Понимание композиции - это вещь, на которую каждый фотограф должен потратить время. Без необходимости инвестирования в дорогое оборудование, понимание элементов хорошей композиции, несомненно, улучшит вашу фотографическую работу. Развитие фотографического видения к кому-то приходит само собой, но другим необходимо потратить время и приложить усилия для оттачивания своих визуальных навыков и способностей. Здесь представлена выборка подсказок и советов, которые помогут вам в оценке и построении композиции ваших работ.

Если у вас есть время, найдите повод сконцентрироваться и попрактиковаться в этих навыках, и, безусловно, постарайтесь помнить о них в следующий раз, когда вы делаете кадр, это может помочь вам почувствовать разницу между съемкой хорошего кадра и великолепного кадра.

Шаг 1 - Не пытайтесь быть совершенным

Важно понимать, что не существует такой вещи как «совершенная» композиция. Так как это субъективная форма искусства, вы никогда не достигнете точки, в которой вы получите идеальный кадр, но вполне возможно иметь кадры с плохой и хорошей композицией. Существует множество элементов композиции фотографии, которые я детально рассмотрю в этой статье. Каждый из разделов является лишь простой рекомендацией, которая поможет вам получить более сильные и привлекательные изображения.

Шаг 2 - Простота

Одна из основных вещей, на которую стоит обратить внимание, это расположение элементов в кадре относительно друг друга. Исходя из этого, вам нужно будет решить, что вы включите в кадр, а что уберете из него. Часто возникает искушение заполнить кадр как можно большим количеством интересных объектов, но когда речь идет о композиции, лучше быть избирательным относительно того, что вы включаете в кадр и подходить к выбору осознанно. Некоторые из наиболее ярких фотографий имеют очень простую, но эффективную композицию, взгляд без помех следует по изображению, и зритель оказывается вовлеченным в ясный и эффектный кадр.

Шаг 3 - Правило третей

Одно из простейших правил композиции - это правило третей, которое стало очень распространенным инструментом для любителей и профессиональных фотографов. Метод состоит в разделении кадра на трети, вертикально и горизонтально (так что фактически это девятые части), и в использовании этих линий для эффективного разделения вашего изображения и отделения областей изображения. Точки, в которых линии пересекаются, рассматриваются как ключевые области для главных объектов в кадре.

Это правило, хоть и очень простое, работает действительно хорошо при правильном применении. Например, в пейзажных фотографиях, горизонт может проходить через кадр по нижней горизонтальной линии, а вершина горного хребта пересекать верхнюю горизонтальную линию. Аналогично, с портретными кадрами, глаза могут быть размещены в точках, в которых верхняя горизонтальная линия пересекает две вертикальные линии.

Шаг 4 - Композиция в пейзаже

Чрезвычайно важно эффективно использовать композицию при работе с пейзажами. Драматическая составляющая великолепного пейзажного кадра базируется на композиции и структуре. Спросите себя, о чем будет ваш кадр. О воде, о горах в отдалении, о горизонте, закате или камнях на переднем плане? Какие элементы вы хотите выделить в кадре? Используя правило третей, постарайтесь убедиться, что в кадре есть разные уровни, убедитесь, что у вас есть интересный объект на переднем плане, чтобы добавить ощущение глубины и масштаба в изображение, и что главная точка фокуса в кадре четко расставляет приоритеты.

Шаг 5 - Линии

Линии в изображении - один из наиболее эффективных способов сделать ваш кадр более ярким. Горизонтальные и вертикальные линии делают изображение четко структурированным, в то время как изогнутые линии воспринимаются более спокойно. Рассмотрите, где каждая линия в кадре начинается и куда ведет. Это очень эффективно - иметь в кадре линию, ведущую взгляд, например, от нижнего угла через изображение к противоположному углу. Тропинки, реки, железнодорожные пути и дороги могут послужить этой цели при правильном использовании.

Когда вы работаете с горизонтальными и вертикальными линиями в кадре, убедитесь, что снимок выглядит четко, что линии прямые. Вы не поверите, как много фотографий, из тех, что я видел, были испорчены немного наклоненной линией, например, горизонта. Конечно, возможно впоследствии обработать кадр, чтобы исправить эти ошибки, но гораздо лучше хорошенько попрактиковаться и корректно выравнивать его уже во время съемки.

Шаг 6 - Формы

Когда вы поймете роль, которую играют линии в композиции изображения, вы сможете оценить влияние форм. Попробуйте дистанцироваться от того, что вы смотрите через видоискатель на конкретный предмет и обратитесь к форме каждого элемента в кадре. Важно понимать, как формы взаимодействуют друг с другом. Сильные формы, такие как треугольники и квадраты, гораздо проще разместить в кадре, чем более мягкие округлые формы, но при помощи оценки того, как каждый элемент сформирован, вы сможете оказывать очень сильное воздействие через представление форм и их взаимодействия как основной темы снимка.

Шаг 7 - Контраст

Когда речь идет о вашем основном объекте съемки, рассмотрите его в контексте и отношении к его окружению. Как цвета, формы, текстуры и оттенки основной точки фокуса соответствуют окружающему пространству? Если между ними существует сильная связь, вы сможете обыграть это и выделить в изображении при помощи композиции, объединив объект с окружением. Если объект и окружение сильно отличаются, постарайтесь использовать техники композиции для усиления этих различий.

Шаг 8 - Формирование кадра

Эффективное формирование кадра - основа сильной композиции. Естественное желание - поместить главную точку фокуса точно по центру, но это чаще всего выглядит странно и оторвано от окружения. Попробуйте расположить ее ближе к одной из сторон или к углу, чтобы посмотреть, сможете ли вы создать контекст и взаимосвязи. Стоит заметить, правда, что часто портреты выглядят наиболее ярко, когда объект расположен по центру. Так что вам стоит поэкспериментировать, не принимайте одно единственное решение о компоновке кадра и не останавливайтесь на нем, исследуйте все ваши возможности.

Шаг 9 - Негативное пространство

Важно принимать во внимание негативное пространство в изображении. Когда вы работаете с небольшими объектами, тенденция состоит в том, чтобы попытаться поместить всю точку фокуса в кадр. На самом деле, композиция при съемке макро объекта становится гораздо более яркой, если вы либо заполните кадр объектом, разместив его вплотную, либо используете негативное пространство вокруг, чтобы позволить объекту «дышать» и гармонично разместиться в окружении.

Попробуйте поэкспериментировать с чем-нибудь простым, как, например, морская ракушка, или посмотрите, как вы можете изменить композицию, если вы не просто сделаете кадр обычным способом, а попробуете приблизиться, или, напротив, отдалиться.

Шаг 10 - Угол

Когда вы работаете с вашим объектом, рассмотрите угол, с которого вы снимаете. Чаще всего самый простой способ - снять объект под углом, под которым вы его видите, но пока вы работаете над кадром, исследуйте различные углы и подходы. Вы можете найти более интересный способ для выражения главной темы снимка.

Шаг 11 - Слои

Так же, как в случае работы со слоями в пейзажных кадрах, не забудьте включить некоторые элементы глубины в ваши изображения. Помещение интересного объекта на передний план - самый простой способ это сделать, но даже использование зигзагообразно расположенного объекта добавит ощущение глубины и поведет взгляд вглубь изображения.

Шаг 12 - Симметрия и узоры

Эффективная эксплуатация симметрии и узоров может способствовать созданию действительно мощного кадра, особенно когда вы работаете с такими объектами как архитектура. Потратьте время на исследование объекта и распознавание узоров и закономерностей (обращая внимание на формы и линии). Найдите среднюю точку и расположите камеру точно перпендикулярно к объекту. Избегайте отвлекающих внимание деталей, которые нарушат симметрию или узор, постарайтесь максимизировать желаемый эффект.

Шаг 13 - Кадрирование

В наш век пост-обработки, если вы вдруг придете домой и обнаружите, что скомпоновали кадр не так, как вам того хочется, еще ничего не потеряно. Почти все утилиты для обработки изображений сейчас имеют инструмент кадрирования, при помощи которого вы можете обрезать лишние части фотографии. Вы можете сделать это с закрепленным соотношением сторон (большинство фотографий сегодня имеют соотношение 3:2), или же свободно обрезать кадр до формы, которую вы хотите получить, например, до квадрата, или создать панорамный пейзажный кадр, отсекая нижний и верхний уровни.

Шаг 14 - Практика, практика и еще раз практика

Итак, мы изучили ряд композиционных принципов, которые могут действительно помочь вам на вашем пути создания более сильных и увлекательных изображений. Как только у вас появится возможность, попрактикуйтесь в использовании этих предложений. Что бы вы ни снимали: пейзажи, портреты, макро, - всегда есть пространство для экспериментов по совершенствованию вашей композиции, шанс сделать ваш кадр хоть немного, но более ярким.

Только, пожалуйста, запомните, что не бывает простых и быстрых решений для создания великолепных кадров. Вышеперечисленные техники могут помочь вам, но переступать через них также не воспрещается. Когда вы решите, что поняли, как эффективно применять эти принципы на практике, не стесняйтесь начинать нарушать правила и снимать ваши объекты тем творческим способом, который вы считаете для себя оптимальным.

Любой, даже самый мастерски исполненный рисунок можно испортить неправильной композицией. Композиция — это не только умение грамотно расположить объекты в плоскости рисунка, объединить их в единое целое, но и умение заинтересовать зрителя, привлечь его взгляд к своей работе. Чаще всего художник находит правильную композицию по наитию, это надо чувствовать, но это не значит, что этому нельзя научиться.
Работу над композицией рисунка всегда нужно вести с учетом особенностей человеческого восприятия. Глазу человека необходимо перемещаться по картинной плоскости. Поэтому художники создают для глаза определенный «маршрут», похожий на простые геометрические фигуры. Для примера приведу великие шедевры мировой живописи.

Как правило, в рисунке существуют смысловые точки, за которые цепляется глаз человека — в первую очередь привлекает внимание композиционный центр (о нем чуть позже), затем общее пространство, перспектива, конкретные детали и фон.
В этом уроке я решила использовать работы из Галереи сайта. Мне кажется, что на работах обычных людей, а не великих классических художников, объяснение будет более понятным. Заранее благодарю авторов и надеюсь, что никто не будет против.

В композиции существует три основных закона:

1) Закон цельности и неделимости

Это значит, что ваш рисунок должен восприниматься цельно независимо от количества изображенных на нем объектов. Здесь очень важно именно расположение объектов. Каждый из них производит на человека свое впечатление, и если их не упорядочить — рисунок будет носить хаотичный характер, раздражать и снизит общий эффект от рисунка. Все элементы должны быть связаны по смысловому и пространственному расположению, композиции следует быть разнообразной, но не пестрой. Приведу примеры:

Рис 2. Правильно: пример из классики.
Голландские натюрморты всегда отличались большим количеством изображенных предметов, выписанных с фотографической тщательностью. И, тем не менее, художники умело объединяли работу цветом и тоном в одно целое.

Рис. 2-2. «Клан Льда, Морозная фея (волшебница)», Sweezar.
Верно. Несмотря на большое количество деталей, работа так уравновешена, выстроена и сгармонирована по цвету, что смотрится единым целым.

Рис 2-3. (Sorry, я не в курсе, чья это работа) .
Неверно. Вроде глаз должен смотреть на персонажа, но слишком яркое белое пятно света, узор в левом нижнем углу и хаотично разбросанные по фону перышки отвлекают и не дают сосредоточиться на главном.

2) Закон контраста

Какие существуют виды контрастов? Правильно. Контраст величин (маленькое-большое), цветовой контраст, тональный (светлый-темный), даже смысловой контраст. Контраст помогает выделить главное, создать общее настроение рисунка. Контраст — это очень хорошее средство сделать свой рисунок более выразительным. Если все объекты будут выполнены на нюансах (одинаковый размер, одно цветовое решение, близкие по тону), глазу зрителя будет просто не за что «зацепиться», он не увидит и не поймет главного. (хотя и здесь есть исключения, но об этом нужно писать урок цветоведения)

Рис.3. «Красные цветы», Corvus_SS.
Цветовой контраст. Черный и красный — один из самых проверенных временем цветовых сочетаний. Тем более что работа в общем монохромная, и красный цвет очень контрастирует с общей цветовой гаммой. Очень яркий контраст, с помощью которого передаются эмоции и настроение работы.

Рис. 3-1. Акцентирует внимание.. .
Контраст величин. Ну я думаю тут и так все понятно. Человеческому глазу абсолютно неинтересно, когда на рисунке все объекты одной величины. Такой рисунок не привлечет внимания и быстро наскучит. Поэтому необходимо выделять главное за счет контраста величин.

Рис. 4. «Демоны», Rainov13.
Смысловой контраст. Ну например вечный принцип «Красавицы и Чудовища». Вы ведь замечали, что на фоне безобразного еще более четко заметна красота, в темноте сильнее и ярче горит свеча…
Вот пример. Если поместить в рисунок толпу гламурно-стразинковых девушек на попсовой вечеринке, а на их фоне — мрачного готика, кто по вашему в первую очередь привлечет внимание? Правильно, тот кто по общему смыслу туда не вписывается.
Это и есть смысловой контраст. Надо отметить, очень интересное и «сильнодействующее» средство.

3) Закон подчиненности всех элементов и средств композиции единому замыслу

Композиция всегда должна выстраиваться вокруг главного объекта или действия. Все второстепенные элементы должны подчиняться, не должны отвлекать внимание или быть лишними (необязательными). С помощью второстепенных предметов взгляд человека должен постоянно направляться к главному. Они должны, как я уже говорила, словно по определенному маршруту вести взгляд зрителя к смысловому центру композиции.

Чтобы сделать хорошую композицию, существуют определенные правила и приемы.

— Ритм.
Это может быть, к примеру, ритм повторяющихся (в меру) цветовых пятен, фигур, расположенных на определенной «линии», которая ведет глаз к композиционному центру.

Рис. 5. «Трое», Chernaya Bandana.
В этой работе ритм черных пятен, по которым глаз движется по картине. Этот ритм не дает человеческому восприятию заскучать на этом рисунке.

Рис. 5-1 «Человечность», neod.
На этой работе есть определенный ритм фигур. Оба примера монохромны, но не забывайте, это правило относится и к полноцветным работам.

— Композиционный центр.
Именно там расположено самое главное, то, ради чего собственно и затевался весь этот рисунок. Смысловой центр… Как правило, он располагается на втором плане. На первом располагаются объекты (фон, абстрактные узоры, второстепенные персонажи, пейзаж), которые как бы «вводят» взгляд зрителя в рисунок, плавно подводят его к главному. Этот центр может выделяться многими средствами, о которых было сказано выше.

Рис. 6. «Скакалка», Булгакова Татьяна.
Здесь центром является фигурка. Взгляд зрителя к ней ведут не только линии, фон, но и то, что центр композиции выделен тональным контрастом, т.е центр композиции выделен более светлым пятном.

— Статика и динамика.
В композиции может быть движение, а может его и не быть. Это зависит опять-таки от замысла художника. Статичные объекты создают состояние покоя, или мертвой тишины. Кому что нужно. Тут проще. К статичным объектам хорошо применяется правило вертикаль/горизонталь, но о нем чуть позже.
Если в рисунке присутствует ярко выраженная динамика, то тут нужно запомнить одно — всякому движению необходимо противодвижение. Это уравновесит рисунок, чтобы не было впечатления того, что предмет «падает» или. «вылетает» за пределы рисунка.

Рис. 7. «Вишневый демон», Corvus_SS
Статичная композиция. В ней не ярко выраженного движения.

Рис. 7-1, «RAH TILT!», № 400.
В композиции четкая динамика, сильное движение. Тем не менее все уравновешено, движению есть «противодвижение».

— Принцип вертикали и горизонтали.
Тут тоже все несложно. Рисунок может выстраиваться на сочетании вертикальных и горизонтальных объектов (или направлений). Главное чтобы они были уравновешены. Чтобы не получилось так, что в рисунке одни вертикали или наоборот. Человеческий глаз должен двигаться по картине, объекты создают маршрут движения. Если вертикали не уравновесить, глаз просто в них завязнет, не сможет пройтись по всему рисунку, то есть все старания художника пропадут даром.
В работе может быть одна очень сильная вертикаль/горизонталь или несколько менее сильных.
Рис. 8. «Мотыльки», Corvus_SS.
Прекрасный пример. Здесь есть очень сильная вертикаль (фигура), которая уравновешивается несколькими горизонталями.

— Формат.
В композиции нет мелочей. Все должно быть продумано, и, конечно же, формат рисунка. Он производит, скорее, психологическое, нежели художественное впечатление. Квадрат (или приближенный к квадрату прямоугольник) — создает ощущения надежности, покоя, стабильности. В квадрате хорошо рисовать портреты, статичные спокойные работы.
Формат, более вытянутый по горизонтали, подходит для панорамных пейзажей, либо какие-то стремительные действия — битвы, полет… В таком формате редко используются крупные планы лиц, портреты, чаще — целые фигуры. Этот формат более приземленный.
Формат, вытянутый по вертикали — более легкий, летучий. Я бы даже сказала торжественный. В него идеально вписывать фигуры людей.

Это краткие основы композиции академического рисунка. Эти правила можно использовать в любой манере и технике рисования.
Совет — выберите одно-два средства, приема и пользуйтесь только ими. Не перегружайте рисунок, это не улучшит его, а только создаст ненужный хаос.
И еще одно — нужно помнить всегда, что правила созданы для того, чтобы их нарушать. Главное для художника — на создать картинку по шаблонной схеме, а сделать красивую гармоничную композицию.
Надеюсь, что помогла вам хоть немного.

Перед началом работы над рисунком возьмите чистый лист бумаги необходимого в соответствии с задачами изображения размера, прикрепите его к мольберту, заточите карандаши, никак не забывая о спасительном средстве при неудачах — резинке, и т.д. Перед вами натурная постановка, которую необходимо воспроизвести на бумаге. На листе в данное время ничего нет, кроме плоской и пустой белой поверхности. Ее предстоит заполнить образом натурной модели.

С чего же все-таки начинать работу? Конечно же, с размещения изображения именно на плоском формате бумаги. Казалось бы, начинай рисовать с какого-нибудь края модели, а дальше продолжай и, разумеется, следи, чтобы рисунок не становился большим или маленьким. Но не тут-то было: изображение не получилось сразу как надо, ибо в этом месте что-то не так, а в том размер оказался чуть больше, и т.д.

Композиция рисунка, проще — компоновка, — тоже искусство. Здесь требуется точно, выразительно расположить изображение в пределах формата. Нужно помнить, что от характера натуры зависит выбор формата, т.е. как расположить саму бумагу — по вертикали или горизонтали (на квадратных форматах в учебной практике почти не рисуют). Далее, каждый, кто начал рисовать, может наблюдать интересное явление, возникающее при восприятии картинной плоскости (так называют любую изобразительную плоскость),— несовпадение зрительного центра с геометрическим центром листа бумаги или холста , натянутого на подрамник и загрунтованного для работы на нем красками. Начнем убеждаться в этом на следующем примере. Если согнем лист пополам по горизонтали, то увидим, что верхняя половина кажется большей, хотя знаем, что они абсолютно равны. Если же согнуть другой лист на две половины уже по вертикали, то покажется, что левая половина чуть больше. В чем же дело? В той особенности нашего зрения, которая вызвана психологией восприятия изображения более тяжелого, например по весу, внизу и более просторного справа. Нам легче посмотреть вниз и вправо, нежели наоборот. В связи с этими свойствами зрительного восприятия находится компоновка изображения, и об этом нужно помнить постоянно.

Но есть еще одна особенность нашего зрения, которая, вероятно, не возникла как результат мыслительной деятельности человека, а существует изначально, потому что она явилась следствием созданного самой природой таинства: от строения микрочастиц до ее венца — человека. Это основа прекрасного — гармония, о которой очень проникновенно говорил автор труда «Десять книг о зодчестве»: Леон-Баттиста Альберт и, старший современник Леонардо да Винчи: «Есть нечто большее, слагающееся из сочетания и связи этих трех вещей (числа, ограничения и размещения), нечто, чем чудесно озаряется весь лик красоты. Это мы называем гармонией, которая, без сомнения, источник всякой прелести и красоты. Ведь назначение и цель гармонии — упорядочить части, вообще говоря, различные по природе, неким совершенным соотношением так, чтобы они одна другой соответствовали, создавая красоту... Она охватывает всю жизнь человеческую, пронизывает всю природу вещей. Ибо все, что производит природа, все это соразмеряется законом гармонии. И нет у природы большей заботы, чем та, чтобы произведенное ею было вполне совершенным. Этого никак нельзя достичь без гармонии, ибо без нее распадается высшее согласие частей».

Не будет никакой ошибки, если скажем, что человеческий глаз стремится видеть окружающий мир в пропорциях так называемого «золотого сечения», и это стремление подкрепляется нашей врожденной способностью. Ведь каждый из нас несет в себе все осуществленные природой пропорции «золотого сечения» как в целом (работа мозга, сердца, режимы труда и отдыха), так и в частях (строение глаза, пропорции частей лица, руки, кисти и всего тела).

Человек и в прошлом, и ныне пользуется при создании гармонических произведений (строительных сооружений, статуй, фресок, росписей, картин и т.д.) многими пропорциями. Среди них «золотое сечение » имеет удивительные свойства: меньший отрезок так относится к большему, как больший ко всему Целому (иными словами, суть пропорции в том, что она отвечает такому делению целого на две части, при котором отношение большей части к меньшей равно отношению целого к большей части). Название рассматриваемой пропорции дал Леонардо да Винчи.

«Золотое сечение» не проявляется само по себе в композиции картины или рисунка. Здесь эту пропорцию соблюдает сам художник, ибо форма, в основе построения которой лежат сочетающиеся симметрия и «золотое сечение», становится по-настоящему организованной, способствующей наиболее ясному выражению содержания, легкому зрительному восприятию и ощущению красоты. Следовательно, при хорошем знании теоретических принципов «золотого сечения» можно смело использовать его в изображении (о том, как применять знаменитую пропорцию непосредственно в композиции рисунка, на страницах учебника будет сказано далее).

В решении задач расположения изображения на бумаге помимо проявляющихся особенностей нашего зрения и врожденного чувства пропорций нужно обучаться способности видеть композиционно. Что это такое? Вспомним, как, рассматривая что-нибудь, мы вынуждены переводить взгляд и на окружающую среду, тем самым соотнося с нею заинтересовавший нас предмет. Вот здесь и кроется начало композиционного восприятия, ибо главный объект нашего зрительного интереса находится в центре внимания, а окружение необходимо для определения предмета и его места в нем. Но еще лучше композиционность проявляется, когда перед глазами есть два или три предмета, расположенные так, что приходится выбирать при их рассматривании некий промежуточный центр внутри поля ясного зрения, чтобы охватить взглядом все увиденное в совокупности и таким образом объединить его композиционно. Умение видеть композиционно следует развивать, так как с самого начала занятий по рисованию все воспринимаемое нужно мысленно заключить в какое-то обрамление. Это означает, что «рамочное видение» образовалось вследствие работы с прямоугольными форматами бумаги. Формат тоже влияет на рисующего, дисциплинирует его, способствует собранности и постепенно приводит ко все более удачной компоновке изображений.

Итак, компоновку рисунка помогает продумать не только натурная постановка, но и выбранный формат бумаги. После этого нужно стараться выработать в себе способность мысленно представить будущее изображение на бумаге, т.е. увидеть его как бы уже готовым, причем даже в предполагаемой технике исполнения. Разумеется, не скоро вырабатывается такая способность, но если подойти к этому неординарно, с верой в свои возможности, то добиться его вполне по силам каждому.

Приступая к компоновке на листе, не торопитесь поскорее увидеть свой рисунок воочию, потому что неминуемо допустите композиционные ошибки. Компоновку следует начинать с общего вида натуры. Под этим подразумевается намеченный на бумаге легкий карандашный силуэт. Конечно, слово «силуэт» здесь не следует понимать в его настоящем значении. Так мы называем очерченное легким контуром плоское пятно чистой бумаги, очень отдаленно похожее на рисуемый с натуры предмет.

Начало работе положено, так как силуэт (плоское пятно) появился благодаря уже определенной вами композиции рисунка. Еще раз напомним, что натурная постановка сама в какой-то степени подсказала вам компоновку, а также ваша способность видеть композиционно. Следовательно, сам силуэт обозначил композицию будущего изображения.

После определения композиции силуэтом начинается работа, связанная с построением линейно-конструктивной основы предмета либо группы предметов. При уточнении самой композиции изображения рисующий должен осознать взаимосвязь всех деталей постановки и показать их вспомогательными линиями. Без такого выявления карандашом каждой детали трудно и, пожалуй, невозможно понять особенности строения формы.

Одновременно с этим этапом определения формы нельзя забывать о выявлении в изображении перспективных отношений. Передача в рисунке пространства идет вровень с композиционным построением.

Подведем общие итоги. Всякий рисунок только тогда имеет право на свое название, когда он скомпонован. Латинское слово «composition в переводе понимается как «сочинение», «составление», «расположение». Применительно к рисунку с натуры должны быть понятны слова «расположение» и «составление». Следовательно, рисунок сначала нужно расположить (разместить) на формате бумаги, чтобы изображение было закомпонованным. Такая компоновка представляет изображаемые предметы плоскими пятнами (силуэтами) с их пропорциональными отношениями друг к другу и к плоскости листа.

В последующей работе можно применить в отношении изображения и понятие «составления» рисунка. Здесь рисунок «составляется» из взаимосвязанных объема и пространства, что достигается передачей светотеневых отношений.

Таким образом, композиция рисунка предусматривает отражение сознании рисующего направлений выбора оптимальных способов изображения видимого мира на плоскости.

В каждом виде искусства существуют понятия, без знания которых тяжело двигаться вперед и развиваться. В изобразительном искусстве основное такое понятие – это композиция. Без нее никуда! Правильная композиция - это один из секретов по-настоящему удачной картины. В этой статье мы разберем основные виды композиции, познакомимся с правилами ее построения и научимся составлять правильные композиции в своих рисунках. Вперед!

Понятие композиции в рисунке и ее виды

Чтобы научиться рисовать, важно четко понимать, что же такое композиция в рисунке и с чем ее едят. Композиция в рисунке и живописи - это расположение предметов на вашей картине. Если говорить по-научному, то композиция - это распределение предметов и фигур в пространстве, установление соотношения их объемов, света и тени, пятен цвета. Если композиция в картине правильная, то все элементы картины будут визуально органично связаны между собой. В рисунке и живописи существуют два основных вида композиции: 1. Статичная композиция - это композиция, которая передает в рисунке ощущение равновесия, состояние умиротворения. 2. Динамичная композиция - хорошо передает движение, бурные эмоции, стихию природы. Разницу этих двух видов композиции можно отчетливо увидеть на примере рисунка ракеты ниже.

На левом рисунке ракета неподвижна. Это ощущение создается за счет статичной композиции. Статичная композиция в этом рисунке возникает за счет пересечения горизонтальной оси (линия горизонта) с вертикальной осью (ровно стоящая на земле ракета) под прямым углом. Пересечение вертикальной и горизонтальной линий под прямым углом (перпендикулярные прямые) в рисунке всегда добавляет статики и монументальности. На правом рисунке есть ощущение, что ракета летит. Это ощущение для зрителя мы создали с помощью динамичной композиции за счет смещения угла наклона. Вы можете легко проделать такой же эксперимент, нарисовав, например, чашку. Когда вы нарисуете горизонтальную линию стола и ровно перпендикулярно столу нарисуете чашку - вы увидите устойчивое состояние (статичная композиция). А теперь нарисуйте чашку под углом к столу и вы увидите, что возникло ощущение момента падения, динамики (динамичная композиция).

Композиционный центр как основа композиции

Мы разобрались с основными видами композиции в рисунке и живописи и теперь переходим к следующему важному элементу - композиционному центру. Композиционный центр - это объект, к которому, по задумке художника, должен стремиться глаз зрителя - центральный элемент рисунка. Художнику очень важно уметь определить композиционный центр и сделать на нем акцент в своей работе. Есть и исключения. Например, паттерны (простые повторяющиеся формы, цвета или объекты), специфические иллюстрации, поддержанные определенной концепцией, могут не содержать композиционного центра.

Как художнику научиться выделять композиционный центр в своих работах? Об этом мы как раз поговорим далее!

Выделение композиционного центра в рисунке

Есть несколько приемов, которые помогут вам быстрее научиться рисовать и грамотно строить композицию. Эти «секреты» привлекут внимание зрителя к задуманному композиционному центру. Вот они:

✔ КОНТРАСТНЫЙ КОМПОЗИЦИОННЫЙ ЦЕНТР Контраст - это яркая разница между светлым и темным. Уловка заключается в том, что необходимо противопоставить композиционный центр тональности остальной композиции. То есть сделать так, чтобы задуманный вами композиционный центр был явно темнее, или явно светлее остальных элементов на картине. Если сравнить два рисунка ниже, то вне зависимости от расположения ракеты, композиционный центр явно считывается - это, как раз, достигается за счет контраста с основным фоном. При использовании этого приема, надо учитывать некоторые моменты: темные заливки, визуально уменьшают предмет, а светлые, наоборот - увеличивают.

✔ НАПРАВЛЯЮЩИЕ ОСИ Для привлечения внимания к композиционному центру своей картины, используйте направляющие линии. Направляющие линии можно использовать как леску, на которую нанизывают бусины, только вместо бусин будут предметы, задуманные в композиции. Важно построить движение, как систему коридоров, ведущих к одной цели - композиционному центру. На левом рисунке к композиционному центру (космонавту) ведут направляющие линии с разных углов. А в правом, несмотря на насыщенность деталями композиции, за счет направляющих линий и направления движения всех элементов, композиционный центр (космонавт) также остается выделенным.

✔ РАЗМЕРНОСТЬ И МНОГОПЛАНОВОСТЬ Чем больше объект, тем больше на него внимания. Поэтому, чтобы сделать какой-то объект главным на свое картине - сделайте его большим. Но здесь есть важные исключения: если все объекты на картине крупные и лишь один маленький - он интуитивно будет играть роль «крючка», и зритель будет, неоднократно, визуально возвращаться к нему. Многоплановость - позволяет создать пространство и глубину в изображении. Чтобы выделить композиционный центр в своей работе, выдвиньте его на передний план, а все остальные элементы - на задний. Или сделайте наоборот: обозначьте композиционный центр на заднем плане, а неважные элементы - на переднем. Самое главное - чтобы композиционный центр был единственным элементом, стоящим на заднем или переднем плане. Здесь верные помощники - это размывки (blur), помогающие усилить разность планов, как на рисунке справа.

Правила построения композиции в рисунке

Мы уже знаем, как создать ощущение покоя или движения в рисунке за счет статичной и динамичной композиции, а также как привлечь внимание зрителя к главному объекту композиции - «композиционному центру» за счет особых приемов и «уловок». Теперь нам пора узнать, по каким правилам необходимо выстраивать гармоничную и правильную композицию в рисунке. В изобразительном искусстве существует несколько правил, по которым строится композиция. Для того чтобы научиться рисовать, вам нужно иметь представление об этих самых правилах. Поэтому ниже я постараюсь максимально понятно и кратко рассказать о них.

Правило «Золотого сечения»

«Золотое сечение» или «золотая пропорция» - это универсальное проявление структурной гармонии. В процентном округлённом значении золотое сечение - это деление какой-либо величины в отношении 62 % к 38 %.

“Золотое сечение” бывает двух видов: 1. Спиралевидное золотое сечение или логарифмическая спираль (левый рисунок). Свое название эта спираль получила из-за связи с последовательностью вложенных друг в друга прямоугольников с отношением сторон, равным φ (это фиксированная величина, равная 1,62), которое принято называть золотыми. Достаточно визуально представить спираль на листе и уже на ней расположить предметы. Или ориентируясь на данный рисунок, тонкой еле заметной, карандашной линией, нарисовать ее на листе. Спиралевидное золотое сечение очень распространено в природе – например, раковина улитки. 2. Диагональное золотое сечение (правый рисунок). Диагональное золотое сечение широко используется в композиции для распределения объектов разных по смыслу. В прямоугольнике проводим диагональ. Далее из вершины необходимо провести перпендикуляр к уже проведенной диагонали. В итоге получаются три треугольника разных размеров. Значимые объекты располагаются в них. Это правило означает, что для гармоничной композиции нужно масштабы предметов соотносить с пропорциями nhteujkmybrjd (как на правом рисунке). Большой объект - в большом треугольнике «а», средний - в среднем треугольнике «b», маленький - в маленьком треугольнике «с».

В этом уроке вы будете практиковаться рисовать натюрморт с помощью уже знакомых простых геометрических объектов.

Натюрморт - это композиция из нескольких объектов. Композиция это такое соединение элементов которое дает ощущение единого целого. Обратите особое внимание на размещение объекта внутри рисунка с самого начала. Должен существовать баланс между нарисованными объектами и пространством вокруг них. Другими словами, нарисованные объекты не должны быть слишком маленькими или слишком большими, "падать" с бумаги или быть смещены влево или вправо. Это первый этап в рисовании натюрморта. Следующей важной частью являются пропорции объектов. Пропорции являются взаимосвязью между двумя или более величинами. Обратите внимание на взаимосвязь между размерами и формами. Уделите время для определения взаимосвязи между объектами. Всегда работайте параллельно, изображения должны "проявляться" как на картинке Polaroid.

Композиция в Рисунке

Композиция является сложной и важной темой в живописи, и приводимые ниже примеры являются ни в коей мере исчерпывающими.

Рисунок из видео. Считаете ли вы, что композиция сбалансирована? Вы можете задать себе следующие вопросы во время рисования:

* Будет ли перемещение объектов влево/вправо/вверх/вниз давать более сбалансированное изображение?
* Будет ли «увеличение» или «уменьшение» масштаба на картине делать её более сбалансированной?
* Сбалансированы ли пространства между объектами?

Нажмите, чтобы увеличить изображение