V 17. stoletju Nizozemska je postala vzorčna kapitalistična država. Izvajala je obsežno kolonialno trgovino, imela močno floto, ladjedelništvo pa je bilo ena vodilnih panog.

Zgodovina nizozemskega slikarstva 17. stoletja. odlično prikazuje razvoj dela enega največjih nizozemskih portretistov Frans Hals(okoli 1580-1666). V 10-30 letih je Hals veliko delal v žanru skupinskih portretov. To je v bistvu upodobitev puškarskih cehov – združb častnikov za obrambo in zaščito mest. Meščani so želeli biti ovekovečeni na platnu, za pravico do upodobitve so plačevali določeno pristojbino, umetnik pa je moral vsakemu modelu posvetiti enako pozornost. Toda v teh Halsovih delih nas ne očara portretna podobnost. Izražajo ideale mlade republike, občutke svobode, enakosti in tovarištva. S platen teh let gledajo veseli, energični, podjetni ljudje, prepričani v svoje sposobnosti in v prihodnost (»Struški ceh sv. Adrijana«, 1627 in 1633; »Struški ceh sv. Jurija«, 1627). Hale jih običajno prikazuje na prijateljski pojedini, na veseli pojedini. Velika velikost kompozicije, vodoravno podolgovata, široka samozavestna pisava, intenzivne, nasičene barve (rumena, rdeča, modra itd.) ustvarjajo monumentalni značaj slike. Umetnik nastopa kot zgodovinopisec cele dobe.m

Razcvet krajinskega slikarstva v nizozemski šoli sega v sredino 17. stoletja. Največji mojster realistične krajine je bil Jacob van Ruisdael (1628/29-1682), umetnik neusahljive domišljije. Njegova dela so navadno napolnjena z globoko dramatiko, pa naj gre za gozdne goščave (Gozdno močvirje), krajine s slapovi (Slap) ali romantično pokrajino s pokopališčem (Judovsko pokopališče). Ruisdaelova narava se kaže v dinamiki, v večnem obnavljanju. Tudi najpreprostejši motivi narave dobijo pod umetnikovim čopičem monumentalen značaj. Ruisdael se nagiba k kombinaciji skrbnega upodabljanja z veliko vitalno celovitostjo, s sintetično podobo.

Samo morsko sliko (marina) je naredil Jan Porcellis (okoli 1584-1632). Poleg realistične, čisto nizozemske pokrajine je v tistem času obstajala druga smer: pokrajine italijanskega značaja, ki so jih oživljali mitološki liki, liki ljudi in živali.

Nizozemsko tihožitje je ena od umetniških udejanjanj najpomembnejše teme nizozemske umetnosti - teme zasebnega življenja navadnega človeka. Ta tema je v celoti utelešena v žanrskem filmu. V 20-30-ih letih 17. stoletja. Nizozemci so ustvarili posebno vrsto male male figure. 40-60-a so bila razcvet slikarstva, ki je poveličevalo umirjeno meščansko življenje Nizozemske, izmerjen vsakdanji obstoj.

40. in 50. leta so čas ustvarjalne zrelosti. Ni se spremenilo samo zunanje življenje Rembrandt, Najprej se je spremenil sam. To je čas oblikovanja njegovega ustvarjalnega sistema, iz katerega bo marsikaj postalo preteklost in v katerem bodo pridobljene druge, neprecenljive kvalitete. V tem obdobju se pogosto obrača na prejšnja dela, da bi jih predelal na nov način. Tako je bilo na primer z "Danae", ki jo je napisal leta 1636. Že takrat je bilo v tej podobi izraženo glavno: čutno načelo, pogansko, do neke mere "Tician", je bilo v njej le del splošno v izražanju kompleksnih čustvenih doživetij, en sam čustveni impulz. Klasičen, lep, a tudi abstrakten lepotni ideal je zamenjal izraz življenjske resnice, svetla individualnost fizičnega sestava. To grdo telo je bilo posredovano izjemno realistično. Toda Rembrandt ni bil zadovoljen z zunanjo resnico. Z obračanjem k sliki v 40. letih je umetnik stopnjeval svoje čustveno stanje. Preoblikoval je osrednji del z junakinjo in služkinjo.

Portreti poznega Rembrandta se zelo razlikujejo od portretov iz 30. in celo 40. let. Te skrajno preproste (polovične ali vzporedne) podobe ljudi, ki so po svoji notranji strukturi blizu umetniku, so vedno figurativni izraz večplastne človeške osebnosti, presenetljive z mojstrovo sposobnostjo prenašanja nestabilnih, izmuzljivih duhovnih gibov.

Rembrandt je znal ustvariti biografski portret; izpostavil le obraz in roke, je izrazil celotno zgodbo življenja

Francoska umetnost 17. stoletja.

Francoska umetnost 15. stoletja. temelji na tradicijah francoske renesanse. Slike in grafike Fouqueta in Cloueta, kipi Goujona in Pilona, ​​gradovi iz časa Franca I., palača Fontainebleau in Louvre, poezija Ronsarda in proza ​​Rabelaisa, filozofski poskusi Montaignea, vsi ta nosi pečat klasicističnega razumevanja forme, stroge logike, racionalizma, razvitega čuta za milino – tiste. ki naj bi se v celoti uresničila v 15. stoletju. v filozofiji Descartesa, v dramaturgiji Corneilla in Racina, v slikarstvu Poussina in Lorraina.

Na področju likovne umetnosti proces nastajanja klasicizma ni bil tako enoten.

V prvi arhitekturi se začrtajo poteze novega sloga, ki pa se ne izoblikujejo v celoti. V luksemburški palači, ki jo je za vdovo Henrika IV., regentko Marie de Medici, zgradil Salomon de Brosse, je veliko vzelo iz gotike in renesanse, vendar je fasada že razdeljena v red, ki bi bil značilen za klasicizem. "Maison-Lafitte" Françoisa Mansarta je z vso kompleksnostjo svojih volumnov enotna celota, jasna zasnova, ki teži k klasicističnim normam.

V slikarstvu je bila situacija bolj zapletena, saj so se tu prepletali vplivi manierizma, flamskega in italijanskega baroka. Na francosko slikarstvo prve polovice stoletja sta vplivala tako karavagizem kot nizozemska realistična umetnost. Vsekakor so ti vplivi jasno vidni v delu bratov Lenain. V slikah Louisa Le Naina ni pripovedne ali ilustrativne narave, kompozicija je strogo premišljena in statična, podrobnosti so skrbno preverjene in izbrane, da bi razkrile predvsem etično in moralno osnovo dela. Pokrajina ima v Lenainovih slikah velik pomen.

V zadnjem času je v umetnostnozgodovinski literaturi vse pogosteje ime gibanja, ki mu pripada Louis Le Nain, opredeljeno z izrazom »slikanje resničnega sveta«. Delo umetnika Georgesa de La Toura sodi v isto smer. Latour se v svojih prvih žanrskih delih pojavlja kot umetnik, ki je blizu Caravaggiu. Že v Latourjevih zgodnjih delih se kaže ena najpomembnejših lastnosti: neizčrpna raznolikost njegovih podob, sijaj barve, sposobnost ustvarjanja monumentalno pomembnih podob v žanrskem slikarstvu.

Druga polovica 30-ih in 40-ih je bila čas Latourjeve ustvarjalne zrelosti. V tem obdobju se manj posveča žanrskim temam in slika predvsem nabožne slike. Latourjev umetniški jezik je znanilec klasicističnega sloga: strogost, konstruktivna jasnost, jasnost kompozicije, plastično ravnovesje posplošenih oblik, brezhibna celovitost silhuete, statika. Primer je eno od njegovih poznejših del "Sv. Sebastijan in svete žene" z idealno lepo figuro Sebastijana v ospredju, ki spominja na antično skulpturo, v čigar telesu - kot simbolu mučeništva - umetnik upodablja le enega prebodenega. puščica.

Klasicizem je nastal na vrhuncu družbenega vzpona francoskega naroda in francoske države. Osnova teorije klasicizma je bil racionalizem, ki je temeljil na filozofskem sistemu Descartesa, predmet umetnosti klasicizma je bil razglašen le za lepo in vzvišeno, antika pa je služila kot etični in estetski ideal. Tvorec klasicističnega gibanja v francoskem slikarstvu 15. stoletja. postal Nicolas Poussin. Teme Poussinovih slik so raznolike: mitologija, zgodovina, Nova in Stara zaveza. Poussinovi junaki so ljudje močnih karakterjev in veličastnih dejanj, visokega občutka dolžnosti do družbe in države. Družbeni namen umetnosti je bil za Poussina zelo pomemben. Vse te značilnosti so vključene v nastajajoči program klasicizma. Umetnost pomembne misli in jasnega duha razvija tudi določen jezik. Mera in red, kompozicijsko ravnovesje postanejo osnova slikarskega dela klasicizma. Gladek in jasen linearni ritem ter statuarna plastičnost odlično izražata resnost in veličastnost idej in likov. Barvanje temelji na sozvočju močnih, globokih tonov. To je harmoničen svet sam po sebi, ki ne presega meja slikovitega prostora, kot v baroku.

Poussinova ustvarjalnost sega v prvo polovico stoletja, ki jo zaznamuje vzpon družbenega in umetniškega življenja v Franciji ter aktiven družbeni boj. Od tod splošna progresivna usmeritev njegove umetnosti, bogastvo njene vsebine. Drugačne razmere so se razvile v zadnjih desetletjih 17. stoletja, v času največje krepitve absolutističnega zatiranja in zatiranja progresivnih pojavov družbene misli, ko se je centralizacija razširila na umetnike, združene v Kraljevi akademiji in prisiljene, da s svojo umetnostjo služijo poveličevanju monarhije. V teh razmerah je njihova umetnost izgubila globoko socialno vsebino, v ospredje pa so stopile šibke, omejene poteze klasicistične metode.

Flamska umetnost 17. stoletja.

Flamska umetnost je najprej Rubens in še enkrat Rubens. Čeprav so bili v Flandriji v istem času še drugi izjemni umetniki, so vsi pojmovani kot »Rubensov krog«, »Rubensova šola«, kot planeti, ki krožijo okoli Rubensovega sonca.

Sedemnajsto stoletje je bilo čas nastanka nacionalne umetniške slikarske šole v Flandriji. Tako kot v Italiji je tudi tukaj barok postal uradno prevladujoče gibanje. Vendar se flamski barok v marsičem bistveno razlikuje od italijanskega. Baročne oblike so tu napolnjene z občutkom kipečega življenja in barvitega bogastva sveta, občutkom spontane moči rasti človeka in narave. V okviru baroka so se v večji meri kot v Italiji razvile realistične poteze.

Osnova umetniške kulture Flandrije - realizem, nacionalizem, svetla veselost, slovesna prazničnost - je bila najbolj izražena v slikarstvu. Flamski slikarji so v svoja platna ujeli poetizirano čutno lepoto sveta in podobo človeka, polnega zdravja in neusahljive energije.

Naloga okrasitve družinskih gradov, aristokracijskih palač in katoliških cerkva je prispevala k široki uporabi močne dekorativne umetnosti, ki temelji na kolorističnih učinkih v slikarstvu.

Vodja flamske slikarske šole je bil Peter Paul Rubens (1577-1640). Vsestransko nadarjen in sijajno izobražen Rubens je bil umetnik ogromnega ustvarjalnega obsega in viharnega temperamenta. Rojeni muralist, nadarjen diplomat, ki je tekoče govoril več jezikov, znanstvenik in humanist je bil zelo cenjen na knežjih in kraljevih dvorih v Mantovi, Madridu, Parizu in Londonu. Umetnik živahne domišljije je bil Rubens ustvarjalec kolosalnih, patetičnih kompozicij. Dinamičnost oblik, moč plastične domišljije, zmagoslavje dekorativnega načela so osnova njegovega dela. Obenem je Rubensova umetnost v osnovi realistična. Svežina njegovega dojemanja življenja in želja, da bi vsemu upodobljenemu dal prepričanost o resnici, je bistvo njegovih del.

Flamsko tihožitje. V 17. stoletju tihožitje se uveljavi kot samostojen žanr. Odseva zanimanje za materialni svet, ki izvira iz »slikanja stvari« v nizozemski umetnosti zgodnjega 15. stoletja, in kult zasebnega življenja. Flamske "trgovine z živino" presenečajo s svojo hrupno veselostjo in praznično okrasnostjo. Platna, velika in svetla v barvi, služijo kot okras za stene prostornih palač flamskega plemstva, ki poveličujejo lepoto zemeljskega obstoja, bogastvo podeželskega življenja, sadove zemlje, morja in rek.

Antonis (Anton, Anthony) van Dyck flamski slikar in grafik, mojster dvornih portretov in nabožnih motivov v slogu barok.

Van Dyck se je že zgodaj izkazal kot mojster portretiranja in slikanja verskih in mitoloških motivov. Z 1618 Avtor: 1620 g., delal je v delavnici Rubens. Ustvarja dela na versko tematiko, pogosto v več različicah: “ Kronanje s trnovo krono» « Judov poljub»Nosenje križa« »Sv. Martin in berači«, »Mučeništvo sv. Sebastijan"

Jacob Jordanens ( Nizozemska Jacob Jordanens) ( 19. maj 1593, Antwerpen - 18. oktober 1678, Antwerpen) - flamski umetnik. Od 1607 je študiral pri Adam van Noort. Leta 1616 se je poročil z njegovo hčerko. Vse življenje živel v Južna Nizozemska, le 1641 je za kratek čas deloval v Anglija. Njegove slike lahko najdete v kateri koli cerkvi v Antwerpnu. Tudi potem, ko je stopil v stik Kalvinizem leta 1645 je katoliška cerkev še naprej naročala njegova dela. Jordaens velja, zlasti po smrti Rubens, ki je imel nanj velik vpliv, eden od izjemnih predstavnikov flamskega barok.

Francosko slikarstvo 19. stoletja

20s XIX stoletje so bili za Francijo čas oblikovanja romantične umetnosti. Mladi umetniki so svojim učiteljem napovedali pravo vojno. Zgodovinarji so njuno predstavo poimenovali "romantična bitka", njen junak pa je bil slikar Eugene Ferdinand Victor Delacroix. Delacroix - francoščina slikar in urnik, vodja romantično smeri v evropskem slikarstvu. Romantični umetniki, ne glede na kanone, ki so obstajali v likovni umetnosti prejšnjih obdobij, so se voljno obračali k nenavadnim temam, povezanim z norostjo, nadnaravnimi pojavi, nasiljem ali eksotiko (to je preseganje »normalnega«). Delacroix v Franciji je bil vodja tega trenda. Eugene Delacroix se je rodil v mestu Charenton-Saint-Maurice blizu Pariza. Bodoči umetnik je zgodaj osirotel. Leta 1815 je postal vajenec v delavnici Pierra Narcissa Guerina (1774-1833), pri katerem se je nedavno učil Theodore Gericault. Delacroixovi sodobniki so pozorno spremljali napredek osvobodilne revolucije v Grčiji v letih 1821-1829. (od 15. stoletja je bila Grčija pod turško oblastjo). Delacroix je izbral morda najbolj tragično stran grškega epa. Septembra 1821 so turške kaznovalne sile uničile civilno prebivalstvo Chiosa, grškega otoka v Egejskem morju, ob obali Male Azije. Več kot štirideset tisoč Grkov je bilo pobitih in približno dvajset tisoč zasužnjenih. Umetnikov odgovor na te dogodke je bila slika "Hioski pokol" (1824).V ospredju slike so figure obsojenih Hiosa v pisanih cunjah; ozadje so temne silhuete oboroženih Turkov. Večina ujetnikov je brezbrižna do svoje usode, le otroci zaman prosijo starše, naj jih zaščitijo.Delacroix je čutil zanimanje za sodobnost in je leta 1830 ustvaril sliko "Svoboda, ki vodi ljudstvo (28. julij 1830)". Umetnik je preprosti epizodi uličnega boja dal brezčasen, epski zvok.Leta 1832 je Delacroix spremljal diplomatsko misijo v Alžiriji in Maroku. Takoj po vrnitvi v Pariz je umetnik začel slikati "Alžirke v svojih sobanah" (1833). Od poznih 20-ih. XIX stoletje slikar je ustvaril številne bojne slike, posvečene srednjeveški francoski zgodovini. V "bitki pri Nancyju" (1828-1834) se čete - sive, združene množice z raznobarvnimi lisami obrazov in transparentov - nerodno premikajo po zasneženi ravnici pod dolgočasno rumenim nebom ob sončnem zahodu. Eugene Delacroix je bil najbolj neodvisen slikar v Franciji v prvi polovici 19. stoletja.

JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) Do začetka 19. stol. splošno priznani vodja med francoskimi umetniki je bil Jacques Louis David - najdoslednejši predstavnik neoklasicizma v slikarstvu in tenkočuten kronist njegovih burnih časov David se je rodil v Parizu v premožni meščanski družini. Leta 1766 se je vpisal na Kraljevo akademijo za slikarstvo in kiparstvo. Značilna značilnost francoske kulture v tistih letih je bila splošna fascinacija nad antiko. Leta 1781 je bil David sprejet za člana Kraljeve akademije in prejel pravico do sodelovanja na njenih razstavah - salonih Louvre. Že leta 1776 je bil razvit vladni program, ki je spodbujal ustvarjanje velikih slik, »namenjenih oživitvi vrlin in domoljubnih čustev«. Davidu je bil ponujen zaplet iz zgodnje rimske zgodovine - podvig treh bratov iz plemiške družine Horatii.Da bi delal na sliki "Prisega Horatijev" (1784), je David odšel v Rim. Ko je bilo platno dokončano in ga je umetnik razstavil javnosti, je osnova celotne kompozicije številka tri: trije loki, tri skupine likov, trije meči, tri roke, hitro iztegnjene v orožje. V letih 1795-1799 David in njegovi učenci so delali na sliki "Sabinke, ki ustavijo bitko med Rimljani in Sabinci." Po njegovih besedah ​​je želel "prikazati starodavne običaje s tako natančnostjo, da Grki in Rimljani, če bi imeli priložnost videti moje delo, ne bi imeli za tujega njihovih običajev." Leta 1799 je po drugem državnem udaru Napoleon Bonaparte prišel na oblast. David je, tako kot mnogi nekdanji revolucionarji, veselo pozdravil ta dogodek.Na veličastni sliki "Kronanje Napoleona I. in cesarice Josephine v katedrali Notre Dame 2. decembra 1804" (1807) David je ustvaril še en mit - sijaj oltarja in sijaj oblačil dvorjanov ne vplivata na gledalca nič slabše kot bedno pohištvo in stare Maratove rjuhe.Po porazu Napoleona je David, ki je nekoč glasoval v konvenciji za smrtno obsodbo Ludvika XVI., je bil prisiljen zapustiti Francijo. Umetnik je odšel v Bruselj (takrat je pripadal Kraljevini Nizozemski), kjer je živel do svoje smrti. Nadaljeval je z delom: marljivo, a brez navdiha je slikal portrete sebi podobnih izgnancev in dela na antične teme.

Medtem je to posebno področje evropske kulture, vredno podrobnejše študije, ki odraža prvotno življenje prebivalcev Nizozemske v tistem času.

Zgodovina videza

V sedemnajstem stoletju so se v državi začeli pojavljati vidni predstavniki umetniške umetnosti. Francoski kulturologi so jim dali skupno ime - "mali Nizozemci", ki ni povezano z lestvico talentov in označuje navezanost na določene teme iz vsakdanjega življenja, nasprotno od "velikega" sloga z velikimi platnimi na zgodovinske ali mitološke teme. Zgodovina nastanka nizozemskega slikarstva je bila podrobno opisana v devetnajstem stoletju in avtorji del o njem so uporabljali tudi ta izraz. "Male Nizozemce" je odlikoval sekularni realizem, obrnjeni k okoliškemu svetu in ljudem ter uporabljali slikarstvo, bogato s toni.

Glavne stopnje razvoja

Zgodovino nizozemskega slikarstva lahko razdelimo na več obdobij. Prvi je trajal približno od 1620 do 1630, ko se je v nacionalni umetnosti uveljavil realizem. Nizozemsko slikarstvo je v letih 1640-1660 doživelo drugo obdobje. To je čas, ko je tukajšnja likovna šola doživela pravi razcvet. Končno tretje obdobje, čas, ko je nizozemsko slikarstvo začelo nazadovati - od leta 1670 do začetka osemnajstega stoletja.

Omeniti velja, da so se kulturni centri v tem času spreminjali. V prvem obdobju so v Haarlemu delovali vodilni umetniki, glavni predstavnik pa je bil Khalsa. Nato se je središče preselilo v Amsterdam, kjer sta najpomembnejša dela izvedla Rembrandt in Vermeer.

Prizori vsakdanjega življenja

Pri naštevanju najpomembnejših žanrov nizozemskega slikarstva je nujno začeti z vsakdanjim življenjem - najbolj živim in izvirnim v zgodovini. Flamci so bili tisti, ki so svetu razkrili prizore iz vsakdanjega življenja preprostih ljudi, kmetov in meščanov oziroma meščanov. Pionirji so bili Ostade in njegovi sledilci Audenrogge, Bega in Dusart. Na Ostadejevih zgodnjih slikah ljudje igrajo karte, se prepirajo in celo tepejo v gostilni. Vsako sliko odlikuje dinamičen, nekoliko brutalen značaj. Nizozemsko slikarstvo tistega časa govori tudi o mirnih prizorih: v nekaterih delih se kmetje pogovarjajo ob pipi in kozarcu piva, preživljajo čas na sejmu ali z družino. Rembrandtov vpliv je povzročil široko uporabo mehkega zlatega chiaroscura. Urbani prizori so navdihnili umetnike, kot so Hals, Leicester, Molenaar in Codde. Sredi 17. stoletja so mojstri upodabljali zdravnike, znanstvenike v procesu dela, lastne delavnice, opravila po hiši ali Vsaka zgodba naj bi bila zabavna, včasih groteskno didaktična. Nekateri mojstri so bili nagnjeni k poetizaciji vsakdanjega življenja, na primer Terborch je upodabljal prizore igranja glasbe ali spogledovanja. Metsu je uporabil svetle barve in vsakdanje življenje spremenil v praznovanje, de Hoocha pa je navdihnila preprostost družinskega življenja, obsijanega z razpršeno dnevno svetlobo. Poznejši predstavniki žanra, med katere sodijo nizozemski mojstri slikarstva, kot sta Van der Werff in Van der Neer, so v iskanju elegantne upodobitve pogosto ustvarjali nekoliko pretenciozne motive.

Narava in pokrajine

Poleg tega je nizozemsko slikarstvo široko zastopano v krajinskem žanru. Prvič se je pojavil v delih haarlemskih mojstrov, kot so van Goyen, de Moleyn in van Ruisdael. Prav oni so začeli upodabljati podeželje v določeni srebrni luči. V njegovih delih je prišla do izraza snovna enotnost narave. Ločeno je vredno omeniti morske krajine. Marinisti iz 17. stoletja so bili Porsellis, de Vlieger in van de Capelle. Niso si toliko prizadevali za prikaz nekaterih morskih prizorov, kot so poskušali upodobiti samo vodo, igro svetlobe na njej in na nebu.

V drugi polovici 17. stoletja so se v žanru pojavila bolj čustvena dela s filozofskimi idejami. Jan van Ruisdael je do maksimuma razkril lepoto nizozemske pokrajine in jo upodobil v vsej njeni dramatičnosti, dinamiki in monumentalnosti. Hobbem, ki je imel raje sončne pokrajine, je nadaljeval svoje tradicije. Koninck je slikal panorame, van der Neer pa je ustvarjal nočne pokrajine in upodabljal mesečino, sončni vzhod in zahod. Za številne umetnike so značilne tudi upodobitve živali v krajini, na primer paseče krave in konji, pa tudi lov in prizori s konjeniki. Kasneje so se umetniki začeli zanimati za tujo naravo – Oba, van Laar, Wenix, Berchem in Hackert, sta upodabljala Italijo, ki se kopa v žarkih južnega sonca. Utemeljitelj žanra je bil Sanredam, katerega najboljša privrženca lahko imenujemo brata Berkheide in Jan van der Heijden.

Slika notranjosti

Ločen žanr, ki je odlikoval nizozemsko slikarstvo v času njegovega razcveta, lahko imenujemo prizori s cerkvami, palačami in domačimi prostori. Notranjost se je pojavila na slikah druge polovice sedemnajstega stoletja delftskih mojstrov - Haukgeesta, van der Vlieta in de Witteja, ki je postal glavni predstavnik gibanja. Z uporabo Vermeerjevih tehnik so umetniki upodabljali prizore, obsijane s sončno svetlobo, polne čustev in volumna.

Slikovite jedi in jedi

Končno je še ena značilna zvrst nizozemskega slikarstva tihožitje, zlasti upodobitev zajtrkov. Prva sta se ga lotila prebivalca Haarlema ​​Claes in Heda, ki sta poslikala pogrnjene mize z razkošnimi posodami. Slikoviti nered in poseben podatek prijetne notranjosti sta napolnjena s srebrno sivo svetlobo, značilno za srebro in kositer. Utrechtski umetniki so slikali bujna cvetlična tihožitja, v Haagu pa so bili umetniki še posebej dobri pri upodabljanju rib in morskih plazilcev. V Leidnu je nastala filozofska smer žanra, v kateri lobanje in peščene ure sobivajo s simboli čutnega užitka ali zemeljske slave, ki naj bi spominjali na minljivost časa. Demokratična kuhinjska tihožitja so postala zaščitni znak rotterdamske umetniške šole.

Glavni trendi, stopnje razvoja slikarstva in ikonični nizozemski slikarji.

Nizozemsko slikarstvo

Uvod

Nizozemsko slikarstvo 17. stoletja se včasih napačno šteje za umetnost srednjega razreda, ki občuduje flamsko slikarstvo tega obdobja in ga imenuje dvorno, aristokratsko. Nič manj zmotno je mnenje, da se nizozemski umetniki ukvarjajo le z upodabljanjem neposrednega človekovega okolja, pri čemer v ta namen uporabljajo pokrajine, mesta, morja in življenja ljudi, medtem ko se flamska umetnost posveča zgodovinskemu slikarstvu, ki ga umetnostna teorija obravnava kot bolj vzvišeno. žanr. V nasprotju s tem so javne zgradbe na Nizozemskem, od katerih se je pričakoval impozanten videz, pa tudi bogati obiskovalci, ne glede na njihovo versko prepričanje ali poreklo, zahtevali slike z alegoričnimi ali mitološkimi temami.

Vsaka delitev nizozemske slikarske šole na flamsko in nizozemsko vejo do začetka 17. stoletja. zaradi nenehne ustvarjalne izmenjave med področji bi bila umetna. Na primer, Pieter Aertsen, rojen v Amsterdamu, je delal v Antwerpnu, preden se je leta 1557 vrnil v svoje rojstno mesto, njegov študent in nečak Joachim Bukelaer pa je vse življenje preživel v Antwerpnu. V zvezi s podpisom Utrechtske unije in ločitvijo sedmih severnih provinc so številni prebivalci po 1579–1581. emigrirali iz severne Nizozemske v protestantski del umetno razdeljene države.

"Mesnica". Artsen.

Razvoj umetnosti

Spodbuda za samostojen razvoj nizozemskega slikarstva so bili flamski umetniki. Bartholomeus Spranger, rojen v Antwerpnu in šolan v Rimu, je postal utemeljitelj virtuoznega, dvornega, izumetničenega sloga, ki je zaradi Sprangerjevega začasnega bivanja na Dunaju in v Pragi postal mednarodni »jezik«. Leta 1583 je slikar in umetnostni teoretik Karel van Mander prinesel ta slog v Haarlem. Eden glavnih mojstrov tega haarlemskega ali utrechtskega manirizma je bil Abraham Bloemaert.

Potem je Isaiah van de Velde, rojen na Nizozemskem v družini izseljencev iz Flandrije in študiral v krogu slikarjev, osredotočenih na flamska umetnika Davida Vinkboonsa in Gilliesa Koninksloeja, v svojih zgodnjih slikah razvil realističen slikarski slog, ki se je nanašal na Jana Bruegla starejši, s svetlimi barvnimi stopnjami likovnih načrtov. Okoli leta 1630 se je na Nizozemskem uveljavil trend poenotenja umetniškega prostora in združevanja barv iz različnih plasti. Od takrat se je večplastnost upodobljenih stvari umaknila občutku prostora in atmosferi zračne meglice, ki sta bila posredovana s postopno naraščajočo enobarvno uporabo barv. Isaiah van de Velde je skupaj s svojim študentom Janom van Goenom utelesil to stilsko revolucijo v umetnosti.

Zimska pokrajina. Velde.

Ena najbolj monumentalnih krajin visokega baroka, "Veliki gozd", Jacoba van Ruisdaela, sodi v naslednje obdobje razvoja nizozemskega slikarstva. Gledalcu ni več treba doživljati precej amorfnega videza razprostrtega prostora v sivo-rjavih tonih z nekaj vpadljivimi motivi; odslej daje vtis fiksne, energijsko poudarjene strukture.

Žanrsko slikarstvo

Nizozemsko žanrsko slikarstvo, ki ga pravzaprav težko imenujemo samo portreti vsakdanjega življenja, ki pogosto nosijo moralistično sporočilo, je na Dunaju zastopano z deli vseh njegovih glavnih mojstrov. Njegovo središče je bil Leiden, kjer je Gerard Doux, Rembrandtov prvi učenec, ustanovil šolo, znano kot Leiden School of Fine Painting (fijnschilders).

Figurativno slikarstvo

Sestanek vodstva družbe. Frans Hals.

Trije največji nizozemski mojstri figurativnega slikarstva Frans Hals, Rembrandt in Johannes Vermeer iz Delfta so si sledili v presledkih skoraj cele generacije. Hals se je rodil v Antwerpnu in je v Haarlemu delal predvsem kot portretist. Za mnoge je postal poosebitev odprtega, vedrega in spontanega virtuoznega slikarja, umetnost Rembrandta, misleca - kot pravi kliše - razkriva izvor človeške usode. To je pošteno in narobe. Tisto, kar takoj pade v oči ob pogledu na Halsov portret ali skupinski portret, je sposobnost prenosa osebe, ki je v gibanju preplavljena s čustvi. Za upodobitev minljivega trenutka uporablja Hals odprte, opazno nepravilne poteze, ki se sekajo v cikcak ali navzkrižno šravirajo. To ustvarja učinek nenehno lesketajoče se površine, kot je skica, ki se zlije v eno sliko šele, ko jo gledamo z določene razdalje. Po vrnitvi Rothschildovih »daril« je bil ekspresiven portret moža v črnem pridobljen za zbirko princa Liechtensteina in tako vrnjen na Dunaj. Umetnostnozgodovinski muzej ima samo eno sliko Franza Halsa, portret mladeniča, ki je bil že v zbirki Karla VI. kot eden redkih primerov »protestantske« umetnosti na Nizozemskem. Portreti, nastali v poznem obdobju Halsovega ustvarjanja, so po psihološki prodornosti in nepoziranju bližji Rembrandtovim delom.

Zahvaljujoč subtilnim prehodom odtenkov in območij svetline se zdi, da Rembrandtov svetlina ovije figure v resonančni prostor, v katerem prebiva razpoloženje, vzdušje, nekaj neoprijemljivega in celo nevidnega. Rembrandtov opus v Dunajski galeriji slik predstavljajo le portreti, čeprav lahko tudi Umetnikova mati in Umetnikov sin štejemo za enofigurni zgodovinski sliki. Na tako imenovanem "Velikem avtoportretu" iz leta 1652 se umetnik pojavi pred nami v rjavi bluzi, z obrazom, obrnjenim na tri četrtine. Njegov pogled je samozavesten in celo izzivalen.

Vermeer

Vermeerjeva nedramska umetnost, ki se je v celoti osredotočala na kontemplacijo, je veljala za odraz nizozemskega srednjega razreda, ki je zdaj neodvisen in zadovoljen s tem, kar je imel. Preprostost Vermeerjevih umetniških konceptov pa je varljiva. Njihova jasnost in umirjenost sta plod natančne analize, vključno z uporabo najnovejših tehničnih izumov, kot je camera obscura. "Alegorija slikarstva", nastala okoli 1665-1666, Vermeerjevo vrhunsko delo v smislu dela z barvo, lahko imenujemo njegova najbolj ambiciozna slika. Proces, ki ga je sprožil Jan van Eyck, po rodu iz severne Nizozemske, pasivno, odmaknjeno razmišljanje o negibnem svetu, je vedno ostal glavna tema nizozemskega slikarstva in je v delih Vermeerja dosegel alegorično in hkrati resnično apoteozo.

Nizozemsko slikarstvo