Древне-русская музыка. Россия

В Древней Руси развивалась, прежде всего, вокальное искусство. Первоисточниками его были русские народные песни, ведь в них отражена вся жизнь простого народа. Это и бытовые темы, и темы труда, веры. Самыми известными древними песнями являются:

Колыбельные,

Языческие,

Календарно-обрядового цикла.

Но подобные песни имеют узкий диапазон.

IX-XII века – время существования государства Киевская Русь. В 988 году было принято христианство, которое пришло из Византии. Именно тогда и образовалось три очага музыкального искусства:

1. Народная песня, в которой есть связь с язычеством. Из народа выделялись скоморохи – талантливые люди, которые веселили других музыкальными и цирковыми номерами. Но они были подвержены гонениям со стороны церкви. Инструментальная музыка не была одобрена церковью. Признавалась только лишь вокально-духовная.

2. Двор князя. Здесь центральная фигура – певец-сказитель, сочиняющий и поющий былины и песни, посвящённые подвигам князя и его дружины. Самыми популярными музыкальными инструментами в то время были:

3. Церковь являлась самым важным очагом с развивающейся письменностью и иконописью. В то время появились молитвы-песнопения, исполняемые мужским хором в унисон. Это суровые напевы с плавной мелодией и узким диапазоном. Они записывались знамёнами (знаками), часть из которых – крюки. Ими обозначалось направление мелодии (вниз или вверх). За это они получили название «знаменный распев». Сочинялись монахами-распевщиками. Самыми известными являются Савва Рогов и Фёдор Крестьянин. Уникальные тексты были сначала написаны на византийском языке, а потом переводились. Позже знаменный распев стал источником русской музыкальной классики (Мусоргский, Рахманинов и др.).

После распада Киевской Руси выделилось Новгородское княжество. Здесь скоморошество не подвергалось гонению церкви, и поэтому процветало. В те времена было сложено много былин, в которых прославляли смекалку и ловкость.

Во времена Московской Руси было сочинено много песен и былин о взятии Казани. Большое развитие музыкальное искусство получило при дворе Ивана IV. Именно он привёз в Россию такие музыкальные инструменты как клавикорды и орган, создал «Хор государственных певчих дьяк». То время ознаменовалось появлением первого русского многоголосия, а богослужения стали ещё более пышными и захватывающими. Появилось строчное пение – основной голос + 2 голоса выше и ниже его.

Целение – души печальной – звук музыкальный и красота.
Альфред де Мюссе.

Музыкальный эпиграф: Фольклорная песня из пособия «Народоведение».
Предварительная работа: подготовить некоторых учащихся для сообщения о музыкальных инструментах.
Оборудование: магнитофон, аудиокассеты, фортепиано, таблицы.
Цель урока: Показать развитие музыкальной культуры от язычества до профессиональной музыки.

Задачи:

Образовательные:
  • Показать роль древнерусских песнопений, связанных со сменой времен года, закличек, обрядов, быта росичей.
  • Показать влияние христианства на развитие древнерусской музыки.
  • Вспомнить выступления современной фольклорной группы из деревни Вербежичи (Калужская область), которая часто принимает участие в праздновании Дня города.
  • Показать развитие церковной музыки.
  • Показать влияние культовой музыки на развитие профессиональной отечественной музыкальной культуры.
Развивающие:
  • Развивать интерес к древнерусским песнопениям.
  • Помогать учащимся в понимании фольклорных песен.
  • Развивать интерес к концертам местных исполнителей русской народной песни.
  • Развивать чувство патриотизма и гордости за талант русского народа и отечественной музыкальной культуры.
Воспитательные:
  • Воспитывать умение вслушиваться в русские народные песни.
  • Воспитывать желание изучать развитие русского народного творчества.
  • Обращать внимание на нравственность, заложенную в русской народной песне.
  • Песня как исторический документ.

Ход урока:

Слушать в записи исполнение фольклорных песен из учебного пособия «Народоведение», чтобы учащиеся могли самостоятельно оценить и понять эти песнопения.

Русская музыка своими истоками уходит в далекое прошлое. В языческих верованиях восточных славян долго сохранялись следы поклонения «матери-земле» и огню, а также тотемистических представлений, свидетельствующих о значении охотничьего промысла в жизни некоторых славян. Всеми этими верованиями определялся характер древнеславянской языческой обрядности, то есть организованной, упорядоченной системы магических действий, назначение которых заключалось в том, чтобы воздействовать на окружающую природу и заставить ее служить человеку.

О роли музыки и хореографии в языческой обрядности восточных славян говорят некоторые памятники изобразительного искусства. В одном из кладов VI в., обнаруженных на киевщене, было найдено несколько литых серебряных изображений плясуна, танцующая поза которого напоминала русскую присядку. Рассматриваем это изображение. В современных народных танцах мы видим такие позы у танцующих? Рассмотрим фрески киевской Софии. Кого мы видим на этих фресках?

А теперь вспомним, какие музыкальные инструменты использовались древнерусскими музыкантами? Учащиеся называют гусли, свирель, трещетки и др. инструменты. Образ какого героя в русских былинах связан с гуслями? Вспомните, кто из композиторов написал о нем оперу?

С давних времен у восточных славян были широко распространены гусли - популярнейший музыкальный инструмент в Дрейней Руси. (Достаточно вспомнить былину о русском гусляре Садко и его образе, созданном русским композитором XIX в.Н.А. Римским – Корсаковым в одноименной опере. (Слушаем песню Садко «Заиграйте, мои гусельки» из одноименной оперы).

Византийские историки упоминают о трех славянских музыкантах, захваченных в конце VI в. в плен по пути в Хазарию, куда они шли в качестве послов своего князя или военного вождя. Пленные славяне будто бы сообщили, что они не владеют оружием, а только умеют играть на своих инструментах. Находящиеся у них в руках инструменты автор этого сообщения называет «кифарой», по сходству с известным ему музыкальным инструментом древних греков. Пленным сохранили жизнь.

Это сообщение историков интересно тем, что оно свидетельствует о почетном, привилегированном положении древнеславянских музыкантов. В трех этих музыкантах мы можем видеть отдаленных предшественников «вещего» певца Бояна, о котором говорится и в «Слове о полку Игореве» и в более поздних произведениях литературы («Руслан и Людмила» А.С.Пушкина).

А теперь даю слушать кондак, посвященный Александру Невскому? Это песнопение напоминает те песни, которые мы только что слушали? Что же изменилось в древнерусской музыке? Чем вызвано такое изменение?

С принятием христианства на Русь пришло и византийское церковное пение. В церковном богослужении принимали участие греческие и южнославянские певцы, которых выписывали русские князья. К концу XI –началу XII вв. относятся первые рукописные певческие книги. Наиболее известным произведением гимнического характера является кондак, посвященный памяти князей Бориса и Глеба.

Церковное пение древней Руси, как во всей восточно - христианской церкви, было одноголосным. Мелодия записывалась над строкой текста с помощью особой системы условных знаков. Эти знаки указывали только направление мелодии, а не точную высоту звука.

Показываю крюковые записи мелодии и так называемые «горки». От славянского слова «знамя» («знак») эта система получила определение знаменного письма. По названию одного из главных ее знаков – «крюк»- она именуется также крюковым письмом. Эти определения переносятся и на самый стиль древнерусского церковного пения, называемого знаменным или крюковым.

Слушаем пример знаменного пения Успенского собора г.Владимира. Пусть учащиеся проникнутся прелестью голосоведения, спокойствием, размеренностью мелодии. Почему во время богослужения не бывает громкой музыки, почему в православной церкви нет инструментального сопровождения?

Широкое развитие получили в Киевской Руси и различные виды светского музыцирования. О музыцировании при дворе киевских князей можно судить и на основании фресок Софийского собора в Киеве. На одной из них изображен музыкант со струнным смычковым инстументом типа средневекового фиделя (предшественника виолы) в руках, на другой – группа исполнителей на духовых и щипковых инструментах вместе с плясунами и акробатами. Здесь же мы видим орган и сидящего перед ним музыканта.

Но в Киеве были и профессиональные музыканты. Их называли скоморохами, они соединяли в себе черты потешника-балагура, драматического «лицедея», музыканта, певца, сказителя, танцора, фокусника, акробата. Разнообразным был музыкальный инструментарий скоморохов: гусли, трубы, сопели, свирели, цевница (флейта Пана) и др.

Одновременно с ослаблением политической мощи Киева возвышается Владимиро-Суздальское княжество, в котором высокого развития достигло церковно-певческое искусство. Летопись сохранила нам имя певца и распевщика (слагателя песнопений) Луки, многочисленные ученики которого были известны под названием «луцыной чади».

Новгородская школа церковного пения не уступает по значению новгородским школам иконописи, архитектуры, художественной орнаментики. Уже в XII в среди известных на Руси мастеров церковного пения называлось имя доместика (руководителя церковного пения) новгородского Антониева монастыря Кирика, который был не только знатоком певческого искусства, но и широко образованным по тому времени человеком. Типично русским явлением было искусство колокольного звона, достигшее высокого развития на новгородской почве.

Заслушиваем доклад, подготовленный учащимся о колокольных звонах на Руси и их значении в жизни народа.

Москва, ставшая оплотом политического единства и крепости Русского государства, явилась в XV – XVI вв. и центром притяжения лучших культурных сил страны. В это время окончательно складываются формы знаменного пения, обогащается круг его напевов, предпринимаются первые попытки теоритического осмысления его закономерностей. Лицам духовного звания вменялось в обязанность обучать юношество наряду с общей грамотой также и церковному пению.

Именно в этот период времени создается группа певцов, именовавшихся «государевыми певчими дьяками» и состояли они при особе царя. Это была своего рода «певческая академия» церковного пения.

(Учащимся предлагается прослушать несколько примеров как неизвестных авторов, так и таких как Федор Крестьянин, а также примеры болгарского, греческого, знаменного распевов. На что вы обратили внимание при прослушивании этих музыкальных примеров? Да, отсутствие музыкальных инструментов.)

Под давлением церковных властей правительством был издан указ, запрещавший участие скоморохов в народных играх и увеселениях, в свадебных и других семейных празднествах. Их искусство считалось светским и «неблагочестивым». А музыкальные инструменты и другие орудия скоморошьего искусства беспощадно уничтожались.

Народная песня была важнейшей областью музыкального искусства древней Руси. Дошедшие до нас свидетельства говорят об исключительной широте ее распространения и о том, какой любовью она пользовалась во всех слоях населения, от простого крестьянина-смерда до княжеской дружины. Почему народная песня в старину пользовалась большой любовью или как теперь бы сказали, популярностью? О чем рассказывала народная песня, какие моменты жизни древнего росича она сопровождала?

К древнейшим пластам народного музыкально-поэтического творчества принадлежит обрядовый фольклор, связанный с годовым циклом праздников земледельческого календаря: праздник Коляды, масленичные обряды, символизирующие проводы зимы, Русалья неделя, посвящалась памяти умерших родственников, плачи и причитания. Основным жанром русского народного эпоса являются старины или былины. Если придерживаться точного определения, то следует говорить не о сказывании, а о пении былин. Они исполнялись нараспев в духе метрически свободного мелодизированного скорого говорка.

Суровой мощью, ощущением «дремучей» первобытной силы впечатляет напев былины и «О Вольге и Микуле», записанный композитором М.П. Мусоргским от известного сказителя Т.Г.Рябинина, одного из целой династии талантливых мастеров эпического сказа. Вершиной русского песенного фольклора является лирическая песня. В ней находит отражение широкий и разнообразный круг явлений народной жизни, связанных и с семейным бытом, и с социальными отношениями.

Слушаем запись песни «Матушка, матушка, что во поле пыльно», эта обрядовая свадебная песня звучит в исполнении Людмилы Зыкиной. Мелодии лирических песен отличаются большой протяжностью, широтой дыхания и разнообразием выразительных красок. Эти песни большей частью многоголосны, значительную роль в них играет импровизация.

Напевы ее не сохраняются в неизменном, устойчивом виде, как мелодии обрядовых песен, они постоянно изменяются, приобретая новые черты. Каждый певец вносит в исполнение лирических песен элемент живого, творческого отношения. Многие русские поэты воспевали в своих стихах русскую песню, такую задушевную, широкую, как русские просторы, а иногда быструю и зажигательную, такую, что ноги сами несутся в пляс.

(На уроке можно устроить чтение стихов о русской музыке и послушать русские народные песни. А можно раздать учащимся тексты песен, чтобы каждый мог сделать анализ их содержания, но обязательно с прослушиванием самих песен. Для этого можно использовать записи обрядовых песен из программы «Народоведение».)

Обобщение:

  • Какое значение имели песни и танцы у древних славян? С чем они были связаны?
  • Какую роль, помимо музыки, выполняли музыканты?
  • Что обрела древнерусская музыка с принятием христианства?
  • Как назывались профессиональные певцы и какое к ним было отношение?
  • Почему применение музыкальных инструментов запрещено в православии?
  • После каких событий на Руси появилось многоголосное церковное пение?
  • Кто такие «государевы певчие»?
  • Повлияла ли церковная русская музыка на дальнейшее развитие русского профессионального музыкального искусства?

О музыке тех времен известно из различных источников, при этом многие данные являются достоверными. Фрески, различные летописи и даже иконы служат источниками информации для создания полноценной картины типичной жизни времен древней Руси. В работах новгородского епископа и монаха Георгия содержатся четкие сведения о том, что на улицах и различных площадях городов выступали музыканты. Естественно, музыка являлась важной частью всех обрядовых праздников, особенно таких популярных и почитаемых, как Масленица или, например, Ивана Купала.
Все крупные собрания людей, в том числе и всевозможные ярмарки, часто сопровождались музыкальными номерами. Во время веселых развлечений и празднования обрядов, игры и пляски сопровождали типовые ритуальные действия. Конные состязания, выступления скоморохов и актеров были столь же популярны, как и выступления музыкантов, поэтому уже тогда существовали гастролирующие, то есть путешествующие группы.
Безусловно, торжественные мероприятия, проводимые при дворе князей и в домах богатых жителей, тоже сопровождались музыкой. У князя красивые инструментальные мелодии звучали во время перемены блюд, а когда приглашенные собирались после трапезы, концерты часто давали в саду.
не обошла стороной музыка и военные ряды. Для укрепления боевого духа и поднятия настроения, а также для поддержания ритма во время длительных и утомительных пеших переходов, звучала простая, но приятная музыка. С помощью труб, сурн и рогов на войне подавали знаки и сигнализировали о сборе. Бубны и барабаны создавали громкий шум, что способствовало запугиванию врага и дополнительно демонстрировало серьезные намерения.

Музыка древней Руси не отличалась разнообразием, однако на тот момент уже существовало немало различных инструментов. Среди наиболее распространенных и вошедших в историю, как знаковый и исконный русский инструмент, были гусли. Гусляры играли для увеселения и могли под музыку рассказывать разные былины. Обрядовыми и авторами обычно были волхвы, а вот народную музыку представляли скоморохи. Как первые персональные исполнители на Руси, скоморохи часто использовали разные инструменты и кроме гуслей играли на дудках, свирелях и трубах.
Искусство колокольного звона, как уникальный и присущий только древней Руси вид музыки и искусства в целом, активно развивалось после захвата татаро-монголами. Три вида звона, существующие до сих пор, зародились именно тогда. Это равномерные удары в колокол именуемы благовест, перезвон, основанный на переборе, и непосредственно сам звон, ставший настоящей, уникальной игрой на колоколах.
Церковная музыка, появившаяся после обращения населения к христианству, развивалась постепенно и была основана на пении. Как наиболее совершенный музыкальный инструмент, человеческий голос считался самым важным, а потому песнопение стало применятся во время всех богослужений. Принято считать, что первыми учителями в этом направлении стали болгарские и греческие певчие. Произведения большей части церковного певческого искусства оставались анонимными, поэтому история сохранила только немногочисленные имена выдающихся мастеров. Доподлинно известно, что песнопения записывались, причем при помощи нотного письма. В руководствах-азбуках были списки основных знамен (символов), но способы их исполнения не отображались. Учитывая, что устная традиция была утрачена в процессе развития других музыкальных направлений, восстановить храмовые песнопения тех лет не удается. Известно, однако, что типичные песнопения были строгими, одноголосыми и всегда сдержанными. Для придания особого звучания, использовали простые мелодии и частое повторение определенных звуков. Наряду с описанными знаменными параллельно существовали кондакарные песнопения, усложненные хвалебные молитвы. Образцы такого пения сохранились в древнейших певческих книгах. К сожалению, расшифровать имеющиеся данные не получается по той же причине, потому что особая система записи, вероятно, имела свои устные законы дешифровки.
Как уникальное и очень интересное, необычное явление, музыка древней Руси восхищала всех, кто ее слышал, о чем есть многочисленные записи очевидцев. При этом особые, оригинальные жанры, зародившиеся на данной территории, не распространились по миру, поэтому славились далеко за пределами Руси. Былины, колокольный звон, лирические песни, игра на гуслях и сопелке, а также военная барабанная дробь, расширили и обогатили музыкальные направления, существовавшие до этого времени. Кстати, принято считать, что церковная славянская музыка стала прообразом современной, профессиональной академической и стала важным этапом в развитии искусства в мировом масштабе.
Учитывая количество известных и распространенных в те времена музыкальных инструментов, а также задействование музыкантов на всевозможных мероприятиях, можно сделать вывод о том, что музыка всегда сопровождала человека. Собственно, и как неотъемлемая часть культурного наследия мировой истории, музыка древней Руси очень важна.

Музыкальная культура Древней Руси , начиная с Киевского периода и в течение всего Средневековья, имела двойственный характер.

В ней одновременно сосуществовали две культуры разного происхождения: народная и церковная. Осваивая христианскую культуру, пришедшую из Византии, русские певцы неизбежно должны были пользоваться старыми запасами языческой песенности. Несмотря на то, что они находились в состоянии антагонизма, обусловленного борьбой двух несовместимых идеологий - языческой и христианской,- между ними было немало общего. Совместное существование их роднило и взаимообогащало.

Но жизнь народной и церковной музыки имела различный характер. Освоение церковной музыки было книжным, оно требовало специальных школ, в то время как народные песни не записывались вплоть до XVIII в. Древние музыкальные крюковые рукописи, сохранившиеся от рубежа XI-XIII вв., красочно свидетельствуют о первом этапе русской профессиональной музыки, и хотя они не поддаются точной расшифровке, но во многом отражают древнюю певческую культуру.

О музыке Древней Руси (IX-XII вв.) рассказывают памятники литературы и искусства - летописи, фрески, иконы. В житии новгородского епископа Нифонта (XIII в.), в поучениях монаха Георгия (XIII в.) и ряде других документов содержатся сведения о том, что музыканты выступали на улицах и площадях городов. Музыка была обязательной частью обрядовых праздников - Масленицы (проводы зимы и встреча весны), Ивана Купалы (день летнего солнцестояния) и др. Проходили они обычно при большом стечении народа и включали игры, пляски, борьбу, конные состязания, выступления скоморохов. Скоморохи играли на гуслях, трубах, сопелях, бубнах, гудках.

Звучала музыка во время торжественных церемоний при дворе князей. Так, перемена блюд на пирах сопровождалась инструментальной музыкой или былиной. На средневековой миниатюре, представляющей сцену заключения мира между князьями Ярополком и Всеволодом, рядом с ними изображен музыкант, играющий на трубе. На войне с помощью труб, рогов, сурн, барабанов, бубнов подавали сигналы и создавали шум, который должен был испугать врага

Наиболее распространенным инструментом были гусли. Византийский историк VII в. Феофилакт пишет о любви северных славян (венедов) к музыке, упоминая изобретенные ими кифары, т. е. гусли. О гуслях как непременной принадлежности скоморохов упоминается в старинных русских песнях и былинах Владимирова цикла. Не случайно в «Слове о полку Игореве» (XII в.) воспет Баян - эпический сказитель-гусляр. Однако отношение к гуслям было двойственное. Они пользовались уважением за сходство с музыкальным инструментом библейского царя-псалмопевца Давида. Но те же гусли в руках забавников-скоморохов порицались церковью. Скоморохи и предметы их быта, в том числе и музыкальные инструменты, исчезли в XVII в.

Скоморохи - это русские средневековые актеры, одновременно певцы, танцоры, дрессировщики, музыканты-острословы, исполнители сценок, акробаты и авторы большинства исполнявшихся ими словесно-музыкальных и драматических произведений.
Репертуар скоморохов состоял из шуточных песен, пьесок, социальных сатир («глум»), исполняемых в масках и «скоморошьем платье» под аккомпанемент гудка, гусель, жалейки, домры, волынки, бубна. За каждым персонажем был закреплен определенный характер и маска, которые не менялись годами. Скоморохи выступали на улицах и площадях, постоянно общались со зрителями, вовлекали их в свое представление.

Представления скоморохов объединяли разные виды искусств - и драматические, и цирковые. Известно, что еще в 1571 г. набирали «веселых людей» для государственной потехи, а в начале XVII ст. скоромошья труппа состояла при Потешной палате, сооруженной в Москве царем Михаилом Федоровичем. Тогда же, в начале XVII в., скоморошьи труппы были у князей Ивана Шуйского, Дмитрия Пожарского и др. Скоморохи князя Пожарского часто ходили по деревням «для своего промыслишку». Как средневековые жонглеры делились на жонглеров при феодалах и жонглеров народных, так же были дифференцированы и русские скоморохи. Но круг «придворных» скоморохов в России остался ограниченным, в конечном счете их функции сводились к роли домашних шутов.


Скоморох-гудец

Около середины XVII в. бродячие ватаги постепенно сходят со сцены, а оседлые скоморохи более или менее переквалифицируются в музыкантов и сценических деятелей на западноевропейский лад. Скоморох с этого времени становится отжившей фигурой, хотя отдельные виды его творческой деятельности продолжали жить в народе еще очень долго. Так, скоморох-певец, исполнитель народной поэзии, уступает место представителям зарождающейся с конца XVI в. поэзии; живая память о нем сохранилась в народе - в лице рассказчиков былин на Севере, в образе певца или бандуриста на Юге. Скоморох-гудец (гусельник, домрачей, волынщик, сурначей), игрок для плясок превратился в музыканта-инструменталиста. В народе же его преемниками являются народные музыканты, без которых не обходится ни одно народное гулянье.

В 1648 и 1657 гг. архиепископ Никон добился указов о запрещении скоморошества.

Одна из наиболее ярких страниц русской духовной и художественоой культуры - древнерусская церковная музыка. Монументальность и величие древнерусской музыки совершенно связаны со скромными средствами выразительности - унисонным пением, лаконичными, строгими красками звучания. П. А. Флоренский в «Рассуждении о богослужении» говорит об особом свойстве древнерусской монодии: «Древнее унисонное или октавное пение... удивительно как пробуждает касание Вечности. Вечность воспринимается в некоторой бедности земными сокровищами а когда есть богатство звуков, голосов, облачений и т. д. и т. д., наступает земное, и Вечность уходит из души куда-то, к нищим духом и бедным богатствами».

Древняя Русь восприняла византийскую музыкальную культуру и новую музыкальную эстетику вместе с крещением как непосредственный источник, из которого развивалась новая струя музыки, противопоставившая себя исконным народным жанрам. Церковная музыка появилась на Руси после обращения ее в христианство (988 г.). Вместе с крещением страна приняла от Византии и музыкальную культуру. Среди важнейших положений теории и эстетики византийского и древнерусского музыкального искусства - идея его богоданности, богодухновенности.

Творцы древнерусской музыки избегали внешних эффектов, украшательства, чтобы не нарушите глубину чувств и мыслей. Важнейшей чертой средневекового русского искусства была его синтетичность. Одни и те же образы, иде воплощались разными средствами в разных видах искусства, однако подлинным стержнем синтеза древнерусского церковного искусства служило слово. Слово, его смысл составляли основу песнопений, мелодии способствовали их восприятию, прояснению текста, отучивали его, иногда иллюстрировали. Созерцание икон, слушание близких к ним по содержанию песнопений создавало такое единство, которое вызывало высокие мысли и чувства. Икона и звучащее перед нею песнопение, молитва составляли пульс духовной культуры Древней Руси, поэтому иконописное и гимнографическое творчество всегда были на большой высоте.

Синтез искусств, к которому стремились в своем творчестве композиторы XX в. в частности А. Скрябин, по существу, был воплощен в средневековом искусстве. Древнерусское богослужение носило характер мистерии, во время которой человек мог получить духовное очищение, освободиться от тяготивших его забот и суеты, нравственно возвыситься.

Ряд сведений о музыке дошел до нас от XVI в. В частности, сохранились песнопения, автором которых был Иван Грозный . По данным, содержащимся в источниках, можно судить о его музыкальной одаренности.

Литературным штампом того времени было такое выражение: царь ездил в Троице-Сергиев монастырь «молебнаго пения послушати». В том, что это выражение не случайно, убеждает некоторая «вариацион-ность» в упоминании об интересе Ивана IV именно к музыкальной стороне богослужения: «А царь и великий князь того модемного пения слушал, до коего времени и крещение вершилось». Такое его поведение тем более любопытно, что наблюдалось оно при крещении его новонареченной жены Марии. Или другое место из источника: «Был государь наедине с отцам своим духовным Андреем протопопам, и нача вооружатися, юмшан на себя класти, и слышит звоны многие и ближним своим говорит: "Звоны де слышно, как бы Симонова монастыря звон"*. Если учесть, что у каждого монастыря существовали свои колокольные звоны, то следует признать наличие неплохой музыкальной памяти у Ивана IV.

Вместе с христианством русские заимствовали из Византии весьма разветвленную и утонченную систему храмового пения - осмогласие и систему его записи - знамена, крюки. Поскольку древнейшие формы этой нотации точно не расшифровываются, открытым остается вопрос: переняла ли Русь церковное пение из Византии непосредственно или через посредство южнославянских стран, но очевидно, что к XV-XVI вв. русский знаменный распев представлял собой вполне самобытное художественное явление. Полученными из Византии и устойчивыми принципами оставались строго вокальный характер церковного творчества - православный канон исключает употребление каких бы то ни было инструментов; теснейшая связь слова и звука; плавность мелодического движения; строчное строение целого (т. е. музыкальная форма выступала как производная от речевой, поэтической). В общем эти принципы в большой мере действительны и для древних эпических фольклорных жанров (календарная обрядовая - языческая песенность имела свои законы).

В XVI в. в Москве были основаны образцовые хоры - государевых и патриарших певчих дьяков. В это же время появляются варианты основною знаменного распева, путевой и демественный распевы, имевшие каждый свою систему записи, а также индивидуальные варианты отдельных песнопений, принадлежавшие данному мастеру, местности, монастырю и т. д. В XVI в. возникает и совершенно самобытное pусское церковное многоголосие. Несколько позже, в XVII в. получают широкое распространение киевский, греческий, болгар ский распевы, отчасти связанные с пением южных и юго-западных православных церквей, но приобретавшие на Руси самостоятельные формы.

Первыми учителями русских были греческие и болгарские певчие.

XVI в. был временем распространения многих новых местных распевов. Бытовали распевы киевский, владимирский, ярославский (по названиям городов), лукошков, христианинов (по именам певчих, их авторов). Произведения церковного певческого искусства (тропари, каноны и др.) оставались, как правило, как и иконопись, анонимными. Но все же из письменных источников известны имена выдающихся мастеров XVI-XVII вв.; среди них - Василий Шайдур, новгородцы (по другим источникам - карелы) братья Василий (в иночестве Варлаам) и Савва Роговы; Иван (в иночестве Исайя) Лукошко и Стефан Голыш с Урала; Иван Нос и Федор Крестьянин (т. е. Христианин), работавшие при дворе Ивана Грозного.

Еще одно имя, относящееся к ряду весьма значительных в истории русского певческого искусства: протопоп, а впоследствии митрополит Андрей. Упоминания о нем в летописях рисуют его музыкально грамотным человеком.

В целом именно XVI в. явился в определенной мере переломным для истории древнерусской музыки, причем отнюдь не только в исполнительском певческом искусстве. Именно с того времени можно говорить о зарождении в России «теоретического музыкознания», первыми результатами которого были многочисленные певческие азбуки. А XVII в.- это период уже своеобразного расцвета отечественного музыкознания. Достаточно назвать здесь имена таких авторов, как Николай Дилецкий, Александр Мезенец, Тихон Макарьевский. И следующая эпоха в истории русской музыки - эпоха партесного пения - связана уже с сугубо профессиональными музыкально-теоретическими памятниками отечественной культуры.

С середины XVII в. наступает переломный период в русском церковно-певческом искусстве: утверждается новый стиль хорового многоголосия - партес, распространяемый в Москве певцами украинского, белорусского и польского происхождения и основанный на нормах западноевропейского гармонического письма. Одновременно начинает преобладать пятилинейная нотация, хотя довольно долго еще сохраняется крюковое письмо (старообрядцы пользуются им по сей день). Очень популярной становится духовная псальма (кант), затем появляются и светские хоровые канты - исторические, военные, любовные, шуточные.

Единообразной периодизации истории русской музыки не существует. Обычно для эпохи Средневековья выделяют три периода: до монголо-татарского нашествия (XI- XIII вв.), московский период (XIV - начало XVII вв.), эпоха перелома (от воцарения династии Романовых в 1613 г. по царствование Петра I , начало XVIII в.).

Далее XVIII в. часто делят на два периода - послепетровский, отмеченный наиболее сильным иноземным влиянием, и екатерининский (последняя треть века), когда начинают появляться признаки национальной музыкальной школы.
Первую четверть XIX в. обычно рассматривают как эпоху раннего романтизма, нередко это время называют также «до-глинкинской» или «предклассической» эпохой. С появлением опер М. И. Глинки (конец 1830-х - 1840-е гг.) начинается период расцвета русской музыки, достигающий расцвета в 1860-1880-е гг. С середины 1890-х гг. и до 1917 г. (вторую дату правильней отодвинуть несколько дальше, к середине или даже второй половине 1920-х гг.) постепенно разворачивается новый этап, отмеченный сначала развитием - на фоне классических традиций - стиля «модерн», а потом иных новых направлений, которые можно обобщить терминами «футуризм», «конструктивизм» и т. д. В истории русской музыки советского периода выделяют довоенный и послевоенный периоды, а во втором из них обозначают как рубеж начало 1960-х гг. С конца 1980-х гг. начинается новый, современный период русского музыкального искусства.


Классическая русская опера второй трети XIX века

Русское искусство XVIII в., эпохи после реформ Петра I , в значительной мере порывает с прошлым и во многом строится заново. Главное место в культуре образованных слоев общества занимает теперь искусство не церковное, а светское, связанное с западноевропейской системой жанров, музицированием не только вокальным, но и инструментальным. Большое влияние оказывают музыканты-иностранцы, работавшие при петербургском императорском дворе: Франческо Арайя, Джузеппе Сарти, Бальдассаре Галуппи, а также Томмазо Траэтта, Джованни Паизиелло, Доменико Чимароза и другие. В 1730-е гг. были созданы придворная итальянская, а потом и французская оперные труппы, придворный оркестр; в спектаклях принимала участие и Придворная певческая капелла, преобразованная из средневекового Хора государевых певчих дьяков. Во второй половине XVIII в. в России действовало несколько крепостных театров, появились первые публичные театры в Москве и Петербурге ; кроме драм они ставили оперы и балеты, в которых выступали русские певцы и танцовщики. Оперные спектакли давались и в некоторых провинциальных городах; с 1770 г. начинают устраиваться публичные концерты.

Наиболее популярным жанром эпохи была опера - как зарубежная, так и русская. В 1770-1780-е гг. русскими авторами создано немало произведений в жанре комической оперы - по западным моделям, но на сюжеты из русского быта, с введением народных песен: «Мельник - колдун, обманщик и сват» М. М. Соколовского; «Скупой», «Санкт-Петербургский гостиный двор», «Несчастье от кареты» Василия Алексеевича Пашкевича; «Ямщики на подставе», «Американцы» Е. И. Фомина. В жанре оперы-сериа выступили Е. И. Фомин (мелодрама «Орфей»), Д. С. Бортнянский («Сокол», «Сын-соперник» - на французском языке). К концу века популярным жанром становится духовный концерт a cappella на свободно избранный текст на церковнославянском языке - в службе подобные композиции заняли место причастных стихов; исполнялись они также отдельно, в концертах (Д. С. Бортнянский, М. С. Березовский, С. А. Дегтярев и др.).

  • Фольклор (от англ, folklore - "народная мудрость", "народное знание").
  • Былина - это одновременно сказка и отражение эпизода из русской истории, она объединяет реальность и вымысел. В былинах часто прославлялась отвага киевских богатырей - Ильи Муромца, Добрыни Никитича, Алёши Поповича. Воспевались и мирные труженики-хлебопашцы, например Микула Селянинович.
  • Скоморохи были не только музыкантами. Умение петь и играть на разных инструментах они соединяли с мастерством танцора и акробата, дрессировщика и фокусника.
  • Полонез (от франц. polonaise - "польский") - старинный танец польского происхождения, торжественное шествие в темпе несколько ускоренного шага. Англез (от франц. anglaise; danse anglaise - "английский танец") - общее название народных английских танцев, распространившихся в странах Европы в XVII-XIX вв.
  • Капелла (от итал. capel-1а - "часовня") - в Средние века место в Католической Церкви, где помещались музыканты. С развитием светской музыки это слово стало обозначать группу музыкантов, находящихся на службе в одном месте.
  • "Интернационал" (франц. "L"lnternationale", т лат. inter - "между" и ratio - "народ") - пролетарский гимн. Слова Эжена Потье, музыка Пьера Дегейтера. Впервые "Интернационал" был исполнен лилльским хором рабочих в 1888 г. В 20-х гг. в России концерты и театральные представления нередко начинались и заканчивались хоровым пением "Интернационала".
  • Кантата (итал, cantata; от лат. canto - "пою") и оратория (итал. oratorio; от лат. ого - "говорю", "молю") - крупные вокально-инструментальные произведения для солистов, хора и оркестра. Оратория более монументальна, чем кантата, обладает эпико-драматическим характером и сюжетностью.

Прислушайтесь: может быть, даже сейчас, когда вы читаете эту книгу, до вас доносятся звуки музыки... В наши дни совсем несложно познакомиться с музыкой самых разных стилей. Достаточно включить телевизор или радиоприёмник, приобрести аудиокассету или компакт-диск, и можно наслаждаться любым музыкальным произведением - не важно, где и когда оно было создано.

Но так было не всегда. Ещё в XIX в. люди могли слушать только "живую" музыку - ту, которая звучала вокруг них в дни придворных торжеств или народных гуляний, в светском салоне или на деревенской завалинке.

МУЗЫКА В ЯЗЫЧЕСКИХ ОБРЯДАХ ВОСТОЧНЫХ СЛАВЯН

Музыкальная культура любой страны уходит корнями в народное творчество, или фольклор.

О древнейшей восточнославянской музыке (см. статью "Славяне - семейство родственных народов") известно не много - в основном по материалам археологических раскопок и по отдельным историческим свидетельствам. Так, например, византийский историк VI в. упоминает о трёх захваченных в плен славянских гуслярах - значит, гусли уже в то время являлись музыкальным инструментом славян.

В Древней Руси широко были распространены народные песни, которые связаны с языческими верованиями и обрядами. Они так и назывались - обрядовые. Особое значение славяне придавали смене времён года. Переход солнца с зимы на лето, начало весны, летнее цветение трав - всё это праздновалось. Такие ежегодные праздники назывались календарными. Так же называют и исполнявшиеся во время этих праздников песни.

И в наши дни живёт один из любимых на Руси календарных обрядов - праздник Масленицы. На масленой неделе провожают зиму. Круглые золотистые блины, которые в изобилии пекут в это время, изображают солнце, дающее жизнь всей природе. Чем больше съешь блинов, тем плодороднее будет год. Как поётся в масленичной песне:

Масленица-кривошейка,
Состречаем тебя хорошенько!
С блинами,
С каравайчиками,
С вареничками!

В конце праздника из соломы делалось чучело Масленицы. С играми, танцами, песнями его сжигали.

Дошедшие до наших дней календарные песни одноголосны, их мелодии складываются из коротких попевок, в которых слышны интонации речи, - быстрого говорка или, наоборот, протяжных зовов.

Конечно, не обходилась без музыки и жизнь человека в семье. Испокон веков любимым обрядом была свадьба. Свадебный обряд буквально разыгрывался как театральное действо. Он состоял из множества самых разных сцен - и печальных, и весёлых. Участвовали в этой игре все: невеста с подружками, жених с дружками, родители, гости. Свадьба продолжалась несколько дней, а то и недель. И всё это время звучали песни.

Семейно-бытовые песни окружали человека с детства: величание новорождённого, колыбельные, детские считалки, потешки, частушки. У древних славян на протяжении многих веков был распространён обряд оплакивания и поминания умерших. Этот обряд дал жизнь одному из самых драматичных жанров - плачу-причету. В его музыке слышатся интонации горестных всхлипываний, рыданий:

Ох, ити как и тошнехонъко!
Ай, как закатипося солнышко.

Причитания обычно исполнялись женщинами, причём наиболее искусные плакальщицы ценились особо. Незадолго до образования Киевской Руси у славян возникли мужские причитания, например оплакивание дружиной погибшего князя.

НАРОДНАЯ И ЦЕРКОВНАЯ МУЗЫКА ДРЕВНЕЙ РУСИ

С момента Крещения Руси в конце X в. русская музыка разделилась на две части - народную и церковную. Они развивались параллельно, иногда противостоя друг другу. После введения христианства языческие представления о мире стали постепенно уходить в прошлое, а языческие обряды утратили своё магическое значение. Однако они остались жить, превратившись в народные игры, приуроченные к определённому времени года или к соответствующей обстановке. Правда, Церковью они сурово осуждались: вплоть до XVII в. издавались церковные указы и грамоты, направленные против любимых народом "бесовских" игр и песен.

Самым значительным явлением в народной музыке эпохи Киевской Руси стало рождение новых видов музыкально-поэтического творчества. Один из них - былинный эпос (см. статью "Былины" в томе "Русская литература", часть 1, "Энциклопедии для детей").

Исполнители произносили текст нараспев, при этом импровизируя - меняя интонацию, ускоряя либо замедляя темп повествования. А так как стихов в былине было много, от певцов требовалась богатая музыкальная фантазия. К тому же пение обычно сопровождалось игрой на гуслях. Именно исполнители былин считаются первыми на Руси профессиональными музыкантами. Их называли певцами-сказителями.

Такие одарённые певцы-сказители встречались и среди калйк перехожих - бродячих нищих слепцов. Но, как правило, сказители служили при княжеских дворах. На праздничных пирах они услаждали слух гостей, являясь предметом гордости хозяина. А во время воинских походов шли вместе с дружиной, чтобы потом воспеть доблесть русских витязей. К их числу принадлежал киевский сказитель Боян. Похвала его творчеству звучит на страницах знаменитого произведения древнерусской литературы "Слово о полку Игореве".

Интересно, что героями новгородских былин становились люди, наделённые музыкальными способностями. Умение петь и играть на гуслях в древнем Новгороде причислялось к высоким достоинствам личности. Знаменитым гусляром был купец Садко. Музыкальностью отличался и посадник Василий Буслаев, который прославился безграничной удалью и широтой натуры.

Историки предполагают, что и Садко, и Василий Буслаев - реально существовавшие люди. Но истории их судеб нередко носят сказочный характер. Так, например, Садко спускается в подводное царство и покоряет его обитателей своей музыкой. В новгородских былинах, как и в киевских, реальность щедро сдобрена вымыслом - таковы особенности этого жанра.

Наряду с искусством певцов-сказителей в Киевской Руси родился ещё один вид профессионального музыкального творчества - скоморошество.

Бродячие скоморохи выступали перед простым народом, устраивая представления на улицах и площадях; "служилые" скоморохи находились при княжеских дворах, занимая то же положение, что и шуты в странах Западной Европы. Были даже целые скоморошьи поселения.

Основой репертуара скоморохов оставались песни и пляски в народном духе, которые сопровождались игрой, как правило, на духовых инструментах: свирели, сопели, дуде, трубе, роге. При раскопках в Новгороде археологами был найден гудок - один из предшественников народной скрипки.

В эпоху Московского государства (XVI в.) на смену былине приходят исторические песни. В них описываются реальные лица и события: борьба против татаро-монгольского ига, оборона Москвы от ордынцев и др.

Много исторических песен было создано в казачьей среде. Казаки восславляли подвиги своих легендарных героев - Ермака Тимофеевича, Степана Разина, Емельяна Пугачёва. С восстанием Степана Разина связано одно из самых значительных явлений в русской исторической песне - так называемый Разинский цикл. Песни этого цикла пользовались популярностью вплоть до XIX в. Пронизанные духом казачьей вольницы, они выражали вековую мечту народа о свободе. Характер этих песен, как правило, волевой, активный. Но иногда прорываются в них и лирические ноты.

Лирика в народное творчество проникает примерно в XVI-XVII вв. Именно тогда родилась протяжная песня. Сейчас даже трудно себе представить, что когда-то протяжных песен не существовало. Ведь именно они воспринимаются как символ не только русской музыки, но и русского характера. В их медленно разворачивающихся мелодиях, охватывающих всё более и более широкий диапазон, словно отразились бескрайние дали равнинных пейзажей.

Неизбывная печаль, грусть, тоска - вот те чувства, которые "выпевались" из души в протяжных песнях. Они рассказывали и о тяжёлом крестьянском труде, и о лихой солдатской доле, и о горькой судьбе русской женщины. Протяжные песни запевались солистом, к нему постепенно прилаживались другие певцы - и вот уже звучал хор. Но наряду с протяжными всегда звучали зажигательные плясовые, удалые молодецкие.

На протяжении столетий народная музыка не записывалась. Ведь произведения народного творчества создаются и распространяются устно, передаются от одного певца к другому, из поколения в поколение. Лишь с конца XVIII в. ценители русского фольклора начали собирать тексты и мелодии народных песен. И по сей день фольклорные экспедиции добираются до самых глухих деревень в надежде найти и записать ещё неизвестные образцы старинного песенного творчества.

Иначе обстояло дело в области церковной музыки. Уже в конце XI в. русские духовные песнопения записывались особыми знаками - знамёнами, или крюками. Поэтому древние музыкальные рукописи именуют знаменными, или крюковыми. Расшифровка этих рукописей, большинство которых ещё непонятны современным учёным, является одной из самых сложных и увлекательных задач современной науки. Однако, несмотря на это, мы можем представить, как звучали знаменные песнопения, - ведь они, так же как и народные песни, передавались ещё и устно.

Древнерусская церковная музыка - это хоровое пение без инструментального сопровождения; в Православной Церкви не принято играть на музыкальных инструментах. Знаменный распев исполнялся только мужским хором и долгое время был одноголосным. Ему свойственны неторопливый темп, плавность мелодического движения - словом, сдержанность и даже некоторая суровость звучания.

В развитии знаменного пения большую роль сыграли новгородские распевщики. Один из них, Сав-ва Рогов, в середине XVI в. возглавил школу московских певцов и распев-щиков. В то время в Москве существовал большой хор "государевых певчих дьяков", который участвовал в царских богослужениях и наблюдал за состоянием церковного пения во всей стране. В хоре были лучшие распевщики - например, Фёдор Крестьянин, чьи произведения до сих пор звучат и в церкви, и на концертах духовной музыки. По этим образцам мы смело можем судить, что именно в XVI в. знаменный распев достиг своего расцвета. Московские митрополиты, а затем и патриархи в XVI- XVII вв. содержали хоры из нескольких десятков певчих.

В XVII в., после воссоединения Украины с Россией, в церковной музыке происходят ещё более сильные изменения. На Украине в то время уже использовалась нотная запись. В России она тоже стала вытеснять крюковую. Пение по нотам (по партиям) назвали партесным (от поздне-лат. partes - "голоса"). Так же стали называть и новый стиль церковной музыки, пришедший со временем на смену знаменному распеву.

Партесное пение многоголосно. Высочайшим достижением этого стиля является хоровой концерт - самая сложная форма русского музыкального искусства XVII в. Хоровые концерты звучали во время праздничных богослужений. В их исполнении участвовали два, три, четыре, а иногда и шесть хоров. А ведь каждый хор сам по себе был четырёхголосным. Так что общее количество голосов могло достигать двадцати четырёх! Хоры располагались вокруг слушателей, и их звучание создавало впечатляющий стереофонический эффект.

СВЕТСКАЯ МУЗЫКА XVII-XVIII ВЕКОВ

В контактах с европейской культурой многое (в том числе освоение музыкальной культуры) зависело от вкусов царского двора. Так, ещё в царствование Ивана Грозного в Москву привезли орган. Дети Бориса Годунова играли уже на клавесине. А при дворе Алексея Михайловича (1645-1676 гг.) открылся первый театр, где ставились оперы. Однако особенно бурно и стремительно новые формы музи-цирования развивались в эпоху петровских реформ.

При Петре I (1682-1725 гг.) без музыки не обходилась ни одна общественная церемония, ни один придворный праздник По специальному царскому указу в каждом полку были созданы духовые оркестры. Они играли во время военных парадов и театрализованных шествий, посвящённых победам русского оружия. Здесь же звучала и торжественная хоровая музыка: пелись так называемые приветственные, или виватные, канты (от лат. cantus - "пение", "напев", "песня"). На дворцовых балах, которые тогда назывались ассамблеями, исполнялись танцы, пришедшие из Европы. Сначала они нравились не всем - царю приходилось заставлять своих подданных танцевать полонезы и англезы. Но вскоре европейские танцы стали популярны.

Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором. Примеру двора последовали крупные помещики и вельможи. В своих усадьбах они создавали оркестровые и хоровые капеллы. Капеллы состояли из крепостных, но игра их достигала уровня профессиональных европейских музыкантов.

Постепенно у дворян вошло в обычай домашнее любительское му-зицирование. На домашних концертах исполнялись "галантные" арии и любовные канты, часто на итальянском и французском языках. Любили петь и обработки русских народных песен. Они исполнялись под аккомпанемент (от франц. accompagne-ment - "сопровождение") клавесина, арфы или гитары. Обучение музыке стало обязательной частью воспитания молодых дворян.

Увлечение европейской музыкой привело к созданию придворного театра итальянской оперы, в котором работали выдающиеся итальянские композиторы, выступали прославленные итальянские певцы. Позже при дворе появилась и французская оперная труппа. А во второй половине XVIII столетия в Москве и Санкт-Петербурге открылись музыкальные театры, где были поставлены первые оперы русских композиторов.

XIX ВЕК. РОЖДЕНИЕ РУССКОЙ МУЗЫКАЛЬНОЙ КЛАССИКИ

Рождение национальной классической музыки в любой стране происходит тогда, когда композиторы начинают работать в жанрах, характерных для всей Европы, - от оперы до симфонии, от романса до фортепианной миниатюры. В России эти жанры были освоены в XIX в., и с тех пор русская музыка стала неотъемлемой частью общеевропейской культуры, сохранив, однако, национальный характер.

Персонажами многих произведений стали герои русской истории. Идеи патриотизма зазвучали и в музыке - например, в оратории "Минин и Пожарский" Степана Аникиевича Дегтярёва (1766-1813), в опере "Иван Сусанин* Катерино Альбертовича Ка-воса (1775-1840).

Русский характер раскрывается не только в исторической реальности, но и в сказочном вымысле. Народные сказки, легенды, поверья, "преданья старины глубокой" вошли в творчество отечественных композиторов с оперой "Леста, днепровская русалка". Она так понравилась публике, что в продолжение её возникли ещё три оперы с таким же названием (большая часть музыки в них принадлежит Степану Ивановичу Давыдову). Самой же популярной сказочно-фантастической оперой стала "Аскбльдова могила" знаменитого в то время композитора-романтика Алексея Николаевича Верстовского (1799-1862). В ней романтическая история любви развивается на фоне легендарного прошлого Древней Руси и переплетается со зловещими фантастическими событиями.

Конечно, волновала композиторов и душевная жизнь их современников. Тончайшие оттенки чувств запечатлены в лирических мелодиях романсов. С течением времени они стали отражать всё более сложные внутренние переживания, разочарованность в окружающей действительности и стремление к иной, более светлой жизни. Среди авторов прославленных русских романсов - композиторы Александр Александрович Алябьев (1787-1851), Александр Егорович Варламов (1801 - 1848), Александр Львович Гурилёв (1803-1858).

Создавая самобытную музыку, композиторы стремились выработать особый музыкальный язык. Его интонации черпались из мелодий народных песен, мотивов церковных песнопений, звучаний колокольных звонов. "Мысль писать по-русски" стала определяющей и для творчества Михаила Ивановича Глинки (1804- 1857).

М. И. Глинка работал, казалось бы, в типичных для своего времени музыкальных жанрах. У него есть героико-патриотическая опера на исторический сюжет "Жизнь за царя" ("Иван Сусанин"), есть опера-сказка "Руслан и Людмила", есть лирические романсы. Однако именно его называют "Пушкиным русской музыки", а день премьеры оперы "Жизнь за царя" - 27 ноября 1836 г. - считают днём рождения отечественной музыкальной классики, потому что в этом произведении Глинка впервые в русской музыке "возвысил народный напев до трагедии".

В 1862 г. в Петербурге начала работать Бесплатная музыкальная школа, призванная распространять музыкальное образование среди широких кругов населения - служащих, студентов, ремесленников. Своим появлением школа была обязана ещё одному знаменитому русскому музыканту - Милию Алексеевичу Балакиреву (1836/37-19Ю). Он вошёл в историю музыки прежде всего как основатель творческого содружества "Могучая кучка". Будущий композитор и пианист приехал в Петербург из Нижнего Новгорода в возрасте 18 лет. Широкая музыкальная эрудиция и яркий темперамент позволили ему завоевать большой авторитет в среде молодых музыкантов-любителей. В 1856 г. с ним познакомился военный инженер Цезарь Антонович Кюи (1835- 1918), через год - офицер Преображенского полка Модест Петрович Мусоргский (1839-1881). В 1861 г. к ним присоединился 17-летний выпускник Морского Шляхетского кадетского корпуса Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844-1908), а в 1862 г. - профессор химии Александр Порфирьевич Бородин (1833- 1887). Так сложился кружок из пяти начинающих композиторов. В тесных творческих отношениях с ними находился выдающийся литературный и музыкальный критик, большой знаток искусства Владимир Васильевич Стасов (1804-1906). Именно его выражение, употреблённое в одной из статей - "маленькая, но уже могучая кучка русских музыкантов" - закрепилось за содружеством в качестве названия.

На собраниях кружка композиторы много внимания уделяли изучению как лучших произведений европейского классического наследия, так и современной музыки. Общение для молодых музыкантов являлось не только школой профессионального мастерства; здесь складывалось их общественное мировоззрение и эстетические принципы. Члены "Могучей кучки" продолжили дело М. И. Глинки: главной темой их творчества стала жизнь народа.

Композиторы "Могучей кучки" стремились создавать музыку, доступную и понятную широкому кругу людей. Поэтому они предпочитали обращаться к жанрам, связанным со словом. Это были опера и романс, а также программные инструментальные сочинения, имеющие прообразы в произведениях литературы или живописи.

Особое место в русской музыке второй половины XIX в. занимает творчество Петра Ильича Чайковского (1840-1893). Гениальный дар этого композитора проявился прежде всего в отражении внутреннего мира человека. Симфонии П. И. Чайковского, его оперы и романсы могут потрясти глубиной трагизма и в то же время вызвать благоговейный восторг своим совершенством.

МУЗЫКА XX ВЕКА

Рубеж XIX-XX вв. - особый период для русской культуры. Это время проникнуто ощущением близости великих перемен. Музыка, быть может, лучше других искусств отразила грозовые предчувствия того времени. Сергей Васильевич Рахманинов (1873-1943) и Александр Николаевич Скрябин (1871/72-1915), каждый по-своему, передали щемящую грусть расставания с уходящей Россией и захватывающую радость создания нового мира.

Удивительно, но в самые тяжелые и голодные послереволюционные годы музыка переживала поистине невиданный расцвет. Многократно возросло количество концертов. Большие и маленькие, симфонические и камерные, концерты-митинги и концерты-лекции - они проводились и на филармонических площадках, и в залах бывших дворцов, и в приёмных военных госпиталей, и в помещениях рабочих клубов. В них принимали участие как профессиональные музыканты, так и самодеятельные коллективы. Музыкальная жизнь 20-х гг. отличалась удивительной пестротой, смешением самых разных жанров.

Потребность в новых песнях была настолько велика, что вначале многие композиторы приспосабливали к революционным текстам мелодии старых, известных ещё до революции маршей и романсов. Так возникли матросская "По морям, по волнам", красноармейская "Красная Армия всех сильней", комсомольская "Там вдали, за рекой" и др.

Вскоре появились и первые советские песни, лучшие из которых сплачивали людей и в годы трудовых свершений первых пятилеток, и в лихолетье Великой Отечественной войны.

Характерно, что песенные темы становились основой произведений крупных жанров - хоровых кантат и ораторий.

Они проникали в оперную и балетную музыку, в симфонические произведения. (Например, в балете Рейнгольда Морицевича Глиэра (1874/75-1956) "Красный мак" звучит мелодия "Интернационала" и популярнейшая тема "Яблочка".) Но, конечно, музыкальное творчество 20-х гг. не ограничивалось работой с песенным жанром. Это было время интенсивных поисков и смелых экспериментов, от которых и сейчас захватывает дух. Трудно представить себе симфонию, которая звучит на улице в исполнении оркестра, состоящего из заводских и паровозных гудков. Или джазовую композицию ансамбля "шумовиков", в который входят губные гармошки, сделанные из простых расчёсок, картонные трубы, мандолины из консервных банок, бутылки с водой, деревянные ложки, линейки, счёты и т. д. А вот музыка, сопровождающая немое кино: в ней используются ритмы популярных в эпоху нэпа танцев - танго, фокстрота, шимми. Наряду с этим - жанры "высокой" музыки, осваивающие последние достижения европейского авангарда...

В 30-х гг. подобное музыкальное многоцветье было уже невозможно. В это время начинают образовываться творческие союзы писателей, художников, композиторов. Им было поручено управлять культурой и выработать единое направление развития советского искусства. Безусловно, такой подход ограничивал свободу творческой личности. Но на первых порах объединение усилий сыграло и положительную роль как в осмыслении прошлого музыки, так и в её развитии. Народное творчество и русское классическое наследие получили заслуженную оценку. Стало возможным сочетать новаторство последнего десятилетия с традициями предыдущих столетий.

Для музыки такое сочетание оказалось чрезвычайно плодотворным. Именно в 30-х гг. произошло рождение советской музыкальной классики. Дмитрием Дмитриевичем Шостаковичем (1906-1975) были написаны опера "Катерина Измайлова" и Пятая симфония; Сергеем Сергеевичем Прокофьевым (1891 - 1953) - балет "Ромео и Джульетта" и музыка к кинофильму "Александр Невский". Невозможно представить себе это время и без музыки Исаака Осиповича Дунаевского (1900-1955) к популярным кинофильмам.

В годы Великой Отечественной войны быстрее всего реагировала на события песня. Суровая и мужественная "Священная война" была написана Александром Васильевичем Александровым (1883-1946) незадолго до начала войны. Премьера песни состоялась не в концертном зале, а на Белорусском вокзале в Москве, откуда отправлялись на фронт эшелоны с бойцами. Задорная "Катюша", задушевно-лирические "Тёмная ночь" и "В землянке", бойкие "Вася-василёк" и "На солнечной поляночке" - все эти песни вошли в военные будни, стали частью жизни фронта и тыла. А сколько их ещё было - фронтовых песен, верных солдатских друзей!

Произведения самых крупных музыкальных жанров - опера, симфония - рождались в годы войны не менее "оперативно", чем песни. (Обычно создание произведений этих жанров растягивается на месяцы, а то и на годы.) Безусловно, самым выдающимся событием в музыкальной жизни военных лет явилось создание и исполнение в блокадном Ленинграде Седьмой симфонии Д. Д. Шостаковича. От голода у большинства музыкантов оркестра не было сил каждый день приходить на репетиции. И они предпочитали вообще не возвращаться домой - лишь бы дожить до концерта! Симфония потрясла весь мир как величайшее творение человеческого духа. Теме войны посвящена и Пятая симфония С. С. Прокофьева. Во время премьеры, состоявшейся в 1944 г. в Москве, композитор дирижировал оркестром сам. Современники вспоминают, что, когда он поднял дирижёрскую палочку перед финальной частью, за окнами раздались залпы салюта в честь очередной победы советских войск.

Новое время наступило для музыки в 60-х гг., вошедших в советскую историю под названием "оттепель". Движение нашего общества к внутренней свободе и внешней открытости тогда только обозначилось. Но в музыку сразу вернулось разнообразие манер и стилей, которое необходимо искусству для полноценной жизни. Тогда ещё работали великие мастера старшего поколения и вступали в пору творческого расцвета те, кто развивал лучшие традиции русской классической музыки. Нельзя не вспомнить, например, мелодическое богатство вокальной лирики Георгия Васильевича Свиридова (1915-1998). Молодые композиторы считали, что необходимо изучать достижения мирового музыкального авангарда. За короткий период они освоили приёмы музыкального письма, выработанные разными направлениями зарубежной музыки в те десятилетия, когда российская культура была от неё отгорожена. Все жанры: от эстрадной песни до оперы, от музыки к кинофильмам до симфонии - попадают в сферу глобального экспериментирования; в этом 60-е схожи с 20-ми гг. Без подобных экспериментов невозможно представить себе, например, развитие творчества Альфреда Гарриевича Шнитке (1934-1998) и Софии Асгатовны Гу-байдулиной (родилась в 1931 г.).

В 90-х гг. XX в. по количеству поклонников могут поспорить между собой рок- и поп-музыка. В каждом из этих направлений по-своему отражается современность - её сила и слабость, её надежды и отчаяние, а главное - устремлённость вперёд. Не ослабевает интерес и к классике: залы консерваторий переполнены истинными ценителями, особенно во время концертов знаменитых исполнителей. История продолжается. Музыка в России не перестаёт звучать.