Selo nastavlja da promoviše efikasno samoobrazovanje. Ove sedmice radimo sa stručnjacima kako bismo otkrili koje knjige i časopise čitati, šta gledati i gdje učiti kako bismo samostalno učvrstili svoje znanje o arhitektonskim trendovima ili se pripremili za odgovarajuće obrazovanje.
Aleksandar Ostrogorski
MARTA nastavnik, šef odjela za obrazovne programe Muzeja Moskve, arhitektonski novinar
Arhitektura uopšte, kao i muzika uopšte ili nauka uopšte, preveliko je polje interesovanja da bi se naznačio samo jedan pristup tome. Osim ako vaš prvi korak nije upravo ovo - proučavanje prostora arhitekture i traženje vašeg interesovanja za njega, vašu omiljenu temu. Arhitekte i kritičari to rade nekoliko stotina godina zaredom sa formulom koju je izmislio rimski arhitekta Vitruvije, koji je u 1. veku pr. e. napisao je svojih „10 knjiga o arhitekturi“, u kojima je istakao tri glavna svojstva arhitekture – korist, snagu i lepotu. Iako je od tada prošlo više od 2 hiljade godina, čini se da bolja definicija nije izmišljena. Ova tri kriterija su i način za procjenu bilo koje zgrade i smjernice za poboljšanje vlastite sposobnosti razumijevanja arhitekture. Odnosno, vidjeti koliko su neke zgrade u isto vrijeme korisne, izdržljive i lijepe (jedna proizilazi iz druge), dok druge nisu (međutim, to nije uvijek jasno loše).
Naišao sam na nekoliko, možda univerzalnih, motiva koji motivišu čoveka da se zainteresuje za arhitekturu - mada je to, naravno, samo moje iskustvo. Ali ja bih radije krenuo od univerzalnih ljudskih ideja o tome šta arhitektura pruža ili zašto je važna, nego od ponekad vrlo različitih pogleda samih arhitekata, strukture arhitektonskog obrazovanja ili stavova kritičara. Ovo govorim kako bih unaprijed zamolio oproštenje od onih čitatelja čiji će interesi biti izvan sheme koju ću ja koristiti, ili onih koji već imaju svoju ili poznatu shemu, koja se njemu ili njoj čini idealnom (a moja će izgledaju jeretički).
Dakle, u odnosu na arhitekturu, sve ljude možemo podijeliti na one koji...
...kao lepe stvari. Ljepota je vjerovatno najteža kategorija za arhitekturu. Prvo, arhitektura nije mimetička umjetnost, odnosno građevine ne predstavljaju ništa (izuzeci se dešavaju, iako ne često), pa se ovdje ne javlja „zadovoljstvo prepoznavanja“ koje je Aristotel smatrao osnovom estetskog užitka. Kao iu muzici, lepota u arhitekturi je ritam, proporcije, odnosi oblika, boja i materijala.
Čuveni njemačko-engleski istoričar arhitekture i kritičar Nicholas Pevsner jednom je rekao: "Hupa za bicikle je struktura, Lincoln Cathedral je arhitektura." Drugim riječima, svaka arhitektura je zgrada, ali nije svaka zgrada arhitektura. Sada ima mnogo onih koji bi željeli raspravljati s ovom tvrdnjom, ali u ovoj misli ima istine: arhitektura počinje tamo gdje su kreatori građevine - bilo da se radi o slavnom arhitektu ili bezimenim zidarima - pokušali otići dalje od rješavanja praktičnih problema. Pitanje je gde su tačno hteli da odu, zašto i šta su smislili. Na ova pitanja manje-više odgovara istorija i teorija arhitekture. Svaka era, svaka zemlja i tradicija nudili su svoje programe i skupove alata. Danas nam se ne čini sve intuitivno “lijepo” - o egipatskim piramidama procjenjujemo potpuno drugačije nego o renesansnim spomenicima, a moderna arhitektura mnogima djeluje monotono i bezlično.
Primamljivo je odrediti vrijednost zgrada iz jednog doba u odnosu na objekte iz potpuno drugih, pogotovo ako stoje jedna do druge, kao što je to slučaj u gradu. Pa, ukus je svačija stvar; neki vole stubove klasičnih fasada, drugi vole trakaste prozore konstruktivističkih. Ali ne smijemo zaboraviti da su oni rezultat različitih situacija, a mjeriti ih jednim aršinom nije sasvim ispravno. Još jedna stvar je iznenađujuća (međutim, isto je i sa bilo kojom drugom umjetnošću) - što više saznate o tome kako su arhitekti različitih epoha mislili i težili, to je širi koridor individualnih preferencija ukusa.
...kao priča. Arhitektura je, više od bilo koje druge umjetnosti, živi svjedok istorije. Svaka zgrada je proizvod svog vremena, ukrštanje društvenih, političkih, kulturnih i tehnoloških fenomena. Dešifrovati zgradu kao poruku budućnosti, kao zapis u hronici, znači rešiti fascinantnu zagonetku. Začudo, ovdje formula koju je predložio Pevsner djeluje obrnuto - neopisivi, utilitarni objekti ponekad govore više o svom vremenu nego remek-djela arhitekture. Uporedite Hruščova i, na primjer, Palatu pionira na Vrapčevim brdima - samo zajedno mogu dati ispravan utisak o sovjetskoj kulturi i životu 60-ih. Staro englesko dvorište, čudesno očuvano na Varvarki - u suštini odaje bogatog građanina iz 15. veka - bolje ilustruje život Moskve tog vremena nego obližnja Fasetirana odaja, koju su otprilike u isto vreme za Ivana III izgradili italijanski arhitekti.
...kao tehnologija. Svaka zgrada je i rješenje inženjerskog, građevinskog problema sa velikim brojem varijabli: ljudske potrebe, gravitacija, svojstva materijala, cijena, vještine graditelja itd. Ponekad arhitekta pronađe rješenje koje ne zadire u estetiku, ponekad se mora boriti s tehnologijom za umjetničku sliku. Šta je bolje - lijepo, ali ne previše izdržljivo, ili dovoljno snažno, ali nije ugodno za oko? To se dešava na oba načina. Gore navedene zgrade Hruščova, kao i većina sovjetske industrijske stambene izgradnje, rezultat su gotovo potpune pobjede ekonomskih i građevinskih tehnologija nad estetikom. Projektima Santiaga Calatrave, koji mnoge oduševljavaju svojim izvanrednim inženjerskim rješenjima, stalno se zamjera što ne funkcioniraju tako dobro nego što izgledaju, a osim toga koštaju astronomske svote. Na ovaj ili onaj način, od kraja prošlog stoljeća, tehnologija i njene mogućnosti postale su jedna od glavnih tema arhitekture. Bilo da se radi o izgradnji najviših zgrada (kao što je Burj Khalifa) ili najzelenijih, današnji najveći arhitektonski projekti na svijetu često se oslanjaju na tehnologiju koja pokreće estetsku agendu.
...Želim razumjeti kako svijet funkcionira. Ako nam arhitektura pomaže da naučimo o prošlosti, onda ona ne govori ništa manje o sadašnjosti. Zašto su potrebni neboderi? Ko dozvoljava da se ruše stare lijepe zgrade i na njihovom mjestu grade nove, ružne? Zašto neki žive u luksuznim vilama, a drugi u slamovima? Začudo, ljudi se često obraćaju svim tim pitanjima i mnogim drugim arhitektima, uključujući i vječiti „ko je izmislio, recite mi, ove saobraćajne gužve“. Istovremeno, arhitekte nemaju tako veliki uticaj na razvoj grada. Arhitektura i betonske građevine su ilustracije, simptomi i indikacije mnogih problema savremenog svijeta, kao i laboratorija za pronalaženje odgovora na njih. Da postoji Vitruvijeva zakletva (poput Hipokratove zakletve među lekarima), onda bi u njoj sigurno bilo napisano da arhitekta mora biti pomalo lekar, učitelj, psihoterapeut („razgovarajte sa klijentom o njegovoj deci ” - ovo je savjet njemačkog modernističkog arhitekte Miesa van der Rohea), policajca, političara, ekonomiste i, naravno, umjetnika, inženjera, građevinara i tako dalje.
Šta čitati
Šta gledati
"Arhitektura kao sredstvo komunikacije"
Kurs profesora Vadima Bassa sa Evropskog univerziteta u Sankt Peterburgu u Arzamasu posvećen je porukama koje sadrži svetska arhitektura. Pored osam malih predavanja, kao i obično u Arzamasu, na linku možete pronaći izbor knjiga o arhitekturi, igricama, pa čak i jednu Monty Python skicu.
„Koliko je vremena potrebno za vođenje vaše zgrade, gospodine Foster?“
Dokumentarac o karijeri Pritzkera i dobitnika Imperijalne nagrade 80-godišnjeg Britanca Normana Fostera, koji je dizajnirao međunarodni aerodrom u Hong Kongu, Milenijumski most u Londonu i Hearst tower u New Yorku.
"Moj arhitekta"
Film o arhitekti Louisu Kahnu nominiran za Oskara, koji je režirao njegov sin Nathaniel mnogo godina nakon misteriozne smrti njegovog oca.
"Skice Franka Gehryja"
I još jedan dokumentarac o heroju arhitekture - ovoga puta u režiji Sydneyja Pollacka, životna priča pionira dekonstruktivizma Franka Gehryja, koji je dizajnirao čuvenu "kuću koja pleše" u Pragu, Guggenheim muzej u Bilbau i Weisman Museum of Art u Minneapolisu.
TED govor Alejandra Aravene
Čuveni čileanski arhitekta Alejandro Aravena smatra svojim životnim djelom prevladavanje društvenih barijera u gradovima. Da bi to postigao, on dizajnira kuće za najsiromašnije porodice, čineći ove zgrade ne samo jeftinim i udobnim, već i izvanrednim u arhitektonskom smislu. Aravena je postala kustos Venecijanskog bijenala arhitekture 2016. godine, koji će se fokusirati na poboljšanje kvaliteta izgrađenog okruženja i života ljudi.
TED govor Bjarkea Ingelsa
Bjarke Ingels je jedan od najpoznatijih arhitekata nove generacije. Kombinira svijetli dizajn i funkcionalnost u svojoj arhitekturi bez žrtvovanja udobnosti. Tokom ovog govora, on govori o tome kako se lako mogu ispričati arhitektonske priče – na primjer, u obliku stripa.
Osnovni kurs iz istorije arhitekture od 24 predavanja obuhvata period od prvih ljudskih naselja do 15. veka. Dizajniran uglavnom da studentima pruži opće znanje o predmetu. Svi video zapisi su takođe dopunjeni materijalima iz udžbenika o svetskoj istoriji arhitekture.
Gdje studirati
GDJE: predavaonica Muzeja Moskve
CIJENA: besplatno
Tekst i intervju: Katerina Firsova, Nastja Kurganskaya
Ilustracija: Olya Volk
Umjetnost arapskih zemalja je složena po svom porijeklu. U južnoj Arabiji datiraju iz kultura Sabejskih, Minaanskih i Himijaritskih država (1. milenijum prije nove ere - 6. vek nove ere), povezanih sa Mediteranom i Istokom. Afrika. Drevne tradicije mogu se pratiti u arhitekturi kuća u obliku kule Hadramauta i višespratnih zgrada u Jemenu, čije su fasade ukrašene reljefnim šarama u boji. U Siriji, Mezopotamiji, Egiptu i Magrebu stilovi srednjovjekovne arapske umjetnosti također su se formirali na lokalnoj osnovi, doživljavajući određeni utjecaj iranske, vizantijske i drugih kultura.
Arhitektura. Glavna vjerska građevina islama postala je džamija, gdje su se sljedbenici proroka okupljali na molitvi. Džamije koje se sastoje od ograđenog dvorišta i kolonade (koja je postavila temelj za džamiju tipa „dvorište“ ili „stub“) u 1. polovini 7. stoljeća. nastali su u Basri (635.), Kufi (638.) i Fustatu (40-te godine 7. vijeka). Stupasti tip je dugo ostao glavni u monumentalnoj vjerskoj arhitekturi arapskih zemalja (džamije: Ibn Tulun u Kairo, 9. vijek; Mutawakkila u Samari, 9. vijek; Hassan u Rabatu i Koutoubia u Marakešu, oba 12. vijek; Velika džamija u Alžiru, 11. vijek, itd.) i utjecao na muslimansku arhitekturu Irana, Kavkaza, sri. Azija, Indija. Kupolaste zgrade su se također razvile u arhitekturi, čiji je rani primjer osmougaona džamija Qubbat Al-Sakhra u Jerusalemu (687-691). Kasnije se kupolama dopunjuju različiti vjerski i memorijalni objekti, najčešće krunišući mauzoleji nad grobovima poznatih ličnosti.
Od 13. veka do početka 16. veka. arhitektura Egipta i Sirije bila je usko povezana. Izgrađena je velika tvrđava: citadele u Kairu, Alepu (Aleppo) itd. U monumentalnoj arhitekturi ovog vremena, prostorni princip koji je dominirao prethodnom etapom (dvorišne džamije) ustupio je mjesto grandioznim arhitektonskim volumenima: nadvišene kule se uzdižu glatka površina moćnih zidova i velikih portala sa dubokim nišama, visoki bubnjevi koji nose kupole. Grade se veličanstvene četiri aiwan zgrade (vidi. Ivane) tip (poznat i ranije u Iranu): maristan (bolnica) Kalaun (13. vek) i Hasanova džamija (14. vek) u Kairu, džamije i medrese (teološke škole) u Damasku i drugim gradovima Sirije. Grade se brojni mauzoleji sa kupolama, koji ponekad čine živopisnu cjelinu (Mamelučko groblje u Kairu, 15-16 vek). Za ukrašavanje zidova izvana i iznutra, zajedno s rezbarijama, naširoko se koristi intarzija s raznobojnim kamenjem. U Iraku u 15-16 veku. U dekoraciji je korištena glazura u boji i pozlata (džamije: Musa al-Kadim u Bagdadu, Husein u Kerbeli, Imam Ali u Nadžafu).
Doživeo je veliki procvat u 10.-15. veku. Arapska arhitektura Magreba i Španije. U velikim gradovima (Rabat, Marakeš, Fez i dr.) građene su kasbe - tvrđave utvrđene moćnim zidinama sa kapijama i kulama, i medine - trgovačke i zanatske četvrti. Velike džamije sa stupovima Magreba sa višeslojnim, četvrtastim minaretima odlikuju se obiljem ukrštanih brodova, bogatstvom rezbarenih ukrasa (džamije u Tlemcenu, Tazi, itd.) i veličanstveno su ukrašene rezbarenim drvetom, mermerom i mozaicima od raznobojno kamenje, poput brojnih medresa 13-14 stoljeća u Maroku. U Španiji su, uz džamiju u Kordobi, sačuvani i drugi izvanredni spomenici arapske arhitekture: minaret La Giralda, koji je u Sevilji podigao arhitekta Jeber 1184-96, kapija Toleda, palata Alhambra u Granadi - remek-djelo arapske arhitekture i dekorativne umjetnosti 13.-15. stoljeća. Arapska arhitektura utjecala je na romaničku i gotičku arhitekturu Španjolske (stil Mudejar), Sicilije i drugih mediteranskih zemalja.
Dekorativna, primijenjena i likovna umjetnost. U arapskoj umjetnosti, princip dekorativnosti, karakterističan za umjetničko razmišljanje srednjeg vijeka, bio je zorno utjelovljen, što je dovelo do najbogatijeg ukrasa, posebnog u svakoj regiji arapskog svijeta, ali povezanog općim obrascima razvoja. Arabeska, koja datira iz antičkih motiva, je nova vrsta uzorka koju su stvorili Arapi, u kojoj je matematička strogost konstrukcije kombinovana sa slobodnom umjetničkom maštom. Razvio se i epigrafski ornament - kaligrafski izvedeni natpisi uključeni u ukrasni uzorak.
Ornament i kaligrafija, koji su imali široku primjenu u arhitektonskoj dekoraciji (kamenorez, duborez, kucanje), karakteristični su i za primijenjenu umjetnost, koja je dostigla vrhunac i posebno u potpunosti izrazila dekorativnu specifičnost arapskog umjetničkog stvaralaštva. Keramika je bila ukrašena šarenim šarama: glazirano posuđe za domaćinstvo u Mesopotamiji (centri - Raqqa, Samarra); posude obojane zlatnim sjajem različitih nijansi, izrađene u Fatimidskom Egiptu; Špansko-maurska sjajna keramika 14. i 15. veka, koja je imala veliki uticaj na evropsku primenjenu umetnost. Svilene tkanine arapskog uzorka - sirijske, egipatske, maurske - također su bile svjetski poznate; Arapi su pravili i tepihe od gomile. Bronzani artefakti (zdjele, vrčevi, kadionice i drugo posuđe) ukrašeni su najfinijim iskucavanjem, graviranjem i intarzijama od srebra i zlata; Proizvodi od 12. do 14. stoljeća odlikuju se posebnom zanatom. Mosul u Iraku i neki zanatski centri u Siriji. Proslavljeno je sirijsko staklo presvučeno najfinijim emajliranim slikama i egipatski proizvodi od gorskog kristala, slonovače i skupog drveta, ukrašeni izvrsnim rezbarenim šarama.
Umjetnost se u islamskim zemljama razvijala u složenoj interakciji s religijom. Džamije, kao i sveta knjiga Kuran, bile su ukrašene geometrijskim, floralnim i epigrafskim šarama. Međutim, islam je, za razliku od kršćanstva i budizma, odbio široku upotrebu likovne umjetnosti za promoviranje religijskih ideja. Štaviše, u tzv Pouzdani hadisi, ozakonjeni u 9. vijeku, sadrže zabranu prikazivanja živih bića, a posebno ljudi. Teolozi 11.-13. vijeka. (Gazali i drugi) su ove slike proglasili najtežim grijehom. Međutim, umjetnici su kroz srednji vijek prikazivali ljude i životinje, stvarne i mitološke scene. U prvim stoljećima islama, dok teologija još nije razvila vlastite estetske kanone, obilje realistički interpretiranih slika i skulptura u omejadskim palačama svjedočilo je o snazi predislamskih umjetničkih tradicija. Nakon toga, figurativnost u arapskoj umjetnosti objašnjava se prisustvom suštinski antiklerikalnih estetskih pogleda. Na primjer, u „Poslanici braće po čistoti“ (10. vek), umjetnost umjetnika je definirana „kao oponašanje slika postojećih predmeta, umjetnih i prirodnih, ljudi i životinja“.
Džamija u Damasku. 8. vek Enterijer. Sirijska Arapska Republika.
Mauzoleji na mamelučkom groblju u blizini Kaira. 15 - početak 16. vijeka Ujedinjena Arapska Republika.
Slikarstvo. Likovna umjetnost je doživjela veliki procvat u Egiptu u 10.-12. stoljeću: slike ljudi i žanrovske scene krasile su zidove zgrada u gradu Fustatu, keramičko posuđe i vaze (majstor Saad i drugi), te su utkane u uzorak rezbarenja od kosti i drveta (pano 11 iz palate Fatimid u Kairu i dr.), kao i lanene i svilene tkanine; bronzane posude rađene su u obliku figura životinja i ptica. Slične pojave događale su se u umjetnosti Sirije i Mesopotamije 10.-14. stoljeća: dvorske i druge scene uključene su u izvrstan reljefni i intarzirani ornament bronzanih predmeta, u uzorku slika na staklu i keramici.
Vizuelni element bio je manje razvijen u umjetnosti zemalja arapskog zapada. Međutim, i ovdje je nastala dekorativna skulptura u obliku životinja, šare s motivima živih bića, kao i minijature (rukopis „Istorija Bajada i Rijada“, 13. vijek, Vatikanska biblioteka). Arapska umjetnost u cjelini bila je svijetla, originalna pojava u povijesti svjetske umjetničke kulture srednjeg vijeka. Njegov uticaj se proširio širom muslimanskog svijeta i otišao daleko izvan njegovih granica.
N. Stepanyan
Dekorativna umjetnost se razvija po zakonima bliskim zakonima arhitekture, u bliskom dodiru s njom. Prva polovina 20. veka. za dekorativnu umjetnost Francuske, kao i za arhitekturu, bilo je to vrijeme promjene između dva specifična arhitektonska i stilska pravca. Prvi kvartal ide u znaku tzv. modernizma, drugi se može nazvati periodom formiranja i pobjede principa moderne arhitekture, u Francuskoj se pojavljuje u znaku funkcionalizma, koji se prvenstveno povezuje s imenom Le Corbusier-a. . Istorija primenjene dekorativne umetnosti Francuske u 20. veku je istorija primenjene umetnosti ere secesije, a zatim njeno rašireno izmeštanje drugom, u velikoj meri suprotnom, povezanom sa novim enterijerom, sa novim shvatanjem sinteza i odnos između lijepog i korisnog, od strane umjetničke industrije naših dana. Vrijedi napomenuti da je Francuska iu 20.st. bila zemlja cjelovitog, promišljenog i do krajnjih granica arhitektonskog, a time i primijenjenog – dekorativnog mišljenja, kako u prvoj tako i u drugoj četvrtini našeg vijeka.
Koliko god kratkotrajna bila dominacija moderne u svjetskoj, a posebno u francuskoj kulturi, ne može joj se poreći neko jedinstvo estetskih principa definiranih, dosljedno i u svim oblastima. I iako je moderna arhitektura i dekorativna umjetnost u Francuskoj bila zaboravljena i gotovo da nije ostavila tragove, to je bilo u prvoj četvrtini 20. stoljeća. Nastale su neke organizacijske i kreativne formule koje su korištene mnogo kasnije, 50-ih godina.
Majstori secesije su se prvi založili za oživljavanje primenjene umetnosti nakon dugog perioda njihovog opadanja u 19. veku. a za sintezu umjetnosti, potonje se u ovom periodu shvata kao vanjski, dekorativni odnos svih objekata koji okružuju osobu u arhitektonskom prostoru, povezanost unutrašnje dekoracije sa vanjskim dizajnom zgrada. U to vrijeme javljaju se opći umjetnici i dekorateri koji ovladavaju svim vrstama primijenjene umjetnosti - od namještaja do rasvjetnih tijela, ukrasnih tkanina, posuđa, odjeće i nakita.
Eklekticizam svojstven modernoj arhitekturi i gotovo oslikavajući ukuse buržoazije, siromaštvo ideološkog i kreativno-emocionalnog sadržaja daju cijeloj modernoj umjetnosti pomalo namjerno razmetljiv filistički karakter.
Tromost linija, nedostatak jasnih konstruktivnih podjela, potpuna nemogućnost sagledavanja ljepote funkcionalno određene forme objekta i stalna žudnja za kodiranjem volumena, za njihovom fragmentacijom, pretencioznost oblika prekrivenih dekorom, poput komada od tkanine (čak su i klaviri u tom periodu bili prekriveni umetcima u boji!), i stvaraju "stil". Unutrašnjost je preopterećena sitnicama, suvišnim, beskorisnim predmetima, ali nosi, prema modernim umjetnicima, „estetsku ideju“. Intarzirana kutija ispunjena kvazi-antičkim predmetima obavezan je dodatak za buržoaski dom ovog vremena. Ornamentom dominiraju alge, perunike i gladioli, a među kamenjem je omiljeni opal. Začin i afektivnost glavna su svojstva primijenjene umjetnosti Art Nouveaua, koja nije razvila nove dizajne proizvoda i ni na koji način nije odražavala promjene kroz koje je prolazila društvena struktura društva. Modernost leži izvan procesa demokratizacije karakterističnih za prve dvije revolucionarne decenije 20. stoljeća, procesa koji su u mnogome uzrokovali temeljne promjene u arhitekturi i stvorili novu arhitekturu, a potom i primijenjenu dekorativnu umjetnost.
Ali istovremeno, u periodu secesije nastaju kreativne radionice koje su služile kao uzor modernim francuskim dizajnerima, odnosno udruženja arhitekata i primenjenih umetnika koji su mogli da preuzmu razvoj i konkretnu realizaciju arhitektonskih celina. Među ovim kreativnim grupama u Francuskoj početkom veka, treba istaći da je Maison Moderne, koji je osnovao belgijski arhitekta Henri van de Velde, imao ogroman uticaj na formiranje ukusa buržoazije u prvoj četvrtini XX veka. 20. vek. Ovdje je radio poznati dekorater Maurice Dgofrin, radeći kao kostimograf i majstor stakla; Abel Landry, koji je kreirao skice namještaja i veza.
Maison Art Nouveau nije samo dizajnirao javne i stambene interijere, njegovi umjetnici su često bili i majstori izvođači; cijeli interijer je nastao timski, u dobro uhodanim radionicama.
Fundamentalno nove pojave u francuskoj dekorativnoj umjetnosti javljaju se 20-ih godina, a povezuju se s prvim koracima nove arhitekture, s programom Weimar Bauhaus, koji je živo usvojen u Francuskoj. Međutim, u početku je arhitektura, koja se razvijala u znaku konstruktivizma, u potrazi za logikom, strogom svrhovitošću i funkcionalnošću izazvala nihilizam i pustoš u oblasti primijenjene umjetnosti. Prelazak na mašinsku proizvodnju, pretproizvodnju svakodnevnog života, problemi tehničke estetike i kult mašina istisnuli su elemente emocionalnog poimanja sveta iz primenjene umetnosti, otrgnuli ih od vekovnih tradicija forme. građevine, iz veze koja postoji između stvaralaštva na ovim prostorima i stvaralaštva majstora drugih umjetnosti. Arhitektura i primijenjena umjetnost ovog perioda ne žele se smatrati “likovnim” umjetnostima u sadašnjem – sadašnjem i filozofskom – smislu riječi. Nastoje da potvrde i otkriju ono što je zaboravljeno u 19. veku. a u periodu dominacije moderne, njegovo drugo konstitutivno svojstvo je da bude sam život, da oblikuje okruženje, prostor u kojem se odvija ljudska egzistencija, da na najbolji mogući način obavlja svoje izvorne utilitarne funkcije. Potom se pod posebno povoljnim uslovima odvija prelazak na industrijske oblike gradnje u arhitekturi, na proizvodnju robe široke potrošnje fabričkom metodom i stvaranje „umetničke industrije“. Na tom putu i arhitekti i primijenjeni umjetnici uspjeli su pronaći nove estetske zakonitosti, novo poimanje ljepote povezano s industrijskim oblicima rada, uz koncept standarda. Ovaj proces nije bio usko nacionalni fenomen, on se odvijao u dodiru, u najužoj kreativnoj vezi sa onim idejama i praktičnim rešenjima koja su se dešavala u drugim zemljama, posebno u mladoj Sovjetskoj Republici.
Istovremeno, ideal asketske strogosti, naglasak na "ništa suvišno", "samo ono što je potrebno" u dizajnu enterijera i kućnim potrepštinama vrlo brzo su otkrili svoje slabe tačke. Ovladavši novim estetskim obrascima industrijske gradnje i fabričke proizvodnje predmeta koji su ranije stvarani ručno, arhitektura i primijenjena umjetnost osjećaju potrebu za emocionalnim i figurativnim obogaćivanjem.
Potpuno je tačna opaska jednog od najozbiljnijih teoretičara arhitekture i dizajna Z. Giediona: „Ako priznamo pravo na postojanje emocija na ovom području, arhitektura i urbanizam se više ne mogu odvojiti od sestrinske plastike. umjetnosti. Arhitektura se više ne može odvojiti od slikarstva i skulpture, kao što je bila stoljeće i po i kakva je danas.”
Za primijenjenu i dekorativnu umjetnost ova potreba je formulirana nešto drugačije - ne sinteza plastike s arhitekturom, već kombinacija ideja koje nastaju u radu primijenjenog umjetnika, u jedinstvenim djelima dekorativne umjetnosti, s industrijskom proizvodnjom robe široke potrošnje. . Problem ove povezanosti i mogućnosti kreativnih rješenja čine bit estetskih traganja francuskih majstora današnjice.
50s može se smatrati procvatom dekorativne umjetnosti moderne Francuske. Ovo su godine najpotpunijeg razotkrivanja mogućnosti funkcionalne arhitekture, godine formiranja principa modernog enterijera, u kojima se dekorativnoj i primenjenoj umetnosti pripisuje posebno važna uloga kao nosiocima emocionalnih i individualnih principa, nosioci nacionalnih obilježja, stoljetne tradicije uređenja prostora i određenog umjetničkog razmišljanja.
Primijenjenu i dekorativnu umjetnost Francuske danas karakterizira izuzetno širok obim životnih pojava i originalan razvoj gotovo svih područja i žanrova. Tekstil, dizajn odjeće, posuđe, staklo i dekorativna keramika, nakit i široka lepeza opreme stekli su podjednako visoke estetske kvalitete. Procvjetale su relativno rijetke oblasti kao što su tkanje tepiha i vitraža, usko povezane s prirodom modernih arhitektonskih pretraživanja. Štaviše, zanimljivo je da se najistaknutiji majstori likovne umjetnosti i arhitekti okušavaju u oblasti primijenjene i dekorativne umjetnosti i često ovdje pronalaze potpuni, organski izraz osnovnih principa i ideja svog stvaralaštva. Dovoljno je spomenuti keramiku F. Legera i P. Picassa, tepihe i postere R. Dufyja, vitraže A. Matisa, tapiserije izrađene po crtežima ovih umjetnika.
Većina primijenjenih radnika u modernoj Francuskoj poznaje nekoliko materijala. Tako J. Lyursa radi na tepisima i keramici, a J. na tepisima i primijenjenoj grafici. Picard-Ledoux i drugi.
Posebno se ističu dekorativni keramički reljefi F. Légera, jedinstvene skulpturalne parafraze njegovih slika, namijenjene za javne interijere i vanjsko uređenje zgrada. Kombinirajući u svom figurativnom sistemu kvalitete skulpture, slikarstva i dekorativne umjetnosti, sami ovi reljefi su sintetička djela, organski uključena u složen odnos sa plastikom modernog arhitektonskog okruženja, sa vanjskim prostorom, prirodnim ili urbanim. Originalnost i inovativnost monumentalne keramike F. Legera, životnopotvrđujući narodni princip kojim je prožeta, daju svečani i prirodan karakter graditeljskim cjelinama. Najupečatljiviji primjer je Muzej Léger u Biotu sa ogromnim mozaikom u boji, na kojem su postavljena dva udaljena fajansa reljefa i velike keramičke igračke na padini zelenog brda u blizini muzeja.
Ista potraga za novim jedinstvom dekorativne umjetnosti sa općim rješenjem arhitektonskog prostora obilježila je i dekorativnu keramiku P. Picassa. Kalupiran, naglašeno “ručno rađen” oblika, prekriven slobodnim, svijetlim uzorkom, direktna je suprotnost tvorničkom posuđu, unosi individualnu kreativnost u strogost i jednostavnost modernog interijera, te oštro kontrastira s okolinom. Ljudske posude, životinjske posude, ukrasno posuđe, koje je izveo Picasso, pokriveni su humorom. U svom zabavnom i svježem pogledu na poznate forme, ovi radovi dijelom su povezani s narodnom keramikom, s tradicijom seljačkih keramičkih igračaka.
Rezultat kreativnog razumijevanja veze između dekorativne umjetnosti i arhitekture bili su najznačajniji moderni javni interijeri Francuske - interijeri novih pariških aerodroma, UNESCO sala za sastanke i Pariškog radija.
Među arhitektonsko-dekorativnim rješenjima posljednjih godina valja istaknuti remek-djela komorne arhitekture - male crkve 50-ih godina: crkva u Asiju (1950., arh. M. Povarina) s velikim vanjskim keramičkim mozaikom F. Légera, obojena stakleni prozori J. Rouaulta, paneli od fajanse A. Matisa i tepih J. Lursa “Zmaj i djeva” iznad govornice; crkva u Odincourtu sa ukrasnim vitražima J. Bazina i dvije male crkve - u Ronchampu (1950.-1954.) i u Venceu (1951.), od početka do kraja, u svim detaljima unutrašnjeg uređenja, izradio Le Corbusier i Matisse. Mala unutrašnjost kapele u Vensu - sa svjetlucavim bijelim pločama od fajanse prekrivenim svijetlocrnim uzorkom, svijetlim vitražima koji podsjećaju na izreze od papira u boji i bacajući obojene naglaske na zidove i mramorni pod, sa tankom siluetom metalnih svijećnjaka - stvara stanje harmonije i harmonije, puno diskretne gracioznosti i poezije.
Od fundamentalnog značaja je rasprostranjeno angažovanje umetnika u uređenju školskih zgrada, gradskih vijećnica i sl. u nizu opština na čijem su čelu komunisti. Kao primjer možemo navesti keramičke panoe posvećene temama sporta i dječjih igara koje je izradio A. Fougeron za osnovnu školu u Ville-Jouif-u (predgrađe Pariza).
Razlika između dva obeležena perioda u istoriji dekorativne umetnosti Francuske u 20. veku. posebno je upečatljiv na primjeru francuskog umjetničkog stakla. Izložba iz 1900. bila je trijumf za Emilea Gallea (1846-1904), tipičnog majstora secesije, briljantnog eksperimentatora na polju stvaranja novih vrsta staklenih masa. Prozirno staklo u Galleovim djelima kombinirano je s neprozirnim staklom, stvarajući višeslojnu površinu na kojoj se slikovit crtež ili skulpturalni reljef isticao ne linearno, već kao cjelovita struktura. Specifičnosti samog materijala - transparentne i krhke prirode - ležale su izvan Galleovog razumijevanja. U njegovim radovima staklo imitira poludrago kamenje, kameja, djeluje tvrdo i gusto. Okićene i složene vaze, čaše i ukrasno posuđe Emilea Gallea stvorile su slavu francuskom staklu početkom stoljeća. Galle je imao mnogo sljedbenika u različitim zemljama. Ovaj pravac izražavao je suštinu stilskih traganja tog perioda i sam je bio jedna od njegovih odrednica.
Tradiciju korištenja obojenog reljefa u staklu nastavili su i drugi majstori - Maurice Marino, Jean Luce, Marcel Goupy i drugi. Mitološki prizori, ornamentika poznata dekorativnoj umjetnosti secesije i zamršeni skulpturalni dekor se prenose na staklene proizvode, spajajući ih upravo u vanjskom obliku sa cjelokupnim dizajnom interijera, a kroz njega dalje, s cjelokupnim karakterom arhitekture tog vremena.
Najpoznatiji majstor prve tri decenije 20. veka. a ujedno, majstor čiji se rad u narednom periodu činio zanimljivim i mogao se kreativno koristiti bio je Rene Ladik (1860-1945), koji se na izložbi 1900. proslavio kao majstor kostimografa, a kasnije se okrenuo radu na staklu.
Ako su Galle i njegova škola nastojali stvoriti efekte imitacije u staklu i šifrirati prava svojstva stakla, onda je Lalique razumio i izrazio plastična svojstva svog materijala. Slikovitost forme i dekoracije, njihova sloboda i asimetrija, koji čine bit originalnosti radova radionice Galle, sada blede u pozadini. Laliqueovi radovi imaju mnogo više integriteta i arhitektonske konzistentnosti. Plastičnost njegovih vaza nije ponavljanje oblika moderne štafelajne skulpture, već potpuno originalna plastika puna dekorativnosti i akutne originalnosti, koja naglašava opći ritam forme. Najbolja Laliqueova djela su veličanstvena u svojoj izradi, svojevrsni su dragulj, prikladan u svakom arhitektonskom interijeru. Izliveni oblici Laliqueovih djela, njihova „muzikalnost“ i „staklost“ olakšali su majstorima modernog francuskog stakla potragu za novim stilskim rješenjima – u suštini, započeli su novo razdoblje.
Godine 1901. Henri Cros je ponovo otkrio izgubljenu tajnu pravljenja plastičnog stakla. Počeo je da se široko koristi u oblasti male skulpture, stvaranju raznih staklenih predmeta (prese, svijećnjaci itd.).
Godine 1920. Francois Decorchemont je postigao novu masu - prozirno, prozirno plastično staklo, čija su dekorativna svojstva također postala široko rasprostranjena. Kombinacija vrsta stakla različitih svojstava, upotreba emajla, višebojnih, itd., dala je već 30-ih godina. Art staklo ima raznolikost koja ovaj dekorativni materijal stavlja u prvi plan.
Procvat na polju umjetničkog stakla pao je u poslijeratnim godinama - kraj 40-ih - početak 50-ih. i povezuje se s općim usponom primijenjene dekorativne umjetnosti. Za razliku od namještaja, koji je odgovarao panevropskom standardu, gruba keramika i staklo, uz tekstil, postali su nosioci kreativnog, individualnog početka. Proizvedeno u malim serijama, umjetničko staklo zadržalo je kvalitete jedinstvenog umjetničkog djela; visoka klasa mašinske proizvodnje u ovoj oblasti organski je spojena sa oštrim individualnim traganjem majstora. Ukrasne vaze i stakleno posuđe, vitraji i stakleni paneli unijeli su osjećaj rukotvorine, slobodne kombinacije umjetnikove kreativne volje s prirodnim materijalom, u suvovremeno moderan stambeni i javni interijer. Štaviše, svojstva materijala u staklu - kao iu keramici, tekstilu, tapiserijama - za razliku od perioda secesije, sada su otkrivena i naglašena, čineći osnovu estetskog efekta.
Sam razvoj proizvodnje umetničkog stakla odvija se u fabrikama u Nancyju (ovde se nalazi najstarija kompanija Baccarat, ovde je radio E. Galle) i Parizu. U Parizu postoji ogranak kompanije Baccarat - tvornica umjetnog stakla Saint-Louis, koja je radila do kraja 30-ih godina. osjetio se utjecaj majstora Maison Nouveaua, posebno Mauricea Dufresnea. U Parizu se uglavnom nalaze male fabrike i radionice umjetničkog stakla, često u vlasništvu samog majstora dizajnera. Takva je poznata radionica Maxa Ingranda, koja proizvodi ukrasne proizvode samog Ingranda, crkvene vitraže, ukrasne staklene pregrade za javne interijere, oceanske brodove. Takva je fabrika Renea Laliquea, koja trenutno radi po nacrtima Marca Laliquea (r. 1900), sina slavnog majstora. Njegove ukrasne vaze na različite načine koriste teksturne mogućnosti stakla. Malo, ali univerzalno priznato preduzeće je tvornica Geimot de France, koja proizvodi staklene dekorativne panele od stopljenog višebojnog stakla. Ova radionica, nastala 1953. godine na inicijativu umjetnika Jeana Crottyja, isprva je jednostavno u staklu ponovila najpoznatija djela Degasa, Braquea, Picassa, Jean Cocteaua, da bi potom počela stvarati potpuno originalna djela dekorativne umjetnosti. Ovdje rade Roger Bezombé (r. 1910.) i Lise Driot (r. 1923.) — umjetnici koji su odigrali značajnu ulogu u formiranju modernih javnih interijera, koji su akutno svjesni potreba moderne funkcionalne arhitekture i koji znaju kako to donijeti lakoće u izuzetno jednostavan moderan enterijer, podređen ideji unutrašnjeg opravdanja i zvonkastog sjaja, što se može postići ovladavanjem tajnama stakla.
Među modernim majstorima koji se bave dekorativnim staklom i stolnim posuđem ističe se Max Ingrand (r. 1908), suptilan umjetnik koji u svojim radovima često koristi kombinaciju sjajnog, uglačanog reljefnog dizajna sa hrapavom površinom predmeta, kao da je prekriven mrazom, a Michel Daum (r. 1900.) je majstor fasciniran čistom fluidnošću prozirnih oblika i iskonskim svojstvima stakla.
Poslijeratne godine svjedočile su vrhuncu francuskog tekstila i srodnih područja kao što su proizvodnja ukrasnih tkanina, dizajn odjeće i proizvodnja tapiserija.
Ovdje francuski umjetnici posebno široko koriste nacionalne ornamentalne tradicije, stvaraju se tkanine izuzetne teksture, a proizvodnja reljefnog brokata i čipke ponovo cvjeta. U tradicionalnim centrima - Lyon, Chantilly, Alençon, Valenciennes - ponovo se pojavljuju radionice i male tvornice, čija kvaliteta nije niža od ručno rađenih proizvoda. Upotreba acetatnih tkanina u Francuskoj je uveliko kasnila zbog godina okupacije. Međutim, to je bila Francuska 50-ih godina. pripada inicijativi za stvaranje mješovitih tkanina od umjetnih i prirodnih vlakana.
Treba napomenuti da, iako su tkanine i prateći dizajn odjeće u modernoj Francuskoj na vrlo visokom nivou, u ovoj oblasti češće nego u drugim vrstama primijenjene umjetnosti daju se osjetiti snobizam i ekstravagancija. Međutim, ta svojstva nestaju kada se određena kompozicija koja se nalazi u ukrasnoj ili sitnoj tkanini prenese u masovnu proizvodnju ili kada se složeni unikatni toalet iz „kolekcije” neke poznate francuske modne kuće prenese u standardnu odjeću sezone.
Najveći primijenjeni radnici moderne Francuske okušali su se u oblasti dekorativnog tekstila. Čak i tokom godina okupacije, majstori kao što su R. Fumsron, Madeleine Lagrange, J. D. Malcle okrenuli su se dizajnu enterijera. Do 50-ih godina. stvorena je škola umjetnika, koja je blisko sarađivala sa modnim dizajnerima i arhitektima i podjednako radila na tkaninama za haljine, za uređenje interijera, kreirala dizajn tapeta, pozorišnih i drugih plakata, te skica za tapiserije. P. Urel, R. Perrier, J. Janin, P. Marrot, P. Frey - besprijekoran ukus ovih majstora, dekorativni štih i ljepota njihovog rada stvorili su panevropsko priznanje modernom francuskom tekstilu.
Najznačajniji fenomen u dekorativnoj umjetnosti savremene Francuske je procvat ćilimarstva, tradicionalnog područja dekorativne umjetnosti za ovu zemlju, potpuno zaboravljenog u proteklih stoljeće i po. “Nomadske freske”, prema Corbusierovoj figurativnoj definiciji, tapiserije su postale poželjan ukras modernog arhitektonskog interijera. Zahvaljujući ćilimima, moderna arhitektura mogla je da se obuče u tonove poezije, a da ne izneveri svoj ideal stroge jednostavnosti. Umjetnici su se okrenuli najstarijoj tradiciji francuske tapiserije, periodu kada su se specifičnosti ove umjetničke forme tek oblikovale i otkrivale posebnom slobodom i čistoćom. Prelamajući opća stilska traženja moderne dekorativne umjetnosti, umjetnici tepiha ističu one poetske i fantastične principe koji postoje u modernoj umjetnosti, stvarajući djela koja nisu samo vezana za arhitekturu, već su i sama po sebi sintetička, povezujući elemente slike s ornamentalnim principom, uključujući, kao u tepisima Jeana Lursa (r. 1892), tekstove, heraldičke znakove i naučne simbole koje je stvorilo naše vrijeme. Lursovi tepisi se lako čitaju, postepeno otkrivaju svoje skriveno značenje, ne plene samo ljepotom i iznenađenjem kompozicije i kombinacija boja, već i dubinom asocijacija, cijelim sistemom slika dostupnih i razumljivih ljudima našeg vremena . Najbolji Lursovi radovi su njegovi veliki ćilimi iz 50-ih godina - “Pjesnikov vrt”, posvećen Paulu Eluardu, “Četiri petla”, “Noćni let”, “Tropici”, “Plavi tatar”. Okrećući se ranim francuskim tapiserijama i široko koristeći njihovu figurativnu strukturu, Lursa je stvorio svoj vlastiti svijet. U njegovim Aubussonovim tepisima pokušava se obuhvatiti cijeli univerzum – sunce, biljke, životinje, simboli godišnjih doba, alegorije su spojene na ogromnim svijetlim ravnima prirodno i sa onom uzvišenom retorikom, koja je uvelike tradicionalna i za francusku dekorativnu umjetnost.
Centar za moderno ćilimarstvo - Aubusson. Ovdje izrađujemo tepihe Lurs, tepihe M. Gromer koji izgledaju kao svijetli vitraji, tepihe Dom-Robert koji direktno citiraju srednjovjekovne tapiserije, tapiserije M. Saint-Saënsa sa nadrealnim dodirom i J. Picard-Ledoux tepisone koji izgledaju kao grafički arabesques.
Uz panoe od obojenog stakla, sa keramičkim reljefima u boji, moderne francuske tapiserije predstavljaju dostignuće nacionalne dekorativne škole, jedinstven spoj svih kreativnih nastojanja, svih najrazumnijih i najpoetičnijih elemenata koje nosi arhitektura i primijenjena umjetnost moderne Francuske. .
4. Arhitektura kao umjetnička forma
Arhitektura je jedan od najstarijih oblika umjetnosti koji u vjerskim i javnim objektima izražava svjetonazor naroda u određenom istorijskom dobu, određenom umjetničkom stilu ARHITEKTURA (lat. arhitektura, grč. architecton - graditelj), arhitektura - građevine, druge građevine ili njihovi kompleksi koji čine materijalno, umetnički organizovano okruženje za život čoveka.Takođe, umetnost oblikovanja ovog prostornog okruženja, stvaranje nove stvarnosti koja ima funkcionalni značaj, donosi dobrobit ljudima i pruža estetski užitak. Pojam pokriva dizajn eksterijera strukture; organizacija unutrašnjeg prostora; izbor materijala za spoljašnju i unutrašnju upotrebu, projektovanje sistema prirodnog i veštačkog osvetljenja, kao i sistema podrške inženjeringu; opskrba strujom i vodom; dekorativni dizajn Svaki od objekata ima određenu namjenu: za život ili rad, rekreaciju ili učenje, trgovinu ili transport. Svi su izdržljivi, udobni i potrebni ljudima - to su njihova obavezna svojstva.
Vrste arhitekture
Postoje tri glavna tipa arhitekture:
Arhitektura trodimenzionalnih objekata.Obuhvata verske i utvrđene objekte, stambene zgrade, javne zgrade (škole, pozorišta, stadioni, prodavnice itd.), industrijske objekte (postrojenja, fabrike itd.);
Pejzažna arhitektura vezana za organizaciju baštenskog i parkovskog prostora (trgovi, bulevari i parkovi sa “malom” arhitekturom - sjenice, fontane, mostovi, stepenice)
Urbanističko planiranje, koje obuhvata izgradnju novih gradova i naselja i rekonstrukciju starih urbanih područja.
Arhitektonski stilovi
Arhitektura je usko povezana sa životom društva, njegovim pogledima i ideologijom.Osnova starogrčke arhitekture je ideja o savršenoj, fizički i duhovno razvijenoj osobi. Antički arhitekti su sve svoje građevine gradili u skladu sa proporcijama ljudskog tela, utjelovljujući harmoniju, suprotnost elementima prirode, veličanstvenu jasnoću i ljudskost.“Stil epohe” (romanički stil, gotika, itd.) nastaje uglavnom u historijska razdoblja kada se percepcija umjetničkih djela razlikuje od komparativne nefleksibilnosti, kada se još lako prilagođava promjenama stila.
Veliki stilovi - romanika, gotika, renesansa, barok, klasicizam, empir /varijacija kasnog klasicizma/ - obično se prepoznaju kao ravnopravni i ekvivalentni.Razvoj stilova je asimetričan, što se spolja izražava u činjenici da se svaki stil postepeno menja od jednostavno do složeno; međutim, vraća se iz složenog u jednostavno samo kao rezultat skoka. Stoga se promjene stilova dešavaju na različite načine: polako - od jednostavnog do složenog, i naglo - od složenog do jednostavnog.Romanički stil je zamijenjen gotičkim stilom više od sto godina - od sredine 12. stoljeća. do sredine 13. veka. jednostavni oblici romaničke arhitekture postepeno se pretvaraju u složeni gotički stil.Unutar gotičkog stila tada sazrijeva renesansa.Nastankom renesanse ponovo počinje period ideoloških traganja, nastajanja cjelovitog sistema pogleda na svijet. A u isto vrijeme iznova počinje proces postepenog usložnjavanja i dezintegracije jednostavnog: renesansa postaje složenija, a iza nje dolazi barok. Barok se pak, postajući složeniji, u nekim vrstama umjetnosti (arhitektura, slikarstvo, primijenjena umjetnost) pretvara u rokoko. Zatim opet dolazi do povratka jednostavnom, a kao rezultat skoka, klasicizam dolazi na mjesto baroka, čiji je razvoj u nekim zemljama zamijenio stil carstva.
Razlozi za promjenu parova stilova su sljedeći: stvarnost ne bira stil među postojećim, već stvara novi stil i transformira stari. Kreirani stil je primarni stil, a transformirani stil je sekundarni stil.
Arhitektura rodnog kraja
Arhitektura Grodnenske regije
Borisoglebska (Koložska) crkva, spomenik drevne ruske arhitekture druge polovine 12. veka.
Dvorac Mir, uvršten na UNESCO-ovu listu, Lidski dvorac (XIV-XV st.)
Arhitektura regije Minsk
Arhikatedrala Blažene Djevice Marije (druga polovina 17. - početak 18. stoljeća)
Crkva svetih Simeona i Jelene (Crvena crkva) - spomenik neogotičke arhitekture sa obilježjima secesije (1908. – 1910.)
Nesviž palata i park kompleks (XVII-XVIII vek)
Bernardinska crkva u selu Budslav, okrug Mjadel, spomenik barokne arhitekture (XVIII vek)
Arhitektura Vitebske regije
Katedrala Svete Sofije, spomenik arhitekture 11. – 18. veka.
Spaso-Evfrosinevska crkva, spomenik drevne ruske arhitekture (1152 – 1161). Na njegovim zidovima i stupovima sačuvane su jedinstvene freske.
književnost:
1. Gerchuk Yu.L. Osnove umjetničke pismenosti. –M., 1998
2. Danilov V.N. Metodika nastave likovne umjetnosti i likovnog rada. Mn., 2004
3. Kasterin N.P. edukativni crtež. –M.: Obrazovanje, 1996
4. Lazuka B. Slounik terminologija o arhitekturi, otkrila dekaratinsko-praktičnu umjetnost. – Mn., 2001
5. Nemensky B.M. Pedagogija umjetnosti. –M.: Obrazovanje, 2007
Arhitektura i građevinski inženjering, uređenje enterijera i organizacija pejzaža zauzimali su istaknuto mesto u renesansnoj kulturi. Načini izgradnje, raspored i uređenje domova se mijenjaju.
U jednostavnim kućama broj prostorija se povećava zbog unutrašnjih pregrada. U gradovima i na porodičnim imanjima građene su čitave palate u renesansnom stilu. Razvoj apsolutističkog režima bio je neraskidivo povezan sa izgradnjom kraljevih dvoraca i rezidencija, a istovremeno i utvrđenja. Širenje renesansnih ideja u arhitekturi dovelo je do razvoja projekata za „idealne“ građevine i čitava naselja. Pojavljuju se uvezeni, prevedeni i lokalni traktati o arhitekturi i građevinarstvu. Iz inostranstva se šalju istaknuti majstori raznih specijalnosti, uglavnom iz Holandije: Adrian de Vries, Hans van Steenwinkel Stariji (oko 1550-1601) i njegovi sinovi - Lawrence, Hans, Mortens, kao i Hans van Oberberk i drugi. Skandinavci su posudili primjere arhitektonskog stila iz Njemačke, Holandije, Italije i Francuske. Danska renesansna arhitektura, sa svojom bojom od crvene cigle, masivnim pravokutnim zgradama i nenametljivom dekoracijom, obično je bila orijentirana na sjevernonjemačku arhitekturu.
Gradnja u Danskoj dostigla je najviši nivo tokom 60-godišnje vladavine Kristijana IV, posebno do 1617. Išla je istovremeno u različitim pravcima. Izgrađeni su čitavi gradovi sa novim rasporedom i pravilnim zgradama - geometrijskog ili radijalnog oblika. Ukupno, na inicijativu kralja, pojavilo se 14 novih gradova - u Skåneu, Zelandu, Južnom Jutlandu i Norveškoj.
347
Podignute su moćne tvrđave: Frederiksborg u Hileredu (1602-1625), Kronborg u Helsingoru itd., koje su obuhvatale dvorac, kancelarijske prostorije, skladišta i kasarne, a bile su okružene bedemima, jarcima i bastionima. Sam kralj je bio dobro upućen u arhitekturu i nadgledao je izgradnju objekata. Planirani razvoj u 17. veku. potpuno promijenio izgled Kopenhagena i značajno proširio njegovu veličinu. Palata, vojna luka i renesansna berza izgrađeni su ili osnovani pod Kristijanom IV (1619-1625). Arhitekte L. i X. van Steenwinkel dobili su zadatak da ga izgrade kao „hram nove ekonomske politike“. Kao rezultat graditeljskog entuzijazma, Kopenhagen se u 17. vijeku pretvorio u grad. u jednu od najlepših prestonica Evrope. Ovdje koegzistiraju različite stilske linije: gotika, manirizam, novi barok.
U Švedskoj je ovaj period obilježen i renoviranjem starih zgrada i izgradnjom novih. Dvorci Gripsholm, Vadstena i Uppsala, palače, gradske vijećnice i privatne kuće u gradovima izgrađene su u renesansnom stilu. Naprotiv, gradnja crkava je u opadanju.
Građevinama tog vremena pristajala je bogata unutrašnja dekoracija, luksuznija u Švedskoj, suzdržanija u Danskoj: škrinje-klupe, sekretarice, kabineti. Drveni namještaj i ploče bili su prekriveni složenim slikama ili rezbarijama biblijskih i svjetovnih tema, te ukrašeni predmetima od skupog kamena i metala, zemljanog posuđa i drveta. Zidovi su bili okačeni originalnim sekularnim tapiserijama, masom portreta i slika. Skulpture, često cijele grupe, pojavljuju se u hodnicima, dvorištima i baštama, obično u drevnom mitološkom duhu. Posebna moda razvila se za farbane i figurirane peći, kao i peći od gvožđa i livenog gvožđa, sa livenim rezbarijama.
Inženjerske i građevinske inovacije tog vremena uključivale su vodosnabdijevanje: cijevi sa slavinama i složene fontane pojavile su se u dvorcima i palačama. Uređenjem palata i dvoraca bavili su se i pojedini zanatlije i čitave radionice. Kombinacija zapadnoevropskog uticaja, posebno iz Holandije i Nemačke, i lokalnih tradicija formirala je primere jedinstvenog stila.
U tom periodu umjetnost je bila prvenstveno primijenjene prirode. Kao važan dio interijera, služio je za izražavanje i učvršćivanje prestiža. Otuda, na primjer, izvanredna proliferacija u to vrijeme veličanstvenih epitafa, ceremonijalnih portreta (skulptura i slika) i alegorijskih slika.
Najimpresivnija i najprestižnija umjetnička forma bila je skulptura, koja je procvjetala kasnije s uspostavljanjem baroka. Većina kipara su bili stranci, uglavnom su izvršavali kraljeve naredbe. "Kraljevski graditelj" Hans Steenwinkel nadgledao je stvaranje brojnih skulpturalnih
348
pozicije za fontane. Hendrik de Keyser napravio je skulpture u Amsterdamu po nalogu Kristijana IV. Čuvenu fontanu Neptuna u Frederiksborgu napravio je Holanđanin Adrian de Vries (1546-1626).
Rasprostranjeni su bareljefi, uglavnom nadgrobni, ali i dekorativni.
Interesovanje za prikaz osobe, posebno za porodične portrete, postalo je jedna od karakteristika slikarstva ovog perioda. Često su portreti još rađeni po starim modelima: statični, uslovni, bez psiholoških karakteristika. Ceremonijalne slike vladara i članova njihovih porodica u modu su – svečane, sa simbolima moći – ušle su od 17. vijeka. najčešće su dizajnirani u maniru klasicizma. Ovaj period karakteriše i obilje portreta urbanih patricija i naučnika; svi imaju crne haljine i znakove svog zanimanja. Možda je najraniji portret građanskog naučnika slika humaniste Wedela (1578). Ekspresivan je portret porodice Rodman iz Flensborga (1591), gdje on, njegove dvije žene i 14 djece stoje oko raspeća. Sam Rodman, jedna od njegovih žena i četvero djece, koji su već preminuli, označeni su krstom iznad glave. Na isti način rađeni su i neki drugi porodični portreti i natpisi građanki. Spoj mrtvih i živih nesumnjivo odražava ideje tog vremena o jedinstvu života i smrti, o neraskidivoj povezanosti dvaju svjetova. Autori ovih portreta su nepoznati, većina portreta gradjana i pokrajinskog plemstva rađena je anonimno, naprotiv, kraljevska porodica i plemstvo pribegavaju uslugama poznatih majstora. Oko 200 portreta kraljevskih i plemićkih osoba naslikao je Holanđanin Jacob van Doordt, a mnoge Holanđanin Joost Verheyden.
Postepeno se u Danskoj pojavljuje novi tip umjetnika - obrazovana i kulturna osoba, prilično bogata i bliska naučnicima humanistima, često nasljedni umjetnik i kolekcionar. To je, posebno, bio plodni slikar portreta, Holanđanin Karel van Mander, čiji je autoportret sa suprugom i svekrvom rijetka slika intelektualca tog vremena. Otprilike ista je bila i umjetnička porodica Isaacs, koja je dala značajan doprinos kulturi danske renesanse; njen osnivač je potomak emigranta iz Amsterdama, trgovca umjetninama, a jedan od njegovih unuka je humanista i istoričar Johann Pontanus. Među umjetnicima je bilo posebnih stručnjaka za povijesno slikarstvo, crkveno slikarstvo itd., ali je većina imala široku specijalizaciju.
Važan vid dekorativne umjetnosti u to vrijeme bile su tapiserije, uvozne i domaće, za koje su skice radili istaknuti
349
umjetnika, a produkcija se odvijala u stranim ili danskim dvorskim radionicama.
U dekoru tog vremena, kao što je već napomenuto, istaknuto je mjesto zauzimala rezbarija, tradicionalna i razvijena u Skandinaviji. U crkvama su oltari bili ukrašeni rezbarijama, koje su prikazivale scene iz Biblije, kao i scene klasičnih autora karakteristične za dansku renesansu. Rezbarije sa gotičkim i renesansnim ornamentima sa svjetovnim temama ukrašavale su namještaj u domovima. U Norveškoj i Finskoj veliki uspjeh je postignut u narodnim rezbarijama od drveta, kojima su ukrašavane provincijske zgrade i predmeti za domaćinstvo.
