Nećemo govoriti o nedostacima prethodne izložbe umetnosti 20. veka. Stjecajem okolnosti, nova izložba nastala je do kraja proslave 150. godišnjice muzeja, do maja 2007. godine. Sada umjetnost 20. stoljeća počinje u pravo vrijeme, od 1900-ih. Čak i prije toga, umjetnici "Dijamanta" - N. Gončarova, M. Larionov, A. Kuprin, I. Maškov, P. Končalovski, R. Falk - preselili su se iz Lavrushinskog ulice. Ali posjetitelj više neće moći vidjeti cijelu perspektivu sala. Svaka soba ima svoj zatvoreni dizajn, tako da svaka naredna soba zadržava intrigu. Umjetnička djela nisu uvijek sakupljena u jednoj prostoriji. U obje sobe 1 i 20 nalaze se djela N. Gončarove.
Među slikama nema puno skulpture, ali je u jednoj od sala predstavljena nova akvizicija muzeja - drvena skulptura “Julija” V. Mukhine.
V. Kandinski i M. Chagall imaju svoja staništa, prije su djela ovih umjetnika gotovo uvijek bila odsutna, bila su na stranim izložbama.
U salama grafike gledaoci će uvek pronaći nova dela poznatih majstora 20. veka. Ranije je muzej predstavljao slikarstvo, grafiku i skulpturu. Sada je raznolikost upotpunjena vitrinama sa predmetima dekorativne i primijenjene umjetnosti i fotografije. Nažalost, muzej nije otkupio originalne fotografije A. Rodčenka, u muzeju su sada izloženi moderni otisci sa autorovih negativa, poklon porodice fotografa.
Naravno, na Krimskom Valu bi trebao biti simbol novog života i nove umjetnosti, „Kupanje crvenog konja“ K. Petrov-Vodkin. Ovo djelo ostavlja snažan emotivni utisak na gledaoca. Ljubitelji “Kupanja crvenog konja” požurite i pogledajte, ova slika se često šalje i u inostranstvo. Tada je bio izložen P. Kuznjecov. Pitam se šta se desilo sa njegovim Goluborozovičkim halama u Lavrušinskom?
I primjećujete da je petnaesta dvorana već izložena, ali od prethodne izložbe još nema ništa. I čak je šteta. U proteklih 6 godina posjetitelji nisu samo razgledali izložbu, već su se i zaljubili u pojedinačne radove. Da li su sve prethodne slike uklonjene? Žurim da vas uvjerim. Radnici Pimenova na svom nekadašnjem mestu daju zemlji industrijalizaciju, a "golman" A. Deineka hvata loptu. Tek sada rad umjetnika predstavljaju ne samo službena djela, već i lirska - "Majka" Deineke. Tu su i sportske djevojke A. Samokhvalova.
Iz nekog razloga, skulptura je sakupljena u posebnoj prostoriji, dok je u slikarskim sobama prikazan jedan po jedan rad. Možda će u sljedećoj verziji izložbe doći do potpunijeg ujedinjenja umjetnosti.
Život sovjetskih građana sada ne pokazuju pioniri i komsomolci, već obični svakodnevni poslovi bilo koje osobe. U muzeju će gledaoci vidjeti scene u frizerskom salonu, u šetnji i glačanju podova. A naši dragi vođe Lenjin i Staljin, jesu li njihove slike još uvijek u muzeju? Portret „V. I. Lenjina u Smolnom“ I. Brodskog nekada je bio na početku izložbe, sada u njenoj drugoj polovini, u prostoriji 25. Ovo je prekrasan portret u smislu kompozicije i sheme boja. Dobro je što je našao mjesto u novoj verziji izložbe. Umjetnički kvaliteti djela daleko nadmašuju njegovu političku komponentu.
Sljedeća soba je 26, takozvana “soba sa prozorom”. Ova sala je gotovo u potpunosti zadržala svoj ideološki patos. Evo „I.V. Staljin i K.E. Vorošilov“ A. Gerasimova, model „Radnica i kolhoznica“ V. Muhine, a izvan prozora možete vidjeti neprolazno djelo Z. Tseretelija „Petar I“.
Nakon patetične sale, publika će ponovo uroniti u jednostavan život - „Proleće“, „Kosenje sena“, „Večera traktorista“ A. Plastova, kao i seljanke, majke sa decom. Radovi posvećeni Velikom otadžbinskom ratu su pohranjeni.
Izložbu upotpunjuju dvorane živih klasika - T. Salahova i malog Ajdana na bijelom konju.
U poslednjoj sali uvek će biti predstavljeno nešto posebno, sada su u njoj izložena „Godišnja doba ruskog slikarstva” A. Vinogradova i V. Dubosaroskog. Hrabar kolaž poznatih slika, gde posetilac, prepoznajući radnje i likove, kao da proverava čega se seća sa izložbe. Sala je otvorena za eksperimente u savremenoj umetnosti. Imate li zanimljive ideje? Kontaktirajte Tretjakovsku galeriju na Krimskom Valu (N. Tregub)
umjetnost 20. stoljeća
Zinaida Evgenievna Serebryakova. “Iza toaleta. Auto portret." 1909
Kuzma Sergejevič Petrov-Vodkin (1861–1939). Kupanje crvenog konja 1912. Ulje na platnu. 160x186
Godine 1912., na izložbi Svijet umjetnosti, pojavila se slika K. S. Petrov-Vodkina „Kupanje crvenog konja“, koju su javnost, umjetnici i kritičari doživljavali kao znak obnove. Početkom 1910-ih, kada su stare ideje o umjetnosti postajale zastarjele, a u umjetničkom okruženju se odvijalo nasilno bacanje, slika "Kupanje crvenog konja" mnogima se činila idejom koja može pomiriti staro i novo, "lijevo" i “desno”, akademici i svijet umjetnosti. Umjetnik je „izgradio“ monumentalno djelo, dajući mu „programatičnost“, pronalazeći značajnu formu koja je sposobna izraziti dubok i prostran sadržaj. Slika je postala primjer umjetničkog integriteta, apsolutno oličenje umjetničke odluke, što je početkom 20. stoljeća bila rijetka pojava u ruskom slikarstvu. Organski je kombinirao različite tradicije - drevne ruske ikone i monumentalne slike renesanse, dekorativnu umjetnost, stil Art Nouveau i gotovo klasičnu skulpturu u interpretaciji figura.
Prostor slike je organizovan tako da se zahvaljujući visokoj liniji horizonta, koja se nalazi, takoreći, izvan same kompozicije, uzdiže i zapravo kreće napred ka posmatraču, ograničen na stvarnu ravan slike. platno. Istovremeno, dubina ne nestaje: gledalac to osjeća zahvaljujući velikom smanjenju pozadinskih figura.
Čini se da autor polemizira sa impresionističkim slikarskim tehnikama, kojima su u to vrijeme bili mnogi umjetnici, ostaje po strani od kubističkog principa implementacije forme i ne zanima ga futuristički eksperimenti.
Još jedna karakteristika ove slike karakteristična je za cjelokupno djelo Petrov-Vodkin: uprkos činjenici da je radnja namjerno svakodnevna (kupanje konja), ne sadrži priču o događaju. I iako je radnja sasvim očigledna, slikar uspeva da je podigne do određene idealne slike. Jedna od tehnika kojom postiže svoj cilj je interpretacija boje, prvenstveno glavne figure (crveni konj). U isto vrijeme, ovdje nema “postera” sa svojom namjernom privlačnošću. Umjesto toga, prisutne su tradicije drevne ruske umjetnosti: crveni konj se često nalazi na ikonama (crveno je lijepo). Jasno osjećan patos slike, izraz duhovnosti kao duboko unutrašnjeg stanja, čini je oličenjem nacionalnog ruskog pogleda na svijet. Štafelajno djelo, zbog svog unutrašnjeg značaja, duhovnog sadržaja i odsustva nasumičnih detalja, doživljava se kao monumentalna tvorevina.
Evgenij Evgenijevič Lancerej (1875–1946). Carica Elizaveta Petrovna u Carskom Selu 1905. Papir na kartonu, gvaš. 43,5x62
Mlađi savremenik umetnika „Sveta umetnosti“, Lanseray maestralno vlada figurativnim jezikom „retrospektivnih sanjara“, odvojeno i istovremeno ironično rekreirajući stil života dvorske šljokice „zlatnog“ 18. veka. Izlazak Elizavete Petrovne sa svojom pratnjom umjetnik tumači kao svojevrsnu pozorišnu predstavu, gdje se veličanstvena figura carice doživljava kao produžetak fasade palače. Kompozicija je zasnovana na kontrastu veličanstvene dvorske povorke, bizarnog sjaja barokne arhitekture i napuštenog partera redovnog parka. Umjetnik je fasciniran prozivkom arhitektonskih dekorativnih elemenata i toaletnih detalja. Caričin voz podsjeća na podignutu pozorišnu zavjesu iza koje nas iznenađuju dvorski glumci koji žure da igraju svoje uobičajene uloge. U zbrci lica i figura skriven je "skriveni lik" - mladi crnac, koji marljivo nosi carski voz. Od pogleda umjetnika nije bio sakriven ni zanimljiv detalj - nezatvorena burmutija u nemirnim rukama gospodina-miljenika. Treperenje šara i mrlja u boji stvara osjećaj oživljenog trenutka prošlosti.
Konstantin Andrejevič Somov (1869–1939). Dama u plavom 1897–1900. Platno, ulje. 103x103
“Dama u plavom” je portretna slika koja prikazuje umjetnicu E. M. Martynovu, blisku prijateljicu autora i njegovu koleginicu sa Akademije umjetnosti. Pred nama je drevni stilizovani park i žena obučena u raskošnu haljinu 18. veka sa svojim složenim duhovnim svetom. Retrospektivni portret koji je stvorio umjetnik novi je fenomen u ruskoj umjetnosti. Detalji „galantnog doba“ kombinovani na slici i prefinjenog izgleda željne dame Srebrnog doba na kraju prenose duh kompleksnog i kontradiktornog doba.
Kompozicija je zasnovana na poređenju planova i njihovog kolorističkog rješenja. Vitka ženska figura savršeno se uklapa u kvadratni format platna, što portretu daje određenu reprezentativnost. Svjetlucanje tamnoplave boje heroinine odjeće izdvaja prozirnost plavičastih sjena njenog fino ofarbanog lica, otvorenih krhkih ramena i naglašava izražajnost gesta njenih lijepih ruku. Sva plastičnost modela podsjeća na velike majstore prošlih epoha. Drevni park sa jezercem i par koji svira muziku u daljini jasno je u kontrastu sa raspoloženjem portretisane osobe. Ovo je prije park-sjećanje, u kojem je vrijeme prigušilo sve boje, a lišće grma, koji je pozadina za lik u plavoj boji, je čudne „beživotne“ boje (isto kao lišće na starom izblijedjelom tapiserije). Spojna karika između prošlosti i sadašnjosti ovdje je muška figura u čijem se izgledu naslućuje autor slike.
U Somovljevom radu posebno mjesto zauzima portret E. M. Martynove, koji nikada više neće stvoriti ništa ekvivalentno „Dami u plavom” po uzvišenosti, poeziji i čistoti slike, po snazi ekspresivnosti i postignutom “apsolut” umjetničkog oličenja.
Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov (1870–1905). Rezervoar 1902–1903. Platno, ulje. 177x216
Slike Borisova-Musatova uvijek sadrže osjećaj uzbudljive, neobjašnjive misterije. Glavni motiv kroz koji umjetnik otkriva svijet skriven u izmaglici boja su plemićka gnijezda i propadajuća antička imanja. Uglađeni muzički ritmovi kompozicija Borisov-Musatov iznova reproduciraju njegove omiljene teme: uglove parka i ženske figure koje izgledaju kao slike ljudskih duša koje lutaju u polustvarnom carstvu sna.
Slika "Rezervoar" nastala je u parku imanja princeze Prozorove-Golitsin Zubrilovke u najsrećnije vrijeme za umjetnika: Elena Vladimirovna Aleksandrova pristala je da postane njegova žena. Njegova sestra, Elena Borisova-Musatova, i mlada pozirali su umjetniku, utjelovljujući slike Vječne ženstvenosti.
Unatoč činjenici da je platno naslikano iz prirode - pravi park sa jezercem i pravim ženama, svi su u njemu vidjeli nešto drugo osim ovog svijeta. Tajanstvena polustvarnost i bezvremenost slike postala je najpoetičnija manifestacija simbolističke vizije svijeta snova. Umjetnik prikazuje rezervoar, čiji su obrisi zapravo savršeni krug, kao veliki oval, čiji se rubovi protežu izvan granica platna. Ovaj geometrijski oblik, koji Musatov tako voli, odražava slična, ali manja suknja jedne od heroina, položena u prelijepom ovalu. Njihova kombinacija odmah postavlja određeni muzički ritam celom delu. Neobična konstrukcija kompozicije - isključenje linije horizonta sa slike - važna je tehnika. Koristeći ga, slikar namjerno približava prvi i drugi plan, čineći platno ravnijim. Junakinje, koje se nalaze u prvom planu, nalaze se ispod bare, a sama površina vode, vedra i bistra poput neba, doslovno visi nad njima. Rezultat je iluzija pravog ogledala, podignutog i postavljenog okomito. Iz običnog pejzaža rađa se potpuno drugačija slika, nova stvarnost - što je bilo vrlo tipično za umjetnike simboliste.
Filip Andrejevič Maljavin (1869–1940). Vihor 1906. Ulje na platnu. 223x410
Umjetnik je u svom radu na svoj način pristupio tradicionalnoj narodnoj temi ruskog slikarstva, naglašavajući moćni elementarni princip ženskih slika, dajući im monumentalnost. Maljavinova smjela slika sa svojim konvencionalnim pozadinama, velikim figurama, plitkim prostorom i neobično zvučnom bojom naglašeno je dekorativna. Međutim, početkom 20. veka savremenici su to smatrali svojevrsnim izazovom.
Na slici "Vihor" seljanke plešu kao "heroine iz bajki starih ruskih epova". Uključuju elemente prirode u svoj okrugli ples. Lepršava odjeća formira spontane tokove šarenih poteza, koji podsjećaju na vruće bljeske plamena, hladne tokove vode, užareni dah vjetra ili livade prekrivene cvijećem. Posebnu dinamiku slici daju slobodni pokreti kista, koji odgovaraju ritmu vihornog plesa. I. E. Grabar je savjetovao Malyavina da slika posebnim bojama koje se dugo suše. Kao rezultat toga, slika je počela da liči na vulkansku lavu, a pojavio se efekat svojevrsnog pokretnog mozaika. Oblici i boje lebde jedan na drugom, stvarajući unutrašnju napetost. Time se pojačava ekspresivnost slike, izgrađene na sjecištu različitih stilskih pravaca - impresionizma i modernizma. Djelo je nastalo tokom prve ruske revolucije. U njegovoj radnji, u žarko crvenoj boji, vidi se i nada za duhovni preporod i slutnja razularenih sila uništenja.
Aleksandar Nikolajevič Benoa (1870–1960). Kraljeva šetnja 1906. Papir na platnu, akvarel, gvaš, bronzana boja, srebrna boja, grafitna olovka, pero, kist. 48x62
Ime A. N. Benoisa vezuje se za nastanak 1898. godine udruženja Svijet umjetnosti, čiji je on bio jedan od osnivača i idejni vođa. Benois je bio umjetnik, teoretičar i kritičar umjetnosti, autor je mnogih monografija i studija posvećenih kako pojedinim majstorima slikarstva tako i povijesti umjetnosti općenito. Djelo umjetnika Benoita posvećeno je uglavnom dvjema temama: „Francuska u eri Kralja Sunca“ i „Sankt Peterburg u 18. - ranom 19. vijeku“, koje su bile oličene u određenoj vrsti istorijskog slikarstva, stvarajući poseban “retrospektivni” pogled na prošlost. Umetnik se ovim temama bavio u svojim istorijskim slikama i pejzažnim delima, izvedenim iz života u Sankt Peterburgu i okolnim palatama, kao iu Francuskoj, u Versaju, gde je često dugo posećivao.
Opisujući kraljeve šetnje, autor nije zanemario ništa: ni poglede na park sa baštenskom arhitekturom (slikani su iz života), ni pozorišne predstave koje su bile vrlo moderne u antičko doba, niti svakodnevne scene crtane nakon pažljivog proučavanja istorijskog materijala. . "Kraljeva šetnja" je veoma impresivno delo. Gledalac susreće Luja XIV kako šeta kroz njegovu zamisao. Jesen je u Versaju: drveće i grmlje su obacili lišće, njihove gole grane usamljeno gledaju u sivo nebo. Voda je mirna. Čini se da ništa ne može poremetiti tihi ribnjak, u čijem se ogledalu ogledaju i skulpturalna grupa fontane i dostojanstvena povorka monarha i njegove pratnje.
Osvrćući se na vrijeme Luja XIV, Benoit je napisao: „Nisam imao poseban kult ličnosti Louisa Catorze... Ali senilni umor tog doba, početak opadanja ukusa, koji je zamijenio mladalačku aroganciju, bezbrižnost i osećaj veličanstvene lepote, odjednom su ovaj svet učinili mojim svetom.”
Igor Emanuilovič Grabar (1871–1960). Krizanteme 1905. Platno, tempera, pastel. 98x98
I. E. Grabar je univerzalna ličnost ruske umjetničke kulture: umjetnik, istoričar umjetnosti, učitelj, restaurator, muzej i javna ličnost. Od 1913. do 1925. bio je direktor Tretjakovske galerije i stvorio novu izložbu u muzeju, naučno utemeljenu i pomno osmišljenog koncepta, koja je postala svojevrsni uzor za naredne muzejske izložbe.
Grabar je prihvatio potragu francuskih majstora, aktivno koristeći tehnike divizionizma - odvojene primjene boja na platnu. "Hrizanteme" su umjetnikova najspektakularnija mrtva priroda. Bujni buketi cvijeća predstavljeni su u dobro osvijetljenoj prostoriji, kao na otvorenom. Prostor je ispunjen zrakom u kojem se toplina sunčeve svjetlosti izvan prozora spaja sa hladnoćom unutrašnjosti. Slikarska površina sastoji se od frakcijskih reljefnih poteza koji prenose vibraciju svjetlo-vazdušnog okruženja. Boja je podijeljena na tople i hladne tonove, otuda i zelenkasta nijansa žutih krizantema, igra žutih i plavih, ružičastih i zelenih gradacija na površini stolnjaka, sedef odsjaj vaze. Treperenje šarenih poteza stvara efekat promenljive, pokretne atmosfere koja je upijala reflekse boja, obavijajući predmete u prostoriji. Međutim, ova tehnika omogućava umjetniku da opipljivo precizno prenese teksturu predmeta: prozirnost stakla, dragocjeno porculansko posuđe, blistavu bjelinu uštirkanog stolnjaka, nježnost i baršunast krizantema.
Sergej Timofejevič Konenkov (1874–1971). Nike 1906. Mermer. 32x19x12
S. T. Konenkov je umjetnik čijim radom dominiraju dubina i mudrost širokih figurativnih generalizacija, hrabrost, veličanje ljepote čovjeka i njegovih plemenitih poriva, njegove želje za slobodom. Mramorna glava „Nike“ jedno je od najboljih Konenkovljevih radova. Majstor je bio u stanju da izrazi velike ideje vremena i simbolike značajnih događaja u djelima bilo kojeg žanra i veličine. Tako mali “Najk” pleni svojom blistavom inspiracijom. Ideju Pobjede vajar je utjelovio u liku vrlo mlade djevojke s izraženim nacionalnim ruskim crtama. Model za vajara bio je radnik manufakture Trekhgornaya. Slika Nikea, ne gubeći svoj portretni karakter, pretvorila se u poetsko oličenje radosti, leta i neuništivosti. Ovo zadivljujuće, istinski poetsko promišljanje prirode jedna je od najjačih karakteristika Konenkovljevog rada.
Mnoga od najboljih majstorovih radova izvedena su u mermeru. Najčešće su to djela u kojima, po riječima vajara, “lijepi ljudski oblici oličavaju najbolje crte karaktera osobe”.
Natalija Sergejevna Gončarova (1881–1962). Autoportret sa žutim ljiljanima 1907. Ulje na platnu. 58,2x77
N. S. Gončarova - jedna od prvih "Amazonki avangarde", umjetnica nove formacije - naslikala je autoportret u svom moskovskom ateljeu, au unutrašnjosti su predstavljena njena djela impresionističkog perioda. Platno je naslikano ekspresivno, brzim potezima koji podsjećaju na Van Goghove slike. Slika je svijetla i lirska, cvijeće joj daje posebnu poetsku kvalitetu - buket ljiljana koji grli Gončarova uza se. Takođe služi i kao koloristički akcenat, jarko crvena tačka koja se ističe na opštoj pozadini platna.
Mihail Fedorovič Larionov (1881–1964). Proljeće. Godišnja doba (Novi primitiv) 1912. Ulje na platnu. 118x142
Vođa ruskog avangardnog pokreta kasnih 1900-ih - ranih 1910-ih, M.F. Larionov pridavao je veliku važnost iskrenoj, naivnoj i na prvi pogled neozbiljnoj dječjoj kreativnosti, jer ona uvijek dolazi direktno iz dubine djetetove svijesti. Imitirajući naivni dječji crtež, umjetnik je težio stvaranju radova koji su bili podjednako iskreni i spontani. Gledajući na svijet očima djeteta, Larionov je napisao ciklus slika "Godišnja doba", gdje je svako godišnje doba predstavljeno jednostavnom slikom ženske figure, nakon čega slijedi objašnjenje napisano namjerno traljavo. Međutim, pokazalo se da provedba plana nije djetinjasta duboka.
Proljeće je okruženo nezgrapnim krilatim anđelima, proljetna ptica joj donosi grančicu s rascvjetanim pupoljcima; s desne strane, ograđeno okomitom trakom, raste isto drvo koje se može protumačiti kao biblijsko Drvo znanja. Na desnoj strani donjeg „registra“ slike prikazani su muški i ženski profil, obostrano okrenuti prema Drvetu znanja – slike primitivnih Adama i Eve, koji očigledno doživljavaju buđenje nježnih osjećaja, baš kao i sama priroda probudi se i, možda, već okusi Zabranjeno voće. U istom prostoru, sasvim ispod, može se uočiti još jedna biblijska priča – „Izgon iz raja“. U lijevom polju istog donjeg „registra“ slijedi naivni opis proljeća, kao da ga je napravilo dijete: „Proljeće je vedro, lijepo. Sa jarkim bojama, sa belim oblacima“, u čemu se, međutim, oseća i izvesna lukavost umetnika. Nije slučajno što u podnaslovu naslova čitamo “Novi primitiv” i mentalno završavamo sa “...na vječnu temu”.
Aleksandar Jakovlevič Golovin (1863–1930). Portret F. I. Šaljapina u ulozi Holoferna 1908. Platno, tempera, pastel. 163,5x212
“Portret F. I. Chaliapina u ulozi Holoferna” jedno je od najboljih djela umjetnika i scenografa A. Ya. Golovina. Reproducira mizanscenu iz opere A. N. Serova „Judita“. Chaliapin-Holofernes leži na luksuznom krevetu u luksuzno ukrašenom šatoru, držeći šolju u desnoj ruci i arogantnim pokretom pokazujući lijevom naprijed. Kompozicija platna građena je po zakonima štafelajnog slikarstva, a ugao modela i proizvoljno osvjetljenje objekata daju djelu karakter fresko slikarstva. Lik Chaliapina u ulozi asirskog vojskovođe gotovo se stapa s pozadinom, zbog čega izgleda kao svojevrsni ukrasni uzorak. Platno je prožeto talasastim pokretom, koji je glavni plastični motiv koji izražava prirodu muzičkog rješenja slike istočnog komandanta. Koloristički zvuk djela izuzetno je bogat. Na ovom pozorišnom portretu Golovin, bogato jarkom bojom umetnikovog kostima i ukrasa za glavu, kao da naglašava lepotu glasa velikog ruskog pevača.
Konstantin Aleksejevič Korovin (1861–1939). Ruže i ljubičice 1912. Ulje na platnu. 73,2x92
Ime K. A. Korovina povezano je s pojavom impresionizma u ruskom slikarstvu. Korovin se 1910-ih zainteresirao za mrtve prirode, koje su utjelovile njegova inovativna traženja na polju pozorišne dekoracije. Često je slikao ruže - luksuzne i nježne, simbole strasti i radosti postojanja. Zamašnim potezima umjetnik stvara "portret" svakog cvijeta, a njegove ruže cvjetaju na platnu, zadivljujući neuvenljivom svježinom svojih boja.
Mrtva priroda sa ružama, mali buket ljubičastih ljubičica, crvena narandža, posuda za šećer i lonac za kafu prikazana je na pozadini otvorenog prozora koji gleda na večernji pariški bulevar. Ulica je transformisana nesigurnom svetlošću fenjera u sablasno treperenje svetala; mrtva priroda je osvijetljena iznutra sobe i djeluje neprirodno svijetlo. Čini se da svjetlost stvara magičnu igru transformacije stvarnosti.
Nikolaj Petrovič Krimov (1884–1958). Moskva pejzaž. Duga 1908. Ulje na platnu. 59x69
Već prve slike mladog Nikolaja Krimova pokazale su da je gradski stanovnik ušao u rusko pejzažno slikarstvo, sposoban da vidi ljepotu svijeta među gradskim kućama i šarenim krovovima, da osjeti tajni život prirode među vreve i buke. grad. Platno „Moskovski pejzaž. Duga" zauzima posebno mjesto u Krimovljevom radu. Kombinira simbolističku viziju svijeta i impresionističku potragu umjetnika: duga je doslovno raspoređena u bojama, a sam pejzaž u cjelini predstavlja mističnu korespondenciju između nebeskog i zemaljskog svijeta u očima simbolista.
Slika svijeta djeluje krhko i kao igračka, kao da se gleda očima djeteta. Duga zasjenjuje prostor, njeni fragmenti klize po krovovima i svjetlucaju na prozorima; Dijete trči stazom trga s vrtnjom u rukama - igračkom "prototip" duge. U ovom šarenom svijetu, autor je svoje inicijale sakrio na natpisu trgovine.
Slika simbolizira trijumf transformiranog svijeta, gdje svjetlost duge prodire u svaki dio postojanja. Krimovljev slikarski stil doprinosi sjaju površine. Reljefni potezi stvaraju efekt dragocjene, preljevne majoličke glazure na površini platna.
Pavel Varfolomejevič Kuznjecov (1878–1968). Veče u stepi 1912. Ulje na platnu. 96,7x105,1
Jedan od vodećih majstora "Plave ruže", P. V. Kuznjecov, putovao je po srednjoj Aziji 1912-1913, donoseći sa svog putovanja uspomene na život istočnih naroda i djela koja su zabilježila mnogo toga što je vidio. Na slici "Veče u stepi" umjetnik je prikazao scenu iz života kirgiških nomada. Žene su zauzete svakodnevnim aktivnostima, ovce mirno pasu, a mir i tišina se prostiru.
Odmarajuća priroda i čovjek su u skladnom jedinstvu. U kompoziciji nema nepotrebnih detalja: samo zemlja, nebo, tanko drveće, nekoliko ovaca i dvije ženske figure, obavijene blagim svjetlom; Ovdje nema posebnih topografskih ili etničkih karakteristika, zahvaljujući kojima su granice prikazanog proširene na univerzalnu skalu. Prostor se približava konvenciji; čini se da lagani, široki potezi prenose njegovo mirno i ujednačeno disanje.
Vasilij Vasiljevič Kandinski (1866–1944). Improvizacija 7 1910. Ulje na platnu. 97x131
V. V. Kandinski se smatra jednim od osnivača apstraktnog slikarstva. Put nove umjetnosti vidio je u želji da se prenese unutrašnji sadržaj vanjskih oblika svijeta i, kao rezultat toga, u odbacivanju njegovog realističkog prikaza. Umjetnik je u svom radu nastojao prenijeti osobne osjećaje ne uz pomoć objektivnih oblika (kroz jednu ili drugu radnju), već samo slikovnim sredstvima. Na primjer, umjesto uobičajenih žanrova figurativne umjetnosti, koristio je impresiju, improvizaciju i kompoziciju.
Improvizacija je izraz unutrašnjih procesa koji se javljaju iznenada, uglavnom nesvjesno. "Improvizacija 7" jedno je od ranih djela Kandinskog. Objektivni svijet se ovdje rastvara u kretanju ravnina i linija, složeno usklađenih boja.
Kazimir Severinovič Malevič (1878–1935). Portret umjetnika M. V. Matjušina 1913. Ulje na platnu. 106,5x106,7
Do 1913. među ruskim futuristima pojavio se umjetnički pokret - kubo-futurizam. Njegovi tvorci nastojali su sintetizirati ideje futurizma i kubizma. Glavni zadatak futurizma je prenijeti osjećaj kretanja.
Maljevič je sastavio portret Matjušina iz različitih geometrijskih ravnina, što ga na prvi pogled čini sličnim stilu kubističkih djela Picassa i Braquea. Ali postoji i značajna razlika: osnivači kubizma slikali su uglavnom u monohromatskoj tehnici, dok Malevich aktivno koristi bogatu shemu boja. Još jedna karakteristika slike: uprkos svoj apstraktnosti, realistični detalji su razbacani po platnu. Tako, na primjer, dio čela s kosom začešljanom u sredini, tačno ponavlja Matjušinovu frizuru, prema svjedočenju ljudi koji su ga poznavali. Ovo je možda jedini detalj koji ukazuje da se radi o portretu. Matjušin nije bio samo umetnik, već i kompozitor, tako da nije teško pretpostaviti da je linija belih pravougaonika koji dijagonalno dele sliku klavirska klavijatura (i bez crnih tastera - nagoveštaj originalnosti muzičkog sistema Mihaila Vasiljeviča Matjušina ).
Stanislav Julijanovič Žukovski (1875–1944). Radosni maj 1912. Ulje na platnu. 95,3x131,2
S. Yu. Žukovski, ruski umjetnik poljskog porijekla, na slici „Veseli maj“ prikazao je unutrašnjost seoske kuće, kroz čiji otvoreni prozor upada topli sunčani majski dan, pretvarajući cijelu prostoriju igrom svjetlo. Rad nastavlja tradiciju unutrašnjeg slikarstva iz doba romantizma, prvenstveno škole A. G. Venetsianova. Suncem ispunjen enterijer oslikan je pod uticajem impresionizma, čiju rusku verziju karakteriše lirska nota.
Stari drveni zidovi, carske stolice sa plavim presvlakama postavljenim uz njih između prozorskih otvora i portreti davno mrtvih stanovnika ove kuće, mogu mnogo reći. Unutrašnjost je ispunjena motivom duboke nostalgije. Ovdje sve diše prošlošću, ali radosna svjetlost koja se u maju širi posvuda prigušuje male note i čini da ovaj interijer postepeno oživljava. Plavo cvijeće na osvijetljenoj prozorskoj dasci simbol je obnove koja je stigla u staru kuću, a koja je karakteristična za svu prirodu.
Boris Mihajlovič Kustodijev (1878–1927). Maslenica 1916. Tempera na platnu. 61x123
Radošću i zabavom ispunjena su platna slikara, grafičara i pozorišnog umjetnika B. M. Kustodieva na temu zimskih svečanosti i praznika. Među njima centralno mjesto pripada slici ruske Maslenice sa jahanjem, šakama i separeima. Za umjetnika je ovaj praznik kao karneval, u kojem je sve dekorativno i lijepo: hodaju ljudi bogato odjeveni u šarene šalove i bunde; konji se utrkuju, ukrašeni vrpcama, zvončićima i papirnatim cvijećem; a činilo se da je čak i sama priroda obukla svoju najbolju odjeću.
U svojim brojnim slikama posvećenim Maslenici i drugim narodnim svetkovinama, Kustodievu je bilo važno da naglasi vrtoglavi vrtlog emocija. Možda je zato glavni motiv kretanja u njima oduvek bila nekontrolisana trkačka trojka. Dinamika ovih radova zasnovana je na kompozicionim tehnikama pozorišne i dekorativne umetnosti: kontrastnoj igri svetlosti i senke, upotrebi „scena“. Ova platna su toliko dekorativna u svojoj boji i kompoziciji da podsjećaju na neobične oslikane kutije. Još više iznenađuje činjenica da je većina majstorovih djela napisana iz sjećanja i predstavlja generalizirane slike Rusije u cjelini. Njihovi junaci su očišćeni od svega negativnog: ljubazni su, poetični, puni dostojanstva i žive, poštujući zakone i tradiciju. I nehotično se javlja osjećaj da način patrijarhalnog svijeta neizbježno postaje prošlost.
Robert Rafailovič Falk (1886–1958). Crveni namještaj 1920. Ulje na platnu. 105x123
R.R. Falk je bio slikar, crtač, pozorišni umjetnik i član udruženja kao što su “Svijet umjetnosti”, “Jack of Diamonds”, a kasnije OMH i AHRR. Platna ovog umjetnika odlikuju se lijepo prenesenim volumenom forme. U nekim radovima majstor je uveo oštru deformaciju, što mu je omogućilo da naglasi unutrašnju napetost na slici.
To se može primijetiti i na slici "Crveni namještaj": unatoč činjenici da u njoj nema likova, pomaci oblika i izraz boja toliko su zasićeni emocijama da gledatelj nehotice razvija osjećaj tjeskobne slutnje. Utisak je pojačan temperamentnim, čak i „uzbuđenim“ načinom pisanja, naglašavajući napetost ritma koji formiraju predmeti koji se nalaze u prostoriji i sjene koje padaju s njih. Stolice sa visokim naslonom i sofa "obučeni" su u crvene presvlake. Oni skrivaju prave oblike namještaja i daju mu nejasne obrise. U središtu kompozicije nalazi se sto, na čijoj se površini odvija svojevrsna bitka: sudaraju se crne i bijele boje - kao slika apsolutne suprotnosti i istovremeno vječnog jedinstva svijeta.
David Petrovič Shterenberg (1881–1948). Aniska 1926. Ulje na platnu. 125x197
D. P. Shterenberg je bio jedan od aktivnih organizatora i članova Društva štafelajnih slikara. Radove majstora odlikuju ekspresivna oštrina slika, lakoničnost kompozicije, općenitost i jasnoća crteža, te namjerno ravna konstrukcija prostora.
Međutim, umjetničina heroina nije vesela sportašica zadovoljna životom, već seljanka, u čijem je umu zauvijek sačuvano sjećanje na glad iz 1920-ih. Ona stoji blizu stola, na njemu je tanjir sa korom crnog hleba. Tabela je apsolutno prazna, to je golo polje sa samo jednim simboličkim objektom - kruhom. Shterenberg odbija detaljno reproducirati stvarnost, stvarajući uvjetno iluzorni plavo-smeđi prostor.
Koristeći oskudna, ali precizno kalibrirana sredstva boje i kompozicije, Shterenberg rekreira tragediju tog doba.
Sergej Aleksejevič Lučiškin (1902–1989). Lopta je odletjela 1926. Ulje na platnu. 69x106
S. A. Luchishkin je sovjetski umjetnik koji se pridružio postrevolucionarnom "drugom valu" ruske avangarde i sudjelovao u nizu najradikalnijih umjetničkih eksperimenata 1920-ih. Scenski i razigrani, obično vrlo dramatični sadržaji izdvajaju najbolja majstorova štafelajska djela.
Slika stvarnosti koju je autor stvorio na slici “Lopta je odletjela” suprotna je zvaničnoj sovjetskoj umjetnosti 1920-ih. Umjetnik je prikazao visoke zgrade, kao da steže prostor između njih. U praznom dvorištu, u pozadini, ograničena ogradom, stoji djevojčica. Ona gleda kako lopta leti u beskrajni prazan prostor. Prozori prikazuju prizore svakodnevnog života stanovnika visokih zgrada. Umjetnik ne prikazuje svijetlu, sretnu budućnost sovjetskih ljudi, već pripovijeda o stvarnoj, daleko od romantične svakodnevice. Kroz vanjsku naivnost pojavljuju se tragični znaci: viseća figurica samoubice u kutu najpoznatije majstorove slike.
Marc Zakharovich Chagall (1887–1985). Iznad grada 1914–1918. Platno, ulje. 141x197
Sposobnost kombinovanja visokog sa običnim individualni je kvalitet rada M. Z. Chagalla, jednog od najpoznatijih predstavnika umetničke avangarde 20. veka. Slika "Iznad grada" prikazuje dvoje ljubavnika - umjetnika i njegovu voljenu Bellu, koji se lako, graciozno i prirodno lebde nad Vitebskom kao da jednostavno šetaju stazama parka. Voljeti, biti srećan i letjeti nad svakodnevnim gradom prirodno je kao i držati jedno drugo u naručju - to je ideja koju heroji potvrđuju.
Ova Chagallova slika bila je predodređena za čudnu sudbinu. Budući da je vlasništvo Državne Tretjakovske galerije, postao je možda najpopularnije djelo umjetnika na postsovjetskom prostoru. Razlog tome je u velikoj mjeri bila njegova pristupačnost za gledanje, za razliku od onih Chagallovih djela koja su bila pouzdano skrivena od znatiželjnih očiju željeznom zavjesom. Uranjajući u svijet malih kuća i klimavih ograda, tako pažljivo oslikanih od strane majstora, počinjete hvatati sebe kako mislite da ste u Vitebsku Chagallove mladosti - gradu koji, nažalost, više ne postoji. “Vatle i krovovi, brvnare i ograde i sve što se dalje otvaralo, iza njih, oduševilo me. Šta tačno - možete videti na mojoj slici “Iznad grada”. I mogu ti reći. Lanac kuća i separea, prozori, kapije, kokoši, fabrika daskama, crkva, pitomo brdo (napušteno groblje). Sve je na vidiku, ako pogledate sa tavanskog prozora, koji se nalazi na podu”, citat je iz autobiografije “Moj život” koju je Šagal napisao nakon što je napustio Rusiju.
Martiros Sergejevič Sarjan (1880–1972). Planine. Jermenija 1923. Ulje na platnu. 66x68
M. S. Saryan je najveći majstor jermenskog slikarstva 20. vijeka, koji je nastavio tradiciju simbolizma. Na umjetnikovoj slici iz 1920-ih „Planine. Jermenija“ predstavlja kolektivnu sliku Jermenije, a ne specifične slike bilo kojeg pojedinačnog mjesta. Svojom svjetlinom i emocionalnošću ovi radovi su bliski Saryanovim predrevolucionarnim djelima, razlikuju se od potonjih samo po većoj monumentalnosti. Nakon što je skoro četiri decenije putovao na sva najznačajnija mesta u Jermeniji, puno radeći u prirodi, umetnik je stvorio ogroman broj raznolikih pejzaža. Krajem 1920-ih Saryanov način rada na polju pejzaža se promijenio. Umjesto brzosušećih tempera, radi uljanim bojama, koje omogućavaju slikanje pejzaža direktno iz života, a ne iz sjećanja, kao prije.
Petar Petrovič Končalovski (1867–1956). Portret V. E. Meyerholda 1938. Ulje na platnu. 211x233
U periodu masovnih represija, neposredno pre hapšenja i smrti Mejerholjda, P. P. Končalovski je stvorio portret ove izuzetne pozorišne ličnosti. Za reditelja-reformatora Vsevoloda Emilijeviča Mejerholda, 1938. je počela dramatično: 7. januara Komitet za umetnost usvojio je rezoluciju o likvidaciji Državnog pozorišta po Mejerholjdu (GOSTIM).
Kako bi naglasio konflikt između pojedinca i okolne stvarnosti, pri stvaranju portreta režisera, umjetnik je koristio složeno kompoziciono rješenje. Na prvi pogled se čini da je na platnu prikazan sanjar, čiji su snovi oličeni u šarenim šarama koje prekrivaju cijeli zid i sofu do poda. Ali, ako se bolje pogleda, može se uočiti bolna apatija modela, odvojenost od svijeta oko nje. Upravo kroz jukstapoziciju blistavog tepiha, gusto prekrivenog ornamentima, i jednobojne figure reditelja, koji se iluzorno nalazi stisnut i upleten u bizarne obline šara, Končalovski stvara posebnu emocionalnu napetost koja otkriva sadržaj slika.
Ilja Ivanovič Maškov (1881–1944). Moskva hrana 1924. Ulje na platnu. 129x145
Jedan od osnivača umetničkog udruženja „Jack of Diamonds“, I. I. Maškov, ovako je govorio o svom slikarstvu: „Želeo sam da dokažem da naša sovjetska slikarska umetnost treba da se oseća u skladu sa našim vremenom i da bude razumljiva, uverljiva i razumljiva svakom delu. osoba. Htio sam prikazati realističnu umjetnost u ovoj jednostavnoj radnji. Mrtva priroda "Hlebovi" je naša moskovska obična pekara svog vremena... i kompozicija je nekako nemarna, nezgrapna, ali naša, moskovska, lokalna, a ne pariska... Hlebovi su naša majka Rusija... dragi, hleb , orkestar, orgulje, horski.” Umjetnik je, međutim, neiskren, ne kaže da je mrtvu prirodu slikao po sjećanju.
Odmah nakon pojavljivanja ovog djela na izložbi, prepoznato je kao klasik sovjetskog slikarstva. Službena sovjetska kritika je primijetila korespondenciju mrtve prirode sa zadacima slikarstva socijalističkog realizma: zaista, u zemlji vlada glad, ali u umjetnosti je zadivljujuće obilje! Ipak, ovaj rad je otkrio umjetnikov izuzetan slikarski dar: dinamičnu kompoziciju, bogatstvo boja - sve ove osobine bile su karakteristične za umjetnike "Dijamanta".
Vera Ignatjevna Mukhina (1889–1953). Julia 1925. Drvo. Visina 180
Skulptura izvanrednog majstora 20. stoljeća V.I. Mukhine nabavljena je 2006. godine za kolekciju Državne Tretjakovske galerije. Rad je već predstavljen u stalnom postavu muzeja na Krimskom valu. Naziv djela povezan je s imenom balerine Podgurske, koja je bila model. Složen umjetnički koncept autor je utjelovio u figuri prikazanoj spiralno. Ovo je rijedak primjer drvene skulpture koja je sačuvala posebnost ručne izrade. Ruski likovni kritičar A. V. Bakušinski nazvao ju je "zaista okruglom skulpturom".
Vera Ignatjevna je veoma volela ovaj rad i čuvala ga je u svojoj radionici do poslednjih dana. Godine 1989. skulptura "Julia" uključena je u ličnu izložbu V. I. Mukhine, organizovanu unutar zidova galerije za njenu stogodišnjicu. Kasnije je plastično remek-djelo bilo u porodici njenog sina V. A. Zamkova, koji je nakon njegove smrti zavještao da prenese djelo u zbirku Državne Tretjakovske galerije.
Sarra Dmitrievna Lebedeva (1892–1967). Djevojka s leptirom 1936. Bronza. Visina 215
„Djevojka s leptirom“ je bronzani odljev pejzažne skulpture namijenjene ukrašavanju moskovskog Centralnog parka kulture i razonode (u parku je postojala neočuvana cementna verzija). Plastičnost kipa prenosi pažljiv pokret djevojke, pokušavajući da ne uplaši leptira koji joj je sletio na ruku. U ovom radu, kao iu svim svojim radovima, vajarka i umjetnica Sarra Lebedeva pojavljuje se kao suptilni psiholog, uočavajući emocionalno stanje svog modela, pokušavajući "zaustaviti trenutak" i zadržati leptira.
Nikolaj Konstantinovič Istomin (1886 (1887)-1942). Univerziteti 1933. Ulje na platnu. 125,5x141,5
Istomin, koji je stekao umjetničko obrazovanje u Minhenu, član udruženja Makovets i Četiri umjetnosti, nakon njihove likvidacije početkom 1930-ih, pridružio se Udruženju umjetnika revolucionarne Rusije. Na slici "Vuzovki" umjetnik se bavi temom mladosti, budućim graditeljima socijalizma, što je bilo relevantno za umjetnost Staljinove ere. Ali rješenje ovog djela, i po slikovitosti i po sadržaju, nema mnogo zajedničkog sa plakatskim optimizmom tematskih slika tih godina. Otkriva slikarske tehnike karakteristične za Istomina, koje su se razvile u ranom periodu stvaralaštva pod uticajem fovizma.
Ugodna soba sa velikim kvadratnim prozorom u tamnozelenom zidu, iza nje je ružičasto-biserni (za razliku od duboke, jake boje unutra) zimski grad. Nasuprot svetlosti su graciozne siluete dve devojke u crnom, zauzete čitanjem. Junakinje djela liče jedna na drugu kao sestre bliznakinje. Na prvi pogled, ovo je svakodnevni žanr, ali smisao ovog velikog, široko i hrabro oslikanog platna očito nije u detaljima priče, niti u likovima djevojaka, niti u njihovim aktivnostima. Ova slika, obična po svojoj radnji, kao da je otvoren prozor u neko drugo, davno prošlo vrijeme i kao da uranja gledatelja u duhovnu atmosferu 1930-ih. Slika se svojom strogom, gotovo grafičkom shemom boja, odlikuje lirizmom i oštro se izdvaja među pompeznim umjetničkim djelima ovog razdoblja.
Pavel Dmitrijevič Korin (1892–1967). Alexander Nevskiy. Centralni dio triptiha 1951. Ulje na platnu. 72,5x101
Umjetnik je stvorio platno veličajući rusko oružje tokom teškog perioda za zemlju, tokom Velikog domovinskog rata. Centralna slika triptiha prikazuje princa Aleksandra Jaroslaviča, koji je dobio nadimak Nevski za svoju pobjedu nad Šveđanima u bici na Nevi 1240. godine i kanonizovan od strane Ruske pravoslavne crkve 1549. godine. Princ se gledaocu pojavljuje kao svrsishodan, hrabri komandant. Ratnik širokih ramena obučen u oklop, držeći veliki mač ispred sebe, stoji na pozadini beskrajnih ruskih prostranstava i budno čuva svoje rodne zemlje. Aleksandar Nevski oličava hrabrost i hrabrost ruskog naroda, koji je spreman da se bori do poslednje kapi krvi za svoju slobodu i nezavisnost. „Želeo sam“, prisetio se umetnik, „da prenesem karakter ruskog čoveka, da otelotvorim duh hrabrosti, koja je sastavna odlika nacije, koja je ohrabrivala narod Rusije da se bori do smrti u bitkama i kreće naprijed. Taj duh neposlušnosti sudbini, čija volja i upornost odzvanjaju i u „Priči o Igorovom pohodu“, i u prvim Puškinovim pesmama, i u našim srcima.
Na osnovu slike kasnije su napravljeni mozaici za stanicu Komsomolskaya-Koltsevaya moskovskog metroa.
Jurij (Georgy) Ivanovič Pimenov (1903–1977). Nova Moskva 1937. Ulje na platnu. 140x170
Od sredine 1930-ih Pimenov, jedan od osnivača Društva štafelajnih slikara, radio je na nizu slika o Moskvi, među kojima je posebno popularno postalo platno „Nova Moskva“. Umjetnici su radili s iskrenim entuzijazmom na stvaranju nove sovjetske mitologije, koja je zahtijevala druge oblike. Slika "Nova Moskva" u potpunosti odgovara duhu vremena. Kompozicija je dizajnirana kao okvir snimljen objektivom kamere. Autor se fokusira na figuru žene koja vozi automobil, što je bio fenomen bez presedana 1930-ih godina. Gledalac kao da sedi iza nje i iz otvorenog automobila posmatra novu jutarnju Moskvu. Monolitna masa novopodignute zgrade Gosplana, slobodna avenija i prostranstvo trgova, grimizno slovo nedavno otvorenog metroa - sve je to obnovljena Moskva. Boja, poigravajući se mnogim nijansama i tonovima, pokretni potezi prenose kretanje automobila i vibraciju svjetlo-vazdušnog okruženja. Impresionistički stil slikanja daje djelu svježinu i eleganciju - upravo tako je trebalo doživjeti novu prijestolnicu, a s njom i novi sovjetski život. Međutim, godina u kojoj je nastala ova slika jasno je u suprotnosti s optimističnom temom „svijetlog puta“.
Aleksandar Mihajlovič Gerasimov (1881–1963). Portret balerine O. V. Lepešinskaja 1939. Ulje na platnu. 157x200
Izvanredan slikarev talenat, veseo, "slatan" stil slikanja - sve je to, kako se A. M. Gerasimov kretao na ljestvici karijere socijalističkog realizma, poprimilo svečani sjaj. Gerasimov je stvorio čitavu galeriju portreta istaknutih ličnosti sovjetske države i Komunističke partije Sovjetskog Saveza, vojskovođa Sovjetske armije, predstavnika sovjetske nauke, književnosti, pozorišta i likovne umjetnosti. Na pozadini lica partijske službenosti, umetnik je pronašao oduška u portretima kreativne inteligencije (balerina O. V. Lepešinskaja, grupni portret najstarijih umetnika I. N. Pavlova, V. N. Bakšejeva, V. K. Bjalinjicki-Biruli, V. N. Meškova) i drugih. .
Posedujući besprekornu tehniku, Lepešinskaja je uspela da odrazi sopstveni, živahni, iskričavi karakter u svakoj slici stvorenoj na baletskoj sceni. Umjetnik hvata balerinu u trenutku probe. Junakinja se na trenutak ukočila pred gledaocem u tipičnom plesnom koraku - stoji na špic cipelama, ruke su joj na tutu, glava joj je blago okrenuta u stranu, kao da se sprema za sledeće pojavljivanje u u sredini sale za probe. Još trenutak - i balerina će nastaviti ples. Oči joj blistaju, puna je inspiracije i ljubavi prema svojoj profesiji. U filmu se tradicionalno predstavljanje kombinuje sa novim pogledom na kreativnu aktivnost. Ples u životu balerine je najviši smisao njenog postojanja.
Mihail Vasiljevič Nesterov (1862–1942). Portret vajara V. I. Mukhine 1940. Ulje na platnu. 75x80
Na slici je prikazana Vera Mukhina, sovjetska kiparica, autorka mnogih poznatih dela, uključujući i čuvenu grupu „Radnica i žena na farmi“, predstavljena na Svetskoj izložbi u Parizu 1937. godine. Vera Ignatjevna čini poslednje dopune prototipa budućnosti. skulptura. U jednoj ruci drži mali komad gline, a drugom povećava volumen jednog od junaka. Ovdje je direktno uhvaćen čin kreativnosti, trenutak kada se iz bezobličnog komada gline rađa pravo umjetničko djelo.
Kompozicijski centar rada je jarkocrveni broš koji drži ovratnik bijele bluze. Nesterov suprotstavlja Muhininu koncentraciju s brzim dinamikom i očajničkim impulsom koje ona prenosi u svom stvaralaštvu. Zahvaljujući ovom emocionalnom kontrastu, "Portret kipara V. I. Mukhine" dobija posebnu ekspresivnost i aktivan unutrašnji život, otkrivajući tako složen karakter same Vere Ignatjevne.
Tair Tejmurazovič Salakhov (rođen 1928.). Portret kompozitora Kara Karaeva 1960. Ulje na platnu. 121x203
Na portretu izuzetnog azerbejdžanskog kompozitora Kara Garajeva, umjetnik je nastojao prikazati težak proces rađanja muzike. Koncentrisana poza, psihološki zatvorena od posmatrača, govori o izuzetnoj koncentraciji na unutrašnji glas. Kreativni proces može biti intenzivan i dug, tokom kojeg se čini da se vanjski život zamrzava za osobu uronjenu u sebe, ili se vuče neuobičajeno dugo na jednu tonu dok se ne pronađe rješenje. Da li se zato dugi crni klavir čini tako beskrajnim, naspram kojeg je prikazana sedeća figura kompozitora? Slika ovog muzičkog instrumenta postavlja odmjereni ritam kompozicije i služi kao neophodan kontrast za junaka obučenog u bijeli džemper. Umjetnik dovodi krute konture Karajevskog lika i predmeta interijera gotovo do grafičkog dizajna. Kompozitorova unutrašnja umjetnost, njegov talenat i kreativna napetost otkrivaju se u shemi boja.
Grigorij Ivanovič Kepinov (Grigor Ovanesovich Kepinyan) (1886–1966). Ženski torzo 1934–1946. Mramor. Visina 71
Čuveni sovjetski kipar G. I. Kepinov, koji je studirao na pariskoj akademiji Julien, smatrao je svojom dužnošću očuvanje akademske tradicije u kiparstvu. Slikao je portrete mnogih svojih savremenika.
Mermerni „Ženski torzo“ je prelepo skulpturalno oličenje ženske lepote, ali za razliku od svog klasičnog shvatanja, ovo je herojska lepota, u skladu sa idealima epohe. Prelepo nago telo je napeto, pokret oslobađanja figure od kamenog bloka podseća na nedovršena Mikelanđelova dela.
Oleg Konstantinovič Komov (1932–1994). Staklo 1958. Bronza. Visina 60
Bronzanu skulpturalnu kompoziciju „Staklo“ kreirao je O.K. Komov godinu dana prije diplomiranja na Moskovskom umjetničkom institutu. V. I. Surikova. Autorov stil definira se kao oštar stil (ili grubi realizam), koji je nastao prvenstveno u slikarstvu kasnih 1950-ih - ranih 1960-ih i poetizirao svakodnevni život običnih ljudi, njihovu snagu i volju. Strogi stil karakterizirala je želja za monumentalnom slikom, što se otkriva i u Komovljevoj skulpturalnoj kompoziciji.
Njegova junakinja je jednostavna mlada radnica, čijim se snažnim rukama - kao i rukama miliona ljudi poput nje - gradi zemlja. Težak život i težak rad nadživeli su gracioznost i krhkost. “Varvarstvo” nije u modi: rad je častan. Mirna samopouzdanost radničke poze u suprotnosti je sa nesigurnim položajem čaše, a cijela kompozicija odaje utisak jedinstva ovih suprotnosti.
Prostor postaje jedna od vodećih komponenti ovog rada. Njegov odnos sa ženskom figurom je složen i dvosmislen. Široka gesta ruke junakinje otvorena je prema vanjskom svijetu, u aktivnoj interakciji s njim, ali njen prostor ograničen je konturama stakla u koje je stisnuta, kao u okviru. Staklo je prizma kroz koju ona sagledava svijet, ali i nevidljivi zid između nje i ovog svijeta.
Arkadij Aleksejevič Plastov (1893–1972). Proljeće 1954. Ulje na platnu. 123x210
Jedan od istaknutih predstavnika moskovske slikarske škole, A. A. Plastov, nastavio je u svom radu tradicije V. A. Serova, A. E. Arkhipova i majstora Saveza ruskih umjetnika. Odanost seljačkoj temi, gde bi se „ljudsko meso sa svim žarom prikazalo u najvećoj napetosti i istini“, organski kolorit i spontanost utiska na „velikoj“ slici karakteristični su za umetnikova dela 1940-1950-ih.
Na slici „Proleće“ slikar je uspeo da uhvati taj ideal ženske lepote, fizičke i duhovne, koji živi u mašti svake osobe i, po pravilu, ne nalazi oličenje u stvarnom životu. Hladnoća, neka odvojenost pisanja, dirljiva slika djeteta, jednostavnost i prirodnost radnje postavljaju ovo djelo na pijedestal čistog ushita i čedne ljubavi, nedostupne čulnoj percepciji. Plastov je djelo nazvao "Proljeće" (a ne "U starom kupatilu"), naglašavajući time njegovu metaforičnost i evocirajući cijeli asocijativni niz slika svjetske umjetnosti povezanih s ovom riječju.
XX-XXI VEKA 1922. “Marš na Rim” Benita Musolinija, ovaj Duce („vođa”) pretvara Rim u centar italijanskog fašizma. Uređena je glavna ulica Via dei Fori Imperiali 1943. Nakon razornog bombardovanja Rima od strane savezničke avijacije, Musolinija je uhapsila služba
Iz knjige sa Rodosa. Vodič od Furst FlorianXX-XXI vek 1912. Italija zauzima Rodos, a zatim i ostala ostrva Dodekaneza 1923. Ugovor iz Lozane osigurava italijansku dominaciju nad ostrvom 1943. Njemačka okupira Rodos i 1944. deportuje sve rodezijske Jevreje sa ostrva. 1945. grčke trupe
Iz knjige Vodič za križaljke autor Kolosova SvetlanaUmetnici 20. veka 3 Rouault, Georges - francuski slikar Yuon, Konstantin Fedorovič - ruski slikar 4 Braque, Georges - francuski slikar Gris, Juan - španski slikar Dali, Salvador - španski slikar Dufy, Raoul - francuski slikar. Leger, Fernand – francuski
Iz knjige Rat i mir [U terminima i definicijama] autor Rogozin Dmitrij OlegovičGLAVA 6 Vojna umetnost. Operativna umjetnost ZRAČNA DOMINANCIJA je odlučujuća nadmoć avijacije jedne od strana u vazdušnom prostoru teatra operacija, važnog operativnog područja ili u određenom području. Dozvoljava zračnim snagama, kao i kopnenim snagama
Iz knjige Budimpešta i njena predgrađa. Vodič od Bergmanna JurgenaXIX-XX veka 1848. Organizacija Mlada Mađarska, koju vodi pjesnik Sándor Petőfi, zalaže se za buržoasko-demokratske reforme u zemlji i podiže Martovsku revoluciju. U jesen Habsburgovci počinju da guše ustanak. Šandor Petofi poginuo je 1849. u borbi za
Iz knjige Lisabon. Vodič od Bergmanna JurgenaXX i XXI vijek 1908. Brutalna borba za rušenje monarhije. Pokušaj atentata na kralja Karlosa I i prestolonaslednika Luisa Filipea, 5. oktobar 1910. Proglašenje Republike. Kralj Manuel II bježi u Englesku 1926. Vojna diktatura: raspuštanje parlamenta, prestanak političkog
Iz knjige Zločini stoljeća autor Blundell NigelNigel Blundell Enciklopedija svjetskih senzacija 20. stoljeća TOM 1: Zločini
Iz knjige Miscellaneous Misfits. Vodič od WeeldoonPao u antičke vekove (pre 19. veka) Novo 30.10.2014. Grinberg Oksana Koroleva. Preživite da ne poludite Posnyakov Andrej Wild Field Korchevsky Yuri Atlant. Prodavač vremena Korčevski Jurij Zlato mrtvih. Plemić Korčevski Jurij Oluja vremena
Iz knjige Kako postati pisac...u našem vremenu autor Nikitin YuriUmjetnost i... lažne umjetnosti Još uvijek svi ne znaju da u književnosti, kao iu svakom obliku umjetnosti, postoji podjela na umjetnost i lažne umjetnosti, iako bi to trebalo biti očigledno. Na primjer, ljubav je umjetnost, ali seks je laž
Iz knjige Misli, aforizmi, citati. Posao, karijera, menadžment autor Dušanko Konstantin VasiljevičVolim umetnost. Umetnost komunikacije Vidi i “PR” (str. 178); „Radite sa ljudima. Timski rad" (str. 307) Najkorisnija od svih umjetnosti je umjetnost biti dopadljiv. Philip Chesterfield (1694–1773), engleski diplomata i pisac Mora se pretpostaviti da ako razumna osoba nema želju
Iz knjige Državna Tretjakovska galerija autor autor nepoznatUmjetnost 18. stoljeća Louisa Caravaquea. "Portret carice Ane Joanovne." 1730. Ivan Nikitič Nikitin (oko 1680–1742) Portret grofa G. I. Golovkina 1720-ih. Platno, ulje. 73,4x90,9 Grof Gavriil Ivanovič Golovkin (1660–1734) - jedan od vjernih saradnika Petra I, prvog ruskog kancelara
Iz knjige autoraUmetnost prve polovine 19. veka Vasilij Andrejevič Tropinin. "Čipkarica." 1823 Orest Adamovič Kiprenski (1782–1836). Portret grofice E. P. Rastopčine 1809. Ulje na platnu. 61x77 Ženske slike koje je kreirao priznati majstor portreta O. A. Kiprenski neprocjenjiva su stranica u
Iz knjige autoraUmetnost druge polovine 19. veka Vasilij Vladimirovič Pukirev. "Nejednak brak". 1862 Konstantin Dmitrijevič Flavicki (1830–1866). Princeza Tarakanova 1863. Ulje na platnu. 187,5x245Historija prevare u Rusiji tema je koja neprestano uzbuđuje maštu ruskih umjetnika.
Iz knjige autoraUmetnost 20. veka Zinaida Evgenievna Serebryakova. “Iza toaleta. Auto portret." 1909. Kuzma Sergejevič Petrov-Vodkin (1861–1939). Kupanje crvenog konja 1912. Ulje na platnu. 160x186 Godine 1912., na izložbi Svijet umjetnosti, pojavila se slika K. S. Petrov-Vodkin "Kupanje crvenog konja", koja
Art
112904
Državna Tretjakovska galerija jedan je od najvećih umjetničkih muzeja ruske likovne umjetnosti. Danas zbirka Tretjakova broji oko sto hiljada predmeta.
Uz toliko eksponata, kroz izložbu možete lutati nekoliko dana, pa je Localway pripremio rutu kroz Tretjakovsku galeriju koja prolazi kroz najvažnije dvorane muzeja. Nemojte se izgubiti!
Pregled počinje od glavnog ulaza, ako stojite licem prema blagajni, lijevo je stepenište koje vodi na drugi sprat. Brojevi hola su ispisani na ulazu, iznad vrata.
Hala 10 je gotovo u potpunosti posvećena slici „Pojava Mesije“ Aleksandra Andrejeviča Ivanova (poznatiji naslov je „Pojava Hrista narodu“). Samo platno zauzima cijeli zid, preostali prostor je ispunjen skicama i skicama kojih se u dvadesetogodišnjem radu na slici nakupilo jako puno. Umjetnik je naslikao “Pojavu Mesije” u Italiji, zatim je, ne bez incidenata, prevezao platno u Rusiju, a nakon kritika i nepriznavanja slike u svojoj domovini, iznenada je umro. Zanimljivo je da su na platnu, između ostalih, prikazani Nikolaj Vasiljevič Gogolj i sam Ivanov.
Pročitajte u potpunosti Kolaps
U sobi 16, desno u pravcu kretanja, nalazi se dirljiva slika Vasilija Vladimiroviča Pukireva „Nejednak brak“. Postoje glasine da je ova slika autobiografska: Pukirevova propala nevjesta udata je za bogatog princa. Umjetnik je ovjekovječio sebe na slici - u pozadini mladić s rukama prekrštenim na grudima. Istina, ove verzije nemaju činjeničnu potvrdu.
Pročitajte u potpunosti KolapsSala br. 16
Na lijevoj strani u istoj prostoriji nalazi se platno „Princeza Tarakanova“ Konstantina Dmitrijeviča Flavitskog. Slika prikazuje legendarnu prevaranticu koja je pokušala da se predstavi kao ćerka carice Elizabete Petrovne. Postoji mnogo verzija smrti princeze Tarakanove (pravo ime nepoznato), zvanična je smrt od konzumiranja. Međutim, još jedan je otišao „u ljude“ (uključujući i zahvaljujući radu Flavitskog): avanturista je umro tokom poplave u Sankt Peterburgu, u zatvorskoj ćeliji u tvrđavi Petra i Pavla.
Pročitajte u potpunosti KolapsSala br. 16
U 17. prostoriji nalazi se slika Vasilija Grigorijeviča Perova „Lovci na odmoru“. Platno predstavlja čitavu radnu kompoziciju: stariji lik (lijevo) priča neku vrstu izmišljene priče, u koju mladi lovac (desno) iskreno vjeruje. Čovjek srednjih godina (u sredini) je skeptičan prema priči i samo se smije.
Stručnjaci često povlače paralelu između Perovljeve slike i Turgenjevljevih "Bilješki lovca".
Pročitajte u potpunosti KolapsSala br. 17
U prostoriji 18 nalazi se najpoznatija slika Alekseja Kondratjeviča Savrasova „Stigli su topovi“, napisana u Kostromskoj oblasti. Crkva Vaskrsenja, prikazana na slici, postoji do danas - sada se tamo nalazi Savrasov muzej.
Nažalost, i pored mnogih divnih djela, umjetnik je ostao u sjećanju naroda kao „autor jedne slike“ i umro je u siromaštvu. Međutim, upravo su "Rooks" postali polazna tačka za novi žanr škole pejzaža u Rusiji - lirski pejzaž. Nakon toga, Savrasov je naslikao nekoliko replika slike.
Pročitajte u potpunosti KolapsSala br. 18
U 19. prostoriji nalazi se slika Ivana Konstantinoviča Ajvazovskog „Duga“. Začudo, umjetnik, koji je tokom života naslikao oko šest hiljada platna, uvijek je ostao vjeran svom odabranom žanru - marinizmu. Prikazana slika se po zapletu ne razlikuje od većine djela Aivazovskog: na platnu je prikazan brodolom u oluji. Razlika je u bojama. Obično koristeći svijetle boje, umjetnik je odabrao nježnije tonove za “Dugu”.
Pročitajte u potpunosti KolapsSala br. 19
U prostoriji 20 nalazi se poznata slika Ivana Nikolajeviča Kramskog „Nepoznato” (često se pogrešno naziva „Stranac”). Slika prikazuje kraljevsku, šik damu koja putuje u kočiji. Zanimljivo je da je identitet žene ostao misterija kako za umjetnikove savremenike tako i za likovne kritičare.
Kramskoj je bio jedan od osnivača društva “Itinerants”, udruženja umjetnika koji su se suprotstavljali predstavnicima akademske umjetnosti u slikarstvu i organizirali putujuće izložbe svojih radova.
Pročitajte u potpunosti KolapsSala br. 20
Desno, u pravcu kretanja, u sobi 25 nalazi se slika Ivana Ivanoviča Šiškina „Jutro u borovoj šumi“ (ponekad se platno pogrešno naziva „Jutro u borovoj šumi“). Unatoč činjenici da sada autorstvo pripada jednom umjetniku, na slici su radile dvije osobe: pejzažista Šiškin i žanrovski slikar Savitsky. Konstantin Apolonovič Savicki naslikao je medvjediće, osim toga, njemu se ponekad pripisuje i sama ideja o stvaranju slike. Postoji nekoliko verzija kako je Savitskyjev potpis nestao s platna. Prema jednoj od njih, sam Konstantin Apolonovič je uklonio svoje prezime iz gotovog djela, čime se odrekao autorstva; prema drugom, potpis umjetnika je izbrisao kolekcionar Pavel Tretyakov nakon kupovine slike.
Pročitajte u potpunosti KolapsSala br. 25
U sobi 26 nalaze se tri fantastične slike Viktora Mihajloviča Vasnjecova: „Aljonuška“, „Ivan Carevič na sivom vuku“ i „Bogatiri“. Tri heroja - Dobrinja Nikitič, Ilja Muromec i Aljoša Popović (s leva na desno na slici) - možda su najpoznatiji junaci ruskih epova. Na Vasnjecovljevom platnu, hrabri momci, spremni da krenu u bitku u svakom trenutku, traže neprijatelja na horizontu.
Zanimljivo je da Vasnetsov nije bio samo umjetnik, već i arhitekta. Na primjer, on je dizajnirao produžetak glavnog ulaznog hola Tretjakovske balske galerije.
Pročitajte u potpunosti KolapsSala br. 26
U 27. prostoriji nalazi se slika Vasilija Vasiljeviča Vereščagina „Apoteoza rata“, koja pripada seriji slika „Varvari“, koju je umetnik napisao pod utiskom vojnih operacija u Turkestanu. Postoje mnoge verzije zašto su takve piramide lobanja postavljene. Prema jednoj legendi, Tamerlan je od žena iz Bagdada čuo priču o njihovim nevjernim muževima i naredio je svakom od svojih vojnika da donese odsječenu glavu izdajnika. Kao rezultat toga, formirano je nekoliko planina lobanja.
Pročitajte u potpunosti KolapsSala br. 27
U prostoriji 28 nalazi se jedna od najpoznatijih i najvažnijih slika Tretjakovske galerije - „Bojarina Morozova“ Vasilija Ivanoviča Surikova. Feodosija Morozova je saradnica protojereja Avvakuma, pristalice staroveraca, za šta je platila životom. Na platnu, plemkinju, kao rezultat sukoba s carem - Morozova je odbila da prihvati novu vjeru - vode kroz jedan od moskovskih trgova do mjesta zarobljeništva. Teodora je podigla dva prsta kao znak da njena vera nije slomljena.
Godinu i po dana kasnije, Morozova je umrla od gladi u zemljanom zatvoru manastira.
Pročitajte u potpunosti KolapsSala br. 28
Ovdje, u 28. prostoriji, nalazi se još jedna epska slika Surikova - „Jutro pogubljenja u Strelcima“. Pukovnije Streltsy osuđene su na smrt kao rezultat neuspjele pobune uzrokovane teškoćama vojne službe. Slika namjerno ne prikazuje samu egzekuciju, već samo ljude koji je čekaju. Međutim, postoji legenda da su u početku i skice platna bile napisane za strijelce koji su već bili pogubljeni vješanjem, ali jednog dana, ušavši u umjetnikov atelje i ugledavši skicu, sobarica se onesvijestila. Surikov, koji nije želio da šokira javnost, već da dočara stanje uma osuđenih u posljednjim minutama života, uklonio je slike obješenih sa slike.
Sa izložbe na koju smo išli da se upoznamo sa stalnim postavom galerije, jednostavno smo protrčali kroz prvih nekoliko prostorija sa delima primitivističkih umetnika ranog 20. veka... Možda uzalud, ali posle Korovina iskreni primitivizam Natalia Goncharova i Niko Pirosmani izgledaju nekako čudno. Općenito, zaustavili smo se samo na slikama osnivača umjetničkog društva „Dijamanti Jack” Petra Končalovskog i Ilje Maškova. Pa čak i tada - ne u njihovim omiljenim portretima i mrtvim prirodama, već u pejzažima koji izazivaju asocijacije na slike Paula Cezannea. Nije slučajno što su u godinama svoje zrelosti kritičari prozvali dijamanta „ruskim sezaninistima“. Ugodan je primjer kreativnog napretka - od primitivnosti i bunta do punopravnog slikarstva...
Ilja Maškov, „Italija. Ne laži. Pejzaž s akvaduktom", 1913
Ilja Maškov, „Ženevsko jezero. Glion", 1914
Pjotr Končalovski „Sijena. Piazza della Signoria", 1912
Ali drugi članovi "Dijamanta" - A. Lentulov, R. Falk, V. Roždestvenski - došli su pod uticaj francuskog kubizma. S obzirom da Lena i ja nismo ljubitelji ovog pokreta, hodali smo kroz ove dvorane pomalo zbunjeni, iako se smatra da je „kubizam odigrao izuzetno važnu ulogu u samoopredeljenju ruskog slikarstva početkom 20. veka, uticao je na formiranje ruske avangarde i dalo poticaj novim umjetničkim pokretima. Kubizam obnavlja prirodu, uništavajući organski („slučajni“) oblik i stvarajući novi, savršeniji.” On je, prema riječima Maleviča, promijenio "svjetonazor slikara i zakone slikarstva".
Ovdje se logično približavamo čuvenom “Crnom kvadratu”. Jer: „Ruska umjetnost, prošavši za kratko vrijeme sve etape evolucije francuskog kubizma i naučivši pouke najnovijeg francuskog slikarstva, ubrzo ju je znatno nadmašila po radikalnosti svojih umjetničkih zaključaka. Glavni zaključci kubizma na ruskom tlu bili su suprematizam i konstruktivizam. Djelo K. Maleviča i V. Tatlina, dvije središnje ličnosti ruske avangarde koje su odredile put njenog razvoja, oblikovalo se pod dubokim utjecajem kubističkog koncepta.”
„1915. godine Maljevičevo stvaranje Crnog kvadrata bio je početak suprematizma, jednog od najradikalnijih pokreta avangarde. “Crni kvadrat” je bio znak novog umjetničkog sistema, nije prikazivao ništa, bio je oslobođen bilo kakve veze sa zemaljskim, objektivnim svijetom, predstavljajući “nulte forme”, iza kojih se krije apsolutna bespredmetnost. Suprematizam je potpuno oslobodio slikarstvo njegove slikovne funkcije.”
Teško je komentarisati istoriju, suština razvoja je da sve ima svoje mesto i svoje vreme. Ali „neobjektivnost“ i slikarstvo lišeno „slikovne funkcije“ iz nekog razloga ne dotiču unutrašnje žice naše duše koje vuče lepota... I sam Malevič se godinama kasnije vratio manje radikalnom slikarstvu...
Kazimir Malevič "Crni kvadrat", 1915
Ali kako je lepo, nakon nekoliko dvorana suprematizma, videti jarke boje i veličanstvene forme Kustodijeva, Kandinskog i našeg voljenog Bogajevskog! Konačno, pravi praznik slikanja!
Boris Kustodijev "Monar i dušo", 1921
Nikolaj Kulbin "Sunčanje", 1916
Vasilij Kandinski "Konjanik Georgije Pobjednik", 1915
Konstantin Bogaevski "Sjećanje na Mantegnu", 1910
Konstantin Bogajevski "Pejzaž sa drvećem", 1927
Nakon ovoga nalazimo se u ogromnoj dvorani najluksuznijeg Aleksandra Dejneke - šteta što prošle godine nismo uspjeli doći na retrospektivnu izložbu njegovih radova u istoj Tretjakovskoj galeriji, ali smo završili na skromnoj izložbi njegovih radova. i grafike Niskog u Muzeju umetnosti u Sevastopolju...
Aleksandar Deineka "Golman", 1934
Aleksandar Deineka "Ulica u Rimu", 1935
Aleksandar Deineka "Majka", 1932
Piter Vilijams "Moto reli", 1930
Jurij Pimenov "Nova Moskva", 1937
Nikolaj Zagrekov „Devojka sa prečkom“, 1929
Georgij Niski „Jesen. Semafori", 1932
Konstantin Istomin "Vuzovki", 1933
Konstantin Istomin "Na prozoru", 1928
U susjednoj prostoriji bila je izložba "Radost rada i životna sreća" - neka vrsta šarene pilule na pozadini prilično jezivih slika iz Staljinovog doba. Ostalo mi je samo nekoliko slika u sjećanju - ostale sam htio zaboraviti odmah nakon gledanja...
Georgij Rubljov "Portret IV Staljina", 1935
„Po svojoj optužujuće moći“, piše likovni kritičar E. Gromov, „ovaj Staljinov portret je uporediv samo sa pesmom O. Mandelštama („Živimo ne osećajući zemlju ispod sebe...“). Umjetnik Rubljov, svojevremeno potpuno zaboravljen, nije namjeravao da ovaj portret bude satiričan. Ali shvatio sam da bi mogao završiti u Gulagu. Rubljovljev Staljin nema „široke grudi Osetina“. Ima nekakvu raspletenu, zmijsku figuru, u kojoj kao da je prisutno nešto đavolje, on je i strašan, podmukao i zao. Umjetnik je tada bio oduševljen Pirosmanijem, na čiji način je i naslikao ovaj portret. Napisao sam je i uplašio se: ispala je groteskna slika.” Portret je pronađen na starim Rubljovljevim platnima nakon njegove smrti.
Robert Falk "Sjećanje", 1930
Kazimir Malevič "Sestre", 1930
Aleksandar Drevin "Gazela", 1931
Aleksandar Laktionov „Pismo sa fronta“, 1947
I tako smo polako došli do socijalističkog realizma sa ogromnim slikama kongresa i govora druga Staljina. I čak sam htela da sačuvam nešto od ove „proslave života“ kao suvenir u svom fotoaparatu, ali u ovim halama se našla veoma žestoka čuvarica - nema karte za fotografisanje, nemojte je uzeti! I nećete joj objasniti da muzej krši naše ustavno “pravo na slobodno traženje, primanje, prijenos, proizvodnju i distribuciju informacija na bilo koji zakonit način” i da je prodaja “prava na fotografiranje” od strane muzeja potpuno nezakonita. Zapravo, muzej prvo nezakonito ograničava prava posjetitelja na prikupljanje informacija, a zatim otklanja ovo ograničenje uz naknadu. Međutim, ovo je samo uvredljiva lirika - jednostavno nismo znali da je fotografija plaćena i nismo kupili kartu, i nismo vidjeli smisao u vraćanju... A u stvari, do tog trenutka umjetnost 20. vek nas je već umorio, a pogled sa prozora primamljivo je pozivao na sledeći muzej. Ali prvo smo morali proći kroz lavirint do kraja... A ovaj spektakl nije za one sa slabim srcem – dvorane vrlo moderne umjetnosti činile su nam se kao koncentracija sumornog užasa, neke vrlo mračne energije, beznađa. Uglavnom, brzo smo prošli kroz njih - htjeli smo zraka, i...! Ponovo smo pogledali njegovu izložbu kako ne bismo teška srca napustili ovu tretjakovsku zgradu. Ovo je prava umjetnost - svijetla i životno potvrđujuća! Razveselivši se, otišli smo dalje da se nasitimo kulture - do stare zgrade, hteli smo, znate, Vrubela, Levitana,...
Tretjakovska galerija na Krimskom valu, 18. maj 2013, 10:00–0:00 - možete posetiti stalnu postavku i izložbe (na primer Boris Orlov i Mihail Nesterov) ceo dan besplatno, posebno uzbuđenje se očekuje u holu. Biće tu suvenirnica u kojoj će se prodavati torbe i sveske sa crtežima umetnika 20. veka, biblioteka u kojoj se mogu pregledavati katalozi i umetnički časopisi, kao i prostor za dečiju kreativnost. U neposrednoj blizini, umetnik Proteus Temen postaviće instalaciju „Loptice“. Kuhinja restorana Delicatessen nalaziće se u dvorištu muzeja, a u njemu će od 19.00 do 00.00 svirati muzika: Nikita Zeltser na klaviru i DJ Taras 3000.
Korovin je genije i malo je onih prostorija koje su zauzete za izložbu, nema dovoljno prostora, vazduha, razmera. Ali slike hvataju i fasciniraju u isto vrijeme, žive i dišu, daju želju za životom i vidjeti dobre stvari oko sebe.
Prvo, pozadina. Kolege su mi zujale u ušima, kažu, Levitan, Tretjakov i sve to! Moraš pogledati! Ali, prvo, morao sam da “prođem” Levitanovu umetnost na fakultetu, a drugo, video sam mnogo toga “uživo” itd. Došao sam, video sam i bio (izvinite na ponavljanju) užasnut. Tretjakovska galerija, nivo likovnih kritičara, šarm! Gdje je ovaj šarm?! Nevjerovatno je kako se lako i prirodno može "utopiti" takvog umjetnika. Pokazali su kakav blesav Levitan zapravo nikada nije bio. Pokazano...
Posetio sam Levitanovu izložbu u novoj zgradi Tretjakovske galerije. Galerija uspeva da bude jedan od najboljih ruskih muzeja po remek-delima koja se u njoj čuvaju, a istovremeno zadivljuje svojom bijednošću, siromaštvom života i organizacijom muzejskog prostora. Pretpostavljam da su ljudi koji upravljaju Tretjakovskom galerijom očigledno rođeni negde u pretprošlom veku i naučili osnove muzejskog poslovanja u praskozorje ere komunizma, ili nikada nisu bili u inostranstvu pa se takmiče za titulu „najboljeg muzeja u svijet” samo...
Nedavno, nakon što sam pogledao izložbu „Vizija plesa“, prošetao sam holovima Tretjakovske galerije na Krimskom dolinu. I bio sam impresioniran! Upravo sam pročitao par negativnih recenzija o Afiši i htio sam reći par riječi u odbranu muzeja. Da, naravno, postoje praznine: gotovo da nema Chagalla, malog Saryana i djela nekih drugih velikih umjetnika. Nedostaje konzistentnost. Iz nekog razloga, djela nekih umjetnika su razbacana po halama. Ali općenito, izložba je opsežna i pokriva cijeli 20. vijek, počevši od Gončarove i...
| 2013-02-18 |
Želim odmah da rezervišem, nisam likovni kritičar i slabo se razumijem u umjetnost. U Tretjakovskoj galeriji nisam bio 10 godina, a sada mislim da neću biti još toliko. Utisak je zastrašujući. Najbolji radovi se očito nalaze u arhivama, od stalne postavke vas bole jagodice. Osim ikona Andreja Rubljova, nema šta da se vidi. Vjerovatno bi jedan od najboljih muzeja u Rusiji mogli pretvoriti u takvo smetlište u naše vrijeme.
