1. Il tema centrale del lavoro di Arbuzov.
2. “The Irkutsk Story” è un'opera teatrale sull'uomo e sul tempo.
3. Rinascita spirituale dell'eroina.

Le caratteristiche principali di un certo movimento estetico trovano un'espressione speciale nell'opera di ogni scrittore, determinata dalla sua individualità artistica. Essere fedeli fino alla fine dal punto di vista lirico direzione romantica, Alexey Nikolaevich Arbuzov - drammaturgo russo sovietico - agisce come un artista con il suo aspetto unico. argomento principale La creatività di Arbuzov è il tema della giovinezza. A lei ha dedicato il suo primo dramma, City at Dawn. E questo stesso tema è al centro di una delle sue ultime opere teatrali, “Il mio povero Marat”.

Vengono definite le caratteristiche artistiche delle opere di Arbuzov e il loro sapore romantico problema principale Ciò che occupa Arbuzov come scrittore è l'educazione e la crescita dei giovani nelle condizioni dell'edificazione comunista. Arbuzov rivela l'anima di un giovane di quest'epoca, mostra come il nuovo lavoro modella la sua coscienza e descrive le relazioni che si sviluppano tra i giovani.

L'opera teatrale “La storia di Irkutsk” fu pubblicata nel 1959. Dopo l'uscita di questa commedia, Arbuzov iniziò a essere chiamato il "principale drammaturgo". “The Irkutsk Story” è allo stesso tempo un’opera teatrale sull’amore e su un nuovo tipo di vita delle persone. Questa commedia riguarda anche il fatto che una persona, che ha realizzato se stessa come persona, alleva un'altra persona, rende anche lei una persona. Nella commedia vediamo un eroe che è in grado di distruggere la solitudine e il cinismo che a volte vengono coltivati ​​artificialmente attorno a sé dai deboli e dagli insicuri. L'eroina dell'opera si ritrova due volte sull'orlo del fallimento morale e solo l'amore l'ha salvata. La prima volta è stato l'amore di Sergei Seregin, che mi ha aiutato a discernere la personalità in me stessa e ad acquisire la dignità femminile. La seconda volta è stato l'amore di Victor ad aiutarla ad acquisire dignità sul lavoro. L'amore si intreccia qui con la vita degli operai degli escavatori, con la moralità della squadra e con la portata del nuovo progetto di costruzione. Pertanto, l'opera ha fuso il civile e il lirico, e di conseguenza una speciale fusione di lirismo giornalistico, emozioni eroiche, sentimenti civici ed esperienze personali.

La protagonista della commedia è la cassiera Valka, soprannominata "Valka la taccagno" per il suo comportamento piuttosto frivolo. Fino a qualche tempo considerava la sua attrattiva fisica la cosa principale, trovava il senso della vita nelle confessioni d'amore dei gentiluomini, tra i quali Victor era il più costante. Non gli è mai importato della reputazione di Valina e ne parlava in modo cinico e scortese. Non pensava nemmeno di sposarla: questo avrebbe potuto far ridere l'intero cantiere. Ma inaspettatamente da questo storia volgareè nato l'amore: i giovani si sono innamorati l'uno dell'altro. Ma Victor non lo capì subito, Valya fu la prima a realizzare questo sentimento, ma non poteva esprimerlo per paura di essere ridicolizzata. E questa sensazione sembrava strana a Valya, dal momento che era abituata a sprecare soldi incontri casuali. Gli eroi, incontrandosi ogni giorno, essenzialmente non sapevano nulla l'uno dell'altro. E poi apparve Sergei, l'amico di Victor, a cui Valya piaceva da molto tempo. L'ha invitata a diventare sua moglie e Valya ha accettato.

Valya ama Victor, ma sposa Sergei. La ragione di questo atto dell'eroina sta nel fatto che tutti i suoi signori le hanno offerto amore, solo Sergei le ha offerto rispetto, amicizia e sostegno cameratesco. Valya è tornata in sé, ha sentito la gioia della sua famiglia, il gusto della fedeltà, la felicità della pace. Più importanti di tutte le confessioni d'amore erano le sue parole di fiducia e rispetto. Sergei decide di sposare Valya, rendendosi conto che non c'è amore da parte sua, rendendosi conto che sta venendo da lui, ha paura della solitudine, ha paura di perdersi completamente. Ciò rivela l'originalità della sua natura.

Poi si verifica una tragedia: Sergei muore e Valya rimane sola con sua figlia e suo figlio. Finisce accidentalmente in un fiume dove stanno annegando dei bambini; mentre li salva, Sergei si annega. La sua morte non è accidentale, ma naturale, non solo nella trama, ma nel più alto senso morale. Muore in modo che l'amore trionfi di nuovo, ma in esso risuoneranno i nuovi motivi che ha acquisito: rispetto, fiducia, amicizia.

Victor realizza i suoi sentimenti per l'orfana Valya e l'autore, infrangendo tutte le leggi del dramma, permette a "The Irkutsk Story" di avvicinarsi al suo secondo climax. Sembrerebbe che l'eroe sia morto, l'eroina abbia subito una rinascita morale e la trama sia prossima al completamento. Ma la morte dell'eroe non è l'intero dramma: Victor appare sul palco. La brigata dove lavorava il defunto Seryogin decide di pagare a Valya e ai suoi figli lo stipendio che suo marito aveva precedentemente ricevuto, ma all'improvviso Victor va contro tutti. Lui, che prima non era molto esperto in questioni morali, ora parla di umiliare una persona con l'elemosina. Pertanto, la perdita della sua amata ha portato dei cambiamenti: Victor diventa più intelligente, più coraggioso, più intelligente. A Valya viene offerto di andare a lavorare per loro, su un escavatore ambulante, proprio il luogo in cui lavorava Sergei. Lo spettacolo inizia e finisce con la scena più importante per Arbuzov. Sul ponte, vicino a una lanterna debolmente accesa, Valya sta in piedi, stringendo in mano il primo vero stipendio da lavoro della sua vita. Appare Vittorio.

Valya. Vitenka... caro... Grazie.
Vincitore. Per quello?
Valya. Paga. Primo.

Questa scena è la più importante per il drammaturgo. Inizia e finisce la commedia con lei, perché in questo momento l'eroina acquisisce la dignità umana. L'amore le dà questa spinta. L'amore, dopo aver attraversato tutte le prove, le sopporta e matura. In questo dramma ci sono, per così dire, due piani: il piano reale, quotidiano e la storia del secolo, che sta costruendo nuove persone. La storia della vita quotidiana inizia volutamente in modo semplice, come per inciso. Una storia normale, niente di speciale, ma alla fine è diventato tutto significato morale, la storia ha influenzato la vita delle persone e il passaggio sociale del tempo si è manifestato attraverso i destini privati ​​delle persone.

"Il risultato ideale del lavoro su un'opera teatrale", ha scritto Arbuzov, "è quando la parola "fine" significa che sia l'autore, che ha riflettuto durante l'intera azione, sia il suo pubblico, hanno tutti capito che non hanno bisogno di una sola osservazione , non una sola spiegazione aggiuntiva." Il finale della “Storia di Irkutsk” è una chiara conferma di queste parole. Valya sul ponte con lo stipendio stretto in mano e Victor che chiede timidamente del futuro - e tutto è detto.

Argomenti della presentazione orale

1. "Guerra: non esiste parola più crudele..." (A. Tvardovsky). Tema militare nei testi.

2. "Com'è stato! Che coincidenza: guerra, guai, sogno e gioventù!" (D. Samoilov). Il destino della generazione in tempo di guerra nella prosa russa della seconda metà del XX secolo.

3. Comprendere il tema della guerra nella letteratura russa degli anni del dopoguerra.

4. Rappresentazione di scene di battaglia in prosa militare.

Bocharov A.G. L'uomo e la guerra. – M., 1978.

Memoria viva di generazioni. – M., 1965.

Narovcatov S.S.. Atlantide è sempre con te. – M., 1972.

"Una parola che viene dalla battaglia." – L., 1980.

Una linea spezzata da un proiettile. – M., 1976.

Topper P. Per il bene della vita sulla terra: letteratura e guerra. – M., 1975.

Letteratura della seconda metà del XX e dell'inizio del XXI secolo

Processo letterario degli anni '50 - primi anni 2000

Letteratura russa degli anni 50-80

Periodo difficile nello sviluppo della letteratura russa

Gli anni '50 e '80 furono un periodo sfaccettato e piuttosto complesso nello sviluppo della letteratura russa, comunemente chiamata Letteratura sovietica. La letteratura di questi anni fu, per la maggior parte, rigorosamente unificata e censurata. La creatività degli artisti di parole era diretta lungo un unico canale: il metodo del realismo socialista ed era determinata dalle decisioni partito Comunista e i requisiti dei documenti del partito. Un approccio strettamente regolamentato alla ricreazione della realtà attraverso mezzi letterari limitava drasticamente le possibilità creative degli scrittori, che spesso non riuscivano a superare le restrizioni della censura, aspettavano a lungo la pubblicazione delle loro opere e talvolta si univano ai ranghi degli scrittori dissidenti. Unilinearità rigorosa processo letterario fu interrotto per qualche tempo da un breve periodo di “disgelo” che avvenne dopo il 20° Congresso del partito, quando nacque l’illusione che il libero pensiero nell’arte avrebbe finalmente trionfato. Ma in seguito, i “tempi vegetariani”, nelle parole di A. A. Akhmatova, cedettero nuovamente il passo alla dittatura burocratica del partito, quando l’artista era visto come un servitore dello stato, a cui era affidato il compito di formare un “uomo nuovo”.

Nonostante gli ostacoli esistenti, molti opere interessanti in prosa, lirismo, dramma. Contributi significativi alla letteratura di questi anni furono apportati dagli scrittori della vecchia generazione L. M. Leonov, M. M. Prishvin, A. T. Tvardovsky, B. L. Pasternak, N. A. Zabolotsky, M. A. Sholokhov, I. G. Ehrenburg, V. A. Lugovskoy. La grande letteratura comprende scrittori come F. A. Abramov, A. I. Solzhenitsyn, V. M. Shukshin, V. T. Shalamov, V. G. Rasputin, V. P. Astafiev, Yu. V. Trifonov, F. A. Iskander, G. N. Vladimov, V. P. Aksenov, E. A. Evtushenko, A. A. Voznesensky, R. I. Rozhdestven cielo, Yu. P. Kazakov e altri.

I maestri delle parole hanno creato opere artisticamente perfette e originali che non solo riflettevano le principali tendenze dello sviluppo storico, ma hanno anche avuto un enorme impatto sul clima morale dell'epoca.

Prosa del villaggio

A metà degli anni '60 il tema del borgo entra prepotentemente nella letteratura. Gli scrittori che dedicarono le loro opere all'amara verità della vita del villaggio iniziarono a essere chiamati nella critica "paesani". A.I. Solzhenitsyn preferiva chiamarli "moralisti", perché il maestro della prosa rurale associava direttamente l'immagine di un "villaggio morente in frantumi" alla ricerca vita interiore persone, le origini della moralità popolare.

La poliedrica tetralogia è permeata dal desiderio di trasmettere la verità della vita del villaggio. Fëdor Aleksandrovich Abramov (1920–1983) "Fratelli e sorelle", che racconta la storia di tre generazioni contadine. Il villaggio di Pekashino nella sua vita lavorativa quotidiana diventa un'immagine della longanimità e della resilienza delle persone. Lo sfondo drammatico della storia è il travaglio sull’orlo del baratro forza umana, un rigido autocontrollo in ogni cosa, quando nel sesto anno del dopoguerra gli uomini ancora "non si sono saziati di un pezzo". Una realtà dura e non fittizia è la descrizione di un pasto contadino nella casa dei Pryaslin, a cui sono collegati gli eventi principali dell'opera: “La cena non era né migliore né peggiore di sempre: cavolo salato da lettiera (Anisya era già raccogliendolo nella neve nell'orto della fattoria collettiva), pezzi di cinque o sei patate con la buccia. Non c'era affatto pane - raramente qualcuno a Pekashin cenava con il pane.

Le storie di Abramov sono dedicate al tema del villaggio "Cavalli di legno", "Pelageya", "Alka", "Un viaggio nel passato", "Le donne anziane", "Di cosa piangono i cavalli", scritto durante gli anni di lavoro sulla tetralogia. Le storie esplorano i fondamenti morali duraturi che aiutano una persona a rimanere umana, le sue capacità creative e la capacità di vivere secondo la sua coscienza.

Profondo comprensione artistica Per quanto riguarda i problemi morali e filosofici associati al crollo e alla morte del villaggio, le storie differiscono Valentin Grigorevich Rasputin(nato nel 1937). La base della trama delle sue opere è costituita dalle difficili prove affrontate dagli eroi, dai problemi nella scelta di un percorso, vita e morte, fisica e spirituale. Lo scrittore mette spesso i suoi personaggi in una situazione eccezionale, solitamente limitata da un certo periodo durante il quale deve essere risolta.

Nella storia "Soldi per Maria"(1967) un audit effettuato nel negozio dove lavorava Maria scoprì una carenza di mille rubli. Maria dovrà restituire questa ingente somma di denaro per quei tempi entro cinque giorni. E così, nel suo “cammino attraverso il tormento”, Kuzma, salvando sua moglie e la sua famiglia, si fermò davanti all'ultima porta quando il suo tempo stava per scadere. Nella storia "Scadenza" (1970) l'eroina viene nuovamente condannata, e “l'ultima”. La vecchia Anna attende la morte, “il tempo per il quale sembrava maturo: la vecchia aveva quasi ottant'anni”. Ma i figli venuti da ogni parte per salutare la Madre (non è venuta solo l'amata Tanchora) si ritrovano lontani sia dalla madre che dalla terra che li ha allevati. L'ultima frase della storia afferma tristemente che "la vecchia è morta di notte". Anche l'eroe della storia “divorziato” dalla sua terra natale "Vivi e ricorda"(1974) Andrei Guskov, che in qualche modo riuscì a convivere “di fianco” con le persone al fronte e riuscì, dopo essere stato gravemente ferito, a non tornare mai più alla sua batteria. Vive nell'oscurità, diventa come una bestia, ma si pone comunque un limite di tempo in cui l'ultimo periodo della sua inutile esistenza sarà completato. Nella storia "Addio a Matera" Il mondo intero è già stato portato sull’orlo della distruzione. E ancora una “situazione limite”: l’isola di Matera e l’omonimo borgo saranno allagati dopo il completamento della diga. Difendendo la santità del mondo popolare-naturale che passa, lo scrittore sperimenta insieme a persone che non riescono a fare i conti con la distruzione della loro terra, delle loro case, degli orti e del cimitero dove sono sepolti i loro antenati. Il nuovo insediamento viene costruito su terreni scomodi, ma "la vita... sopporterà tutto e si svolgerà ovunque, anche sulla nuda roccia e in un pantano traballante e, se necessario, sott'acqua".

È difficile immaginare la prosa del villaggio senza una storia di talento Vasily Ivanovich Belov (nato nel 1932) “Affari come al solito”. L'eroe centrale Il lavoro è Ivan Afrikanich Drynov, conducente di una fattoria collettiva, falegname e coltivatore. Sente acutamente il suo legame vivo con il mondo, si rende conto della naturalezza e della legittimità di tutto ciò che lo circonda: "È una cosa familiare. Vivi. Vivi ovunque. Vivi sotto le piume, vivi sotto una felpa. Le donne laggiù hanno allagato i fornelli, sono in giro intorno ai pali - vivi. E va tutto bene, va tutto bene. "Va bene che sia nato, va bene che abbia dato alla luce dei bambini. Vivi, lei è viva." Ivan Afrikanich è gentile e coscienzioso, gentile e gentile, ma questi tratti attraenti sono combinati con mancanza di volontà e passività. Quando sua moglie fu portata via per partorire, Ivan Afrikanich era in uno stato di torpore da ubriaco. Il suo castrone è partito senza autista e ha ribaltato la slitta, e Drynov dovrà pagare la merce danneggiata appartenente all'emporio. Ivan Afrikanich soccombe facilmente alla persuasione del fratello di sua moglie a lasciare il villaggio in cerca di un'altra vita e, lasciando Sosnovka, quasi muore nella foresta. Ma quanto è sincero il suo dolore davanti alla tomba della moglie: "Dove sei, Katya? Mia cara, sveglia... Ebbene... e adesso... ti ho portato delle bacche di sorbo... Katya, mia cara... " Il calore di Katerina non è morto: è rimasto in Ivan Afrikanich, nei suoi "figli". Dopo le difficili prove che hanno colpito l'eroe, capisce con la sua mente: "Era meglio nascere che non nascere". “Business as usual” è una storia di sofferenza e amore. Ricerca artistica I fondamenti morali della vita contadina hanno in esso un carattere profondamente popolare e umano.

La prosa rurale come tendenza artistica nella letteratura degli anni '60 e '70 si riflette nelle opere Vasily Makarovich Shukshin (1929– 1974). Il suo talento nella scrittura era incarnato in modo più potente nelle storie che costituivano diverse raccolte: "Gente del villaggio", "Là, lontano", "Connazionali", "Personaggi", "Conversazioni sotto la luna limpida". Shukshin ha creato un'intera galleria di gente del villaggio: autisti, conducenti di trattori, caposquadra, contabili, presidenti di fattorie collettive e contadini comuni. I suoi eroi vivono una vita spirituale: non amano un'esistenza senza senso, pensano intensamente alla vita, soffrono, risolvono problemi complessi e sanno sorprendersi e sorprendersi. "La cosa più interessante per me", ammette lo scrittore, "è esplorare il carattere di una persona non dogmatica, una persona non addestrata nella scienza del comportamento. Una persona del genere è impulsiva, cede agli impulsi e quindi è estremamente naturale, ma ha sempre un animo ragionevole.

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Dopo Rivoluzione d'Ottobre e il successivo instaurazione del controllo statale sui teatri, nacque la necessità di un nuovo repertorio che potesse soddisfare ideologia moderna. Tuttavia, uno dei più prime commedie, forse, oggi possiamo citarne solo uno - Buff misterioso V. Mayakovsky (1918). Fondamentalmente lo stesso repertorio moderno Presto Periodo sovietico si è formato su una “propaganda” d’attualità che ha perso la sua rilevanza in breve tempo.

Negli anni ’20 prese forma un nuovo dramma sovietico, che rifletteva la lotta di classe. In questo periodo compaiono drammaturghi come L. Seifullina (“ Virinea"), A. Serafimovich (“ Mariana", la drammatizzazione del romanzo da parte dell'autore " Corrente di ferro"), L. Leonov (“ Tassi"), K. Trenev (“ Lyubov Yarovaya"), B. Lavrenev (“ Colpa"), V. Ivanov (“ Treno blindato 14-69"), V. Bill-Belotserkovsky (“ Tempesta"), D. Furmanov (“ Ammutinamento") ecc. La loro drammaturgia nel suo insieme si distingueva per un'interpretazione romantica degli eventi rivoluzionari, una combinazione di tragedia e ottimismo sociale.

Il genere della commedia satirica sovietica cominciò a prendere forma, nella prima fase della sua esistenza associata alla denuncia della NEP: “ Insetto" E " Bagno" V. Mayakovsky, " Torta d'aria" E " La fine di Krivorylsk" B. Romashova, “ Sparo" A. Bezymenskij, “ Mandato" E " Suicidio" N.Erdman.

Una nuova fase nello sviluppo del dramma sovietico (così come di altri generi letterari) fu determinata dal Primo Congresso dell'Unione degli scrittori (1934), che dichiarò i principali metodo creativo metodo artistico del realismo socialista.

Negli anni '30 e '40, nel dramma sovietico ebbe luogo la ricerca di qualcosa di nuovo. eroe positivo. Sul palco sono state rappresentate opere di M. Gorky (“ Egor Bulychov e altri", « Dostigaev e altri"). Durante questo periodo, l'individualità di drammaturghi come N. Pogodin (“ Ritmo", « Poesia sull'ascia", « Mio amico" ecc.), V. Vishnevskij (“ Primo cavallo", « L'ultima decisiva", « Tragedia ottimista"), A. Afinogenova (“ Paura", « Distante", « Mašenka"), V. Kirshon (“ Le rotaie ronzano", "Pane"), A. Korneychuk (“ Morte dello squadrone", « Platone Krechet"), N. Virty (“ Terra"), L. Rakhmanova (“ Vecchiaia inquieta"), V. Guseva (“ Gloria"), M. Svetlova (“ Fiaba", « Vent'anni dopo"), poco dopo - K. Simonova (“ Un ragazzo della nostra città", « Popolo russo", « Questione russa", « Il quarto" e così via.). Le opere teatrali in cui veniva raffigurata l'immagine di Lenin erano popolari: “ L'uomo con la pistola" Pogodin," È vero Korneychuk", " Sulle rive della Neva" Trenev, più tardi - opere di M. Shatrov. Si è formato e sviluppato attivamente il dramma per bambini, i cui creatori furono A. Brushtein, V. Lyubimova, S. Mikhalkov, S. Marshak, N. Shestakov e altri.Si distingue il lavoro di E. Schwartz, i cui racconti allegorici e paradossali erano rivolte non tanto ai bambini, quanto a quanti adulti (“ Cenerentola", « Ombra", « Il drago" e così via.). Durante il Grande Guerra Patriottica 1941-1945 e nel primo dopoguerra venne naturalmente alla ribalta il dramma patriottico, sia moderno che argomenti storici. Nel dopoguerra si diffusero le commedie dedicate alla lotta internazionale per la pace.

Negli anni '50 nell'URSS furono emanati numerosi decreti volti a migliorare la qualità del dramma. È stata condannata la cosiddetta “teoria del non conflitto”, che la proclamava l’unica possibile drammatico conflitto"buono con il meglio." Lo stretto interesse dei circoli dominanti per il dramma moderno è stato determinato non solo da considerazioni ideologiche generali, ma anche da un motivo aggiuntivo. Il repertorio stagionale del teatro sovietico avrebbe dovuto consistere in sezioni tematiche (classici russi, classici stranieri, uno spettacolo dedicato a un anniversario o una vacanza, ecc.). Almeno la metà delle prime dovevano essere preparate secondo il dramma moderno. Era auspicabile che le rappresentazioni principali non fossero messe in scena secondo commedia leggera opere teatrali, ma basate su opere con temi seri. In queste condizioni, la maggior parte dei teatri del Paese, preoccupati per il problema del repertorio originale, erano alla ricerca di nuove opere. Ogni anno si tenevano concorsi di teatro contemporaneo e la rivista Teatr pubblicava una o due nuove opere in ogni numero. La All-Union Copyright Agency per uso teatrale ufficiale pubblicava ogni anno diverse centinaia di opere moderne acquistate e consigliate per la produzione dal Ministero della Cultura.

L’ascesa generale dell’arte teatrale alla fine degli anni Cinquanta comportò l’ascesa del dramma. Sono apparse opere di nuovi autori di talento, molti dei quali hanno determinato i percorsi principali per lo sviluppo del dramma nei prossimi decenni. Intorno a questo periodo si formarono le personalità di tre drammaturghi, le cui opere furono messe in scena ampiamente durante il periodo sovietico: V. Rozov, A. Volodin, A. Arbuzov. Arbuzov fece il suo debutto nel 1939 con la commedia “ Tanja" ed è rimasto in sintonia con il suo spettatore e lettore per molti decenni. Naturalmente, il repertorio degli anni '50 -'60 non si limitava a questi nomi: L. Zorin, S. Aleshin, I. Shtok, A. Stein, K. Finn, S. Mikhalkov, A. Sofronov, A. Salynsky lavorarono attivamente nel dramma., Y. Miroshnichenko, ecc. Il maggior numero di produzioni nei teatri del paese nel corso di due o tre decenni sono state le commedie senza pretese di V. Konstantinov e B. Ratzer, che hanno lavorato in collaborazione. Tuttavia, la stragrande maggioranza delle opere di tutti questi autori è oggi nota solo agli storici del teatro. Le opere di Rozov, Arbuzov e Volodin furono incluse nel fondo d'oro dei classici russi e sovietici.

Nella varietà dei generi e degli stili che hanno travolto il teatro dalla fine degli anni '50 del XX secolo fino ai giorni nostri, nel dramma moderno si può notare una netta predominanza del teatro tradizionale russo. socio-psicologico gioca. Nonostante lo sfondo francamente quotidiano, anche quotidiano, dell'azione stessa, la maggior parte di queste opere aveva un sottotesto filosofico ed etico molto profondo e multistrato. In un certo senso, gli autori di queste opere teatrali divennero successori Le tradizioni "di Cechov". nella drammaturgia, quando la trama quotidiana rifletteva domande e problemi “eterni”, universali. Qui gli scrittori hanno utilizzato attivamente tecniche come

• creazione di una “corrente sotterranea”
• trama incorporata,
• espandere lo spazio scenico introducendo simboli poetici o oggettuali.
• Ad esempio, un piccolo giardino fiorito con margherite nell'opera teatrale di A. Vampilov “Last Summer in Chulimsk”, come quello vecchio Il frutteto dei ciliegi dal famoso dramma omonimo di A. Chekhov, diventa per gli eroi di Vampilov una sorta di prova per la capacità di amare, l'umanità e l'amore per la vita.
• Molto efficaci, migliorando l'impatto psico-emotivo sullo spettatore, sono state tecniche come le “voci” fuori scena, che a volte costituiscono, di fatto, un piano d'azione separato, o visioni fantastiche di eroi.

A. Arbuzov e V. Rozov, A. Volodin e S. Aleshin, V. Panova e L. Zorin hanno continuato a esplorare il carattere del nostro contemporaneo negli anni '50 -'80, si sono rivolti al mondo interiore dell'uomo e hanno registrato con preoccupazione, e ha anche cercato di spiegare i problemi dello stato morale della società, la svalutazione dell'alto valori morali. Insieme alla prosa di Y. Trifonov, V. Shukshin, V. Astafiev, V. Rasputin, canzoni di A. Galich e V. Vysotsky, sceneggiature e film di G. Shpalikov, A. Tarkovsky, E. Klimov e le opere di molti artisti di generi diversi, le opere degli autori citati cercavano risposte alle domande: “Cosa ci sta succedendo?! Da dove viene questo in noi?!”

La fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '70 furono segnati dalla brillante personalità di A. Vampilov. Per me vita breve scrisse solo poche commedie: “ Addio a giugno", « Figlio maggiore", « Caccia alle anatre", « Barzellette provinciali", « Venti minuti con un angelo" E " Il caso della pagina master», « L'estate scorsa a Chulimsk" e vaudeville incompiuto " Consigli impareggiabili". Ritornando all'estetica di Cechov, Vampilov determinò la direzione dello sviluppo del dramma russo nei successivi due decenni.

Il giovane scrittore, che ai primi passi nel dramma fu insignito di numerose accuse critiche di tristezza e pessimismo, non visse abbastanza da vedere il suo primo prima capitale, e ancora di più - prima della "stagione dei vampiri" nel nostro teatro. Queste commedie parlavano con allarme dei mali morali che si diffondevano: doppi standard, crudeltà, maleducazione come norma di comportamento, scomparsa della gentilezza e fiducia nei rapporti tra le persone.

Il giovane drammaturgo è riuscito a catturare con sensibilità e trasmettere con talento fenomeni inquietanti nell'atmosfera morale del suo tempo. Quanto Vampilov sia preoccupato per il problema di mettere alla prova una persona nella vita di tutti i giorni può essere giudicato da tutte le sue opere. I suoi eroi sono divertenti e allo stesso tempo spaventosi nei loro atteggiamenti di vita. "Serio" e "frivolo", "angeli" e "peccatori": questa gradazione degli eroi di Vampil si trova in alcune opere critiche. “...L'amore è amore, e... un marito con la macchina, per esempio, è meglio che senza macchina” (“Venti minuti con un angelo”); “...se una persona ha soldi, significa che non è più divertente, significa che è seria. Oggi i mendicanti non sono più di moda." (“L'estate scorsa a Chulimsk”). Lo speculatore Zolotuev (“Addio a giugno”) in genere non è tanto una figura reale quanto fantasmagorica. Questo personaggio ridicolo e patetico ha dedicato tutta la sua vita a dimostrare che non esistono persone oneste, tutti sono corruttori o “complici”, solo chi riceve poco è onesto (e anche solo per poco tempo), perché “Il denaro, quando non ce n’è, è un grande potere.”

Il personaggio principale del teatro di A. Vampilov è un uomo di mezza età che prova disagio morale, insoddisfazione per il suo modo di vivere e "fatica precoce da esso". L'insegnante rurale Tretyakov ("La casa con le finestre sul campo"), l'investigatore Shamanov ("L'estate scorsa a Chulimsk"), l'ingegnere Zilov ("Caccia alle anatre"), gli studenti Kolesov e Busygin ("Addio a giugno" e "Il figlio maggiore") si mostrano nei momenti drammatici della tua vita, “sulla soglia” che devi varcare, fare un passo decisivo per separarti dal tuo “sobborgo” spirituale. La loro intera vita dipende da come si comportano. ulteriore destino: svegliarsi prima della “soglia” o continuare l'esistenza ibernata; lanciarsi nella battaglia contro l’ingiustizia oppure restare a guardare e permettere con indifferenza agli altri di “raggiungere l’impossibile”, “sbattere la testa contro il muro”; ammetti il ​​​​tuo modo di vivere come un mediocre spreco, rompi decisamente con il passato o continua a dare per scontato tutto questo incubo: l'autore fa riflettere i suoi personaggi su tutto questo, quasi per la prima volta nella loro vita. Le opere di Vampilov hanno un elemento lirico molto forte. L'autore esplora essenzialmente il destino delle persone della sua generazione, i giovani degli anni '50 e '60, nel passaggio dall'euforia del “disgelo”, sperando di cambiare il mondo intero, di riuscire sicuramente come individui - al collasso della società e illusioni personali.

A. Vampilov terminò la commedia "Il figlio maggiore" nell'aprile 1966. Fu pubblicato nel 1968 e la sua prima produzione ebbe luogo nel 1969. Nel 1970 ha rielaborato l'opera. "The Eldest Son" è stato messo in scena in 28 teatri in tutto il paese; lo spettacolo è stato rappresentato più di mille volte, diventando uno dei titoli di punta della stagione.

"The Eldest Son" inizia con uno scherzo crudele tra due giovani: Silva e Busygin. Di notte, da qualche parte in periferia, avendo perso l'ultimo treno, iniziarono a cercare un alloggio per la notte, ma nessuno voleva lasciarli riscaldare. E poi Busygin dice: “Le persone hanno la pelle dura e non è così facile sfondarla. Devi mentire adeguatamente, solo allora ti crederanno e simpatizzeranno con te. Silva ricorda questa frase casuale. I giovani entrano di nuovo a caso nell'appartamento, desiderosi solo di passare lì la notte. Vedendo che stanno per essere espulsi, Silva fa passare Busygin per figlio illegittimo il proprietario dell'appartamento è Andrei Grigorievich Sarafanov. Ed è qui che tutto ha inizio.

Sarafanov è un uomo anziano con una figlia, Nina, e un figlio, Vasenka. La situazione in famiglia non è facile. Il figlio sedicenne Vasenka si innamorò di una persona frivola, che ha anche dieci anni più di lui. Per questo motivo Vasenka vuole uscire di casa e allontanarsi. La figlia Nina sposerà Kudimov e se ne andrà anche lei, lasciando suo padre. Forse a Sarafanov mancava qualcuno che sarebbe stato con lui nella sua vecchiaia. E poi è apparso Busygin.

I giovani, che si presentarono come “il figlio e il suo compagno”, sbalorditi dalla propria sfacciataggine, cercarono di nascondersi, ma non ci riuscirono a causa di circostanze puramente quotidiane: dapprima il loro cammino fu bloccato da Vasenka, che avvertì Sarafanov il loro parente appena coniato ("C'è un ospite e un altro") . Incapace di scappare in questo momento, Busygin, tuttavia, apprende inaspettatamente alcuni dettagli della presunta biografia del presunto figlio di Sarafanov (età - 21 anni, il nome della madre è Galina, luogo di nascita di Chernigov). Un altro tentativo di ritirata degli eroi viene inavvertitamente fermato dallo stesso Sarafanov, che inizia a organizzare un posto dove suo figlio possa passare la notte; durante il terzo tentativo, Sarafanov appare di nuovo, decidendo proprio in quel momento di regalare a Busygin un cimelio di famiglia - un vecchia tabacchiera, che, secondo la tradizione, passa al figlio maggiore della famiglia. E infine, nel momento della decisione finale di scappare, alla quale ora, a quanto pare, nulla può resistere, il risvegliato Sarafanov chiama Busygin per salvare Vasenka nella sua follia amorosa.

Busygin non si aspettava che un adulto credesse così sconsideratamente a una bugia e con tale generosità e apertura lo accettasse per suo figlio maggiore. Crescere senza padre; Busygin, forse, ha provato amore per se stesso per la prima volta. Volodya Busygin è preoccupata per tutto ciò che accade nella famiglia Sarafanov. Si sente responsabile per Vasenka e Nina. In una parola, Busygin non solo assume il ruolo del figlio maggiore, ma si sente tale. Pertanto, cercando tre volte di andarsene e di fermare la lunga prestazione, ogni volta esita: la responsabilità per la sua famiglia non lo lascia andare.

Busygin è il figlio di Sarafanov non per sangue, ma per spirito. Forse gli mancava anche un padre amorevole e premuroso. Il figlio e il padre sembravano essersi ritrovati, sembravano cercarsi e ritrovarsi. Busygin avrebbe potuto continuare la sua vita con suo “padre”, ma non poteva. Non poteva vivere con le bugie. Ma, nonostante tutto sia già diventato chiaro, continua a sentirsi il figlio di Sarafanov.

E allo stesso tempo, la sensazione del significato non quotidiano degli eventi non ti lascia per un minuto. La struttura vocale magistralmente organizzata dell'opera, in cui non c'è solo un singolo monologo, ma anche una replica di più di 4-5 frasi, è in contrasto con la struttura interna complessamente organizzata dell'opera.

La commedia "The Eldest Son" è costruita su una rigida scomposizione paradossale, una trasformazione paradossale degli eventi che nasce dalla reazione "sbagliata" e non canonica degli eroi alle circostanze.

E, soprattutto, riguarda l'evento principale della trama. Quando Sarafanov apprende da Vasenka che il figlio appena nato lo sta aspettando in cucina, la logica dell'azione drammatica potrebbe prendere diverse strade abbastanza prevedibili.

Nel processo di scoperta della verità, potrebbe risultare che Busygin è davvero il figlio di Sarafanov; sarebbe un modello del vaudeville francese. Potrebbe risultare che, dopo aver ingannato crudelmente l'ingenua famiglia, sputando e calpestando tutto ciò che non dovrebbe essere sputato e calpestato, Busygin e Silva avessero già tentato tempestivamente di fuggire, magari prendendo qualcosa dalla proprietà degli ingenui Sarafanov. Qui avrebbe dovuto entrare in gioco un principio antagonista davvero potente, ad esempio il fidanzato di Nina arrivato in tempo. Questa sarebbe una versione brutale e realistica nello spirito di Pavel Nilin o Vladimir Tendryakov.

Infine, sotto l'influenza della creduloneria della vittima, gli eroi dell'opera potrebbero, di propria iniziativa, iniziare a “rieducare”. E dopo essersi pentiti, potrebbero, ad esempio, suscitare una sorta di ricordi tragici, forse su una famiglia persa durante la guerra

Vampilov sceglie il suo proprio modo. Dopo essersi definito il figlio del vecchio Sarafanov, l'eroe, essenzialmente all'istante, senza riflessione e preparazione, che potrebbe trasformarsi nel significato dell'opera per un altro autore, diventa un “figlio”, accetta le regole del gioco, che lui stesso imposto a chi lo circonda. "Il figlio maggiore" inizia come un'opera estremamente quotidiana e rimane in questo stato fino al momento in cui il commosso Sarafanov esclama, rivolgendosi a Busygin: "figlio, figlio". Con queste parole, non solo il corso dell'intrigo cambia, ma cambia anche struttura artistica recita, cessa di essere una storia con bugie, diventa una storia con trasformazioni.

Dal momento in cui il capofamiglia riconosce Busygin come figlio, nell'opera iniziano a funzionare due sistemi di coordinate: appare, per così dire, un'opera nell'opera - viene rappresentata una "opera per i Sarafanov" e un'opera che la abbraccia "opera per i Sarafanov", "opera per lettori-spettatori" ", che sanno che Busygin non è un figlio e Sarafanov non è un padre. Fino a quel momento, le bugie di Busygin e Silva erano ugualmente una bugia per loro stessi, per i proprietari della casa e per il pubblico. Da questa doppia struttura “a strati” della commedia nasce anche l'elemento speciale dell'opera, una nuova speciale tensione drammatica.

Nello “spettacolo per il pubblico” sembra anche che Busygin continui a ingannare i proprietari della casa; della stessa opinione è anche Silva, sospettando il comportamento di Busygin alla vigilia di una nuova grandiosa truffa, mentre nella “commedia per i Sarafanov” non è più così.

La ricerca morale dell'opera si svolge tra due tesi-slogan che richiedono un doppio controllo, tra due poli: "tutte le persone sono fratelli" e "le persone hanno la pelle dura, e non è così facile sfondarla".

Ciò che è paradossale non è questo Sarafanov credeva all'invenzione di Busygin, ma al fatto che Occupato si comportò secondo la sua invenzione. Il paradosso della situazione è che il principale teorico cinico ha la pelle più sottile. Busygin, che decide di verificare se tutte le persone sono davvero fratelli e quanto è sottile la pelle di chi lo circonda, cade lui stesso nelle reti dell'umanità che lui stesso ha creato. Trovandosi nell'atmosfera rilassante dell'ingenuità di Sarafan, inizia a comportarsi secondo il ruolo dichiarato.

La particolarità dell'opera è che sappiamo cosa crede Sarafanov: crede alla storia raccontata da Busygin, senza sospettare che sia una bugia. Crede alla parola di Busygin. Ciò che Busygin, che sa perfettamente di ingannare il vecchio, crede, a prima vista, è difficile da dire. Ma anche Busygin crede alla sua parola. Ma non a quella parola d'onore speculativa, astratta, data una volta per tutte, alla quale il ferreo Kudimov è così fedele, ma semplicemente a una parola parlata, materializzata, come, ad esempio, la parola "figlio".

Busygin viene chiamato figlio e successivamente si comporta come un "figlio", Vasenka minaccia di uccidere Makarskaya - va a darle fuoco, Nina consiglia a Busygin, "che soffre di amore non corrisposto", di riconquistare la ragazza, cosa che fa con grande successo , inoltre, il vecchio Sarafanov torna alla storia da lui stesso raccontata agli ospiti, leggermente abbellita da Busygin.

Muovendosi in un doppio sistema di coordinate, la commedia di Vampilov presuppone anche una struttura speciale per l'immagine di Busygin. Sappiamo che Busygin non è un figlio, anche se il titolo dell'opera afferma il contrario, e nel corso dell'azione osserviamo due tipi delle sue metamorfosi psicologiche: come finge di essere un figlio e come si trasforma in un figlio. Vediamo la doppia esistenza di una persona: Busygin l'impostore e Busygin il figlio, e queste, insieme alle vicissitudini della trama, le vicissitudini di assimilazione e dissomiglianza delle ipostasi dell'eroe rappresentano un processo sorprendentemente emozionante.

A prima vista, Busygin è moralmente rinato, cadendo nell'atmosfera rilassante della gentilezza e dell'ingenuità di Sarafanov. Tuttavia, con lo stile di vita della casa di Sarafanov, così come con il modo artistico dell'opera nel suo insieme, la situazione non è così semplice.

A prima vista, Silva e Busygin sono cattivi e i Sarafanov sono buoni. Intanto Kudimov è migliore di tutti loro messi insieme, eppure viene ridicolizzato, preso in giro, cacciato di casa e dimenticato in un batter d'occhio, con soddisfazione di tutti.

Lo stile di vita della casa dei Sarafanov è tutt'altro che da manuale. Tutti mentono in questa commedia. Per non parlare delle principali bugie “globali” di Busygin e Silva, che nella versione finale erano bugie quasi condizionali, quindi, per coincidenza, tutti i Sarafanov mentono: il padre dice ai bambini che lavora alla Filarmonica, i bambini raccontano lui che credono In questo caso, Sarafanov convince Makarskaya ad essere più gentile con Vasenka, cioè a mentirgli.

Solo Kudimov dice sempre la verità, ma quanto è povero, volgare, stupido e crudele questo padrone che mantiene la sua parola nella sua povera famiglia. Non una parola di menzogna uscirà dalla bocca di Silva mentre esce con Makarska, e verrà punito in modo umiliante: lasciato senza pantaloni in pieno giorno. La verità che Makarskaya rivela su Vasenka è più senz'anima e più crudele di qualsiasi inganno.

E come, allo stesso tempo, gli eroi credono fermamente nelle loro invenzioni: Busygin - che è il figlio di Sarafanov, Vasenka - che ucciderà Makarskaya e scapperà nella taiga, e tutti insieme - che Sarafanov lavora nella Filarmonica, e lo fa non suonare ai funerali.

Tutti mentono apertamente, e questa menzogna si trasforma in cordialità, calore e quindi rivela negli eroi tali profondità di personalità, spiritualità e gentilezza che loro stessi semplicemente non sospettavano. Le bugie impulsive degli eroi di "The Eldest Son" sono di natura speciale, creano l'elemento giocoso dell'opera.

Questa è un'opera teatrale che non è modellata dal conflitto, ma dall'assenza di essi: proprio mentre Busygin e Silva si preparavano a essere miseramente cacciati, si è scoperto che la loro impostura è stata accettata a braccia aperte. Busygin cerca solo di portare via Nina al tenente, ma lei stessa cade tra le braccia dell'eroe. Busygin sospetta solo che Silva e Makarska possano avere una relazione, quando Don Juan bruciato vola già fuori dal suo appartamento come un proiettile.

Qui in “Il figlio maggiore” non sono gli eroi ad essere contrastati, ma i modi di vivere e gli elementi. Dove il giusto Kudimov perderà Nina, dove il vicino prudente se ne andrà tristemente dalla sua ipertensione, lì questo meraviglioso stile di vita unirà Busygin e Nina, costringerà il duro di cuore Makarskaya a guardare Vasenka con interesse - nobile ladro. In questo meraviglioso elemento dell'opera, vengono punite le azioni giuste: kefir, passeggiate prima di andare a letto e puntualità e, Dio non voglia, una memoria "fotografica" acuta può semplicemente cacciare una persona di casa.

Vampilov sta costruendo un mondo di idioti malvagi e idioti burocratici, sta costruendo un mondo di giochi divertenti, incidenti felici, cercando coloro che sono disposti nei loro confronti.

La vita ne “Il figlio maggiore” non si costruisce, ma emerge; la sua drammaturgia non è introdotta dall'esterno, ma nasce dentro di sé. I ragazzi che cercano di aspettare 5-6 ore sotto il tetto della casa di qualcun altro, fiduciosi di aver crudelmente ingannato chi li circonda, si ritrovano in un mondo che esiste in forme nervose e non verniciate di vita quotidiana, un mondo di miracoli quasi favolosi, un mondo riscaldato dalla cordialità e dalla cura reciproca. Gli eroi del mondo non contrassegnato e non dipinto delle strade principali, dei vetri lungo le strade e del disagio comunitario si ritrovano in un mondo suburbano completamente diverso. Molto più tardi sia della creazione dell'opera che del periodo di intenso interesse per essa, i critici scriveranno che questo mondo significa una sorta di posizione intermedia per Vampilov nel confronto tra prosa urbana e rurale.

Simbolica l’osservazione alla fine dell’opera: "Busygin, Nina, Vasenka, Sarafanov - tutti sono vicini, Manarskaya è di lato..." . L’osservazione di Makarska li unisce nella fratellanza umana: “A proposito, siete persone meravigliose” . A. Vampilov è riuscito, nel genere della commedia quotidiana, a creare “passioni” per la vicinanza spirituale delle persone, per la gentilezza e la comprensione reciproca.

Ogni successiva opera di Vampilov funge da argomento in una disputa sull'eroe contemporaneo. Gli eroi del dramma post-vampiro dimostrano costantemente le più svariate manifestazioni di questa malattia.

Per diversi decenni, la drammaturgia moderna ha cercato di superare i cliché consolidati e di avvicinarsi alla vita reale nel risolvere il problema dell’eroe.

La drammaturgia degli anni '80, secondo il critico teatrale B. Lyubimov, ha dipinto un certo ritratto di gruppo della “generazione intermedia” di “persone che non sono molto gentili, ma non molto malvagie, che sanno tutto sui principi, ma non tutte le principi di osservazione, non sciocchi senza speranza, ma non veramente intelligenti, lettori, ma non colti; sui genitori che si prendono cura ma non amano; provvedere ai figli, ma non amarli; quelli che fanno il lavoro, ma non lo amano; non credere in nulla, ma superstizioso; sognando che non ci sarebbe niente di meno in comune. E ancora di più..."

L'introspezione dolorosa, un complesso di colpa verso se stessi e i propri cari per il proprio "fallimento" è la cosa migliore di questi eroi "vibranti". La vergogna e la coscienza non hanno lasciato le loro anime.

Il dramma post-vampiliano esplora molte varianti del disagio spirituale degli eroi - spesso intellettuali, come conseguenza dell'atmosfera morale dei tempi stagnanti, in cui c'erano tutte le condizioni per il fiorire del conformismo, una "doppia vita", quando una persona il potenziale spirituale cominciò a svalutarsi e il talento e l'istruzione non erano sempre richiesti. Ma è difficile capire perché queste persone cedano così facilmente al cinismo, alla maleducazione e alla sobria logica quotidiana; perché questi romantici “sbiaditi” cercano di essere “rianimati” e messi da parte dai loro stessi antipodi-pragmatisti. Nella drammaturgia" nuova ondata“Questi antipodi sono anche ambigui: non sono peccatori o cattivi, ma persone pratiche che preferiscono l’azione alla riflessione, anche se non in nome di alti ideali.

Il gioco moderno sul tema della moralità è diventato insolitamente più duro nell'atmosfera della glasnost tra la fine degli anni '80 e l'inizio degli anni '90.

Per la prima volta, prostitute e tossicodipendenti, senzatetto e informali, criminali di tutti i tipi, da coloro che corrono tangenti a racket e assassini, hanno inondato lo schermo e il palco a tal punto che le critiche hanno giustamente sollevato preoccupazioni sul “realismo nero” e sullo “shock”. terapia." Il lungo silenzio su molti problemi della società adesso, in un'atmosfera di “libertà e apertura”, ha portato alla rottura della diga, gli scrittori hanno esaminato la vita ai margini, che era rovente nella sua bruttezza, e talvolta “la vita al margine”. limite."

IN dramma moderno Si scrive di più non tanto sulle malattie e sulle loro cause, ma sulle conseguenze, sui modi per sopravvivere “al limite”, per preservare l'umanità che c'è in una persona. Gentilezza di atteggiamento, umorismo salvifico, ironia nei confronti dei suoi eroi, persone normali, cercando di comprendere le assurdità della sua vita, si distingue per le opere di V. Gurkin ("Love and Doves", "Baikal Quadrille", "Crying in a Fistful"), S. Lobozerov ("Ritratto di famiglia con uno sconosciuto" , “I suoi diamanti e smeraldi”, “Ritratto di famiglia con banconote”), nuove opere di M. Roshchin, A. Kazantsev, le ultime opere di M. Varfolomeev. Sempre più spesso ricordiamo le recenti parole del nostro più antico drammaturgo V. Rozov, le parole che segue per tutta la vita nel suo lavoro: "L'arte è luce" E "Un vero drammaturgo deve essere gentile" . La critica ricorda agli scrittori moderni che è tempo di passare dallo sfatare l’eroe moderno a una sorta di programma positivo e costruttivo.

Lo sviluppo della drammaturgia moderna è invariabilmente accompagnato da ricerche estetiche attive relative alle categorie drammatiche tradizionali: genere, conflitto, sviluppo azione scenica, costruendo il dialogo, " linguaggio vocale» eroi e perfino varie forme"presenza dell'autore", che è completamente nuova.

È rappresentato da una vasta gamma di generi diversi, sia tradizionali che inventati dagli stessi drammaturghi. Qui troverai "l'opera del primo giorno", il "balletto al buio" e il "teatro virtuale", così come la "commedia omerica", "una sala da ridere per un pensionato solitario". Ora vengono scritte molte commedie diverse: dai vaudeville, alle farse, agli opuscoli alle tragicommedie “nere” (questo genere è particolarmente diffuso).

Non tutte le opere teatrali, soprattutto quelle dei giovani drammaturghi, hanno raggiunto immediatamente il pubblico. Tuttavia, sia in quel momento che in seguito, c'erano molte strutture creative che univano i drammaturghi. Dal 1982 è stato pubblicato l'almanacco “Dramaturgia Moderna”, in cui sono pubblicati testi drammaturgici scrittori moderni e materiali analitici. All'inizio degli anni '90, i drammaturghi di San Pietroburgo hanno creato la propria associazione, la Casa del drammaturgo. Nel 2002, l'Associazione Maschera d'Oro, il Teatro d'Arte di Mosca prende il nome. Chekhov, è stato organizzato il festival annuale “New Drama”. In queste associazioni, laboratori e concorsi si formò una nuova generazione di scrittori teatrali, che divenne famosa nel periodo post-sovietico: M. Ugarov, O. Ernev, E. Gremina, O. Shipenko, O. Mikhailova, I. Vyrypaev, O. e V. Presnyakov, K. Dragunskaya, O. Bogaev, N. Ptushkina, O. Mukhina, I. Okhlobystin, M. Kurochkin, V. Sigarev, A. Zinchuk, A. Obraztsov, I. Shprits.

Ognuno di loro ha la propria voce, le proprie preferenze estetiche, esperimenti nel campo della forma. La novità è sempre un segno della natura vivificante del processo, e il dramma moderno non si ferma, si sviluppa, va avanti attraverso il rinnovamento delle tradizioni e allo stesso tempo attraverso la fedeltà alle più importanti di esse. L'arte contemporanea gravita verso una comprensione filosofica del problema del secolo. In molti modi, questo ha accresciuto l'interesse per il genere del dramma intellettuale, la parabola gioca con una varietà di tecniche convenzionali. Vengono spesso utilizzate trame letterarie e leggendarie già note. ("La casa costruita velocemente" di Gr. Gorin, "Non gettare fuoco, Prometeo!" di M. Karim, "Madre di Gesù" di A. Volodin, "La settima fatica di Ercole" di M. Roshchin) ; retrospettive storiche (“Lunin, o la morte di Jacques”, “Conversazioni con Socrate” di E. Radzinsky, “La caccia reale” di L. Zorin). Queste forme ci permettono di porre problemi eterni nei quali sono coinvolti i nostri contemporanei. Gli autori sono interessati al Bene e al Male, alla Vita e alla Morte, alla guerra e alla pace, allo scopo dell'uomo in questo mondo.

I linguaggi teatrali e drammatici sono stati aggiornati in modo particolarmente attivo negli anni '90. Le tendenze d'avanguardia, il postmodernismo, l'arte “alternativa”, “altra”, la cui linea si è conclusa negli anni '20, sono diventate rilevanti. Dalla metà degli anni '80, l'underground teatrale non solo è emerso in superficie, ma è addirittura diventato paritario teatro ufficiale. Le opere teatrali di oggi sono più “avanguardiste” e “assurde” nel contenuto che nella forma artistica. Nella storia del dramma russo non c’è mai stato un movimento così originale come il “dramma assurdo”. Giochi moderni Questo tipo di spettacolo è chiamato spettacolo con elementi di assurdismo, in cui tutta l'assurdità dell'esistenza umana viene catturata in modo vivido e artistico. Uno degli aspetti più caratteristici del moderno teatro d'avanguardia è la percezione del mondo come una casa per i pazzi, una “vita stupida”, dove i legami ordinari sono interrotti, le azioni sono tragicomicamente identiche e le situazioni sono fantasmagoriche. La nostra realtà è popolata da persone fantasma, “deficienti”, lupi mannari. Un esempio di ciò sono le immagini grottesche nelle commedie “Wonderful Woman” di I. Sadur e “Walpurgis Night, or the Commander’s Steps” del Ven. Erofeeva. L'opera teatrale "Dreams of Evgenia" di A. Karantsev è basata sui sogni come la disgustosa quintessenza della realtà assurda. A volte una piccola “pressione grottesca” trasforma la nostra “realtà realistica” in qualcosa di assurdo. Una chiara conferma di ciò sono le opere ironiche e grottesche “Tribunal” di V. Voinovich, “Gatto domestico di media morbidezza” di Gr. Gorin e V. Voinovich, “Insegnante russo” di A. Buravsky. I drammaturghi moderni rendono volentieri l'ambientazione dei loro personaggi una discarica ("And There Was a Day" di A. Dudarov), un obitorio ("...Sorry" di A. Galin), un cimitero ("Askold's Grave" di A. Zheleztsov), una prigione ("Data" ed "Esecuzione" di L. Petrushevskaya), un reparto di ospedale psichiatrico ("La notte di Valpurga o i passi del comandante" del Ven. Erofeev).

La “New Wave” di giovani drammaturghi contemporanei, come N. Kolyada, A. Shchipenko, M. Arbatova, M. Ugarov, A. Zheleztsov, O. Mukhina, E. Gremina e altri, esprime una nuova visione del mondo. Le loro opere teatrali fanno provare dolore per la “sgradevolezza dell’autenticità”. Allo stesso tempo, gli autori non stigmatizzano tanto le tragiche circostanze che sfigurano una persona, ma piuttosto scrutano la sua sofferenza, facendola pensare “al limite” alla possibilità di raddrizzarsi e sopravvivere in condizioni spesso terribili.

Le parole del critico E. Sokolyansky, rivolte ai momenti “assurdi” della drammaturgia moderna, sembrano giuste: “Sembra che l’unica cosa che uno scrittore drammatico possa trasmettere nelle condizioni attuali sia una certa follia del momento. Cioè la sensazione di una svolta storica con il trionfo del caos”.

Il dramma e il teatro moderni sono stati i primi di tutte le arti non solo a riflettere i cambiamenti avvenuti nella vita della nostra società all'inizio del secolo, ma hanno anche svolto un ruolo significativo nella loro attuazione. Tuttavia, i critici notano che oggi in Russia si è sviluppata una situazione paradossale: il teatro moderno e il dramma moderno esistono, per così dire, in parallelo, in un certo isolamento l'uno dall'altro. Le missioni del regista di più alto profilo inizio del XXI secoli sono associati alla produzione drammi classici. La drammaturgia moderna conduce i suoi esperimenti più “sulla carta” e nello spazio virtuale di Internet.

Consideriamo le principali tendenze nello sviluppo del dramma domestico negli anni '50 e '90.

Anni '50-'60

Negli anni Cinquanta e Sessanta la gamma di generi drammaturgici si diversificò notevolmente. Sono in fase di sviluppo commedie, drammi socio-psicologici e storico-documentari. In misura maggiore che per la prosa e la poesia, si intensifica l'interesse per il giovane contemporaneo, per la vita reale nelle sue contraddizioni più acute.
Particolarmente apprezzate erano le opere sociali e psicologiche di V. Rozov, come “Good Hour!”. (1954) e Alla ricerca della gioia (1956). "Buongiorno!" ed è attualmente in fase di allestimento palcoscenico teatrale.

La drammaturgia attirava sempre più l'attenzione sui problemi quotidiani persone normali. Esplorando la psicologia delle relazioni umane, i drammaturghi collocano i personaggi in circostanze di vita riconoscibili. I drammi di A. Volodin ed E. Radzinsky sono dedicati all'amore.

Passando al tema della guerra, i drammaturghi degli anni Cinquanta e Sessanta si allontanarono dal giornalismo; consideravano problemi come dovere e coscienza, eroismo e tradimento, onore e disonore attraverso il prisma dei valori morali. Uno di migliori giocate Il repertorio di quegli anni era l'opera teatrale di A. Salynsky "Drummer" (1958).

Dramma del periodo del disgelo

Durante il periodo del "disgelo", l'arte teatrale si è sviluppata in stretta collaborazione con la poesia. Sul palco del Taganka Drama and Comedy Theatre sono state eseguite rappresentazioni poetiche, la cui base drammatica erano le poesie dei classici V. Mayakovsky e S. Yesenin e le opere dei contemporanei - A. Voznesensky ed E. Yevtushenko. Il teatro sotto la direzione di Yu. Lyubimov gravitava verso forme espressive di immagini, e grazie al leggermente aperto in quel momento " Cortina di ferro» la cultura artistica del paese è in parte in contatto con l'Europa occidentale e Arte americana. In particolare, la direzione di Y. Lyubimov è stata influenzata dalla creatività e dai concetti teorici di B. Brecht.

Il lavoro di M. Shatrov, che ha mostrato l'immagine di Lenin da una prospettiva insolita, è associato al “disgelo”. Nella drammaturgia politica storico-documentaria di Shatrov ricerca analitica Quello che viene svelato è un fatto documentario e non un mito sul leader creato da ideologi politici. La sua opera di maggior successo del periodo del disgelo è "The Sixth of July" (prima edizione - 1964, seconda - 1973). In esso il drammaturgo esplora il problema del rapporto tra un obiettivo, anche elevato, e i mezzi per raggiungerlo. M. Shatrov si rivolse all'immagine di Lenin nei decenni successivi. Lui stesso ha determinato originalità del genere delle sue opere come “dramma pubblicistico” e “tragedia pubblicistica”. Ci sono tutte le ragioni per questo: il giornalismo aperto è inerente a opere altamente controverse di M. Shatrov degli anni '70 e '80 come "Blue Horses on Red Grass" (1977) e "So Let's Whiten It!" (1981).

Drammaturgia alla fine degli anni '60 -'80.

La fine del “disgelo” richiedeva altri eroi e un’adeguata valutazione della realtà e dello stato morale della società, che era lontano dal presunto ideale. Alla fine degli anni '60 si verificò un declino nello sviluppo del dramma. Ovviamente, questo fu il motivo dell'appello attivo dei teatri negli anni '70 alle opere degli scrittori di prosa nazionali F. Abramov, V. Tendryakov, Yu. Bondarev, V. Bykov, B. Vasiliev, D. Granin, V. Rasputin, Yu.Trifonov, B. Mozhaeva, V. Shukshina, Ch. Aitmatova.

Negli stessi anni '70 iniziano le ricerche sui problemi più urgenti dell'economia socio-economica. morale e natura psicologica era impegnato in una produzione incentrata sul giornalismo. o sociologico, dramma di I. Dvoretsky, G. Bokarev, A. Grebnev, V. Chernykh, ecc. Particolarmente popolari erano le opere di "produzione" di A. Gelman.

Nel tempo è cambiato anche il tono del dramma sociale, quotidiano e socio-psicologico. V. Rozov, A. Volodin, A. Arbuzov. A. Vampilov e altri autori hanno cercato di comprendere le ragioni della crisi morale della società, i cambiamenti in atto mondo interiore una persona che vive secondo le leggi della doppia moralità del “tempo stagnante”.

La svolta nella drammaturgia di V. Rozov si è riflessa nell'opera teatrale "Traditional Gathering" (1966), dedicata al tema del riassunto dei risultati della vita, che contrasta con le aspirazioni romantiche degli eroi dei suoi drammi degli anni '50. Nelle opere teatrali degli anni '70 e '80, "Il nido del gallo cedrone" (1978), "Il maestro" (1982), "Il cinghiale" (1987) e altre, Rozov si è rivolto al tema della graduale distruzione di un ambiente inizialmente promettente personalità. Valori umani divenne oggetto di comprensione nelle opere di L. Volodin ed E. Radzinsky. Entrambi gli autori hanno utilizzato forme di parabole allo scopo di comprendere filosoficamente situazioni, problemi e personaggi senza tempo.

Le commedie di A. Arbuzov degli anni '70 e '80 sono dedicate al problema del degrado interno di una personalità apparentemente di successo. Il pathos della negazione dei “giochi crudeli” in cui sono coinvolti sia adulti che bambini, privati ​​del loro tempo amore dei genitori, ha notato i suoi drammi dedicati al tema della responsabilità reciproca delle persone per ciò che accade loro. Il drammaturgo ha creato il ciclo "Dramatic Opus", che comprende tre drammi: "Evening Light" (1974), "Cruel Intentions" (1978) e "Memoirs" (1980).

L'infantilismo mentale e spirituale di un contemporaneo è il tema chiave della drammaturgia di A. Vampilov, apparsa sul palcoscenico teatrale negli anni '70. Nelle parole del critico L. Anninsky, il drammaturgo ha creato un tipo di eroe “morale medio”, il cui carattere dipende così tanto dalle circostanze proposte che è impossibile capire cosa sia veramente. Questo è l'eroe dell'opera teatrale di Vampilov "Duck Hunt" (1970), Viktor Zilov. Il nome di A. Vampilov è associato al rafforzamento del ruolo del simbolismo e del grottesco nel dramma russo.

Drammaturgia degli anni '80 -'90

La scoperta dell'eroe “senza eroe” A. Vampilov è percepita come una pietra miliare nello sviluppo del dramma russo nella seconda metà del XX secolo. Il lavoro degli autori della “nuova ondata” che arrivarono al dramma alla fine degli anni ’80 e adottarono l’esperienza di Vampilov fu chiamato “dramma post-Vampilov”.
Questo concetto di drammaturgia unisce il lavoro dei drammaturghi L. Petrushevskaya, V. Arro, V. Slavkin,

A. Galina, L. Razumovskaya e altri, diversi nello stile, ma uniti dal pathos nell'affrontare la negatività che si è accumulata nella vita quotidiana e privata di persone che hanno perso dal campo dei valori il concetto di casa, la cui immagine per molto tempo era fondamentale nella letteratura russa. Così, il “teatro post-vampiro” lo ha dichiarato a gran voce personalità umana non può essere ridotto ad una sola funzione socio-professionale. E un atteggiamento sprezzante nei confronti dei problemi personali quotidiani e familiari è in definitiva irto di gravi vizi morali.

Durante gli anni della perestrojka, a cavallo tra gli anni Ottanta e Novanta, il giornalismo artistico del dramma “sociologico” lasciò il posto al giornalismo vero e proprio, e opere drammatiche furono sostituiti da drammatizzazioni della letteratura di memorie. Nelle produzioni di opere di V. Shalamov, E. Ginzburg, A. Solzhenitsyn, il tema del totalitarismo è stato esplorato in chiave psicologica. Utilizzando lo stesso materiale alla fine degli anni '80, A. Kazantsev scrisse la drammatica distopia "Grande Buddha, aiutali!" (1988), la cui azione si svolge nella "Comune esemplare delle Grandi Idee". Il drammaturgo esamina il tema di un regime totalitario in termini di problema dell'individuo e dello Stato.

Nella drammaturgia russa della seconda metà del XX secolo il sentimento postmodernista non si manifestò così presto come in altre nascite letterarie. Ciò è dovuto non da ultimo al fatto che il teatro come fenomeno pubblico era principalmente sotto la stretta attenzione della censura.

Il modo più chiaramente postmoderno di comprendere la realtà si è manifestato nell'opera incompiuta di Wen. Erofeev "La notte di Valpurga, o i passi del comandante!" (1985). Il contenuto dell'opera si basa sul confronto tra la vita e un manicomio: il ragionevole in questa vita risulta essere anormale e l'anormale risulta essere ragionevole. Così nel dramma postmoderno “La Notte di Valpurga...” c’è una chiara assenza di conflitto espresso, la trama è frammentata, il sistema dei personaggi è privo di gerarchia, i confini di genere e genere sono sfumati.

I drammi postmoderni sono associati alle tradizioni del teatro dell'assurdo ultimo decennio XX secolo N. Sadur, D. Lipskerova e altri. Le idee della coscienza postmoderna sul mondo e sull'uomo sono espresse nel dramma moderno con mezzi come l'assenza di relazioni causa-effetto, l'interdipendenza di personaggi e circostanze, la mancanza di trama , deformazioni spazio-temporali, isolamento e alienazione dei personaggi.

Negli anni Novanta, invece, è emersa una tendenza opposta nello sviluppo del dramma domestico. Nelle opere di M. Ugarov, E. Gremina, O. Mikhailov e altri, domina un pathos nostalgicamente luminoso per un passato lontano e idilliacamente bello. I drammaturghi creano un'immagine poeticamente sublime della vita di personaggi il cui discorso è standardizzato letterariamente e pieno di citazioni dalle commedie di Cechov. Questo crea l'effetto di epoche diverse che si riflettono a vicenda, il che almeno è avvenuto doppio senso. O i drammaturghi vogliono sottolineare che l'armonia desiderata è raggiungibile solo nella realtà artistica, oppure ci ricordano il "suono di una corda che si spezza", che, secondo le parole di Cechov Firs, prefigura la "sventura" da "volontà".

Materiali librari utilizzati: Letteratura: libro di testo. per studenti media prof. manuale istituzioni / ed. G.A. Obernikina. M.: "Accademia", 2010

Rafforzamento del totalitarismo, isolamento dei prigionieri di guerra di ieri, deportazione regioni orientali alcuni popoli accusati di “tradimento collettivo”, di arresto e deportazione di invalidi di guerra in zone remote “Gli otto anni terribili furono lunghi. Due volte più lungo della guerra. A lungo, perché nella paura le finzioni e la falsa fede si staccavano dall'anima; l'illuminazione arrivò lentamente. Sì, ed era difficile indovinare che stavi riacquistando la vista, perché gli occhi che hanno riacquistato la vista vedevano la stessa oscurità dei ciechi” (D. Samoilov)

“Zhdanovshchina” 14 agosto 1946 Risoluzione del Comitato Centrale del Partito Comunista All-Unionista dei Bolscevichi su questioni di letteratura e arte “Sulle riviste “Zvezda” e “Leningrado”. “I volgari e la feccia della letteratura” di Zoshchenko e Akhmatov. 4 settembre 1946. “Sulla mancanza di idee nel cinema.” Febbraio 1948. "Sulle tendenze decadenti in Musica sovietica" anno. La lotta al cosmopolitismo. 13 gennaio 1953 “Divulgazione” della “cospirazione di medici assassini”. MM. Zoshchenko

Presentazione per la lezione di N.Yu. Shurygina 7 "La teoria dell'assenza di conflitti" "Nella società sovietica non ci sono motivi per la nascita di conflitti antagonisti, c'è solo un conflitto tra il bene e il meglio." “Questi libri viscosi sono tristemente identici! Hanno personaggi, temi, inizi e finali stereotipati. Non libri, ma gemelli: basta leggerne uno o due per conoscere l'aspetto del terzo” (V. Pomerantsev “Sulla sincerità della letteratura, 1953)

Saggio riflessivo in prosa 1952. V. Ovechkin "Vita quotidiana del distretto". Una serie di 5 saggi. Fatti della vita reale delle persone dell'entroterra, la situazione dei contadini delle fattorie collettive (giorni lavorativi, mancanza di passaporti). L’immagine del funzionario burocrate sovietico Borzov è in contrasto con l’immagine dello “spirituale” Martynov. L'ex manager volitivo e il nuovo dirigente d'azienda indipendente. V. Tendryakov “La caduta di Ivan Chuprov”. Il presidente della fattoria colcosiana inganna lo Stato a vantaggio della sua fattoria colcosiana. Degenerazione morale di una persona che usa egoisticamente la sua posizione nella società. G. Troepolsky "Appunti di un agronomo". Una serie di storie satiriche sul villaggio. Basato sulla storia di V. Tendryakov “Non a casa” “La vita quotidiana di un villaggio del dopoguerra”

Romanzi sui giovani 1953. V. Panova “Le stagioni”. Il tema dei “padri” e dei “figli”. L'immagine di Gennady Kupriyanov è un tipo di giovane moderno, indifferente, scettico, ironico, generato dalle condizioni sociali. Il tema della degenerazione della corrotta nomenklatura sovietica (il destino di Stepan Bortashevich) è anno. I. Ehrenburg “Disgelo”. Un disgelo pubblico (il ritorno dei detenuti, l’opportunità di parlare apertamente dell’Occidente, non essere d’accordo con l’opinione della maggioranza) e personale (essere onesti sia in pubblico che davanti alla propria coscienza). Il problema di scegliere tra verità e menzogna. Il diritto dell’artista alla libertà creativa e alla sua indipendenza dalle esigenze dell’ideologia e dal beneficio immediato dello Stato. La storia della persona “media”, la profondità unica delle sue esperienze, l'esclusività mondo spirituale, il significato dell’esistenza “singola”.

1954 Secondo Congresso di tutta l'Unione scrittori Discussioni sulle pagine " Giornale letterario": – Domanda sul carattere dell'eroe della letteratura – Domanda sul testo dell'anno. La pubblicazione di riviste di grosso spessore: “Amicizia dei Popoli”, “ Letteratura straniera", Anni "Neva" - "Giovane Guardia", "Domande di letteratura", ecc. " Popolo sovietico vuole vedere nei suoi scrittori combattenti appassionati, che intervengono attivamente nella vita, aiutando le persone a costruire una nuova società. La nostra letteratura è chiamata non solo a riflettere il nuovo, ma anche ad aiutare in ogni modo possibile alla sua vittoria”.

Cinematografia Al centro c'è il destino umano. 1964 1957 1956 1961.

Vita teatrale 1956. Il Teatro Sovremennik è stato fondato da un gruppo di giovani attori. (La prima rappresentazione basata sull'opera di Rozov “Forever Living” (diretta da O. Efremov). associazione creativa gruppi di persone che la pensano allo stesso modo e sono riusciti a difendersi come parte integrante gruppo artistico anno. Fu fondato il Teatro Taganka (la prima rappresentazione fu l'opera di B. Brecht “The Good Man from Szechwan” (dir. Yu. Lyubimov). L'elemento libero del gioco, il coraggio delle rappresentazioni quadrate, le tradizioni rianimate di Vakhtangov e Meyerhold, la padronanza degli attori dell'intera tavolozza delle arti

"L'opinione popolare" 1957. La persecuzione di B. Pasternak per un anno. "Drone quasi letterario" I. Brodsky è stato arrestato per un anno. A. Sinyavsyakiy e Y. Daniel furono arrestati per “agitazione e propaganda antisovietica” (pubblicazione di opere satiriche all'estero) nel 1970. premio Nobel Solzenicyn ha un anno. Privazione della cittadinanza sovietica per un anno. La sconfitta del “Nuovo Mondo” “Lettere dei lavoratori” - messaggi di rabbia da parte dei lavoratori, ecc. “L'opinione del popolo” era impossibile da contestare. Forme extragiudiziali di ritorsione: le persone venivano collocate con la forza in speciali ospedali psichiatrici

Prosa 1956. V. Dudintsev. Romanzo “Non di solo pane” P. Nilin “Crudeltà” 1957. S. Antonov. "È successo a Penkov" 2005. S. Govorukhin 1957. Stanislav Rostotskij

1964 S. Zalygin “Sull'Irtysh”. La collettivizzazione degli anni '30 in un villaggio siberiano è la tragedia della morte di uno stile di vita contadino secolare con profonde tradizioni culturali. V. Belov “Affari come al solito”. La vita mostruosamente ingiusta di un contadino collettivo di Vologda e di sua moglie. “Lo spazio contadino” è pieno di poesia, amore e saggezza. Prosa di villaggio degli anni '52. V. Ovechkin Anno “Vita quotidiana del distretto”. A. Yashin. La storia "Leve". Leader delle fattorie collettive prima, durante e dopo la riunione del partito. Le persone normali si trasformano in leve del potere. "Gli abitanti del villaggio" 1970. V. Rasputin. "Scadenza". Morte vecchia del villaggio Anna: una transizione calma e consapevole dall'esistenza terrena a un'altra vita. Problemi di vita e di morte.

1946 V. Nekrasov “Nelle trincee di Stalingrado”. La guerra viene mostrata attraverso la vita di tutti i giorni soldati comuni. La vittoria nella guerra non fu ottenuta dai generali e dai marescialli, ma dal popolo. Verità “di trincea” sulla guerra “Prosa del tenente” 1959. G. Baklanov “Un pollice di terra” e altri. Y. Bondarev “I battaglioni chiedono il fuoco” e altri. A Vorobiev. La storia "Ucciso vicino a Mosca" e altri. B. Vasiliev. "E le albe qui sono tranquille", ecc. Il destino di una persona in condizioni disumane. Il vero volto della guerra, l’essenza del “duro lavoro” del soldato, il costo delle perdite e l’abitudine stessa alle perdite: questo è ciò che è diventato oggetto di riflessione per gli eroi e i loro autori.

“Prosa giovanile” “Guardo lì, guardo, e la mia testa comincia a girare, e tutto, tutto, tutto quello che è successo nella vita e cosa succederà di nuovo, tutto comincia a girare, e non capisco più se sono io a mentire sul davanzale della finestra o no." E le vere stelle, piene del significato più alto, volteggiano e volteggiano sopra di me." A. Gladilin “Cronaca dei tempi di Viktor Podgursky” 1957. A. Kuznetsov “Continuazione della leggenda”. Orientarsi nei “cantieri del secolo” e dentro vita privata anno. V. Aksyonov “Biglietto stellare”. Laureati spensierati di una scuola di Mosca, vestiti alla moda occidentale, amanti del jazz, non vogliono sedersi nello stesso posto. Una generazione di romantici il cui motto è “Verso le stelle!” 1962 Film di A. Zarkhi “Mio fratello minore” Fenomeno a breve termine. Ha arricchito stilisticamente la letteratura degli anni '90. Monologhi confessionali, gergo giovanile, stile telegrafico.

Genere della storia di Yu.P. Kazakov V.M. Shukshin ()

Vasily Makarovich Shukshin Generi di storie: storia-destino ("La caccia alla vita") storia-personaggio ("Cut off", "Resentment", "Crank") storia-confessione ("Raskas") storia-aneddoto "Shukshinsky Hero" - strambo: melodiosità, sfortuna, timidezza, altruismo, sincerità

Anni di “prosa camp”. VT Shalamov scrive “Kolyma Stories” (pubblicato a Londra, 1988). Yu.O. Dombrovsyakiy scrive “La Facoltà delle cose inutili” (pubblicato in Francia), 1962. A.I. Solzhenitsyn “Un giorno nella vita di Ivan Denisovich” (pubblicato nel 1962) Varlam Tikhonovich Shalamov (anno) Yuri Osipovich Dombrovsyakiy () “Ogni cittadino di tutti i duecento milioni di cittadini dell'Unione Sovietica deve leggere e memorizzare questa storia Unione" (A.A. Akhmatova)

“L'età del bronzo” Yevtushenko, Voznesensky, Rozhdestvensky Akhmadulina Okudzhava Sokolov V. Kunyaev S. Gorbovsyakiy G. Rubtsov N. Zhigulin A. Narovchatov S. Slutsky B. Drunina Yu. Samoilov D. Levitansky Testi pop Testi tranquilli Testi in prima linea The Thaw è il periodo di massimo splendore della poesia in letteratura

Dramma, lirismo, maggiore soggettività, caratteristico della letteratura disgelo, genere del melodramma Afinogenov A. “Mashenka” Arbuzov A. “Tanya” Leonov L. “Ordinary Man” Rozov V. Zorin L. Volodin A. Aleshin S. Radzinsky E. Roshchin M. vita di ogni giorno le persone (poesia sottile e delicata), le loro preoccupazioni quotidiane (dramma acuto)

1954 "Buongiorno!" 1957 "Alla ricerca della gioia" 1957. “Forever Alive” I “Rozov Boys” fanno una scelta tra gli standard accettati e la propria individualità, resistono attivamente allo standard e cercano il proprio sistema di coordinate. Il pathos lirico delle opere teatrali è una fusione di compassione, umorismo, lacrime e sorrisi, ironia e pathos. Rozov Viktor Sergeevich ()

"Cinque sere" 1966. "Sorella maggiore" "Non separarti dai tuoi cari" Alexander Volodin Gli eroi delle opere di Volodin sono intellettuali: indifesi, vulnerabili, preferiscono soffrire se stessi piuttosto che causare dolore ai propri cari, quindi hanno particolarmente bisogno di simpatia e comprensione. () 1963. "Tanya" 1964. “Il mio povero Marat” La voce dell’autore come voce di una generazione. Un giovane eroe, sicuro di sé, che entra nella vita e spera di ricostruirla. Alexey Arbuzov vive alla ricerca della felicità ()

Alexander Valentinovich Vampilov () 1967. "Figlio maggiore" 1967. “Duck Hunt” ha rivoluzionato sia il dramma russo che il teatro russo.

Fonti del teatro Vampilov: il melodramma del teatro dell'esistenzialismo degli anni '60 che ripensa il ruolo della loro generazione: i “ragazzi delle stelle” sono presentati come “ generazione persa» trattato come un esperimento paradossale volto a testare la questione principale del suo lavoro: COS'È LA LIBERTÀ? "situazione di soglia" (è sulla "soglia" che viene rivelato il vero prezzo e il significato della libertà) Storie aneddotiche del folclore urbano moderno - un'atmosfera di recitazione comicamente assurda

Mikhail Mikhailovich Roshchin () 1967. "Vecchio Capodanno»1970. "Valentino e Valentina" e altri.