Αλλαγές στην καθημερινή ζωή και ο αντίκτυπός τους στις τέχνες και τις χειροτεχνίες. Χαρακτηριστικά στολισμού και διακόσμησης των καλλιτεχνικών στυλ του μπαρόκ, του ροκοκό, του κλασικισμού.

Κατασκευή ασημιού και χρυσού: Σχολείο της Αγίας Πετρούπολης, τεχνίτες και βιοτεχνίες της Μόσχας, ασήμι niello του Veliky Ustyug. Νέοι τύποι πιάτων από πολύτιμα και μη σιδηρούχα μέταλλα: τσαγιέρες, καφετιέρες, μπουγιότ, σαμοβάρια. Οικιακά και εκκλησιαστικά σκεύη. Κρατικά ρεγάλια. Παραγγελίες και μετάλλια. Σμάλτα. Καλλιτέχνες σμάλτου A.G. Ovsov, G.S. Musikiysky.

Η εμφάνιση της ρωσικής πορσελάνης. D.I.Vinogradov. Αυτοκρατορικά και ιδιωτικά εργοστάσια πορσελάνης. Majolica, φαγεντιανή. Γυαλί τέχνης. Διακοσμητικά υφάσματα και ταπετσαρίες. Νέα στα ρούχα. Έπιπλα ντουλαπιών και τύπων. Ψηφιδωτό. Ξυλόγλυπτα σε αστικούς και εκκλησιαστικούς εσωτερικούς χώρους. Πληρώματα. Διακοσμητικός βράχος. Cameos.

Καλλιτεχνικές λαϊκές χειροτεχνίες. Σκαλιστός και ένθετος πάτος Gorodets. Σκάλισμα οστών Kholmogory. Χρυσοκέντημα της επαρχίας Tver. Δαντέλα από Galich και Vologda. Κεραμικά του Gzhel.

Μουσική και θέατρο τον 18ο αιώνα

Πολυφωνικό χορωδιακό τραγούδι. Ακρα. Ενόργανη μουσική και ορχήστρες. Τέχνη όπερας. Μπαλέτο. Μουσική στο δικαστήριο, την πόλη και την αγροτική ζωή. Η εμφάνιση μιας εθνικής σχολής σύνθεσης. E.I.Fomin. I.E.Khandoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S.Berezovsky. Α.Ο.Κοζλόφσκι.

Προσπάθειες δημιουργίας ενός προσβάσιμου δημόσιου θεάτρου υπό τον Μέγα Πέτρο. Ερασιτεχνικές παραστάσεις στο γήπεδο. Σχολικά θέατρα σε θρησκευτικά και κοσμικά εκπαιδευτικά ιδρύματα. Επαγγελματικοί θίασοι ξένων ηθοποιών.

Δράμα του ρωσικού κλασικισμού: τραγωδίες και κωμωδίες. Η επίδραση του συναισθηματισμού στο θεατρικό ρεπερτόριο. Η εμφάνιση του δράματος και της κωμικής όπερας στη ρωσική σκηνή. Ο A.P. Sumarokov είναι θεατρικός συγγραφέας και θεατρική προσωπικότητα. Ο ιδρυτής του ρωσικού επαγγελματικού θεάτρου, ηθοποιός και σκηνοθέτης F.G. Volkov. Ο φίλος και οπαδός του I.A. Dmitrevsky. Μαζικές θεατρικές παραστάσεις.

Θέατρο φρουρίου. Θίασος του κόμη P.B. Sheremetev. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova και άλλοι καλλιτέχνες. Θέατρο Palace στο Ostankino. Λαϊκό Θέατρο.

ΣΥΝΤΟΜΟΓΡΑΦΙΕΣ ΓΙΑ ΤΑ ΟΝΟΜΑΤΑ ΤΩΝ ΚΥΡΙΩΝ ΣΥΛΛΟΓΩΝ ΜΟΥΣΕΙΟΥ ΠΟΥ ΑΝΑΦΕΡΟΝΤΑΙ ΣΤΗΝ ΚΑΤΑΛΟΓΗ ΠΟΛΙΤΙΣΤΙΚΩΝ ΜΝΗΜΕΙΩΝ

BAN - Βιβλιοθήκη της Ρωσικής Ακαδημίας Επιστημών (Αγία Πετρούπολη)

VMDPNI - Πανρωσικό Μουσείο Διακοσμητικής, Εφαρμοσμένης και Λαϊκής Τέχνης (Μόσχα)

Κρατικό Ιστορικό Μουσείο - Κρατικό Ιστορικό Μουσείο (Μόσχα)

HMGS - Κρατικό Μουσείο Αστικής Γλυπτικής (Αγία Πετρούπολη)

GMMK - Κρατικά Μουσεία του Κρεμλίνου της Μόσχας (Μόσχα)

GNIMA - Κρατικό Μουσείο Αρχιτεκτονικής Επιστημονικής Έρευνας (Μόσχα)

GOP - Κρατικό οπλοστάσιο (Μόσχα)

Κρατικό Ρωσικό Μουσείο - Κρατικό Ρωσικό Μουσείο (Αγία Πετρούπολη)

Γκαλερί Tretyakov - Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov (Μόσχα)

Κρατικό Ερμιτάζ - Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ (Αγία Πετρούπολη)

ZIKHMZ - πρώην ιστορικό και καλλιτεχνικό μουσείο-αποθεματικό Zagorsky (τώρα Sergiev Posad) (Sergiev Posad, περιοχή της Μόσχας)

MIFA - Μουσείο Ιστορικών Θησαυρών της Ουκρανίας (Κίεβο)

MPIB - Μουσείο Εφαρμοσμένης Τέχνης και Ζωής του 17ου αιώνα "Ο Καθεδρικός Ναός των Δώδεκα Αποστόλων και οι Πατριαρχικές Αίθουσες στο Κρεμλίνο της Μόσχας" (Μόσχα)

GPS - Νόβγκοροντ United State Museum-Reserve (Νόβγκοροντ)

NGP - Novgorod Faceted Chamber (Νόβγκοροντ)

SHM - Μουσείο Τέχνης Σαμάρα (Σαμάρα)

ΜΝΗΜΕΙΑ ΡΩΣΙΚΟΥ ΠΟΛΙΤΙΣΜΟΥ

ΕΝΟΤΗΤΑ I. ΙΣΤΟΡΙΑ ΤΟΥ ΡΩΣΙΚΟΥ ΠΟΛΙΤΙΣΜΟΥ ΣΤΗΝ ΑΡΧΑΙΑ ΚΑΙ ΤΟ ΜΕΣΑΙΩΝΑ

(ΜΕΧΡΙ ΤΑ ΤΕΛΟΣ ΤΟΥ 17ου ΑΙΩΝΑ)

ΛΑΪΚΗ ΞΥΛΙΝΗ ΑΡΧΙΤΕΚΤΟΝΙΚΗ

ΚΤΙΡΙΑ CULT

1. Εκκλησίες Kletsky:Εκκλησία του Λαζάρου από το μοναστήρι Murom (14-16 αιώνες) - Kizhi Nature Reserve. Εκκλησία της Κατάθεσης του Ρόβου από το χωριό Borodavy (15ος αιώνας) - Μουσείο-Καρίλο-Μπελοζέρσκι. Εκκλησία της Μεταμόρφωσης από το χωριό Spas-Vezhi (17ος αιώνας) - Μουσείο-Αποθεματικό Kostroma; Εκκλησία του Αγίου Νικολάου από το χωριό Tukholya (17ος αιώνας) - Μουσείο Novgorod-Reserve "Vitoslavlitsy"; Παρεκκλήσι του Αρχαγγέλου Μιχαήλ από το χωριό Λελικόζερο (18ος αιώνας) - Μουσείο-Αποθεματικό Kizhi. Εκκλησία του Αγίου Νικολάου από το χωριό Γκλότοβα (18ος αιώνας) - Μουσείο-Αποθεματικό Σούζνταλ.

2. Εκκλησίες Σκηνών:Εκκλησία του Αγίου Νικολάου στο χωριό Lyavlya (16ος αιώνας). Εκκλησία του Αγίου Γεωργίου από το χωριό Vershina (17ος αιώνας) - Μουσείο-Αποθεματικό Αρχάγγελσκ "Malye Korely"; Εκκλησία της Ανάστασης από το χωριό Πατακίνο (18ος αιώνας) - Μουσείο-Αποθεματικό Suzdal; Εκκλησία της Κοιμήσεως της Θεοτόκου (18ος αιώνας) στην πόλη Kondopoga.

Γαμήλιο στήθος. Ιταλία. 17ος αιώνας

Ομάδα γλυπτικής "Χειμώνας". Από τη σειρά "Τέσσερις εποχές". Γερμανία. Μάισεν

Είδη εξυπηρέτησης. Γαλλία. Κόβω. 1780-1784. Μαλακή πορσελάνη, ζωγραφική. Καταψύκτης

Αίθουσα γαλλικής τέχνης 18ου-19ου αιώνα

Υπουργικό συμβούλιο. Άουγκσμπουργκ. 17ος αιώνας Ξύλο, σκάλισμα, λευκό μέταλλο, επιχρύσωση, 196x135x61

Γραφείο-κύλινδρος. Ρωσία. Τέλη 18ου αιώνα.

Βάζο. Ρωσία. Πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα. Γυαλί, χρυσός πίνακας. Ύψος 35,5

Καταψύκτης. Ρωσία. Imperial Porcelan Factory. Πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα. Πορσελάνη, ζωγραφική. Ύψος 40

Συλλογές διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης συνδέονται επίσης με το όνομα του A.P. Bogolyubov, ο οποίος δώρισε 40 κομμάτια παλιάς πορσελάνης, κυρίως σαξονικής, στα εγκαίνια του μουσείου. Διάφορα σκεύη και έπιπλα τότε αριθμούσαν 92 είδη. Το 1897, μετά το θάνατο του Bogolyubov, μια άλλη ομάδα πραγμάτων ελήφθη στη διαθήκη του, όπως έπιπλα, γυαλί, μπρούτζος και ασημικά.

Οι συλλογές Bogolyubov, ιδίως η πορσελάνη, αναπληρώθηκαν σημαντικά τα πρώτα μεταεπαναστατικά χρόνια από το Ταμείο του Κρατικού Μουσείου, το οποίο έλαβε όλα τα εθνικοποιημένα έργα τέχνης. Το 1970, το μουσείο έλαβε δείγματα ρωσικής και δυτικοευρωπαϊκής πορσελάνης (πάνω από 300 αντικείμενα), που κληροδότησε ο O. A. Gordeeva, διάσημος οφθαλμίατρος του Σαράτοφ.

Η ιστορία αυτής της λεπτής και εξαίσιας τέχνης πηγαίνει πίσω αιώνες. Η πορσελάνη προήλθε στις αρχές του 7ου-8ου αιώνα στην Κίνα. Στην Ευρώπη το έμαθαν τον 13ο αιώνα. Ο διάσημος Βενετός περιηγητής Μάρκο Πόλο έφερε αρκετά πορσελάνινα αγγεία από την Ανατολή. Η Ευρώπη κυριεύτηκε από έναν «πυρετό από πορσελάνη»· όλοι ήθελαν να έχουν προϊόντα φτιαγμένα από αυτό το λευκό γυαλιστερό υλικό, βαμμένα με φωτεινά χρώματα που δεν ξεθωριάζουν. Υπάρχουν πληροφορίες ότι όταν τα πράγματα από πορσελάνη έσπασαν, συνέχιζαν να αποθηκεύονται ούτως ή άλλως· συχνά τα θραύσματα τοποθετούνταν σε πολύτιμα μέταλλα και τα φορούσαν ως κόσμημα. Η πορσελάνη εκτιμήθηκε όχι μόνο για την ομορφιά της, αλλά και για τις μέχρι τώρα αόρατες ιδιότητες της. Η υαλωμένη επιφάνεια της πορσελάνης δεν ήταν εκτεθειμένη σε χημικές επιδράσεις και ήταν αδιαπέραστη. Προέκυψαν θρύλοι για την πορσελάνη. Το μυστικό της παραγωγής του δεν μπορούσε να αποκαλυφθεί παρά τις αρχές του 18ου αιώνα. Στην πορεία όμως ανακαλύφθηκαν πολλά νέα υλικά που ήταν παρόμοια στην εμφάνιση με τα προϊόντα Κινέζων τεχνιτών. Έτσι εμφανίστηκε το γυαλί γάλακτος στη Βενετία, τα ισπανομαυριτανικά κεραμικά και η φαγεντιανή στην Αγγλία και την Ολλανδία.

Ο πρώτος στην Ευρώπη που απέκτησε πορσελάνη ήταν ο I.F. Betger, ο οποίος βρήκε κοιτάσματα λευκού πηλού (καολίνη) κοντά στο Meissen στη Σαξονία. Το μυστικό της παραγωγής πορσελάνης, με το οποίο η Ευρώπη πάλευε για αιώνες, ανακαλύφθηκε. Σύντομα η πορσελάνη του εργοστασίου Meissen έγινε γνωστή σε όλη την Ευρώπη. Και τώρα τα προϊόντα αυτού του φυτού είναι δημοφιλή στους λάτρεις της τέχνης.

Στη συλλογή του μουσείου μας, η πορσελάνη Meissen παρουσιάζεται πολύ καλά και ολοκληρωμένα. Αυτό περιλαμβάνει αντικείμενα που κληροδότησε ο Bogolyubov και αντικείμενα από πορσελάνη από τη συλλογή του O. A. Gordeeva, καθώς και άλλα εκθέματα.

Το μεγαλύτερο ενδιαφέρον παρουσιάζει η πορσελάνη Meissen του 18ου αιώνα. Αυτή η εποχή θεωρείται η κλασική περίοδος στην ανάπτυξη της ευρωπαϊκής πορσελάνης. Αυτή τη στιγμή, ο πλοίαρχος προσπαθεί να τονίσει τη λευκότητα και τη λεπτότητα της πορσελάνης, εξυπηρετώντας το υλικό λαμβάνοντας υπόψη τις φυσικές του ιδιότητες.

Η Meissen -η πρώτη ευρωπαϊκή παραγωγή πορσελάνης- είναι ιδιαίτερα γνωστή για τα μικρά πλαστικά της κομμάτια. Στις εικόνες κυριών, κυρίων, αλληγορικών συνθέσεων και ποιμενικών, μια από τις ιδιότητες του στυλ ροκοκό εκδηλώθηκε με ιδιαίτερη δύναμη - η ψευδαίσθηση μιας συνεχούς ομαλής ροής γραμμής. Τα ονόματα των Johann Joachim Kaendler και Peter Reinicke συνδέονται με την ανάπτυξη της πλαστικής τέχνης Meissen. Τα έργα τους συνδύαζαν στοιχεία γλυπτικής και διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης. Η ιδιορρυθμία των περιγραμμάτων και η ομορφιά του χρώματος είναι αυτά που χαρακτηρίζουν τα γλυπτά που κατασκευάζονται από τα μοντέλα τους.

Δύο αλληγορικές φιγούρες από τη σειρά "Four Seasons" - "Winter" και "Spring", κατασκευασμένες σύμφωνα με μοντέλα του Johann Joachim Kaendler, αποκαλύπτουν τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του στυλ ροκοκό σε πορσελάνη. Οι εποχές αναπαρίστανται στις εικόνες των αρχαίων θεών που κάθονται στα σύννεφα. Ο χειμώνας προσωποποιείται από τον Κρόνο και την Ήβη, την άνοιξη από τον Άρη και τη Χλώρα. Τα γλυπτά συγκροτήματα είναι διακοσμημένα με λεπτώς χειροποίητα χυτά λουλούδια βαμμένα με έντονα χρώματα, για τα οποία ήταν διάσημο το εργοστάσιο του Meissen τον 18ο αιώνα.

Η υψηλή καλλιτεχνική ποιότητα διακρίνει τη μικρή συλλογή προϊόντων από το εργοστάσιο του Βερολίνου. Πρόκειται κυρίως για είδη τραπεζιού και διακόσμησης εσωτερικού χώρου. Το «κύπελλο μεταφοράς» είναι ζωγραφισμένο με βάση τα μοτίβα του A. Watteau με το πιο λεπτό μωβ, που ήταν η δόξα αυτής της παραγωγής. Τα σώματα από τσαγιέρες, καφετιέρες και διακοσμητικά βάζα είναι διακοσμημένα με ποιμενικά και φυτικά μοτίβα, τα οποία ήταν δημοφιλή τον 18ο αιώνα.

Η ομάδα ειδών από το εργοστάσιο της Βιέννης αντιπροσωπεύεται από τον 18ο - αρχές του 19ου αιώνα, όταν η ευρωπαϊκή πορσελάνη ανέπτυξε τα χαρακτηριστικά ενός νέου στυλ - στυλ αυτοκρατορίας. Φροντίζοντας την αυξημένη διακοσμητικότητα, οι Βιεννέζοι δάσκαλοι έδωσαν τη δική τους εκδοχή ζωγραφικής. Αντίγραφα πινάκων από αναγεννησιακούς δασκάλους τοποθετούνταν συχνότερα στον καθρέφτη των πιάτων σε ένα πλούσιο χρυσό διακοσμητικό πλαίσιο.

Κάθε χώρα ακολούθησε το δικό της μονοπάτι προς την πορσελάνη, αναπτύσσοντας ταυτόχρονα μια ιδιαίτερη τεχνολογία και έναν ιδιαίτερο χαρακτήρα διακόσμησης, μερικές φορές στο ίδιο στυλ. Σε όλη την Ευρώπη, τα γαλλικά πιάτα με χρωματιστό φόντο ήταν διάσημα: τιρκουάζ, ροζ, μπλε, ζωγραφισμένα σε μετάλλια πλαισιωμένα με επιχρυσωμένα στολίδια. Τέτοιες πορσελάνες κατασκευάζονταν στο εργοστάσιο των Σεβρών, την κύρια παραγωγή πορσελάνης στη Γαλλία.

Έτσι ακριβώς βάφεται η μπλε παγωτομηχανή, ο δίσκος και το σκεύος μπαχαρικών που ήταν μέρος της υπηρεσίας που ανήκε στον πρίγκιπα Γιουσούποφ. Αυτή η υπηρεσία πήρε πολλά χρόνια για να παραχθεί και διακοσμήθηκε από μεγάλους ζωγράφους πορσελάνης. Η παγωτομηχανή ζωγραφίστηκε από τον Βίνσεντ Τζούνιορ, τον συγγραφέα του πίνακα στο περίφημο σέρβις καμέο, που παραγγέλθηκε από την Αικατερίνη Β' των Σεβρών και τώρα φυλάσσεται στο Ερμιτάζ. Το σέρβις του Γιουσούποφ ήταν από «μαλακή πορσελάνη». Και οι συγκεκριμένες ιδιότητες αυτού του υλικού δεν θα μπορούσαν να είναι πιο συνεπείς με το στυλ ροκοκό με τα συνηθισμένα απαλά περιγράμματα και τις κυματιστές γραμμές του. Οι ιδιαιτερότητες της μάζας των Σεβρών καθόρισαν και τη φύση του πίνακα: κανένα άλλο κεραμικό υλικό δεν παράγει τέτοιους ήχους, βαθιούς τόνους με πολλές αποχρώσεις.

Στη Ρωσία, η πορσελάνη παρήχθη για πρώτη φορά στα μέσα του 18ου αιώνα από τον D.I. Vinogradov στο Imperial Porcelain Factory (IFZ) στην Αγία Πετρούπολη. Στη συλλογή του μουσείου, η ρωσική πορσελάνη αντιπροσωπεύεται από προϊόντα πολλών ιδιωτικών επιχειρήσεων. Το μουσείο μπορεί να υπερηφανεύεται για τα υπέροχα δείγματα των εργοστασίων IPP, Gardner, Popov, Kornilov, Gulin, Safronov, που έχουν τη δική τους μοναδική γοητεία.

Τα επιτεύγματα των Ρώσων δασκάλων στο στυλ του κλασικισμού των αρχών του 19ου αιώνα, ή στυλ Αυτοκρατορίας, είναι γνωστά. Η ρωσική πορσελάνη σε αυτό το στυλ, καθώς και άλλοι κλάδοι της εφαρμοσμένης τέχνης, παρέχουν εξαιρετικά παραδείγματα.

Το στυλ της αυτοκρατορίας εμπνεύστηκε από την αρχαιότητα. Στα διακοσμητικά μοτίβα κυριαρχούν τα δάφνινα στεφάνια, τα λιοντάρια, οι γρύπες, τα στρατιωτικά χαρακτηριστικά κ.λπ. Οι μορφές αποκαλύπτουν τη στιβαρότητα των μαζών και τη στατικότητα τους. Σύμφωνα με τους νόμους αυτού του στυλ, κατασκευάστηκε από τους τεχνίτες της IFZ ένα επιτραπέζιο διακοσμητικό βάζο με τη μορφή δύο κλασικών μορφών που στηρίζουν ένα μπολ σε σχήμα οβάλ. Το λευκό χρώμα των μορφών από μπισκότα (χωρίς πορσελάνη) έρχεται σε αντίθεση με τον μπλε τόνο και το επιχρύσωμα της βάσης. Η αγάπη του στυλ Empire για τη φωτεινότητα και την χρωματική αντίθεση είναι εμφανής. Ένα άλλο αγγείο είναι επίσης μια γλυπτική ομάδα: η Αφροδίτη βάζει μια φαρέτρα από βέλη στον Έρωτα. Τέτοια βάζα κατασκευάζονταν για μεγάλα τελετουργικά ή επετειακά σύνολα και τοποθετούνταν στο κέντρο του τελετουργικού τραπεζιού.

Τα χαρακτηριστικά του ίδιου στυλ είναι ξεκάθαρα στην παγωτομηχανή σε τρία πόδια λιονταριού, σκούρου χρώματος, που μοιάζουν με παλιό μπρούτζινο. Το χρώμα του έδενε όμορφα με τη λάμψη της επιχρύσωσης.

Τα προϊόντα των ιδιωτικών εργοστασίων είναι πιο πρωτότυπα. Μπορείτε να μιλήσετε για ιερατική, πορσελάνη Gardner ή Safronov. Αυτά τα εργοστάσια αντιπροσωπεύονται από αντικείμενα που δεν είναι μοναδικά, σε αντίθεση με το IFZ, αλλά από τα λεγόμενα συνηθισμένα σκεύη που σχετίζονται με τη ζωή μιας συγκεκριμένης κατηγορίας. Είναι εύκολο να μαντέψει κανείς την κοινωνική συσχέτιση των λεγόμενων «ταβέρνας» με έντονα διακοσμημένες τσαγιέρες, διακοσμημένες με απλούς πίνακες ζωγραφικής με λουλούδια, που δημιουργήθηκαν στο εργοστάσιο Popov τη δεκαετία 1830-1850.

Η πηγή από την οποία οι τεχνίτες αντλούσαν τις μορφές των πιάτων και τα μοτίβα ζωγραφικής είναι η παραδοσιακή ρωσική λαϊκή τέχνη. Αυτό το μονοπάτι θα είναι το πιο γόνιμο την εποχή του επικείμενου διαστυλ· θα προστατεύσει σε μεγάλο βαθμό τα ρωσικά ιδιωτικά εργοστάσια σε αυτήν τη δύσκολη στιγμή από την απώλεια του «κεραμικού», αναπόφευκτη στην εποχή του εκλεκτικισμού. Στην καφετιέρα του εργοστασίου Kornilov, ζωγραφισμένο σε λευκό φόντο με μικρά χρυσά φύλλα και τριαντάφυλλα, σε έντονο Στα πράσινα κύπελλα που έφτιαχναν οι τεχνίτες του εργοστασίου του ιερέα, δεν χάθηκε το κύριο πράγμα: η ισορροπία της μορφής και ο λειτουργικός σκοπός του αντικειμένου.

Η συλλογή σοβιετικής πορσελάνης είναι σχετικά μικρή. Αντιπροσωπεύεται από πορσελάνη προπαγάνδας, που τη δεκαετία του '20 ήταν ένα από τα μέσα επαναστατικής προπαγάνδας.

Πιάτο και κύπελλα ζωγραφισμένα σύμφωνα με σχέδια των S. Chekhonin και N. Altman, γλυπτά του N. Danko, πιάτα της A. Shchekatikhina-Pototskaya με επαναστατικά συνθήματα και εμβλήματα του νεαρού σοβιετικού κράτους - μίλησε αυτή η πρώτη πορσελάνη της Χώρας των Σοβιετικών τη γλώσσα της εποχής του. Εκτέθηκε σε ειδικές προθήκες στη Μόσχα στο Kuznetsky Most και στο Petrograd στο Nevsky. «Αυτή η πορσελάνη ήταν νέα από ένα υπέροχο μέλλον, για το οποίο η σοβιετική χώρα πολέμησε σε τρομερές μάχες με πείνα, καταστροφή και παρέμβαση», έγραψε ο E.Ya. Danko, καλλιτέχνης και ιστορικός στο εργοστάσιο Lomonosov (πρώην Imperial Porcelain Factory). , στα απομνημονεύματά της.

Τα γυάλινα σκεύη που αποθηκεύονταν στο Μουσείο A.N. Radishchev ήρθαν με τον ίδιο τρόπο όπως και η πορσελάνη: το 1897, σύμφωνα με τη διαθήκη του A.P. Bogolyubov, μέσω του Ταμείου του Κρατικού Μουσείου, από ιδιωτικές συλλογές.

Μια μικρή αλλά ενδιαφέρουσα συλλογή ρωσικού γυαλιού από τα τέλη του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα κληροδοτήθηκε στο μουσείο από τον E.P. Razumova το 1973.

Ρωσικά εργοστάσια γυαλιού, δημόσια και ιδιωτικά, εμφανίστηκαν στις αρχές του 18ου αιώνα στη Μόσχα και την Αγία Πετρούπολη, κοντά στο Σμολένσκ και την Καλούγκα. Η ζήτηση για γυάλινα αντικείμενα αυξάνεται. Ο αριθμός των εργοστασίων αυξάνεται επίσης. Το διάσημο φυτό Maltsev εμφανίστηκε στον ποταμό Gus κοντά στον Βλαντιμίρ και το εργοστάσιο Bakhmetyev κοντά στην Penza στο χωριό Nikolskoye.

Τα πρώτα έργα της βιομηχανίας γυαλιού του 18ου αιώνα στη συλλογή μας είναι προϊόντα από ιδιωτικά εργοστάσια. Πρώτα απ 'όλα, πρόκειται για ένα πράσινο γυάλινο δαμασκηνό με ένα απλό φυτικό στολίδι και την επιγραφή: «Αυτό το σκεύος κατασκευάστηκε στο εργοστάσιο Γαβρίλ το 726...» Αυτό είναι ένα πρώιμο παράδειγμα ρωσικών συνηθισμένων επιτραπέζιων σκευών, τα οποία κατασκευάζονταν σε μεγάλες ποσότητες· δεν τα γλίτωσαν ούτε τα φρόντισαν. Αντί για το χαμένο και σπασμένο, αγόρασαν καινούργιο. Ως εκ τούτου, λίγα τέτοια πιάτα έχουν διασωθεί. Το Shtof είναι επίσης ενδιαφέρον επειδή είναι ένα αντικείμενο υπογραφής. Υποδεικνύει την ημερομηνία και τον τόπο κατασκευής. Είναι γνωστό ότι το 1724 ιδρύθηκε το εργοστάσιο των Gavrilov και Loginov στην περιοχή της Μόσχας. Δεν υπάρχουν περισσότερες πληροφορίες για αυτήν την παραγωγή. Το damask μας δίνει μια ιδέα για τη φύση των προϊόντων μιας ελάχιστα γνωστής εταιρείας.

Το γυαλί στη Ρωσία πρακτικά δεν είχε σήμανση. Μόλις ξεκινώντας από τη δεκαετία του 20 του 19ου αιώνα (από την εποχή του Νικολάου Α΄) το Imperial Glass Factory άρχισε να βάζει γραμματόσημα στα προϊόντα του. Η παρουσία μιας μάρκας, φυσικά, δεν είναι ο μόνος τρόπος για να προσδιοριστεί ο τόπος και ο χρόνος κατασκευής ενός συγκεκριμένου είδους. Αξιόλογα μνημεία υαλουργίας είναι οι κύλικες του 18ου αιώνα, ψηλές, κωνικού σχήματος, συχνά με καπάκια, διακοσμημένες με σκαλιστά οικόσημα των βασιλέων ή μονογράμματα. Οι βενζίνες πλαισιώθηκαν με βλαστούς φυτών και μπούκλες, που ονομάζονταν "rocaille". Κατά μήκος της κορυφής των κυπέλλων, κοντά στο χείλος, υπάρχει ένα σχέδιο χαραγμένων και στιλβωμένων «λάκκων» με μπράτσα. Οι στύλοι των ποδιών κατασκευάζονταν με τη μορφή κάγκελο με "μήλα", τα οποία μερικές φορές αρθρώνονταν στον στύλο μέχρι και πέντε κομμάτια. Η γκραβούρα σε αυτά τα αντικείμενα ήταν ρηχή και σαρωτική. Αυτές οι ιδιότητες διακρίνουν τα ρωσικά κύπελλα από τα κύπελλα της Βοημίας και της Γερμανίας που φυλάσσονται στο μουσείο.

Προφανώς, πολλά χρωματιστά ποτήρια, καράφες και μπουκάλια παράγονταν σε ιδιωτικά εργοστάσια. Το χρωματιστό γυαλί ήταν πολύ δημοφιλές στη Ρωσία. Σε αντίθεση με τη Δυτική Ευρώπη, τα πιάτα παρασκευάζονταν εδώ από μονόχρωμο γυαλί, το οποίο εμφανίστηκε σε μεγάλες ποσότητες στα μέσα του 18ου αιώνα. Αυτό οφείλεται στα επιτυχημένα πειράματα του M. Lomonosov.

Στα τέλη του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα, εμφανίστηκαν ψηλές πολυεπίπεδες καράφες με πώματα διαφόρων σχημάτων, ποτήρια υψωμένα σε λεπτά πόδια, κομψά ποτήρια με αστραφτερές άκρες - κομψά πιάτα που χρησιμοποιήθηκαν για τη διακόσμηση εορταστικών τραπεζιών και προμηθειών. Τα πολύπλευρα πιάτα κατασκευάζονται από άχρωμο γυαλί με την προσθήκη μολύβδου, που του δίνει μια ιδιαίτερη λάμψη. Ονομάζεται κρύσταλλο και κόβεται με τη λεγόμενη «ακμή διαμαντιού». Αυτή η τεχνική χρησιμοποιείται ακόμα στην υαλουργία.

Το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα ήταν μια εποχή αυξημένου ενδιαφέροντος για τις διακοσμητικές και εφαρμοσμένες τέχνες, ιδιαίτερα στην ιστορία της. Η συλλογή αντίκες γίνεται ευρέως διαδεδομένη. Δεν είναι τυχαίο ότι την ίδια περίοδο υπήρξε αυξημένο ενδιαφέρον για έπιπλα αντίκες. Οι συλλέκτες συλλέγουν σκαλιστά επιχρυσωμένα έπιπλα από τον 18ο αιώνα, ένθετες συρταριέρες, ντουλάπια, ιταλικά και γερμανικά μπαούλα και τεράστια ντουλάπια από ξύλο βελανιδιάς και καρυδιάς από τη Γερμανία του 17ου αιώνα. Υπήρχαν παρόμοια αντικείμενα στη συλλογή του Bogolyubov.

Η τρέλα με τα έπιπλα αντίκες γεννά ψεύτικα που κατακλύζουν τα καταστήματα με αντίκες. Το ένα μετά το άλλο, δημιουργούνται εργαστήρια στο Παρίσι, τη Βενετία, την Αγία Πετρούπολη, που παράγουν έπιπλα αντίκες, μερικές φορές που δεν διακρίνονται από τα αυθεντικά - το ξύλο είναι τόσο ομαλά γυαλισμένο, οι αναλογίες των δομικών του μερών τηρούνται τόσο πιστά.

Τα παλαιότερα έπιπλα στη συλλογή του μουσείου χρονολογούνται από τον 16ο-17ο αιώνα. Πρόκειται για έπιπλα από τη Γερμανία, τη Γαλλία, την Ιταλία, την Ολλανδία, που συλλέγονται από τον A.P. Bogolyubov. Φυσικά, η συλλογή επίπλων εκείνης της εποχής δεν δίνει λόγο να μιλήσουμε για το υπάρχον εσωτερικό, αλλά μας επιτρέπει να παρουσιάσουμε τα εθνικά χαρακτηριστικά έργων τέχνης επίπλων από διάφορες χώρες σε ένα αρκετά ευρύ χρονολογικό πλαίσιο.

Τα έπιπλα δεν είναι ανθεκτικά· το υλικό για την παραγωγή τους είναι το ξύλο, το οποίο εκτίθεται εύκολα σε ποικίλες επιρροές. Πολλοί από αυτούς πέθαναν τόσο από φυσικές καταστροφές ή ως αποτέλεσμα πολέμων, όσο και για λόγους που σχετίζονται με την επιρροή της μόδας. Τα έπιπλα είναι καταναλωτικό είδος. Αυτό σημαίνει ότι με την πάροδο του χρόνου φθείρεται και πρέπει να αντικατασταθεί με νέο. Ελάχιστα έπιπλα από τα σπίτια των απλών ανθρώπων έχουν επιζήσει. Ωστόσο, τα κύρια στάδια στην ιστορία της τέχνης επίπλων σε ορισμένες ευρωπαϊκές χώρες μπορούν να εντοπιστούν στα αντικείμενα της συλλογής μας.

Στην Ιταλία του 16ου αιώνα κατασκευάστηκε μια καρέκλα από μασίφ ξύλο με σκαλιστή πλάτη, ένα γαμήλιο μπαούλο, μια βενετσιάνικη κατασκευή και ένας βωμός. Για την κατασκευή αυτού του επίπλου χρησιμοποιήθηκε καφέ καρυδιά, υλικό χαρακτηριστικό της Ιταλίας, που επιτρέπει στον τεχνίτη να επιτύχει σπουδαίο καλλιτεχνικό αποτέλεσμα. Τα σκαλιστικά μοτίβα αντλήθηκαν από την κληρονομιά της αρχαίας τέχνης. Στο γαμήλιο σεντούκι, προφανώς φλωρεντίνικης δουλειάς, εκπλήσσεται κανείς από τη σπάνια ενότητα μορφής και στολισμού, που διέκρινε τους Ιταλούς επιπλοποιούς του 16ου - αρχές του 17ου αιώνα.

Τα έπιπλα αυτής της εποχής στην εποικοδομητική τους λογική είναι παρόμοια με τις αρχιτεκτονικές κατασκευές. Ο βωμός έχει σχεδιαστεί με τη μορφή μιας πύλης με κίονες πλεγμένες με αμπέλια, με ένα βάθρο σε μια κόγχη για τη μορφή της Μητέρας του Θεού - αυτά τα αρχιτεκτονικά στοιχεία είναι εξαιρετικά χαρακτηριστικά των επίπλων του 16ου-17ου αιώνα. Αυτό γίνεται ιδιαίτερα αισθητό στα έπιπλα ντουλαπιών που κατασκευάζονται στη νότια Γερμανία. Η ντουλάπα μετατρέπεται σε κάτι σαν ένα διώροφο κτίριο, κάθε όροφος του οποίου χωρίζεται από ένα γείσο. Τα επίπεδα είναι διακοσμημένα με κολώνες ή παραστάδες. Οι πόρτες του ντουλαπιού μοιάζουν με πύλες ή παράθυρα με πλάκες ή αετώματα. Όλες αυτές οι αρχιτεκτονικές λεπτομέρειες ενισχύονται με κόλλα και αποτελούν, στην πραγματικότητα, διακόσμηση που κρύβει τη δομή του ντουλαπιού, που αποτελείται από δύο σεντούκια. Αυτή η εντύπωση ενισχύεται από τις πτυσσόμενες λαβές στήθους στις πλαϊνές όψεις του. Ακριβώς έτσι είναι σχεδιασμένο το ντουλάπι, διακοσμημένο με μπούρδες (φύτρωμα στο ξύλο, ελάττωμα στο ξύλο που δίνει μια πλούσια, όμορφη υφή). Οι ντουλάπες ήταν απαραίτητα εξοπλισμένες με ράφια και τα ρούχα αποθηκεύονταν διπλωμένα σε αυτά. Θα μπορούσαν επίσης να χρησιμεύσουν για την αποθήκευση διαφόρων σκευών.

Το σχήμα μιας πτυσσόμενης καρέκλας, η λεγόμενη καρέκλα curule, μπορεί επίσης να θεωρηθεί παραδοσιακό για τη Γερμανία του 16ου-17ου αιώνα. Για τους αρχαίους ήταν σύμβολο δύναμης. Μόνο καθισμένος σε μια τέτοια καρέκλα θα μπορούσε να αποδοθεί δικαιοσύνη και αντίποινα. Μια τέτοια καρέκλα φορούσαν συνήθως πρόξενοι, ανώτεροι στρατιωτικοί ηγέτες και δικτάτορες. Ομαλά καμπύλες βάσεις για πόδια, κατασκευασμένες από πολλές στενές σανίδες, διασταυρώνονται και συνδέονται με εγκάρσιες ράβδους για αντοχή και μια αφαιρούμενη σανίδα εισάγεται στο πάνω μέρος της καρέκλας ως διαχωριστικό που αποτελεί την πλάτη.

Από τον 16ο αιώνα, μια μοναδική μορφή καρέκλας εμφανίστηκε στη Γερμανία, η οποία έγινε ευρέως διαδεδομένη στην τέχνη επίπλων αυτής της χώρας τον 17ο αιώνα - η λεγόμενη καρέκλα αγροτών. Το μουσείο μας διαθέτει επίσης μια ολόκληρη σειρά από παρόμοια προϊόντα με διαφορετικές εκδοχές του ίδιου στολιδιού. Το πρωτότυπο μιας τέτοιας καρέκλας ήταν στην αρχή απλώς ένα κούτσουρο δέντρου, καθαρισμένο από κλαδιά και ενισχυμένο για σταθερότητα σε τρία πόδια. Και για άνετες αστικές κατοικίες, κατασκευάστηκαν καρέκλες με τέσσερα πόδια - παραδείγματα υψηλής δεξιοτεχνίας. Διακοσμείται μόνο η σανίδα που χρησιμεύει ως πίσω μέρος. Μπορεί να γίνει όχι μόνο από καρυδιά, αλλά από δρυς και πεύκο. Εξαρτάται από το πού κατασκευάστηκε το αντικείμενο. Στο σκάλισμα, κατά κανόνα, χρησιμοποιούνται γκροτέσκα διακοσμητικά μοτίβα, τα οποία, με τη φαντασία του πλοιάρχου, συχνά μεταμορφώνονται σε παραμυθένιο μοτίβο.

Ο 17ος αιώνας φέρνει πολλά νέα πράγματα στην τέχνη των επίπλων. Αυτό οφείλεται κυρίως στους κοινωνικούς μετασχηματισμούς στην Ευρώπη, οι οποίοι οδήγησαν σε αλλαγή της θέσης της τρίτης εξουσίας. Έχοντας έρθει στην εξουσία, καλλιεργεί τη σεμνότητα, την απλότητα και την ιερότητα της οικογενειακής εστίας. Τα ολλανδικά έπιπλα έχουν μεγάλη ζήτηση και εξάγονται σε όλες τις χώρες. Στον άλλο πόλο βρίσκεται η Γαλλία, στην τέχνη της οποίας θριαμβεύει ένα υπέροχο, επίσημο στυλ.

Στη συλλογή επίπλων μας υπάρχει μόνο ένα κομμάτι που είναι χαρακτηριστικό ενός τελετουργικού σκηνικού παλατιού του 17ου αιώνα. Αυτό είναι το λεγόμενο ντουλάπι - ένα ντουλάπι με πολλά συρτάρια, διαμερίσματα και μια συρόμενη σανίδα. Κατασκευάστηκε από τεχνίτες της πόλης του Άουγκσμπουργκ, διακοσμημένο στην πρόσοψη με μεταλλικές επικαλύψεις με εικόνες ζώων και στριφτές επιχρυσωμένες κολώνες. Η σανίδα είναι κατασκευασμένη από πολύτιμο ξύλο.

Τέτοια γραφεία εμφανίστηκαν τον 16ο αιώνα. Η πατρίδα τους είναι η Ισπανία. Τα πρώτα ντουλάπια ήταν κασετίνες σε βάση. Τον 17ο αιώνα, αυτά ήταν ήδη μεγάλα ντουλάπια, τα οποία έγιναν μέρος της διακόσμησης του δωματίου, που ονομάζεται ντουλάπι. Μετάλλια, γράμματα και κοσμήματα αποθηκεύονταν σε ντουλάπια.

Το μεγαλύτερο μέρος της συλλογής ρωσικών επίπλων, που περιλαμβάνει έργα του 18ου-19ου αιώνα, κατασκευάστηκε είτε σε μικρά ιδιωτικά εργαστήρια είτε από επιπλοποιούς ευγενών κτημάτων. Οι τεχνίτες εισήγαγαν διάφορα καλλιτεχνικά γούστα στα έργα τους, όλες τις γνώσεις και δεξιότητες που είχαν συσσωρεύσει, τεχνικές επεξεργασίας ξύλου, φινίρισμα και διακόσμηση. Αντικατοπτρίστηκαν κυρίως στις μορφές των οικιακών επίπλων εκείνης της εποχής, που επηρεάστηκαν σε μεγάλο βαθμό από τη λαϊκή τέχνη. Αυτό εκδηλώθηκε όχι μόνο στις φόρμες και τη διακόσμηση, αλλά στην επιλογή και την επεξεργασία του ξύλου. Ήδη στα τέλη του 18ου αιώνα, η σημύδα και η λεύκα της Καρελίας έγιναν τα αγαπημένα υλικά. Χρησιμοποιούνται μόνο στη Ρωσία.

Κάθε χώρα στην τέχνη του επίπλου ήταν είτε ο πρόγονος ενός συγκεκριμένου στυλ, όπως η Ιταλία κατά την Αναγέννηση, είτε η γενέτειρα ενός διάσημου κατασκευαστή επίπλων, όπως ο T. Chippendale στην Αγγλία ή ο J. Jacob στη Γαλλία.

Τα ρωσικά έπιπλα αντιπροσωπεύονται κυρίως από έπιπλα του ευγενούς εσωτερικού του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα. Αυτή ήταν μια από τις πιο λαμπρές εποχές στην ιστορία της διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης στη Ρωσία, και ειδικότερα των επίπλων. Στην τέχνη των πρώτων δεκαετιών του 19ου αιώνα κυριαρχούσε το στυλ της Αυτοκρατορίας, που ξεκίνησε από τη Γαλλία και έγινε ιδιοκτησία όλης της Ευρώπης. Η Ρωσία δίνει τη δική της ιδιαίτερη, πρωτότυπη εκδοχή αυτού του στυλ, όπου έχει γίνει εκφραστής υψηλών και προοδευτικών ιδεών. Η διακοσμητικότητα που χαρακτηρίζει το στυλ της Αυτοκρατορίας, η επιθυμία για μνημειακότητα και γενίκευση των μορφών καθόρισε την επιλογή του υλικού στα έπιπλα και τη φύση της αλληλεπίδρασής του με τη μορφή και τη διακόσμηση. Τα κύρια υλικά που θα χρησιμοποιήσουν οι Ρώσοι επιπλοποιοί θα είναι το μαόνι και η καρελιανή σημύδα, που λάτρεψαν για την όμορφη ξύλινη υφή τους.

Τα έπιπλα που αποθηκεύονται στο μουσείο μας κατασκευάστηκαν κυρίως από τα χέρια δουλοπάροικων τεχνιτών και αντιπροσωπεύουν εκείνη την εκδοχή του στυλ της Αυτοκρατορίας που χρησιμοποιήθηκε ευρέως στη ζωή των ρωσικών ευγενών. Είναι πιο απλό από τα έπιπλα του παλατιού. Αυτά τα έπιπλα ήρθαν στο μουσείο μετά τη Μεγάλη Οκτωβριανή Σοσιαλιστική Επανάσταση από γύρω κτήματα και σπίτια της πόλης και έχουν όχι μόνο καλλιτεχνική, αλλά και ιστορική αξία.

Τα έπιπλα καθιστικού είναι ιδιαίτερα ποικίλα. Δύο ζευγαρωμένες πολυθρόνες με διάτρητες σκαλιστές πλάτες διακοσμημένες με επιχρυσωμένες λύρες είναι ένα παράδειγμα ρωσικών οικιακών επίπλων του πρώτου τετάρτου του 19ου αιώνα. Υπάρχουν μορφές σχεδόν χωρίς διακόσμηση, επενδυμένες με χρυσαφένια καρελιανή σημύδα με μαύρα μάτια.

Εκείνη την εποχή, ένα άλλο δωμάτιο εμφανίστηκε στο εσωτερικό του ευγενούς κτήματος, το λεγόμενο δωμάτιο καναπέ, και το απαραίτητο αξεσουάρ του ήταν ο καναπές. Συνήθως πρόκειται για μαλακούς, ορθογώνιους καναπέδες, οι κορυφές της πλάτης και των αγκώνων είναι επενδυμένες με σημύδα Καρελίας ή μαόνι, που έγινε ευρέως διαδεδομένο εκείνα τα χρόνια. Στο εσωτερικό, ο καναπές συνδυάστηκε με πολυθρόνες και τραπέζι προ-καναπέ. Τέτοιες παραλλαγές συναντάμε και στην έκθεσή μας και υποδηλώνουν το ήδη καθιερωμένο εσωτερικό στην εποχή της Αυτοκρατορίας. Αυτά τα έπιπλα διαφέρουν από τα μπροστινά έπιπλα: υπάρχει λιγότερη επιχρύσωση, αντί για μπρούντζο, χρησιμοποιείται ξύλο, επιχρυσωμένο σε gesso, και διατηρείται μια από τις παραδοσιακές μεθόδους επεξεργασίας ξύλου, τόσο αγαπημένη στους Ρώσους τεχνίτες - η σκάλισμα.

Οι συλλεκτικές δραστηριότητες του μουσείου συνεχίζονται. Τα τελευταία χρόνια οι συλλογές διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης έχουν αναπληρωθεί με ενδιαφέροντα εκθέματα, τα καλύτερα από τα οποία έχουν βρει τη θέση τους στην έκθεση.

Η έκθεση βρίσκεται στον δεύτερο όροφο του Νοτίου κτηρίου του ιστορικού και αρχιτεκτονικού συγκροτήματος του 18ου-19ου αιώνα. «Αυλή αλόγων». Παρουσιάζει στους επισκέπτες του μουσείου ένα ευρύ φάσμα εκθεμάτων που αντιπροσωπεύουν τις παραδοσιακές ρωσικές τέχνες και χειροτεχνίες. Πρόκειται για έργα παγκοσμίου φήμης κέντρων επεξεργασίας ξύλου και οστών, ζωγραφική με λάκα σε παπιέ-μασέ και μέταλλο, κορυφαίες χειροτεχνίες παιχνιδιών από πηλό, καθώς και εμπριμέ και χρυσοκέντητα φουλάρια από Ρώσους τεχνίτες, γυάλινα, πορσελάνη και πήλινα σκεύη.

Αυτά τα κέντρα είναι συγκεντρωμένα στις περιοχές της Μόσχας, του Βλαντιμίρ, του Βόλογκντα, του Ιβάνοβο, του Νίζνι Νόβγκοροντ και σε άλλες περιοχές. Η συλλογή ξεκίνησε τη δεκαετία του 1920, όταν τα λίγα έργα λαϊκών καλλιτεχνών που ήταν μεταξύ των εθνικοποιημένων θησαυρών της Λαύρας Trinity-Sergius συμπληρώθηκαν με εκθέματα από το Μουσείο της Τοπικής Περιφέρειας και το Μουσείο Optina Pustyn. Το 1941, η εκτεταμένη συλλογή του Μουσείου Λαϊκής Καλλιτεχνικής Χειροτεχνίας (MNHR) μεταφέρθηκε στο Μουσείο Sergiev Posad (τότε Zagorsky). Αποτελούνταν από περίπου σαράντα χιλιάδες εκθέματα, συμπεριλαμβανομένου ενός αριθμού μοναδικών έργων λαϊκής τέχνης και έργων πειραματικής φύσης, που εκτελούνται από δασκάλους διαφόρων κέντρων τέχνης σε εργαστήρια που δημιουργήθηκαν στη Λαϊκή Δημοκρατία της Μόσχας. Ξεκινώντας από τη δεκαετία του 1950, το μουσείο ξεκίνησε μια σκόπιμη, συστηματική απόκτηση της συλλογής της ρωσικής παραδοσιακής διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης, και αυτό το έργο έγινε ένας από τους τομείς προτεραιότητας της δραστηριότητάς του.

Σημαντική θέση στους εκθεσιακούς χώρους είναι αφιερωμένη σε έργα λαϊκών τεχνιτών και καλλιτεχνών της περιοχής Sergiev Posad. Τα παιχνίδια έφεραν ιδιαίτερη φήμη στην πόλη. Ήταν φτιαγμένα από ξύλο - σκαλιστά, γυρισμένα, ξυλουργικά. από papier-mâché και μαστίχα - με κίνηση και ήχο. Το μουσείο παρουσιάζει κούκλες σκαλισμένες από τριγωνικά τσοκ και ζωγραφισμένες - κυρίες, ουσάρους, νοσοκόμες, τις περίφημες κούκλες φωλιάσματος, δημοφιλείς στο δεύτερο μισό του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα. σετ αρχιτεκτονικών παιχνιδιών, συμπεριλαμβανομένου του «Trinity-Sergius Lavra».

Η παραγωγή παιχνιδιών στο χωριό είναι άρρηκτα συνδεδεμένη με τη βιοτεχνία παιχνιδιών Sergiev Posad. Bogorodskoe. Η μουσειακή συλλογή των σκαλιστών πλαστικών τεχνών Bogorodsk περιλαμβάνει παιχνίδια, γλυπτά, γλυπτικές συνθέσεις και έχει περίπου τέσσερις χιλιάδες εκθέματα. Μεγάλο ενδιαφέρον παρουσιάζουν τα έργα του 19ου αιώνα: «Ο στρατηγός Skobelev έφιππος» - P.F. Bardenkova, "Οδηγός με μια αρκούδα" - D.I. Puchkova; διασκεδαστικές πολυμορφικές συνθέσεις με θέματα ρωσικών λαϊκών παραμυθιών και της νέας σοβιετικής πραγματικότητας, που έγιναν τη δεκαετία του '30 του εικοστού αιώνα. (έργα των A.F. Balaev, N.E. Eroshkin, V.T. Polinov, A.G. Shishkin).

Το μουσείο διαθέτει μια μεγάλη συλλογή έργων από τα τέλη του 19ου αιώνα έως τις αρχές. ΧΧ αιώνα εκπαιδευτικά παιχνίδια και εργαστήρια τέχνης και ξυλουργικής των Sergiev Posad και Abramtsev. Πρόκειται για κουτιά, κασετίνες, έπιπλα, κατασκευασμένα σύμφωνα με δείγματα που αναπτύχθηκαν από διάσημους καλλιτέχνες S.V. Malyutin, E.D. Polenova, Απ. Μ. Βασνέτσοφ, Ν.Δ. Bartram, Vl.I. Sokolov και άλλοι. Οι εργασίες του εργαστηρίου Abramtsevo, του οποίου ηγήθηκε ο Ε.Δ. Polenova, είχε άμεση επιρροή στον σχηματισμό και την ανάπτυξη της ξυλογλυπτικής τέχνης Abramtsevo-Kudrinsk με το χαρακτηριστικό φυτικό σχέδιο με επίπεδο ανάγλυφο. Ένας από τους ιδρυτές της αλιείας ήταν ο V.P. Βορνόσκοφ. Το μουσείο φιλοξενεί πολλά έργα του πλοιάρχου, συμπεριλαμβανομένων διακοσμητικών πιάτων από τις αρχές του εικοστού αιώνα και την πύλη «Border Guard» από το 1937.

Μαζί με τις ξυλουργικές τέχνες, η κεραμική ήταν ευρέως διαδεδομένη στη Ρωσία· τα παιχνίδια συνήθως σμιλεύονταν δίπλα στα πιάτα. Αυτή η τέχνη έχει τις ρίζες της στον παγανισμό, όταν μικρές πήλινες φιγούρες, συμμετέχοντας σε μαγικές τελετουργίες, έπαιζαν το ρόλο μοναδικών λατρευτικών αντικειμένων. Το μουσείο παρουσιάζει συλλογές παιχνιδιών Kargopol (περιοχή Arkhangelsk), Filimonovskaya (περιοχή Τούλα), Abashevskaya (περιοχή Penza), Skopinskaya (περιοχή Ryazan). Μεγάλο ενδιαφέρον παρουσιάζει το παιχνίδι Dymkovo (περιοχή Κίροφ) από τα τέλη του 19ου – αρχές του 20ου αιώνα. Πρόκειται για έργα αγνώστων συγγραφέων και του Α.Α. Μεζρίνα: νοσοκόμες, κύριοι, χορευτικά ζευγάρια κ.λπ. Ένα πολύτιμο μέρος της συλλογής Dymkovo αποτελείται από έργα της δεκαετίας του 1930. Ανάμεσα στα έργα του δεύτερου μισού του εικοστού αιώνα. Η πολυμορφική σύνθεση «Wedding», που φτιάχτηκε από μια ομάδα τεχνιτών Dymkovo με επικεφαλής την E.I., ξεχωρίζει για τον διασκεδαστικό της χαρακτήρα. Koss-Denshina.

Το ξύλο ήταν ένα από τα πιο δημοφιλή υλικά στη Ρωσία και χειροτεχνίες για την καλλιτεχνική του επεξεργασία υπήρχαν σε διάφορες περιοχές. Μαζί με τον Sergiev Posad, το μουσείο παρουσιάζει πληρέστερα τις χειροτεχνίες της περιοχής Nizhny Novgorod - Khokhloma και Gorodets. Τα ανοιχτόχρωμα ξύλινα μπολ Khokhloma, τα μπράτιν, τα γλείφματα αλατιού, ζωγραφισμένα με φωτεινά φυτικά σχέδια και που θυμίζουν πολύτιμα χρυσά αγγεία, ήταν ευρέως γνωστά ήδη από τον 19ο αιώνα. Η παραγωγή τους γινόταν παραδοσιακά από αγρότες σε πολλά χωριά που βρίσκονται στο έδαφος της σύγχρονης περιοχής Koverninsky της περιοχής Nizhny Novgorod. Ανάμεσα στα εκθέματα της συλλογής του μουσείου είναι δείγματα αγροτικών σκευών του 19ου αιώνα. και έπιπλα από τη δεκαετία του 1930 με ασυνήθιστη ζωγραφική για το "Khokhloma" σε λευκό και ασημί φόντο.

Η βιοτεχνία Gorodets άρχισε να διαμορφώνεται στα τέλη του 18ου αιώνα, όταν αγρότες από μια σειρά μικρών χωριών που βρίσκονται κοντά στο μεγάλο εμπορικό χωριό Gorodets άρχισαν να φτιάχνουν πυθμένα με περιστρεφόμενους τροχούς προς πώληση. Οι γυναίκες κάθονταν πάνω τους ενώ εργάζονταν, στερεώνοντας μια ψηλή χτένα με λινό ή μάλλινο ρυμουλκούμενο σε μια ειδική τρύπα. Ωστόσο, προσπάθησαν να κάνουν τον πάτο όμορφο: ήταν πηγή υπερηφάνειας για την οικοδέσποινα, το εκτιμούσαν και το φρόντιζαν και μετά τη δουλειά το τοποθετούσαν στον τοίχο ως διακόσμηση για το σπίτι. Στη διακόσμηση των Donets χρησιμοποίησαν μια πολύ σπάνια τεχνική στη ρωσική λαϊκή τέχνη ένθετο με κομμάτια από σκούρα βαλανιδιά. Μέχρι τη δεκαετία του 1870, πέρασαν από το σκάλισμα με ένθετο στη ζωγραφική· πλούσια «τριαντάφυλλα», ιππείς, σκηνές τσαγιού και γιορτές απεικονίζονταν με γρήγορες, γραφικές πινελιές. Μέχρι τη δεκαετία του 1920, η ανάγκη για ντόνατς εξαφανίστηκε και οι καλλιτέχνες του Gorodets άρχισαν να χρησιμοποιούν ευρέως τις ζωγραφικές τους δεξιότητες στη διακόσμηση άλλων αντικειμένων: κουτιά, κασετίνες, διακοσμητικά πάνελ, παιχνίδια.

Η συλλογή Gorodets του μουσείου όχι μόνο μας επιτρέπει να εντοπίσουμε τα κύρια στάδια ανάπτυξης αυτού του κέντρου από τα τέλη του 18ου έως τα τέλη του 20ου αιώνα, αλλά δίνει επίσης μια ιδέα για το έργο σχεδόν όλων των δασκάλων που άφησε αξιοσημείωτο σημάδι στην ιστορία της. Η συλλογή περιλαμβάνει έργα αναγνωρισμένα ως «κλασικά» παραδείγματα τέχνης Gorodets: Donets A.V. και L.V. Melnikovs, G.L. Polyakov, V.K. Smirnov, πάνελ του Ι.Κ. Mazin, οθόνη των I.K. Lebedev και D.I. Κριούκοβα και άλλοι.
Τα ρωσικά καλλιτεχνικά βερνίκια είναι παγκοσμίως γνωστά. Η συλλογή του μουσείου σας επιτρέπει να αντικατοπτρίσετε την ιστορία τους και σας εισάγει σε όλα τα μεγάλα κέντρα της ζωγραφικής με λάκα. Το μουσείο εκθέτει ζωγραφισμένους μεταλλικούς δίσκους από το Nizhny Tagil και το Zhostovo (περιοχή της Μόσχας), αντικείμενα «λάκας» κατασκευασμένα από papier-mâché του 19ου - 20ού αιώνα. χωριό κοντά στη Μόσχα Fedoskino, καθώς και τα κέντρα των περιοχών Ivanovo και Vladimir: Palekh, Kholuy και Mstera, όπου η τέχνη της μινιατούρας με λάκα αναπτύχθηκε μόνο στη σοβιετική εποχή και βασίστηκε στις καθιερωμένες παραδόσεις της ζωγραφικής εικόνων. Από τη δεκαετία του 1830, στο εργαστήριο του Ο.Φ. Ο Vishnyakov, που βρίσκεται στο χωριό Zhostovo, μαζί με προϊόντα papier-mâché, άρχισε να κατασκευάζει μεταλλικούς δίσκους. Σταδιακά, η αλιεία απέκτησε αυτοτελή σημασία. Κατά τη διακόσμηση των δίσκων, άρχισαν να προτιμώνται οι floral συνθέσεις ζωγραφισμένες με πλούσιες, γραφικές πινελιές.

Ιδιαίτερη αξία έχει η συλλογή μινιατούρες από λάκα Palekh από το 1920-1930, που περιλαμβάνει έργα πολύ υψηλού καλλιτεχνικού επιπέδου. Ανάμεσά τους είναι έργα καλλιτεχνών που συμμετείχαν στο «Palekh Artel of Ancient Painting» που δημιουργήθηκε το 1924: A.V. Kotukhina, I.V. Μαρκίτσεβα, Ι.Μ. Bakanova, Ι.Π. Vakurova, Ι.Ι. Zubkova και άλλοι, συμπεριλαμβανομένων των βιρτουόζων έργων του ιδρυτή της ζωγραφικής με λάκα στο Palekh, I.I. Golikova.

Η ιστορία των κέντρων κοντά στη Μόσχα (το χωριό Fedoskino και το χωριό Zhostovo) χρονολογείται από τα τέλη του 18ου αιώνα, όταν ο έμπορος P.I. Ο Korobov οργάνωσε μια επιχείρηση για την παραγωγή προϊόντων βερνικιού από papier-mâché στο χωριό. Danilkov, που βρίσκεται κοντά στο χωριό. Fedoskino. Σύντομα η αλιεία εξαπλώθηκε σε όλη την περιοχή. Η συλλογή του μουσείου παρουσιάζει τα έργα του εργοστασίου Lukutin (διαδόχων του P.I. Korobov) και των μικρών αγροτικών επιχειρήσεων στα χωριά Ostashkovo, Zhostovo, Sorokino και άλλα που βρίσκονται στο Trinity volost της περιοχής της Μόσχας. Τα πρώτα έργα της συλλογής χρονολογούνται στα μέσα του 19ου αιώνα. Τα προϊόντα αυτών των εργαστηρίων είναι στυλιστικά ομοιογενή: κουτιά, κασετίνες, τσιγαροθήκες, πορτοφόλια και ταμπακιέρα από παπιέ-μασέ είναι διακοσμημένα με γραφικές, ρεαλιστικά ερμηνευμένες μινιατούρες με έντονο εθνικό θέμα. Παραδοσιακές εικόνες «τρόικας», «πάρτι τσαγιού», σκηνές από τη ζωή των αγροτών, κατά κανόνα, είναι δωρεάν αντίγραφα καβαλέτα ζωγραφικής και γραφικά έργα Ρώσων καλλιτεχνών.
Εξέχουσα θέση στην έκθεση έχει μια συλλογή από ρωσικά κασκόλ και εσάρπες. Πρόκειται για κασκόλ κεντημένα με «χρυσές» κλωστές και άλλα προϊόντα τεχνιτών από Tver και Nizhny Novgorod και κομψά εμπριμέ σάλια από κορυφαίες επιχειρήσεις της Μόσχας και της περιοχής της Μόσχας του 19ου – αρχές του 20ου αιώνα. Ο μεγαλύτερος και επί του παρόντος ο μοναδικός κατασκευαστής μάλλινων εμπριμέ κασκόλ και σάλιων στη Ρωσία είναι ο Pavlovsky Posad κοντά στη Μόσχα, όπου η παραγωγή τους κυριαρχήθηκε στις αρχές της δεκαετίας του 1860 σε ένα εργοστάσιο που ανήκε στους εμπόρους Ya.I. Labzin και V.I. Γκριάζνοφ. Η παραγωγή σάλιων ήταν σχεδόν εξ ολοκλήρου χειρωνακτική. Τα σχέδια εφαρμόστηκαν στο ύφασμα χρησιμοποιώντας σκαλιστές ξύλινες σανίδες, "λουλούδι" και "τρόπους". Ένα αγαπημένο μοτίβο στα σχέδια των σάλιων Pavlovsk, καθώς και των δίσκων Zhostovo, ήταν εικόνες λουλουδιών. Ανάμεσα στα εκθέματα του μουσείου είναι σάλια Pavlovo Posad από διαφορετικές εποχές. Πρόκειται για κασκόλ του θρυλικού σχεδιαστή του 19ου αιώνα. S.V. Postigov «Πέταλο» και «Διαζύγιο» και τα έργα των συγχρόνων μας E.P. Regunova, K.S. Ζινόβιεβα, Ι.Ρ. Dadonova και άλλοι.

Οι καλλιτεχνικές τέχνες αποτελούν σημαντικό μέρος του εθνικού πολιτισμού της Ρωσίας. Τα έργα που παρουσιάζονται στο μουσείο μαρτυρούν το μεγάλο ταλέντο των Ρώσων δασκάλων, το λεπτό καλλιτεχνικό γούστο και την πρωτοτυπία του ταλέντου τους.

Το κόκκαλο είναι ένα πολύ ελκυστικό υλικό για τους Ρώσους τεχνίτες, ποικίλλει ως προς τις διακοσμητικές του ιδιότητες και τις τεχνικές του δυνατότητες. Ήδη τον 17ο αιώνα. Οι παραδόσεις της τέχνης σκάλισμα των οστών άρχισαν να αναπτύσσονται στην περιοχή οικισμού Kholmogory της επαρχίας Arkhangelsk. Οι τεχνίτες του Kholmogory, μαζί με τον ταρσό (συνηθισμένο κόκκαλο ζώου), χρησιμοποιούσαν κόκκαλο θαλάσσιου ίππου και σπανιότερα κόκκαλο μαμούθ, προϊόντα από τα οποία εκτιμήθηκαν ιδιαίτερα. Τα πιο δημοφιλή προϊόντα ήταν χτένες, κουτιά, κασετίνες και κασετίνες, διακοσμημένα με τα καλύτερα φυτικά μοτίβα, εικόνες ζώων και πτηνών, φτιαγμένες με διάτρητα σκαλίσματα και γκραβούρες. Στο δεύτερο μισό του XIX - αρχές του ΧΧ αιώνα. Το σκάλισμα των οστών ασκήθηκε στο Μοναστήρι Trinity-Sergius και στο Sergiev Posad, όπως αποδεικνύεται από την υπογραφή εικόνα «Trinity» του 1869 που παρουσιάστηκε στην έκθεση, κατασκευασμένη από τον Ivan Ilyin (μοναχός Jonah) και μια μικρή εικόνα από ελεφαντόδοντο που απεικονίζει τον Sergius of Radonezh από ντόπιους. κύριος Ι .ΜΕ. Χρουστάσεβα.

Οι παραδόσεις της μινιατούρας οστών και ξυλογλυπτικής που αναπτύχθηκαν εδώ επηρέασαν την καθιέρωση της οστικής γλυπτικής στην πόλη Khotkovo, που βρίσκεται κοντά στο Sergiev Posad, στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1940. Η πρωτοτυπία αυτού του κέντρου εκδηλώθηκε με τη χρήση διαφόρων τεχνικών επεξεργασίας οστών, τον συνδυασμό του οστού με το ξύλο και την ευρεία χρήση του ταρσού. Αυτά τα χαρακτηριστικά ενσωματώθηκαν ιδιαίτερα έντονα στα έργα της δεκαετίας του 1950, ιδίως στο κουτί του V.E. Loginov "Michurin", τα οστέινα ένθετα του οποίου κατασκευάζονται αριστοτεχνικά χρησιμοποιώντας την πρωτότυπη τεχνική της πολύπλευρης ανακούφισης. Η έκθεση του μουσείου παρέχει επίσης την ευκαιρία να γνωρίσετε τα έργα των παραδοσιακών τεχνών καλλιτεχνικής επεξεργασίας οστών, που αναπτύχθηκαν στην ανατολική Ρωσία: Tyumen (Tobolsk), Yakutia, Chukotka. Η ταυτότητα καθενός από αυτά βασίζεται στις εθνοτικές και καλλιτεχνικές παραδόσεις του τοπικού πληθυσμού.

Με τα χρόνια της ύπαρξής του, το μουσείο έχει συσσωρεύσει μια πλούσια συλλογή από ρωσικό γυαλί και πορσελάνη. Αυτοί οι τύποι εφαρμοσμένης τέχνης αναπτύχθηκαν ραγδαία στη Ρωσία τον 18ο-19ο αιώνα. Στις αίθουσες του μουσείου μπορείτε να δείτε προϊόντα από εργοστάσια εκείνης της εποχής, διαφορετικά σε σκοπό, μορφή, τεχνική και στυλ: τα αυτοκρατορικά εργοστάσια πορσελάνης και γυαλιού στην Αγία Πετρούπολη, ιδιωτικά εργοστάσια πορσελάνης Gardner, Popov, Kuznetsov, Kornilov, γυαλί εργοστάσια - Maltsov, Bakhmetev, κ.λπ. Ανάμεσα στα εκθέματα είναι τα πιο σπάνια δείγματα ρωσικού γυαλιού και κεραμικής, όπως, για παράδειγμα, χαραγμένα γυάλινα κύπελλα από τον 18ο αιώνα. ή προϊόντα majolica κατασκευασμένα σε ένα από τα πρώτα εργοστάσια κεραμικής στη Ρωσία, που άνοιξε το 1724 στη Μόσχα από τον έμπορο A.K. Γκρεμπενσσίκοφ. Το μουσείο φιλοξενεί μια υπέροχη συλλογή από γλυπτά από πορσελάνη, συμπεριλαμβανομένων γλυπτών διαφόρων ειδών και μιας ολόκληρης σειράς - "Λαοί της Ρωσίας", που τον 19ο αιώνα. επαναλήφθηκε πολλές φορές στα εργοστάσια Gardner και Kuznetsov κοντά στη Μόσχα.
Η συλλογή γυαλιού και πορσελάνης της σοβιετικής και μετασοβιετικής περιόδου αντιπροσωπεύεται κυρίως από έργα της δεκαετίας 1960-1980, κατασκευασμένα από κορυφαίους τεχνίτες και καλλιτέχνες από τα μεγαλύτερα εργοστάσια της Ρωσίας. Στην ιστορία της οικιακής πορσελάνης, την ηγετική θέση κατείχε πάντα το Εργοστάσιο Πορσελάνης του Λένινγκραντ που πήρε το όνομά του από τον M.V. Lomonosov (πρώην Imperial) και δύο εργοστάσια κοντά στη Μόσχα: το εργοστάσιο πορσελάνης Dmitrovsky (πρώην Gardner) και το εργοστάσιο πορσελάνης Dulevo που πήρε το όνομά του από την εφημερίδα "Pravda" (πρώην Kuznetsovsky). Αυτές οι επιχειρήσεις αντιπροσωπεύουν δύο πρωτότυπα και ζωντανά σχολεία με το δικό τους στυλ, υψηλή κουλτούρα εργασίας με υλικά και πλούσιες παραδόσεις. Η διαφορά μεταξύ των δύο σχολείων πορσελάνης είναι ότι κληρονόμησαν διαφορετικά ιστορικά στρώματα του ρωσικού πολιτισμού: η Μόσχα καθοδηγήθηκε από τη λαϊκή παράδοση, η Λένινγκραντ - από την άκρως επαγγελματική τέχνη του 18ου - 19ου αιώνα, που ακολούθησε την πανευρωπαϊκή εξέλιξη. .

Η συλλογή του μουσείου περιέχει εξαιρετικά και επίσημα έργα καλλιτεχνών από την Αγία Πετρούπολη (Λένινγκραντ), που διακρίνονται για το λεπτό καλλιτεχνικό τους γούστο και την κλασική αίσθηση της αναλογίας: A.V. Vorobievsky, A.A. Yatskevich, V.M. Gorodetsky, N.P. Slavina, I.S. Olevskoy; Σύμφωνα με τη μορφή και τη ζωγραφική με την κατανόηση του λαού για την ομορφιά, φωτεινά, επιβεβαιωτικά έργα καλλιτεχνών της περιοχής της Μόσχας: P.V. Λεόνοβα. VC. Yasnetsova, N.N. Ropova και άλλοι Στην έκθεση μπορείτε επίσης να γνωρίσετε τη συλλογή γυαλιού και κρυστάλλου του δεύτερου μισού του εικοστού αιώνα. Μορφές επιτραπέζιων σκευών, διακοσμητικά βάζα και σετ, ογκομετρικές-χωρικές συνθέσεις, γυάλινο πλαστικό κατασκευάστηκαν χρησιμοποιώντας μια ποικιλία τεχνικών και τεχνολογιών από κορυφαίους καλλιτέχνες των παλαιότερων εργοστασίων γυαλιού στη Ρωσία. Αυτό είναι ένα φυτό στην πόλη Gus-Khrustalny, στην περιοχή Βλαντιμίρ (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. Muratov). εργοστάσιο γυαλιού "Red May" στην περιοχή Vyshnevolotsky της περιοχής Tver (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya). Dyatkovo Crystal Factory (M.V. Grabar, V.V. Soyver, V.Ya. Shevchenko).

Το καμάρι της συλλογής του μουσείου είναι η αρκετά σημαντική συλλογή του Εργοστασίου Τέχνης Γυαλιού του Λένινγκραντ, οι δραστηριότητες του οποίου συνδέονται με το έργο τέτοιων δασκάλων εφαρμοσμένης τέχνης όπως ο L.O. Jurgen, Α.Α. Astvatsaturyan, A.M. Ostroumov, E.V. Yanovskaya, Kh.M. Pyld, Β.Α. Eremin, Yu.M. Μπιάκοφ. Τα περισσότερα από τα έργα από γυαλί και πορσελάνη είναι μοναδικά παραδείγματα που δημιουργήθηκαν για μεγάλες διεθνείς ή εθνικές εκθέσεις. Έτσι, όσον αφορά την ποικιλομορφία, την πληρότητα της αναπαράστασης μεμονωμένων κέντρων και το υψηλό καλλιτεχνικό επίπεδο των έργων που περιλαμβάνονται σε αυτό, η συλλογή ρωσικής παραδοσιακής διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης του μουσείου μπορεί να χαρακτηριστεί ως μία από τις καλύτερες της χώρας. Τα έργα που το απαρτίζουν μαρτυρούν το μεγάλο ταλέντο των Ρώσων δασκάλων, το λεπτό καλλιτεχνικό γούστο και την πρωτοτυπία του ταλέντου τους.

Η ιστορία της Ρωσίας στα τέλη του 17ου - πρώτο τέταρτο του 18ου αιώνα είναι αδιαχώριστη από το όνομα μιας από τις μεγαλύτερες πολιτικές φυσιογνωμίες στη Ρωσία - Peter I. Σημαντικές καινοτομίες εισέβαλαν αυτή τη στιγμή όχι μόνο στον τομέα του πολιτισμού και της τέχνης, αλλά και βιομηχανία - μεταλλουργία, ναυπηγική κλπ. Στις αρχές του 18ου αιώνα εμφανίστηκαν οι πρώτοι μηχανισμοί και μηχανές επεξεργασίας μετάλλων. Πολλά έχουν γίνει σε αυτόν τον τομέα από τους Ρώσους μηχανικούς Nartov, Surnin, Sobakin και άλλους.

Ταυτόχρονα, μπαίνουν οι βάσεις του κρατικού συστήματος γενικής και ειδικής αγωγής. Το 1725 ιδρύθηκε η Ακαδημία Επιστημών, με ένα τμήμα καλλιτεχνικής χειροτεχνίας.

Α. Νάρτοφ.Τόρνος. Η εποχή του Πέτρου. XVIII αιώνα

Τον 18ο αιώνα διαμορφώθηκαν νέες αρχές αρχιτεκτονικής και πολεοδομίας.Η περίοδος αυτή σημαδεύτηκε από την ενίσχυση των χαρακτηριστικών του δυτικοευρωπαϊκού μπαρόκ (Ολλανδία, Αγγλία) στη διαμόρφωση προϊόντων.

Ως αποτέλεσμα των πρωτοβουλιών του Πέτρου Α, τα προϊόντα παραδοσιακών ρωσικών μορφών εξαφανίζονται γρήγορα από τη βασιλική και αριστοκρατική ζωή του παλατιού, αν και εξακολουθούν να παραμένουν στα σπίτια των μαζών του αγροτικού και αστικού πληθυσμού, καθώς και στην εκκλησιαστική χρήση. . Ήταν στο πρώτο τέταρτο του 18ου αιώνα που εμφανίστηκε μια σημαντική διαφορά στη στυλιστική εξέλιξη, η οποία παρέμεινε χαρακτηριστική της επαγγελματικής δημιουργικότητας και της λαϊκής τέχνης για μεγάλο χρονικό διάστημα. Στην τελευταία αναπτύσσονται άμεσα και οργανικά οι αιωνόβιες παραδόσεις της εφαρμοσμένης τέχνης της Ρωσίας, της Ουκρανίας, της Εσθονίας κ.λπ.

Οι κανόνες της ευγενούς ζωής απαιτούν μια επίδειξη πλούτου, πολυπλοκότητας και λαμπρότητας στη ζωή ενός κυρίαρχου ατόμου. Οι μορφές του παλιού τρόπου ζωής, συμπεριλαμβανομένου του Μεγάλου Πέτρου (ακόμα επιχειρηματικό και αυστηρό), αντικαταστάθηκαν τελικά από τα μέσα του 18ου αιώνα. Την κυρίαρχη θέση στη ρωσική τέχνη κατέχει το λεγόμενο στυλ ροκοκό, που λογικά ολοκλήρωσε τις τάσεις του ύστερου μπαρόκ. Οι τελετουργικοί εσωτερικοί χώροι αυτής της εποχής, για παράδειγμα, ορισμένα δωμάτια των ανακτόρων Peterhof και Tsarskoye Selo, είναι σχεδόν εξ ολοκλήρου διακοσμημένα με περίτεχνα σκαλίσματα.

Τα γενικά χαρακτηριστικά της διακόσμησης με rocaille (καμπυλότητα γραμμών, άφθονη και ασύμμετρη διάταξη στυλιζαρισμένων ή κοντά στη φύση λουλουδιών, φύλλων, κοχυλιών, ματιών κ.λπ.) αναπαράγονται πλήρως στη ρωσική αρχιτεκτονική και έπιπλα εκείνης της εποχής, κεραμικά, ρούχα, άμαξες, τελετουργικά όπλα κλπ κλπ. Όμως η ανάπτυξη της ρωσικής εφαρμοσμένης τέχνης ακολούθησε παρόλα αυτά μια εντελώς ανεξάρτητη πορεία. Παρά την άνευ όρων ομοιότητα των μορφών των δικών μας προϊόντων με τα δυτικοευρωπαϊκά, δεν είναι δύσκολο να παρατηρήσετε τις διαφορές μεταξύ τους. Έτσι, αλλά σε σύγκριση με τα γαλλικά, τα ρωσικά έπιπλα έχουν πολύ πιο ελεύθερα σχήματα και είναι πιο απαλά στο περίγραμμα και στο σχέδιο. Οι δάσκαλοι διατήρησαν ακόμη τις δεξιότητες της λαϊκής γλυπτικής, μεγαλύτερες και πιο γενικευμένες από ό,τι στη Δύση. Όχι λιγότερο χαρακτηριστική είναι η πολυχρωμία των ρωσικών προϊόντων και ο συνδυασμός επιχρύσωσης και ζωγραφικής, που σπάνια συναντάται στη Γαλλία, αλλά είναι αποδεκτός παντού στη Ρωσία.

Από τη δεκαετία του '60 του 18ου αιώνα, ξεκίνησε μια μετάβαση στον κλασικισμό στη ρωσική αρχιτεκτονική με τις λακωνικές και αυστηρές μορφές της, στράφηκε στην αρχαιότητα και χαρακτηρίστηκε από μεγάλη συγκράτηση και χάρη. Η ίδια διαδικασία συμβαίνει και στην εφαρμοσμένη τέχνη.

Στη διάταξη, τον εξοπλισμό και τη διακόσμηση των αρχοντικών και των ανακτόρων της πόλης (αρχιτέκτονες Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov κ.λπ.) εμφανίζεται μια σαφής συμμετρία και αναλογική σαφήνεια. Οι τοίχοι των δωματίων (ανάμεσα στα παράθυρα ή απέναντί ​​τους) είναι κρυμμένοι με καθρέφτες και πάνελ από μεταξωτό δαμασκηνό, διακοσμητικά βαμβακερά υφάσματα και ύφασμα.

.

Καναπές σε στυλ ροκοκό. Ρωσία (θραύσμα). Μέσα 18ου αιώνα

Καρέκλα κλασικού στυλ. Ρωσία. Δεύτερο μισό του 18ου αιώνα.

Τα δάπεδα είναι κατασκευασμένα από ξύλο διαφόρων ειδών και μερικές φορές καλύπτονται με καμβά ή ύφασμα. οι οροφές είναι βαμμένες (για παράδειγμα, χρησιμοποιώντας την τεχνική grisaille, μίμηση ανάγλυφης μοντελοποίησης). Αντί για στοιβαγμένο παρκέ, χρησιμοποιούνται σανίδες ελάτης "κάτω από κερί". Οι τοίχοι και οι οροφές καλύπτονται συχνά με ύφασμα ή καλύπτονται με ταπετσαρία. Αν στα κύρια δωμάτια τοποθετούνται μαρμάρινα τζάκια εντυπωσιακού μεγέθους, τότε στα οικεία δωμάτια χτίζονται πιο παραδοσιακές σόμπες σε τραπέζια ή πόδια, επενδεδυμένες με πλακάκια. Η διαφορά στα φωτιστικά είναι εξίσου αισθητή: στις αίθουσες υπάρχουν κοσμηματοπωλεία και ακριβοί πολυέλαιοι, κηροπήγια, απλίκες, στους θαλάμους υπάρχουν πολύ πιο μέτρια κηροπήγια και λάμπες. Υπάρχει ακόμη μεγαλύτερη αντίθεση στα σχήματα των επίσημων και οικιακών επίπλων. Όλα αυτά μιλούν όχι τόσο για την επιθυμία των ιδιοκτητών των παλατιών και των αρχοντικών να εξοικονομήσουν χρήματα, αλλά για την εκ μέρους τους θεώρηση του θεματικού περιβάλλοντος ως σημαντικό παράγοντα στην ψυχολογικά κατάλληλη ατμόσφαιρα.

Τα περισσότερα έπιπλα και μια σειρά από άλλα προϊόντα στα τέλη του 18ου και στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα δεν χρειάζονταν συνεχώς. Εάν δεν υπήρχε ανάγκη, είτε αφαιρούνταν είτε μεταφέρονταν σε ανενεργά χρησιμοποιούμενα μέρη των χώρων. Τα έπιπλα καθίσματος πρέπει να καλύπτονται. Από την ίδια άποψη, τα μετασχηματιζόμενα έπιπλα με επιφάνεια εργασίας έχουν λάβει μεγάλη ανάπτυξη - τραπέζια τσαγιού και καρτών, ένα πτυσσόμενο τραπέζι φαγητού, ένα τραπέζι για κεντήματα, ένα σύστημα ανομοιόμορφων-υψηλών τραπεζιών που ταιριάζουν το ένα κάτω από το άλλο κ.λπ. Όλα αυτά αυξήθηκαν σημαντικά την άνεση της ζωής, τη λεπτή διαφοροποίηση της λειτουργικής υποστήριξης και την ποικιλία εμφάνισης των χώρων σε διαφορετικές καθημερινές καταστάσεις. Παράλληλα, επισημάνθηκαν ιδιαίτερα μια σειρά από καθημερινές διεργασίες που λάμβαναν χώρα έξω από το κτίριο τη ζεστή εποχή -στη βεράντα και στο πάρκο. Ως αποτέλεσμα, νέοι τύποι προϊόντων έγιναν ευρέως διαδεδομένοι - έπιπλα κήπου, τέντες ομπρελών, λάμπες πάρκου κ.λπ. Τον 18ο αιώνα, οργανώθηκαν εργαστήρια δουλοπάροικων σε μεμονωμένα κτήματα, παράγοντας αρκετά μεγάλες παρτίδες επίπλων, πορσελάνης, χαλιών και άλλων προϊόντων.

Στα τέλη του 18ου αιώνα, στον εξοπλισμό μεγάλων ανακτόρων, ο διαχωρισμός της πραγματικής σχεδίασης προϊόντων (έπιπλα, λάμπες, ρολόγια, ταπετσαρίες και άλλα σκεύη και έπιπλα) ως ειδικός τομέας δημιουργικής δραστηριότητας από την βιοτεχνική παραγωγή τους. επηρέαζε ήδη αισθητά. Τον ρόλο των σχεδιαστών παίζουν κυρίως αρχιτέκτονες και επαγγελματίες καλλιτέχνες. Η παραγωγή προϊόντων για τη μαζική αγορά χρησιμοποιεί μηχανήματα και μηχανικές μεθόδους επεξεργασίας υλικών, μετατρέποντας τον μηχανικό σε ηγετική φυσιογνωμία στην παραγωγή. Αυτό οδηγεί σε παραμόρφωση και απώλεια των υψηλών αισθητικών ιδιοτήτων που ενυπάρχουν στα καταναλωτικά προϊόντα, στον διαχωρισμό της βιομηχανίας από την τέχνη. Αυτή η τάση ήταν φυσική στις συνθήκες της καπιταλιστικής ανάπτυξης της κοινωνίας και μια από τις κύριες για ολόκληρο τον 19ο αιώνα.

Κατά τη διάρκεια της εντατικής ανάπτυξης των καπιταλιστικών σχέσεων στη Ρωσία τον 19ο αιώνα, η βιομηχανική παραγωγική ικανότητα αυξήθηκε. Στα μέσα του 19ου αιώνα, υπήρχε ήδη επείγουσα ανάγκη για καλλιτεχνικά επαγγελματικό προσωπικό κατασκευαστών προϊόντων και τεχνιτών. Για την εκπαίδευσή τους άνοιξαν εξειδικευμένα εκπαιδευτικά ιδρύματα στη Μόσχα (Κόμης Στρογκάνοφ) και στην Αγία Πετρούπολη (Βαρόνος Στίγκλιτς). Το ίδιο το όνομά τους - «τεχνικές σχολές σχεδίου» - μιλά για την εμφάνιση ενός νέου τύπου καλλιτέχνη. Από το 1860, έχει αναπτυχθεί ειδική εκπαίδευση χειροτεχνίας για κορυφαίους ερμηνευτές. Πολλά βιβλία εκδίδονται για την τεχνολογία επεξεργασίας διαφόρων υλικών: ξύλο, μπρούτζος, σίδηρος, χρυσός κ.λπ. Εκδίδονται εμπορικοί κατάλογοι, που αντικαθιστούν το περιοδικό Economic Store που είχε εκδοθεί παλαιότερα. Από τα μέσα του 19ου αιώνα έχουν διαμορφωθεί επιστήμες που σχετίζονται με θέματα υγιεινής της εργασίας και χρήσης ειδών οικιακής χρήσης. Ωστόσο, καθ' όλη τη διάρκεια του 19ου αιώνα, όλα τα μαζικά εργοστασιακά προϊόντα παρέμειναν καλλιτεχνικά πλήρως υποταγμένα στην αδιαίρετα κυρίαρχη ιδέα της ομορφιάς ως διακοσμητικού και διακοσμητικού σχεδίου προϊόντων. Συνέπεια αυτού ήταν η εισαγωγή στιλιστικών στοιχείων του κλασικισμού στο σχήμα των περισσότερων προϊόντων: σύνθετα φινιρίσματα προφίλ, κολώνες με αυλάκια, ρόδακες, γιρλάντες, στολίδια βασισμένα σε αρχαία μοτίβα κ.λπ. Σε πολλές περιπτώσεις, αυτά τα στοιχεία εισήχθησαν σε σχήματα ακόμη και βιομηχανικού εξοπλισμού - εργαλειομηχανών.

Στη στυλιστική ανάπτυξη της εφαρμοσμένης τέχνης και των προϊόντων οικιακής χρήσης τον 19ο αιώνα, τρεις κύριες περίοδοι διακρίνονται χρονολογικά συμβατικά: η συνέχιση των τάσεων του κλασικισμού σύμφωνα με το λεγόμενο στυλ Empire (το πρώτο τέταρτο του αιώνα). ύστερος κλασικισμός (περίπου 1830-1860) και εκλεκτικισμός (μετά τη δεκαετία του 1860).

Το πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα σημαδεύτηκε από μια γενική άνοδο του ιδεολογικού πνεύματος και του κατασκευαστικού εύρους στη ρωσική αρχιτεκτονική, που προκάλεσε σημαντική αναβίωση στις εφαρμοσμένες τέχνες.

Πολυθρόνα σε στυλ Empire. Πρώτο τέταρτο του 19ου αιώνα.

Η νίκη στον πόλεμο του 1812 επιταχύνει σε ένα βαθμό και ολοκληρώνει τη διαδικασία διαμόρφωσης του ρωσικού εθνικού πολιτισμού, που αποκτά πανευρωπαϊκή σημασία. Οι δραστηριότητες των πιο διάσημων αρχιτεκτόνων - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, στενά συνδεδεμένες με τον κλασικισμό της προηγούμενης εποχής, εμφανίστηκαν μόνο την πρώτη δεκαετία του αιώνα. Αντικαθίστανται από έναν γαλαξία τόσο υπέροχους δασκάλους όπως ο Rossi, ο Stasov, ο Grigoriev, ο Bove, που έφεραν νέες ιδέες και ένα διαφορετικό στυλιστικό πνεύμα στη ρωσική τέχνη.

Η σοβαρότητα και η μνημειακότητα είναι χαρακτηριστικά γνωρίσματα της αρχιτεκτονικής και των μορφών διαφόρων ειδών οικιακής χρήσης στο στυλ της Αυτοκρατορίας. Στο τελευταίο, τα διακοσμητικά μοτίβα αλλάζουν αισθητά, ή μάλλον, η τυπολογία τους επεκτείνεται με τη χρήση διακοσμητικών συμβόλων της Αρχαίας Αιγύπτου και της Ρώμης - γρύπες, σφίγγες, προσόψεις, στρατιωτικά χαρακτηριστικά («τρόπαια»), στεφάνια συνυφασμένα με γιρλάντα κ.λπ. Με παραδείγματα του πρώιμου κλασικισμού γενικά, η ποσότητα της διακόσμησης, το "οπτικό βάρος" της στη σύνθεση του σχεδιασμού των προϊόντων αυξάνεται. Η μνημειοποίηση, μερικές φορές σαν η χονδροποίηση των μορφών, συμβαίνει λόγω της μεγαλύτερης γενίκευσης και γεωμετρίας των κλασικών διακοσμητικών μοτίβων - μπορντούρες, στεφάνια, λύρες, πανοπλίες κ.λπ., που απομακρύνονται όλο και περισσότερο από τα πραγματικά πρωτότυπα τους. Η ζωγραφική αντικειμένων (σκηνές, τοπία, ανθοδέσμες) εξαφανίζεται σχεδόν εντελώς. Το στολίδι τείνει να είναι κηλιδωτό, με περίγραμμα και εφαρμόσιμο. Τα περισσότερα προϊόντα, ειδικά τα έπιπλα, γίνονται μεγάλα, ογκώδη, αλλά ποικίλλουν σε συνολική διαμόρφωση και σιλουέτα. Η βαρύτητα του στυλ της Αυτοκρατορίας στα έπιπλα σχεδόν εξαφανίστηκε ήδη από τη δεκαετία του 1830.

Από τα μέσα του 19ου αιώνα ξεκίνησαν νέες αναζητήσεις στον τομέα της αρχιτεκτονικής, της εφαρμοσμένης και της βιομηχανικής δημιουργικότητας.

Ένα πανευρωπαϊκό καλλιτεχνικό κίνημα γεννήθηκε, με το όνομα «Biedermeier», που πήρε το όνομά του από την αστική τάξη ενός από τους χαρακτήρες του Γερμανού συγγραφέα L. Eichrodt (το έργο δημοσιεύτηκε τη δεκαετία του 1870) με το ιδανικό του για άνεση και οικειότητα.

Εργοστασιακό σίδερο. Ρωσία. Δεύτερο μισό 11ου αιώνα.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, η χειρωνακτική εργασία εκτοπίστηκε περαιτέρω από την παραγωγή χρηστικών προϊόντων οικιακής χρήσης. Με το πέρασμα των αιώνων, οι μέθοδοι και οι τεχνικές της καλλιτεχνικής τους λύσης, οι αρχές της διαμόρφωσης της μορφής, που αναπτύχθηκαν στο πέρασμα των αιώνων, έρχονται σε σύγκρουση με τις νέες οικονομικές τάσεις στη μαζική παραγωγή και την κερδοφορία της παραγωγής πραγμάτων για την αγορά. Η απάντηση στη μεταβαλλόμενη κατάσταση είναι διπλή. Μερικοί κύριοι -οι περισσότεροι από αυτούς- κάνουν συμβιβασμούς. Θεωρώντας απαραβίαστη την παραδοσιακή θεώρηση όλων των καθημερινών πραγμάτων ως αντικείμενα διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης, αρχίζουν να προσαρμόζουν τα διακοσμητικά μοτίβα του κλασικισμού στις δυνατότητες των τεχνολογιών μηχανής και σειρών. Εμφανίζονται «αποτελεσματικοί» τύποι διακόσμησης και φινιρίσματος προϊόντων. Πίσω στη δεκαετία του 1830 στην Αγγλία, ο Henry Kuhl πρότεινε ένα φαινομενικά μεταρρυθμιστικό σύνθημα για να διακοσμήσει τα εργοστασιακά προϊόντα με στοιχεία «από τον κόσμο των καλών μορφών τέχνης». Πολλοί βιομήχανοι παίρνουν πρόθυμα το σύνθημα, προσπαθώντας να επωφεληθούν στο μέγιστο από την προσκόλληση των καταναλωτικών μαζών με τις εξωτερικά διακοσμημένες, διακοσμητικά εμπλουτισμένες μορφές επίπλων σπιτιού.

Άλλοι θεωρητικοί και επαγγελματίες της εφαρμοσμένης τέχνης (D. Ruskin, W. Morris), αντίθετα, προτείνουν την οργάνωση μποϊκοτάζ της βιομηχανίας. Η πίστη τους είναι η καθαρότητα των παραδόσεων της μεσαιωνικής τέχνης.

Στις χώρες της Δυτικής Ευρώπης και στη Ρωσία, για πρώτη φορά, οι χειροτεχνίες και οι δάσκαλοι, στο έργο των οποίων διατηρήθηκαν ακόμη βαθιές λαϊκές παραδόσεις, τράβηξαν την προσοχή θεωρητικών και επαγγελματιών καλλιτεχνών. Στη Ρωσία, οι εκθέσεις Nizhny Novgorod της δεκαετίας 1870-1890 καταδεικνύουν τη βιωσιμότητα αυτών των παραδόσεων σε νέες συνθήκες. Πολλοί επαγγελματίες καλλιτέχνες - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich και άλλοι - στρέφονται με ενθουσιασμό στη λαϊκή προέλευση της διακοσμητικής τέχνης. Σε διάφορες περιοχές και επαρχίες της Ρωσίας, σε πόλεις όπως το Pskov, το Voronezh, το Tambov, η Μόσχα, το Kamenets-Podolsk κ.λπ., εμφανίζονται βιοτεχνικές επιχειρήσεις, η βάση των οποίων είναι η χειρωνακτική εργασία. Η εργασία των εργαστηρίων στο Abramtsovo κοντά στη Μόσχα, στο Talashkino κοντά στο Smolensk, η επιχείρηση του P. Vaulin κοντά στην Αγία Πετρούπολη και το κεραμικό artel Murava στη Μόσχα ήταν ιδιαίτερα σημαντικές για την αναβίωση των δημιουργικών, ετοιμοθάνατων χειροτεχνιών.

Σαμοβάρι. XIX αιώνα

Ρωσία. Δεύτερο ημίχρονο

Βιομηχανική αντλία. XIX αιώνα

Ωστόσο, τα προϊόντα όλων αυτών των εργαστηρίων αποτελούσαν τόσο ασήμαντο μέρος της συνολικής κατανάλωσης που δεν μπορούσαν να ασκήσουν αξιοσημείωτη επίδραση στη μαζική παραγωγή, αν και απέδειξαν τη νομιμότητα της ύπαρξης, μαζί με τη μαζική μηχανική παραγωγή, ειδών διακοσμητικής τέχνης που διατηρούν λαϊκές παραδόσεις. Αυτό επιβεβαιώθηκε αργότερα από την εισβολή της τεχνολογίας των μηχανών σε τομείς διακοσμητικών και εφαρμοσμένων τεχνών όπως το κόσμημα, η ταπητουργία και η ραπτική, που οδήγησε σε απότομη πτώση της καλλιτεχνικής τους ποιότητας.

Στις μορφές του κύριου όγκου των βιομηχανοποιημένων προϊόντων στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, πρακτικά τίποτα νέο δεν έχει αναπτυχθεί ακόμη. Ωστόσο, η καινοτομία της γενικής κατάστασης ήδη αυτή τη στιγμή συμβάλλει στη διαμόρφωση εσωτερικών προϋποθέσεων για καινοτόμες αναζητήσεις - η επίγνωση των στυλιστικών αναζητήσεων ως σημαντική δημιουργική ανάγκη, ως εκδήλωση της καλλιτεχνικής ατομικότητας του πλοιάρχου. Αν μέχρι τώρα οι τάσεις του στυλ (γοτθικό, αναγεννησιακό, μπαρόκ, κλασικισμός κ.λπ.) γεννήθηκαν και διαδόθηκαν, κατά κανόνα, ως αποτέλεσμα γενικών, σχεδόν «παγκόσμιων», αυθόρμητα αποκρυσταλλωμένων τάσεων στην αισθητική ανάπτυξη του κόσμου, τότε από στα μέσα του 19ου αιώνα, η στυλιστική πρωτοτυπία θεωρείται ως άμεσο δημιουργικό επίτευγμα ενός μεμονωμένου καλλιτέχνη ή αρχιτέκτονα. Από αυτή την άποψη, το ενδιαφέρον για την κληρονομιά της τέχνης όλων των εποχών και των λαών εντείνεται έντονα. Αυτή η πλούσια κληρονομιά γίνεται πηγή μιμήσεων, άμεσου δανεισμού ή υπόκειται σε παράξενη δημιουργική επεξεργασία.

Τραπέζι σε στυλ αρ νουβό με καρέκλα. Τέλη 19ου αιώνα

Ως αποτέλεσμα, το μεγαλύτερο μέρος των προϊόντων παρουσιάζει μια ασυνήθιστα ετερόκλητη εικόνα, στην οποία τρεμοπαίζουν είτε εμφανείς είτε λεπτές αναμνήσεις της αρχαιότητας, της ρωμανικής εποχής, της γοτθικής, της ιταλικής ή της γαλλικής Αναγέννησης, της τέχνης του Βυζαντίου και της Αρχαίας Ρωσίας, του μπαρόκ κ.λπ. συχνά αναμειγνύεται εκλεκτικά στο σχεδιασμό ενός προϊόντος, εσωτερικού, κτιρίου. Ως εκ τούτου, αυτή η περίοδος στην ιστορία της αρχιτεκτονικής και της εφαρμοσμένης τέχνης ονομάστηκε εκλεκτική. Προϊόντα (λάμπες, μεταλλικοί κάδοι, γούρνες, πιάτα, σκαμπό κ.λπ.) που είναι σχετικά φθηνά, αλλά φτιαγμένα χωρίς κανένα καλλιτεχνικό σκοπό, συχνά σε άσχημες μορφές και κακής ποιότητας, αρχίζουν ακόμη να εισάγονται στην καθημερινότητα των ανθρώπων.

Η αναζήτηση ενός νέου στυλ πραγματοποιείται λαμβάνοντας υπόψη την πραγματική ανάγκη στις συνθήκες παραγωγής μηχανών, μια θεμελιωδώς νέα προσέγγιση στη διαμόρφωση των προϊόντων, αφενός, και τη διατήρηση των διακοσμητικών παραδόσεων του παρελθόντος, άλλα. Η αστική τάξη, η οποία μέχρι τα τέλη του 19ου αιώνα είχε καταλάβει μια ισχυρή θέση στη ρωσική οικονομία, αγωνίστηκε για τη δική της καλλιτεχνική ιδεολογία στην αρχιτεκτονική και το σχέδιο - τη λατρεία της λογικής, σχετικής ελευθερίας από τους αρχαϊσμούς της ευγενούς κουλτούρας, την ενθάρρυνση στην τέχνη όλα όσα θα μπορούσαν να συναγωνιστούν τα στυλ του παρελθόντος. Έτσι εμφανίστηκε το στυλ Art Nouveau στα τέλη του 19ου αιώνα - «νέα τέχνη» στο Βέλγιο, τη Μεγάλη Βρετανία και τις ΗΠΑ, «Jugendstil» στη Γερμανία, «Secessions style» στην Αυστρία, «free style» στην Ιταλία. Το όνομά του - "μοντέρνο" (από τα γαλλικά moderne) σήμαινε "νέο, μοντέρνο" - από το λατ. modo - "μόλις τώρα, πρόσφατα." Στην καθαρή του μορφή, που ξεθωριάζει και αναμιγνύεται με άλλα στυλιστικά κινήματα, διήρκεσε σχετικά σύντομη, μέχρι το 1920 περίπου, δηλαδή περίπου 20-25 χρόνια, όπως όλα σχεδόν τα υφολογικά κινήματα του 17ου-20ου αιώνα.

Η Art Nouveau είναι διαφορετική σε διάφορες χώρες και στο έργο μεμονωμένων δασκάλων, γεγονός που περιπλέκει την κατανόηση των προβλημάτων που έλυσαν. Χαρακτηριστική έγινε όμως η σχεδόν πλήρης εξάλειψη όλων των παλαιότερα χρησιμοποιούμενων διακοσμητικών και διακοσμητικών μοτίβων και τεχνικών και η ριζική ανανέωσή τους. Παραδοσιακά γείσα, ρόδακες, κιονόκρανα, φλάουτα, ζώνες «rolling wave» κ.λπ. αντικαθίστανται από στυλιζαρισμένα τοπικά φυτά (κρίνος, ίριδα, γαρύφαλλα κ.λπ.), γυναικεία κεφάλια με μακριά σγουρά μαλλιά κ.λπ. Συχνά δεν υπάρχει καθόλου διακόσμηση , και το καλλιτεχνικό αποτέλεσμα επιτυγχάνεται λόγω της εκφραστικότητας της σιλουέτας, των διαιρέσεων της φόρμας, των γραμμών, συνήθως λεπτογραμμένων, σαν να ρέουν ελεύθερα, να πάλλονται. Στις μορφές των προϊόντων Art Nouveau μπορεί κανείς σχεδόν πάντα να αισθάνεται κάποια ιδιότροπη βούληση του καλλιτέχνη, την ένταση ενός σφιχτά τεντωμένου κορδονιού και τις υπερβολικές αναλογίες. Σε ακραίες εκδηλώσεις, όλα αυτά επιδεινώνονται έντονα, ανυψώνονται σε μια αρχή. Μερικές φορές υπάρχει μια αδιαφορία για την εποικοδομητική λογική της φόρμας, ένας σχεδόν ψευδής ενθουσιασμός για τη θεαματική πλευρά του έργου, ειδικά στο σχεδιασμό εσωτερικών χώρων, που συχνά είναι θεαματικά θεατροποιημένοι.

Παρά όλες τις αδυναμίες - επιτηδειότητα, μερικές φορές ηχητικότητα των μορφών, προέκυψε μια νέα προσέγγιση για την επίλυση του κτιρίου, του εσωτερικού, των επίπλων με τη λογική μιας λειτουργικής, εποικοδομητικής και τεχνολογικής λύσης.

Κηροπήγιο σε στυλ αρ νουβό. Αρχές 20ου αιώνα

Σετ πιάτων. Τέλη 19ου αιώνα

Μπουντουάρ από την περίοδο της Art Nouveau. Αρχές 20ου αιώνα

Η Art Nouveau, στη συντριπτική πλειοψηφία των παραδειγμάτων της, δεν εγκατέλειψε τη διακόσμηση προϊόντων, αλλά αντικατέστησε μόνο παλιά διακοσμητικά μοτίβα και τεχνικές με νέα. Ήδη στις αρχές του 20ου αιώνα, την εποχή των θριάμβων του νέου στυλ, η μόδα των παλιών στυλ επέστρεψε ξανά, δειλά στην αρχή, μετά ευρέως, που είχε μια γνωστή σχέση με την έναρξη των προετοιμασιών για τη γιορτή της εκατονταετηρίδας του Πατριωτικού Πολέμου του 1812. Η έκθεση «Modern Art», που διοργανώθηκε στην Αγία Πετρούπολη το 1903, έδειξε ξεκάθαρα τη γέννηση της «κλασικοποίησης της νεωτερικότητας».

Τα αποτελέσματα της νεωτερικότητας είναι πολύπλοκα. Αυτή είναι η κάθαρση της εφαρμοσμένης τέχνης από τον εκλεκτικισμό και από τον «αντιμηχανισμό» των πρωταθλητών της χειροτεχνίας και από τις αποτυχημένες προσπάθειες αποκατάστασης των στυλ του παρελθόντος. Αυτά είναι τα πρώτα συμπτώματα της αρχιτεκτονικής και της εφαρμοσμένης τέχνης που μπαίνει στο μονοπάτι του φονξιοναλισμού και του κονστρουκτιβισμού, στο μονοπάτι του μοντέρνου σχεδιασμού. Ταυτόχρονα, αποκαλύπτοντας σύντομα μια τάση εθνικοποίησης του στυλ, η Art Nouveau προκάλεσε ένα νέο κύμα καθαρά διακοσμητικών αναζητήσεων. Πολλοί ζωγράφοι στρέφονται στην εφαρμοσμένη τέχνη και τη διακόσμηση εσωτερικών χώρων (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin, κ.λπ.), έλκονται προς τη χρωματικότητα των ρωσικών παραμυθιών, το «gingerbread» κ.λπ. Στην προοπτική του μετέπειτα ιστορική διαδικασία, λύσεις σε πιεστικά προβλήματα μαζικής βιομηχανικής παραγωγής, τέτοιου είδους πειράματα δεν μπορούσαν να έχουν σοβαρή ιδεολογική και καλλιτεχνική σημασία, αν και έδωσαν ώθηση στην ανάπτυξη ενός άλλου κλάδου της εφαρμοσμένης τέχνης - της καλλιτεχνικής χειροτεχνίας και ιδιαίτερα της θεατρικής και διακοσμητικής τέχνης.

Η νεωτερικότητα, σαν να λέγαμε, καθάρισε και προετοίμασε τον δρόμο για την καθιέρωση νέων αισθητικών και δημιουργικών αρχών στην τέχνη της δημιουργίας καθημερινών πραγμάτων και επιτάχυνε την εμφάνιση ενός νέου καλλιτεχνικού επαγγέλματος - του καλλιτεχνικού σχεδίου.

Η διαμόρφωση του λειτουργισμού και του κονστρουκτιβισμού σε ειδικές κατευθύνσεις στην αρχιτεκτονική και τον καλλιτεχνικό σχεδιασμό των δυτικών χωρών συνέβη στα τέλη της δεκαετίας του 1910 σε σχέση με τη σταθεροποίηση της ζωής και την οικονομική επιτυχία μετά τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο. Αλλά τα θεμελιώδη θεμέλια της νέας μοντέρνας αρχιτεκτονικής καθορίστηκαν στην προπολεμική περίοδο στο έργο αρχιτεκτόνων όπως οι T. Garnier και O. Perret (Γαλλία), H. Berlaga (Ολλανδία), A. Loos (Αυστρία), P. Behrens (Γερμανία), F. Wright (ΗΠΑ), I. Shekhtel, I. Rerberg (Ρωσία) κ.λπ. Ο καθένας τους ξεπέρασε την επιρροή της νεωτερικότητας και αγωνίστηκε με τον δικό του τρόπο.

Το 1918, δημιουργήθηκαν ειδικά τμήματα για την αρχιτεκτονική και τη βιομηχανία τέχνης υπό το Τμήμα Καλών Τεχνών του Λαϊκού Επιμελητηρίου για την Εκπαίδευση. Δίνεται σοβαρή προσοχή στα θέματα εκπαίδευσης ειδικών. Το 1920, ο V.I. Lenin υπέγραψε διάταγμα για τη δημιουργία των Ανώτερων Κρατικών Καλλιτεχνικών και Τεχνικών Εργαστηρίων (VKHUTEMAS). Οι απόφοιτοι δημιούργησαν νέα δείγματα υφασμάτων, επίπλων, πιάτων κ.λπ.

Εκπαίδευση σε εργαστήρια (το 1927 μετατράπηκε σε το VKHUTEIN All-Union Art and Technical Institute) διεξήχθη στις σχολές: αρχιτεκτονική, κεραμική, κλωστοϋφαντουργία κ.λπ. Στη σχολή επεξεργασίας ξύλου και μετάλλου υπό τη διεύθυνση των A. Rodchenko, D. . Ο Lisitsky, ο V. Tatlin και άλλοι δάσκαλοι αναζήτησαν νέες μορφές και σχέδια διαφόρων αντικειμένων. Όλες οι δραστηριότητες του VKHUTEMAS είχαν στόχο να αναπτύξουν στους μαθητές τις δεξιότητες μιας ολοκληρωμένης προσέγγισης στο σχεδιασμό του θεματικού περιβάλλοντος της καθημερινής ζωής και της παραγωγής.

Στη δεκαετία του 1920, εμφανίστηκε ένα κίνημα «βιομηχανικής τέχνης», που ανέπτυξε τις αρχές του λειτουργισμού και του κονστρουκτιβισμού, που προσπάθησε να καθιερώσει στο μυαλό των καλλιτεχνών το αισθητικό ιδανικό της ορθολογικά οργανωμένης υλικής παραγωγής. Οποιεσδήποτε προηγούμενες μορφές τέχνης κηρύχθηκαν αστοί «παραγωγιστές» και απαράδεκτες για το προλεταριάτο. Εξ ου και η απόρριψή τους όχι μόνο της «πρακτικά άχρηστης» καλών τεχνών, αλλά και όλης της καθαρά διακοσμητικής δημιουργικότητας, για παράδειγμα κοσμημάτων.Τη δεκαετία του 20, οι τεχνικές και οικονομικές συνθήκες στη χώρα μας δεν ήταν ακόμη ώριμες για την υλοποίηση των ιδεών τους.

Ο VKHUTEMAS και οι «εργάτες παραγωγής» της δεκαετίας του 1920 συνδέθηκαν ιδεολογικά και αισθητικά στενά με το Bauhaus και σε μια σειρά από σημαντικές στιγμές αντιπροσώπευαν μαζί του ουσιαστικά ένα ενιαίο κίνημα στον καλλιτεχνικό σχεδιασμό εκείνης της εποχής. Στα πλαίσια αυτής της νέας κίνησης διαμορφώθηκε η αισθητική του μοντέρνου design, ξεπερνώντας τις αντιφάσεις στην εφαρμοσμένη τέχνη της προηγούμενης περιόδου. Η πρακτική καλλιτεχνική δραστηριότητα των ιδρυτών του σχεδιασμού ήταν επίσης η ανάπτυξη ενός οπλοστασίου καλλιτεχνικών και εκφραστικών μέσων της τέχνης της δημιουργίας πραγμάτων. Στα έργα τους (έπιπλα, λάμπες, πιάτα, υφάσματα κ.λπ.), η μεγαλύτερη προσοχή δόθηκε σε ιδιότητες υλικών και φόρμας όπως η υφή, το χρώμα, η πλαστική εκφραστικότητα, η ρυθμική δομή, η σιλουέτα κ.λπ., τα οποία απέκτησαν καθοριστική σημασία στην προϊόντα σύνθεσης, χωρίς να έρχονται σε αντίθεση με τις απαιτήσεις της εποικοδομητικής λογικής και της δυνατότητας κατασκευής της φόρμας. Μια άλλη κατεύθυνση που αναπτύχθηκε με επιτυχία στη χώρα μας τη δεκαετία του '20 ήταν ο μηχανικός σχεδιασμός. Το 1925, στη Μόσχα, σύμφωνα με το σχέδιο του εξαιρετικού μηχανικού V. Shukhov, ανεγέρθηκε ο περίφημος ραδιοπύργος, η διάτρητη σιλουέτα του οποίου έγινε σύμβολο του σοβιετικού ραδιοφώνου για μεγάλο χρονικό διάστημα. Ένα χρόνο νωρίτερα, ο J. Gakkel δημιούργησε, με βάση τις τελευταίες τεχνολογικές εξελίξεις, την πρώτη σοβιετική ατμομηχανή ντίζελ, το σχήμα της οποίας ακόμη και σήμερα φαίνεται αρκετά μοντέρνο. Στη δεκαετία του 1920, έγινε αντιληπτή η ανάγκη για επιστημονική έρευνα στα πρότυπα της ανθρώπινης δραστηριότητας σε ένα τεχνητά δημιουργημένο περιβάλλον. Οργανώνεται το Κεντρικό Ινστιτούτο Εργασίας, εντός των τειχών του διεξάγεται έρευνα για θέματα επιστημονικής οργάνωσης της εργασιακής και παραγωγικής κουλτούρας. Την προσοχή επιστημόνων και σχεδιαστών τραβούν θέματα εμβιομηχανικής, οργανοληπτικής κ.λπ. Στα αξιόλογα έργα εκείνων των χρόνων συγκαταλέγεται ο σχεδιασμός χώρου εργασίας οδηγού τραμ (Ν. Μπερνστάιν).

Ya. Gakkel.Ατμομηχανή σιδηροδρόμου. Αρχές της δεκαετίας του 1930

Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, η ρωσική εφαρμοσμένη τέχνη σημείωσε σημαντική άνοδο. Αυτό διευκολύνθηκε από την ανάπτυξη της οικονομίας, του εμπορίου, της επιστήμης και της τεχνολογίας και, σε μεγάλο βαθμό, οι στενοί δεσμοί με την αρχιτεκτονική και τις καλές τέχνες. Ο αριθμός των μεγάλων και μικρών εργοστασίων, εργοστασίων, εργαστηρίων παραγωγής υφασμάτων, γυαλιού, πορσελάνης και επίπλων αυξήθηκε. Οι γαιοκτήμονες δημιούργησαν διάφορα εργαστήρια με βάση την δουλοπαροικία στα κτήματά τους.

Οι ανθρωπιστικές ιδέες του Διαφωτισμού αντικατοπτρίστηκαν μοναδικά στην εφαρμοσμένη τέχνη του τέλους του 18ου αιώνα. Οι τεχνίτες αυτής της εποχής διακρίνονταν για την προσοχή τους στα προσωπικά γούστα και τις ανθρώπινες ανάγκες και την αναζήτηση άνεσης στο περιβάλλον.

Ένα νέο στυλ - ο ρωσικός κλασικισμός - στο γύρισμα της δεκαετίας 1770-1780 καθιερώθηκε σε όλους τους τύπους εφαρμοσμένης τέχνης. Οι αρχιτέκτονες M. F. Kazakov, I. E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A. N. Voronikhin δημιούργησαν εσωτερικούς χώρους στο πνεύμα της ευγενούς απλότητας και συγκράτησης με σαφή διαχωρισμό των μερών, με μια εποικοδομητικά αιτιολογημένη διάταξη τόσο πλαστικού όσο και γραφικού αρχιτεκτονικού ντεκόρ.

Τα έπιπλα, τα καντήλια και οι πολυέλαιοι σχεδιάστηκαν χρησιμοποιώντας τις ίδιες αρχές για τους χώρους του παλατιού. Στη διακόσμηση των επίπλων, των πιάτων και των υφασμάτων, χτισμένα σε καθαρό ρυθμό, εμφανίστηκαν μοτίβα αντίκες - άκανθος, μαίανδρος, ιοντικά, ζωηρά ερμηνευμένα λουλούδια, γιρλάντες, εικόνες ερωτιδών, σφίγγες. Η επιχρύσωση και τα χρώματα έγιναν πιο απαλά και πιο συγκρατημένα από ό,τι στα μέσα του 18ου αιώνα.

Στα τέλη του 18ου αιώνα, το πάθος για την αρχαιότητα ανάγκασε τους ανθρώπους να εγκαταλείψουν ακόμη και την περίπλοκη και υπέροχη φορεσιά. Ήρθαν στη μόδα ελαφριά, φαρδιά φορέματα με ρέουσες πτυχώσεις και ψηλή ζώνη σε στυλ αντίκα (V.L. Borovikovsky. “Portrait of M.I. Lopukhina.” 1797).

Η σύνθεση των τεχνών στον ρωσικό κλασικισμό βασίζεται στην αρχή ενός αρμονικού συνδυασμού όλων των τύπων τεχνών.

Επιπλα. Κατά την περίοδο του κλασικισμού, οι μορφές του είναι απλές, ισορροπημένες, καθαρά κατασκευασμένες και οι ρυθμοί ήρεμοι. Τα περιγράμματα διατηρούσαν ακόμα κάποια απαλότητα και στρογγυλότητα, αλλά οι κάθετες και οριζόντιες γραμμές ξεχώριζαν ήδη. Διακοσμήσεις (χαμηλά σκαλίσματα, πίνακες, μπρούτζινες και ορειχάλκινες πλάκες) έδιναν έμφαση στην εκφραστικότητα των δομών. Υπήρχε περισσότερη ανησυχία για ευκολία. Οι σουίτες σχεδιάστηκαν για μπροστινά δωμάτια για διάφορους σκοπούς: σαλόνι, γραφείο, μπροστινό υπνοδωμάτιο, χωλ. Προέκυψαν νέες μορφές επίπλων: τραπέζια για παιχνίδια με χαρτιά, χειροτεχνίες, ελαφριά φορητά τραπέζια με φασόλια (με καπάκι σε σχήμα φασολιού) και διάφορα είδη συρταριών. Οι καναπέδες έχουν γίνει ευρέως διαδεδομένοι, και στα έπιπλα γραφείου, τα γραφεία-γραμματέες, τα γραφεία με κυλινδρικό καπάκι σε ρολό.

Όπως και σε προηγούμενες περιόδους, τα ρωσικά έπιπλα, σε σύγκριση με τα δυτικά έπιπλα, είναι πιο ογκώδη, πιο γενικευμένα και πιο απλά στη λεπτομέρεια. Το υλικό γι 'αυτό ήταν τοπικά είδη ξύλου - φλαμουριά, σημύδα (επιχρυσωμένη και βαμμένη σε ανοιχτά χρώματα), καρυδιά, βελανιδιά, λεύκα, τέφρα, αχλάδι, βαλανιδιά. Στα τέλη του 18ου αιώνα άρχισαν να χρησιμοποιούνται η σημύδα της Καρελίας και η εισαγόμενη έγχρωμη ξυλεία από μαόνι, αμάρανθος, ροδόξυλο και άλλα είδη. Οι τεχνίτες ήξεραν πώς να δείξουν την ομορφιά, τη δομή, το χρώμα, τη λάμψη τους, τονίζοντας επιδέξια με το γυάλισμα.

Οι Ρώσοι δάσκαλοι πέτυχαν μεγάλα επιτεύγματα στην τεχνική της τυπογραφίας (μαρκετερί). Η ουσία του είναι να συνθέτει στολίδια και ολόκληρους Πίνακες (συνήθως βασισμένους σε χαρακτικά) από κομμάτια έγχρωμου ξύλου στην επιφάνεια ξύλινων αντικειμένων. Αυτό το είδος δουλειάς είναι γνωστό όχι μόνο από τους κατασκευαστές επίπλων αυλής της πρωτεύουσας, αλλά και από πρώην δουλοπάροικους που εργάστηκαν στη Μόσχα και την περιοχή της Μόσχας: Νικηφόρ Βασίλιεφ (78), Ματβέι Βερετέννικοφ και τους ανώνυμους δασκάλους του Τβερ και του Αρχάγγελσκ, που εισήγαγαν θαλάσσιο ελεφαντόδοντο στο σετ. Παραδείγματα της υψηλής τέχνης της σκάλισης επίπλων στο παλάτι Ostankino ανήκουν στους δουλοπάροικους Ivan Mochalin, Gavrila Nemkov και άλλους. Η Αγία Πετρούπολη ήταν διάσημη για τα έπιπλα και τα σκαλίσματα των τεχνιτών από την Okhta, οι οποίοι μεταφέρθηκαν στην πρωτεύουσα από διάφορα μέρη κατά τη διάρκεια της βασιλείας του Πέτρου Α. Η καλλιτεχνική εμφάνιση των επίπλων ολοκληρώθηκε με ταπετσαρίες με μεταξωτά σχέδια, βελούδο, εμπριμέ chintz, λινά υφάσματα, που ήταν σε αρμονία με τη διακόσμηση των τοίχων.

Υφάσματα. Από όλες τις βιομηχανίες στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, η κλωστοϋφαντουργία αναπτύχθηκε με μεγαλύτερη επιτυχία (Μόσχα, Ιβάνοβο, Γιαροσλάβλ, επαρχία Βλαντιμίρ). Η άνοδός της καθορίστηκε όχι μόνο από τα μεγάλα εργοστάσια, αλλά και από τις μικρές αγροτικές επιχειρήσεις. Οι τεχνίτες πέτυχαν ιδιαίτερη τελειότητα στα νέα μοτίβα λινά υφάσματα με πολύπλοκες πλέξεις, με ένα παιχνίδι από φυσικές ασημί-λευκές αποχρώσεις του λινού. Οι παραδόσεις της αγροτικής ύφανσης και η βαθιά κατανόηση του υλικού αντικατοπτρίστηκαν εδώ. Παράγονταν επίσης φτηνά και μαζικής παραγωγής ετερόκλητα και βαμμένα προϊόντα. Οι διακοσμητικές ιδιότητες των χρωματιστών υφασμάτων και των μάλλινων υφασμάτων έχουν βελτιωθεί σημαντικά.

Η παραγωγή μεταξωτών υφασμάτων για φορέματα και διακοσμητικά υφάσματα, κασκόλ και κορδέλες αναπτύχθηκε γρήγορα (ill. 80). Μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα, δεν ήταν κατώτερα σε ποιότητα από τα γαλλικά - τα καλύτερα στην Ευρώπη. Οι Ρώσοι υφαντές έμαθαν να χρησιμοποιούν μια ποικιλία από νήματα και πολύπλοκα σχέδια ύφανσης που θυμίζουν κέντημα. Οι τεχνικές σύνθεσης και μια πλούσια παλέτα σε διακοσμητικά υφάσματα χρησιμοποιήθηκαν για να επιτευχθεί η μεταφορά του χώρου, η λεπτότητα των τονικών μεταβάσεων και η ακρίβεια σχεδίασης λουλουδιών, πουλιών και τοπίων. Τέτοια υφάσματα χρησιμοποιήθηκαν στη διακόσμηση παλατιών και αποστέλλονταν στο εξωτερικό ως δώρα.

Σε υφάσματα για φορέματα, ειδικά σε υφάσματα sundress, μέχρι τη δεκαετία του 1780 - 1790 χρησιμοποιήθηκαν σχέδια από σύνθετες, κυματιστές φλοράλ γιρλάντες, κορδέλες και χάντρες. Σταδιακά όμως οι γιρλάντες αντικαταστάθηκαν από ρίγες, τα σχέδια έγιναν πιο απλά, οι ρυθμοί τους πιο απαλοί, τα χρώματα πιο ανοιχτά και απαλά.

Τη δεκαετία 1750-1760 στην Αγία Πετρούπολη και αργότερα στη Μόσχα, στο χωριό. Το Ivanovo (τώρα η πόλη του Ivanovo) ανέπτυξε την παραγωγή calico (βαμβακερό ύφασμα με τυπωμένο σχέδιο χρησιμοποιώντας εμποτισμένες, μη ξεθωριασμένες βαφές και επακόλουθο γυάλισμα). Σε μοτίβα calico, οι τεχνίτες, ειδικά αυτοί από το Ivanovo, επεξεργάζονταν μοναδικά τα μοτίβα των μεταξωτών υφασμάτων. Βασισμένοι σε λαϊκό έντυπο υλικό, συνδύασαν ένα πλούσιο εικονογραφικό σημείο και γραφική κοπή (περίγραμμα μοτίβων, πλέγματα, κουκκίδες φόντου). Στην αρχή, τα τσίτι ήταν πολύ ακριβά. Στα τέλη του 18ου αιώνα άρχισαν να παράγονται φθηνές ποικιλίες.

Πορσελάνη. Μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα, η ρωσική πορσελάνη έγινε μία από τις καλύτερες στην Ευρώπη. Το Κρατικό Εργοστάσιο Πορσελάνης στην Αγία Πετρούπολη λειτούργησε με επιτυχία. Τα προϊόντα του διακρίνονταν για την ελαφρώς ζεστή λευκότητά τους, το γυαλιστερό λούστρο και την υψηλή τεχνική τους ποιότητα. Τα σχήματα των πιάτων, των αγγείων και η ζωγραφική τους δεν ήταν κατώτερα από τα δυτικά.

Δημιουργείται η πιο σημαντική από τις υπηρεσίες - Arabesque για δεξιώσεις δικαστηρίων (1784, ill. 77). Η διακόσμηση του τραπεζιού αυτής της υπηρεσίας των εννέα αλληγορικών γλυπτών εξυμνεί την προσάρτηση της Γεωργίας και της Κριμαίας, την «αρετή» της Αικατερίνης Β' (γλύπτης J. D. Rashet). Κυριαρχείται από ήρεμες πόζες χαρακτηριστικές του κλασικισμού του τέλους του 18ου αιώνα, ελαφριά επιχρύσωση, αυστηρές αναλογίες σερβιρίσματος με αραβουργήματα ζωγραφικής βασισμένα σε αρχαία στολίδια.

Στη δεκαετία του 1780, δημιουργήθηκε μια σειρά γλυπτών "Peoples of Russia" (δημιουργική επεξεργασία χαρακτικών) - έντονα διακοσμητικά, με χαρακτηριστικές εικόνες - εκπρόσωποι μεμονωμένων εθνικοτήτων (Yakut, Samoyed, Tatar). Παρήχθησαν γλυπτικές φιγούρες πλανόδιων πωλητών και τεχνιτών που απεικονίστηκαν σε κίνηση και εργασία. Η γλυπτική από πορσελάνη έχει γίνει η αγαπημένη διακόσμηση των ευγενών εσωτερικών χώρων για πολλές δεκαετίες.

Από τα ιδιωτικά εργοστάσια πορσελάνης, το εργοστάσιο του Φραντς Γκάρντνερ (1765) (χωριό Βερμπίλκι κοντά στη Μόσχα) αποδεικνύεται το πιο βιώσιμο. Ήδη στα τέλη του 18ου αιώνα, έφτιαξε σκηνικά για τον βασιλικό οίκο με την αρχική χρήση μοτίβων ρωσικής παραγγελίας στους πίνακες. Η αρκετά φθηνή πορσελάνη Gardner, που διακρίνεται για την απλότητα της μορφής, την πλούσια ζωγραφική με λουλούδια, κοντά στις λαϊκές παραδόσεις, ήταν επιτυχημένη τόσο στην πρωτεύουσα όσο και στις επαρχίες (ill. 79).

Ποτήρι. Το χρωματιστό γυαλί έφερε αληθινή δόξα στο ρωσικό γυαλί το τελευταίο τρίτο του 18ου αιώνα. Ο M.V. Lomonosov, με το έργο του στη θεωρία του χρώματος και την τεχνολογία του έγχρωμου γυαλιού, άνοιξε νέους δρόμους στη ρωσική υαλουργία, εμπλούτισε την παλέτα του γυαλιού και αναβίωσε τα ρωσικά μωσαϊκά. Οργάνωσε ένα εργοστάσιο παραγωγής σμάλτου, χάντρες και γυαλιού στο χωριό Ust-Ruditsa της επαρχίας της Αγίας Πετρούπολης. Οι κύριοι του Κρατικού Εργοστασίου στην Αγία Πετρούπολη, Ντρούζινιν και Κιρίλοφ, εκπαιδεύτηκαν στο λιώσιμο του χρωματιστού γυαλιού από τον Λομονόσοφ. Το εργοστάσιο κατακτά την παραγωγή γυαλιού σε βαθιούς και καθαρούς τόνους - μπλε, βιολετί, ροζ-κόκκινο, σμαραγδένιο πράσινο. Τώρα η παραγωγή του δεν κυριαρχείται πλέον από το χαραγμένο κρύσταλλο, αλλά από το λεπτό χρωματιστό και άχρωμο γυαλί. Τα ποτήρια, τα κύπελλα και οι καράφες λαμβάνουν λεία σχήματα στα οποία το σώμα μεταβαίνει ομαλά στο στέλεχος, δημιουργώντας απαλά, χαριτωμένα περιγράμματα. Οι χρυσές και ασημένιες ζωγραφιές με γιρλάντες, τόξα, αστέρια και μονογράμματα έχουν ήρεμο ρυθμό και τονίζουν τους πλαστικούς όγκους των αγγείων.

Παράγεται επίσης το λεγόμενο γαλακτώδες-λευκό γυαλί (κούπες, καράφες, εκκλησιαστικά αντικείμενα), που θυμίζει σε εμφάνιση και χαρακτήρα τους πίνακες της ακριβότερης πορσελάνης.

Μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα, τα ιδιωτικά εργοστάσια γυαλιού του Bakhmetyev στην επαρχία Penza, τα Maltsevs στις επαρχίες Vladimir και Oryol και πολλά άλλα αναπτύχθηκαν και σημείωσαν μεγάλη επιτυχία. Το άχρωμο και έγχρωμο γυαλί και το κρύσταλλό τους διανέμονται ευρέως σε όλη τη Ρωσία.

Καλλιτεχνική επεξεργασία μετάλλων. Η άνθηση της τέχνης του κοσμήματος στη Ρωσία ξεκίνησε στα μέσα του 18ου αιώνα και συνεχίστηκε σε όλο τον αιώνα. Διαθέτει καλλιτεχνικά υλικά εξαιρετικής ομορφιάς: διαμάντια, σμαράγδια, ζαφείρια και άλλες πολύτιμες και ημιπολύτιμες πέτρες, βαμμένα σμάλτα, μη σιδηρούχα μέταλλα (χρυσός, ασήμι, πλατίνα, κράματα). Η τέχνη της κοπής πέτρες φτάνει σε υψηλό βαθμό τελειότητας. Για να βελτιώσουν το παιχνίδι της πέτρας, οι κοσμηματοπώλες βρίσκουν μια ποικιλία καλλιτεχνικών και τεχνικών τεχνικών για την τοποθέτηση και την κινητή στερέωση εξαρτημάτων. Οι καλλιτέχνες κοσμημάτων δημιουργούν πολύχρωμα κοσμήματα με περίπλοκα σχήματα: σκουλαρίκια, δαχτυλίδια, ταμπακιέρα, αγκράφες παπουτσιών, κουμπιά για πολυτελή κοστούμια για άνδρες και γυναίκες.

Στο τελευταίο τρίτο του 18ου αιώνα, τα σχήματα των κοσμημάτων εξισορροπήθηκαν και ο χρωματικός συνδυασμός των πολύτιμων λίθων έγινε πιο αυστηρός.

Την περίοδο αυτή οι αργυροχόοι σημείωσαν μεγάλη επιτυχία. Σύμφωνα με τα νέα γούστα, τα σχήματα των ασημένιων υπηρεσιών είναι απλά και ξεκάθαρα. Είναι διακοσμημένα με φλάουτα και αντίκες στολίδια. Σε ασημένια ποτήρια και ταμπακιέρα, οι τεχνίτες του Veliky Ustyug αναπαράγουν εικόνες αρχαίων σκηνών και νικών των ρωσικών στρατευμάτων από γκραβούρες.

Ένα εξαιρετικό φαινόμενο στην εφαρμοσμένη τέχνη του 18ου αιώνα είναι τα χαλύβδινα καλλιτεχνικά προϊόντα των δασκάλων της Τούλα: έπιπλα, κουτιά, κηροπήγια, κουμπιά, πόρπες, ταμπακιέρα. Οικοδομούν το διακοσμητικό αποτέλεσμα των έργων τους στην αντιπαράθεση λείου ελαφρού χάλυβα και διακοσμήσεων με τη μορφή πολυεπίπεδων κομματιών που αστράφτουν σαν διαμάντια. Οι τεχνίτες χρησιμοποιούν μπλε (θερμική επεξεργασία σε σφυρηλάτηση σε διαφορετικές θερμοκρασίες) μετάλλου, το οποίο δίνει διάφορες αποχρώσεις - πράσινο, μπλε, μοβ, από χοντρές έως ανοιχτόχρωμες. Οι παραδόσεις της λαϊκής τέχνης αντικατοπτρίζονται στην αγάπη για τα φωτεινά χρώματα και τη βαθιά κατανόηση του υλικού.

Έγχρωμη πέτρα. Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, ανακαλύφθηκαν κοιτάσματα μαρμάρων, κερασιοροζ ορλέτες στα Ουράλια, πολύχρωμοι ίασπι, ποικιλόχρωμες μπρέτσιες, πορφύριοι Αλτάι και μπλε λάπις λάζουλι Baikal. Εκτός από το Peterhof (1722-1723) και το Yekaterinburg (αρχές της δεκαετίας του 1730), το εργοστάσιο Loktev άρχισε να λειτουργεί στην καρδιά του Altai το 1787 (από το 1802 αντικαταστάθηκε από το εργοστάσιο Kolyvan). Υπάρχουν μεγάλες δυνατότητες χρήσης έγχρωμης πέτρας στο φινίρισμα και τη διακόσμηση μνημειακών και διακοσμητικών έργων εσωτερικών χώρων του παλατιού.

Η ικανότητα αναγνώρισης των αισθητικών ιδιοτήτων ενός υλικού ανέκαθεν διέκρινε τους Ρώσους τεχνίτες, αλλά εκφράστηκε ιδιαίτερα καθαρά στην τέχνη της κοπής πέτρας. Δουλεύοντας σύμφωνα με τα σχέδια των αρχιτεκτόνων, οι κοπτήρες πέτρας αποκαλύπτουν καλλιτεχνικά την υπέροχη ομορφιά της πέτρας, το φυσικό της σχέδιο, τις εξαιρετικές αποχρώσεις του χρώματος, τη λάμψη, ενισχύοντάς τα με εξαιρετικό γυάλισμα. Επιχρυσωμένος μπρούτζος σε μορφή λαβών, το πόμολο συμπληρώνει και τονίζει μόνο το σχήμα. Έργα για πέτρινα γλυπτά, οβελίσκους, αγγεία, βασισμένα σε αρχαίες μορφές, δημιουργήθηκαν από τους Quarenghi και Voronikhin.

Η άνθηση της ρωσικής εφαρμοσμένης τέχνης τον 18ο αιώνα συνδέθηκε με το έργο των αρχιτεκτόνων Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin και ορισμένων εκπαιδευμένων λαϊκών καλλιτεχνών. Αλλά η αληθινή του δόξα δημιουργήθηκε κυρίως από δουλοπάροικους τεχνίτες που παρέμειναν άγνωστοι - επιπλοποιοί, γλυπτές, υφαντές, λιθοκόπτες, κοσμηματοπώλες, υαλουργοί, κεραμιστές.