トレチャコフ美術館、ロシア初の女性彫刻家A・S・ゴルブキナの誕生日を記念して35点の作品を集めた拡大展示を開始

ロシア初の女性彫刻家、アンナ・セミョノフナ・ゴルブキナ（1864～1927年）の命日を記念して、その作品は20世紀前半のロシア造形芸術の全盛期の象徴となった。トレチャコフ美術館は、拡大開館する。彼女の作品の展示。 伝統的にラヴルシンスキー通りとクリムスキーヴァルのホールで展示されてきた巨匠の作品に、ギャラリーとその科学部門の一つであるA.S.ゴルブキナ博物館兼ワークショップのコレクションからの展示が加えられる予定です。

ラヴルシンスキー通りでの A. S. ゴルブキナの展覧会は、銀器時代の彫刻と絵画の館を引き継いでいます。 巨匠の作品は、何度か一緒に展示されたP. V. クズネツォフ、N. N. サプノフ、M. S. サリアン、V. E. ボリソフ＝ムサトフの絵画と対話しながら展示されています。 この作品の比較は、この時代の彫刻家と画家の芸術的探求の近さを強調します。

アンナ・ゴルブキナは、自身の作品において、「すべてを忘れ、すべてを放棄する必要がある」という芸術への禁欲的な奉仕の考えに導かれました。 ザライスクからモスクワに到着した彼女は、25 歳で芸術家兼建築家の A.O. グンストの美術クラスで専門教育を始め、モスクワ絵画、彫刻、建築学校、そして帝国アカデミーで学びを続けました。サンクトペテルブルクの芸術。 しかし、アカデミーの教育方法はゴルブキナの期待と一致しませんでした。

ヨーロッパの芸術生活の中心になりたいという願望から、彼女はパリへ数回旅行しました。 ここで彼女はオーギュスト・ロダン（1840～1917）と出会い、1896～1897年に彼の工房を訪れました。 有名な彫刻家とのコミュニケーションと彼のアドバイスは、ゴルブキナが芸術における自分の道を実現するのに役立ちました。「あなた...最高の芸術家...私に自由になる機会を与えてくれました...」これらの巨匠の作品の交差点が検討されました展覧会「百年ぶりの出会い：ロダン」にて。 ゴルブキナ。 クローデル」、2004年トレチャコフ美術館にて。

ゴルブキナはロダンから芸術的形態を構築する原則を取り入れ、積極的な表面展開と光と影のモデリングというロダンの特徴的な手法を学び、それが彼女を彫刻における印象派へと導きました。 この時期の彼女の作品は、A. S. ゴルブキナ博物館兼ワークショップの最新展示で詳しく紹介されています。 象徴主義への関心は、比喩、非顕現的な形への注意、汎神論的なモチーフへの訴えを通して彼女の芸術に現れました。 他の文体の方向性への情熱を経て、ゴルブキナは最後の主要作品である「樺の木」と「レフ・トルストイの肖像」（どちらも1927年、ブロンズ）で印象派に戻った。

展覧会には約35点の彫刻が展示されていました。 最初の部屋は、ゴルブキナの最も重要な木造作品の 1 つである暖炉のカリアティード (1911 年) で訪問者を迎えます。 この素材を選択することにより、彫刻家は古代のモチーフから先史時代のモチーフに移行し、イメージの意味論を変化させます。

比喩的な構図に読み取られる内的緊張のアイデアも、ゴルブキナの肖像画の主要テーマになりました。 展示会の中央ホールには、銀器時代の哲学者や作家、V. I. イワノフ、V. F. エルン、A. N. トルストイの像が展示されています。 作品には、個々の「精神の比率」や魂の奥底の動きを描くことへの作者の関心が表れています。 詩人 A. ベリー (1907 年、石膏) の機敏で内なる可動性は、活動的で表情豊かな表面テクスチャーを備えた同様にダイナミックなプラスチックの形によって表現されています。 作家A.M.レミゾフの肖像画（1911年、木）は異なる方法で決定されました。彼の特徴の中で、彫刻家は感情的な崩壊とドラマを伝えました。 幅広の衣服のひだの丸みを帯びた動きは、内部の不和を覆い、消そうとしているかのように見えます。

展示の第 3 ホールのテーマは生命の輪、時間の動きでした。 その中心となるのは、最近修復された彫刻「老年」（1898年、着色石膏）で、1899年にパリの春のサロンで初公開された。作品「少女」の穏やかな子供のイメージ。 マンカ」（1904 年以降、大理石、石膏）は、加工されていない刻まれた大理石のブロックから生じます。 「エジプト」の様式を使用した胸像「オールド」（1908年、色付き大理石）では、ゴルブキナは石を不活性物質として解釈し、古い顔だけでなく人間の生命そのものを含んでいます。 ゴルブキナ自身によると、「霧」の花瓶には 4 つの時代のテーマが明らかにされています。 石膏（1899 年）と大理石（1908 年頃）のバージョンを比較すると、巨匠が芸術的目標を達成するためにさまざまな素材をどのように使用しているかを観察できます。

批評家たちが生前指摘したように、ゴルブキナの芸術は「時代にほぼ似た肖像画を獲得した」もので、20世紀初頭にはすでに高く評価されていた。 1914年、モスクワ美術館（現プーシキン国立美術館）において、彼女の作品はロシア史上初の彫刻のモノグラフ展覧会を構成した。 1900 年代半ばにトレチャコフ美術館が近代彫刻の系統的なコレクションを開始したのは、ゴルブキナの作品とともにでした。

ラヴルシンスキー通りのギャラリーホールでの拡大展示は、彫刻家の命日を祝うプログラムの一部となります。 ゴルブキナの誕生日である1月28日、ザライスクのゴルブキナの家博物館で展覧会のグランドオープニングが行われ、トレチャコフ美術館の科学スタッフも式典に参加する。 ボリショイ・レフシンスキー・レーンにあるA.S.ゴルブキナの博物館兼ワークショップで、新しい展示会が準備されました。 2月5日、ゴルブキナの作品を特集した円卓会議がトレチャコフ美術館で開催される。

ソース: 国立トレチャコフ美術館からのプレスリリース

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• 03.12.2019

素晴らしいロシアの彫刻家アンナ・セミョノフナ・ゴルブキナは、1864 年 1 月 28 日にザライスク市で生まれました。 リャザン州。 元農奴である彼女の祖父と父親はガーデニングに従事していました。 家族は大家族で、A.S.の子供時代と青年時代は ゴルブキナは難しかった。 彼女はわずか 25 歳でモスクワに来て、彫刻家 S.M. の「美術クラス」に入学することができました。 ヴォルヌキンは彼女の芸術への情熱的な欲求を評価し、彼女の素晴らしい独創的な才能を発見しました。

1891 年に A. ゴルブキナは、彫刻家S.I.の指導下にあるモスクワ絵画彫刻建築学校に転校しました。 イワノフは彼女にとって最初の教師だと考えていた。 3年後、彼女は学校を卒業し、サンクトペテルブルク芸術アカデミーに入学し、彫刻家V.A. に師事しました。 ベクレミシェワ。 1 年が経過すると、学業のルーティンが耐えられなくなり、A.S. ゴルブキナは、乏しい資金で自分のスキルを向上させるためにパリに行き、そこで有名なフランスの彫刻家 O. ロダンのアドバイスを参考にします。 アメリカ、モスクワに戻る ゴルブキナは多くの美術展に参加して成功を収めています。

A.S.の作品 ゴルブキナは時代全体を反映し、19 世紀末から 20 世紀の第 1 四半期にかけてのロシアの現実の典型的な特徴を伝えています。 大理石、木、石、青銅で作られた彫刻家の数多くの作品が、トレチャコフ美術館、ロシア美術館、その他国内の多くの美術館に所蔵されています。

として。 ゴルブキナはロシア最大の彫刻家であるだけでなく、積極的な革命家でもありました。 彼女はツァーリズムとの戦いに直接参加し、繰り返し捜索と逮捕を受け、1907年にはRSDLPの宣言を配布した罪で裁判にかけられ、投獄と要塞刑を言い渡された。

1923年、彼の25年間にわたる創造的な経験と、プレチステンスキー作業コースと高等芸術および技術ワークショップでの指導経験を要約し、A.S. ゴルブキナは、生徒たちに捧げた「彫刻家の技術についての一言」というノートを書いて出版し、彫刻家の仕事についての自分の見解をしっかりと、明確に、そして簡潔にまとめています。 この小さいながらも洞察力に富んだ本は、視覚芸術に関する文献に大きく貢献しています。

S.ルキヤノフ

私はこのメモを私の生徒と生徒たちに捧げます。 芸術家は生涯勉強する必要があると言われます。 これは本当です。 しかし、ライティングに関係する読み書き能力と同じように、プロポーション、デザイン、その他芸術に関係するものを研究するのではなく、もう一つの本当の芸術を研究する必要があります。そこでは、主なものはもはや研究ではなく、大なり小なりの理解と発見が体現されています。画像であろうとなかろうと、それはすべて同じですが、アーティストは画像を知っており、その価値を知っています...

この本物の芸術に進むには、その工芸的な部分を徹底的に学ぶ必要があります。それは非常に単純で、知識と計算に完全に従順であり、注意力、作業の順序、抑制、規律を習得することで克服できます。 才能のある人が自分の仕事に絶望し、自分が絶対に間違ったことをしたとはっきりとわかり、仕事の意味がいつどのように失われ、どうやって元の生活に戻るのかが分からないことがよくあります。 場合によっては、教師ですらそれを指摘できないことがあります。100 万もの間違いが互いに絡み合って、校正の出発点がなくなってしまうからです。 ここで問題を提起する必要があるのは、何をしなければならないかということではなく、そのような突き抜けられない沼地に陥ることを避けるために何をすべきではないかということである。

このような混乱は、彫刻で何が達成されるのかを理解せず、感覚で単純な算術的解決策をとろうとする人々に必然的に起こるに違いありません、そして逆に、感覚で取ったものは勤勉な思考と計算による模写によって乾燥してしまいます。 そしてこれにより、感情や精神といった素晴らしいエンジンは、彼らにとって典型的ではない仕事に無駄に疲れてしまいます。

堅実で明確で強力な仕事をするには、頭で数えられるすべての作業を行う必要があり、芸術において最も価値のある数えられない部分の感覚の新鮮さを温存する必要があります。

として。 ゴルブキナ。鉄。 1897年。

感覚は常に正しく、サイズや構造を推測するために何千回も何千回も強制的に拷問されない限り、常にその仕事を見事に遂行します。これは、心と知識が少しの注意と抑制によって明確かつ確実に決定するものです。 。 力が適切に分散されていれば、間違いが生じる余地はほとんどありません。 私たちは常に自分自身を厳しく監視し、よくわからないことをしないように、手当たり次第走り回って、何かを探して別のものを失い、この混乱の中で芸術家に贈り物を与える最も貴重なものを破壊しないようにしなければなりません。 できる限り自制し、注意し、落ち着いていなければなりません。 彫刻家の技術は、単純な人生論理に基づいて、単純かつ真剣に取り組めば、簡単かつ迅速に習得できます。 そして、しばらく自分自身に厳密な責任を負わせれば、すぐに仕事においてより強くなり、意識的に自信を持って前進できるようになります。

この技術と作業の順序に関する簡単な知識を伝えることが、私のメモの使命です。 初心者に必要と思われるものを粘土から順に紹介していきたいと思います。 彫刻には、灰緑色、灰黄色、灰白色の 3 種類の粘土が使用されます。

私は最初の色が彫刻にとって最悪だと考えています。なぜなら、その冷たい緑色は体と何の共通点もないので、モデルとあなたの作品を見るのが難しいからです。 そして緑の像も見るのが不快です。 このような粘土は避けるのが最善です。その粘土には慣習が多すぎて、活力と美しさが失われます。 不快な色に加えて、この粘土には別の欠点があります - それは過度の油性と粘度です。 反対に、灰黄色の粘土は、その色が体の色とよく似ていますが、乾燥しすぎて粗く、砂状です。 しかし、あまりにも物質的な色とその一貫性の粗さの両方によって、どういうわけか作品を俗化します。

灰白色の銀色の粘土は、その高貴な銀色と、エレガントで薄く高貴な粘稠度の両方において、最高のものです。 黄色や緑の粘土の欠点はまったくありません。 緑色の過剰な脂肪分や粘度、黄色の粗い粒子はなく、薄く、優雅で、従順です。 それを見つけて鑑賞することは、アーティストにとって素晴らしい獲得です。

レッドクレイもありますが、その欠点はグリーンクレイと同じですが、おそらくより強力であるだけです。 おそらく、欠点と利点が異なる方法で組み合わされた粘土があるかもしれませんが、モスクワ、レニングラード、パリで、まさにこれらの特性を持つ粘土に出会いました。 作品に興味があり、素材に無関心ではない場合は、画家がキャンバスを選ぶのと同じように粘土を選ぶでしょう。

粘土を浸すときは、水を注ぎすぎないでください。粘土は液体になりすぎて、すぐに作業の準備ができなくなり、すぐに材料と不快な不一致が始まります。 さらに、過剰な水分は粘土を鈍く単調にしてしまいます。 最も良い方法は、乾燥した粘土を箱または浴槽に注ぎ、粘土が島状に出てくるように十分な水を注ぐことです。 3日後、粘土は作業の準備が整います。 最初の作業では、まだあまり従順ではありませんが、非常に興味深い気まぐれな材料サンプルを生成します（未加工の粘土の不可侵な隅は、念のため箱の中に残しておく必要があります）。 そうすれば、それは世界で最も従順な素材になり、ただ正しく持つだけで済みます。

粘土が平らにならないように箱に入れて保管する必要がありますが、作業に使用するときに不均等な塊と井戸が形成されるようにする必要があります。 そうすれば、最も柔らかいものから最も硬いものまで、あらゆる硬さの粘土を自由に使用できるようになります。

真剣に取り組む姿勢があれば、取り組んでいる形に応じて、手自体がさまざまな粘土を手に取ることになります。

粘土中の生きた作業水分を一定に保つために、水をやる必要はありません。水の流れが速すぎて、上層はほとんど湿らず、底では泥が形成されますが、これも不必要です。 一番良いのはこれです。作業中に、手から粘土を洗い流すと、粘土の破片を含む濃い水が形成されます。 この水は枯れ始めている場所に捨てなければなりません。 この液体粘土は水ほど簡単には崩れず、上層を望ましい柔らかさに保ち、下層を不必要に浸しません。 こうすることで、常にライブ範囲全体を手元に置くことができます。

粘土は、作業に必要な量の 3 倍必要です。そうすれば、豊富な粘土から選ぶことができます。 この贅沢は簡単に手に入るのです。

粘土は敬意を持って扱われなければなりません。汚さないように、床に捨てないように、汚さないようにし、成形した後は粘土からすべての石膏を慎重に選びます。 それらが多すぎる場合、最も重要な場所に現れる石膏の破片が作業を妨げるため、最善の方法はこの粘土を完全に捨てることです。

それに、まだらでだらしない粘土は不必要な迷惑です。 生きて動く粘土は素晴らしい美しさです。 雑に扱うのは花を踏みにじるのと同じです。

もしかしたら、そんなことは些細なことだと思うかもしれません。 おそらく彼らは、粘土のような何も残らない一時的な物質をそれほど重要視する必要はないと言うでしょう。 そうかもしれない。 しかし、粘土を注意深く扱うことは、学習し、達成の可能性について自信を得るために非常に重要です。 粘土はその柔軟性により、まったく障害を与えません。少なくとも一度その形をマスターし、それを受け入れることができることを経験から学べば、それが木であろうと大理石であろうと、もうどんな素材にも従うことはなくなります。あなたの要件に合わせてアプローチし、あなたが必要とする活力を実現し、それを粘土で捉えることができます。 しかし、誰もが記念碑的なことをする必要があるわけではありませんが、身体や肖像画にとって、粘土は確かに非常に重要です。 小さなことでイライラすることもあれば、小さなことでも幸せになれることもあります。彫刻に含まれるすべての良い点を逃しても意味がありません。

彫刻家の仕事は次から始まります フレーム。作品を始める前に、彫刻家はそれを機械上で確認し、そのサイズ、重量、動きを決定し、これらすべてに従ってフレームを構築する必要があります。フレームは、それが存在しないように見えるように十分に考慮され、用意されていなければなりません。仕事中は、体を曲げたり、振動させたりしてはなりません。 フレームを適切に作成するまでは、これを原則として捉えてください。 - 構造化されていないフレームは作業に直接干渉するため、作業を開始しない方が良いです。 シシュフェスの山の方が良かった。そこでは石が一方向に落ちたからである。ここでは、ひどいものをよく見る。労働者が不安定な場所をつかみ、それを絞り、粘土で強化しようとして、他の部分が落ちる、これらすべての修正の5番目破損し、7つ目は別の大きさに修正され、全てがズレて両手と意識から遠ざかっていく…。

この方法ではできません。 そして最も驚くべきことは、彼らは何年もこの方法で仕事をしており、素材を盲目にするために仕事に対する権限を与えることが受け入れられないという考えをまったく持っていないということです。 サラ・バーナードについて、新聞はかつて、彼女の作品をサポートするために、彼女が彼女にハサミなどを突き刺したと大喜びで報じました...彫刻家がそのようなことを聞​​くのは、まったく下品です。 私がここでサラ・バーナードとのこの事件について話している理由は、アーティストの熱意と独創性の証拠として、初心者、特にそのファンからの同様の話を聞かなければならないことが非常に多いからです。 しかし実際には、この逸話的な独創性は単純な無知と無能を意味し、どちらもそれについて何も考えていないことを示しています。 仕事とは何か。

初心者だけでなく、数年間仕事をしていても自分の手にきちんと慣れていない人にとっても、フレームは彼らに立ち向かうある種の生きた敵です。 彼らは彼について不平を言います：あたかも労働者自身がこれらすべてを手配しなかったかのように、彼が出てきた、つかまらない、揺れるなど。 文句を言うのではなく、恥じ​​てください。 そして、非常に従順なので、人が片手で自分の仕事をつかんで揺れないようにし、もう一方の手で悲しく働くことがあります。 そして、そのような彫刻家志望者はたくさんいます。 そして、鉄の部分とのそのような無意味で意味のない混乱した格闘には何日も何年もかかりますが、そのとき、この屈辱的なトラブルをきっぱり終わらせて、しっかりと意図的にフレームを構築するのは非常に簡単です。

そして今、一つの障害が克服され、文字通りにも比喩的にも、仕事はすぐにより安定するでしょう。

強度に加えて、フレームが粘土からはみ出さないようにする必要があります。 結局のところ、あなたは生きた体を作っているのです:そこから棒、釘、針金などがどこからでも出てくるのは許容されますか?これらすべてが印象の完全性を妨げ、仕事の慣例に慣れ、人を慣れさせます。他の欠点もある（ 「とにかく同じではない」).

自分の作品を生きた自然であるかのように扱わなければなりません。作品に杭や釘を入れることは容認できません（結局のところ、それは生きているのですから！）。 もちろん、何らかの理由でフレームの特定の部分を非表示にすることができない場合もありますが、その場合は 意識的にあなたは、それがあまり重要でないと判断した場所で、それが出てくることを許可します。 これは、フレームが望む場所に望むように出てくる場合とは大きな違いです。 フレームが頭から、胸から、背中から、足から同時に登るのをよく見ます...そして、人は夢の中であるかのように、これらすべてと戦います。 なぜこれが必要なのでしょうか? 人は仕事を支配しなければならず、その奴隷になるべきではありません。

時々、人は自分のために機械を適切に配置さえしないことがあります。機械が低くて、労働者があらゆる方法でしゃがんでいるか、彫刻家が何かの上に積み上げて手を伸ばし、かろうじて手が届くほど高いかのどちらかです。 これは受け入れがたい。 どのような工芸品においても、悪い道具を使っている優れた職人は存在しません。労働者としての価値を判断するには、その労働者の道具を見るだけで十分です。 私たちはただ喜ぶことができるように、仕事のためにすべてを手配する必要があります。

フレームと粘土の準備ができたら、作業の準備をする必要があります。 決して軽率に作業を開始してはなりません。したがって、初日は作業をせず、モデルについて注意深く考えるように努めてください。モデルの動き、性格、美しさを感じ、その利点を発見し、性格上の欠点を調整する必要があります。 一言で言えば、自然を同化し、そこへの情熱的な関心を得るということです。 自然界で何も面白いことが見つからないなら、働くべきではありません。 これは仕事ではなく、鈍い練習であり、活発な関心に照らされなければ、芸術家を疲れさせ、気を失わせるだけです。 別のモデルを待つほうが良いでしょう。そうすれば、そのような失業の重みを感じ、これが起こらないようにするために、目の前に立っている生き物についてもう一度深く理解し、考慮し、考えようとするでしょう。

理解したいという願望を持って見れば、自然界には常に何か興味深いもの、そしてしばしばまったく予想外で示唆的なものが存在します。 彼らは、見る能力は生まれつきのものであり、私たちに依存するものではないと私に言うでしょう。 しかし、私はおそらく、見る能力が発達して大きな浸透力に達する可能性があることを知っています。 私たちが多くのものを見ないのは、私たちが自分自身にこの能力を要求していない、自分自身に調べて理解しようと強制していないからだけです; おそらく、私たちは何が見えるのかわからない、と言った方が正確かもしれません。

自然を習得したら、作品のサイズを意識的に決定し、意図したサイズに維持し、作品が勝手に大きくならないようにする必要があります。 これらすべてを考え、決定した後、あなたはもはや無意識ではなく、いくつかの重大な決定を開始し、まだそれに手を付けていないにもかかわらず、仕事に対するあなたの支配力が高まります。

翌日、時間があればその日でも構いません。急いでも利益にならないということだけ覚えておいてください。そのため、次の日は昨日の印象を確認して、さらに多くの作業に取り掛かります。自信。 計算と注意を払って、フレームを粘土で覆い始め、フレームがどこにも出てこず、作業の継続中にフレーム自体を思い出さないようにします。 フレームの周囲のみをしっかりと覆い、脱落しないように十字で強化する必要があります。 薄い裏地を使用すると、薄くて繊細な場所を押すことができます。これは、ある場所を押すときに手で粘土を別の場所に押し込み、予期せず飛び出した粘土が計画を混乱させる可能性があるため、しっかりと粘土を押しつぶした場合は不可能です。

乾いた部分を切り取って、新しい粘土でやり直すのが良いでしょう。 ただし、緻密な粘土や乾燥した粘土など、お好みのものを使用して作業できます。 自分の好みに逆らってはいけません。 重要なことは、形と本質の同化と伝達です。

粘土を塗るときはできるだけ広く取る必要があります 動き。 動きを最も完全に理解するには、モデルのポーズを自分で取り、それを自分の中で理解して感じようとすると、どの骨や筋肉がどのようにこのポーズを形成しているかを明確に感じ、それから自然を眺めながら自分の作品を作ることができます。最も幅広く、最大限に、そして最も自由な動き。 動きを伝達するという意味での作品には常にその欠如や不完全さがつきものであり、その逆は存在しないため、動きを強くしすぎても危険はありません。

そして、（もちろん動きに従って）粘土を毎日2、3回の割合で塗布すれば、非常に多くのことをやったことになります。 ほぼすべてのフィギュアを作成した方にとって、あなたの 1 日は無駄ではありませんでした。 彼は何も得なかっただけでなく、多くを失い、自然の新鮮な印象を無駄にし、間違いから混乱を引き起こし、最初に確立すべきであったのと同じ比率や関係を無意識のうちに探し求め、その探求の中で最も多くのものを破壊するでしょう。大切なもの、それは生きた感動。

インストールするとき 比率、それから、線や不注意なタッチでそれらに印を付けるのではなく、あなたが保証するほど真剣にそれらを決定したのであれば、実際に、生きた方法でそれらに印を付けてください：これはまさにこのように立っている膝、またはこれが肩ですあんな順番で。 特別な努力は必要ありません。手は自然にやってくれます。故意に下手に、一時的にやらせるのはやめましょう。 肩を伸ばす必要があるとか、その他のことを言っているのではありません。 全く必要ありません。 そして、何もでっち上げる必要はありません。 必要なのは、粘土へのあらゆるタッチが本物で、真剣で、真実であることだけです。そうすれば、作業は自動的に完了します。 無責任に引き裂いたり、引っ掻いたり、押しつぶしたり、掴んだりしないでください。 結局のところ、人生において、やり直すために何かをすることは決してありません。 このシンプルな人生の論理を持って彫刻に取り組むと、仕事がよりシンプルになり、仕事が手に負えなくなることがわかります。

さらに、プロポーションは作業の最初にしっかりと確立され、後はそれらを壊さずに注意するだけであるように設定する必要があります。 比率を徹底的に決めないと、さらに一歩も進めません。不注意に解決すると、明らかに自分の感受性や体力を無駄にし、注意力を疲れさせることになるからです。 正確で正しい比率を取ることを学ぶ必要があります。まず、作成したスケッチは「完了」して戸惑うようなものではなく、自分でしっかりと意識的に行う必要があります。 次に、本質を素早く把握し、仕事を理解する目と習慣を身につけます。 そして最も重要なことは、プロポーションを学んだ後、あなたは彼らの力から抜け出し、自分の課題の精神で彼らを受け入れる自由を獲得することです。これは、学校のスケッチが終わり、独立した作業が始まるとすぐに絶対に必要です（十分に強く、これを理解している人は誰でも）学校のスケッチに取り組むことはできますが、通常は後で行います)。

プロポーションの組み合わせはまだあまり開発されていません。 同じ類似性を持つ同じ顔が、比率に応じて大きくなったり小さくなったり、人物像が騙される程度に小さくなったり大きくなったりします。 ティーンエイジャー、人物、動物の比率に注意してください。 ミケランジェロのダヴィデ像とラオコーンの子供たちを比較してください。

プロポーションと関係性の見事な自由の例として、ミケランジェロの「ミロのヴィーナス」、「メディチ家の墓」、ロダンの「カレーの市民」を挙げたいと思います。 私はそれらについて話すつもりはありません。私はそれらを指摘するだけです。そして、誰もが自分自身を探してこの素晴らしい音楽を理解してください。 もちろん、これらは素晴らしい作品であり、私たちにとって遠い例ですが、私たち一般のアーティストも、自分に必要なプロポーションを自分で取る勇気と自由を獲得する必要があります。なぜなら、完全に一致するモデルを見つけることは決してできないからです。あなたの考えに。 同じモデルであっても、時間や気分が違えば同じではありません。自然から自分の能力でしか持っていないものを完全に取り出すには、巧みで自由でなければなりません。 才能豊かな講演者や講師の雄大な姿を見たことがあるでしょう。 異なる環境、異なる気分では、彼らを認識できなくなり、彼らが正しい人であるかどうか自分の目を疑うことになります。

そのような人と仕事をするときは、他の比率や関係を見つけなければならないことは明らかです。 これらは彼の精神の比率であり、あなたはそれを彼の中に見つけるでしょう。 これには確かな知識が必要であり、それは精神の本質において間違った比率や関係の正しさに従わない勇気を与えてくれます。 これは勉強していない人には決してできません。 壊したくても愛着が湧き、仕事の精神で決して壊すことはありません。 したがって、自由な作品を表現したい、学校的な感覚に強くない彫刻家の作品はどれも非常に無力で鈍重です。

比率を研究した後、比率の力から完全に抜け出したい人は、次のように 1 ～ 2 か月間取り組んだ後にこれを行うことができます。スケッチを描き、それに動きを与え、目で比率の輪郭を描き、それを確認します。コンパスで測って壊す。 自然に別のポーズを与え、輪郭を再度測定し、再度新しい作業を開始します。この方法で 1 ～ 2 か月間作業すると、すぐに動きとプロポーションを正しく取る方法を学び、それらの最高の正しさについて考えることができます。

ところで： 一度もないコンパスを持って仕事をすべきではありません。とにかく壊れやすいものを確認することしかできません。そうしないと、独立性、注意力、決意が弱まります。

ここで少しお話しする必要があります テクノロジー。 誰もが自分自身以外のテクノロジーを所有すべきではありません。 誰もが他の誰とも違って、自分の手、目、感情、思考を持っているので、外部の人間が介入しない限り、その技術は個人的なものにならざるを得ません。 このような純粋な直接技法の一例は、子供たちの作品です。 彼らは、非常に偉大な巨匠だけができる方法で素材と形を伝えます。 たとえば、彼らはガチョウを作りました。大量の収穫、腹部のワイドショット、ふわふわの足首、乾いた羽の羽が完璧に撮影され、色さえも伝わりました。 このような素晴らしい技術は、感覚、思考、そして手の不可分性によってのみ説明できます。 そしてそれは無知の極みか知識の極みで起こります。 最初に - まだ 2番目の正しさについての疑問 - もうない彼の。 そして真ん中全体が疑いと間違いに溺れています。

無知による無意識の自発性は長くは続かない。 子どもでもすぐに自分の間違いに気づき始め、そこで自発性は終わります。 ところで、子供たちは自分たちが何をしているのか全くわかっておらず、何が悪いことで何が良いのかもわかっていないと言わなければなりません。 彼らが期限までに仕事を引き受けなければ、仕事は何も残りません。 そして、彼らの優れた技術にもかかわらず、時にはガチョウが四本足になってしまい、猫が姿勢を変えると溶けてケーキになってしまうような間違いを犯すこともあります。

独学の人はまた、誠実さや自発性という点で学校に負けており、学校が自分たちのこれを殺してしまったと学校に対して不平を言います。 これは部分的には真実です。 学校に通う前は、彼らの作品には何かユニークなものがありましたが、その後は無色で定型的なものになってしまいます。 これを根拠に、学校を否定する人もいます。 しかし、これは真実ではありません。なぜなら、同じように独学で学んだ人でも、最終的には独自のテンプレート、そして実を言うと非常に厄介なテンプレートを開発するからです。 無知の慎重な謙虚さは、無知の軽薄さに変わり、自己満足が蔓延しても、本当の芸術への橋渡しはできません。

無意識や自発性に戻る方法はないことがわかります。そして、私たちは意図せずして間違いと疑いに満ちたこの悲しい真ん中にいることに気づきます。そこから私たちは自分自身を解放し、少なくとも次のように言えるくらい自分自身を強化しなければなりません。 これそれは本当だと思います それで欲しい。

アーティストが大きくても小さくても、どんなテクニックも彼に何かを足したり引いたりすることはありません。それはすべて同じです。 重要なのは、アーティストの仕事や芸術に対する態度だけです。 ここでは、彼はほんのわずかな遠い考えに至るまで完全に彼の作品に反映されており、すべての意図、嘘、成功の追求は、それらが適用されるのと同じ程度に彼の作品において失敗であることが明らかになります。 もちろんその逆も同様です。 現実の日常生活の細部を無視して主要なものを完全に再現することによって本質のアイデアを明らかにすることは、もちろん嘘ではなく、最高のリアリズムです。 芸術は、さまざまな自然の形態の混合さえも受け入れます。 ここで話しているのはそういうことではありません。 そうすれば、これらすべてを自分の目で見ることができます。

テクノロジーについて続けます。 部分的には、誠実さと自発性が失われる同じプロセスが彫刻家にも起こります。

最初の頃、​​つまり感情を直接感じながら仕事をしたとき、その仕事はより独創的で、より面白く、より活力のあるものになることは誰もが知っています。 エラーはまだそれほど目立っていませんが、調整を必要とする矛盾が仕事で始まるため、人はそれらを完全に無視することはできません。 人はすぐにこれらの間違いを他の間違いに置き換え始めます。 もちろん、それらを他のものに置き換えてください。そうでなければ、たとえば、粘土に触れるたびに10分から15分かかるのに、人は1か月間、場合によっては3か月以上頭の作業をすることが起こり得ますか？職場のあらゆる場所に触れることができれば十分です。 粘土という素材には何の障害もありません。アーティストは 1 か月以上どこで過ごしましたか? ここでは、何千もの不必要なタッチの中で、重要なテクニックと感情の両方が消えてしまいます。 このような無思慮な接触が少ないほど、作業はより良くなります。そのための第一条件は、何をどのように行うかを判断し、感覚を持たずに粘土に触れないことです。 除去する必要がある場合は、何をどのように除去するかを十分に考慮する必要があります。また、除去するときは、この追加の層の下に損傷を与えられない生体があるかのように注意する必要があります。 追加する必要がある場合は、粘土を取り出すのに必要なサイズと密度を感じて、慎重に配置します。 形状を復元中。

粘土を正確に取るために特別な注意を払う必要さえありません。 私たちは生まれつきサイズと重量感を持っており、手自体がそれを実現します。 この注意の重要性を誇張する必要はありません。ただ注意する必要があります。引き裂いたり掴んだりして無責任に減らしたり、同じ場所に何百回も塗って形状を拡大したりしないでください。 たとえ間違っても。 - 100 回（おそらく 100 回から 100 万回）間違いを犯すよりも 1 回の間違いの方が良いです。 私はそれについて話しているのではありません。 あなたがすぐに行うこと、しかしあなたが行うすべてのタッチには責任があるということ。

すぐに正しく判断しようとせずに、これらの何千もの間違いに事前に同意することになります。 どうしてこれなの？ すぐにたくさんまたは少しを入れた場合、少なくとも、何が間違って取られたのかがわかり、同じ場所に何百回も広げて、いつどこで止めますか？ ここで、仕事の鈍い未解決感が隠され、単調な疲労が始まり、それがすべてを変色させ、価値を低下させます。

シンプルな人生のロジックで仕事に取り組む必要があるだけです。 大工も機械工も仕立て屋も何も考えずに材料を切ることはありませんし、すぐにやり直しをする人もいません。 そして、たとえ最も小さな生徒であっても、なぜどのくらい減算し、加算する必要があるのか​​を理解せずに、足し算や引き算を始める生徒は一人もいません。 そして、人生において、私たち自身は、彫刻ほど奇妙な行動をすることは決してありません。 たとえば、どこかに行く必要がある場合、私たちは常に最短の道を見つけることができます。 大部分の彫刻作品を見ると、私たちはどこかに行きたくて、最初に出会った路地に突入するような印象を受けます。 ゴールにつながらない場合は、次の 10 回目、30 回目などに繰り返します。労働者が粘土を 100 万回取り除き、塗布するこのペネロペのテクニックは、本物の石の彫刻がない場所でも可能です。 すべてに耐える粘土を除けば（結局のところ、粘土も苦しみます）、計算なしに加工できる材料はありません。 このように大理石を加工していたら、残るのはゴミだけになってしまいます。 そして、大理石が加工される場所では、計算が適切に保たれていると考えなければなりません。 木材も同様です。 ロジックはすべて同じです。

これまでのことを踏まえて、急いで取り組む必要があると彼らが結論づけないことを願っています。 逆に、考えない人はすぐにうまくいきます。 通常、彼は 1 回のセッションですべての準備が整い、その後、終わりのない変更が始まります。 仕事の進み方が早いか遅いかはまったく関係ありません。 唯一重要なことは、その問題を常に意識し続け、感じられない、または意味のないタッチに余地を与えないことです。 初心者に限らず、ほとんどの初心者は粘土から手を離さずに作業をします。 これは正しいですか？ いつも無意識に仕事をくしゃくしゃにしていたら、人は何をするにも徹底した仕事ができるでしょうか？ 何かを決めるには、検討し、比較し、考える必要があり、手を離さないと仕事ができないだけでなく、仕事から離れなければなりません。 そして、はっきりと見えて、間違いなくこの特定の部分を一方向ではなく修正したい場合にのみ、手を使って作業する必要があります。

ある部分を解決するときは、一般的な部分と他の部分を考慮する必要があります。 ほとんどの場合、初心者はこのように作業します。あたかもその人が取り組んでいる部分が自分のタスクの唯一の部分であるかのように、一方を作成し、モデルを回転させ、残りの部分と関係を持たずに静かにもう一方の作業を開始します。 そして、そのような作業が進めば進むほど、一緒に作業する部分間の不一致はさらに大きくなります。 労働者は彼らを和解させようとします。 ここでは、新しい部品が次々と要求を提出してきます。 計画はなく、確実なサポートもありません。 作品を修正するにはどうすればいいですか？ 労働者はもはや明確に知りませんし、感じません。 それは彼にしか見えません。 この「らしい」に決して陥ってはいけません。 何をすべきかを常に知り、感じなければなりません。あるいは、その感情が現れるのを待つ必要があります。そうでないと、彫刻と呼ばれるストッキングを無関心に編むことになります。

たとえ説明のつかない仕事のやり方であっても、結局はスキルであることに変わりはありません。 しかし、スキルは芸術の墓場です。 画家たちはこのことをずっと前から知っていましたが、私たちはまだ知りませんでした。

テクノロジーには、自分の仕事の良いところを見つけて保存する能力も含まれるべきです。 これは、自分の間違いに気づく能力と同じくらい重要です。 これは良いこともあれば、それほど良くないこともあるかもしれませんが、今回はこれが最善であり、これはさらなる動きへの足がかりとして保存されるべきです。 そして、恥じる必要はありません。 自分の作品の中のよく選ばれた一節を賞賛し、高く評価しているという事実。 これによりあなたのセンスが磨かれ、アーティストとしての固有のテクニックが明らかになります。 自分が行うことすべてを同じように扱うなら、頼るべきものは何もなくなります。 無関心な正しさだけでは良い進歩は得られません。 今は良くても 1 か月後には駄目になるかもしれないので、現状に満足するのをやめるのは何も恐れることはありません。 それで、あなたはそれを超えました。 無関心で無味乾燥な正しさは、限定的な自己満足につながる可能性が高いように思えます。 結局のところ、自分の良いことを喜ぶと、悪いことがさらに悪く見えるようになり、不足することは決してありません。 何をどのように交換するかを明確に理解するまで、この悪いものに耐えなければならないことを覚えておく必要があります。 何をする必要があるのか​​も表示されます。

おそらくそれについて話すのが適切でしょう 彫刻家のビジョン。 それは人が 正面から凹部の深さと凸部の高さを決定し、プロファイルにほとんど対応できずに、目で形状を調べます。 すべての彫刻家は意識的にそのような見方を展開しなければなりません。 絵を描いたりペイントしたりする習慣があるため、初心者が飛行機で長時間作業するのは困難です。 遅かれ早かれ、目は深さと凸面を測定し、表面の遊びを理解することに慣れます。 しかし、注意を払わないと、これは非常に遅く、愚かなことになります。 人物を扱う場合、この欠陥は頭を扱う場合ほど目立ちませんが、平らな木製の平面図でそれが感じられます。 時にはこれが何年も続くこともあります。 私たちはこの表面的な感覚を認識し、深めなければなりません。

次に道具についてですが、粘土を扱うときの最良の道具は手です。 手の一部だけを使って作業するのではなく、ツールがたくさんあるので、すべてのツールを外してください。 未完成の形状を修正したり、衣服などの無生物を修正したりするには、2 つまたは 3 つのスタックを用意すれば十分です。

尊敬される老教授セルゲイ・イワノビッチ・イワノフはこう言いました。「この場所を感じてください。」 フランスの最高のアーティストはこの感覚を知っており、高く評価しています。 偉大な芸術家ロダンは物質的な感覚を求めました。 ギリシャ人やローマ人の彫像にはこの感覚が満ちています。 この生きている、精神化された物質の感覚がなければ、良い彫像は一つも見つかりません。この感覚が少なければ少ないほど、作品は悪くなります。 これは非常に明白であるため、理論を構築し、推論し、無限に証明しても、この単純な真実から逃れることはできません。

これらすべての感情の価値は、作品を注意深く扱わなければ維持できません。 彼らはこのことをすぐには理解できませんし、決して理解できない人もいます。 もちろん、作業を機械化する必要はなく、好きなように作業できます。 私たちは思慮深く慎重に粘土の中に生命を発見しなければなりません。粘土の中に生命を発見すれば、どんな物質の中でも生命を見つけることができるでしょう。

ワークショップA.S. ゴルブキナ

テクニックとしては、 ワークショップの雰囲気。フランスの工房では、作業中は厳粛に静かに行われます。 そして、自分の仕事に真剣に取り組んでみると、この沈黙の意味が分かるでしょう。 彼らが集中して真剣に取り組んでいるところでは、雰囲気を乱すものがあってはなりません。 ノック、会話、モデルのわがまま、外部からの訪問者の到着など。 絶対に受け入れられない。 働きたいが、何をどのようにしなければならないか正確にわからない場合は、何をしなければならないかが完全に明確になるまで仕事を控えたほうがよいでしょう。 そうしないと、無意識のタッチによって作業が混乱し、それを理解することがさらに困難になります。 一般に、手作業は少ないほど良いです。 無気力で働く意欲が湧かないなら、仲間の仕事を見に行き、注意深く調べてください。 私たちは仲間たちの長所と間違いの両方から多くのことを学びます。 仲間の研究について熟考することで経験が増え、まるで 1 つだけではなく、複数の研究を同時に行っているかのようになります。 これは非常に発展途上です。 考えることや仕事をすることにまったく気が進まない場合は、家に帰るのが最善の方法です。これはすでに過労であり、これ以上増やす必要はありません。 過労を克服したいと思って過労をサポートしますが、過労は長期間にわたって続く可能性があり、そのような状態で働くのは憂鬱であるという事実によってさらに悪化します。 こういう時こそ人は絶望に陥る。 はい、そのような雰囲気は仲間にとって有害で​​す。

ワークショップの雰囲気に特に有害なのは、性急で事務的に「ちょっと」と作業を進めることです。 最善の策は、これを避けることです。 私たちは皆、仲間意識の労働精神を大切にしなければなりません。

研究は比例に従う デザイン、それが欠けていると、フィギュアの構造の一般的な障害に影響します。筋肉は意味のない塊で運ばれ、所定の位置から外れ、骨が脱臼したり壊れたりします。 労働者は、自分が何をしているのか理解せずに、どういうわけか見た目ですべてを分類しますが、スケッチなどの作業はまったく役に立ちません。労働者は何も学ばず、しっかりと自信を持って何も言いませんでした。

建築に関する知識という強固な基盤に立つためには、解剖学に頼る必要がありますが、芸術家はそれをあまりしたがりません。 そしてこれは、芸術の研究において、私たちはもっぱら形、生命、物質の側面からあらゆる自然にアプローチし、解剖学は私たちが受け入れることのできない形で自然を私たちに提示するからです。 解剖学の図面や本は単なる安定剤として記憶に残り、それらを自然と結びつけることはできませんし、その必要もありません。 石膏の解剖学的研究でも何もわかりません。 歪んだポーズの荒々しい作品ですが、自然との共通点は何でしょうか？ しかし、子供や女性と一緒に仕事をすると、似たようなことはまったく見つかりません。

誰もが死体を扱うことができるわけではありません。 それは複雑で困難ですが、それでも、この恐ろしくたるんだ筋肉は、呼吸し、動き、常に変化する生きた美しい人間の体とは異質なものです。 これらすべてを、私たちが本来の人体を研究するときに探し慣れているものと結びつけるのは困難です。 しかし、私たちが必要とする解剖学的知識を、私たちの美的感覚に影響を与えずに吸収する方法が 1 つあります。 これは、解剖学をメカニズムと動きの側面からのみアプローチし、他のすべてを捨て去ることです。すると、死んだ不必要に見えたすべてが、すべての偉大な知恵と構造の美しさによってあなたの目の前で生き返り始めます。人体。

機械を理解するには、スケッチして模写するだけでは十分ではなく、特別な目的のないネジや凹みがないため、各部品を理解しながら分解して組み立てる必要があります。 同じように人体の構造にアプローチすると、今まで知らなかったことを後悔するほどの驚くべき知恵と構造の美しさが見えてきます。 この面から見ると、解剖学はただただ魅力的です。すべてを見るには、自分で解剖学的なスケッチを作成する必要があります。 本や絵、その他のものを扱うと人は解体されますが、スケッチはその人を元に戻します。このスケッチに取り組み始めると、いわばこの知恵の素晴らしさを自分の目で見て、触れることになるでしょう。ここでは、ある骨の結節が最も驚くべき優雅な簡潔さで配置されており、その結果、筋肉がその特定の目的を持ってそこから始まり、他の骨には、対応する方法でこの筋肉を受け入れるために特別に構築された場所があります。 これらすべてはとても美しく、エレガントで、便利なので、もう覚えていませんが、驚きと幸せを感じます。 たとえば、足のバネ構造、腕のブロック、首の敏感に動くシステム、背筋の巨大な柱、骨盤のボウルに滑らかに取り付けられた薄くて広い腹筋、皮膚の下で光ったり、下肢とその細い骨が底に台座があり、上部に首都があったり…すべてがとてもエレガントで、美しく、寛大です。 あなた自身の目で見てください。

そして、仕事をすれば決して忘れることはなく、設計への違反はもはや論理的ではなくなります。 それは低いとも高いとも捉えられませんが、それは特定の場所にあってその目的を果たすべき筋肉の断裂または骨折であることがわかります。

この方法で人体の構造を研究するには、これを行う必要があります。2色のワックスまたは粘土（できればワックス）を採取し、同じ色のワックスから採取し、解剖学的構造を読み、（可能であれば）図面を注意深く調べます。 、その場合は骨の方が良いですが、図面を使用することもできます) 、特に注意を払わずに、関節と筋肉の付着場所を注意深くたどるだけで、約アルシンの半分の大きさの小さな骨格を彫刻します。 次に、別の色のワックスを取り、最初にこの骨格を第 3 層の筋肉で覆います。筋肉はめったに見えませんが、形と動きの形成に関与します。 次に 2 番目のレイヤーを適用します。常に本と図面を注意深く参照してから筋肉を貼り付け、最後に最後のレイヤーを適用します。 奇妙なことに、芸術的な側面についてはまったく考えずにこのように作業し、いわば装置の仕組みだけを満たそうとした結果、非常に強力で美しいスケッチが得られます。 これは芸術における知識の役割を示しています。

多くの人は、解剖学を勉強して、彼らの言葉を借りれば「筋肉を解体する」ことで時代遅れになることを恐れています。 しかし、第一に、それらをよく知らない人々によってのみそれらを分離することができ、第二に、古い伝統に直面しても、新しい要求に直面しても、臆病は常に臆病です。 そのような人は永遠に恐怖に駆られることになります。 本物のアーティストは自由でなければなりません。彼はそれを切りたい、切りたくない、これは彼の完全な意志です。 そして、臆病者になれないのは面白くありません。

しかし、すべての恐怖は無知から来ています。 筋肉や骨の輪郭がはっきりと描かれている人は、解剖学を正しく理解していないと言えるでしょう。 そうでなければ、彼は筋肉がスムーズに腱に変わり、骨がそれほど乱暴に外に出ることはできず、組織に結び付けられ、靭帯と筋肉によって隠されていることを知っていたでしょう。 繰り返しますが、解剖学では、他のすべてを脇に置き、デバイスのみを取り上げる必要があります。そうすれば、自然の中で解剖学ではなく、自然自身の設計を見ることができます。 私たちが勉強していたとき、教授たちはこう言いました。「解剖学を学びなさい。そしてそれは忘れてください。」 これはつまり、解剖学が仕事における自信と自由にのみ影響を及ぼし、解剖学自体の痕跡が残らないように解剖学を知ることを意味します。 一般に、解剖学についての知識がない場合でも、解剖学は正確に記憶されます。

したがって、建設的に働くということは、すべてが安定し、つながり、強く、所定の位置にあるように働くことを意味します。これが構造の全体的な仕事です。 ちなみに、解剖学的研究をする場合は、動きを伴って行うほうがよく理解でき、より多くのことがわかります。

関係。この名前の下では、部分と全体の関係と対応を観察することが仕事に要求されます。 この概念は比例に非常に近いため、しばしば混同されます。 フランスでは、この概念は次の言葉で定義されています。 ヴァルール- コストには、コンプライアンスに加えて、部分と全体の性質、価値、重要性の要件が含まれます。 通常、腕と脚は付属物としてのみ機能しますが、この要件により、腕と脚は全体と関連して独立した生活を求められます。 この条件がなければ、作品は何とも言えず、場合によっては、フィギュアを最も特徴付けるのは手足であることもあります。 上記には、この意味でのより深い概念と組み合わせがありますが、これはアーティストの仕事であり、教育的な部分ではありません。 学校の要件は、重力の測定と全体との関連における部分の性質との間の可能な限りの対応で構成されます。

動きについて。フレームやプロポーションに関する注釈の一部では動きについて言及されていましたが、表現方法に関係なく、歩く、座る、回転するといった、いわば形式的な側面について言及されていました。 さて、私たちは運動の本質について話さなければなりません。

として。 ゴルブキナ。歩く男。 1903年。

スタジオで 10 ～ 15 枚のスケッチを作成しても、100 点に満たないことはよくあります。 そしてそれらは完全に正しく作られていますが、実際の基盤はなく、地球に向かって引力され、その重量全体が地球にかかっています。 もう一度思い出してください。立っている人の動きをよく理解するには、この動きを自分の中でできるだけ明確に感じ、骨のバランスを完全に整えて、この姿勢で消費される筋力をできるだけ少なくする必要があります。動きをサポートする筋肉を感じて完全な休息状態に緩める筋肉と、動きに参加しない筋肉を分けて、自分自身、モデル、作品の中でこの4-5を徹底的に感じる必要があります。ポンドの重量で地面をしっかりと押します。 これを理解すればスケッチは成立します。

横たわっている人物の動きについてさらに慎重になり、休んだ筋肉の重さをより強く感じる必要があります。そうしないと、人物は決して横になることができず、あたかも立って運動してから横になったかのように見えます。それを下げてください。

として。 ゴルブキナ。老齢。 1898年

どのような姿勢であっても、病気の人、休んでいる人、寝ている人を区別できます。 このことから、筋肉が弱い、疲れている、怠けているなど、状況が異なるため、同じ動きでも異なる形を与えることが明らかです。 病気の人、寝ている人、怠け者、疲れている人の動きのこの違いは、すべての人に見られ、知られています。 ここでは、特に微妙な観察は必要ありませんが、普通の、普遍的な、日常的な観察が必要であり、それに自分自身の観察を加える必要があります。 高めるのではなく、仕事を最も貴重なものとして引き寄せる、と言うのがさらに良いでしょう。 構造と同様に、動きも内部で感じられなければなりません。アッシリア人やエジプト人は、動きのない衣服で素早い動きを表現しました。 そして、ギリシャ人の彫像からはぎ取られた頭は、全体の動きを保存しています。 したがって、この内部の動きの少なくとも一部を取得するには、それを実行したいと思わなければなりません。モデルの動きを繰り返すのではなく、むしろ望み、感じ、探索し、敬意を持って注意深く人生を観察します。 そして、深く掘れば掘るほど、より多くの奇跡が見られるでしょう。

学生が自分自身に課さなければならないもう 1 つの要件があります。 この要件はモデルを取得することです 文字で: 巨大さ、柔軟性、強度などを考慮します。 これらの主な機能に加えて、モデルの個々の特徴、つまりスタイルを推測する方法を学ぶ必要があります。 いわば矛盾したモデルを見つけることはほとんどありません。 ほとんどの場合、体は非常にしっかりしていて、顔と同じように表情豊かで、性格と結びついています。 自然からキャラクターを抽出することは学校の必須要件であり、単純にコピーすることでキャラクターを抽出することを考えないでください。ここでは、モデルの本質を理解する必要があります。 個性を区別して理解する能力は、知識と経験をさらに深め、視野を広げ、学校外でのさらなる仕事に役立つでしょう。 そうすれば、思いついたことをすべて自分の望むスタイルで実行できるようになります。 あの時代のスタイルではなく、あなたが必要とするスタイルで。 この要件はそれほど難しいとは思わないでください。 ちょっと考えてみると、作品に何らかのプラスがあり、すでに別の性格を帯びており、より信頼できるものになっていることがすぐにわかります。

一般的な。この部分は最初に配置する必要がありますが、最初だけで一般的なことを行うのでは十分ではなく、保存して作品全体を最初から最後まで実行する必要があるため、とにかく読んだ後、それは作品のすべての瞬間に起因すると考えてください。

「一般」という概念にはアーティストにとって多くのことが含まれており、学校の課題では、自然を一つの部分、分かちがたくリンクされたモノリスとして理解し、そこから作品を作るという要件が設定されます。 何に取り組む場合でも、全体を見失ってすべてをそれに当てはめてはいけません。 次に、私たちはこの一般的な物事、つまりその計画や平面、言い方は異なりますが、最初に主なもの、次に副次的なものの側面を考慮する必要があります。 飛行機を直接操作する場合、作業は条件付きで概略的に行われます。 内側だけを基礎として。

として。 ゴルブキナ。スレーブ (フラグメント)。 1909年。

たとえば、顔を考えてみましょう。 すべて 14 の主要な面で構成されていることがわかります。1 つは前頭結節のある額の中央、2 つは前頭結節から側頭骨まで、2 つは側頭骨の端から頬骨まで、2 つは前頭結節から側頭骨までです。頬骨から下顎の端まで、2本 - 眼窩、2本 - 眼窩から鼻および口角まで、2本 - 口から頬骨および咬筋まで、1本 - 鼻から端まで顎の。 そしてすべての人間の顔は常にこれら 14 の平面に含まれています。 プランの形状のみが変更され、境界線や番号は変更されません。 これらの計画に縛られる必要はありません (作業は大まかなものになります)。モデリングがその制限内に収まるようにするだけで十分です (全体像を見失わずに)。特定の個人のこれらの計画をより頻繁に取り入れるほど、 、作業はより綿密になります。 大理石で作業する場合、これらの計画は二次計画と三次計画に分けられますが、粘土では、これはより広範囲に、つまりモデリングによって解釈されます。

各本体も同様に分解できます。 このような分析は、彫刻家のビジョンの発展に役立ちます。さらに、固体材料からの作業には次のことが必要です。 必須平面上での分解。

体の部分。スケッチに取り組んでいると、どれだけ時間をかけて作業しても、手足の時間が足りません。 パーツを別々に作業し始めるまでは、それらを知ることはできません。 そしてその間、あなたはそれらを知る必要があります。 腕と脚は顔と同じくらい表情豊かです。 彼らと一緒に仕事をするまでは、彼らがそれ自体でどれだけ面白いか、そして彼らと一緒にフィギュアを完成させることがどれほど重要であるかさえ思いつきません。 この点で知識を整理するには、手足のスケッチを数十枚個別に作成する必要があります。

腕と脚の彫刻研究では、さまざまなサイズ、さまざまな回転や動きを行う必要があります。 細部にこだわる必要はなく、キャラクターと動きを考慮する必要があります。 腕と脚についてこれらの研究をいくつか行うと、成功したように感じるでしょう。 要件 材料これはすでに高次の問題ですが、テクノロジーの章で見たように、物質的および生命的感覚はほとんどの場合、作業の開始時に存在しますが、これらはすべて無意識で不完全であり、正確さを考慮したものです。 、跡形もなく（多くの場合は永久に）破壊されます。

今、私たちは意識的にこの要求を自分自身に課さなければなりません。 これは教えることはできませんが、誰もが自分の仕事の中で、自然がより力強く活力を持って反映される場所を見つけ、愛し、大切にし、これを達成する必要があります。

アーティストは共感できない 現物で無関心：あなたはいつも彼女を好きか嫌いかのどちらかです。 そして、自然の何が好きで何が嫌いなのかを自分自身に問いかける必要があります。 この質問をもとにモデルを分解していきます。このように多くのモデルを分解すると、形や美しさについての理解が深まります。 回避することにも美しさはありますが、これは別の問題です。学校のものではありません。

そして、より多くのモデルを扱うほど、芸術的な経験がより豊かになります。 これが、同じモデルを長期間使用することをお勧めしない理由の 1 つです。 もう 1 つの理由は、現在の 3 ～ 4 年のコースでは、2 ～ 3 か月間同じモデルに取り組むと、15 ～ 20 枚のスケッチを持って学校を卒業する危険があることです。 どのような経験を人生にもたらしますか？ しかし、あなたはロシアの彫刻を手にすることになるでしょう。 (フランスで行われているように) 毎週モデルを変更すると、約 120 回のセッションが得られます。このような集中的な作業では、通常、仕事への意欲が高まり、人は 1 回のセッションでは満足できず、2 回または 3 回のセッションを受けます。 4年後には約400人になるだろう。 経験の差はかなり大きくなるでしょう。

学校を卒業するまでに何回勉強するかを計算し、この計算に従って、各モデルにかかる時間を決定します。 勉強するときは、男性の後に女性、老人の後に子供、ずんぐりしたモデルの後に柔軟なモデルなど、一貫して対照的なモデルを採用する必要があります。 これは理解力の向上に大きく貢献します。 頭に関しては、決して写真モデルを撮ってはいけないことだけ注意しておきます。 何十回も型として扱われてきたもの。 そこには芸術家としての軽薄さと尊厳の喪失がある。

やりたいなら スケッチなら、決して先延ばしにしてはいけません。それは消えて消えていきます。 それどころか、やればやるほど想像力とそれをやりたいという願望が目覚めます。 彼らはイメージ、味、構成について考える能力を開発します。 スケッチ以上に、将来のためにもスケッチとしても役に立たないスケッチはありません。 そして重要なことは、それらを後でやらないということです。毎日の仕事や実際的な考慮事項が長引くことになります。 本当にやりたくない場合は、自分に強制する必要があります。 スケッチは必ず必要です。

浅浮き彫りどことなく図面を思い出させます。まるで粘土で絵を描いているかのようです。浅浮き彫りで作業するときの主な作業は、どこでも同じサイズのカットと遠近感を維持することです。 これがないと、結果は単純な平らになり、浅浮き彫りの図を丸く戻すと、頭が肩よりも広くなり、鼻の幅が口よりも広くなるという奇妙なこともあります。 。 優れた浅浮き彫りには、非常に表現力豊かなモデリングと厳密に維持されたカットのグラデーションが必要です。 それぞれの場所を自分に近い地形と同じくらい高い位置に移動したり、その逆を行ったりするだけです。 あなたから遠いものは、以下のようにしてください。

すべての彫刻家は次のことができる必要があります 型、第一に、最後の手段として、自分のものを鋳造できるようにするために、そして第二に、この問題を知っていれば、鋳造を監視し、必要なことをしないことが多い労働者を指導することができます。それから何が起こるかを見るために。 そしてそれが出てくるのです。 作品が変形したり、完全に失われたりすることもよくあります。 この問題は彫刻家にとって非常に理解しやすいです。 それがどのように行われるかを一度見て、いくつかのものを形成するだけで十分です（もちろん、最初は小さなものですが）。

もう 1 つのアドバイス: 成形業者がいわゆる「グリース」 (ステアリンと灯油の混合物) で金型を潤滑することを許可しないでください。これは作品をひどく台無しにしますが、石鹸で潤滑することをお勧めします。 石鹸をこすったときにブラシに残る石鹸の泡。

どちらでもない 大理石他の材料についても、別の科学は必要ありません。 粘土で作業できるのと同じように、大理石、木、ブロンズでも同じことができます。 彼らが大理石でどのように作業するかを観察するだけで、すでに作業を行うことができます。 習慣のため、2 ～ 3 週間は常にツールをハンマーで叩くわけではありませんが、そのうち慣れてきます。 残りは練習次第です。

大理石を入手して選択することははるかに困難です。 粒が大きい大理石は粗すぎ、粒が小さいとややくすんで光が少なくなります。 中くらいの暖色系の色を選ぶ必要があります。

大きな部分は倒さず、後で使用するために鋸で切り落とす必要があります。 完全に固体の大理石では、いわゆるワームホールが突然現れることがあります。 それは、針がほとんど通らない小さな点から始まります。 - そして徐々に拡大して、木の実以上の大きさの洞窟になります。 通常、彼らはそれをきれいにしたいと考えて、この場所を深くし始めますが、その後、状況はさらに悪化します。 最善のことは、そのようなワームホールに遭遇した場合、それ以上掘らず、小さじ1杯でホウ砂を溶かし、穴をパテで埋めることです。そうすれば、完全に目立たなくなります。

加工できる他の石は、重さ以外は石膏にほとんど何も加えません。 だからこそ、おそらく石彫刻は展覧会では決して見られないのでしょう。 砂岩はまだ何かを与えますが、ほんのわずかです。 初心者はアラバスターの柔らかさと鮮やかな色に魅了されますが、その加工は非常に下品なので、多大な労力と労力を費やした後、常に捨てられます。

と ブロンズ状況は次のようなものです。鋳物工場では、ブロンズに鋳造する前に、ワックスで鋳造します。 ワックスからキャストすると、すべてが柔らかくなりすぎて、まぶたが腫れて厚くなり、目は柔らかくぼやけ、口も同様です。 一般に、薄くて鋭いものはすべて消えてしまうので、ワックスで復元する必要があります。 優れた鋳造作業員の場合、作業内容はそれほど変わりませんが、それでも見直して取り組む必要があります。

私たちもブロンズを選択し、緑青処理に参加する必要があります。 私たちがしなければならないのはそれだけです。

彫刻家にとって最高のもの 木- シラカバ、トネリコ、シナノキ。 大きな森や木々の中に住む私たちは、木を探し、そこに自分の物を当てはめようとします。 これは海外では行われていないことですが、彼らは長い間、同じ色と構造の厚さ約 1 インチと 4 分の 1 の棒を接着していましたが、木材が乾燥して全体が正確に一致しているため、非常にうまく仕上がります。

大きな木はいつもひび割れます。 もちろん、ストリップを挿入することもできますが、図ではまだ何もありませんが、顔では非常に迷惑です。 S.T. コネンコフはいつも木全体から作業しますが、木に近づきすぎて、作業をせずに木に含まれているものを解放しているだけのように見えます。 初心者は木に従属しないように注意する必要があります。 これは時々非常に醜いものになることがあります。 はい、最終的に、物は手元にある木材とは独立して考えることができ、それをどんな犠牲を払ってでも切り株に押し込むことに意味はありません。 作品を台無しにするよりも、接着剤で接着する方が良いでしょう。 接着は適切な木を見つけるよりも簡単で、バーからすべてを接着する必要はなく、足りない部分を接着するだけです。それだけです。

上記のすべてはあなたにとってまったく必要ではないため、注意事項に盲目的に従うべきではありません。 しかし、もし仕事をしているときに、私が言ったことの裏付けが見つかったら、それをあなたの芸術的経験に取り入れてください。 誰かがあなたにどこかへの道を教えたとき、これらすべての道や駅などが記憶の中で混同されてしまうことがよくあります。 複雑すぎて怖いですね。 実際には、すべてはもっと簡単です。 あなた自身で行ってください、そして、あなたが行くとき、あなたは道路に沿ってあなたに示されている標識を見るでしょう、そしてそれによってあなたはあなたの道が正しいことを確認するでしょう。 もしかしたら、この道をどこかで短縮したり、面白い回り道をしたりできるかもしれません。 おはよう！ 私たちはこれらの要求をもっと冷静に受け止める必要があります。それらは最も重要なことではありません。 すべてはやがて来るでしょう。 思いやりよりも賞賛を持って仕事をしましょう。 大切なことや最善のことはその先にあり、勉強は自分の能力を習得するためだけに行われ、その多くは教科書が捨てられるのと同じように捨てられなければなりません。

もう一度繰り返します。この研究全体をもっと簡単に考えてください。それは主要なことではありません。そして、何か違うことを自分のやり方でやりたいという強い信念があるのなら、そうしてください。あなたは正しいです。 しかし、あなたが正しくなるのは、あなたが本当に心からそう考え、そう感じた場合に限られます。 そうして初めて、それは最も貴重であり、新しく生きた言葉として作品に反映される本当の真実となるのです。

アーキテクチャセクションの出版物

アンナ・ゴルブキナの5勝5敗

ソフィア・バグダサロワが、彫刻家としてロシアで有名になった最初の女性の波瀾万丈について語る。.

勝利その 1: 庭師が彫刻家になる

奇跡はゴルブキナが有名になったことではありません。 奇跡は彼女が彫刻家になれたということだ。 結局のところ、19世紀には女性が職業を習得することは困難でした。 女性の入学が許可された最初の年に芸術アカデミーに入学した、同世代の芸術家、エリザベタ・マルティノヴァ（ソモフの「青衣の貴婦人」のモデル）の困難な道を思い出しましょう。 十数人の女子学生がいて、怪訝な目で見られていた。 さらに、ゴルブキナは画家になるために勉強したのではなく、彫刻家になるために勉強しました。つまり、彼女は肉体労働にはまったく従事していませんでした。

そして彼女の起源がある。彼女の祖父は古儀式派であり、ザライスクの精神的コミュニティの指導者でもあったポリカールプ・シドロヴィッチ自身も農奴制から身を引いた。 彼は父親が早くに亡くなったアンナを育てました。 家族は菜園を作り、旅館を経営していましたが、弟のセミョンを教育するのに十分なお金しかありませんでした。 アンナを含む他の子供たちは全員、独学でした。

庭師がザライスクを出てモスクワに行ったとき、彼女はすでに25歳でした。 彼女は、アナトリー・ガンストによって設立されたばかりの美術クラスで焼成技術と磁器絵付けを学ぶつもりでした。 彼らはゴルブキナさんを受け入れたくなかったが、彼女は一晩で「祈る老婦人」の置物を彫刻し、受け入れられた。

損失その1：初めてのパリ旅行

トレーニングは最初のうちはうまくいきました。 1年後、彼女はモスクワ絵画彫刻建築学校に移り、そこでさらに3年間学びました。 最後に、一番上：彼女はサンクトペテルブルクアカデミーに留学しました。

ここでゴルブキナはサロンアートに従事することも提案されましたが、それは彼女の気質にはまったく合いませんでした。 しかし、問題はそこではありません。 回想家の友人たちはこのときのことについて一斉に沈黙しているが、当時パリでゴルブキナに何か悪いことが起こった。 噂によれば、どうやら不幸な愛 - あるフランス人アーティストとの恋。 30歳を超えた女性は二度自殺を図った。最初はセーヌ川に身を投げ、次に毒自殺を図った。 同じくパリに住んでいた芸術家のエリザベタ・クルグリコワさんが彼女を家に連れて帰った。 モスクワでは、ゴルブキナは有名なコルサコフの精神科クリニックに行きました。

勝利 #2: 回復

教授が彼女を治療したのはわずか数か月だった。ゴルブキナの治癒が医学によるものではなく、創造性、あるいは単に仕事によるものであることは明らかだった。 ゴルブキナさんはザライスクの家族の元に戻り、救急救命士課程を修了したばかりの妹のアレクサンドラさんとともにシベリアへ向かい、そこで二人は再定住地で懸命に働いた。

勝利その3：二度目のパリ旅行

1898年パリのアンナ・ゴルブキナ

心の平安を取り戻したゴルブキナは1897年にパリに戻った。 そしてついに彼女は、師事すべき相手、ロダンを見つけた。

1898年、彼女はパリ・サロン（当時最も権威のある美術コンクール）に彫刻「老年」を出品しました。 ロダンの『美しきオルミエだった彼女』（1885年）と同じ中年モデルがこの像でもポーズをとりました。

ゴルブキナは先生を自分なりに解釈した。 そして彼女はそれを成功させ、銅メダルを獲得し、マスコミで賞賛されました。 翌年彼女がロシアに戻ったとき、人々はすでに彼女のことを耳にしていました。 サブヴァ・モロゾフは彼女にモスクワ芸術劇場を飾るためのレリーフを注文した。 彼女は、銀器時代の最も輝かしい文化的人物、A. ベリー、A.N. の肖像画を作成しました。 トルストイ、V.イワノフ。 しかし、シャリアピンは彫刻をすることを拒否した。彼女は彼を人として好きではなかった。

敗北 #2: 革命活動

ゴルブキナさんは火災の最中に生まれ、彼女自身も自分には「消防士」の性格があると主張した。 彼女は不寛容で妥協のない人でした。 その不当な扱いに彼女は激怒した。 1905年の革命中、彼女は労働者を蹴散らしていたコサックの馬を止めようとして死にそうになった。 RSDLPとのつながりが始まった。RSDLPの命令で、彼女はマルクスの胸像を作り、安全な家を訪れ、ザライスクの自宅に不法移民のための安全な場所を作った。

1907 年、彼女は布告を配布した罪で逮捕され、要塞で 1 年間の懲役刑を言い渡されました。 しかし、ゴルブキナさんの精神状態によりこの事件は取り下げられ、警察の監督下で釈放された。

敗北その 3: 夫と子供がいない

アンナ・ゴルブキナとアーティストのグループ。 パリ、1895年

それとも、これは敗北ではなく、勝利でもあるのでしょうか？ ゴルブキナが作家になりたい一人の少女にこう言ったのも不思議ではありません。 「自分の文章から何かを得たいなら、結婚しないで、家族を作らないでください。 手を縛る芸術は好きではありません。 人は自由な手を使って芸術に取り組まなければなりません。 芸術は偉業ですが、ここではすべてを忘れる必要があり、家族の中の女性は囚われの身です。」.

しかし、ゴルブキナは未婚で子供もいませんでしたが、甥たちを心から愛し、兄の娘ベラを育てました。 彼女の作品の中でも、病気で生まれ、1歳になる前に亡くなった甥のミーチャの写真は特に感動的です。 彼女のお気に入りの作品の 1 つは、レリーフを描いた「Motherhood」で、毎年この作品に復帰しました。

彼女のポケットはいつも子供たちへのお菓子でいっぱいで、革命後の時代には食べ物だけでした。 子どもたちのせいで、彼女はかつて死にそうになったことがある。彼女はストリートチルドレンの群れを保護し、彼らは彼女に睡眠薬を盛って強盗した。

勝利その4：モスクワ展示会

1914年、50歳のゴルブキナの最初の個展が美術館（現在のプーシキン美術館）の壁内で開催されました。 観客は大盛況で、チケット収入は莫大だった。 そしてゴルブキナは負傷者の利益のためにすべてを寄付しました（第一次世界大戦は始まったばかりでした）。

批評家たちは彼女の作品に満足した。 しかし、トレチャコフ美術館のためにいくつかの彫刻を購入しようと考えていたイーゴリ・グラバルは、ゴルブキナのプライドを叱責し、彼女は高すぎる価格を要求した。 展示会では何も売れませんでした。

勝利その5: 南北戦争を生き延びる

悲しいことに、1915年、ゴルブキナは再び神経衰弱を起こし、診療所に入院しました。 数年間、彼女は創作することができなかった。 しかし、革命後の数か月間、彼女は古代遺跡保護委員会とホームレスと闘うモスクワ評議会の団体に参加した（ここにまた子供たちがいる！）。

モスクワが凍りつき飢えに陥ったとき、アンナは断固としてそれに耐えた。 友人たちが言ったように、彼女は禁欲生活に慣れていたため、今ではその剥奪に気づいていませんでした。 しかし、彼女はお金を稼ぐために布地に絵を描いたり、個人レッスンを行ったりしていました。 友人たちは彼女にドリルを持ってきて、古いビリヤードのボールを運びました。彼らから象牙からカメオ出演し、それを売りました。

レフ・トルストイ。 1927年

革命的な過去にもかかわらず、ゴルブキナはボリシェヴィキとは仲良くなかった。 彼女は、暗い性格、非現実性、そして自分の物事を管理する能力の無さによって際立っていました。 1918年、彼女は臨時政府メンバーのココシキンが殺害されたため、ソビエトとの協力を拒否した。 おそらく時間が経てば改善されたかもしれないが、1923年のオストロフスキー記念碑の競争で、彼女は1位ではなく3位となり、怒りに陥った。

1920年代、ゴルブキナは教えることでお金を稼ぎました。 彼女の健康状態は悪化し、胃潰瘍が悪化し、手術が必要になりました。 巨匠の最後の作品は「白樺」でした。これは若さの象徴であり、原則として写真にもかかわらず、記憶に基づいて彫刻したレフ・ニコラエヴィッチ・トルストイの肖像画でした。 ゴルブキナさんは死の直前にザライスクの家族の元に戻り、家族に見守られながら63歳で亡くなった。

敗北 #5: 工房の運命

彫刻家の親族は、彼女の遺言に従い、150点以上の作品を国に寄贈した。 ゴルブキナ博物館がモスクワの工房内にオープンした。 しかし 1952 年に災害が起こりました。 突然、形式主義、または他の何かとの闘いの一環として、ゴルブキナが「ソビエト」のイメージを含む人のイメージを「歪めた」ことが判明しました。 博物館兼工房は閉鎖され、そのコレクションはロシア美術館やトレチャコフ美術館を含むいくつかの都市の博物館に分散された。

1972 年になって初めてゴルブキナの評判は払拭され、博物館の修復が決定されました。 工房がトレチャコフ美術館の分館となったため、多くの作品を元の壁に戻すのは簡単でした。 しかし、残りの作品は永遠に他の都市に留まりました。 しかし、重要なことは、ゴルブキナの名誉が回復されたということです。

人生の話
彼女の祖父は若い頃は農奴だったが、最終的には自由を手に入れてザライスクに定住し、ガーデニングを始めた。 彼女の父親は早くに亡くなり、彼女は幼少期から青年期まで母親や兄弟姉妹とともに家庭の庭で働きながら過ごしました。 彼女は生涯を通じて、肉体労働、生き生きとした想像力豊かな民話、そして自尊心への敬意を持ち続けました。
アンナ・ゴルブキナは初等教育すら受けていませんでした。 セクストンが彼女に読み書きを教えてくれない限り... 彼女は幼少期にたくさんの本を読み、それから粘土人形を彫刻し始めました。 地元の美術教師は彼女に真剣に勉強するよう勧めた。 親戚はこれに干渉しませんでしたが、アヌシュカ自身は、農民の家族が労働者を失うことが何を意味するかを理解していました。 したがって、彼女が故郷ザライスクを離れる決心をするまでに多くの時間がかかりました。
アンナは 25 歳で、素朴なショールを身に着け、黒いプリーツ スカートを履いてモスクワに到着し、絵画、彫刻、建築の学校に入学しました。 「工房では、厳格で威厳のある古代のキャストの中で、彼女は神話上の古代の女預言者シビュラのように見えました」と彼女と一緒に学んだS.T.コネンコフは回想します。
「彼女は細くて背が高く、機敏で、霊的で美しく、厳格な顔をした少女だった」と同時代の人々も主張した。 「…醜くて輝かしい顔だ」と指摘する人もいた。
ロシアの有名な慈善家マリア・テニシェワはこう言いました。
「A・N・ベノアがサンクトペテルブルクから戻ってすぐに…彼は、農民の女性の中から、非常に困窮していて将来有望な若い才能のある彫刻家について話し始め、彼女を私の家に引き取るよう私を説得し始めました。彼女に芸術的キャリアを完了するための手段を与えるために、配慮してください。教育...」
テニシェワはブノワの熱烈な懇願に従わず、彼女を世話もせず、資金も与えなかった…ちなみに、ゴルブキナの名前がす​​でに広く知られていたとき、彼女は後にそれを非常に後悔した。
しかし、ゴルブキナの才能の独創性と強さは、学生時代から彼女に本当に注目を集めていました。 その後、彼女はサンクトペテルブルク芸術アカデミーに移りました。 彼女の教授の中には、アンナ・ゴルブキナの人生において特別な役割を果たした有名な彫刻家V.A.ベクレミシェフがいました。 彼女は家族に宛てた手紙の中で、彼を「驚くほど親切で良い人」「偉大な芸術家」と呼んだ。 これらの一般的な言葉の背後には、裕福な商人の妻と結婚し、幸せな家庭生活を送っていたベクレミシェフ自身も決して知らなかった、深く悲劇的な報われない愛が隠されていました。
1895 年、ゴルブキナは教育を続けるためにパリへ向かいました。 彼女の家族と芸術愛好家協会は資金を援助してくれました。 彼女はF・コラロッシ・アカデミーに入学したが、すぐに、精神的に彼女とはまったく異質な、同じサロン・アカデミックの方向性が、サンクトペテルブルクと同じようにそこでも支配的であることに気づいた。 今年は若い彫刻家にとって非常に困難な年となった。 アンナ・セミョノフナは、創造的な不満、自分が選んだ道の正しさについての疑念、そしてベクレミシェフに対する抑えられない感情に悩まされていました。 一部の回想録では、フランス人芸術家との短く不幸な関係や自殺未遂について言及している人もいる。ゴルブキナが神経障害を患ったのは決して偶然ではない。
それは芸術家E.S.クルグリコワによってロシアにもたらされました。 病院からザライスクの家族の元に戻ったアンナ・セミョノフナは、少し落ち着いて、さらに生きる方法について考え始めました。 そして最終的に、私は救急救命士課程を修了した姉のアレクサンドラと一緒にシベリアに行くことにしました。 ここで彼女は再定住地で働き、母親と同様に常に信頼関係を築いていた妹を助けました。 彫刻家の母親エカテリーナ・ヤコブレヴナは1898年末に亡くなった。 アンナ・セミョノフナは、この喪失の後、長い間正気に戻ることができず、記憶を頼りに胸像を彫刻するまで、いかなる仕事も引き受けませんでした...
二度目のパリ旅行はさらに成功した。 偉大なロダン自身がゴルブキナの作品を見て、彼の指導の下で勉強するように彼女を招待しました。 何年も後、アンナ・セミョーノヴナは巨匠と働いた一年を思い出しながら、こう書いた。「あなたは私自身が感じたことを私に話してくれて、私に自由になる機会を与えてくれました。」
1899 年のパリ春のサロンに展示されたゴルブキナの作品は、当然の成功を収めました。 1901 年、彼女はモスクワ芸術劇場の正面玄関の彫刻装飾の注文を受けました。 彼女が作った高浮き彫りの「波」 – 風雨と戦う反抗的な精神 – は今でも古いモスクワ芸術劇場の建物の入り口を飾っ​​ています。
彼女は1902年に再びパリを訪れました。 彼女はロンドンとベルリンも訪れ、世界の芸術の傑作に出会った。 彼女は多額の借金を抱えて旅行から帰ってきた。 工房を借りるお金もなかったし、アンナ・セミョノフナさんはどうすれば利益の上がる注文を獲得できるのか全く分かりませんでした。
確かに、すでに 20 世紀の最初の数年間に、彼女の作品のいくつかは彼女に多額の報酬をもたらしました。 ゴルブキナの彫刻はロシアの展覧会にますます登場し、そのたびに熱狂的な歓迎を受けました。 しかし、驚くべき寛大さで、アンナ・セミョノフナは稼いだすべてを困っている人、知人、見知らぬ人に分配し、幼稚園、学校、国立劇場に寄付しました。 そして、有名になった後も、彼女は依然として貧しい生活を送り、何週間もパンとお茶だけを食べていました。
「彼女の衣装は、いつもグレーのスカート、ブラウス、キャンバス地のエプロンで構成されていました」と友人の一人は回想しています。 冠婚葬祭ではエプロンだけ脱ぐことになった。」
彼女の禁欲的な厳格な人生はすべて芸術に捧げられました。 彼女は友人の娘、エフゲニア・グラゴレワさんにこう語った。「自分の文章から何かを得たいなら、結婚しないで、家族を作らないでください。 芸術関連は好きではありません。 人は自由な手を使って芸術に取り組まなければなりません。 「芸術は偉業であり、ここではすべてを忘れ、すべてを放棄する必要があります。そして家族の女性は囚われの身です...」そして彼女は認めました、「自分のことのために泣かない人は創造者ではありません。」
アンナ・セミョーノヴナには自分の家族がいなかったので、兄の娘である姪のベラを育てました。 彼女はしばしばザライスクの親戚と一緒に長い間暮らし、妹の家事を手伝い、他の皆と同じように庭で働いていました。 そして、奇妙なことに、これは彼女の創造性をまったく妨げませんでした...
革命前の時代、ザライスクは亡命先の一つでした。 首都から追放された「政治的に信頼できない人々」と、地元の革命志向のインテリたちが常にゴルブキン家に集まっていた。 ゆっくりと、しかし興味深く、ロシアの将来についてサモワールを飲みながら長い会話が交わされた。 アンナ・セミョノフナは、普遍的な兄弟愛、正義、そして幸福の考えに魅了されずにはいられませんでした。 彼女は違法文書を配布したことさえありました...しかしある日、革命クーデターが避けられないことになると、彼女は予言のように言いました。「どれだけ多くの血が流されるかが恐ろしいです。」
1905 年の出来事の間、彼女は最終的にモスクワに行きました。 目撃者は、コサックが鞭で人々を蹴散らしていたとき、アンナ・セミョーノヴナが群衆の中に突入し、騎手の一人の馬の手綱につかまり、狂乱してこう叫んだと回想している。 人を殴る勇気はないよ！」
2年後、彼女は宣言を配布したとして逮捕された。 1907年9月、裁判所は芸術家に要塞での1年間の懲役刑を言い渡したが、健康上の理由から保釈された。 長い間、アンナ・セミョノフナは警察の監視下に置かれていた。 彼女の手紙からのもう一つの痛烈な預言的なフレーズは次のとおりです。
「私たちの時代には、悪いことはすでに存在しているので、悪いことは起こりません。」
第一次世界大戦が始まったとき、ゴルブキナはすでに50歳でした。 美術館での彼女の個展の後、批評家たちは「偉大な試練の時代に開催されたこの展覧会ほど、ロシアの彫刻が鑑賞者の心をこれほど深く掴んだことはかつてなかった」と書いた。 アンナ・セミョノフナは展示会のコレクション全体を負傷者に寄付した。
ゴルブキナは熱い性格のため、親しい人々とさえ仲良くなるのがかなり困難でした。 彼女と同時代の人々の間の障害の 1 つは、彼女の作品の購入です。
トレチャコフ美術館の管理人で画家のI・グラバール氏は、ゴルブキナの展覧会について「素晴らしいものがある――主に肖像画だ」と書いている。 – 私なら 6 ～ 7 個のものを買うつもりですが、彼女はコネンコフのようです。食べるものは何もありませんが、2,500 ～ 3,000 ルーブル未満なので、そこには近づかないでください。 それはただの不幸だ、この浮浪者のプライドと「ブルジョワジーに対する軽蔑」は、彼女は汚れていなくてシワのないでんぷんの首輪をしている人は皆そう思っているのだ。」
そうですね、それはまさにギャラリーがロシアの芸術家の最も優れた作品に支払った金額であり、個人コレクターはそれらをはるかに高い価格で購入しました。 ゴルブキナとコネンコフにとって、彼らの模範となったのは、芸術家の作品の評価に関して厳格かつ原則を持った同時代の先輩ヴァレンティン・セロフでした。
まさにその展覧会以来、ゴルブキナの彫刻は一枚も売れていません。 彼らは博物館ホールからある種の地下室に移り、1920年代まで長い間無人のままそこに立っていた...そして1915年、アンナ・セミョノフナは再び神経衰弱に襲われた。 S.V.メドベージェワ＝ペトロシアン医師は次のように述べています。
「私は、ほとんど男性的な顔立ちと醜い顔をした、背が高く、中年の病弱そうな女性を見ました。 彼女は私に微笑みました、そしてそれは何と魅力的な笑顔でした、彼女の輝く灰色の目は何と並外れた輝きであり、何と魅力的な力が彼女の存在全体から発せられていたのでしょう！ 私はすぐに彼女の虜になりました... 患者は暗い憂鬱と不眠症に悩まされていましたが、病気の最悪の瞬間でさえ、彼女の美しい道徳的性格は、せっかちな言葉や鋭い爆発によって覆われることはありませんでした。 誰もが彼女をとても愛していました。」
ゴルブキナは見知らぬ人が自分の心に入るのを許さず、肖像画のポーズを取ることを拒否しました。 ミハイル・ネステロフからのそうしたすべての要求に対して、彼女はこう叫んだ。
"あなたは何を！ 私に書いて！ 気が狂ってしまうよ！ 私のマグカップを持ったポートレートはどこで入手できますか? 私はクレイジーだ"。 （数年後、アンナ・セミョーノフナのことを思い出して、芸術家はこう言った。「それはスカートを履いたマキシム・ゴーリキーだったが、魂が違うだけだった…」） そして、師として彼女は生徒たちにこうアドバイスした。 肖像画の中に人物を見つけたら、それは美しさです。」
アンナ・セミョノヴナは写真を撮られることを非常に嫌がりました。 作家の妻であるN.N. チュルコワさんは次のように回想しています。 「私は俳優のような顔で、シャープで、好きではありません。」 そして彼女の若い頃の貴重な写真には、茶色の三つ編みをしたかわいい女の子が写っていました...
ゴルブキナの肖像画がまだ存在していることを知っている人はほとんどいません。 V.マコフスキーの絵画「パーティー」（1897年）では、まだ幼い彼女がテーブルに控えめに立っています。 芸術家は最終的に彼を説得して、たとえ民俗生活の一場面ではあったとしても、ポーズを取るよう説得した...
「この彫刻家は（疑いの余地はありません！）彼女の伝記に特化した資料の収集と出版をかなり意図的に阻止したのです」と、彫刻家の生涯と作品の研究者であるA・カメンスキーは言う。 「おそらく、ゴルブキナは、自分自身から距離を置き、自分の仕事に完全に溶け込み、人々の経験のエコーになる能力以上に価値を置いていなかったのでしょう...」
彼女は自分が売った彫刻の場所を決して書き留めなかった。 彼女の美術館の主催者は、1932 年に彼女の以前の工房の敷地内に巨匠の作品を集めたとき、多大な労力を費やしました。 まだ見つかっていない作品もあります…
...十月革命のニュースの後、ゴルブキナはこう言った、「これからは本物の人々が権力を握ることになるだろう。」 しかし彼女はすぐに、臨時政府の閣僚2名が処刑されたことを知り、そのうちの1名は彼女の知り合いだった（後に彼らはアナキストによって射殺されたと書いている）。 そして彼らがクレムリンから彼女に仕事を持ちかけてきたとき、アンナ・セミョーノヴナは持ち前の率直さで「あなたは善良な人々を殺しているのです」と答えて拒否した。
それにもかかわらず、ゴルブキナは革命後の最初の数カ月で、古代芸術記念碑保護委員会とホームレス対策のためのモスクワ評議会機関に参加した。 彼女は汚くてボロボロの少年たちを自分の作業場に連れてきて、食事を与え、一晩過ごさせた――かつて彼らに強盗されて殺されそうになった後でも。
ゴルブキナさんを知る人々は、ゴルブキナさんは苦難に慣れていて「今はそれに気付かなかった」ため、当時の苦難に他の人より容易に耐えられたと主張した。 お金を稼ぐために、有名な彫刻家は布地に絵を描いたり、骨から装飾品を彫ったりしましたが、そのお金は飢えずに済むのにかろうじて十分でした... 彼女はプライベートレッスンを受けましたが、多くの場合無料でした - 原則として、料金は現物で支払われました。たとえば、彼女の生徒の一人が修士課程のワークショップを熱くしました。
1920 年から 1922 年にかけて、アンナ セミョノフナは美術ワークショップで教えましたが、不親切な雰囲気のため辞めなければなりませんでした。 彼女は60歳に近づき、絶え間ない栄養失調と不安による古い病気に加えて、重度の胃潰瘍も患っていた。 彼女に対して再び厳しい言葉や失礼な攻撃が加えられると、耐え難い痛みが生じ、長期間にわたって精神のバランスを失う可能性があります。 ある日、ある男が彫刻家の顔に、彼女はもう芸術には死んでいる、と言いました。 芸術家は、彼女は死んだかもしれないが、生きていた、そして彼女の邪悪な敵は常に死んでいたと答えました。 仕事を辞めたアンナ・セミョノヴナさんは手術を受けなければならなかった…
厳しい言い方をすれば、彼女は芸術において他とどう違うかを知りませんでした。 かつて、彼女はシャリアピンの胸像を彫刻することを拒否しました。何らかの理由で彼女が曖昧な態度をとった人々の肖像画に取り組むことはできませんでした。 1907 年に、彼女はアンドレイ ベリーの肖像画を作成しました。これは馬の完璧な横顔です。 彼女は大騒ぎや無制限の賞賛を容認しませんでした。 かつて彼女の彫刻が古代の彫刻と比較されたとき、彼女は「それはあなたの無知のせいです！」と鋭く答えました。 アンナ・セミョノフナが文学芸術界に登場したとき、ワレリー・ブリュソフは「非常に尊大なスピーチ」で彼女に話しかけた。 驚いたゴルブキナさんは背を向け、彼に向かって三度手を振り、向きを変えて立ち去った。
1923年、彫刻家はA. N. オストロフスキーの記念碑を作成するコンペに参加しました。 彼女は 9 つのスケッチを発表し、そのうちの 2 つが賞を受賞しました。 しかし、記念碑を作る最初の場所と権利は、別の作家、N. アンドレーエフに与えられました。 アンナ・セミョノフナはひどく腹を立てて会議室にやって来て、彼女のモデルを破壊し始めました。「彼らは彼のオストロフスキーと私のオストロフスキーを比較しました！ それはうんざりすることであり、それ以上のことではありません。」
ゴルブキナの最後の作品であるレフ・トルストイは、予想外にも彼女の死の間接的な原因となった。 若い頃、アンナ・セミョノフナはかつて「偉大な老人」と会い、目撃者によると、何かについて彼と深刻な議論を交わしたという。 この出会いの印象は非常に強く残り、何年も経った後、彼女は自分の作品に彼の写真を使用することを拒否し、「彼のアイデアと彼女自身の記憶に基づいて肖像画を作成しました」。 いくつかの木片を接着して作られたこのブロックは大きくて重かったので、アンナ・セミョノフナは1922年に受けた手術の後、いかなる状況でもそれを動かすことができなかった。 しかし、彼女は年齢や病気のことを忘れていました。生徒の二人が木の巨像と戦って失敗したとき、彼女は肩で彼らを押しのけて、力の限り頑固な木を動かしました。 その直後、彼女は気分が悪くなり、ザライスクにいる妹のところへ急いで行きました。「彼女は私の扱い方を知っています...はい、3日以内に到着します...」
退職は致命的な間違いだったことが判明した。 長年この芸術家を治療してきたA.マルティノフ教授は、直ちに手術をすれば間違いなく彼女を救えただろうと述べた...
アンナ・ゴルブキナは1927年9月7日に故郷ザライスクで亡くなった。

アンナ・セミョノヴナ・ゴルブキナ

アンナ・セミョノフナ・ゴルブキナは、1864年1月16日（28日）、旧リャザン州ザライスク地区の町で生まれた。 少女が2歳のとき、父親が亡くなりました。 7人の子供たちの教育のための資金はありませんでした。 ゴルブキナは後に「セクストンから読み書きを学んだのは私だけだった」と語った。

アンナは粘土で人や動物を描いたり彫刻したりするのが好きでしたが、活発でいたずら好きな性格の兄セミョンが彼女の「置物」を壊したときは非常に動揺していました。

セミョンは実際の学校で妹の絵を先生に見せ、先生はそれを気に入ってくれました。 彼はアンナに絵の描き方についてアドバイスをし始めたが、お金がないため体系的なレッスンは不可能だった。

1883 年、少女は最初の彫刻「座っている老人」、「盲目のザハール」、「盲目の男」を完成させました。 そして2年後、彼女は記憶を頼りに祖父ポリカールプ・シドロヴィッチの胸像を演じた。 老農民の特徴のスキルと完全性は驚くべきものですが、ゴルブキナはどこでも勉強したことがありません。

モスクワから来たある旅行者が宿屋に立ち寄った際、ゴルブキナの絵を見て、モスクワに留学するよう勧めた。 25歳のとき、アンナは美術教育を受けるためにモスクワへ行きます。 彼女には、陶器や磁器の絵付けを学びたいという、とてもささやかな願いがありました。

1889年、彼女は建築家A.O.ガンストの美術クラスに入学し、約1年間学び、その後自由学生として絵画彫刻建築学校に入学した。 彼女の教師は有名な彫刻家S.イワノフとS.ヴォルヌキンでした。 彼らはゴルブキナの素晴らしい才能を開花させるのに役立ちました。

ゴルブキナの作品は注目を集め、他学科の学生も見に来たり、展覧会図録にも掲載されました。 アンナは、「浴場」、「雄羊の毛刈り」、「森の王」の 3 つの彫刻で学校から賞金賞を受賞しました。

必要な4年ではなく3年で学校プログラムを修了したゴルブキナは、サンクトペテルブルク芸術アカデミーに入学しました。 しかし、そこで採用された無味乾燥でアカデミックな教育方法は彼女にとって面白くないと思われ、1年後に学校を中退してパリへ行きました。

資金が非常に限られていたにもかかわらず、ゴルブキナはフェルナンド・コラロッシの私立アカデミーに入学し、数か月間パリに滞在した。 彼女は自分自身のために多くの新しいことを発見し、有名な彫刻巨匠の作品を知りましたが、パリでの生活には多額のお金が必要でした。 継続的な栄養失調により、彼女は神経疲労の危険にさらされていました。

友人たちの強い要求により、ゴルブキナさんはロシアへの帰国を余儀なくされた。 彼女は妹と一緒にシベリアの都市の一つへ向かい、そこで移民定住委員会で働き始めた。 アンナはそこで2年間暮らし、健康状態が良くなってモスクワに戻ったとき、最初の大きな彫刻「鉄」を持って帰った。 ゴルブキナのこの作品は、ロシア美術におけるプロレタリア労働者の最初の彫刻像となった。

1897年の終わりに、ゴルブキナは再びパリに行きました。 彼女の海外旅行の資金は、モスクワ芸術愛好家協会と個人から彼女に提供された。 その後、彼女は数年かけてこれらの借金を返済しました。

パリでは、幸運にも偉大な彫刻家オーギュスト・ロダンに出会うことができました。 フランスの巨匠との接触は、彼女にとって一種の「卒業研究」だった。 彼女が主に研究したのは、思考と感情の動きに対応する、形の内部の動きでした。

ゴルブキナさんは彼の生徒にはならなかったが、彼のアドバイスを繰り返し利用した。 彼らは友人になり、ロダンは彼女に彼のモデルであるイタリアの老婦人と一緒に仕事をすることを許可しました。ゴルブキナはそのイメージを小さなフィギュア「老年期」に捉えました。

「女性は恥ずかしそうに膝を胸に押し込みながら座っている」とS.I.ルキヤノフは書いている。 - 彼女の姿全体は純潔さと素朴さを漂わせており、彼女の孤独と無力な衰弱への同情を呼び起こします。

ゴルブキナは老年についての理解を強調した。老年は破壊というよりも、人間の人生全体の自然で論理的な結果である。」

ゴルブキナさんの友人や同志たちは、パリ秋のサロン展に作品を出品するよう彼女を説得した。 「Old Age」と動物学者E. J. バルビアーニ教授の肖像画が展覧会に出品され、成功を収めました。

パリでほぼ2年間過ごした後、ゴルブキナはエネルギー、創造力、そして仕事への渇望に満ちてモスクワに戻った。 しかしすぐに母親が亡くなります。 この喪失感に耐えられず、アンナはザライスクの家族のもとへ向かいます。

彼女の兄弟たちは家の近くの中庭に工房を作りました。 ここでは、1900 年から 1901 年にかけて、ゴルブキナは M. ユ レールモントフの胸像、彫刻「労働者」、「象」、「火」（暖炉）を制作しました。 芸術家V・A・セロフは1901年に次のように書いている。「ゴルブキナは素晴らしい暖炉を作りました。マジで、展覧会用に買ったのです。」 ゴルブキナは、「火」というプロジェクトで、1900 年のリストコンクールで第 2 位を受賞しました。

このようにして、ゴルブキナは、伝統的な家庭用品を復活させようとしたという、彼女の作品の新たな方向性が始まりました。 暖炉の側面の支柱は座っている人の形で作られています。 炎の遊びが彼らに命を吹き込んでいるかのように見え、動いているような錯覚を生み出しました。 暖炉は裕福な家の1つに売却され、その収益でゴルブキナは3度目のパリ旅行をすることができました。

ここで彼女は大理石や木材を加工する技術を習得します。 彼女は、硬い素材を扱う能力がなければ、自分の創造的な計画を実現することはできないと理解しています。

モスクワに戻った彼女は、商人モロゾワの費用で開設されたプレチステンスキーのワーキングコースで彫刻とデッサンを教え始めた。 同時に、彼女は彫刻的な肖像画にも取り組んでいます。 ゴルブキナはまったく新しい彫刻技法を提案しました。それは、粘土を伝統的な重層ではなく、軽く勢いのあるストロークで塗布しているように見えました。 彼女の彫刻的なポートレートは、その自然さに驚かされます。 マスターはそれらの中に自然のすべての自発性を保存しており、それはまだ動き続けているように見えます。

1903年、ゴルブキナは大理石でロシア人女性の像を作り、その彫刻を「マリア」と名付けました。 この作品はすぐにトレチャコフ美術館に選ばれました。 ゴルブキナさんは、彼女自身が非常に困っていたにもかかわらず、「革命のために」寄付した千ルーブルを受け取った。

彼女が彫刻を施した哲学者 V.F. アーンは次のように書いています。

「彼女の創造性の過程を見ることができることを嬉しく思います。 彼女は背が高く、やせていて、運動能力が高く、言葉遣いが乱暴で、率直で、農民の環境の出身で、時にはその日暮らしで500ルーブルを渡し、ひどく親切で、醜くて輝かしい顔をしています...時々彼女はとても真剣に見えますが、それはあなたに恐怖を感じさせ、時には美しい子供のような笑顔をもたらすことを深く感じています。」

1903 年、ゴルブキナは、力強い人物の前方への動きのリズムが完全に伝わる、実物よりも大きな像「歩く男」を制作しました。 このリズムは最終的に、人の動きと体力が増し、現実の生活に向けて上昇していく感覚を生み出します。 荒々しく重い手は美しく彫刻されており、闘争の力、怒り、不屈の決意など、新たな力で満たされているかのようです。

1905 年、ゴルブキナはカール マルクスの胸像を完成させました。 アンナさんは、マルクスの肖像画で「苦闘するのではなく、人類生活の新時代を象徴する彼の思想の肯定的な始まりを与えたかった」と語った。

労働者とのコミュニケーションにより、ゴルブキナはロシア革命運動に積極的に参加するようになった。 彼女は1907年3月に逮捕され、同年9月12日に裁判が行われた。 ゴルブキナは要塞での投獄を宣告された。 しかし、弁護士が法廷で被後見人が病気であると告げたことにより、この状況は救われた。 弁護士の言葉が真実であると確信したゴルブキナは釈放される。

その後、彼女は主にザライスクに住んだ。 1910年になって初めて、ゴルブキナはモスクワのボリショイ・レフシンスキー通りにある良い工房と2つの小さな部屋を借りることができ、そこで姉と姪のV・N・ゴルブキナと一緒に暮らした。 アンナ・セミョノフナはここで死ぬまで働きました。

1906 年から 1912 年にかけて、彫刻家は一連の作品を制作しました。「子供」（1906 年）、「囚人」（1908 年）、「遠くの音楽と光」（1910 年）、「二人」（1910 年）、「ダル」 （1912年）、「睡眠」（1912年）では、風景環境が象徴的に抽象化されています。

1912 年、ゴルブキナは 3 世代を象徴的に描いた「座る男」と名付けた彫刻を制作しました。

ルキヤノフはこう書いている。

「中央 - ロシアが長年眠っていたように年配の女性が疲れて深い眠りに就いており、右側 - 若い女性が不安で浅い眠りで今にも起きようとしている、そして左側 - 子供頭を上げて、まるで新しい明るい人生の夜明けを見るかのように、楽しそうに前を向いています。」

ゴルブキナは木を扱うのが大好きでした。 この作品における彼女の最初の体験は、900 年前に遡ります。 しかし、巨匠の最も重要な作品は 1909 年から 1914 年に遡ります。「奴隷」（1909 年）、「人間」（1910 年）、「カリアティード」（1911 年）、A. レミゾフと A. トルストイの肖像画（どちらも 1911 年）、V.エルン (1914)、「ああ、そうです...」 (1913)。

A.V.バクシンスキーの観察によると：

「...この木は、ゴルブキナが新しい彫刻言語、つまりシンプルで表現力豊かで力強い言語を見つけるのに役立ちました。 本物の素材への転換の結果は、ゴラブキンの粘土で描いたスケッチや習作と木で完成した作品を比較すると、特に説得力があります。 これは新たな品質への決定的な飛躍です。 」

ゴルブキナは、彼女の最高の肖像画の 1 つである A. N. トルストイの胸像で、当時まだ比較的若かった作家のイメージを再現しています。 アレクセイ・トルストイのわずかに上がった頭には、作家の偉大な内なる知性が伝わり、同時に官能性やある種の傲慢さなどの特徴が、重く半分下がった、ふっくらとした滑らかな顔の特徴に見られます。まぶた。

1914 年に第一次世界大戦が始まりました。 ゴルブキナは負傷者を助けたいと考え、戦争傷病者の雇用のための資金を集めるためにモスクワ美術館で作品の展覧会を開く。

展示会の成功は疑いの余地がありませんでした。 展覧会が閉幕する前でさえ、彫刻家は現役の軍隊にいた学生コンドラチェフに、「1万1千人」の来場者があり、これにより約5千ルーブルのコレクションが生まれるだろうと手紙を書いた。 この展覧会は当時の美術評論家から非常に好評でした。

1914年半ば、ゴルブキナは重篤な病気になり、病院に行きました。 1915年から1921年まで、アンナ・セミョノフナは重病のため仕事をしていませんでしたが、活動的でないことが彼女を苦しめ、小さな彫刻の制作を始めることにしました。

彼女は、美術技術ワークショップのインストラクターである S. F. ボブロワに、カメオの制作技術を教えてほしいと依頼しました。 そしてここで彼女は素晴らしい技術を達成しました。彼女の象牙と貝殻のカメオは本物の芸術作品です。

彫刻家 S.R. ナドルスキーはゴルブキナのカメオ出演について次のように書いています。

「『ロシアン・ジェム』に贈られたミニチュアも私を驚かせました...これらはわずか5センチメートルの大きさの人物でしたが、特に全体的な比例感と生命力に感銘を受けました...これらのミニチュア作品のテーマは注目すべきですそれはソ連の若者の新しい生活様式だった。 すべてのフィギュアは喜びと生命力に満ちており、柔らかい素材で作られていました...」

1918 年から 1920 年まで、ゴルブキナは自由州ワークショップで、1920 年から 1922 年までモスクワ高等州芸術および技術ワークショップで学生にクラスを教えました。

1922年10月、ゴルブキナは彫刻家ショールのアートスタジオに移りました。 彼女の病気は再び悪化し、手術を受けなければならなかった。

1923年、ゴルブキナはA. N. オストロフスキーの記念碑のコンペに参加し、3位を受賞しました。 1925 年、アンナ セミョノフナは大理石で浅浮き彫り「母性」を制作し、1926 年にはレフ トルストイ美術館の依頼で、V. G. チェルトコフの胸像の制作を開始しました。

1927 年の初めに、彼女はロシアの自然と祖国の若者を擬人化した少女の詩的なイメージを作成し、この人物を「ベリョーシカ」と呼びました。 同年、トルストイ美術館はこの彫刻家にレフ・ニコラエヴィチの肖像画の制作を依頼した。

「ゴルブキナは1903年にトルストイを訪ね、彼と話をした」とルキャノフは書いている。 - 彼女はいつものように率直に、彼の意見に同意しないことを表明した。 彼らは口論し、彼女は彼に厳しく言いました、そして二度目に彼のところに来たとき、ソフィア・アンドレーエヴナはレフ・ニコラエヴィッチが病気であると言いました。

この出会いから 24 年が経った今、彼女はトルストイの肖像画を描き始めます。 私は実物よりもはるかに大きなポートレートを作成することにしましたが、これには非常に体力が必要でした。 ゴルブキナはその時すでに63歳で、病気を患っていた。 彼女は 4 つの選択肢を出しますが、それらは彼女を満足させません。 彼女はトルストイに素晴らしい芸術家であり、強力な才能を持った作家を与えたかったが、彼女は成功した。 彼女は、保存されている 5 番目のオプションで停止します。

トルストイの中で彼女はロシアの天才の力を伝えた。 トルストイの姿は大きくて力強く、彼の目は目の前にあるものを鋭く突き刺すようです。」

ゴルブキナは、「トルストイは海のようだが、彼の目は狩られたオオカミのようなものだ」と語った。 トルストイの肖像画は傑出した作品であり、彼の最高の肖像画の 1 つです。

1927年9月7日、ザライスク市でアンナ・セミョノフナ・ゴルブキナが亡くなった。 彼女はザライスク市の墓地に埋葬された。