Σε αυτήν την ανάρτηση θα ήθελα να μιλήσω απευθείας για τις ίδιες τις «Ρωσικές εποχές του Ντιαγκίλεφ» και την επιρροή τους στην παγκόσμια τέχνη, ειδικά στην τέχνη του μπαλέτου του 20ού αιώνα.

Λοιπόν, ποιες ήταν οι εποχές - αυτές ήταν περιοδεύουσες παραστάσεις Ρώσων καλλιτεχνών όπερας και μπαλέτου στο εξωτερικό. Όλα ξεκίνησαν στο Παρίσι το 1908, μετά το 1912 συνεχίστηκαν στη Μεγάλη Βρετανία (Λονδίνο) και από το 1915 σε άλλες χώρες.

Για να είμαστε απολύτως ακριβείς, οι «Ρωσικές Εποχές» ξεκίνησαν ξανά 1906 τη χρονιά που ο Ντιαγκίλεφ έφερε μια έκθεση Ρώσων καλλιτεχνών στο Παρίσι. Είχε απίστευτη επιτυχία, οπότε αποφασίστηκε να διευρύνει τους ορίζοντές της και ήδη 1907 έτος, μια σειρά από συναυλίες ρωσικής μουσικής ("Historical Russian Concerts") πραγματοποιήθηκε στη Grand Opera. Στην πραγματικότητα, οι «Ρωσικές Εποχές» ξεκίνησαν μέσα 1908 στο Παρίσι, όταν παίχτηκαν εδώ η όπερα του Modest Mussorgsky «Boris Godunov», η όπερα «Ruslan and Lyudmila» του Mikhail Glinka, ο «Prince Igor» του Alexander Borodin κ.α. Το Παρίσι άκουσε για πρώτη φορά το τραγούδι του Chaliapin και τη μουσική των Rimsky-Korsakov, Rachmaninov και Glazunov. Από αυτή τη στιγμή ξεκινά η ιστορία των διάσημων «Ρωσικών εποχών» του Diaghilev, που αμέσως έκανε οτιδήποτε ρωσικό το πιο μοντέρνο και σχετικό στον κόσμο.

Ο Φιόντορ Σαλιάπιν στην όπερα "Prince Igor"

ΣΕ 1909 Οι πρώτες κοινές παραστάσεις όπερας και μπαλέτου πραγματοποιήθηκαν στο Παρίσι. Τα επόμενα χρόνια άρχισε να εξάγει κυρίως μπαλέτο, το οποίο γνώρισε τεράστια επιτυχία. Από αυτή τη στιγμή ξεκινά η περίοδος των σεζόν μπαλέτου. Παρ' όλα αυτά, η όπερα υπήρχε ακόμα: στο 1913 έτος ανέβηκε η όπερα "Khovanshchina" (ο Chaliapin έπαιξε το ρόλο του Dosifey), στο 1914 Η παγκόσμια πρεμιέρα της όπερας του Στραβίνσκι Το αηδόνι έγινε στη Μεγάλη Όπερα.

Η φανταστική επιτυχία των πρώτων σεζόν, το πρόγραμμα των οποίων περιελάμβανε τα μπαλέτα "The Firebird", "Petrushka" και "The Rite of Spring", έκανε το ευρωπαϊκό κοινό να καταλάβει ότι η προηγμένη ρωσική τέχνη είναι ένα πλήρες και πιο ενδιαφέρον μέρος του την παγκόσμια καλλιτεχνική διαδικασία.

Ο Βάσλαβ Νιζίνσκι στο μπαλέτο "Petrushka"

Ο Βάσλαβ Νιζίνσκι στο μπαλέτο "Σεχεραζάντ", 1910

Πρόγραμμα παράστασης πρεμιέρας του μπαλέτου "Σεχεραζάντ"

Επιτυχία της «Ρωσικής σεζόν» στο Παρίσι 1909 η χρονιά ήταν πραγματικά θριαμβευτική. Υπάρχει μια μόδα για οτιδήποτε ρωσικό. Οι παραστάσεις στη σκηνή του θεάτρου Chatelet όχι μόνο έγιναν ένα γεγονός στην πνευματική ζωή του Παρισιού, αλλά είχαν επίσης ισχυρή επιρροή στον δυτικό πολιτισμό στις πιο ποικίλες εκφάνσεις του. Οι Γάλλοι εκτίμησαν την καινοτομία της ζωγραφικής και της χορογραφίας του θεατρικού σκηνικού, αλλά ο υψηλότερος έπαινος δόθηκε στις ερμηνευτικές δεξιότητες των κορυφαίων χορευτών των θεάτρων Mariinsky και Bolshoi: Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Lyudmila Shollar, Vera Fokina, Vaslav Nijinsky, Mikhail Fokin , Adolf Bolm, Mikhail Mordkini και Grigory Rosaya.

Η Anna Pavlova και ο Vaslav Nijinsky στο μπαλέτο "Armida's Pavilion", 1909

Άννα Πάβλοβα

Ο Γάλλος συγγραφέας Jean Cocteau μίλησε για τις παραστάσεις ως εξής:"Η κόκκινη αυλαία σηκώνεται πάνω από τα πανηγύρια που ανέτρεψαν τη Γαλλία και που παρέσυραν τα πλήθη σε έκσταση ακολουθώντας το άρμα του Διονύσου".

ΣΕ 1910 έτος, ο Diaghilev κάλεσε τον Igor Stravinsky να γράψει μουσική για ένα μπαλέτο που θα ανέβει στο πλαίσιο των Ρωσικών Εποχών και τα επόμενα τρία χρόνια έγιναν ίσως η πιο «αστρική» περίοδος στη ζωή τόσο του πρώτου όσο και του δεύτερου. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Στραβίνσκι έγραψε τρία μεγάλα μπαλέτα, καθένα από τα οποία μετέτρεψε τις Ρωσικές Εποχές του Ντιαγκίλεφ σε παγκόσμια πολιτιστική αίσθηση - The Firebird (1910), Petrushka (1911) και The Rite of Spring (1911-1913).

Ενδιαφέρον γεγονός για το μπαλέτο "Firebird": Το "The Firebird" είναι το πρώτο μπαλέτο με ρωσικό θέμα στην επιχείρηση του Sergei Diaghilev. Σκηνοθέτης (χορογράφος) και ερμηνευτής του κύριου ανδρικού μέρους είναι ο Mikhail Fokin. Συνειδητοποιώντας ότι το Παρίσι έπρεπε να «περιποιηθεί» κάτι εγγενώς Ρώσικο, ανακοίνωσε αυτό το όνομα πίσω στην αφίσα για την πρώτη σεζόν το 1909. Αλλά δεν είχαν χρόνο να ανεβάσουν το μπαλέτο. Ο έξυπνος ιμπρεσάριος άρχισε να το κάνει ταχυδακτυλουργικά - αν και η αφίσα έγραφε «The Firebird», το πας ντε ντε της Πριγκίπισσας Φλορίνα και το Μπλε Πουλί από το μπαλέτο «Η Ωραία Κοιμωμένη», άγνωστο στους Παριζιάνους, παίχτηκε στη σκηνή, επιπλέον, σε νέα ανατολίτικα κοστούμια του Leon Bakst. Μόνο ένα χρόνο αργότερα, το πραγματικό "Firebird" εμφανίστηκε στο Παρίσι - η πρώτη παρτιτούρα μπαλέτου του Igor Stravinsky, που δόξασε το όνομα του τότε επίδοξου συνθέτη εκτός Ρωσίας.

Σκίτσο κοστουμιών για το μπαλέτο "Firebird" του καλλιτέχνηΛεόνα Μπάκστα,1910

Ο Mikhail Fokin με το κοστούμι του Blue Bird, μπαλέτο "Sleeping Beauty"

Το ίδιο 1910, το ρεπερτόριο περιλάμβανε τα ήδη ανεβασμένη μπαλέτα "Giselle" και "Carnival" σε μουσική του Schumann και στη συνέχεια "Scheherazade" του Rimsky-Korsakov. Η Άννα Πάβλοβα έπρεπε να παίξει τους κύριους ρόλους στα μπαλέτα "Giselle" και "Firebird", αλλά για διάφορους λόγους η σχέση της με τον Diaghilev επιδεινώθηκε και έφυγε από το θίασο. Η Πάβλοβα αντικαταστάθηκε από την Ταμάρα Καρσαβίνα.

Η Tamara Karsavina και ο Mikhail Fokin στο μπαλέτο "Firebird"

Ταμάρα Καρσαβίνα

Χορευτές.Μπαλέτο του Ιγκόρ Στραβίνσκι «Ιερή άνοιξη»στα Ηλύσια Πεδία. 29 Μαΐου 1913

Αφίσα για το έργο "Ρωσικές εποχές", σκίτσο του Leon Bakst με τον Vaslav Nezhinsky

Και πάλι μεγάλη επιτυχία με το παριζιάνικο κοινό! Ωστόσο, αυτή η επιτυχία είχε και ένα μειονέκτημα: ορισμένοι καλλιτέχνες που έγιναν διάσημοι χάρη στις σεζόν του Diaghilev εγκατέλειψαν τον θίασο για ξένα θέατρα. Και αφού ο Nijinsky απολύθηκε από το θέατρο Mariinsky με ένα σκάνδαλο, ο Diaghilev αποφάσισε να στρατολογήσει έναν μόνιμο θίασο. Πολλοί χορευτές του Imperial Ballet συμφώνησαν να συνάψουν μόνιμες συμβάσεις μαζί του και όσοι αποφάσισαν να παραμείνουν στο θέατρο Mariinsky - για παράδειγμα, η Karsavina και η Kshesinskaya - συμφώνησαν να συνεχίσουν τη συνεργασία τους. Η πόλη στην οποία είχε έδρα η εταιρεία του Ντιαγκίλεφ, όπου γίνονταν οι πρόβες και η προετοιμασία των μελλοντικών παραγωγών, ήταν το Μόντε Κάρλο.

Ενδιαφέρον γεγονός:Το Μόντε Κάρλο κατέλαβε μια ξεχωριστή θέση στην καρδιά του Ντιαγκίλεφ. Είναι εδώ μέσα 1911 "Ρωσικό μπαλέτο"μετατράπηκε από τον ίδιο σε μόνιμο θεατρικό θίασο, εδώ έδειξε για πρώτη φορά μια σειρά από τις πιο σημαντικές παραγωγές του και εδώ περνούσε πάντα τους χειμώνες του, ξεκινώντας από το 1922. Χάρη στη γενναιοδωρία του κυβερνώντος οίκου των Γκριμάλντι και τη φήμη του Καζίνο, που κατέστησε δυνατή μια τέτοια γενναιοδωρία, ο Μότε Κάρλο έγινε το δημιουργικό εργαστήριο του Ντιαγκίλεφ τη δεκαετία του 1920. Πρώην μπαλαρίνες των Αυτοκρατορικών Θεάτρων, που είχαν ήδη εγκαταλείψει για πάντα τη Ρωσία, μοιράστηκαν τα μυστικά της τέχνης τους με τα ανερχόμενα αστέρια της μετανάστευσης που είχε προσκαλέσει ο Ντιάγκιλεφ. Στο Μόντε Κάρλο υπέκυψε για τελευταία φορά στον πειρασμό του ονείρου της ζωής του – να ζήσει, αφοσιωμένος ολοκληρωτικά στην τέχνη.

ΣΕ 1911 έτος ανέβηκαν 5 νέα μπαλέτα: «Το υποβρύχιο βασίλειο» (από την όπερα «Σάντκο»), «Νάρκισσος», «Πέρι», «Το φάντασμα του τριαντάφυλλου», που είναι ένα εξαιρετικό. pas de deuxΚαρσαβίνα και Νιζίνσκι, και η κύρια καινοτομία της σεζόν - το δραματικό μπαλέτο "Petrushka" του Στραβίνσκι, όπου ο πρωταγωνιστικός ρόλος του γελωτοποιού που πεθαίνει στο φινάλε ανήκε στον Nijinsky.

Vaslav Nijinsky ως Petrushka

«Sadko», σκηνογραφία Boris Anisfeld, 1911

Αλλά ήδη μέσα 1912Ο Ντιαγκίλεφ άρχισε σταδιακά να απελευθερώνεται από τους Ρώσους συνεργάτες του, που του έφεραν παγκόσμια φήμη. Ο χαρισματικός ηγέτης Diaghilev δεν ανέχτηκε την αντίθεση. Ένα άτομο είναι σημαντικό γι 'αυτόν ως φορέας μιας δημιουργικής ιδέας: έχοντας εξαντλήσει την ιδέα, ο Diaghilev παύει να ενδιαφέρεται για αυτόν. Έχοντας εξαντλήσει τις ιδέες του Fokine και του Benois, άρχισε να γεννά ιδέες από Ευρωπαίους δημιουργούς και να ανακαλύπτει νέους χορογράφους και χορευτές. Οι διαφωνίες στην ομάδα του Diaghilev επηρέασαν επίσης τις παραγωγές: δυστυχώς, η σεζόν του 1912 δεν προκάλεσε μεγάλο ενθουσιασμό στο παριζιάνικο κοινό.

Όλα τα μπαλέτα αυτής της σεζόν ανέβηκαν από τον Mikhail Fokine, εκτός από ένα - το "The Afternoon of a Faun", με πρόταση του Diaghilev, ανέβηκε από τον αγαπημένο του Nijinsky - αυτή η παράσταση έγινε το ντεμπούτο στη σύντομη καριέρα του ως χορογράφος.

μπαλέτο "Afternoon of a Faun"

Μετά την αποτυχία στο Παρίσι, ο Ντιαγκίλεφ παρουσίασε τις παραγωγές του (συν μπαλέτα από το προηγούμενο ρεπερτόριο) στο Λονδίνο, το Βερολίνο, τη Βιέννη και τη Βουδαπέστη, όπου το κοινό τις υποδέχτηκε πιο ευνοϊκά. Στη συνέχεια υπήρξαν περιοδείες στη Νότια Αμερική και πάλι η απόλυτη επιτυχία! Ήταν κατά τη διάρκεια αυτών των περιοδειών που προέκυψε μια σύγκρουση μεταξύ Diaghilev και Nijinsky, μετά την οποία ο Sergei Pavlovich αρνήθηκε τις υπηρεσίες ενός χορευτή, αλλά για κάποιο χρονικό διάστημα συνέχισαν να εργάζονται μαζί, αλλά στη συνέχεια υπήρξε ένα τελικό διάλειμμα.

Στα χρόνια ΠΡΩΤΟΣ ΠΑΓΚΟΣΜΙΟΣ ΠΟΛΕΜΟΣΟ θίασος μπαλέτου του Ντιάγκιλεφ πήγε σε περιοδεία στις Ηνωμένες Πολιτείες, αφού εκείνη την εποχή το ενδιαφέρον για την τέχνη στην Ευρώπη υποχώρησε. Έμειναν μόνο φιλανθρωπικές συναυλίες, στις οποίες παρόλα αυτά συμμετείχαν.

Οι υπηρέτριες της πριγκίπισσας του κύκνου στο μπαλέτο "Russian Fairy Tales", 1916

Σκίτσα της Natalia Goncharova για μια από τις πιο εξαιρετικές παραγωγές του Diaghilev – «Les Noces», 1917

Η πλήρης επιστροφή των εποχών Diaghilev στις προηγούμενες θέσεις τους ξεκίνησε το 1917 έτος. Επιστρέφοντας στην Ευρώπη, ο Diaghilev σχημάτισε έναν νέο θίασο.Ο νεαρός χορευτής του σώματος του θεάτρου Μπολσόι, Leonid Massine, πήρε ισχυρή θέση ως χορογράφος στον θίασο. Οι παραστάσεις που ανέβασε ήταν γεμάτες καινοτόμο πνεύμα και έτυχαν καλής υποδοχής στο Παρίσι και τη Ρώμη.

Την ίδια χρονιά, ο Ντιαγκίλεφ κάλεσε τον Πάμπλο Πικάσο να σχεδιάσει το μπαλέτο «Παρέλαση»· λίγα χρόνια αργότερα, ο ίδιος Πικάσο σχεδίασε τα σκηνικά και τα κοστούμια για το μπαλέτο «The Tricorne». Μια νέα, τελευταία περίοδος των σεζόν του ρωσικού μπαλέτου ξεκινά, όταν Γάλλοι καλλιτέχνες και συνθέτες αρχίζουν να επικρατούν στην ομάδα του Diaghilev.

Το μπαλέτο "Parade", που ανέβηκε το 1917 από τον Leonid Massine στη σαρκαστική μουσική του Erik Satie και στο κυβιστικό σχέδιο του Picasso, σηματοδότησε μια νέα τάση του θιάσου Diaghilev - την επιθυμία να απομυθοποιήσει όλα τα στοιχεία του μπαλέτου: πλοκή, τοποθεσία, μάσκες υποκριτικής. (Η «Παρέλαση» απεικόνιζε τη ζωή ενός περιοδεύοντος τσίρκου) και στη θέση του μύθου έβαλε ένα άλλο φαινόμενο - τη μόδα. Παριζιάνικη οικιακή μόδα, μόδα πανευρωπαϊκού στιλ (ιδίως κυβισμός), παγκόσμια μόδα δωρεάν (σε μικρότερο ή μεγαλύτερο βαθμό) χορός.

Olga Khokhlova, Picasso, Maria Shabelskaya και Jean Cocteau στο Παρίσι με αφορμή την πρεμιέρα του μπαλέτου "Parade", 18 Μαΐου 1917

Σκίτσο του Πάμπλο Πικάσο για το μπαλέτο Parade, 1917

Σκηνικά και κοστούμια για το μπαλέτο "The Tricorne", Pablo Picasso, 1919

Lyubov Chernyshova ως Κλεοπάτρα, 1918

Η επιδεινωμένη πολιτική κατάσταση στην Ευρώπη κατέστησε αδύνατη την άφιξη στη Γαλλία, οπότε η σεζόν του Παρισιού 1918 Δεν υπήρχε ένας χρόνος, αλλά υπήρχαν περιοδείες στην Πορτογαλία, τη Νότια Αμερική και στη συνέχεια για σχεδόν έναν ολόκληρο χρόνο στο Ηνωμένο Βασίλειο. Τα χρόνια 1918-1919 έγιναν δύσκολα για τον Ντιαγκίλεφ: η αδυναμία να ανεβάσει μπαλέτα στο Παρίσι, μια δημιουργική κρίση, η αποχώρηση ενός από τους κορυφαίους χορευτές, του Felix Fernandez, από τον θίασο λόγω ασθένειας (τρελάθηκε). Αλλά στο τέλος 1919 Οι σεζόν στο Παρίσι ξανάρχισαν. Το σκηνικό για ένα από τα φετινά μπαλέτα, το The Nightingale του Στραβίνσκι, δημιουργήθηκε από τον καλλιτέχνη Henri Matisse για να αντικαταστήσει τα χαμένα έργα του Benois.

Η περίοδος 1920-1922 μπορεί να ονομαστεί εποχή κρίσης, στασιμότητας. Ο χορογράφος Leonid Myasin μάλωσε με τον Sergei Pavlovich και έφυγε από το θίασο. Για το λόγο αυτό, κυκλοφόρησαν μόνο 2 νέες παραγωγές εκείνη την περίοδο - το μπαλέτο «The Jester» σε μουσική του Σεργκέι Προκόφιεφ και η χορευτική σουίτα «Quadro Flamenco» με διακοσμήσεις του Πικάσο.

Το φθινόπωρο του 1921, ο Diaghilev έφερε την Ωραία Κοιμωμένη στο Λονδίνο, προσκαλώντας την μπαλαρίνα Olga Spesivtseva να παίξει τον πρωταγωνιστικό ρόλο. Αυτή η παραγωγή έγινε δεκτή από το κοινό, αλλά ταυτόχρονα έφερε τον Ντιαγκίλεφ σε μια καταστροφική κατάσταση: το κέρδος από τις αμοιβές δεν αντιστάθμισε τα έξοδα. Ο Diaghilev βρέθηκε στα πρόθυρα της καταστροφής, οι καλλιτέχνες άρχισαν να φεύγουν και η επιχείρησή του σχεδόν έπαψε να υπάρχει. Ευτυχώς, ένας παλιός φίλος του Diaghilev, Misya Sert, ήρθε στη διάσωση. Ήταν πολύ φιλική με την Coco Chanel, η οποία εμπνεύστηκε τόσο πολύ από το έργο του Diaghilev που δώρισε σημαντικά κεφάλαια για την αποκατάσταση του θιάσου του. Εκείνη την εποχή, η Bronislava Nijinska, η μικρότερη αδερφή του Vaslav Nijinsky, είχε μεταναστεύσει από το Κίεβο, την οποία ο Diaghilev αποφάσισε να κάνει τη νέα χορογράφο των εποχών του. Η Nijinska πρότεινε την ενημέρωση του θιάσου με τους μαθητές της στο Κίεβο. Την ίδια περίοδο, ο Diaghilev γνώρισε τον Boris Kokhno, ο οποίος έγινε ο προσωπικός του γραμματέας και συγγραφέας του λιμπρέτου για νέα μπαλέτα.

Την άνοιξη του 1923, η Bronislava Nijinska χορογράφησε μια από τις πιο εξαιρετικές παραγωγές του Diaghilev, το Les Noces του Στραβίνσκι.

Σκίτσα της Natalia Goncharova για το μπαλέτο "Le Noces"

ΣΕ 1923 έτος, ο θίασος αναπληρώθηκε αμέσως με 5 νέους χορευτές, συμπεριλαμβανομένου του μελλοντικού αγαπημένου του Diaghilev - 18χρονου Σερζ Λίφαρ. Όπως είπε ο Diaghilev γι 'αυτόν: «Ο Lifar περιμένει την κατάλληλη ώρα για να γίνει ένας νέος θρύλος, ο πιο όμορφος θρύλος του μπαλέτου».

Τα επόμενα χρόνια, τα χρόνια της αναβίωσης του ρωσικού μπαλέτου, ο Πικάσο και η Coco Chanel συνεργάστηκαν με τον Diaghilev, ο θίασος περιόδευσε πολύ, παρουσίασε όχι μόνο μπαλέτο, αλλά και παραγωγές όπερας, συμφωνικές και συναυλίες δωματίου. Ο George Balanchine έγινε ο χορογράφος κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Μετανάστευσε από τη Ρωσία μετά την αποφοίτησή του από τη σχολή θεάτρου στο θέατρο Μαριίνσκι και, σε συνεργασία με τον Ντιαγκίλεφ, εμπλούτισε πολύ τη χορογραφία των εποχών του.

George Balanchine (γνωστός και ως Georgy Balanchivadze)

Παρά τη φαινομενική ευημερία του, ο Ντιαγκίλεφ αντιμετώπισε ξανά οικονομικές δυσκολίες. Ως αποτέλεσμα, ο Diaghilev πήρε δάνειο και, έχοντας ξεπεράσει την κατάθλιψη, ξεκίνησε μια νέα σεζόν στο Παρίσι και το Λονδίνο. Έτσι μίλησα για την εποχή 1926 Σερζ Λίφαρ: Δεν θα θυμηθώ μια πιο λαμπρή, πιο θριαμβευτική σεζόν του Λονδίνου σε όλα τα χρόνια της ζωής μου στο Ρωσικό Μπαλέτο του Ντιαγκίλεφ: κυριολεκτικά μας κουβάλησαν στα χέρια, μας πλημμύρισαν με λουλούδια και δώρα, όλα τα μπαλέτα μας -καινούργια και παλιά- χαιρετίστηκαν με ενθουσιασμό και ευγνωμοσύνη και προκάλεσε μια ατελείωτη θύελλα χειροκροτημάτων».

Σύντομα ο Diaghilev άρχισε να χάνει το ενδιαφέρον του για το μπαλέτο, αφιερώνοντας όλο και περισσότερο χρόνο και ενέργεια σε ένα νέο χόμπι - τη συλλογή βιβλίων.

ΣΕ 1928 χρονιά, η πιο επιτυχημένη παραγωγή της σεζόν ήταν η παραγωγή του Balanchine του «Apollo Musagete» σε μουσική του Stravinsky, ένα αριστούργημα κατά τη γνώμη του Diaghilev, με σκηνικά του Beauchamp και κοστούμια της Coco Chanel. Το κοινό χάρισε στον Lifar, τον σολίστ σε αυτό το μπαλέτο, ένα μακρύ χειροκρότημα, και ο ίδιος ο Diaghilev εκτίμησε επίσης πολύ τον χορό του. Στο Λονδίνο, το «Apollo Musagete» προβλήθηκε 11 φορές - από τις 36 παραγωγές του ρεπερτορίου.

Η Alexandra Danilova και ο Serge Lifar στο μπαλέτο Apollo Musagete, 1928

1929 Το έτος ήταν το τελευταίο έτος ύπαρξης του ρωσικού μπαλέτου Diaghilev. Την άνοιξη και τις αρχές του καλοκαιριού ο θίασος περιόδευσε ενεργά στην Ευρώπη. Στη συνέχεια, στα τέλη Ιουλίου και αρχές Αυγούστου έγιναν σύντομες περιοδείες στη Βενετία. Εκεί, η υγεία του Ντιαγκίλεφ επιδεινώθηκε ξαφνικά: λόγω της επιδείνωσης του διαβήτη, υπέστη εγκεφαλικό, από το οποίο πέθανε στις 19 Αυγούστου 1929.

Μετά τον θάνατο του Ντιάγκιλεφ, ο θίασος του διαλύθηκε. Ο Balanchine έφυγε για τις ΗΠΑ, όπου έγινε μεταρρυθμιστής του αμερικανικού μπαλέτου. Ο Massine, μαζί με τον συνταγματάρχη de Basile, ίδρυσαν τον θίασο του Ρωσικού Μπαλέτου του Μόντε Κάρλο, ο οποίος διατήρησε το ρεπερτόριο του Ρωσικού Μπαλέτου του Diaghilev και συνέχισε σε μεγάλο βαθμό τις παραδόσεις του. Ο Lifar παρέμεινε στη Γαλλία και ηγήθηκε του θιάσου μπαλέτου της Grand Opera, συμβάλλοντας τεράστια στην ανάπτυξη του γαλλικού μπαλέτου.

Διαθέτοντας μια λαμπρή καλλιτεχνική διαίσθηση για να προβλέψει οτιδήποτε νέο ή να ανακαλύψει τη ξεχασμένη τέχνη των περασμένων εποχών ως νέα, ο Diaghilev μπόρεσε να πραγματοποιήσει κάθε ιδέα του με φανταστική επιμονή. Βάζοντας το όνομά του και την περιουσία του στη γραμμή, γοητεύοντας τους φίλους του, Ρώσους εμπόρους και βιομήχανους με τις ιδέες του, δανείστηκε χρήματα και τα επένδυσε σε νέα έργα. Για τον Σεργκέι Ντιαγκίλεφ, υπήρχαν μόνο δύο είδωλα που λάτρευε σε όλη του τη ζωή - Επιτυχία και Δόξα.

Μια εξαιρετική προσωπικότητα, ιδιοκτήτης ενός μοναδικού δώρου για την ανακάλυψη ταλέντων και την έκπληξη του κόσμου με καινοτομία, ο Sergei Diaghilev έφερε νέα ονόματα εξαιρετικών χορογράφων στον κόσμο της τέχνης - Fokine, Massine, Nijinska, Balanchine. χορευτές και χορευτές - Nijinsky, Wiltzack, Woitsekhovsky, Dolin, Lifar, Pavlova, Karsavina, Rubinstein, Spesivtseva, Nemchinova, Danilova. Δημιούργησε και ένωσε έναν υπέροχο θίασο ταλαντούχων κοτλέ καλλιτεχνών.

Πολλοί σύγχρονοι, καθώς και ερευνητές της ζωής και του έργου του Diaghilev, συμφωνούν ότι το κύριο πλεονέκτημα του Sergei Pavlovich ήταν το γεγονός ότι, οργανώνοντας τις «Ρωσικές εποχές» του, ξεκίνησε ουσιαστικά τη διαδικασία αναβίωσης της τέχνης του μπαλέτου όχι μόνο στη Ρωσία. αλλά σε όλο τον κόσμο. Τα μπαλέτα που δημιουργήθηκαν στην επιχείρησή του αποτελούν μέχρι σήμερα το καμάρι των μεγαλύτερων σκηνών μπαλέτου στον κόσμο και παίζονται με επιτυχία στη Μόσχα, την Αγία Πετρούπολη, το Λονδίνο, το Παρίσι και πολλές άλλες πόλεις.

Όλα τα «Θέατρο για Νέους Θεατές με το όνομα. A.A. Bryantsev" Θέατρο "Music Hall" Κρατικό Ακαδημαϊκό Θέατρο Μπαλέτου Αγίας Πετρούπολης με το όνομα Leonid Yakobson Εταιρεία Παραγωγής της Συνοδικής Χορωδίας της Μόσχας Ilya Averbukh "Astrakhan State Song and Dance Ensemble" Μεγάλη Συμφωνική Ορχήστρα Sverdlovsk Κρατικό Ακαδημαϊκό Μόσχο "DA" Περιφερειακή Φιλαρμονική Εταιρεία Kaluga Κρατικό Ωδείο Καζάν με το όνομα N.G. Zhiganov Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου με το όνομα A.Ya. Vaganova Πανρωσικό Μουσείο A.S. Pushkin Πανρωσικό Μουσείο Διακοσμητικών, Εφαρμοσμένων και Λαϊκών Τεχνών "Μουσικό Θέατρο της Μόσχας "Helikon-O" τη διεύθυνση του Ντμίτρι Μπέρτμαν" Κρατικό Μουσείο της Ιστορίας της Ρωσικής Λογοτεχνίας με το όνομα V.I. Dahl State Academic Mariinsky Theatre State Academic Central Puppet Theatre με το όνομα S.V. Obraztsov Κρατική Ορχήστρα Δωματίου "Moscow Virtuosi" State Memorial Historical-Literary and Natural Landscape Museum.S-Reserve Museum Landscape.S. Pushkin "Mikhailovskoye" State Museum-Reserve "Peterhof" State Museum-Reserve "Tsarskoe Selo" Κρατικό Μουσείο και Εκθεσιακό Κέντρο "ROSIZO" Κρατικό Ερευνητικό Μουσείο Αρχιτεκτονικής με το όνομα A.V. Κρατική Φιλαρμονική της Επικράτειας Αλτάι" Κρατική Ακαδημαϊκή Φιλαρμονική Μόσχας Θέατρο Μόσχας "Et Cetera" Μουσείο του Παγκόσμιου Ωκεανού Μουσείο Νίκης (Κεντρικό Μουσείο του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου 1941-1945) Κρατικό Φιλαρμονικό Πρόγραμμα Νοβοσιμπίρσκ της Ρωσικής Ορθόδοξης Εκκλησίας Αγίας Πετρούπολης Κρατικό Ακαδημαϊκό Ινστιτούτο Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής με το όνομα I.E. Repin στη Ρωσική Ακαδημία Τεχνών "State Academic Chapel of St. Petersburg" "Academic Theatre of the Boris Eifman Ballet" Θέατρο E.B. Vakhtangov στο Serpukhovka υπό τη διεύθυνση της Teresa Durova State Vladimir-Suzdal Museum-Reserve "Κρατικό Μουσείο της Ιστορίας της Θρησκείας" Soyuzmultfilm πιανίστας Rem Urasin Συμφωνική Ορχήστρα Νέων της Δημοκρατίας του Ταταρστάν Φεστιβάλ Ρωσικού Κινηματογράφου "Σύντομες Συναντήσεις" Κρατικό Δημοσιονομικό Ίδρυμα Πολιτισμού της Περιφέρειας Αρχάγγελσκ "Κρατικό Ακαδημαϊκό Βόρεια Ρωσία Λαϊκή Χορωδία" Ρωσο-Γερμανική Μουσική Ακαδημία Σουργκούτ Μουσικό και Δραματικό Θέατρο Ημέρες Ρωσικού Πνευματικού Πολιτισμού Συνέδριο "Γκράνιν και Γερμανία. Ο δύσκολος δρόμος προς τη συμφιλίωση" Κρατικό Αυτόνομο Ίδρυμα Πολιτισμού "Περιφερειακή Φιλαρμονική Ryazan" Κρατικό Κέντρο Θεάτρου Πούσκιν στην Αγία Πετρούπολη Θέατρο "Myrt" (Εργαστήριο Ολοκληρωμένο Θέατρο Αποκατάστασης) Κρατικό Αυτόνομο Ίδρυμα της Δημοκρατίας Κόμι "Κόμι Ρεπουμπλικανική Φιλαρμονική" Ακαδημία Ακουαρέλας S Andriyaki κρατικό δημοσιονομικό ίδρυμα πολιτισμός της πόλης της Μόσχας "Κρατικό Ακαδημαϊκό Χοροθέατρο "Gzhel" Κρατικό Αυτόνομο Ίδρυμα Πολιτισμού της Περιφέρειας Νοβοσιμπίρσκ "Κρατική Ακαδημαϊκή Σιβηρική Ρωσική Λαϊκή Χορωδία" Ομοσπονδιακή Υπηρεσία Τύπου και Μαζικών Επικοινωνιών (Rospechat) Ομοσπονδιακή Επιχείρηση Οικονομικών "Ρωσική Κρατική Εταιρεία Τσίρκου" Ημέρες Ρωσικής Πνευματικής Κουλτούρας Διεθνές Φεστιβάλ μπαλέτου DANCE OPEN Ακαδημαϊκή Μεγάλη Χορωδία "Masters of Choral Singing" Ακαδημαϊκό Δραματικό Θέατρο Pskov με το όνομα A.S. Pushkin FKP "Rosstate Circus"

Την 1η Ιουλίου, όταν ξεκινά η καλοκαιρινή εκτός σεζόν στα playbill των θεάτρων ρεπερτορίου, ένας μοναδικός μαραθώνιος μπαλέτου - "Summer Ballet Seasons" - ξεκινά στη Μόσχα στο RAMT. Αυτό είναι ένα ασταμάτητο κλασικό στο κέντρο της πρωτεύουσας: κάθε μέρα για δύο μήνες στη σκηνή - μαργαριτάρια της παγκόσμιας τέχνης του μπαλέτου, με τη συνοδεία ορχήστρας.

Η πρώτη παράσταση των "Summer Ballet Seasons" θα είναι παραδοσιακά το κύριο ρωσικό μπαλέτο - "Swan Lake" που θα παρουσιαστεί από έναν νέο συμμετέχοντα στο έργο - το Ακαδημαϊκό Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου Samara (SATOB). Ένα από τα μεγαλύτερα ρωσικά μουσικά θέατρα φέρνει 4 παραστάσεις στη Μόσχα και χορεύει στο "Seasons" από 1 Ιουλίου έως 7 Ιουλίου. Βασικός χορογράφος της ομάδας είναι ο Yuri BURLAKA.

Στις 1 και 2 Ιουλίου, οι θεατές έχουν μια μοναδική ευκαιρία να δουν τη «Λίμνη των Κύκνων» στην εκδοχή της παράστασης του θεάτρου Μπολσόι του 1901-1922 (διάρκεια 3 ώρες 15 λεπτά). Η έκδοση της χορογραφίας του Alexander Gorsky δημιουργήθηκε από τον επικεφαλής χορογράφο του SATOB Γιούρι Μπουρλάκα.

Στις 4 και 5 Ιουλίου, ο θίασος μπαλέτου Σαμάρα θα παρουσιάσει την «Ωραία Κοιμωμένη» που σκηνοθετεί η νικήτρια του Εθνικού Βραβείου Θεάτρου Χρυσή Μάσκα, Γκαμπριέλα Κομλέβα.

Στις 6 και 7 Ιουλίου, το Ακαδημαϊκό Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου Σαμάρα θα προβάλει το μπαλέτο «Esmeralda», το οποίο το 2019 ήταν υποψήφιο για το Εθνικό Βραβείο Θεάτρου «Χρυσή Μάσκα» για το «καλύτερο έργο χορογράφου». Η πλοκή βασίζεται στο διάσημο μυθιστόρημα του V. Hugo «Notre Dame Cathedral». Μουσική του Ιταλού συνθέτη Cesar Pugni, λιμπρέτο του Jules Perrault.

Φέτος, το ρεπερτόριο του Seasons περιλαμβάνει 10 διάσημα κλασικά μπαλέτα - Η Λίμνη των Κύκνων, Ο Καρυοθραύστης, η Σταχτοπούτα, ο Δον Κιχώτης, η Ωραία Κοιμωμένη, η Ζιζέλ, ο Ρωμαίος και η Ιουλιέτα - παραγωγές των θρυλικών χορογράφων Marius Petipa, Asaf Messerer, Leonid Vavrovsky, Alexander Vavrovsky, Γκόρσκι.

Ένας σπάνιος τίτλος για τη σκηνή της πρωτεύουσας - το μπαλέτο "Η Χιονάτη και οι επτά νάνοι" σε μουσική του Bogdan Pavlovsky - θα παρουσιάσει το Art-Da Ballet Theatre - μια πολλά υποσχόμενη ομάδα του οποίου οι παραστάσεις έγιναν δεκτές με ενθουσιασμό από το κοινό τις περασμένες σεζόν. . Ο θίασος, ο οποίος διαθέτει υψηλές δημιουργικές δυνατότητες τόσο σε κλασικές όσο και σε μοντέρνες κατευθύνσεις, λειτουργεί με το σύνθημα «Ταλέντο και αφοσίωση στις κλασικές παραδόσεις του ρωσικού μπαλέτου».

Το μπαλέτο του Marius Petipa "La Bayadère" θα εμφανιστεί ξανά στο ρεπερτόριο των "Summer Ballet Seasons" - σε παράσταση του Εθνικού Κλασσικού Μπαλέτου. Ο νεανικός θίασος, που ιδρύθηκε το 2010, περιοδεύει εκτενώς σε όλη τη Ρωσία και τον κόσμο, διατηρεί προσεκτικά τις παραδόσεις του ρωσικού μπαλέτου και έχει ήδη καθιερωθεί ως ένθερμος θεματοφύλακας της κλασικής τέχνης του μπαλέτου.

Φέτος, σολίστ από την παρισινή Όπερα Garnier (Grand Opéra) συμμετέχουν και πάλι στις παραστάσεις του έργου. Οι νέοι, ταλαντούχοι χορευτές της Όπερας του Παρισιού, Héloïse BOURDON και Jérémie Lou KEUR, θα παίξουν τους βασικούς ρόλους στα μπαλέτα «Giselle» στις 21 Ιουλίου και «Swan Lake» στις 23 Ιουλίου.

Πάνω από 18 χρόνια, οι παραστάσεις των Καλοκαιρινών Εποχών Μπαλέτου έχουν παρακολουθηθεί από περισσότερα από 800.000 άτομα. Αρχικά, το έργο σχεδιάστηκε για ξένους τουρίστες που επισκέπτονταν τη Μόσχα μετά το τέλος της θεατρικής και συναυλιακής σεζόν. Αλλά οι κάτοικοι της πρωτεύουσας δεν έδειξαν λιγότερο ενδιαφέρον για τις καλοκαιρινές παραστάσεις και πολύ σύντομα το "Seasons" έγινε ένα αξιοσημείωτο γεγονός και τώρα μια καλή παράδοση στην πολιτιστική ζωή της καλοκαιρινής Μόσχας.

Η αποστολή του έργου είναι να διατηρήσει τις πλούσιες παραδόσεις του ρωσικού μπαλέτου - ένα από τα πιο σημαντικά και φωτεινότερα μέρη της πολιτιστικής κληρονομιάς της Ρωσίας. Ένα εξίσου σημαντικό καθήκον είναι να μυήσει το ευρύτερο κοινό στην τέχνη του κλασικού μπαλέτου. Οι διοργανωτές των «Summer Ballet Seasons» αναζητούν συνεχώς νέες επαγγελματικές ομάδες και εξαιρετικές παραγωγές που διαφυλάσσουν τη συνέχεια των γενεών στην τέχνη του χορού μπαλέτου.

Όλες οι παραστάσεις συνοδεύονται από ορχήστρα.

Το χορευτικό σύνολο «Russian Seasons» οργανώθηκε το 1991 από μια ομάδα ενθουσιωδών με στόχο την περαιτέρω ανάπτυξη των βαθύτερων παραδόσεων της ρωσικής σχολής χορού. Σήμερα το χορευτικό σύνολο "Russian Seasons" είναι ένα από τα κορυφαία συγκροτήματα στη Ρωσία.

Ο καλλιτεχνικός διευθυντής και επικεφαλής χορογράφος του συνόλου είναι ένας από τους καλύτερους χορογράφους της χώρας, Επίτιμος Καλλιτέχνης της Ρωσίας, βραβευμένος με διεθνείς διαγωνισμούς Nikolai Nikolaevich Androsov. Έμαθε την τέχνη της χορογραφίας από την ηλικία των 6 ετών, ξεκινώντας από το Σύνολο Τραγουδιού και Χορού με το όνομα V.S. Loktev, στη συνέχεια στη Χορογραφική Σχολή-Στούντιο στο Κρατικό Ακαδημαϊκό Λαογραφικό Χορευτικό Σύνολο της ΕΣΣΔ υπό τη διεύθυνση του Ι.Α. Moiseev, μετά τον οποίο έγινε ο κορυφαίος σολίστ του GAANT της ΕΣΣΔ υπό τη διεύθυνση του I.A. Μοϊσέεβα. Το 1990 αποφοίτησε με άριστα από τη Ρωσική Ακαδημία Θεατρικών Τεχνών (GITIS) με πτυχίο σκηνοθέτη και χορογράφο (μάθημα του καθηγητή A.A. Borzov).

Το “Russian Seasons” πέρασε έξοχα τον δύσκολο δρόμο της συγκρότησης μιας νεανικής ομάδας, με την οποία ο Ν.Ν. Ο Androsov παρουσίασε περισσότερες από 400 παραγωγές στις καλύτερες σκηνές του κόσμου (Θέατρο Μπολσόι της Ρωσίας, Θέατρο Μαριίνσκι, Όπερα της Βιέννης, Όπερα της Ρώμης κ.λπ.). Ανάμεσά τους είναι μονόπρακτα και δίπρακτα μπαλέτα, μουσικές και δραματικές παραστάσεις, μιούζικαλ, προγράμματα συναυλιών κ.λπ. Το 2000, το σύνολο προτάθηκε για να λάβει το Βραβείο Χρυσής Μάσκας στην κατηγορία «Καλύτερη Συνεργατική Παραγωγή» για την ερμηνεία του μπαλέτου «The Rite of Spring» του I. Stravinsky, που ανέβασε η Γιαπωνέζα χορογράφος Mina Tanaka. Οι καλλιτέχνες του συνόλου έχουν πίσω τους έργα όπως το έργο "The Return of the Firebird" μαζί με τον Andris Liepa, "The Gospel of the Evil One" μαζί με τον Vladimir Vasiliev, "Bolero", "Slavic Dances", "Judas", " Arimoya», μπαλέτο του P. AND. Τσαϊκόφσκι «Ο Καρυοθραύστης».

Τα πρώτα 10 χρόνια, το συγκρότημα εμφανίστηκε με επιτυχία σε μεγάλες περιοδείες στις Ηνωμένες Πολιτείες τρεις φορές και από το 2002 έχει προσκληθεί πολλές φορές να περιοδεύσει στις Ηνωμένες Πολιτείες. Η τέχνη των «Ρωσικών Εποχών» έγινε δεκτή με ενθουσιασμό από θεατές στην Ισπανία, την Αργεντινή, το Ισραήλ, την Τουρκία, την Αίγυπτο, την Ελλάδα, τη Χιλή, το Χονγκ Κονγκ, τη Φινλανδία, την Ταϊβάν, την Κένυα, την Ιαπωνία, τη Γαλλία, τη Γερμανία και άλλες χώρες.

Οι δημιουργικές επιτυχίες του Τιμώμενου Καλλιτέχνη της Ρωσικής Ομοσπονδίας, του ιδρυτή και καλλιτεχνικού διευθυντή της Χορογραφικής Σχολής στο Κρατικό Θέατρο της Μόσχας "Ρωσικές Εποχές" Νικολάι Νικολάεβιτς ΑΝΤΡΟΣΟΦ, βραβεύτηκαν με το βραβείο για την καλύτερη σύγχρονη χορογραφία του Διεθνούς Διαγωνισμού Καλλιτεχνών Μπαλέτου και Χορογράφων "Maya", το Βραβείο "Εθνικός Θησαυρός της Ρωσίας", το Τάγμα του S. Diaghilev, Τάγμα "Για την υπηρεσία στην τέχνη" ("Ασημένιο αστέρι"), δίπλωμα από την κυβέρνηση της Μόσχας.

«Ρωσικές εποχές» του Σεργκέι Πάβλοβιτς Ντιάγκιλεφ

«Και τι κάνεις, αγαπητέ, εδώ; – Ο βασιλιάς Αλφόνσος της Ισπανίας ρώτησε κάποτε τον Σεργκέι Ντιαγκίλεφ κατά τη διάρκεια μιας συνάντησης με τον διάσημο επιχειρηματία των «Ρωσικών Εποχών». – Δεν διευθύνετε ορχήστρα ή παίζετε μουσικό όργανο, δεν ζωγραφίζετε σκηνικά ή χορεύετε. Λοιπόν τι κάνεις? Στην οποία απάντησε: «Εσείς και εγώ είμαστε ίδιοι, Μεγαλειότατε! Δεν δουλεύω. Δεν κάνω τίποτα. Αλλά δεν μπορείς να το κάνεις χωρίς εμένα».

Οι «Ρωσικές εποχές» που διοργάνωσε ο Diaghilev δεν ήταν απλώς προπαγάνδα της ρωσικής τέχνης στην Ευρώπη, έγιναν αναπόσπαστο μέρος του ευρωπαϊκού πολιτισμού στις αρχές του εικοστού αιώνα. και ανεκτίμητη συμβολή στην ανάπτυξη της τέχνης του μπαλέτου.

Ιστορία «Ρωσικές εποχές» του Ντιάγκιλεφκαι πολλά ενδιαφέροντα στοιχεία που διαβάσατε στη σελίδα μας.

Ιστορικό των "Ρωσικών εποχών"

Ο συνδυασμός νομικής εκπαίδευσης και ενδιαφέροντος για τη μουσική ανέπτυξε στον Sergei Diaghilev λαμπρές οργανωτικές δεξιότητες και την ικανότητα να διακρίνει ταλέντο ακόμα και σε έναν αρχάριο ερμηνευτή, που συμπληρώνεται, με σύγχρονους όρους, από τη σειρά ενός μάνατζερ.

Η στενή γνωριμία του Ντιάγκιλεφ με το θέατρο ξεκίνησε με την επιμέλεια της «Επετηρίδας των Αυτοκρατορικών Θεάτρων» το 1899, όταν υπηρέτησε στο Θέατρο Μαριίνσκι στην Αγία Πετρούπολη. Χάρη στη βοήθεια των καλλιτεχνών της ομάδας «World of Art», στην οποία ανήκε ο αξιωματούχος των ειδικών εργασιών S. Diaghilev, μετέτρεψε την έκδοση από μια πενιχρή στατιστική συλλογή σε πραγματικό περιοδικό τέχνης.

Όταν, μετά από ένα χρόνο εργασίας ως εκδότης της Επετηρίδας, ο Diaghilev ανατέθηκε να οργανώσει το μπαλέτο του L. Delibes «Sylvia, or the Nymph of Diana», προέκυψε ένα σκάνδαλο με το μοντερνιστικό σκηνικό, το οποίο δεν ταίριαζε στη συντηρητική ατμόσφαιρα. του θεάτρου εκείνης της εποχής. Ο Ντιαγκίλεφ απολύθηκε και επέστρεψε στη ζωγραφική, οργανώνοντας εκθέσεις ζωγραφικής από Ευρωπαίους καλλιτέχνες και καλλιτέχνες του «Κόσμου της Τέχνης» στη Ρωσία. Μια λογική συνέχεια αυτής της δραστηριότητας ήταν η έκθεση τέχνης ορόσημο στο Φθινοπωρινό Σαλόνι του Παρισιού το 1906. Από αυτό το γεγονός ξεκίνησε η ιστορία των Εποχών...

Σκαμπανεβάσματα…

Εμπνευσμένος από την επιτυχία του Φθινοπωρινού Σαλονιού, ο Diaghilev δεν ήθελε να σταματήσει και, έχοντας αποφασίσει να πραγματοποιήσει μια περιοδεία Ρώσων καλλιτεχνών στο Παρίσι, έδωσε πρώτα προτίμηση στη μουσική. Έτσι, το 1907, ο Σεργκέι Πάβλοβιτς οργάνωσε «Ιστορικές Ρωσικές Συναυλίες», το πρόγραμμα των οποίων περιελάμβανε 5 συμφωνικές συναυλίες ρωσικών κλασικών, που πραγματοποιήθηκαν στη Μεγάλη Όπερα του Παρισιού που προορίζεται για τις «Εποχές». Το ψηλό μπάσο του Chaliapin, η χορωδία του θεάτρου Μπολσόι, οι δεξιότητες διεύθυνσης του Nikisch και το απολαυστικό πιάνο του Hoffmann γοήτευσαν το παριζιάνικο κοινό. Επιπλέον, ένα προσεκτικά επιλεγμένο ρεπερτόριο, που περιλαμβάνει αποσπάσματα από "Ρουσλάνα και Λιουντμίλα" Γκλίνκα, «Νύχτες Χριστουγέννων» "Sadko" Και "Snow Maidens" Ρίμσκι-Κόρσακοφ, " Μαγεύτριες "Τσαϊκόφσκι", Khovanshchiny » και το «Boris Godunov» του Mussorgsky, δημιούργησαν πραγματική αίσθηση.

Την άνοιξη του 1908, ο Ντιαγκίλεφ πήγε ξανά για να κερδίσει τις καρδιές των Παριζιάνων: αυτή τη φορά με την όπερα. Ωστόσο "Μπορίς Γκοντούνοφ"Το θέατρο δεν ήταν γεμάτο και τα έσοδα μόλις και μετά βίας κάλυψαν τα έξοδα του θιάσου. Κάτι έπρεπε να αποφασιστεί επειγόντως.

Γνωρίζοντας τι άρεσε στο κοινό εκείνης της εποχής, ο Ντιαγκίλεφ συμβιβάστηκε με τις δικές του αρχές. Περιφρονούσε το μπαλέτο, θεωρώντας το πρωτόγονη διασκέδαση για εξίσου πρωτόγονα μυαλά, αλλά το 1909, ένας επιχειρηματίας ευαίσθητος στη διάθεση του κοινού έφερε 5 μπαλέτα: «Pavilion of Armida», «Cleopatra», «Polovtsian Dances», « Sylphide " και "Γιορτή". Η εκπληκτική επιτυχία των παραγωγών του πολλά υποσχόμενου χορογράφου M. Fokin επιβεβαίωσε την ορθότητα της επιλογής του Diaghilev. Οι καλύτεροι χορευτές μπαλέτου από τη Μόσχα και την Αγία Πετρούπολη - V. Nijinsky, A. Pavlova, I. Rubinstein, M. Kshesinskaya, T. Karsavina και άλλοι - αποτέλεσαν τον πυρήνα του μπαλέτου. Αν και μετά από ένα χρόνο Πάβλοβαεγκαταλείπει τον θίασο λόγω διαφωνιών με τον ιμπρεσάριο, το "Russian Seasons" θα γίνει το εφαλτήριο στη ζωή της, μετά το οποίο η φήμη της μπαλαρίνας θα αυξηθεί. Η αφίσα του V. Serov, που φτιάχτηκε για την περιοδεία του 1909 και περιείχε μια εικόνα της Πάβλοβα παγωμένη σε μια χαριτωμένη πόζα, έγινε μια προφητεία φήμης για τον καλλιτέχνη.

Ήταν το μπαλέτο που έφερε μεγάλη φήμη στις «Ρωσικές εποχές» και ήταν ο θίασος του Ντιαγκίλεφ που επηρέασε την ιστορία της ανάπτυξης αυτής της μορφής τέχνης σε όλες τις χώρες όπου έπρεπε να περιοδεύσουν. Από το 1911, οι "Ρωσικές εποχές" περιείχαν αποκλειστικά αριθμούς μπαλέτου, ο θίασος άρχισε να παίζει σε μια σχετικά σταθερή σύνθεση και έλαβε το όνομα "Ρωσικό Μπαλέτο του Ντιάγκιλεφ". Τώρα παίζουν όχι μόνο στις εποχές του Παρισιού, αλλά πηγαίνουν και σε περιοδεία στο Μονακό (Μόντε Κάρλο), Αγγλία (Λονδίνο), ΗΠΑ, Αυστρία (Βιέννη), Γερμανία (Βερολίνο, Βουδαπέστη), Ιταλία (Βενετία, Ρώμη).

Στα μπαλέτα του Diaghilev, από την αρχή, υπήρχε η επιθυμία να συντεθεί η μουσική, το τραγούδι, ο χορός και οι εικαστικές τέχνες σε ένα σύνολο, υποταγμένο σε μια κοινή έννοια. Ήταν αυτό το χαρακτηριστικό που ήταν επαναστατικό για εκείνη την εποχή, και ακριβώς χάρη σε αυτό το χαρακτηριστικό ήταν που οι παραστάσεις του Ρωσικού Μπαλέτου του Ντιάγκιλεφ προκάλεσαν είτε θύελλες χειροκροτημάτων είτε θύελλες κριτικής. Σε αναζήτηση νέων μορφών, πειραματιζόμενοι με πλαστικές τέχνες, διακοσμήσεις και μουσικό σχέδιο, η επιχείρηση του Diaghilev ήταν πολύ μπροστά από την εποχή της.

Ως απόδειξη αυτού, μπορεί κανείς να αναφέρει το γεγονός ότι η πρεμιέρα του "The Rite of Spring" - ένα μπαλέτο βασισμένο σε ρωσικά παγανιστικά τελετουργικά , - πνίγηκε από σφυρίγματα και κραυγές του αγανακτισμένου κοινού και το 1929 στο Λονδίνο (Covent Garden Theatre) η παραγωγή του στέφθηκε με ενθουσιώδη επιφωνήματα και ξέφρενα χειροκροτήματα.

Συνεχείς πειραματισμοί οδήγησαν σε τέτοιες μοναδικές παραστάσεις όπως «Games» (μια φαντασία με θέμα το τένις), «The Blue God» (μια φαντασία με θέμα τα ινδικά μοτίβα), το 8λεπτο μπαλέτο «The Afternoon of a Faun» , που αποκαλείται από το κοινό το πιο άσεμνο φαινόμενο του θεάτρου λόγω της ανοιχτής ερωτικής πλαστικότητας του φωτιστικού, η «χορογραφική συμφωνία» «Daphnis and Chloe» σε μουσική του M. Ravel και άλλων.

Diaghilev - μεταρρυθμιστής και μοντερνιστής της τέχνης του μπαλέτου

Όταν ο θίασος του Ντιαγκίλεφ ήρθε στο μπαλέτο, υπήρχε πλήρης ακαμψία στον ακαδημαϊκό συντηρητισμό. Ο μεγάλος ιμπρεσάριος έπρεπε να καταστρέψει τους υπάρχοντες κανόνες, και στην ευρωπαϊκή σκηνή αυτό, φυσικά, ήταν πολύ πιο εύκολο να γίνει από ό,τι στη Ρωσία. Ο Ντιάγκιλεφ δεν συμμετείχε άμεσα στις παραγωγές, αλλά ήταν η οργανωτική δύναμη χάρη στην οποία ο θίασος του πέτυχε την παγκόσμια αναγνώριση.

Ο Diaghilev κατάλαβε διαισθητικά ότι το κύριο πράγμα στο μπαλέτο είναι ένας ταλαντούχος χορογράφος. Ήξερε να βλέπει το οργανωτικό χάρισμα ακόμη και σε έναν αρχάριο χορογράφο, όπως συνέβαινε με τον Μ. Φόκιν, και ήξερε να καλλιεργεί τις απαραίτητες ιδιότητες για να συνεργαστεί με τον θίασο του, όπως συνέβη με τον 19χρονο Β. Μυασίν. Προσκάλεσε επίσης τον Serge Lifar στην ομάδα του, αρχικά ως performer, και αργότερα τον έκανε νέο αστέρι στον γαλαξία των χορογράφων του θιάσου του Ρωσικού Μπαλέτου.

Οι παραγωγές του "Russian Seasons" επηρεάστηκαν δυναμικά από το έργο μοντερνιστών καλλιτεχνών. Τα σκηνικά και τα κοστούμια δημιουργήθηκαν από καλλιτέχνες του συλλόγου «World of Arts», που τείνει προς τον συμβολισμό: A. Benois, N. Roerich, B. Anisfeld, L. Bakst, S. Sudeikin, M. Dobuzhinsky, καθώς και avant -καλλιτέχνες γκαρντ N. Goncharova, M. Larionov, Ισπανός μνημειαλιστής H.-M. Σερτ, Ιταλός μελλοντολόγος D. Balla, κυβιστές P. Picasso, H. Gris και J. Braque, Γάλλος ιμπρεσιονιστής A. Matisse, νεοκλασικός L. Survage. Διάσημες προσωπικότητες όπως ο C. Chanel, ο A. Laurent και άλλοι συμμετείχαν επίσης ως διακοσμητές και ενδυματολόγοι στις παραγωγές του Diaghilev. Όπως γνωρίζετε, η φόρμα επηρεάζει πάντα το περιεχόμενο, όπως παρατήρησε το κοινό του «Russian Seasons». Όχι μόνο τα σκηνικά, τα κοστούμια και οι κουρτίνες εξέπληξαν με την καλλιτεχνική τους εκφραστικότητα, τη σοκαριστικότητα και το παιχνίδι των γραμμών τους: ολόκληρη η παραγωγή αυτού ή του άλλου μπαλέτου ήταν διαποτισμένη από μοντερνιστικές τάσεις, το πλαστικό σταδιακά εκτόπισε την πλοκή από το κέντρο της προσοχής του θεατή.

Ο Diaghilev χρησιμοποίησε μια μεγάλη ποικιλία μουσικής για τις παραγωγές του Ρωσικού Μπαλέτου: από τα παγκόσμια κλασικά Φ. Σοπέν , R. Schumann, Κ. Βέμπερ , D. Scarlatti, R. Strauss και Ρώσοι κλασικοί Ν. Ρίμσκι-Κόρσακοφ , A. Glazunov, M. Mussorgsky, Π. Τσαϊκόφσκι , Μ. Γκλίνκα στους ιμπρεσιονιστές C. Debussy και M. Ravel, καθώς και σύγχρονους Ρώσους συνθέτες Ι. Στραβίνσκι και N. Tcherepnina.

Το ευρωπαϊκό μπαλέτο, που βίωνε μια κρίση ανάπτυξής του στις αρχές του 20ου αιώνα, ήταν προικισμένο με τα νεαρά ταλέντα του Ρωσικού Μπαλέτου του Ντιάγκιλεφ, ανανεωμένα από τις νέες τεχνικές παράστασης, τη νέα πλαστικότητα, μια αξεπέραστη σύνθεση διαφόρων ειδών τεχνών, από που γεννήθηκε κάτι εντελώς διαφορετικό από το συνηθισμένο κλασικό μπαλέτο.

Ενδιαφέροντα γεγονότα

• Αν και οι «Ιστορικές Ρωσικές Συναυλίες» θεωρούνται μέρος των «Ρωσικών Εποχών», μόνο η αφίσα του 1908 περιείχε αυτό το όνομα για πρώτη φορά. Υπήρχαν άλλες 20 τέτοιες σεζόν μπροστά, αλλά η περιοδεία του 1908 ήταν η τελευταία προσπάθεια του επιχειρηματία να κάνει χωρίς μπαλέτο.
• Για να ανεβάσει το «The Afternoon of a Faun», που διήρκεσε μόνο 8 λεπτά, ο Nijinsky χρειάστηκε 90 πρόβες.
• Μανιώδης συλλέκτης, ο Ντιαγκίλεφ ονειρευόταν να πάρει τις αδημοσίευτες επιστολές του Α. Πούσκιν στη Νατάλια Γκοντσάροβα. Όταν τελικά του παραδόθηκαν τον Ιούνιο του 1929, ο επιχειρηματίας άργησε να πάει στο τρένο - είχε μια περιοδεία στη Βενετία. Ο Ντιαγκίλεφ έβαλε τα γράμματα στο χρηματοκιβώτιο για να τα διαβάσει αφού έφτασε στο σπίτι... αλλά δεν προοριζόταν ποτέ να επιστρέψει από τη Βενετία. Η γη της Ιταλίας δέχτηκε τον μεγάλο ιμπρεσάριο για πάντα.
• Ενώ ερμήνευσε το σόλο μέρος στο μπαλέτο «Orientalia» το 1910, ο V. Nijinsky έκανε το περίφημο άλμα του, το οποίο τον έκανε γνωστό ως «ιπτάμενος χορευτής».
• Πριν από κάθε παράσταση του μπαλέτου «The Phantom of the Rose», ο ενδυματολόγος ξανάραβε ροδοπέταλα στο κοστούμι του Nijinsky, γιατί μετά από κάθε παράσταση τα έσκιζε και τα χάριζε στους πολλούς θαυμαστές του χορευτή.

Ταινίες για τον S. Diaghilev και τις δραστηριότητές του

• Στην ταινία "The Red Shoes" (1948), η προσωπικότητα του Diaghilev έλαβε μια καλλιτεχνική επανερμηνεία σε έναν χαρακτήρα που ονομάζεται Lermontov. Στο ρόλο του Diaghilev - A. Walbrook.
• Στις ταινίες μεγάλου μήκους "Nijinsky" (1980) και "Anna Pavlova" (1983), δόθηκε επίσης προσοχή στην προσωπικότητα του Diaghilev. Τους ρόλους του ερμηνεύουν οι A. Bates και V. Larionov, αντίστοιχα.

• Ταινία ντοκιμαντέρ του A. Vasiliev «The Fate of an Ascetic. Ο Sergei Diaghilev» (2002) αφηγείται την ιστορία του ιδρυτή του περιοδικού World of Arts και του επιχειρηματία των Russian Seasons.
• Μια πολύ ενδιαφέρουσα και συναρπαστική ταινία «Ιδιοφυΐες και κακοί μιας περασμένης εποχής. Ο Sergei Diaghilev» (2007) μιλά για ελάχιστα γνωστά γεγονότα που σχετίζονται με τον Diaghilev και τις παραγωγικές του δραστηριότητες.
• Το 2008, ο κύκλος «Μπαλέτο και Δύναμη» αφιέρωσε ταινίες στον Βάσλαβ Νιζίνσκι και τον Σεργκέι Ντιαγκίλεφ, ωστόσο, η αμφιλεγόμενη σχέση τους και το ταλέντο του νεαρού χορευτή έγιναν το επίκεντρο πολλών ταινιών που αξίζουν ξεχωριστή κριτική.
• Η ταινία «Coco Chanel and Igor Stravinsky» (2009) αγγίζει τη σχέση μεταξύ του επιχειρηματία και του συνθέτη που έγραψε τη μουσική για πολλές από τις παραστάσεις του.
• Η ταινία ντοκιμαντέρ "Paris of Sergei Diaghilev" (2010) είναι το πιο θεμελιώδες κινηματογραφικό έργο για τη ζωή και το έργο ενός ταλαντούχου επιχειρηματία.
• Η πρώτη από τις ταινίες της σειράς «The Historical Travels of Ivan Tolstoy» είναι αφιερωμένη στον Sergei Diaghilev – «A Precious Bunch of Letters» (2011).
• Ένα πρόγραμμα από τη σειρά "The Chosen Ones" είναι επίσης αφιερωμένο στον Sergei Diaghilev. Ρωσία. Century XX» (2012).
• Η ταινία ντοκιμαντέρ "Μπαλέτο στην ΕΣΣΔ" (2013) (Σειρά προγραμμάτων "Made in the USSR") αγγίζει εν μέρει το θέμα των "Ρωσικών εποχών".
• Το τηλεοπτικό επεισόδιο "Absolute Pitch" με ημερομηνία 13/02/2013 μιλάει για τον Diaghilev και την τέχνη του 20ου αιώνα και από τις 14/01/2015 - για τις πρώτες παραγωγές του μπαλέτου "Το απόγευμα ενός Φαούν".
• Ως μέρος της σειράς προγραμμάτων "Riddles of Terpsichore", κυκλοφόρησαν δύο ταινίες - "Sergei Diaghilev - ένας άνθρωπος της τέχνης" (2014) και "Sergei Diaghilev - από τη ζωγραφική στο μπαλέτο" (2015).

Δικαίως μπορεί να θεωρηθεί ο ιδρυτής της εγχώριας σόου μπίζνες. Κατάφερε να παίξει με τον συγκλονιστικό χαρακτήρα των παραστάσεων του θιάσου του και σκόπιμα εμπότισε τις παραστάσεις με διάφορες μοντερνιστικές τεχνικές σε όλα τα επίπεδα σύνθεσης: σκηνικά, κοστούμια, μουσική, πλαστικές - όλα έφεραν το αποτύπωμα των πιο μοδάνων τάσεων της εποχής. Στο ρωσικό μπαλέτο των αρχών του εικοστού αιώνα, όπως και σε άλλα καλλιτεχνικά κινήματα εκείνης της εποχής, η δυναμική από την ενεργό αναζήτηση της Ασημένιας Εποχής για νέα μέσα έκφρασης μέχρι τους υστερικούς τόνους και τις σπασμένες γραμμές της πρωτοποριακής τέχνης ήταν ξεκάθαρα ορατή. " Ρωσικές εποχές«ανέβασε την ευρωπαϊκή τέχνη σε ένα ποιοτικά νέο επίπεδο ανάπτυξης και μέχρι σήμερα συνεχίζει να εμπνέει τους δημιουργικούς μποέμ να αναζητούν νέες ιδέες.

Βίντεο: Δείτε μια ταινία για τις "Ρωσικές εποχές" του Diaghilev