυτούς ήταν ο Michelangelo Buonarotti «στον ρόλο» του Ηράκλειτου. Για αρκετούς αιώνες, η τοιχογραφία διατηρούσε τα μυστικά της προσωπικής ζωής του Μιχαήλ Άγγελου και σύγχρονοι ερευνητές έχουν προτείνει ότι το περίεργα γωνιακό γόνατο του καλλιτέχνη υποδηλώνει ότι είχε μια ασθένεια των αρθρώσεων.

Αυτό είναι πολύ πιθανό, δεδομένων των ιδιαιτεροτήτων του τρόπου ζωής και των συνθηκών εργασίας των καλλιτεχνών της Αναγέννησης και της χρόνιας εργασιομανίας του Μιχαήλ Άγγελου.

Καθρέφτης του ζευγαριού Αρνολφίνι

Γιαν βαν Άικ, «Πορτρέτο του ζεύγους Αρνολφίνι», 1434

Στον καθρέφτη πίσω από το ζευγάρι Arnolfini μπορείτε να δείτε την αντανάκλαση δύο ακόμη ατόμων στο δωμάτιο. Πιθανότατα πρόκειται για μάρτυρες παρόντες κατά τη σύναψη της σύμβασης. Ένα από αυτά είναι ο van Eyck, όπως αποδεικνύεται από τη λατινική επιγραφή που τοποθετείται, αντίθετα με την παράδοση, πάνω από τον καθρέφτη στο κέντρο της σύνθεσης: «Ο Jan van Eyck ήταν εδώ». Έτσι συνήθως σφράγιζαν τα συμβόλαια.

Πώς ένα μειονέκτημα μετατράπηκε σε ταλέντο

Rembrandt Harmens van Rijn, Αυτοπροσωπογραφία στην ηλικία των 63 ετών, 1669.

Η ερευνήτρια Μάργκαρετ Λίβινγκστον μελέτησε όλες τις αυτοπροσωπογραφίες του Ρέμπραντ και ανακάλυψε ότι ο καλλιτέχνης έπασχε από στραβισμό: στις εικόνες τα μάτια του κοιτούν σε διαφορετικές κατευθύνσεις, κάτι που δεν παρατηρείται στα πορτρέτα άλλων ανθρώπων από τον πλοίαρχο. Η ασθένεια είχε ως αποτέλεσμα ο καλλιτέχνης να μπορεί να αντιληφθεί την πραγματικότητα σε δύο διαστάσεις καλύτερα από τους ανθρώπους με φυσιολογική όραση. Αυτό το φαινόμενο ονομάζεται «στερεοτυφλότητα» - η αδυναμία να δούμε τον κόσμο σε 3D. Αλλά επειδή ο ζωγράφος πρέπει να δουλέψει με μια δισδιάστατη εικόνα, αυτό ακριβώς το ελάττωμα του Ρέμπραντ θα μπορούσε να είναι μια από τις εξηγήσεις για το εκπληκτικό ταλέντο του.

Αναμάρτητη Αφροδίτη

Σάντρο Μποτιτσέλι, «Γέννηση της Αφροδίτης», 1482-1486.

Πριν από την εμφάνιση της Γέννησης της Αφροδίτης, η εικόνα ενός γυμνού γυναικείου σώματος στη ζωγραφική συμβόλιζε μόνο την ιδέα του προπατορικού αμαρτήματος. Ο Σάντρο Μποτιτσέλι ήταν ο πρώτος από τους Ευρωπαίους ζωγράφους που δεν βρήκε τίποτα αμαρτωλό σε αυτόν. Επιπλέον, οι ιστορικοί τέχνης είναι βέβαιοι ότι η παγανιστική θεά της αγάπης συμβολίζει μια χριστιανική εικόνα στην τοιχογραφία: η εμφάνισή της είναι μια αλληγορία της αναγέννησης μιας ψυχής που έχει υποβληθεί στην ιεροτελεστία του βαπτίσματος.

Λαούτο ή λαούτο;

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "The Laute Player", 1596.

Για μεγάλο χρονικό διάστημα ο πίνακας εκτέθηκε στο Ερμιτάζ με τον τίτλο "The Lute Player". Μόνο στις αρχές του 20ου αιώνα οι ιστορικοί τέχνης συμφώνησαν ότι ο πίνακας απεικονίζει έναν νεαρό άνδρα (πιθανώς ο γνωστός του Καραβάτζιο, ο καλλιτέχνης Mario Minniti, πόζαρε γι 'αυτόν): στις νότες μπροστά από τον μουσικό μπορεί κανείς να δει μια ηχογράφηση του μπάσου γραμμή του μαδριγάλιου του Jacob Arkadelt «You know that I love you» . Μια γυναίκα δύσκολα θα μπορούσε να κάνει μια τέτοια επιλογή - είναι απλά δύσκολο στο λαιμό. Επιπλέον, το λαούτο, όπως και το βιολί στην άκρη της εικόνας, θεωρούνταν ανδρικό όργανο στην εποχή του Καραβάτζιο.

Ο καλλιτέχνης Tivadar Kostka Chontvary, άγνωστος σε κανέναν κατά τη διάρκεια της ζωής του, έγινε ξαφνικά διάσημος έναν αιώνα μετά τον θάνατό του χάρη στον πίνακα του «Ο Γέρος Ψαράς». Ο ίδιος ο κύριος ήταν σίγουρος για το μεσσιανικό του πεπρωμένο, αν και οι σύγχρονοί του το ονόμασαν σχιζοφρένεια. Τώρα ψάχνουν για κρυμμένα σύμβολα και καλυμμένους υπαινιγμούς στους πίνακές του. Είναι εκεί; Ένα από αυτά τα έργα που έχει υποστεί διεξοδική ανάλυση είναι ο πίνακας «Ο γέρος ψαράς».

Μη αναγνωρισμένος καλλιτέχνης

Το 1853, ο μελλοντικός ζωγράφος γεννήθηκε στο ουγγρικό χωριό Kisseben. Η μοίρα του Tivadar και των πέντε αδελφών του ήταν προκαθορισμένη από την παιδική ηλικία. Ήταν έτοιμοι να συνεχίσουν το έργο του πατέρα τους. Και ο γονιός ήταν φαρμακοποιός και είχε ιατρείο. Αλλά πριν ασχοληθεί με τη φαρμακολογία, ο νεαρός άνδρας κατάφερε να αποφοιτήσει από το γυμνάσιο, να εργαστεί ως πωλητής και να σπουδάσει στη Νομική Σχολή. Και μετά από όλα αυτά στράφηκε στην οικογενειακή επιχείρηση. Φτάνοντας στο φαρμακείο, ο Tivadar εργάστηκε εδώ για δεκατέσσερα πολλά χρόνια.

Μια μέρα, όταν ήταν 28 ετών, μια κανονική εργάσιμη μέρα, άρπαξε ένα έντυπο συνταγής και ένα μολύβι και σκιαγράφησε μια πλοκή: ένα κάρο που περνούσε από το παράθυρο εκείνη τη στιγμή, με βουβάλια δεμένα πάνω του. Πριν από αυτό, δεν είχε δείξει κλίση στο σχέδιο, αλλά αργότερα έγραψε στην αυτοβιογραφία του ότι εκείνη την ημέρα είχε ένα όραμα που προφήτευε τη μοίρα του μεγάλου ζωγράφου.

Την άνοιξη του 1881, ο Tivadar Kostka άνοιξε το φαρμακείο του στη βόρεια Ουγγαρία και εξοικονόμησε αρκετά χρήματα για να ταξιδέψει στην Ιταλία. Όπως όλοι οι νέοι καλλιτέχνες, ονειρευόταν να δει τα αριστουργήματα των παλιών δασκάλων. Τον έλκυαν ιδιαίτερα οι πίνακες του Ραφαήλ. Πρέπει να πούμε ότι αργότερα απογοητεύτηκε από το είδωλό του, μη βρίσκοντας την απαραίτητη ζωντάνια και ειλικρίνεια στη φύση στους καμβάδες του. Μετά τη Ρώμη, ο Kostka πηγαίνει στο Παρίσι και μετά στην πατρίδα του.

Ο Chontvari (ο καλλιτέχνης πήρε αυτό το ψευδώνυμο το 1900) άρχισε να ασχολείται σοβαρά με τη ζωγραφική στα μέσα της δεκαετίας του 1890. Αφήνει το φαρμακείο του στα αδέρφια του και έρχεται στο Μόναχο για να σπουδάσει ζωγραφική. Σε πολλές πηγές, ο Kostka αποκαλείται αυτοδίδακτος, αλλά εν τω μεταξύ σπούδασε στη σχολή τέχνης του διάσημου συμπατριώτη του, πιο επιτυχημένου στον τομέα της τέχνης, Shimon Holosy. Ο δάσκαλος ήταν σχεδόν δέκα χρόνια νεότερος από τον μαθητή του.

Στο Μόναχο, ο Χοντβάρι δημιουργεί πολλά πορτρέτα. Η στάμπα της θλίψης στα πρόσωπα των μοντέλων τα ξεχωρίζει από το πιο χαρούμενο υπόλοιπο της δουλειάς του. Ζωγράφισε φυσικά πορτρέτα μόνο κατά τη διάρκεια των σπουδών του, χάνοντας αργότερα το ενδιαφέρον για αυτό. Αφού έφυγε από το Μόναχο, ο καλλιτέχνης πήγε στην Καρλσρούη, όπου συνέχισε να παρακολουθεί μαθήματα, τώρα από το Kallmorgen. Οι βιογράφοι του καλλιτέχνη λένε ότι ζούσε άνετα αυτή την εποχή, αγοράζοντας τους καλύτερους καμβάδες βελγικής κατασκευής για τη δουλειά του.

Τα τελευταία χρόνια

Οι σπουδές δεν έφεραν ικανοποίηση στον Χοντβάρη. Φαινόταν ότι καταλάβαινε τους νόμους της ζωγραφικής μόνο για να τους σπάσει. Το 1895, πήγε ξανά στην Ιταλία για να εργαστεί σε εξωτερικούς χώρους στο αγαπημένο του είδος τοπίου. Ο καλλιτέχνης δεν επισκέπτεται μόνο την Ιταλία, αλλά και τη Γαλλία, την Ελλάδα, τη Μέση Ανατολή και τον Λίβανο.

Το 1907-1910, αρκετές από τις προσωπικές του εκθέσεις πραγματοποιήθηκαν στο Παρίσι, τη Βουδαπέστη και στο σπίτι. Δεν του φέρνουν ιδιαίτερη φήμη, αν και ορισμένοι κριτικοί μιλούν πολύ επιδοκιμαστικά. Στην Ουγγαρία μιλούν ακόμη και για τον καλλιτέχνη σαν να ήταν τρελός. Δεν είναι μυστικό ότι υπέφερε από κρίσεις σχιζοφρένειας, αλλά ακόμα ήλπιζε στην αναγνώριση από τους συμπατριώτες του.

Μέχρι το 1910, η ασθένεια άρχισε να εξελίσσεται. Οι επιθέσεις γίνονταν όλο και πιο σφοδρές, η δουλειά ήταν δύσκολη. Ο Χοντβάρη σχεδόν δεν γράφει πια, κάνοντας μόνο μικρά σκίτσα. Δεν ολοκλήρωσε ποτέ ούτε ένα έργο, αν και έκανε προσπάθειες. Σε ηλικία εξήντα ετών, ο καλλιτέχνης πέθανε στη Βουδαπέστη, όπου και τάφηκε.

Δημιουργική κληρονομιά

Περισσότεροι από εκατόν πενήντα πίνακες και σχέδια άφησε πίσω του ο Tivadar Kostka Chontvari. Ο πίνακας «The Old Fisherman», ζωγραφισμένος το 1902, είναι ίσως ο πιο διάσημος από όλους, «εμβληματικός». Τα περισσότερα έργα δημιουργήθηκαν στη σύντομη περίοδο μεταξύ 1903 και 1909. Αυτή ήταν η δημιουργική άνθηση του καλλιτέχνη, μια λάμψη ιδιοφυΐας. Στο στυλ τους μοιάζουν με τον εξπρεσιονισμό. Τα έργα του αποδίδονται επίσης με χαρακτηριστικά συμβολισμού, μετα-ιμπρεσιονισμού, ακόμη και σουρεαλισμού.

Μεταθανάτια αναγνώριση

Μετά το θάνατο του Χοντβάρη, τα έργα του επέζησαν μόνο από θαύμα. Η αδερφή απευθύνθηκε σε εκτιμητές για να μάθει πόσα θα μπορούσε να πάρει για τους πίνακες. Τη διαβεβαίωσαν ότι η καλλιτεχνική τους αξία ήταν μηδενική. Τότε η γυναίκα σκέφτηκε ότι αν οι πίνακες ήταν κακοί, τότε οι καμβάδες θα ήταν τουλάχιστον χρήσιμοι σε κάποιον. Και να τα πουλήσει χύμα. Ο αρχιτέκτονας Gedeon Gerlotsi πήρε όλη τη δουλειά, υπερθεματίζοντας τον έμπορο σκουπιδιών. Αργότερα εξέθεσε τους πίνακες στη Σχολή Καλών Τεχνών της Βουδαπέστης και το 1949 τους εξέθεσε στο Βέλγιο και τη Γαλλία.

Πριν από το θάνατό του, ο αρχιτέκτονας παρέδωσε τη συλλογή του στον Zoltan Fülep, τον μελλοντικό διευθυντή του Μουσείου Csontvari. Ήταν ήδη επιτυχία. Αλλά ο καλλιτέχνης θα παρέμενε γνωστός μόνο σε έναν στενό κύκλο θαυμαστών στην πατρίδα του, αν, σχεδόν έναν αιώνα μετά τον θάνατό του, ένας από τους εργάτες του μουσείου δεν είχε ανακαλύψει ένα συγκεκριμένο μυστικό που κρατούσε ακόμη ο πίνακας «Ο Γέρος Ψαράς». Έκτοτε, το όνομα του Χοντβάρη, που δεν πούλησε ούτε έναν πίνακα όσο ζούσε, έγινε γνωστό σε όλο τον κόσμο.

«Ο γέρος ψαράς»: περιγραφή του πίνακα

Σχεδόν όλος ο χώρος του καμβά καταλαμβάνεται από τη φιγούρα ενός ηλικιωμένου άνδρα. Ο άνεμος της καταιγίδας αναστατώνει τα μαλλιά και τα παλιά, φθαρμένα ρούχα του. Ο ψαράς φοράει μαύρη μπλούζα, γκρίζο μπερέ και μανδύα. Ακουμπάει στο ραβδί του και κοιτάζει κατευθείαν τον θεατή. Το πρόσωπό του έχει τραχύ δέρμα και καλύπτεται από ένα συχνό δίκτυο ρυτίδων. Στο βάθος ο καλλιτέχνης τοποθέτησε έναν θαλάσσιο κόλπο. Τα κύματα σκάνε στην ακτή, και πυκνός καπνός βγαίνει από τις καμινάδες των σπιτιών στην ακτή. Στον ορίζοντα διακρίνονται βουνά, ή μάλλον οι σιλουέτες τους, κρυμμένες από μια γαλακτώδη ομίχλη. Σε σχέση με τη φιγούρα του ψαρά, το τοπίο είναι δευτερεύον και παίζει το ρόλο του φόντου.

Ο πίνακας «Ο γέρος ψαράς» του Χοντβάρη είναι ζωγραφισμένος σε συγκρατημένο χρωματικό συνδυασμό, με κυρίαρχα απαλά χρώματα: περιστερά, γκρι, άμμος, αποχρώσεις του καφέ.

Το μυστήριο του πίνακα "The Old Fisherman"

Τι ανακάλυψη έκανε ο υπάλληλος του μουσείου; Ας αποκαλύψουμε την ίντριγκα: ανακάλυψε ότι αν καλύψετε τον μισό καμβά και αντικατοπτρίσετε συμμετρικά το υπόλοιπο μέρος, θα έχετε ένα εντελώς τελειωμένο έργο τέχνης. Επιπλέον, αυτό λειτουργεί και στις δύο περιπτώσεις: τόσο με το δεξί όσο και με το αριστερό μέρος της εικόνας. Αυτό είναι το μυστικό που κράτησε ο πίνακας «Ο γέρος ψαράς» για σχεδόν εκατό χρόνια. Οι φωτογραφίες των τοποθετημένων μισών μπορούν πλέον να βρεθούν εύκολα στο Διαδίκτυο. Η αντανάκλαση του δεξιού μισού είναι ένας όμορφος γέρος, ασπρισμένος με γκρίζα μαλλιά, με φόντο την επιφάνεια της θάλασσας. Αν αντανακλάτε την αριστερή πλευρά, θα δούμε έναν άντρα με μυτερό καπέλο με λοξά μάτια και μανιασμένα κύματα πίσω του.

Ερμηνεία

Ο πίνακας «Ο γέρος ψαράς» σηματοδότησε την αρχή της αναζήτησης μυστικιστικών υπαινιγμών στα έργα του Χοντβάρι. Αυτό που έριξε λάδι στη φωτιά ήταν ότι κατά τη διάρκεια της ζωής του ο καλλιτέχνης υιοθέτησε συχνά έναν προφητικό τόνο. Αυτός ο καμβάς συνήθως ερμηνεύεται ως σύμβολο της διπλής ανθρώπινης φύσης: τόσο το φωτεινό όσο και το σκοτεινό μισό, καλό και κακό, συνυπάρχουν σε έναν άνθρωπο. Μερικές φορές αποκαλείται επίσης «Θεός και Διάβολος», αντικατοπτρίζοντας πάλι τον δυϊσμό της.

Πραγματικά, η ιστορία επιτυχίας του Tivadar Kostka Chontvari είναι ένα παράδειγμα μιας σειράς ευτυχισμένων ατυχημάτων (ή ενός μεγάλου πεπρωμένου που του εμφανίστηκε σε οράματα, ποιος ξέρει;). Ο πίνακας "The Old Fisherman" - ιδιοφυΐα και τρέλα - έγινε ειρωνικά το κλειδί της παγκόσμιας φήμης του. Δυστυχώς, η αναγνώριση δεν του ήρθε όσο ζούσε. Αλλά σήμερα ο Csontváry θεωρείται ένας από τους καλύτερους και πιο πρωτότυπους καλλιτέχνες στην Ουγγαρία.

Μην το χάσεις.Εγγραφείτε και λάβετε έναν σύνδεσμο για το άρθρο στο email σας.

Μέχρι πρόσφατα, μόνο λίγοι άνθρωποι που ενδιαφέρονταν για τη ζωγραφική, ιδιαίτερα τον εξπρεσιονισμό και τον πρωτογονισμό, γνώριζαν το όνομα του Ούγγρου καλλιτέχνη Tivadar Kostka Csontvary. Πολλοί άνθρωποι άρχισαν πρόσφατα να μιλούν για τον ζωγράφο που πέθανε στη φτώχεια πριν από σχεδόν 100 χρόνια, ο οποίος θεωρήθηκε επίσης τρελός (ορισμένοι ερευνητές της βιογραφίας του πιστεύουν ότι ο Τιβαντάρ ήταν άρρωστος από σχιζοφρένεια).

Γεγονός είναι ότι ένας από τους υπαλλήλους του μουσείου της πόλης του Pec, κοιτάζοντας τον πίνακα "The Old Fisherman" του Tivadar Chontvari, ανακάλυψε ότι αν χωρίσεις τον καμβά στη μέση με έναν καθρέφτη, βγάζεις δύο διαφορετικές εικόνες! Αυτή η λεπτομέρεια ενδιέφερε όχι μόνο πολλούς κριτικούς τέχνης, αλλά και απλούς ανθρώπους. Άρχισαν να μιλούν για τον μυστικό μυστικισμό του έργου και η στάση απέναντι στη δημιουργική κληρονομιά του Ούγγρου αυτοδίδακτου αναθεωρήθηκε. Στη Ρωσία, το ενδιαφέρον για αυτό το γεγονός αυξήθηκε μετά την εκπομπή του προγράμματος "Τι; Οπου? Οταν?" με ημερομηνία 1 Οκτωβρίου 2011, κατά την οποία ένας θεατής με μια ερώτηση σχετικά με τον πίνακα "The Old Fisherman" κατάφερε να νικήσει τους ειδικούς.

Μη αναγνωρισμένος καλλιτέχνης

Ο Tivadar Kostka Csontvari γεννήθηκε το 1853 στο μικρό ουγγρικό χωριό Kisseben. Ο πατέρας του ήταν γιατρός και φαρμακοποιός, ενδιαφερόταν για την επιστήμη και ήταν ένθερμος αντίπαλος του αλκοόλ και του καπνού και υποστήριζε ένθερμα την απαγόρευσή τους. Ο Tivadar έλαβε την πρωτοβάθμια εκπαίδευση του εδώ, αλλά μετά από μια πυρκαγιά το 1866 μετακόμισε στους συγγενείς της μητέρας του στο Uzhgorod. Μετά την αποφοίτησή του από το γυμνάσιο, εργάστηκε ως βοηθός εμπόρου στο Presov.

Από τον πατέρα του, Λάζλο, ο νεαρός Tivadar Csontvary κληρονόμησε ένα ενδιαφέρον για τη φαρμακολογία. Ως αποτέλεσμα, έλαβε φαρμακευτική εκπαίδευση στο Πανεπιστήμιο της Βουδαπέστης, ενώ αργότερα σπούδασε νομικά και εργάστηκε ως υπάλληλος για τον αντιδήμαρχο της πρωτεύουσας. Κατά τη διάρκεια των σπουδών του απολάμβανε τον σεβασμό των άλλων φοιτητών, εξελέγη επικεφαλής της φοιτητικής οργάνωσης και συμμετείχε στις απεργίες του 1879.

Ο Tivadar ξεκίνησε την καριέρα του ως καλλιτέχνης το 1880. Μια φθινοπωρινή μέρα, ενώ δούλευε σε ένα φαρμακείο, κοίταξε έξω από το παράθυρο, πήρε μηχανικά ένα μολύβι και ένα έντυπο συνταγής και άρχισε να σχεδιάζει. Δεν ήταν κάτι αφηρημένο - ήταν ένα κάρο που περνούσε από εκεί που αποτυπώθηκε σε χαρτί. Ο ιδιοκτήτης του φαρμακείου, βλέποντας τον πίνακα, επαίνεσε τον Χοντβάρη λέγοντας ότι μόλις σήμερα γεννήθηκε ο καλλιτέχνης. Αργότερα, στο τέλος της ζωής του, ο ίδιος ο Tivadar, στην αυτοβιογραφία του, που γράφτηκε με τον χαρακτηριστικό μυστικιστικό και προφητικό τρόπο του, περιγράφοντας τι συνέβη, είπε ότι είχε ένα όραμα. Ήταν αυτό που πρότεινε στον Tivadar το πεπρωμένο του - να γίνει μεγάλος ζωγράφος.

Από εκείνη την εποχή, ο Tivadar Kostka άρχισε να ταξιδεύει για να εξοικειωθεί με το έργο των μεγάλων. Ταξίδεψε στο Βατικανό και στο Παρίσι. Στη συνέχεια επέστρεψε στην Ουγγαρία, άνοιξε το δικό του φαρμακείο και αφοσιώθηκε ολοκληρωτικά στη δουλειά για να αποκτήσει οικονομική ανεξαρτησία και να κάνει αυτό που, κατά τη γνώμη του, είχε γεννηθεί για να κάνει. Ο Tivadar ζωγράφισε την πρώτη του εικόνα το 1893. Ένα χρόνο αργότερα, πήγε στη Γερμανία (Μόναχο, Καρλσρούη, Ντίσελντορφ) και στη Γαλλία (Παρίσι). Ωστόσο, ο νέος καλλιτέχνης κουράστηκε γρήγορα από αυτό και το 1895 πήγε ένα ταξίδι στην Ιταλία, την Ελλάδα, τη Μέση Ανατολή και την Αφρική για να ζωγραφίσει τοπικά τοπία. Με τον καιρό, άρχισε να υπογράφει τους πίνακές του όχι με το επώνυμο Kostka, αλλά με το ψευδώνυμο Chontvari.

Ο Tivadar Chontvari ασχολήθηκε με τη ζωγραφική μέχρι το 1909. Εκείνη την εποχή, η ασθένειά του άρχισε να εξελίσσεται (πιθανώς σχιζοφρένεια, η οποία συνοδευόταν από αυταπάτες μεγαλείου), και σπάνιοι πίνακες άρχισαν να αντικατοπτρίζουν σουρεαλιστικά οράματα. Ο καλλιτέχνης έγραψε επίσης αρκετές αλληγορικές φιλοσοφικές πραγματείες. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Tivadar δεν πούλησε ποτέ κανέναν από τους πίνακές του - οι εκθέσεις στο Παρίσι δεν ήταν ιδιαίτερα δημοφιλείς και δεν υπήρχε σχεδόν καμία από αυτές στην πατρίδα του. Ο ζωγράφος πέθανε το 1919, χωρίς να του αναγνωριστεί το ταλέντο του.

Ο Θεός και ο Διάβολος στην ταινία "The Old Fisherman"

Πιο πρόσφατα, το αντικείμενο της ιδιαίτερης προσοχής των κριτικών τέχνης ήταν ο πίνακας του Tivadar Kostka Chontvari «Ο παλιός ψαράς», ζωγραφισμένος από τον ίδιο το 1902. Καθρεφτίζοντας εναλλάξ το αριστερό και το δεξί μέρος της εικόνας, δημιουργούνται δύο εντελώς διαφορετικές εικόνες - ο Θεός σε μια βάρκα με φόντο μια ήρεμη λίμνη ή ο Διάβολος σε ένα ηφαίστειο και τα θυελλώδη νερά πίσω.

Μετά την ανακάλυψη αυτού του γεγονότος, η αναγνώριση του συγγραφέα του πίνακα προσεγγίστηκε διαφορετικά. Τι ήθελε όμως να πει ο Τιβαντάρ Τσοντβάρι με το έργο του; Πολλοί υποψιάστηκαν τη σύνδεση του έργου του καλλιτέχνη με τον μυστικισμό και άρχισαν να μελετούν την κληρονομιά του Ούγγρου ζωγράφου με μεγάλο ζήλο.

Η πιο εύλογη εκδοχή της ιδέας πίσω από τον πίνακα είναι η ιδέα της δυϊστικής φύσης της ανθρώπινης φύσης, την οποία ήθελε να μεταφέρει ο Tivadar. Ένα άτομο περνά όλη του τη ζωή σε μια συνεχή πάλη μεταξύ δύο αρχών: αρσενικό και θηλυκό, καλό και κακό, διαισθητικό και λογικό. Αυτά είναι τα συστατικά της ύπαρξης. Όπως ο Θεός και ο διάβολος στον πίνακα του Χοντβάρι, αλληλοσυμπληρώνονται, χωρίς έναν δεν υπάρχει άλλος.

Ο «Γηραιός Ψαράς», ως η ενσάρκωση μιας βιωμένης ζωής και της ανθρώπινης σοφίας, με τη βοήθεια μιας απλής τεχνικής δείχνει πόσο εναρμονίζονται στον καθένα μας το καλό και το κακό, το καλό και το κακό, ο Θεός και ο διάβολος. Και η εξισορρόπησή τους είναι καθήκον κάθε ανθρώπου.