Rozvoj dekoratívneho a úžitkového umenia prispel k zdokonaľovaniu remeselných a výrobných techník, vzniku umeleckého priemyslu (výroba tapisérií, umeleckého skla, fajansy, rezanie kameňa, výroba hodvábu a súkna), výrobe módnych predmetov, luxusného tovaru, objavovanie a rozvoj ložísk medi, cínu, striebra, farebného kameňa, vysoko kvalitných ílov.

Významná je úloha Akadémie vied v „prosperite slobodného umenia a manufaktúr“, odrážajúcej nové prírodovedné a technické záujmy v dekoratívnom a úžitkovom umení. V prvej polovici 18. storočia sa v umeleckých manufaktúrach objavujú nové formy výchovy a vzdelávania remeselníkov; v Rusku vznikajú cechové organizácie remeselníkov, čo nepopiera široké uplatnenie zahraničných remeselníkov v rôznych oblastiach dekoratívneho a úžitkového umenia.

V dekoratívnom a úžitkovom umení (interiérové ​​predmety, nábytok, výzdoba) móda aktívne diktuje štýl. V dôsledku toho sa objavujú nové typy predmetov a aktualizujú sa estetické nápady v dekoratívnom a úžitkovom umení. V dekoratívnom a úžitkovom umení v polovici 18. storočia existovala tendencia syntetizovať umenie, kde sa architektúra, sochárstvo, maliarstvo a úžitkové remeslá spájali do dekoratívneho celku.

V dôsledku toho sa umenie interiérového dizajnu stáva osobitným druhom umeleckej činnosti v tvorbe architektov 18. storočia. Tento typ umeleckej činnosti určuje vznik nových typov priestorov (kancelárie, predné izby, spálne, obývačky, „obrazové sály“) a ich obsahovú náplň (Letný palác, Palác A.D. Menshikova, Palác Veľký Peterhof, Monplaisir).

To všetko prispieva k rozvoju výroby nábytku; objavujú sa nové typy a formy nábytku, materiály a spôsoby ich zdobenia. Vplyv anglického a holandského nábytku je tu veľmi silný. Pod vplyvom Európy sa v Rusku rozvíjal dokonca aj barokový a rokokový štýl v nábytku.

Klasicistický nábytok má charakteristický charakter a tvar. Antické motívy možno vo veľkej miere vysledovať v tvaroch a zdobení nábytku. V polovici 18. storočia sa architekti podieľali na vývoji nových typov nábytku, v Rusku sa objavilo nábytkové umenie a dizajnový nábytok (Brenna, Ľvov, Cameron, Voronikhin). V druhej polovici 18. storočia sa objavili prvé nábytkárske dielne (dielňa G. Gambsa a I. Otta). Toto obdobie v nábytkárskom umení charakterizuje Jacob štýl. V druhej polovici 18. storočia sa materiály v nábytkárskom umení zmenili: objavil sa tu mahagón, pozlátené drevo, topoľ, karelská breza; Látky a výšivky sa čoraz viac využívajú pri výrobe nábytku.

Osobitné miesto v dekoratívnom a úžitkovom umení zaujíma keramika a fajansa. K tomu dochádza spočiatku v dôsledku rozšírenia dovozu kameniny z Anglicka a Holandska. Čoskoro sa však v Moskve objavila prvá súkromná manufaktúra A. Grebenshčikova, ktorá vyrábala ruskú jemnú fajansu. Neskôr sa sformoval štýl slávnostného palácového riadu s matným rytím a rozšírila sa móda krištáľu ako interiérového predmetu. To znamená otvorenie prvej súkromnej továrne na sklo a krištáľ v Malcove v okrese Mozhaisk.

V 18. storočí vďaka rastúcej obľube dekoratívneho a úžitkového umenia a výzdoby miestností výrazne vzrástla spotreba skla, z ktorého sa vyrábali rôzne zrkadlá a svietidlá.

Sochárstvo a maliarstvo druhej polovice 18. storočia.

Zohral veľkú úlohu vo vývoji maliarstva v 18. storočí tvorba Vladimír Lukič Borovikovský. Napriek tomu, že umelec nebol oficiálne uvedený ako študent Akadémie, nepochybne využil rady jej učiteľov a predovšetkým Levitského. Prirodzený talent a železná húževnatosť mladého umelca čoskoro viedli k tomu, že Borovikovský sa stal jedným z prvých majstrov konca 18. storočia. Vytvoril sériu vynikajúcich portrétov svojich súčasníkov, medzi ktoré patria G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova a mnohí ďalší. Pre väčšinu Borovikovského diel je charakteristický neustály záujem o emocionálne zážitky človeka, zdôraznená lyrika a kontemplácia, zahalené v opare sentimentality, tak charakteristické pre éru. Umelec nikdy nešiel cestou vonkajšej, povrchnej charakterizácie obrazu, neustále sa snažil sprostredkovať najjemnejšie duchovné pohyby portrétovaných osôb.

V jeho tvorbe prevládajú komorné portréty. Borovikovsky sa snaží potvrdiť sebaúctu a morálnu čistotu človeka (portrét „Lizynky a Dashinky“, portrét E.N. Arsenyeva atď.). Borovikovského na prelome 18. – 19. storočia zaujali silné, energické osobnosti, orientoval sa na občianstvo, šľachtu a dôstojnosť portrétovaných. Vzhľad jeho modelov sa stáva zdržanlivejším, krajinné pozadie je nahradené obrázkami interiéru (portréty A.A. Dolgorukova, M.I. Dolgoruka atď.).

Borovikovský je tiež uznávaným majstrom portrétnych miniatúr. Zbierka Ruského múzea obsahuje diela patriace do jeho štetca - portréty A.A. Menelasa, V.V. Umelec často používal cín ako základ pre svoje miniatúry.

Ruská portrétna maľba 18. storočia dosahuje svoj skutočný vrchol v kreativite D.G.Levitsky . Už v jednej zo svojich raných prác - portréte architekta A. Kokorinova - Levitsky ukázal vynikajúce schopnosti ako maliar. Portrét veľkého francúzskeho materialistického filozofa D. Diderota, ktorý namaľoval Levitskij v Petrohrade v roku 1773, a séria portrétov študentiek Smolného inštitútu, ktoré vytvorila umelkyňa, sa vyznačujú vysokou umeleckou hodnotou. Obrazy týchto dievčat sú poznačené úprimnosťou a vrúcnosťou a jedinečnosť každej z nich je majstrovsky vyjadrená.

Portréty z nasledujúcich rokov - Ľvova, umelcovho otca, Bakuninovcov, Anny Davie a mnohých ďalších majstrovských diel Levitského - sú jasným dôkazom jeho skvelého talentu.

Levitsky vytvoril rozsiahlu galériu portrétov svojich súčasníkov, zachytávajúc široko a úplne, ako nikto iný, živé obrazy ľudí tej doby. Levitského umenie završuje históriu vývoja ruskej portrétnej maľby v 18. storočí. Treba však poznamenať, že existujú určité historicky podmienené obmedzenia jeho práce: ako iní pozoruhodní umelci svojej doby, Levitsky nedokázal odrážať sociálne rozpory reality. Ľudia, ktorých zobrazuje umelec, v súlade s prevládajúcimi estetickými predstavami vždy tak trochu pózujú, akoby sa snažili ukázať divákovi v tom „najpríjemnejšom“ svetle. V mnohých svojich dielach však umelec dosahuje úžasnú jednoduchosť a vitalitu.

Odkaz Levického je obrovský a dodnes v divákoch vyvoláva pocit bezprostredného estetického potešenia. Profesionálna dokonalosť jeho diel a ich realistické zameranie zaraďuje umelca na jedno z najčestnejších miest v celých dejinách ruského umenia.

Medzi najznámejšie diela D. G. Levitského patria: „Portrét E. A. Voroncovovej“, „Portrét architekta A. F. Kokorinova“, „Portrét N. A. Ľvova“, „Portrét M. A. Dyakovej“, „Portrét Uršuly Mniszechovej“, „Portrét Agashovej dcéry v ruskom kroji“ atď.

V oblasti portrétnej tvorby povedali svoje nové slovo aj ruskí umelci druhej polovice 18. storočia. Ostrosť psychologických charakteristík, ktoré poznačili mnohé portréty tejto doby, je zarážajúca - štetec najlepších ruských majstrov čoraz viac tiahne k pravdivému zobrazeniu obrazu človeka. Je príznačné, že v tejto dobe vznikali portréty nielen šľachty a „mocných tohto sveta“, ale aj množstva pokrokových osobností verejného života. Týmto portrétom úplne chýbajú prvky pompéznosti a vonkajšieho lesku; Umelci venujú pozornosť sprostredkovaniu vnútorného obsahu človeka, odhaľovaniu sily jeho mysle, vznešenosti jeho myšlienok a túžob.

Vývoj ruského portrétovania našiel svoj výraz v diela F. Rokotova.

Fjodor Stepanovič Rokotov- jeden z najlepších ruských portrétistov. Po získaní výtvarného vzdelania pod vedením L.-J. Le Lorrain a gróf Pietro Rotari pracovali na spôsob druhého menovaného, ​​ale ponorili sa do prírody viac ako on a usilovne vykonávali. V roku 1762 bol prijatý ako adjunkt do novozaloženého Petrohradu. Akadémia umení za obraz „Venuša“, ktorý jej bol odovzdaný, a za portrét cisára Petra III.

Portréty tohto umelca odlišuje jemná obrazová zručnosť. Rokotov prináša intímnu spiritualitu obrazu, najmä v ženských portrétoch, do veľkej expresivity a sily. Vysoko technická dokonalosť umelcových diel - z hľadiska povahy kresby a obrazovej zručnosti sa s ním dá porovnávať iba Levitsky. Portréty vytvorené Rokotovom sa vyznačujú prepracovanosťou dizajnu a eleganciou farieb.

Medzi najznámejšie diela Rokotova patria: „Portrét neznámej ženy v ružových šatách“, „Portrét A.I. Vorontsova“, „Portrét G. G. Orlova v brnení“, „Korunovačný portrét Kataríny II“, „Portrét A.P. Struyskaya“. , „Portrét básnika V.I. Maykova“, „Portrét Surovtseva“ atď.

V druhej polovici 18. stor. sa začala rozvíjať v ruskej maľbe každodenný žáner. Žánrová maľba však bola vedením Akadémie umení a privilegovanými vrstvami spoločnosti považovaná za niečo základné, nehodné umelcovho štetca. Napriek tomu po roľníckej vojne pod vedením E. Pugačeva v literatúre, divadle a hudbe, ako aj v maliarstve 70. – 80. rokov 18. storočia. sa začal objavovať záujem o roľníctvo, jeho spôsob života a spôsob života. Často to boli sentimentálne obrazy idylických pastierov a pastierok, ktoré so skutočným sedliackym životom nemali nič spoločné. Boli však aj výnimky.

Jedným z prvých v ruskom maliarstve, ktorý rozvinul roľnícku tému, bol nevolník kniežaťa G. A. Potemkina Michail Šibanov . Maľoval obrazy „Sedliacky obed“, „Oslava svadobnej dohody“ atď. V Šibanovových obrazoch nie je výpoveď poddanstva, v týchto obrazoch však nie je žiadna idealizácia sedliackeho života. Umelec sa vyznačuje znalosťami a chápaním života a charakteru ruského roľníka.

Roľnícka téma sa premietla do tvorby umelca I. M. Tankova (1739 - 1799), autora obrazu „Dovolenka na dedine“ a I. A. Ermeneva (1746 - po roku 1792), ktorý namaľoval akvarely „Sedliacky obed“, „ Žobráci speváci“ a pod.). Po prvýkrát v histórii ruského umenia umelec sprostredkoval pochmúrne aspekty života ľudí, biedu chudoby.

V druhej polovici 18. stor. začína skutočný rozkvet ruského sochárstva. Rozvíjalo sa pomaly, ale ruské vzdelávacie myslenie a ruský klasicizmus boli najväčšími podnetmi pre rozvoj umenia veľkých občianskych myšlienok a rozsiahlych problémov, ktoré determinovali záujem o sochárstvo v tomto období. Shubin, Gordeev, Kozlovský, Shchedrin, Prokofiev, Martos - každý bol sám o sebe bystrým jedincom a zanechal svoju stopu v umení. Všetkých však spájali spoločné tvorivé princípy, ktoré sa naučili od profesora Nicolasa Gilleta, ktorý v rokoch 1758 až 1777 viedol triedu sochárstva na Akadémii, všeobecné myšlienky občianstva a vlastenectva a vysoké ideály staroveku.

Hľadanie všeobecne krásneho nevylučuje plnú hĺbku pochopenia ľudského charakteru, túžbu sprostredkovať jeho všestrannosť. Táto túžba je citeľná v monumentálnej dekoratívnej plastike a stojanovej plastike druhej polovice storočia, ale najmä v žánri portrétu.

Jeho najvyššie úspechy sú spojené predovšetkým s kreativitou Fedot Ivanovič Šubin (1740-1805), krajan Lomonosov, ktorý prišiel do Petrohradu už ako umelec ovládajúci zložitosť vyrezávania kostí. Šubinovým prvým dielom v jeho domovine je busta A.M. Golitsyn už svedčí o plnej zrelosti majstra. Všetka všestrannosť charakteristík modelu sa ukáže pri jeho kruhovej prehliadke, aj keď nepochybne existuje aj hlavný uhol pohľadu na sochu.

Šubin pôsobil nielen ako maliar portrétov, ale aj ako dekoratér. Zhotovil 58 oválnych mramorových historických portrétov pre palác Chesme (nachádza sa v zbrojnici), plastiky pre Mramorový palác a pre Peterhof sochu Kataríny II. - zákonodarkyne (1789-1790). Niet pochýb, že Shubin je najväčším fenoménom ruskej umeleckej kultúry 18. storočia. Spolu s domácimi majstrami pôsobil v Rusku francúzsky sochár Etienne-Maurice Falconet, ktorý v pamätníku Petra I. na Senátnom námestí v Petrohrade vyjadril pochopenie osobnosti Petra a jej historickej úlohy v osudoch Ruska.

Fedor Fedorovič Ščedrin(1751-1825). Prešiel rovnakými fázami školenia na akadémii a odchodom do dôchodku v Taliansku a Francúzsku ako Shubin. „Marsyas“, ktorý predviedol v roku 1776, je plný násilného pohybu a tragického postoja. Ako všetci sochári éry klasicizmu, aj Shchedrin je fascinovaný starovekými obrazmi („Spiaci Endymion“; „Venuša“), ktoré ukazujú mimoriadne poetický pohľad do ich sveta.

Aktualizovaná výstava

"Dekoratívne a úžitkové umenie Ruska v 18. - prvej tretine 19. storočia"

V rámci osláv svojho 35. výročia otvorilo Všeruské múzeum dekoratívneho, úžitkového a ľudového umenia aktualizovanú stálu expozíciu „Dekoratívne a úžitkové umenie Ruska v 18. – prvej tretine 19. storočia“.

„Peter Veľký vyzval Rusko a ona mu odpovedala Puškinom,“ znie slogan A.N. Herzen najpresnejšie definuje význam a hranice éry, ktorej je výstava týchto sál venovaná. Tu prezentované predmety sú živými míľnikmi, ktoré znamenali formovanie a rozkvet ruskej kultúry v lone európskej kultúrnej tradície New Age. Zachytávajú premeny spôsobu života a umeleckých smerníc, premenu starého i vznik nových námetových foriem, techník a dokonca druhov dekoratívneho a úžitkového umenia.

Dizajn novej expozície je založený na princípe predvádzania exponátov ako jedinečných umeleckých predmetov, ktoré sú spojené do tematických, štýlových a typologických blokov. Toto riešenie umožňuje zhodnotiť význam každého predmetu z hľadiska času, štýlu, vývoja konkrétneho druhu dekoratívneho a úžitkového umenia a sústreďuje pozornosť na jeho umeleckú vnútornú hodnotu.

Scenár obhliadky je vybudovaný na základe priestorového riešenia výstavy nielen významovo (typologicky, tematicky, štýlovo a chronologicky), ale aj vizuálne – od čias Petra Veľkého až po biedermeier.

Ústrednými témami novej výstavy sú: „Vek zmien: prelom 17. – 18. storočia“, ktorý zahŕňa takzvané „primitívy 18. storočia“, ktoré realitu modernej doby pretavili do podoby tzv. tradičné umenie; „Klasika ruského 18. storočia“, predstavujúca éru od Petra po Pavla na vysokých príkladoch dvorného umenia, ako aj „Ruská ríša“ a „V miestnostiach“, demonštrujúce dve stránky ruskej kultúry prvej tretiny 19. storočia - brilantný cisársky štýl a formovanie kultúry súkromného života, korelujúce s fenoménom nemeckého biedermeieru. Výstava zároveň umožňuje prezerať si diela v obvyklom rade – podľa druhu umenia, melír nábytku, umeleckého kovu, skla, porcelánu, keramiky, kamenárskeho umenia, kostí a korálikov.

Zvláštnu pozornosť si zaslúžia unikátne kostolné predmety ako Relikviárový kríž a Panagia, ktoré pochádzajú zo 17. storočia. Vyrábali sa technikou, ktorá bola v tom čase drahá – filigránskym emailom. Medzi najstaršie exponáty patria truhlice s kovovým rámom a ozdobným lemovaním, kalamáre a uralské mosadzné náčinie zo 17. - začiatku 18. storočia. Pozoruhodným príkladom slávnostného reprezentatívneho kovového riadu na prestieranie sú mosadzné hrnčeky zo závodu Demidov na Urale.

Stolové servírovacie predmety a podnosy boli potom vyrobené pomocou rôznych techník. Napríklad dva sklenené, tmavomodré poháre s monogramami „EML“ a „WGS“, vyrobené Imperial Glass Factory, sú vzácnym príkladom maľovaných výrobkov z konca 18. – začiatku 19. storočia. Latinské monogramy na pohároch patria švédskemu vyslancovi v Rusku v roku 1793 Wernerovi Gottlobovi von Schwenirovi – „WGS“ – a jeho matke Ebbe Marii Lagerbring – „EML“. Poháre boli uchovávané viac ako dve storočia na hrade Skarhult v Skåne (Švédsko), ktorý bol rodinným pokladom.

Na výstave môžete vidieť unikátne príklady ruského palácového nábytku z 18. – 19. storočia, medzi ktorými sú zaujímavé najmä šachové a kartové stoly vyrobené intarziou. Z exponátov nábytku typického pre 1. polovicu 19. storočia stoja za pozornosť dve skrine vzácnej kvality v jakubovskom štýle. Do rovnakej doby patria aj dve stoličky navrhnuté Osipom Ivanovičom Boveom. Zaujímavosťou sú aj rímsové hodiny „Minin a Požarskij“ od parížskeho bronzera Pierre-Philippe Thomire a v interiérovom formáte reprodukovaný slávny pamätník Ivana Martosa stojaci na Červenom námestí.

Osobitné miesto na výstave má tapiséria „Záchrana rybárov“, ktorá bola vyrobená vo Flámsku v neznámej dielni v druhej polovici 17. – začiatkom 18. storočia. Do VMDPNI vstúpila v roku 1999 so zbierkou Múzea ľudového umenia pomenovanej po. S.T. Morozova. Téma tapisérie je vypožičaná z Biblie: v strede kompozície je zobrazený jeden zo zázrakov - „Chôdza po vodách“. Mriežka bola reštaurovaná v niekoľkých etapách – čiastočne ju zreštaurovali odborníci z Múzea ľudového umenia. S.T. Morozova a už v roku 2014 dokončili kompletnú obnovu špecializovaní reštaurátori Všeruského múzea dekoratívneho, úžitkového a ľudového umenia. Mriežka tak našla nový život a na výstave sa predstaví po prvý raz.

Príslušné tematické sekcie predstavujú svietidlá zo skla a krištáľu, interiérové ​​predmety z porcelánu a bronzu z konca 18. – 19. storočia. Každý exponát je referenčným príkladom konkrétneho štýlu, zachytáva ducha svojej doby a predstavuje možnosti umeleckej a technickej zručnosti.

Takéto priestorové riešenie expozície umožňuje múzeu organizovať exkurzie a špeciálne programy najefektívnejším a najzaujímavejším spôsobom. Najzaujímavejšie a najvýznamnejšie exponáty budú prezentované s rozšírenými anotáciami, ako aj podporou QR kódov, vďaka ktorým budú môcť návštevníci získať podrobnejšie informácie. Expozícia je vybavená modernou svetelnou technikou. Nová výstava vďaka vysokej interaktivite sľubuje, že bude živšia a zaujímavejšia, ako aj podpora tvorivého dialógu s návštevníkmi, najmä s deťmi a mládežou.

Svadobná truhlica. Taliansko. 17 storočie

Súsošie "Zima". Zo série "Štyri ročné obdobia". Nemecko. Meissen

Servisné položky. Francúzsko. Sever. 1780-1784. Mäkký porcelán, maľba. Mraznička

Sieň francúzskeho umenia 18.-19. storočia

kabinet. Augsburg. 17 storočie Drevo, rezba, biely kov, zlátenie, 196x135x61

Bureau-cylinder. Rusko. Koniec 18. storočia.

Váza. Rusko. Prvá štvrtina 19. storočia. Sklo, zlatá maľba. Výška 35,5

Mraznička. Rusko. Imperial Porcelain Factory. Prvá štvrtina 19. storočia. Porcelán, maľba. Výška 40

Zbierky dekoratívneho a úžitkového umenia sú spojené aj s menom A.P.Bogolyubova, ktorý pri otvorení múzea daroval 40 kusov starého porcelánu, prevažne saského. Rôzny riad a nábytok vtedy čítal 92 položiek. V roku 1897, po Bogolyubovovej smrti, bola v jeho závete prijatá ďalšia skupina vecí, vrátane nábytku, skla, bronzu a strieborného príboru.

Bogolyubovské zbierky, najmä porcelán, boli v prvých porevolučných rokoch výrazne doplnené z fondu Štátneho múzea, ktorý dostal všetky znárodnené umelecké diela. V roku 1970 múzeum dostalo vzorky ruského a západoeurópskeho porcelánu (viac ako 300 položiek), ktoré odkázal O. A. Gordeeva, slávny saratovský oftalmológ.

História tohto jemného a nádherného umenia siaha stáročia do minulosti. Porcelán vznikol na prelome 7.-8. storočia v Číne. V Európe sa o ňom dozvedeli v 13. storočí. Slávny benátsky cestovateľ Marco Polo priniesol niekoľko porcelánových nádob z východu. Európu zachvátila „porcelánová horúčka“ každý chcel mať výrobky vyrobené z tohto bieleho lesklého materiálu, maľované jasnými, neblednúcimi farbami. Existujú informácie, že keď sa veci vyrobené z porcelánu rozbili, aj tak sa naďalej skladovali, často sa črepy ukladali do drahých kovov a nosili sa ako šperky. Porcelán bol cenený nielen pre svoju krásu, ale aj pre jeho dovtedy nevídané vlastnosti. Glazovaný povrch porcelánu nebol vystavený chemickým vplyvom a bol nepriechodný. O porceláne vznikli legendy. Tajomstvo jeho výroby sa podarilo odhaliť až začiatkom 18. storočia. Ale na ceste bolo objavených veľa nových materiálov, ktoré sa podobali vzhľadu výrobkom čínskych remeselníkov. Takto sa objavilo mliečne sklo v Benátkach, španielsko-maurská keramika a fajansa v Anglicku a Holandsku.

Prvým v Európe, ktorý získal porcelán, bol I.F. Betger, ktorý našiel ložiská bieleho ílu (kaolínu) pri Meissene v Sasku. Tajomstvo výroby porcelánu, s ktorým Európa bojovala stáročia, bolo objavené. Čoskoro sa porcelán meissenskej manufaktúry stal známym v celej Európe. A teraz sú produkty tejto rastliny obľúbené medzi milovníkmi umenia.

V zbierke nášho múzea je meissenský porcelán prezentovaný veľmi dobre a kompletne. Patria sem predmety odkázané Bogolyubovom a porcelánové predmety zo zbierky O. A. Gordeeva, ako aj ďalšie exponáty.

Najväčší záujem je o meissenský porcelán z 18. storočia. Toto obdobie sa považuje za klasické obdobie vo vývoji európskeho porcelánu. V tejto dobe sa majster snaží zdôrazniť belosť a tenkosť porcelánu, pričom materiál podáva s prihliadnutím na jeho prirodzené vlastnosti.

Meissen - prvá európska výroba porcelánu - sa preslávila najmä malými plastovými kúskami. V obrazoch dám, pánov, alegorických kompozíciách a pastoráliách sa s osobitnou silou prejavila jedna z kvalít rokokového štýlu - ilúzia nepretržitého hladkého toku línie. Mená Johanna Joachima Kaendlera a Petra Reinickeho sa spájajú s rozvojom meissenskej plastiky. Ich diela spájali prvky sochárstva a samotného dekoratívneho a úžitkového umenia. Rozmarnosť kontúr a krása farieb sú to, čo charakterizuje sochy vyrobené z ich modelov.

Dve alegorické postavy zo série „Four Seasons“ – „Winter“ a „Jar“, vyrobené podľa modelov Johanna Joachima Kaendlera, odhaľujú charakteristické črty rokokového štýlu v porceláne. Ročné obdobia sú znázornené na obrazoch starých bohov sediacich na oblakoch. Zimu zosobňujú Saturn a Hebe, jar Mars a Flóra. Súsošia zdobia jemne vypracované tvarované kvety maľované pestrými farbami, ktorými sa meissenská továreň v 18. storočí preslávila.

Vysoká umelecká kvalita odlišuje malú kolekciu produktov z berlínskeho závodu. Ide najmä o predmety na prestieranie a dekoráciu interiéru. „Kočíkový pohár“ je namaľovaný na motívy A. Watteau v tej najjemnejšej fialovej, ktorá bola slávou tejto inscenácie. Telá čajníkov, kávových kanvičiek a dekoratívnych váz sú zdobené pastierskymi a kvetinovými vzormi, ktoré boli obľúbené v 18. storočí.

Skupinu predmetov z viedenskej továrne reprezentuje 18. - začiatok 19. storočia, kedy európsky porcelán rozvíjal znaky nového štýlu - empírového štýlu. Viedenskí majstri, ktorí sa starali o zvýšenú dekoratívnosť, dali svoju vlastnú verziu maľby. V zrkadle tanierov v bohatom zlatom ornamentálnom ráme boli najčastejšie umiestnené kópie obrazov renesančných majstrov.

Každá krajina kráčala svojou vlastnou cestou k porcelánu, pričom vyvinula špeciálnu technológiu a osobitný charakter zdobenia, niekedy v rámci rovnakého štýlu. V celej Európe boli francúzske jedlá s farebným pozadím známe: tyrkysové, ružové, modré, maľované v medailónoch orámovaných pozlátenými ornamentami. Takýto porcelán sa vyrábal v manufaktúre Sevres, hlavnej výrobe porcelánu vo Francúzsku.

Presne takto je namaľovaný modrý zmrzlinovač, tácka a korenička, ktoré boli súčasťou služby, ktorá patrila princovi Jusupovovi. Výroba tejto služby trvala mnoho rokov a zdobili ju významní maliari porcelánu. Výrobník zmrzliny namaľoval Vincent Jr., autor obrazu na slávnej obrazovej službe, ktorú si objednala Katarína II. zo Sèvres a ktorá je teraz uložená v Ermitáži. Yusupovova služba bola vyrobená z "mäkkého porcelánu". A špecifické vlastnosti tohto materiálu nemohli byť viac v súlade s rokokovým štýlom s jeho obvyklými mäkkými obrysmi a vlnitými líniami. Zvláštnosti sevreskej omše určovali aj charakter maľby: žiadny iný keramický materiál nevytvára také zvonivé, hlboké tóny s mnohými odtieňmi.

V Rusku porcelán prvýkrát vyrábal v polovici 18. storočia D.I. Vinogradov v Imperial Porcelain Factory (IFZ) v Petrohrade. V zbierke múzea je ruský porcelán zastúpený výrobkami mnohých súkromných podnikov. Múzeum sa môže pýšiť veľkolepými príkladmi tovární IPP, Gardner, Popov, Kornilov, Gulin, Safronov, ktoré majú svoje jedinečné čaro.

Známe sú úspechy ruských majstrov v štýle klasicizmu začiatku 19. storočia alebo empírového štýlu. Ruský porcelán v tomto štýle, ako aj iné odvetvia úžitkového umenia, poskytuje vynikajúce príklady.

Empírový štýl bol inšpirovaný antikou. Vo výzdobných motívoch dominujú vavrínové vence, levy, gryfy, vojenské atribúty atď. Formy odhaľujú pevnosť más a ich statický charakter. Podľa zákonov tohto štýlu vyrobili remeselníci IFZ stolovú dekoračnú vázu v podobe dvoch klasických figúrok podopierajúcich misku oválneho tvaru. S bielou farbou figúrok vyrobených z bisque (neglazovaného porcelánu) kontrastuje modrý tón a zlátenie podstavca. Láska empírového štýlu k jasu a farebnému kontrastu je evidentná. Ďalšou vázou je tiež súsošie: Venuša kladie na Amora tulec zo šípov. Takéto vázy sa vyrábali pre veľké slávnostné alebo výročné súpravy a umiestňovali sa do stredu slávnostného stola.

Vlastnosti rovnakého štýlu sú zreteľné aj v zmrzlinovači na troch levích labkách, tmavej farby, vyzerajúcej ako starý bronz. Jeho farba krásne splynula s leskom pozlátenia.

Originálnejšie sú výrobky súkromných tovární. Môžete sa baviť o kňazskom, Gardnerovom či Safronovskom porceláne. Tieto továrne predstavujú predmety, ktoré nie sú na rozdiel od IFZ jedinečné, ale takzvané obyčajné náčinie spojené so životom konkrétnej triedy. Je ľahké uhádnuť spoločenskú príslušnosť takzvaných „krčmových“ jasných, elegantných čajníkov zdobených jednoduchými kvetinovými maľbami, ktoré vznikli v továrni Popov v rokoch 1830-1850.

Zdrojom, z ktorého remeselníci čerpali formy jedál a maliarske motívy, je tradičné ruské ľudové umenie. Táto cesta bude najplodnejšia v čase blížiaceho sa interštýlu, do značnej miery ochráni ruské súkromné ​​továrne v tejto ťažkej dobe pred stratou „keramiky“, ktorá je nevyhnutná v ére eklekticizmu. maľované na bielom pozadí s drobnými zlatými lístkami a ružami, vo svetlej V zelených pohároch vyrobených remeselníkmi kňazskej továrne sa nestratilo to hlavné: vyváženosť formy a funkčného účelu objektu.

Zbierka sovietskeho porcelánu je pomerne malá. Predstavuje ju propagandistický porcelán, ktorý bol v 20. rokoch jedným z prostriedkov revolučnej propagandy.

Miska a šálky maľované podľa kresieb S. Čechonina a N. Altmana, sochy N. Danka, taniere od A. Shchekatikhina-Pototskaya s revolučnými heslami a emblémami mladého sovietskeho štátu - tento prvý porcelán Zeme Sovietov hovoril jazykom svojej doby. Bol vystavený v špeciálnych vitrínach v Moskve na Kuzneckom moste a v Petrohrade na Nevskom. „Tento porcelán bol správou z nádhernej budúcnosti, o ktorú sovietska krajina bojovala v hrozných bojoch s hladom, devastáciou a zásahmi,“ napísal E. Ya Danko, umelec a historiograf v továrni Lomonosov (predtým Imperial Porcelain Factory). , vo svojich spomienkach.

Sklo uložené v Múzeu A. N. Radishcheva pochádzalo rovnakým spôsobom ako porcelán: v roku 1897 podľa vôle A. P. Bogolyubova prostredníctvom Štátneho muzeálneho fondu zo súkromných zbierok.

Malú, ale zaujímavú zbierku ruského skla z konca 18. - začiatku 19. storočia odkázal múzeu E.P. Razumova v roku 1973.

Ruské sklárne, verejné aj súkromné, sa objavili začiatkom 18. storočia v Moskve a Petrohrade, neďaleko Smolenska a Kalugy. Dopyt po sklenených predmetoch rastie. Rastie aj počet fabrík. Slávny závod Maltsev sa objavil na rieke Gus neďaleko Vladimíra a závod Bakhmetyev pri Penze v dedine Nikolskoye.

Najstaršie diela sklárskeho priemyslu z 18. storočia v našej zbierke sú výrobky zo súkromných tovární. Ide predovšetkým o zelený damašek s jednoduchým kvetinovým ornamentom a nápisom: „Táto nádoba bola vyrobená v továrni Gavril v roku 726...“ Toto je raný príklad ruského bežného riadu, ktorý sa vyrábal vo veľkých množstvách. Namiesto strateného a pokazeného kúpili nový. Preto sa zachovalo len málo takýchto jedál. Shtof je zaujímavý aj tým, že ide o podpisový predmet. Označuje dátum a miesto výroby. Je známe, že v roku 1724 bol v moskovskom okrese založený závod Gavrilov a Loginov. O tejto produkcii nie sú žiadne ďalšie informácie. Náš damask dáva predstavu o povahe produktov málo známej spoločnosti.

Sklo v Rusku prakticky nebolo označené. Až od 20-tych rokov 19. storočia (od čias Mikuláša I.) začala cisárska sklárska továreň raziť svoje výrobky. Prítomnosť značky, samozrejme, nie je jediným spôsobom, ako určiť miesto a čas výroby konkrétnej položky. Pozoruhodnými pamiatkami sklárstva sú poháre z 18. storočia, vysoké, kužeľovitého tvaru, často s vrchnákom, zdobené vyrezávanými erbmi panujúcich osôb alebo monogramami. Benzely boli orámované rastlinnými výhonkami a kučerami, ktoré sa nazývali „rokaille“. Pozdĺž hornej časti šálok pri okraji je vzor rytých a leštených „jamiek“ s ramenami. Stĺpiky nôh boli vyrobené vo forme stĺpika s „jablkami“, ktoré boli niekedy navlečené na stĺpik až päť kusov. Rytina v týchto predmetoch bola plytká a rozsiahla. Tieto vlastnosti odlišujú ruské poháre od pohárov z Čiech a Nemecka uchovávaných v múzeu.

V súkromných továrňach sa zrejme vyrábalo množstvo farebných pohárov, karaf a fliaš. Farebné sklo bolo v Rusku veľmi populárne. Na rozdiel od západnej Európy sa tu riad vyrábal z pevného farebného skla, ktoré sa vo veľkom objavilo v polovici 18. storočia. Môžu za to úspešné experimenty M. Lomonosova.

Koncom 18. - začiatkom 19. storočia sa objavili vysoké fazetové karafy so zátkami rôznych tvarov, poháre vyvýšené na tenkých nožičkách, elegantné poháre s trblietavými okrajmi - elegantné jedlá, ktoré sa používali na zdobenie slávnostných stolov a zásob. Fazetovaný riad je vyrobený z bezfarebného skla s prídavkom olova, ktoré mu dodáva zvláštny lesk. Nazýva sa krištáľ a je brúsený s takzvaným „diamantovým okrajom“. Táto technika sa v sklárstve používa dodnes.

Druhá polovica 19. storočia bola obdobím zvýšeného záujmu o dekoratívne a úžitkové umenie, najmä o jeho históriu. Zbieranie starožitností sa stáva rozšíreným. Nie náhodou bol zároveň zvýšený záujem aj o starožitný nábytok. Zberatelia zbierajú vyrezávaný pozlátený nábytok z 18. storočia, intarzované komody, skrine, talianske a nemecké svadobné truhlice, masívne dubové a orechové skrine z Nemecka zo 17. storočia. V Bogolyubovovej zbierke boli podobné predmety.

Šialenstvo po starožitnom nábytku vedie k falzifikátom, ktoré zaplavujú obchody so starožitnosťami. Jedna za druhou vznikajú v Paríži, Benátkach, Petrohrade dielne vyrábajúce starožitný nábytok, niekedy na nerozoznanie od originálu – drevo je tak hladko leštené, proporcie jeho konštrukčných častí sú tak verne dodržané.

Najstarší nábytok v zbierke múzea pochádza zo 16. – 17. storočia. Ide o nábytok z Nemecka, Francúzska, Talianska, Holandska, ktorý zozbieral A.P. Bogolyubov. Naša zbierka nábytku z tej doby samozrejme nedáva dôvod hovoriť o existujúcom interiéri, ale umožňuje nám predstaviť národné charakteristiky diel nábytkového umenia z rôznych krajín v pomerne širokom chronologickom rámci.

Nábytok nie je odolný, materiálom na jeho výrobu je drevo, ktoré je ľahko vystavené rôznym vplyvom. Mnoho z nich zomrelo na prírodné katastrofy alebo v dôsledku vojen, ako aj z dôvodov súvisiacich s vplyvom módy. Nábytok je spotrebný tovar. To znamená, že sa časom opotrebuje a musí sa vymeniť za nový. Málo nábytku z domácností obyčajných ľudí sa zachovalo. Napriek tomu možno v predmetoch našej zbierky vystopovať hlavné etapy histórie nábytkového umenia v niektorých európskych krajinách.

V Taliansku 16. storočia bola vyrobená stolička z masívneho dreva s vyrezávaným operadlom, svadobná truhlica, benátske spracovanie a oltár. Na výrobu tohto nábytku bol použitý hnedý orech, materiál charakteristický pre Taliansko, ktorý umožňuje remeselníkovi dosiahnuť skvelý umelecký efekt. Rezbárske motívy čerpali z dedičstva antického umenia. Na svadobnej truhlici, zjavne florentskej, prekvapí vzácna jednota formy a ornamentu, ktorou sa vyznačovali talianski nábytkári 16. - začiatku 17. storočia.

Nábytok tejto éry je vo svojej konštruktívnej logike podobný architektonickým štruktúram. Oltár je riešený vo forme portálu so stĺpmi prepletenými viničom, s pódiom vo výklenku pre postavu Bohorodičky - tieto architektonické prvky sú mimoriadne charakteristické pre nábytok 16.-17. storočia. To je obzvlášť cítiť pri skriňovom nábytku vyrobenom na juhu Nemecka. Skriňa sa mení na niečo ako dvojposchodovú budovu, ktorej každé poschodie je oddelené rímsou. Poschodia sú zdobené stĺpmi alebo pilastrami. Dvere skriniek pripomínajú portály alebo okná zakončené platňami alebo štítmi. Všetky tieto architektonické detaily sú spevnené lepidlom a sú v skutočnosti dekoráciou, ktorá ukrýva štruktúru skrine, ktorú tvoria dve truhlice. Tento dojem umocňujú sklopné náprsné madlá na jeho bočných fasádach. Presne tak je navrhnutá skriňa, zdobená burl (výrastok na dreve, chyba dreva, ktorá dáva bohatú, krásnu textúru). Šatníkové skrine boli nevyhnutne vybavené policami a oblečenie sa v nich skladovalo zložené. Mohli slúžiť aj na uskladnenie rôzneho náčinia.

Za tradičný pre Nemecko v 16.-17. storočí možno považovať aj tvar skladacej stoličky, takzvanej kurule. Pre starých ľudí to bol symbol moci. Iba sedením na takejto stoličke bolo možné vykonať spravodlivosť a odvetu. Takúto stoličku zvyčajne nosili konzuli, vyšší vojenskí vodcovia a diktátori. Hladko zakrivené nohy-stojany, vyrobené z niekoľkých úzkych dosiek, sú pre pevnosť prekrížené a spojené priečnikmi a odnímateľná doska vložená do hornej časti stoličky ako rozpera tvorí operadlo.

Od 16. storočia sa v Nemecku objavila jedinečná forma stoličky, ktorá sa v 17. storočí rozšírila v nábytkárskom umení tejto krajiny - takzvaná sedliacka stolička. Naše múzeum má tiež celý rad podobných výrobkov s rôznymi verziami toho istého ornamentu. Prototyp takejto stoličky bol najprv jednoducho kus dreva, zbavený konárov a zosilnený pre stabilitu na troch nohách. A pre pohodlné mestské obydlia boli vyrobené stoličky so štyrmi nohami - príklady vysokej remeselnej zručnosti. Zdobená je len doska, ktorá slúži ako zadná strana. Môže byť vyrobený nielen z vlašských orechov, ale aj z dubu a borovice. Závisí to od toho, kde bola položka vyrobená. V rezbárstve sa spravidla používajú groteskné ornamentálne motívy, ktoré sa s fantáziou majstra často menia na rozprávkový vzor.

17. storočie prináša do nábytkárskeho umenia veľa nového. Je to spôsobené predovšetkým spoločenskými premenami v Európe, ktoré viedli k zmene postavenia tretieho stavu. Po nástupe k moci pestuje skromnosť, jednoduchosť a posvätnosť rodinného krbu. Holandský nábytok je veľmi žiadaný a vyváža sa do všetkých krajín. Na druhom póle je Francúzsko, v ktorého umení víťazí veľkolepý, slávnostný štýl.

V našej kolekcii nábytku je len jeden kus, ktorý je typický pre slávnostné palácové prostredie 17. storočia. Ide o takzvanú skrinku - skriňu s mnohými zásuvkami, priehradkami a výsuvnou doskou. Vyrobili ho remeselníci z mesta Augsburg, na fasáde ho zdobili kovové presahy s obrazmi zvierat a točené pozlátené stĺpy. Doska je vyrobená z hodnotného dreva.

Takéto úrady sa objavili v 16. storočí. Ich vlasťou je Španielsko. Prvé skrinky boli rakvy na podstavci. V 17. storočí to už boli veľké skrine, ktoré sa stali súčasťou výzdoby miestnosti, nazývanej kabinet. Medaily, listy a šperky boli uložené v skriniach.

Väčšina zbierky ruského nábytku, ktorá zahŕňa diela z 18.-19. storočia, bola vyrobená buď v malých súkromných dielňach alebo nábytkármi šľachtických panstiev. Remeselníci vniesli do svojich diel rozmanitý umelecký vkus, všetky nazbierané vedomosti a zručnosti, techniky spracovania dreva, povrchovej úpravy a zdobenia. Odrazili sa predovšetkým vo vtedajších podobách bytového nábytku, ktoré boli výrazne ovplyvnené ľudovým umením. To sa prejavilo nielen vo formách a dekore, ale aj vo výbere a spracovaní dreva. Karelská breza a topoľ sa stali obľúbenými materiálmi už koncom 18. storočia. Používajú sa iba v Rusku.

Každá krajina v nábytkárskom umení bola buď predchodcom určitého štýlu, ako napríklad Taliansko v období renesancie, alebo rodiskom slávneho výrobcu nábytku, akým bol T. Chippendale v Anglicku alebo J. Jacob vo Francúzsku.

Ruský nábytok predstavuje najmä zariadenie ušľachtilého interiéru prvej tretiny 19. storočia. Bola to jedna z najskvelejších epoch v histórii dekoratívneho a úžitkového umenia v Rusku, a najmä nábytku. Umeniu prvých desaťročí 19. storočia dominuje empírový štýl, ktorý vznikol vo Francúzsku a stal sa majetkom celej Európy. Rusko dáva svoju vlastnú špeciálnu, originálnu verziu tohto štýlu, kde sa stalo predstaviteľom vysokých a progresívnych myšlienok. Dekoratívnosť charakteristická pre empírový štýl, túžba po monumentálnosti a zovšeobecnenie foriem určovali výber materiálu v nábytku a povahu jeho interakcie s formou a dekorom. Hlavnými materiálmi, ktoré používajú ruskí výrobcovia nábytku, bude mahagón a karelská breza, ktoré si obľúbili pre krásnu textúru dreva.

Nábytok uložený v našom múzeu bol vyrobený najmä rukami poddaných remeselníkov a predstavuje verziu empírového štýlu, ktorý bol široko používaný v živote ruskej šľachty. Je to jednoduchšie ako palácový nábytok. Tento nábytok sa do múzea dostal po Veľkej októbrovej socialistickej revolúcii z okolitých usadlostí a mestských domov a má nielen umeleckú, ale aj historickú hodnotu.

Obzvlášť pestrý je sedací nábytok. Dve párové kreslá s prelamovanými vyrezávanými operadlami zdobenými pozlátenými lýrami sú príkladom ruského domáceho nábytku z prvej štvrtiny 19. storočia. Existujú formy takmer bez dekorácie, dyhované zlatou karelskou brezou s čiernymi očami.

V tomto čase sa v interiéri šľachtického panstva objavila ďalšia miestnosť, takzvaná rozkladacia izba a jej neodmysliteľným doplnkom bola sedačka. Zvyčajne ide o mäkké, obdĺžnikové pohovky, vrchné časti chrbtov a lakťov sú dyhované karelskou brezou alebo mahagónom, ktoré sa v tých rokoch rozšírili. V interiéri bola pohovka kombinovaná s kreslami a predsedacím stolíkom. Takéto variácie sa nachádzajú aj na našej výstave a naznačujú už etablovaný interiér v dobe empíru. Tento nábytok sa líši od predného nábytku: je tu menej pozlátenia, namiesto bronzu sa používa drevo pozlátené na gesso a je zachovaná jedna z tradičných metód spracovania dreva, tak milovaná ruskými remeselníkmi - rezbárstvo.

Zberateľská činnosť múzea pokračuje. Zbierky dekoratívneho a úžitkového umenia sa v posledných rokoch dopĺňajú o zaujímavé exponáty, z ktorých tie najlepšie si našli svoje miesto na výstave.

Štýl polovice storočia ovplyvňuje aj umenie a remeslá. Výrobky vyrobené z porcelánu, napríklad služba „Vlastná“ Elizavety Petrovna a ďalšie materiály, sa vyznačujú zakrivenými tvarmi, ako aj bohatými tvarovanými ozdobami, ktoré sa svojím dizajnom vracajú k škrupine a pružným výhonkom rastlín. Náladová silueta predmetov je organicky kombinovaná s jasnými farbami, množstvom pozlátenia a leskom zrkadlových plôch, ktoré dopĺňajú slávnostný obraz interiéru.

Maliarstvo prvej polovice 18. storočia

Od éry Petra Veľkého prešla maľba obrovskými zmenami. Formuje sa umenie maľby na stojane s jeho sémantickými a kompozičnými vlastnosťami. Reverzná perspektíva je nahradená priamym a súvisiacim prenášaním hĺbky priestoru. Najdôležitejším znakom je zobrazenie postavy v súlade so zásadami anatomickej správnosti. Objavujú sa nové spôsoby prenosu hlasitosti. Najdôležitejšou kvalitou je šerosvit, ktorý nahradil konvenčne symbolickú obrysovú líniu. Samotná technika olejomaľby so svojimi charakteristickými špecifickými technikami a systémom farebných vzťahov pevne, aj keď nie hneď, vstupuje do umeleckého využitia. Pocit textúry je zvýšený. Umelec získava schopnosť sprostredkovať špecifické vlastnosti jemného zamatu, drsnej kožušiny z hranostaja, ťažkého zlatého brokátu a jemnej čipky. V dejovom obrázku možno vysledovať nové princípy prepojenia figúr. Zobrazenie nahého tela predstavuje novú a náročnú úlohu. Samotná štruktúra maľby sa rozvetvuje. Od začiatku 18. storočia svetské umenie pestovalo rôzne druhy stojanových diel, monumentálnu maľbu vo forme panelov a tienidiel a miniatúrne písmo. Portrét zahŕňa všetky známe odrody - predné, komorové, pravidelné a kostýmové, dvojité a párové. Umelci ovládajú alegorické a mytologické predmety. Prítomnosť týchto čŕt, aj keď sa najprv odhaľuje v kompromisnej forme, nám umožňuje hovoriť o vzniku nového typu maľby.

Prvé kroky k rozvoju portrétu sú spojené s činnosťou maliarskej dielne Zbrojnice. Diela od ruských a zahraničných majstrov majú tendenciu mať parsunový charakter. Zo všetkých typologických možností dáva parsuna prednosť slávnostnému portrétu a nachádza sa v tejto funkcii v niekoľkých variantoch. Medzi nimi je „téza portrétu“ najarchaickejšia. Kombinuje portréty a početné vysvetľujúce nápisy v rámci konvenčného priestoru ikon. Môžeme hovoriť aj o „portréte apoteózy“. Ide o portrétne maľby symbolizujúce vojenské činy Petra I. Bežné sú aj bežné celovečerné portréty Petra, Menšikova, Šeremeteva a na koni.

S priestorom sa všade zaobchádza veľmi stereotypne a celkové usporiadanie predmetov slúži skôr ako symbolické označenie skutočných priestorových vzťahov. Problém vnútorného a vonkajšieho priestoru je riešený rovnako konvenčne z hľadiska významu a mierky. Parsuna sa trochu odchyľuje od bohatosti farieb charakteristickej pre ikonopiseckú maľbu 17. storočia. Dôkladné stvárnenie zdobenia rúch a rôznych detailov však dodáva plátnam zvýšenú dekoratívnosť.

Majster ešte úplne neovláda nové princípy prenosu objemu, kombinovania dôrazne vypuklých maľovaných tvárí a plochého vzorovaného oblečenia. Veľký rozmer plátien, ich impozantný duch, bohatosť zariadenia a vystavenie šperkov majú ilustrovať spoločenský význam zobrazovaného. Obraz je autonómny, je zameraný na seba a je ľahostajný k ostatným. Maľba, ktorá ešte nedozrela na to, aby sprostredkovala jednotlivca, sa svojím spôsobom snaží všimnúť si črty vlastné danej postave. Všeobecné a individuálne sa však ešte nezlúčili do organickej jednoty a špecifické vlastnosti sa pod kombinovanou typizačnou maskou sotva objavujú.

Línia Parsuna, ktorá existovala pomerne krátko, hlavne v 80. a najmä v 90. rokoch 17. storočia, následne narazila na veľmi silný prúd tvorby cudzincov a umelcov na dôchodku, ktorí ju prakticky nahradili. Zároveň by sme si nemali myslieť, že sa to ukázalo ako náhodná epizóda vo všeobecnom procese vývoja ruského portrétovania. Po zatlačení zo svojich hlavných pozícií Parsuna naďalej existovala. Okrem toho sa jeho črty objavili v tvorbe mnohých vyspelých umelcov ako dôkaz neúplného prechodu od stredovekého písma k novému spôsobu. V tejto funkcii ho možno nájsť v dielach I. Nikitina, I. Višňakova a A. Antropova.

Stopy parsunizmu nachádzame aj v druhej polovici 18. storočia, najmä v dielach nevoľníkov alebo provinčných umelcov, ktorí sa k novému umeniu dostávali samostatne, spravidla počnúc ikonopisnou maľbou. Všimnime si, že parsunizmus ako umelecký fenomén existuje nielen v ruskej škole, ale aj na Ukrajine a v Poľsku. Nachádza sa aj v Bulharsku, Juhoslávii a dokonca aj v krajinách Blízkeho východu, teda tam, kde maliarstvo v podobnej historickej situácii zažíva zásadne podobný úvod do umenia modernej doby a svetského umenia.

Expozícia sa nachádza na druhom poschodí južnej budovy historicko-architektonického komplexu 18.-19. storočia. "Konský dvor". Návštevníkom múzea predstavuje širokú škálu exponátov reprezentujúcich tradičné ruské umenie a remeslá. Ide o diela svetoznámych centier na spracovanie dreva a kostí, maľbu lakom na papier-mâché a kov, popredné hlinené hračkárske remeslá, ako aj tlačené a zlatom vyšívané šatky ruských remeselníkov, sklo, porcelán a kameninu.

Tieto centrá sú sústredené v regiónoch Moskva, Vladimir, Vologda, Ivanovo, Nižný Novgorod a ďalšie. Zbierka začala v 20. rokoch 20. storočia, keď tých niekoľko diel ľudových umelcov, ktoré patrili medzi znárodnené poklady Trojičnej lavry, doplnili exponáty z Múzea miestneho regiónu a Múzea Optina Pustyn. V roku 1941 bola rozsiahla zbierka Múzea ľudových umeleckých remesiel (MNHR) prevedená do múzea Sergiev Posad (v tom čase Zagorského). Tvorilo ho asi štyridsaťtisíc exponátov, vrátane množstva unikátnych diel ľudových remesiel a diel experimentálneho charakteru, ktoré predviedli majstri rôznych umeleckých centier v dielňach vytvorených v Moskovskej ľudovej republike. Od 50. rokov 20. storočia začalo múzeum s cieľavedomým, systematickým získavaním zbierky ruského tradičného dekoratívneho a úžitkového umenia a táto práca sa stala jednou z prioritných oblastí jeho činnosti.

Významné miesto vo výstavných sieňach je venované dielam ľudových remeselníkov a umelcov regiónu Sergiev Posad. Hračky priniesli mestu mimoriadnu slávu. Boli z dreva – vyrezávané, sústružené, tesárske; vyrobené z papier-mâché a mastixu - s pohybom a zvukom. V múzeu sú vystavené bábiky vyrezávané z trojuholníkových klinov a maľované – dámy, husári, ošetrovateľky, slávne hniezdiace bábiky, obľúbené v druhej polovici 19. – začiatkom 20. storočia. sada architektonických hračiek vrátane „Trinity-Sergius Lavra“.

Výroba hračiek v obci je neoddeliteľne spojená s hračkárskym remeslom Sergiev Posad. Bogorodskoe. Múzejná zbierka bogorodského vyrezávaného výtvarného umenia zahŕňa hračky, sochy, sochárske kompozície a má asi štyri tisíce exponátov. Veľmi zaujímavé sú diela z 19. storočia: „Generál Skobelev na koni“ - P.F. Bardenková, „Sprievodca s medveďom“ - D.I. Púchková; zábavné viacfigurálne kompozície na témy ruských ľudových rozprávok a novej sovietskej reality, vyrobené v 30. rokoch 20. storočia. (diela A.F. Balaeva, N.E. Eroshkina, V.T. Polinova, A.G. Shishkina).

Múzeum má širokú zbierku diel od konca 19. storočia až po začiatok. XX storočia vzdelávacie hračkárske a umelecké a stolárske dielne Sergieva Posada a Abramtseva. Sú to krabice, rakvy, kusy nábytku vyrobené podľa vzoriek vyvinutých slávnymi umelcami S.V. Malyutin, E.D. Poleňová, Ap. M. Vasnetsov, N.D. Bartram, Vl.I. Sokolov a ďalší. Práca dielne Abramtsevo, ktorú viedol E.D. Polenova, mala priamy vplyv na formovanie a rozvoj drevorezbárskeho remesla Abramtsevo-Kudrinsk s jeho charakteristickým plochým reliéfnym rastlinným vzorom. Jedným zo zakladateľov rybárstva bol V.P. Vornoskov. V múzeu sa nachádza niekoľko diel majstra vrátane dekoratívneho riadu zo začiatku dvadsiateho storočia a portálu „Pohraničná stráž“ z roku 1937.

Spolu s remeslami na spracovanie dreva bola v Rusku rozšírená keramika; hračky sa zvyčajne vyrezávali vedľa riadu. Toto umenie má svoje korene v pohanstve, keď malé hlinené figúrky zúčastňujúce sa magických rituálov zohrávali úlohu jedinečných kultových predmetov. Múzeum predstavuje zbierky hračiek Kargopol (región Arkhangelsk), Filimonovskaya (región Tula), Abashevskaya (región Penza), Skopinskaya (región Riazan). Veľmi zaujímavá je hračka Dymkovo (oblasť Kirov) z konca 19. – začiatku 20. storočia. Ide o diela neznámych autorov a A.A. Mezrina: sestričky, páni, tanečné páry a pod. Cennú časť dymkovskej zbierky tvoria diela z 30. rokov 20. storočia. Medzi dielami druhej polovice XX. Viacfigurová kompozícia „Svadba“, ktorú vytvorila skupina dymkovských remeselníkov pod vedením E.I., vyniká svojou zábavnosťou. Koss-Denshina.

Drevo bolo v Rusku jedným z najobľúbenejších materiálov a remeslá na jeho umelecké spracovanie existovali v rôznych regiónoch. Spolu so Sergievom Posadom múzeum najviac prezentuje remeslá regiónu Nižný Novgorod - Khokhloma a Gorodets. Svetlé drevené chochlomské misky, bratiny, soľné lizy, maľované pestrými kvetinovými vzormi a pripomínajúce vzácne zlaté nádoby, boli všeobecne známe už v 19. storočí. Ich výrobu tradične vykonávali roľníci v mnohých dedinách nachádzajúcich sa na území moderného okresu Koverninsky v regióne Nižný Novgorod. Medzi exponátmi muzeálnej zbierky sú ukážky sedliackeho riadu z 19. storočia. a nábytok z 30. rokov 20. storočia s nezvyčajnou maľbou pre „Khokhlomu“ na bielom a striebornom pozadí.

Gorodetské remeslo sa začalo formovať na konci 18. storočia, keď roľníci z niekoľkých malých dedín nachádzajúcich sa v blízkosti veľkej obchodnej dediny Gorodets začali vyrábať spodky kolovrátkov na predaj. Ženy na nich sedeli pri práci a vysoký hrebeň si ľanovou alebo vlnenou kúdeľou zaisťovali do špeciálneho otvoru. Napriek tomu sa snažili, aby dnu bolo pekné: pre gazdinú bol pýchou, vážili si ho a starali sa oň a po práci ho dávali na stenu ako dekoráciu do domu. Pri výzdobe Doncov použili v ruskom ľudovom umení veľmi vzácnu techniku ​​intarzie kúskami tmavého bahenného dubu. V 70. rokoch 19. storočia prešli od rezbárstva s intarziou k maľbe, svieže „ruže“, jazdci, scény pitia čaju a slávnosti boli zobrazované rýchlymi, malebnými ťahmi. V dvadsiatych rokoch minulého storočia potreba šišiek zmizla a umelci Gorodets začali široko využívať svoje maliarske zručnosti pri zdobení iných predmetov: škatúľ, rakiev, dekoratívnych panelov, hračiek.

Gorodetova zbierka múzea nám umožňuje nielen sledovať hlavné etapy vývoja tohto centra od konca 18. do konca 20. storočia, ale poskytuje aj predstavu o práci takmer všetkých majstrov. ktorý zanechal výraznú stopu v jej histórii. Zbierka obsahuje diela uznávané ako „klasické“ príklady gorodetského umenia: Donets A.V. a L.V. Melnikovs, G.L. Polyakov, V.K. Smirnov, panel I.K. Mazin, plátno I.K. Lebedeva a D.I. Kryukova a ďalší.
Ruské umelecké laky sú svetoznáme. Zbierka múzea vám umožní reflektovať ich históriu a predstaví vám všetky hlavné centrá lakového maliarstva. V múzeu sú vystavené maľované kovové podnosy z Nižného Tagilu a Zhostova (Moskva), „lakované“ predmety z papier-mâché z 19. - 20. storočia. dedina neďaleko Moskvy Fedoskino, ako aj centrá regiónov Ivanovo a Vladimir: Palekh, Kholuy a Mstera, kde sa umenie lakových miniatúr vyvinulo až v sovietskych časoch a bolo založené na zavedených tradíciách maľby ikon. Od 30. rokov 19. storočia sa v dielni O.F. Vishnyakov, ktorý sa nachádza v obci Zhostovo, spolu s výrobkami papier-mâché začal vyrábať kovové podnosy. Rybolov postupne nadobudol samostatný význam. Pri zdobení podnosov sa začali uprednostňovať kvetinové aranžmány maľované bohatými, malebnými ťahmi.

Mimoriadne cenná je zbierka lakových miniatúr Palekh z rokov 1920-1930, ktorá zahŕňa diela veľmi vysokej umeleckej úrovne. Medzi nimi sú diela umelcov, ktorí boli súčasťou „Palekh Artel of Ancient Painting“, ktorý vznikol v roku 1924: A.V. Kotukhina, I.V. Markicheva, I.M. Bakanová, I.P. Vakurová, I.I. Zubkovej a ďalších, vrátane virtuóznych diel zakladateľa lakovej maľby v Palekhu I.I. Golikovej.

História centier pri Moskve (dedina Fedoskino a obec Zhostovo) siaha až do konca 18. storočia, kedy obchodník P.I. Korobov zorganizoval v obci podnik na výrobu lakových výrobkov z papier-mâché. Danilkov, nachádzajúci sa neďaleko obce. Fedoskino. Čoskoro sa rybolov rozšíril po celej oblasti. Zbierka múzea predstavuje diela továrne Lukutin (nástupcovia P.I. Korobova) a malých roľníckych podnikov v dedinách Ostashkovo, Zhostovo, Sorokino a ďalších, ktoré sa nachádzajú v Trojičnom volost v moskovskom okrese. Najstaršie diela v zbierke pochádzajú z polovice 19. storočia. Výrobky týchto dielní sú štýlovo homogénne: škatuľky, rakvy, cigaretové puzdrá, peňaženky, tabatierky z papier-mâché zdobia malebné, realisticky podané miniatúry s výraznou národnou tematikou. Tradičné obrazy „trojok“, „čajových večierkov“, scén z roľníckeho života sú spravidla bezplatné kópie malieb a grafických diel ruských umelcov.
Popredné miesto na výstave má zbierka ruských šatiek a šálov. Sú to šatky vyšívané „zlatými“ niťami a ďalšie výrobky remeselníkov z Tveru a Nižného Novgorodu a elegantné šály s potlačou od popredných podnikov v Moskve a Moskovskej oblasti 19. – začiatku 20. storočia. Najväčším a v súčasnosti jediným výrobcom vlnených šálov a šálov s potlačou v Rusku je Pavlovsky Posad pri Moskve, kde bola ich výroba zvládnutá začiatkom 60. rokov 19. storočia v továrni obchodníkov Ya.I. Labzin a V.I. Gryaznov. Výroba šálov bola takmer výlučne ručná. Vzory boli aplikované na látku pomocou vyrezávaných drevených dosiek, „kvetu“ a „spôsobov“. Obľúbeným motívom v dizajnoch Pavlovských šálov, ako aj podnosov Zhostovo, boli obrázky kvetov. Medzi exponátmi múzea sú šály Pavlovo Posad z rôznych čias. Ide o šatky legendárneho kresliara z 19. storočia. S.V. Postigov „Podkova“ a „Rozvod“ a diela našich súčasníkov E.P. Regunová, K.S. Zinovieva, I.P. Dadonová a ďalší.

Umelecké remeslá sú významnou súčasťou národnej kultúry Ruska. Diela prezentované v múzeu svedčia o veľkom talente ruských majstrov, jemnom umeleckom vkuse a originalite ich talentu.

Kosť je pre ruských remeselníkov veľmi atraktívny materiál, ktorý sa líši svojimi dekoratívnymi vlastnosťami a technickými možnosťami. Už v 17. stor. Tradície umenia vyrezávania kostí sa začali rozvíjať v osade Kholmogory v provincii Archangelsk. Kholmogorskí remeselníci spolu s tarsom (obyčajnou zvieracou kosťou) používali kosť mroža a menej často mamutovinu, výrobky z ktorých boli obzvlášť cenené. Najobľúbenejším tovarom boli hrebene, škatule, rakvy a rakvy zdobené najlepšími kvetinovými vzormi, obrázkami zvierat a vtákov, vyrobenými prelamovanými rezbami a rytinami. V druhej polovici XIX - začiatkom XX storočia. Vyrezávanie kostí sa praktizovalo v kláštore Trinity-Sergius a Sergiev Posad, o čom svedčí podpisová ikona „Trojica“ z roku 1869 prezentovaná na výstave, ktorú vytvoril Ivan Ilyin (mních Jonáš), a malá ikona zo slonoviny zobrazujúca Sergeja z Radoneža od miestneho majster I .S. Chruščovová.

Tradície miniatúrneho rezbárstva z kostí a dreva, ktoré sa tu vyvinuli, ovplyvnili založenie rezbárstva v meste Chotkovo neďaleko Sergiev Posad v druhej polovici 40. rokov 20. storočia. Originalita tohto centra sa prejavila v používaní rôznych techník spracovania kostí, kombinovaní kosti s drevom a rozšírenom používaní tarzu. Tieto črty boli obzvlášť živo stelesnené v dielach 50-tych rokov, najmä v krabici V.E. Loginov „Michurin“, ktorého kostené vložky sú majstrovsky vyrobené originálnou technikou mnohostranného reliéfu. Múzejná expozícia poskytuje aj možnosť zoznámiť sa s dielami tradičných remesiel umeleckého spracovania kostí, ktoré sa rozvíjali na východe Ruska: Ťumen (Tobolsk), Jakutsko, Čukotka. Identita každého z nich vychádza z etnických a umeleckých tradícií miestneho obyvateľstva.

Za roky svojej existencie múzeum nazhromaždilo bohatú zbierku ruského skla a porcelánu. Tieto druhy úžitkového umenia zaznamenali v Rusku rýchly rozvoj v 18.-19. V sálach múzea môžete vidieť výrobky z vtedajších tovární, rôznorodé účelom, formou, technikou a štýlom: cisársky porcelán a sklárne v Petrohrade, súkromné ​​porcelánky Gardner, Popov, Kuznecov, Kornilov, sklárne - Malcov, Bachmetev atď. Medzi exponátmi sú najvzácnejšie príklady ruského skla a keramiky, ako napríklad ryté sklenené poháre z 18. storočia. alebo výrobky z majoliky vyrobené v jednej z prvých keramických tovární v Rusku, ktorú v roku 1724 otvoril v Moskve obchodník A.K. Grebenshchikov. V múzeu sa nachádza nádherná zbierka porcelánových sôch vrátane rôznych žánrových sôch a celej série - „Ľudia Ruska“, ktoré v 19. storočí. bola niekoľkokrát obnovená v továrňach Gardner a Kuznecov pri Moskve.
Zbierka skla a porcelánu sovietskeho a postsovietskeho obdobia je zastúpená najmä dielami 60. – 80. rokov 20. storočia, ktoré vyrobili poprední remeselníci a umelci z najväčších tovární v Rusku. V histórii domáceho porcelánu vždy zaujímala popredné miesto Leningradská porcelánka pomenovaná po M.V. Lomonosov (predtým Imperial) a dve továrne pri Moskve: porcelánka Dmitrovský (predtým Gardner) a porcelánka Dulevo pomenovaná podľa novín „Pravda“ (predtým Kuznecovskij). Tieto podniky predstavujú dve originálne a živé školy s vlastným štýlom, vysokou kultúrou práce s materiálmi a bohatými tradíciami. Rozdiel medzi oboma porcelánovými školami je v tom, že zdedili rôzne historické vrstvy ruskej kultúry: moskovská sa riadila ľudovou tradíciou, leningradská - vysoko profesionálnym umením 18. - 19. storočia, ktoré nadväzovalo na celoeurópsky vývoj. .

Zbierka múzea obsahuje nádherné a slávnostné diela umelcov z Petrohradu (Leningrad), ktoré sa vyznačujú jemným umeleckým vkusom a klasickým zmyslom pre proporcie: A.V. Vorobievskij, A.A. Yatskevich, V.M. Gorodetsky, N.P. Slavina, I.S. Olevskoy; Forma a maľba sa zhodujú s ľudským chápaním krásy, svetlé, život potvrdzujúce diela umelcov z moskovského regiónu: P.V. Leonova. VC. Yasnetsova, N.N. Ropovej a ďalších V expozícii sa môžete zoznámiť aj so zbierkou skla a krištáľu druhej polovice 20. storočia. Formy stolového riadu, dekoratívne vázy a súpravy, objemovo-priestorové kompozície, sklenený plast boli vyrobené rôznymi technikami a technológiami poprednými umelcami najstarších sklárskych tovární v Rusku. Ide o závod v meste Gus-Khrustalny, región Vladimir (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. Muratov); sklárska továreň "Červený máj" v okrese Vyshnevolotsky v regióne Tver (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya); Dyatkovo Crystal Factory (M.V. Grabar, V.V. Soyver, V.Ya. Shevchenko).

Pýchou múzejnej zbierky je pomerne významná zbierka Leningradskej umeleckej sklárne, ktorej činnosť je spojená s tvorbou takých majstrov úžitkového umenia ako L.O. Jurgen, A.A. Astvatsaturyan, A.M. Ostroumov, E.V. Yanovskaya, Kh.M. Pyld, B.A. Eremin, Yu.M. Byakov. Väčšina diel zo skla a porcelánu je jedinečným príkladom vytvoreným pre veľké medzinárodné alebo národné výstavy. Zbierku ruského tradičného dekoratívneho a úžitkového umenia možno teda z hľadiska rozmanitosti, úplnosti zastúpenia jednotlivých centier a vysokej umeleckej úrovne v nej zaradených diel zaradiť medzi najlepšie v krajine. Diela, ktoré ho tvoria, svedčia o veľkom talente ruských majstrov, jemnom umeleckom vkuse a originalite ich talentu.