Любой, даже самый мастерски исполненный рисунок можно испортить неправильной композицией. Композиция — это не только умение грамотно расположить объекты в плоскости рисунка, объединить их в единое целое, но и умение заинтересовать зрителя, привлечь его взгляд к своей работе. Чаще всего художник находит правильную композицию по наитию, это надо чувствовать, но это не значит, что этому нельзя научиться.
Работу над композицией рисунка всегда нужно вести с учетом особенностей человеческого восприятия. Глазу человека необходимо перемещаться по картинной плоскости. Поэтому художники создают для глаза определенный «маршрут», похожий на простые геометрические фигуры. Для примера приведу великие шедевры мировой живописи.

Как правило, в рисунке существуют смысловые точки, за которые цепляется глаз человека — в первую очередь привлекает внимание композиционный центр (о нем чуть позже), затем общее пространство, перспектива, конкретные детали и фон.
В этом уроке я решила использовать работы из Галереи сайта. Мне кажется, что на работах обычных людей, а не великих классических художников, объяснение будет более понятным. Заранее благодарю авторов и надеюсь, что никто не будет против.

В композиции существует три основных закона:

1) Закон цельности и неделимости

Это значит, что ваш рисунок должен восприниматься цельно независимо от количества изображенных на нем объектов. Здесь очень важно именно расположение объектов. Каждый из них производит на человека свое впечатление, и если их не упорядочить — рисунок будет носить хаотичный характер, раздражать и снизит общий эффект от рисунка. Все элементы должны быть связаны по смысловому и пространственному расположению, композиции следует быть разнообразной, но не пестрой. Приведу примеры:

Рис 2. Правильно: пример из классики.
Голландские натюрморты всегда отличались большим количеством изображенных предметов, выписанных с фотографической тщательностью. И, тем не менее, художники умело объединяли работу цветом и тоном в одно целое.

Рис. 2-2. «Клан Льда, Морозная фея (волшебница)», Sweezar.
Верно. Несмотря на большое количество деталей, работа так уравновешена, выстроена и сгармонирована по цвету, что смотрится единым целым.

Рис 2-3. (Sorry, я не в курсе, чья это работа) .
Неверно. Вроде глаз должен смотреть на персонажа, но слишком яркое белое пятно света, узор в левом нижнем углу и хаотично разбросанные по фону перышки отвлекают и не дают сосредоточиться на главном.

2) Закон контраста

Какие существуют виды контрастов? Правильно. Контраст величин (маленькое-большое), цветовой контраст, тональный (светлый-темный), даже смысловой контраст. Контраст помогает выделить главное, создать общее настроение рисунка. Контраст — это очень хорошее средство сделать свой рисунок более выразительным. Если все объекты будут выполнены на нюансах (одинаковый размер, одно цветовое решение, близкие по тону), глазу зрителя будет просто не за что «зацепиться», он не увидит и не поймет главного. (хотя и здесь есть исключения, но об этом нужно писать урок цветоведения)

Рис.3. «Красные цветы», Corvus_SS.
Цветовой контраст. Черный и красный — один из самых проверенных временем цветовых сочетаний. Тем более что работа в общем монохромная, и красный цвет очень контрастирует с общей цветовой гаммой. Очень яркий контраст, с помощью которого передаются эмоции и настроение работы.

Рис. 3-1. Акцентирует внимание.. .
Контраст величин. Ну я думаю тут и так все понятно. Человеческому глазу абсолютно неинтересно, когда на рисунке все объекты одной величины. Такой рисунок не привлечет внимания и быстро наскучит. Поэтому необходимо выделять главное за счет контраста величин.

Рис. 4. «Демоны», Rainov13.
Смысловой контраст. Ну например вечный принцип «Красавицы и Чудовища». Вы ведь замечали, что на фоне безобразного еще более четко заметна красота, в темноте сильнее и ярче горит свеча…
Вот пример. Если поместить в рисунок толпу гламурно-стразинковых девушек на попсовой вечеринке, а на их фоне — мрачного готика, кто по вашему в первую очередь привлечет внимание? Правильно, тот кто по общему смыслу туда не вписывается.
Это и есть смысловой контраст. Надо отметить, очень интересное и «сильнодействующее» средство.

3) Закон подчиненности всех элементов и средств композиции единому замыслу

Композиция всегда должна выстраиваться вокруг главного объекта или действия. Все второстепенные элементы должны подчиняться, не должны отвлекать внимание или быть лишними (необязательными). С помощью второстепенных предметов взгляд человека должен постоянно направляться к главному. Они должны, как я уже говорила, словно по определенному маршруту вести взгляд зрителя к смысловому центру композиции.

Чтобы сделать хорошую композицию, существуют определенные правила и приемы.

— Ритм.
Это может быть, к примеру, ритм повторяющихся (в меру) цветовых пятен, фигур, расположенных на определенной «линии», которая ведет глаз к композиционному центру.

Рис. 5. «Трое», Chernaya Bandana.
В этой работе ритм черных пятен, по которым глаз движется по картине. Этот ритм не дает человеческому восприятию заскучать на этом рисунке.

Рис. 5-1 «Человечность», neod.
На этой работе есть определенный ритм фигур. Оба примера монохромны, но не забывайте, это правило относится и к полноцветным работам.

— Композиционный центр.
Именно там расположено самое главное, то, ради чего собственно и затевался весь этот рисунок. Смысловой центр… Как правило, он располагается на втором плане. На первом располагаются объекты (фон, абстрактные узоры, второстепенные персонажи, пейзаж), которые как бы «вводят» взгляд зрителя в рисунок, плавно подводят его к главному. Этот центр может выделяться многими средствами, о которых было сказано выше.

Рис. 6. «Скакалка», Булгакова Татьяна.
Здесь центром является фигурка. Взгляд зрителя к ней ведут не только линии, фон, но и то, что центр композиции выделен тональным контрастом, т.е центр композиции выделен более светлым пятном.

— Статика и динамика.
В композиции может быть движение, а может его и не быть. Это зависит опять-таки от замысла художника. Статичные объекты создают состояние покоя, или мертвой тишины. Кому что нужно. Тут проще. К статичным объектам хорошо применяется правило вертикаль/горизонталь, но о нем чуть позже.
Если в рисунке присутствует ярко выраженная динамика, то тут нужно запомнить одно — всякому движению необходимо противодвижение. Это уравновесит рисунок, чтобы не было впечатления того, что предмет «падает» или. «вылетает» за пределы рисунка.

Рис. 7. «Вишневый демон», Corvus_SS
Статичная композиция. В ней не ярко выраженного движения.

Рис. 7-1, «RAH TILT!», № 400.
В композиции четкая динамика, сильное движение. Тем не менее все уравновешено, движению есть «противодвижение».

— Принцип вертикали и горизонтали.
Тут тоже все несложно. Рисунок может выстраиваться на сочетании вертикальных и горизонтальных объектов (или направлений). Главное чтобы они были уравновешены. Чтобы не получилось так, что в рисунке одни вертикали или наоборот. Человеческий глаз должен двигаться по картине, объекты создают маршрут движения. Если вертикали не уравновесить, глаз просто в них завязнет, не сможет пройтись по всему рисунку, то есть все старания художника пропадут даром.
В работе может быть одна очень сильная вертикаль/горизонталь или несколько менее сильных.
Рис. 8. «Мотыльки», Corvus_SS.
Прекрасный пример. Здесь есть очень сильная вертикаль (фигура), которая уравновешивается несколькими горизонталями.

— Формат.
В композиции нет мелочей. Все должно быть продумано, и, конечно же, формат рисунка. Он производит, скорее, психологическое, нежели художественное впечатление. Квадрат (или приближенный к квадрату прямоугольник) — создает ощущения надежности, покоя, стабильности. В квадрате хорошо рисовать портреты, статичные спокойные работы.
Формат, более вытянутый по горизонтали, подходит для панорамных пейзажей, либо какие-то стремительные действия — битвы, полет… В таком формате редко используются крупные планы лиц, портреты, чаще — целые фигуры. Этот формат более приземленный.
Формат, вытянутый по вертикали — более легкий, летучий. Я бы даже сказала торжественный. В него идеально вписывать фигуры людей.

Это краткие основы композиции академического рисунка. Эти правила можно использовать в любой манере и технике рисования.
Совет — выберите одно-два средства, приема и пользуйтесь только ими. Не перегружайте рисунок, это не улучшит его, а только создаст ненужный хаос.
И еще одно — нужно помнить всегда, что правила созданы для того, чтобы их нарушать. Главное для художника — на создать картинку по шаблонной схеме, а сделать красивую гармоничную композицию.
Надеюсь, что помогла вам хоть немного.

Если мы будем знакомиться с работой литератора, режиссера, композитора или художника над созданием произведений, то постоянно будем сталкиваться с термином «композиция».

Что же такое композиция? Слово «композиция» пришло к нам из латинского: оно переводится как сочинение, соединение, составление, расположение, связь. Поэтому компоновать - значит строить изображение, т. е. располагать основные его части и элементы по определенной системе, подчинять отдельные разрозненные детали целому.

Первоначально это понятие применяли в архитектуре, затем распространили на музыку, живопись, литературу и другие виды искусства. Поскольку основным средством выражения содержания любого произведения является художественный образ, композиция нацелена на то, чтобы наиболее ярко и полно раскрыть этот образ.

«Сочинение является главной задачей художника, ибо в нем одном сказывается вся его душа и все знания его. Сочинение есть мудрость, с которой художник находит выражение мысли своей». Эти слова из руководства Российской академии художеств XVIII в. очень близки и нам.

Повсюду в окружающей нас природе объективно существуют композиционные начала. Всматриваясь в листья и цветы, ветви деревьев, окраску насекомых, строение кристаллов, пропорциональный строй человека и животных, мы можем найти различные закономерности и ритмическую последовательность, организующие единый стройный образ.

Художник, всматриваясь в природу и находя многообразие принципов организации объектов реального мира, подчиняет их своим целям. Поэтому любое произведение искусства есть рукотворное повторение природы, созданное сознанием и чувствами человека. Даже любой рисунок или этюд с натуры несет в себе глубокие композиционные начала, являющиеся итогом большой подготовительной работы.

Вопросы композиции волновали художников и педагогов всегда. В Российской академии XVIII в. существовали правила «высокого штиля», выведенные на основе изучения работ великих мастеров. «Правило требует, чтобы фигуры занимали три части картины, четвертую же разделить на три части, из коих две должно оставлять над фигурами, а третью под ногами оных. Сия последняя часть и составляет первый план», «…надлежит изъявлять лучшие части фигур, делая из них, целых и частей их, образ пирамиды…».

Но созданная по этим принципам любая картина напоминала театральную сцену. Причем каждый план играл свою роль. Например, первый план - введение к главному действию, второй план - главное действие и т. д.

Идеал совершенства художники искали в слепом подражании классикам. Догматический подход к композиции привел к отказу от познания живой реальности. Конечно, против такого подхода выступали передовые мыслители и художники. В. Гете писал: «Композиция! Как будто это пирог или бисквит, который приготовляют, смешивая яйца, муку и сахар! В духовном творении части и целое слиты вместе, проникнуты единым духом и овеяны дыханием единой жизни, причем созидающий его не идет путем сложения кусочков по своему произволу».

В XIX в. прогрессивные художники уже отказались от этих штампов. Они познавали реальную жизнь и изображали ее с позиций современника. Так, П.П. Чистяков учил своих учеников рассматривать композицию как познание реальности через образ.

Иногда в среде художников появляются мнения, что творческий процесс в искусстве строится лишь на интуиции и не доступен изучению ввиду своей индивидуальности. Очень хорошо по этому поводу сказал В.А. Фаворский: «Говорят, что нет законов композиции, путая их с правилами. Правил, конечно, нет и не может быть, а законы, конечно, есть. Каким! образом творение, основой которого является мысль, воплощенная в материале, может не обнаружить законов, по которым оно создается и живет? Раз есть цель и есть условия, то есть и законы, и открывая эти законы в классическом наследии прошлого, можно учиться, только нельзя превращать эти законы в правила. Законы живут, правила неподвижны».

Художник воспринимает окружающую его жизнь как бы в двух аспектах: смысловом и пространственно-пластическом. Он совмещает в себе творца и зрителя. Каждая линия, проведенная им, остается на бумаге или отбрасывается благодаря рассудочным оценкам мышления или его эмоциям.

Практически вся трудовая деятельность человека протекает при участии, глаз, которые работают в среднем 15-18 часов в сутки.

Ученые считают, что процесс зрительного восприятия состоит из двух частей:

1. образование плоского, т. е. двухмерного, изображения на сетчатке глаза;
2. воссоздание трехмерного облика внешнего пространства.

Исходя из этого, композицию как форму образного представления реального мира в изображении можно условно разделить на две части: линейную и тональную.

Рассматривая любой объект, глаз человека двигается в направлении каких-либо воображаемых линий. Эти линии обычно начинаются в местах, несущих важную информационную нагрузку. Направления могут быть различные. Они могут пересекаться между собой. В точках пересечения глаз останавливается и меняет направление движения. Глядя на картину, мы часто находим эти «направляющие» глаз линии. Можно легко установить определенную схему изображения в картине. Эта схема и является основой линейной композиции.

Схемы линейной композиции могут быть различны. Надо помнить, что вертикальная линия, поставленная на горизонтальную, создает впечатление устойчивости и статики, горизонтальное направление - тишины и неподвижности, диагональное движение - динамичность, направленность движения. Наибольшую устойчивость дает композиция, вписанная в треугольник.

Конечно, каждый человек чувствует эту ритмику композиции по-разному в силу своих индивидуальных особенностей. Поэтому не следует подгонять композицию под какую-нибудь определенную схему. Но все композиционные поиски должны быть построены не только на одной интуиции. Чтобы сделать хорошо продуманное, глубокое изображение предметов на плоскости, надо знать законы композиции. Основа любой композиции строится на законах равновесия основных масс плоскости. Эти законы особенно наглядно можно почувствовать на основе тоновых пятен. Тональная композиция несет информацию о различных массах пятен в картине и о значении этих пятен для достижения основной идеи изображения.

Все элементы в художественном произведении должны быть распределены так, чтобы в результате получался эффект равновесия. Равновесие - это такое расположение элементов композиции, при котором каждый предмет находится в устойчивом положении. Форма, расположение, направление масс в уравновешенной композиции взаимно обусловливают друг друга. Невозможно изменить ничего в отдельных частях. Единый, цельный организм изображения нуждается во всех частях, его составляющих.

Любое пятно изображения имеет определенную «тяжесть». Эта «тяжесть» в композиции зависит от месторасположения изобразительного элемента. Чистая изобразительная плоскость подобна гладкой поверхности воды. Каждая линия на изобразительной плоскости, каждое пятно подобны камню, брошенному в воду. Нарушается покой плоскости, мобилизуется пространство, и от того, как оно мобилизовано, зависит, какой образ возникнет на изобразительной плоскости.

Поэтому плохо скомпонованный рисунок , где художник не добился равновесия и гармонии между изображением и полями, кажется прерванным, незаконченным. Отдельные элементы такой композиции стремятся изменить свое место и форму, чтобы занять более удобное положение. Возникает неопределенность композиционного образа, его временность.

Остановимся на особенностях визуального восприятия человеком отдельных пятен на изобразительной плоскости. Любое пятно в верхней части тяжелее пятна, расположенного внизу. Пятно справа от центра имеет больший вес, чем пятно слева. Тяжесть пятна зависит от его размеров и цвета. Яркие цвета всегда тяжелее. Например, голубой цвет легче красного и т. д. При равных цветовых условиях предмет больших размеров всегда тяжелее. Чтобы возникло равновесие на белом листе бумаги, площадь темного пространства должна быть большей, чем белого. Тяжелее предмет кажется на ровном фоне, вдали от других предметов. Например, солнце на безоблачном небе весомее, чем среди облаков. Правильная геометрическая форма тяжелее, чем неправильная. Вертикально расположенные формы кажутся более тяжелыми, чем наклонные. Как уже говорилось ранее при рассмотрении линейной композиции, различные направления навязывают глазу свое движение и таким образом влияют на равновесие.

Если на очень вытянутой изобразительной плоскости с ярко выраженным горизонтальным направлением появляются другие небольшие направления, то они подчиняются тяжести горизонтального направления. Часто в композиции создаются направленные силы движения. Например, исходящей будет восприниматься линия движения, если одна ее точка совпадает с точкой опоры предмета, т. е. как бы «закреплена» там. Это можно легко проверить на примере дерева. Форма ветки дерева всегда будет стремиться не к стволу, а к своим тонким концам.

Таким образом, в композиции возникают сложные отношения между тяжестью пятен, их месторасположением и основными направлениями. Художник, компонуя, использует различные комбинации и создает несколько различных изображений, которые, сравнивая между собой, отбраковывает, уточняет и дополняет. Например, тяжесть, образованная цветом, может уравновешиваться тяжестью, созданной месторасположением, и т. д. Если в художественном произведении все эти отношения очень сложны и многолики, оно интереснее, оживленнее, эмоциональнее воспринимается. Все это подтверждают психологи, своими опытами выявляя особенности человеческого глаза.

Мы знаем, что нижняя часть зрительно воспринимаемого предмета тяжелее. Попробуйте разделить строго вертикальную линию пополам на глаз. Проверьте после этого, и окажется, что нижняя половина больше верхней. А теперь с помощью чертежных инструментов найдите центр. Нижняя половина будет восприниматься глазом короче верхней.

Архитекторы эту особенность человеческого глаза применяли очень давно. Достаточно проанализировать месторасположение окна - «розы» на фасадах готических соборов.

Другая особенность человеческого глаза - восприятие левой и правой стороны. Как уже говорилось, любой изображаемый предмет выглядит тяжелее, если он находится в правой части картины. Сравните два изображения картины Рафаэля «Сикстинская Мадонна» - нормальное и перевернутое. На перевернутом положении картины фигура монаха становится тяжелее, и композиция «опрокидывается».

Любую картину мы воспринимаем слева направо, аналогично чтению книги. Ученые это связывают с подавляющим господством левого полушария коры головного мозга над правым, в котором, если человек не «левша», содержатся высшие мозговые центры - речи, письма, чтения. Интересные исследования работы правого и левого полушарий головного мозга человека ведутся в лаборатории физиологии зрения Института физиологии им. И.П. Павлова РАН.

Более отчетливым мы видим правую часть изображения. Глаз же человека всегда привлекает внимание предмет, наиболее выделяющийся из других окружающих его предметов. Рассматривая изображение, глаз скользит от места, впервые привлекшего внимание, к пространству наиболее отчетливого восприятия.

Немецкий психолог Макс Вертхеймер, который занимался психологией искусства, на основе проведенных экспериментов сформулировал законы группирования различных изображений на изобразительной плоскости. Он выдвигает два принципа, по которым группируются предметы: принцип подобия и принцип «согласующейся формы».

Характеризуя принцип подобия, Вертхеймер поясняет, что чем больше части какой-либо зрительно воспринимаемой модели похожи друг на друга по какому-либо качеству, тем сильнее они будут восприниматься как расположенные вместе. Подобие может быть по размерам, форме, тону или цвету, по месторасположению, а также по движению.

Принцип «согласующейся формы» можно охарактеризовать так: чем более согласована форма, тем с большей готовностью она выделяется из окружающей среды.

Итак, подводя итоги, можно сказать, что композиция строится на основе закона равновесия по принципу симметрии, когда предметы будут иметь одинаковый вес и уравновешены относительно центра изобразительной плоскости на основе закона равновесия по принципу асимметрии и на основе закона гармонических сочетаний, движений и ритмов. Поэтому простое фотографическое изображение предметов очень опасно, особенно начинающему художнику, тем, что не дает никаких творческих открытий. Очень важны выбор центра композиции на основе психологических особенностей нашего зрения, а также определение размеров изображения.

В композиции важно не только группировать предметы, но и учитывать свободные места, которые должны восприниматься в качестве ритмических интервалов и пластического неравенства объемов и масс. Это свойство композиции наглядно иллюстрируют наши древние иконы, где найдена гармония между изображением и свободными полями.

Работая над композицией, не следует искусственно подгонять ее под какую-либо определенную схему. Схема должна играть служебную роль. Если схемы обнажаются и довлеют при восприятии, то изобразительные средства начинают господствовать над содержанием. Нам будет скучно смотреть на такой рисунок.

Леонардо да Винчи писал, что в хорошей живописной картине распределение, или расположение, фигур должно быть «произведено в соответствии с тем событием, которое ты хочешь изобразить». Поэтому главным остается всегда то, что хотел сказать своим произведением художник. Главное в композиции натюрморта - чтобы достигались целостность изображения. соразмерность частей, подчиненность деталей, продиктованная содержанием.

Компонуя, нужно много искать, переделывать, экспериментировать, сравнивать. «Работа над композицией должна проходить как процесс реализации, уточнения, обогащения, дальнейшей логической всесторонней разработки первоначальной идеи», - писал советский художник, действительный член Академии художеств Ю.М. Непринцев.

Знакомства с законами композиции недостаточно для создания совершенного натюрморта. Можно прекрасно знать законы и не уметь применять их в своем рисунке. Приемам композиции надо учить. К сожалению, в учебных заведениях этому уделяют меньше внимания, чем хотелось бы. Подразумевается, что если ученик умеет профессионально и грамотно воспроизводить на бумаге видимый им предмет, то при определенных усилиях со стороны педагога его можно научить собирать изображенные предметы в группы, т. е. компоновать.

Конечно, основа творчества - в художественном видении. «Для художника творчество начинается с видения, видеть - это уже творческий акт, требующий напряжения», - писал А. Матисс. Одаренный ученик быстро схватывает основы художественного восприятия, но научиться художественно видеть должен каждый, а если этих качеств нет, - необходимо развить их.

Чувство композиции - самая основная часть художественного видения Ван Гог писал: «…я не выдумываю картину, а, наоборот, я нахожу ее в при роде готовой, хотя и требующей раскрытия». Самостоятельные упражнения - самый эффективный прием в обучении изобразительной грамоте. Чтобы закрепить знания законов композиции, необходимы упражнения, цель которых - развить композиционные навыки учащихся.

Упражнения могут быть очень простые, краткосрочные, но обязательно нести большую информацию о том или ином законе композиции Их можно проводить перед выполнением длительной работы или прерывая ее на каком-то этапе. На занятиях, в классе или дома, главное, чтобы эти упражнения шли по строго продуманной системе от простого к сложному и подкрепляли материал, выполняемый ранее. Время, затраченное на упражнения, может быть от 1-2 до 5-10 минут.

Прилагаем примерный план композиционных упражнений, развивающих композиционные навыки.

В этом уроке вы будете практиковаться рисовать натюрморт с помощью уже знакомых простых геометрических объектов.

Натюрморт - это композиция из нескольких объектов. Композиция это такое соединение элементов которое дает ощущение единого целого. Обратите особое внимание на размещение объекта внутри рисунка с самого начала. Должен существовать баланс между нарисованными объектами и пространством вокруг них. Другими словами, нарисованные объекты не должны быть слишком маленькими или слишком большими, "падать" с бумаги или быть смещены влево или вправо. Это первый этап в рисовании натюрморта. Следующей важной частью являются пропорции объектов. Пропорции являются взаимосвязью между двумя или более величинами. Обратите внимание на взаимосвязь между размерами и формами. Уделите время для определения взаимосвязи между объектами. Всегда работайте параллельно, изображения должны "проявляться" как на картинке Polaroid.

Композиция в Рисунке

Композиция является сложной и важной темой в живописи, и приводимые ниже примеры являются ни в коей мере исчерпывающими.

Рисунок из видео. Считаете ли вы, что композиция сбалансирована? Вы можете задать себе следующие вопросы во время рисования:

* Будет ли перемещение объектов влево/вправо/вверх/вниз давать более сбалансированное изображение?
* Будет ли «увеличение» или «уменьшение» масштаба на картине делать её более сбалансированной?
* Сбалансированы ли пространства между объектами?

Нажмите, чтобы увеличить изображение

Перед началом работы над рисунком возьмите чистый лист бумаги необходимого в соответствии с задачами изображения размера, прикрепите его к мольберту, заточите карандаши, никак не забывая о спасительном средстве при неудачах — резинке, и т.д. Перед вами натурная постановка, которую необходимо воспроизвести на бумаге. На листе в данное время ничего нет, кроме плоской и пустой белой поверхности. Ее предстоит заполнить образом натурной модели.

С чего же все-таки начинать работу? Конечно же, с размещения изображения именно на плоском формате бумаги. Казалось бы, начинай рисовать с какого-нибудь края модели, а дальше продолжай и, разумеется, следи, чтобы рисунок не становился большим или маленьким. Но не тут-то было: изображение не получилось сразу как надо, ибо в этом месте что-то не так, а в том размер оказался чуть больше, и т.д.

Композиция рисунка, проще — компоновка, — тоже искусство. Здесь требуется точно, выразительно расположить изображение в пределах формата. Нужно помнить, что от характера натуры зависит выбор формата, т.е. как расположить саму бумагу — по вертикали или горизонтали (на квадратных форматах в учебной практике почти не рисуют). Далее, каждый, кто начал рисовать, может наблюдать интересное явление, возникающее при восприятии картинной плоскости (так называют любую изобразительную плоскость),— несовпадение зрительного центра с геометрическим центром листа бумаги или холста , натянутого на подрамник и загрунтованного для работы на нем красками. Начнем убеждаться в этом на следующем примере. Если согнем лист пополам по горизонтали, то увидим, что верхняя половина кажется большей, хотя знаем, что они абсолютно равны. Если же согнуть другой лист на две половины уже по вертикали, то покажется, что левая половина чуть больше. В чем же дело? В той особенности нашего зрения, которая вызвана психологией восприятия изображения более тяжелого, например по весу, внизу и более просторного справа. Нам легче посмотреть вниз и вправо, нежели наоборот. В связи с этими свойствами зрительного восприятия находится компоновка изображения, и об этом нужно помнить постоянно.

Но есть еще одна особенность нашего зрения, которая, вероятно, не возникла как результат мыслительной деятельности человека, а существует изначально, потому что она явилась следствием созданного самой природой таинства: от строения микрочастиц до ее венца — человека. Это основа прекрасного — гармония, о которой очень проникновенно говорил автор труда «Десять книг о зодчестве»: Леон-Баттиста Альберт и, старший современник Леонардо да Винчи: «Есть нечто большее, слагающееся из сочетания и связи этих трех вещей (числа, ограничения и размещения), нечто, чем чудесно озаряется весь лик красоты. Это мы называем гармонией, которая, без сомнения, источник всякой прелести и красоты. Ведь назначение и цель гармонии — упорядочить части, вообще говоря, различные по природе, неким совершенным соотношением так, чтобы они одна другой соответствовали, создавая красоту... Она охватывает всю жизнь человеческую, пронизывает всю природу вещей. Ибо все, что производит природа, все это соразмеряется законом гармонии. И нет у природы большей заботы, чем та, чтобы произведенное ею было вполне совершенным. Этого никак нельзя достичь без гармонии, ибо без нее распадается высшее согласие частей».

Не будет никакой ошибки, если скажем, что человеческий глаз стремится видеть окружающий мир в пропорциях так называемого «золотого сечения», и это стремление подкрепляется нашей врожденной способностью. Ведь каждый из нас несет в себе все осуществленные природой пропорции «золотого сечения» как в целом (работа мозга, сердца, режимы труда и отдыха), так и в частях (строение глаза, пропорции частей лица, руки, кисти и всего тела).

Человек и в прошлом, и ныне пользуется при создании гармонических произведений (строительных сооружений, статуй, фресок, росписей, картин и т.д.) многими пропорциями. Среди них «золотое сечение » имеет удивительные свойства: меньший отрезок так относится к большему, как больший ко всему Целому (иными словами, суть пропорции в том, что она отвечает такому делению целого на две части, при котором отношение большей части к меньшей равно отношению целого к большей части). Название рассматриваемой пропорции дал Леонардо да Винчи.

«Золотое сечение» не проявляется само по себе в композиции картины или рисунка. Здесь эту пропорцию соблюдает сам художник, ибо форма, в основе построения которой лежат сочетающиеся симметрия и «золотое сечение», становится по-настоящему организованной, способствующей наиболее ясному выражению содержания, легкому зрительному восприятию и ощущению красоты. Следовательно, при хорошем знании теоретических принципов «золотого сечения» можно смело использовать его в изображении (о том, как применять знаменитую пропорцию непосредственно в композиции рисунка, на страницах учебника будет сказано далее).

В решении задач расположения изображения на бумаге помимо проявляющихся особенностей нашего зрения и врожденного чувства пропорций нужно обучаться способности видеть композиционно. Что это такое? Вспомним, как, рассматривая что-нибудь, мы вынуждены переводить взгляд и на окружающую среду, тем самым соотнося с нею заинтересовавший нас предмет. Вот здесь и кроется начало композиционного восприятия, ибо главный объект нашего зрительного интереса находится в центре внимания, а окружение необходимо для определения предмета и его места в нем. Но еще лучше композиционность проявляется, когда перед глазами есть два или три предмета, расположенные так, что приходится выбирать при их рассматривании некий промежуточный центр внутри поля ясного зрения, чтобы охватить взглядом все увиденное в совокупности и таким образом объединить его композиционно. Умение видеть композиционно следует развивать, так как с самого начала занятий по рисованию все воспринимаемое нужно мысленно заключить в какое-то обрамление. Это означает, что «рамочное видение» образовалось вследствие работы с прямоугольными форматами бумаги. Формат тоже влияет на рисующего, дисциплинирует его, способствует собранности и постепенно приводит ко все более удачной компоновке изображений.

Итак, компоновку рисунка помогает продумать не только натурная постановка, но и выбранный формат бумаги. После этого нужно стараться выработать в себе способность мысленно представить будущее изображение на бумаге, т.е. увидеть его как бы уже готовым, причем даже в предполагаемой технике исполнения. Разумеется, не скоро вырабатывается такая способность, но если подойти к этому неординарно, с верой в свои возможности, то добиться его вполне по силам каждому.

Приступая к компоновке на листе, не торопитесь поскорее увидеть свой рисунок воочию, потому что неминуемо допустите композиционные ошибки. Компоновку следует начинать с общего вида натуры. Под этим подразумевается намеченный на бумаге легкий карандашный силуэт. Конечно, слово «силуэт» здесь не следует понимать в его настоящем значении. Так мы называем очерченное легким контуром плоское пятно чистой бумаги, очень отдаленно похожее на рисуемый с натуры предмет.

Начало работе положено, так как силуэт (плоское пятно) появился благодаря уже определенной вами композиции рисунка. Еще раз напомним, что натурная постановка сама в какой-то степени подсказала вам компоновку, а также ваша способность видеть композиционно. Следовательно, сам силуэт обозначил композицию будущего изображения.

После определения композиции силуэтом начинается работа, связанная с построением линейно-конструктивной основы предмета либо группы предметов. При уточнении самой композиции изображения рисующий должен осознать взаимосвязь всех деталей постановки и показать их вспомогательными линиями. Без такого выявления карандашом каждой детали трудно и, пожалуй, невозможно понять особенности строения формы.

Одновременно с этим этапом определения формы нельзя забывать о выявлении в изображении перспективных отношений. Передача в рисунке пространства идет вровень с композиционным построением.

Подведем общие итоги. Всякий рисунок только тогда имеет право на свое название, когда он скомпонован. Латинское слово «composition в переводе понимается как «сочинение», «составление», «расположение». Применительно к рисунку с натуры должны быть понятны слова «расположение» и «составление». Следовательно, рисунок сначала нужно расположить (разместить) на формате бумаги, чтобы изображение было закомпонованным. Такая компоновка представляет изображаемые предметы плоскими пятнами (силуэтами) с их пропорциональными отношениями друг к другу и к плоскости листа.

В последующей работе можно применить в отношении изображения и понятие «составления» рисунка. Здесь рисунок «составляется» из взаимосвязанных объема и пространства, что достигается передачей светотеневых отношений.

Таким образом, композиция рисунка предусматривает отражение сознании рисующего направлений выбора оптимальных способов изображения видимого мира на плоскости.

Что мы можем видеть здесь – символы первого впечатления о картине. Нечеткие силуэты и тональности, которые первыми привлекают внимание к вызвавшей интерес картине, не подлежат обсуждению. Здесь я представляю шесть композиционных расположений, изображенных геометрически, но перед этим были проанализированы сотни рисунков мистера Уитни, чтобы эти композиционные подсказки могли подойти к различным темам и жанрам.

Это расположения, компоновки масс и форм для художников, которые чаще всего привлекают внимание. Они могут применяться для живописи на пленэре так же как и для рисования фигур. Обдумайте их, и может быть, они послужат источником вдохновения, когда вы возьмете в руки карандаш, кисть, стилус или компьютерную мышь.

Шесть распространенных композиционных положений

Темные силуэты на белом фоне
Светлые силуэты на темном фоне
Большой темный силуэт, маленький светлый силуэт, фон средней тональности

Общий переходный оттенок

Теперь попробуйте!

Композиция: правило трети

Находим визуальную золотую середину

Так уж случается, что когда вы разделяете ваши горизонтальные и вертикальные плоскости на трети, используя две параллельные линии в двух направлениях, на вашем художественном «игровом поле» происходит что-то интересное. Использование этой системы координат из девяти панелей впервые замечено в эпоху Возрождения.

В 1797 г. Д. Т. Смит писал о правиле третей для пейзажей в своей книге «Наблюдения о сельских пейзажах». Он настаивает на том, что 1/3 (одна треть) картины должна быть предусмотрена для земли и воды, а верхние 2/3 (две трети) должны быть использованы для воздуха и неба. Треть в основании, отведенная для земли и воды снова разделяется на трети, нижнюю треть занимает земля, и оставшиеся две трети – вода. Д. Т. «Антиквариат» Смит был современником английского акварелиста Джона Констебла (1776 – 1837).

• Пропорции по правилу третей напоминают пропорции по правилу золотого сечения и приближены к его математическому разделению.
• Получившиеся «золотые середины» в целом хорошо подходят для того, чтобы поместить основной фокус, изменения композиционных направлений, точки темного контраста или света, или другие интересные предметы.

Разделяем предметы

Используя всего 4 линии, создать систему координат из девяти панелей – это определение правила третей. Четыре получившиеся точки пересечения линий имеют особую важность и оказывают влияние на зрительное восприятие человека.

Построенная с помощью этой геометрии композиция должна вызывать всеобъемлющее чувство визуального удовольствия, острый интерес и определенное «чувство правильности».

Правило требует, чтобы вы поместили объект, вызывающий интерес, в одном из пересечений, которые я буду называть золотыми серединами, и организовали хорошую композицию, основываясь на этих ключевых точках.

С другой стороны, если вы пробуете рисовать скетчи и учитесь рисовать предметы, вы можете изображать в середине страницы столько, сколько хотите…

Середина? Нет

Если вы создаете композицию рисунка или картины, вы должны сделать ее интересной и, как минимум, немного увлекательной для наблюдателя.

Старайтесь не помещать ключевые объекты в середине картины. Композиция получается очень статичной, не вызывает каких-либо эмоций у наблюдателя.

Примечание : некоторые из вас увидят в этом «правиле» личное оскорбление их творческих прав и попытаются доказать мне обратное. Я тоже так делал.

Немного лучше

Резкие перемены происходят, когда мы передвигаем фокус в «золотую середину», в соответствии с правилом третей. Эти изменения представляют больший интерес благодаря тому, что они компенсируют точки фокуса сверху и слева. Это оставляет передний план для рассмотрения второстепенных объектов, таких как волны.

Но не совсем так. Линия горизонта лежит слишком близко к реальному горизонту.

Маяк

Резкие перемены… подождите, я это уже говорил. Я сопоставил дальнюю береговую линию с первым горизонтальным разделением и сдвинул изображение влево и вверх. Это обеспечивает более приятный для взгляда баланс, поэтому эта версия более динамична, чем версия номер 2.

В этом примере я перевернул классические разделения пейзажа Д. Т. Смита, используя нижние 2/3 (две трети) для земли и воды и оставляя 1/3 (одну треть) для воздуха и неба.

Применение правила третей при составлении ваших композиций может помочь вам избежать наиболее явных и очевидных дизайнерских ошибок.

Теперь попробуйте!

Композиция: правило «S»

Длинная и извилистая дорога

Изящная кривая – один из самых надежных способов вызвать интерес и добавить глубины в композицию пейзажа. Когда мы видим форму «S», в нашем поле зрения это обычно извилистая дорога, или дорожка в саду, или тропинка в лесу. Края кривой ведут нас прямо внутрь картины.

Дороги, тропинки, реки, ручьи и дорожки зовут нас за собой. Это то, что ведет людей.

Прямо и вперед?

Возможно, это самый быстрый маршрут, соединяющий две точки, но прямая линия шоссе не очень интересна. Она статична и не приглашает наблюдателя в композицию. Ваш взгляд двигается в том направлении, в котором его ведут прямые линии дороги. Нечего интересного. Очень прямо, но не завлекает.

Конечно, это может быть сделано так. Тогда вам нужно замедлить прогулку взгляда вдоль улицы с помощью элементов, которые привлекают взгляд. Или вы можете организовать значительную компенсацию в конце этой дороги, как например ковбой, скачущий по направлению к пылающему закату.

Воскресная поездка

Извилистая и закрученная форма «S» тянет вас за собой своей волнообразной формой. Старая тропинка или недавно вытоптанная, приглашает как минимум на воображаемую прогулку, вызывает желание немного заглянуть вперед.

Извилистая дорога зовет вас на экскурсию по остальной композиции, приглашая вас насладиться переплетением форм и элементов, находящихся в динамике композиции.

Тропинка

Это образец тропинки, ведущей вас внутрь картины. Я часто использую часть формы «S» «вверх до поворота», композиционный прием, который я применил в этой картине.

Тропинка появляется из-за больших теней деревьев. Она ведет вас внутрь картины и ведет вас за край, туда, где вы видите сияющую листву, дальше над тропинкой.

Теперь попробуйте!