Художники Японии — с древних времен до наших дней.

Хокусай, японский художник 18-го века, создал головокружительное количество художественных работ. Хокусай работал до глубокой старости, неизменно утверждая, что «все, что он сделал до 70 лет, не было стоящим и не стоило внимания».

Возможно, самый известный японский художник в мире, он всегда выделялся из своих коллег - современников интересом к повседневной жизни. Вместо того, чтобы изображать гламурных гейш и героических самураев, Хокусай рисовал рабочих, рыбаков, городские жанровые сценки, которые тогда еще не были предметом интереса для японского искусства. Он также использовал европейский подход к композиции.

Вот краткий перечень ключевых терминов, которые помогут вам немного ориентироваться в творчестве Хокусая.

1 Укие-э - гравюры и картины, популярные в Японии 1600-х до 1800-х годов. Направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо. Этот термин происходит от слова "укие", что означает "изменчивый мир". Уикие - намек на гедонистические радости расцветающего купечества. В этом направлении Хокусай - самый известный художник.

Хокусай использовал не менее тридцати псевдонимов на протяжении своей жизни. Несмотря на то, что использование псевдонимов было обычной практикой у японских художников того времени, по числу псевдонимов он существенно превосходил других крупных авторов. Псевдонимы Хокусая нередко используются для периодизации этапов его творчества.

2 Период Эдо - это время между 1603 и 1868 годах в японской истории, тогда был отмечен экономический рост и новый интерес к искусству, культуре.

3 Shunrō является первым из псевдонимов Хокусая.

4 Шуньга буквально означает "картину весны" и "весна" - японский сленг для секса. Таким образом, это гравюры эротического характера. Их создавали самые уважаемые художники, в том числе Хокусай.

5 Суримоно. Последние «суримоно» — так назывались эти выполненные по заказу оттиски — имели колоссальный успех. В отличие укие-э гравюры, которыебыли рассчитаны на массового зрителя, суримоно редко продавались для широкой публики.

6 Гора Фудзи - симметричная гора, которая, оказывается, самая высокая в Японии. За эти годы она вдохновила многих художников и поэтов, в том числе Хокусая, выпустившего серию укие-э "Тридцать шесть видов горы Фудзи". Эта серия включает в себя самые знаменитые гравюры Хокусая.

7 Японизм - длительное влияние, которое оказал Хокусай на последующие поколения западных художников. Японизм - это стиль, вдохновленный яркими цветами гравюр укие-э, отсутствием перспективы и композиционными экспериментами.

Яёи Кусама вряд ли сможет ответить, что легло в основу ее карьеры художницы. Ей 87 лет, ее искусство признано во всем мире. Скоро пройдут крупные выставки ее работ в США и Японии, но она еще не все сказала этому миру. «Оно еще на подходе. Я собираюсь создать это в будущем», - говорит Кусама. Ее называют самой успешной художницей в Японии. Кроме того, она самая дорогая из ныне живущих художниц: в 2014 году ее картина «Белый №28» была продана за 7,1 млн долларов.

Кусама живет в Токио и на протяжении почти сорока лет добровольно находится в психиатрической лечебнице. Раз в день она покидает ее стены, чтобы заняться живописью. Она встает в три часа утра, не имея возможности уснуть и желая с пользой провести время за работой. «Сейчас я старая, но все еще собираюсь создать больше работ и лучшие работы. Больше, чем я сделала в прошлом. Мое сознание полно картин», - говорит она.

(Всего 17 фото)

Яёи Кусама на выставке своих работ в Лондоне в 1985 году. Фото: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

С девяти до шести Кусама работает в своей трехэтажной студии, не вставая из инвалидного кресла. Она может ходить, но слишком слаба. Женщина работает на холсте, разложенном на столах или закрепленном на полу. В студии полно новых картин, ярких работ, усыпанных маленькими крапинками. Художница называет это «самозаглушением» - бесконечным повторением, которое заглушает шум в ее голове.

Перед вручением наград в области искусства Praemium Imperiale в 2006 году в Токио. Фото: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Через дорогу скоро откроется новая галерея, а к северу от Токио строится еще один музей ее искусства. Кроме того, открываются две крупных выставки ее работ. «Яёи Кусама: бесконечные зеркала», ретроспектива ее 65-летней карьеры, открылась в музее Хиршхорн в Вашингтоне 23 февраля и пройдет до 14 мая, после чего приедет в Сиэтл, Лос-Анджелес, Торонто и Кливленд. В экспозицию включено 60 картин Кусамы.

Ее горошины покрывают все - от платьев Louis Vuitton до автобусов в ее родном городе. Работы Кусамы регулярно продаются за миллионы долларов и встречаются по всему миру - от Нью-Йорка до Амстердама. Выставки работ японской художницы так популярны, что требуются меры по предотвращению давки и беспорядков. Например, в Хиршхорне билеты на выставку продаются на определенное время, чтобы как-то регулировать поток посетителей.

Презентация совместного дизайна Louis Vuitton и Яёи Кусамы в Нью-Йорке в 2012 году. Фото: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Но Кусаме все равно нужно одобрение извне. Когда в интервью ее спросили о том, достигла ли она своей цели, став богатой и знаменитой десятки лет назад, она удивленно сказала: «Когда я была маленькой, мне было очень трудно убедить маму, что я хочу стать художницей. Это действительно правда, что я богата и знаменита?»

Кусама родилась в Мацумото, в горах Центральной Японии, в 1929 году в состоятельной и консервативной семье, торговавшей саженцами. Но это не был счастливый дом. Ее мать презирала изменяющего ей мужа и отправляла маленькую Кусаму шпионить за ним. Девочка видела отца с другими женщинами, и это вызвало в ней пожизненное отвращение к сексу.

Витрина бутика Louis Vuitton, оформленная Кусамой в 2012 году. Фото: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Еще в детстве она начала испытывать зрительные и слуховые галлюцинации. В первый раз, когда она увидела тыкву, она представила, что та с ней разговаривает. Будущая художница справлялась с видениями, создавая повторяющиеся узоры, чтобы заглушить мысли в голове. Даже в таком юном возрасте искусство стало для нее своего рода терапией, которую она позже назовет «арт-лекарством».

Работа Яёи Кусамы на выставке в Музее современного искусства Уитни в 2012 году. Фото: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Мать Кусамы была резко против желания дочери стать художницей и настаивала на том, чтобы девочка последовала традиционному пути. «Она не давала мне рисовать. Она хотела, чтобы я вышла замуж, - рассказывала художница в интервью. - Она выбрасывала мои работы. Я хотела броситься под поезд. Каждый день я воевала с матерью, и поэтому мой рассудок повредился».

В 1948 году, после окончания войны, Кусама поехала в Киото изучать традиционную японскую живопись нихонга со строгими правилами. Она возненавидела этот вид искусства.

Один из экспонатов выставки Яёи Кусамы в Музее современного искусства Уитни в 2012 году. Фото: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Когда Кусама жила в Мацумото, она нашла книгу Джорджии О’Киф и была поражена ее картинами. Девушка отправилась в американское посольство в Токио, чтобы найти там статью об О’Киф в справочнике и узнать ее адрес. Кусама написала ей письмо и отправила несколько рисунков, и, к ее удивлению, американская художница ответила ей.

«Я не могла поверить своей удаче! Она была так добра, что ответила на внезапный выплеск чувств скромной японской девочки, которую она никогда в жизни не встречала и даже не слышала о ней», - написала художница в своей автобиографии «Сеть бесконечности» (Infinity Net).

Яёи Кусама в оформленной ею витрине бутика Louis Vuitton в Нью-Йорке в 2012 году. Фото: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Несмотря на предупреждения О’Киф, что в США молодым художникам приходится очень тяжело, не говоря уж о юных одиноких девушках из Японии, Кусаму было не остановить. В 1957 году ей удалось получить паспорт и визу. Она зашила доллары в свои платья, чтобы обойти строгий послевоенный валютный контроль.

Первой остановкой стал Сиэтл, где она провела выставку в маленькой галерее. Потом Кусама отправилась в Нью-Йорк, где ее постигло горькое разочарование. «В отличие от послевоенного Мацумото, Нью-Йорк был во всех смыслах злым и жестоким местом. Для меня он оказался слишком стрессовым, и я вскоре погрязла в неврозе». Что еще хуже, Кусама оказалась в полной нищете. Кроватью ей служила старая дверь, и она выуживала рыбные головы и гнилые овощи из мусорных баков, чтобы варить из них суп.

Инсталляция Infinity Mirror Room - Love Forever («Комната с зеркалами бесконечности - любовь навсегда»). Фото: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Это тяжелое положение побудило Кусаму еще больше погрузиться в работу. Она начала создавать свои первые картины из серии «Сеть бесконечности», покрывая огромные холсты (один из них достигал 10 метров в высоту) завораживающими волнами маленьких петель, которые, казалось, никогда не закончатся. Сама художница описывала их так: «Белые сети, обволакивающие черные точки молчаливой смерти на фоне беспросветной тьмы небытия».

Инсталляция Яёи Кусамы на открытии нового здания музея современного искусства «Гараж» в ЦПКиО имени М. Горького в Москве в 2015 году. Фото: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Это обсессивно-компульсивное повторение помогло отогнать невроз, но это не всегда спасало. Кусама постоянно страдала от приступов психоза и оказалась в одной из больниц Нью-Йорка. Будучи амбициозной и целеустремленной и с радостью приняв на себя роль экзотичной азиатки в кимоно, она влилась в тусовку влиятельных людей в искусстве и общалась с такими признанными художниками, как Марк Ротко и Энди Уорхол. Позже Кусама говорила, что Уорхол имитировал ее работы.

Вскоре Кусама приобрела определенную степень известности и выставлялась в многолюдных галереях. Кроме того, слава художницы приобрела скандальность.

В 1960-е, когда Кусама была одержима узором в горошек, она начала устраивать в Нью-Йорке хэппенинги: провоцировала людей раздеваться догола в таких местах, как Центральный парк и Бруклинский мост, и разрисовывала их тела горошком.

Предпоказ на выставке Art Basel в Гонконге в 2013 году. Фото: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

За несколько десятков лет до появления движения «Оккупируй Уолл-стрит» Кусама устроила хэппенинг в финансовом округе Нью-Йорка, заявив, что хочет «уничтожить мужчин с Уолл-стрит узором в горошек». Примерно в это же время она начала покрывать различные предметы - кресло, лодку, коляску - выпуклостями фаллического вида. «Я начала создавать пенисы, чтобы излечить свое чувство отвращения к сексу», - писала художница, рассказывая, как этот творческий процесс постепенно превращал ужасное в нечто знакомое.

Инсталляция Passing Winter («Преходящая зима») в галерее Тейт в Лондоне. Фото: James Gourley/REX/Shutterstock

Кусама ни разу не была замужем, хотя, когда она жила в Нью-Йорке, на протяжении десяти лет у нее были похожие на брак отношения с художником Джозефом Корнеллом. «Мне не нравился секс, а он был импотентом, так что мы очень хорошо подходили друг другу», - рассказала она в одном из интервью журналу Art Magazine.

Кусама становилась все более известной благодаря своим выходкам: она предложила переспать с президентом США Ричардом Никсоном, если он прекратит войну во Вьетнаме. «Давайте разукрасим друг друга узором в горошек», - написала она ему в письме. Интерес непосредственно к ее искусству угасал, она оказалась в немилости, и снова начались проблемы с деньгами.

Яёи Кусама во время ретроспективы ее работ в Музее современного искусства Уитни в Нью-Йорке в 2012 году. Фото: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Известия об эскападах Кусамы дошли до Японии. Ее стали называть «национальным бедствием», а ее мать заявила, что лучше бы дочь умерла от болезни в детстве. В начале 1970-х годов обнищавшая и потерпевшая фиаско Кусама вернулась в Японию. Она встала на учет в психиатрической лечебнице, где живет до сих пор, и канула в художественную безвестность.

В 1989 году Центр современного искусства в Нью-Йорке устроил ретроспективу ее работ. Это стало началом пусть и медленного, но возрождения интереса к искусству Кусамы. Она наполнила зеркальную комнату тыквами для инсталляции, которая была представлена на Венецианской биеннале в 1993 году, а в 1998 году состоялась крупная выставка в Музее современного искусства MoMa в Нью-Йорке. Именно здесь она когда-то устраивала хэппенинг.

На выставке My Eternal Soul («Моя вечная душа») в Национальном центре искусства в Токио, февраль 2017 года. Фото: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

В последние несколько лет Яёи Кусама стала международным феноменом. Современная галерея Тейт в Лондоне и Музей Уитни в Нью-Йорке провели крупные ретроспективы, которые привлекли огромные толпы посетителей, а ее знаковый узор в горошек стал очень узнаваем.

Художница не собирается приостанавливать работу, но начала задумываться о своей смертности. «Я не знаю, как долго я смогу выжить даже после смерти. Есть будущее поколение, которое следует по моим стопам. Это будет честью для меня, если людям будет нравиться смотреть на мои работы и если они будут тронуты моим искусством».

Несмотря на коммерциализацию ее искусства, Кусама думает о могиле в Мацумото - не в семейном склепе, ей и так досталось от родителей - и о том, как не превратить ее в святилище. «Но я еще не умираю. Я думаю, я проживу еще лет 20», - говорит она.

Здравствуйте, дорогие читатели – искатели знаний и истины!

Художники Японии отличаются неповторимым стилем, отточенный целыми поколениями мастеров. Сегодня мы расскажем о самых ярких представителях японской живописи и их картинах, начиная с древних времен и заканчивая современностью.

Что же, давайте окунемся в искусство Страны восходящего солнца.

Зарождение искусства

Древнее искусство живописи Японии в первую очередь связано с особенностями письма и потому строится на основах каллиграфии. К первым образцам относятся фрагменты найденных при раскопках колокольчиков из бронзы, посуды, предметов обихода. Многие из них были расписаны натуральными красками, а исследования дают повод полагать, что изготовлены изделия были ранее, чем в 300 году до нашей эры.

Новый виток развития искусства начался с приходом в Японию. На эмакимоно – особые свитки из бумаги – наносились изображения божеств пантеона буддизма, сюжеты из жизни Учителя, его последователей.

Преобладание религиозных тем в живописи прослеживается в средневековой Японии, а именно – с X по XV столетия. Имена художников той эпохи до наших дней, увы, не сохранились.

В период 15-18 веков начинается новое время, характеризующееся появлением художников с выработанным индивидуальным стилем. Они обозначили вектор дальнейшего развития изобразительного искусства.

Яркие представители прошлого

Тенсе Сюбун (начало 15 века)

Для того, чтобы стать выдающимся мастером, Сюбун изучал технику письма сунских художников Китая и их работы. Впоследствии он стал одним из основоположников живописи в Японии и создателем суми-э.

Суми-э – художественный стиль, который базируется на рисовании тушью, а значит, одном цвете.

Сюбун сделал многое, чтобы новый стиль прижился в художественных кругах.Он обучал художеству других дарований, в числе которых оказались будущие известные живописцы, например Сэссю.

Самая популярная картина Сюбуна называется «Читая в бамбуковой роще».

«Читая в бамбуковой роще», Тенсе Сюбун

Хасэгава Тохаку (1539—1610)

Он стал создателем школы, названной в честь его самого – Хасэгава. Поначалу он старался следовать канонам школы Кано, но постепенно в работах стал прослеживаться его индивидуальный «почерк». Тохаку ориентировался на графику Сэссю.

Основу работ составляли простые, лаконичные, но реалистичные пейзажи с незамысловатыми названиями:

«Сосны»;
«Клен»;
«Сосны и цветущие растения».

«Сосны», Хасэгава Тохаку

Братья Огата Корин (1658—1716) и Огата Кэндзан (1663—1743)

Братья были прекрасными мастерами 18 века. Старший – Огата Корин – полностью посвятил себя живописи и основал жанр римпа. Он избегал стереотипных изображений, отдавая предпочтение импрессионистскому жанру.

Огата Корин писал природу в целом и цветы в виде яркости абстракций в частности. Его кисти принадлежат картины:

«Цветение сливы красным и белым»;
«Волны Мацусимы»;
«Хризантемы».

«Волны Мацусимы» Огата Корин

Младший брат – Огата Кэндзан – имел множество псевдонимов. Он хоть занимался живописью, но знаменит был больше как замечательный керамист.

Огата Кэндзан владел многими техниками создания керамики. Его отличал нестандартный подход, к примеру, он создавал тарелки в виде квадрата.

Собственная роспись не отличалась пышностью – в этом тоже была его особенность. Он любил наносить на изделия каллиграфию наподобие свиточной или отрывки из стихов. Иногда они работали вместе с братом.

Кацусика Хокусай (1760—1849)

Творил в стиле укиё-э – своеобразной ксилографии, иными словами, гравюрной живописи. За все время творчества сменил порядка 30 имен. Известнейшая работа – «Большая волна в Канагаве», благодаря которой стал знаменит за пределами родины.

«Большая волна в Канагаве», Хокусай Кацусика

Особенно усердно Хокусай стал работать после 60 лет, что принесло хорошие плоды. С его творчеством были знакомы Ван Гог, Моне, Ренуар, и в известной степени оно оказало влияние на работы европейских мастеров.

Андо Хиросиге (1791—1858)

Один из величайших художников 19 века. Родился, жил, творил в Эдо, продолжил дело Хокусая, вдохновлялся его работами. То, как он изображал природу, поражает почти так же, как количество самих работ.

Эдо – бывшее название Токио.

Вот некоторые цифры о его творчестве, которые представлены циклом картин:

5,5 тысяч – количество всех гравюр;
«100 видов Эдо;
«36 видов Фудзи»;
«69 станций Кисокайдо»;
«53 станции Токайдо».

Живопись Андо Хиросигэ

Интересно, что выдающийся Ван Гог написал пару копий его гравюр.

Современность

Такаси Мураками

Художник, скульптор, дизайнер одежды, он заработал имя уже в конце 20 века. В творчестве придерживается модных тенденций с элементами классики, а вдохновение черпает из мультфильмов аниме и манга.

Живопись Такаси Мураками

Работы Такаси Мураками причисляют к субкультуре, но при этом они пользуются невероятной популярностью. К примеру, в 2008 году одну из его работ купили с аукциона больше чем за 15 миллионов долларов. В свое время современный творец работал совместно с модными домами «Marc Jacobs» и «Louis Vuitton».

Тихо Асима

Соратница предыдущего художника, она создает современные сюрреалистичные картины. На них изображены виды городов, улицы мегаполисов и существа будто из другой вселенной — привидения, злые духи, инопланетные девушки. На заднем плане картин зачастую можно заметить первозданную, иногда даже пугающую природу.

Ее картины достигают больших размеров и редко ограничиваются бумажными носителями. Их переносят на кожаные, пластиковые материалы.

В 2006 году в рамках выставки в британской столице женщина создала порядка 20 арочных сооружений, которые отражали красоту природы села и города, дня и ночи. Одно из них украшало станцию метро.

Эй Аракава

Молодого человека нельзя назвать просто художником в классическом понимании слова – он создает инсталляции, такие популярные в искусстве 21 века. Темы его выставок поистине японские и затрагивают дружественные отношения, а также труд всем коллективом.

Эй Аракава часто участвует в различных биеннале, например, в Венеции, выставляется в музее современного искусства на родине, заслуженно получает разного рода награды.

Икенага Ясунари

Живописцу современности Икенага Ясунари удалось совместить две, казалось бы, несовместимые вещи: жизнь нынешних девушек в портретном виде и традиционные техники Японии родом из древности. В работе живописец использует специальные кисточки, натуральные пигментированные краски, чернила, уголь. Вместо привычного полотна – ткань из льна.

Живопись Икенага Ясунари

Подобная техника контраста изображаемой эпохи и внешнего вида героинь создает впечатление, что они вернулись к нам из прошлого.

Популярная в последнее время в интернет-сообществе серия картин про сложности жизни крокодила тоже создана японцем – художником-карикатуристом Кейго.

Заключение

Итак, японская живопись зародилась приблизительно в 3 веке до нашей эры, и с тех пор сильно изменилось. Первые изображения наносились на керамику, затем в художествах стали преобладать буддийские мотивы, но имена авторов не сохранились до наших дней.

В эпоху Нового времени мастера кисти приобретали все большую индивидуальность, создавали разные направления, школы. Сегодняшнее изобразительное искусство не ограничивается традиционной живописью – в ход идут инсталляции, карикатуры, художественные скульптуры,особые сооружения.

Большое спасибо за внимание, дорогие читатели! Надеемся, вам оказалась полезной наша статья, а рассказы о жизни и творчестве ярчайших представителей арт-искусства позволили познакомиться с ними поближе.

Конечно, сложно в одной статье рассказать про всех художников с древности до современности. Поэтому пусть это будет первый шаг на пути к познанию японской живописи.

И присоединяйтесь к нам — подписывайтесь на блог — будем изучать буддизм и культуру востока вместе!

Японская живопись - это абсолютно уникальное направление в мировом искусстве. Оно существует ещё с древних времён, но как традиция не утратило своей популярности и способности удивлять.

Внимательность к традициям

Восток - это не только пейзажи, горы и восходящее солнце. Это ещё и люди, которые создавали его историю. Именно такие люди поддерживают традицию японской живописи на протяжении многих столетий, развивая и приумножая своё искусство. Теми, кто внёс немалый вклад в историю японские художники. Современные именно благодаря им сохранили в себе все каноны традиционной японской живописи.

Манера исполнения картин

В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская деревья, скалы, животные и птицы - всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность - именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.

Контрасты в живописи

Контраст - ещё один характерный приём, который используют японские художники. Это может быть разница в тоне, цвете или контраст теплых и холодных оттенков.

Художник прибегает к приему тогда, когда хочет выделить какой-то элемент предмета. Это может быть прожилка на растении, отдельный лепесток или ствол дерева на фоне неба. Тогда изображается светлая, освещённая часть предмета и тень под ним (или наоборот).

Переходы и цветовые решения

Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.

Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.

Основные мотивы японской живописи

В искусстве всё взаимосвязано с реальной жизнью, с чувствами и эмоции тех, кто причастен к нему. Как и в литературе, музыке и других проявлениях творчества, в живописи существует несколько вечных тем. Это исторические сюжеты, изображения людей и природы.

Японские пейзажи бывают разнообразными. Часто в картинах встречаются изображения прудов - излюбленного предмета интерьера японцев. Декоративный пруд, несколько водяных лилий и бамбук неподалёку - так выглядит обычная картина 17-18 века.

Животные в японской живописи

Животные - тоже часто повторяющийся элемент азиатской живописи. Традиционно это крадущийся тигр или домашняя кошка. Вообще, азиаты очень любят и поэтому их представители встречаются во всех формах восточного искусства.

Мир фауны - ещё одна тема, которой следует японская живопись. Птицы - журавли, декоративные попугаи, роскошные павлины, ласточки, незаметные воробьи и даже петухи - все они встречаются в рисунках восточных мастеров.

Рыбы — не менее актуальная тема для японских художников. Карпы кои - японский вариант золотой рыбки. Эти существа обитают в Азии во всех прудах даже маленьких парков и садов. Карп кои - своего рода традиция, принадлежащая именно Японии. Эти рыбы символизируют борьбу, решительность, достижение своей цели. Не зря их изображают плывущими по течению, обязательно с декоративными гребнями волн.

Японские картины: изображение людей

Люди в японской живописи - особенная тема. Художники изображали гейш, императоров, воинов и старцев.

Гейши нарисованы в окружении цветов, всегда в сложных одеяниях с множеством складок и элементов.

Мудрецов рисуют сидящими или объясняющими что-то своим ученикам. Образ старого учёного - символ истории, культуры и философии Азии.

Воина изображали грозным, порой устрашающим. Длинные были детально прорисованы и похожи на проволоку.

Обычно все детали доспеха уточнены с помощью туши. Нередко обнажённые воина украшают татуировки с изображением восточного дракона. Это - символ силы и военной мощи Японии.

Правителей изображали для императорских семей. Красивые одеяния, украшения в волосах мужчин - то, чем изобилуют такие произведения искусства.

Пейзажи

Традиционный японский пейзаж - горы. Азиатские живописцы преуспели в изображении разнообразных ландшафтов: одну и ту же вершину они могут изобразить в разных цветах, с разной атмосферой. Единственное, что остаётся неизменным - обязательное присутствие цветов. Обычно вместе с горами художник изображает какое-то растение на переднем плане и детально его прорисовывает. Красиво смотрятся гор и цветущей сакуры. А если рисуют опадающие лепестки - картина вызывает восхищение грустной красотой. Контраст в атмосфере картины - ещё одно замечательное качество японской культуры.

Иероглифы

Часто композицию картины в японской живописи совмещают с письменами. Иероглифы располагают так, чтобы смотрелось красиво композиционно. Обычно их рисуют слева или справа картины. Иероглифы могут обозначать то, что изображено на картине, её название или имя художника.

Япония - одна из самых богатых историей и культурой держав. Во всём мире принято считать японцев педантичными людьми, которые находят эстетику абсолютно во всех проявлениях жизни. Поэтому японские картины всегда очень гармоничны по цвету и тону: если и есть вкрапления какого-то яркого цвета - то только в смысловых центрах. На примере картин азиатских художников можно изучать теорию цвета, правильную передачу формы с помощью графики, композицию. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.

Монохромная живопись Японии - одно из уникальных явлений искусства Востока. Ей посвящено немало работ и исследований, но часто ее воспринимают как вещь весьма условную, а порой даже декоративную. Это не так.Духовный мир японского художника очень богат, и он заботится не столько об эстетической составляющей, сколько о духовной. ИскусствоВостока - это синтез внешнего и внутреннего, явного и неявного.

В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.

ширма "Сосны" Хасэгава Тохаку, 1593г.

То, что мы видим на монохромных картинах - это результат взаимодействия художника сосновной триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо понимать самого художника и его отношение.

"Пейзаж" Сэссю, 1398г.

Бумага для японского мастера не просто подручный материал, который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот - это «собрат», поэтому и отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы, к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а мирно сосуществовать с ней. Бумага - это в прошлом дерево, которое стояло в определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера прежде чем начать работу, долго смотрели на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали кживописи. Даже сейчас современные японские художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики не продавать эту бумагу другим художникам) - поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.

"Читая в бамбуковой роще" Сюбун, 1446г.

Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а манера написания текста соответствовала ее фактуре.

"Мурасаки Сикибу в храме Исияма" Кёсэн

Кисть - вторая составляющая, это продолжение руки мастера (опять же - это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой другой. (Из личного опыта: была на мастер-классе китайского художника Цзян Шилуня,зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и не знают как правильно ей пользоваться).

"Фудзи" эскиз тушью Кацусика Хокусай

Тушь - третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не маловажен.

Ямамото Байцу, конец XVIII - XIX век.

Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в них нет цвета?

Парная ширма "Сосны", Хасэгава Тохаку

Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение - всегда намек, оно обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность - это стимул диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна - они образуют художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал - в картине все имеет свой смысл и значение, и не несет случайного характера.

Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.

В-третьих,это взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.

Почему большая часть пространства бумаги не задействована?

"Пейзаж" Сюбун, середина XV века.

Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителяв изображение; во-вторых, изображение создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот исчезнет - это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих, на тех областях, где нет туши на первый план выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на деле это всегда взаимодействие двух материалов - бумаги и туши).

Сэссю, 1446г.

Почему пейзаж?

"Созерцание водопада" Гэйами, 1478г.

Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять. Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин, которые вписаны в окружающее их пространство и даже не всегда заметны - это все символы мировоззрения.

"Времена года: Осень и Зима" Сэссю. "Пейзаж" Сэссю, 1481г.

В заключение, хочу сказать, что монохромная японская живопись это не хаотично разбрызганная тушь, это не прихоть внутреннего эго художника - это целая система образов и символов, это хранилище философской мысли, а главное, способ коммуникации и гармонизации себя и окружающего мира.

Вот, думаю, ответы на основные вопросы, возникающие у зрителя при столкновении с монохромной японской живописью. Надеюсь, они помогут вам наиболее правильно понять ее и воспринять при встрече.