Quando si parla di artisti che hanno lavorato per “far rivivere” poemi epici, fiabe e leggende, Vasnetsov è uno dei primi a venire in mente. Una biografia per bambini inizierà tradizionalmente con la nascita di un maestro di talento e la sua infanzia.

Com'è stata l'infanzia del futuro artista?

E Viktor Mikhailovich è nato il 15 maggio 1848 in un villaggio chiamato Lopyal, vicino a Vyatka. Suo padre, Mikhail Vasilyevich, era un prete locale. Dopo la nascita di suo figlio, fu costretto a trasferirsi in un altro posto: il villaggio di Ryabovo. La madre del futuro artista, Apollinaria Ivanovna, allevò sei figli (il secondo fu lo stesso Victor).

La vita della famiglia Vasnetsov non può essere definita particolarmente ricca. Nella loro casa c'erano allo stesso tempo usanze e modi di vita caratteristici sia della vita rurale che di quella urbana. Dopo la morte di sua moglie, il padre della famiglia, Mikhail Vasnetsov, rimase al comando. Continua la biografia per bambini, che racconta i momenti principali della vita del futuro artista. Mikhail Vasilyevich era una persona intelligente e ben istruita, quindi ha cercato di instillare in tutti i suoi figli curiosità, osservazione e dare loro la conoscenza in una varietà di campi. Ma mia nonna ha insegnato ai bambini a disegnare. Nonostante la povertà, gli adulti trovavano sempre i soldi per acquistare interessanti riviste scientifiche, colori, pennelli e altri materiali per la creatività e lo studio. Viktor Vasnetsov, già da bambino, ha mostrato una straordinaria propensione al disegno: i suoi primi schizzi contengono pittoreschi paesaggi di villaggi, nonché scene di vita rurale.

Viktor Vasnetsov percepiva gli altri residenti del villaggio come suoi buoni amici e ascoltava con piacere le fiabe e le canzoni che raccontavano durante le riunioni in penombra e con il crepitio di una scheggia.

Vasnetsov non poteva immaginare la sua vita senza disegnare fin dalla tenera età

Vasnetsov Viktor Mikhailovich, la cui biografia è l'argomento della nostra conversazione oggi, ha iniziato a disegnare molto presto. Ma a quei tempi era consuetudine che il figlio seguisse le orme del padre, quindi andò prima a studiare in una scuola teologica e poi in un seminario a Vyatka. Come seminarista, Vasnetsov studiava costantemente cronache, vite di santi, cronografi e vari documenti. E l'antica letteratura russa ha attirato un'attenzione speciale: ha ulteriormente rafforzato l'amore per l'antichità russa, per la quale Vasnetsov si era già distinto. Una biografia per bambini dedicata a questo straordinario artista dovrebbe anche menzionare che fu in seminario che Vasnetsov ricevette una profonda conoscenza nel campo del simbolismo ortodosso, che in seguito tornò utile mentre lavorava su

Studiare in seminario non ha impedito a Viktor Mikhailovich di studiare diligentemente la pittura. Nel 1866-1867 Dalla sua mano uscirono 75 meravigliosi disegni, che alla fine servirono da illustrazioni per la "Raccolta di proverbi russi" di N. Trapitsin.

Vasnetsov rimase molto colpito dalla sua conoscenza con E. Andrioli, un artista polacco in esilio. Andrioli racconta al suo giovane amico dell'Accademia delle Arti di San Pietroburgo. Vasnetsov divenne immediatamente ansioso di iscriversi lì. Il padre dell’artista non si è opposto, ma ha subito avvertito che non avrebbe potuto aiutare finanziariamente.

Inizio della vita indipendente a San Pietroburgo

Tuttavia, Vasnetsov non è rimasto senza supporto. Andrioli e il suo amico vescovo Adam Krasinsky hanno parlato con il governatore Kampaneyshchikov, e lui li ha aiutati a vendere i dipinti “La lattaia” e “Il mietitore”, dipinti da Vasnetsov. Una biografia per bambini dovrebbe includere molti punti più interessanti relativi a questo. Vasnetsov ha ricevuto 60 rubli per i dipinti venduti e con questa somma è andato a San Pietroburgo. La modestia e l’incertezza del giovane non gli permettevano nemmeno di guardare l’elenco degli iscritti all’Accademia dopo aver superato gli esami. Viktor, tramite i suoi amici, è riuscito a trovare lavoro come disegnatore per guadagnarsi da vivere. Più tardi, Vasnetsov trova qualcosa che gli piace e inizia a disegnare illustrazioni per riviste e libri. Poi entrò nella scuola della Società per l'incoraggiamento degli artisti, dove incontrò I. Kramskoy, che doveva ancora svolgere un ruolo importante nella vita del giovane artista.

Gli studi all'Accademia delle Arti e la vita futura dell'artista

Nel 1868 Vasnetsov tentò nuovamente di entrare all'Accademia di San Pietroburgo. E scopre che l'ultima volta è comunque riuscito a superare con successo gli esami.

Il periodo trascorso all'Accademia ha dato a Viktor Mikhailovich molte nuove conoscenze interessanti. Qui si avvicina e inizia ad essere amico di Repin, Polenov, Kuindzhi, Surikov, Maximov, i fratelli Prakhov, Antokolsky, Chistyakov.

Già durante il primo anno di studio, Vasnetsov ricevette una medaglia d'argento, e poi altre due piccole medaglie per uno schizzo dal vero e il disegno "Due modelli nudi". Due anni dopo, gli insegnanti lo premiarono per il disegno “Cristo e Pilato davanti al popolo”, questa volta con una grande medaglia d'argento.

Questo periodo è diventato molto difficile per Vasnetsov. Nel 1870, il padre dell'artista morì e iniziò a prendersi cura dello zio materno, che sogna anche lui la gloria di un artista di talento e cerca un'opportunità per guadagnare denaro. A partire dal 1871 Vasnetsov apparve sempre meno all'accademia, principalmente a causa della mancanza di tempo e del peggioramento della salute. Tuttavia, ha continuato a lavorare fruttuosamente: durante questo periodo ha completato più di 200 illustrazioni per "L'ABC del soldato", "L'ABC del popolo", "L'ABC russo per bambini" (Vodovozov). L'artista illustra le fiabe “L'uccello di fuoco”, “Il cavallino gobbo” e alcune altre. Vasnetsov riesce a disegnare da solo: di regola si trattava di disegni su argomenti quotidiani.

Il 1875 fu l'anno dei drammatici cambiamenti nella vita di Viktor Mikhailovich. Lascia l'accademia perché per lui la necessità di guadagnare denaro viene prima di tutto e anche perché vuole sviluppare autonomamente il suo talento. Il suo dipinto “Tea Party in a Tavern” appare alla mostra degli Itinerants, è in fase di completamento anche il lavoro su “Beggar Singers”. Nel 1876 presentò i dipinti “Book Shop” e “Di appartamento in appartamento”.

Nello stesso anno Vasnetsov ha avuto l'opportunità di visitare Parigi. La visita in Francia colpisce l’immaginazione dell’artista, e sotto la sua impressione scrive i famosi “Balagan nei dintorni di Parigi” (1877).

Un anno dopo, l'artista torna in patria, si sposa con Alexandra Ryazantseva e si trasferisce con la sua nuova moglie a Mosca.

Dipingere la Cattedrale di Vladimir a Kiev è l’opera più importante nella vita di Vasnetsov

Nel 1885 A. Prakhov invita Vasnetsov a partecipare al dipinto dell'edificio recentemente eretto e, dopo averci pensato un po', l'artista è d'accordo. Aveva già acquisito un'esperienza minima lavorando sulla Chiesa del Salvatore di Abramtsevo e su tele epiche. Essendo una persona profondamente religiosa, è nella pittura delle chiese che Vasnetsov inizia a vedere la sua vera vocazione.

Vasnetsov ha lavorato al dipinto nella Cattedrale di Vladimir per più di dieci (!) anni. Dopotutto, gli fu commissionato di dipingere sia la navata principale che l'abside. L'artista ha abilmente raffigurato scene importanti dei santi nuovi e russi e ha nobilitato le volte con l'aiuto di straordinari ornamenti. Nella storia dell'arte di tutto l'Ottocento la portata delle opere realizzate non ha eguali. Dopotutto, durante questo periodo, Viktor Mikhailovich ha creato oltre quattrocento schizzi e l'area totale del dipinto occupa più di 2mila metri quadrati. M.!

Il lavoro è stato interessante, ma anche molto difficile. Dopotutto, V.M. Vasnetsov, la cui biografia è l'argomento della nostra conversazione, ha studiato attentamente l'argomento con cui ha dovuto lavorare. A questo scopo conobbe i monumenti del primo cristianesimo conservati in Italia, gli affreschi e i mosaici che esistevano nella cattedrale di Santa Sofia di Kiev e i dipinti dei monasteri di San Michele e San Cirillo. Vasnetsov ha prestato molta attenzione anche allo studio delle aree artistiche correlate: arte popolare, miniature di libri antichi russi. In molti modi, quando lavorava, era guidato da Mosca, inoltre Vasnetsov controllava sempre se il suo lavoro fosse sufficientemente coerente con lo spirito della Chiesa. L'artista fu costretto a scartare molti schizzi perché lui stesso considerava le sue opere insufficientemente ecclesiastiche, o perché il Consiglio della Chiesa non dava loro il consenso.

Lo stesso Vasnetsov credeva che il suo lavoro nella cattedrale fosse il suo personale “percorso verso la luce”, verso la comprensione di grandi valori. A volte era molto difficile per lui perché non poteva rappresentare questa o quella trama esattamente come la vedeva nei suoi pensieri.

Una delle immagini più amate era la Madre di Dio Vasnetsova, raffigurata per la prima volta “con calore, coraggio e sincerità”. In molte case russe della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo. se ne potrebbero trovare delle riproduzioni.

I lavori furono terminati nel 1896, e la cattedrale venne solennemente consacrata alla presenza della famiglia dello Zar. Il dipinto di Vasnetsov ebbe un enorme successo e già nello stesso anno l'artista ricevette molte proposte da tutte le parti per la progettazione di San Pietroburgo, Varsavia, Darmstadt e altre chiese. L’apice della creatività di Vasnetsov come decoratore monumentale fu la sua tela “Il Giudizio Universale”.

Vasnetsov è uno sperimentatore che unisce tradizioni secolari e forza viva nel suo lavoro

Mentre dipinge la Cattedrale di Kiev, Vasnetsov non smette di lavorare in altri generi nel tempo libero. In particolare, in questo periodo ha creato un intero ciclo di dipinti storici ed epici.

Viktor Mikhailovich ha dedicato del tempo alla creazione di scene teatrali.

Nel 1875-1883. Vasnetsov fu incaricato di dipingere per lui un dipinto atipico, “L’età della pietra”, che avrebbe dovuto decorare il Museo storico di Mosca di prossima apertura.

Ma l’artista lavorò per diversi decenni su uno dei suoi dipinti più famosi, “Bogatyrs”, e terminò il suo lavoro nel 1898. Lo stesso Vasnetsov definì questo dipinto il suo “obbligo verso la sua gente nativa”. E nell'aprile dello stesso anno, prese con gioia questo dipinto in modo che diventasse per sempre una delle mostre più sorprendenti della sua galleria.

I dipinti di Vasnetsov non hanno mai lasciato le persone indifferenti, anche se intorno a loro spesso si sviluppavano feroci controversie. Alcune persone li adoravano e li ammiravano, altri li criticavano. Ma le opere sorprendenti, “vive” e piene di sentimento non potevano passare inosservate.

Vasnetsov morì il 23 luglio 1926 all'età di 79 anni a causa di problemi cardiaci. Tuttavia, le tradizioni da lui avviate sono continuate e continuano a vivere nelle opere degli artisti delle generazioni successive.

Viktor Mikhailovich Vasnetsov è nato nel 1848 il 15 maggio in un villaggio con il buffo nome Lopyal. Il padre di Vasnetsov era un prete, così come lo erano suo nonno e bisnonno. Nel 1850 Mikhail Vasilyevich portò la sua famiglia nel villaggio di Ryabovo. Ciò era dovuto al suo servizio. Viktor Vasnetsov aveva 5 fratelli, uno dei quali divenne anche lui un famoso artista, il suo nome era Apollinaris.

Il talento di Vasnetsov si manifestò fin dall'infanzia, ma la situazione finanziaria estremamente sfortunata della famiglia non lasciò opzioni su come mandare Victor alla Scuola Teologica di Vyatka nel 1858. Già all'età di 14 anni, Viktor Vasnetsov studiò al Seminario teologico di Vyatka. I figli dei preti vi venivano portati gratuitamente.

Non essendosi mai diplomato al seminario, nel 1867 Vasnetsov andò a San Pietroburgo per entrare all'Accademia delle arti. Aveva pochissimi soldi e Victor mise all'asta 2 dei suoi dipinti: "The Milkmaid" e "The Reaper". Prima di partire non ha mai ricevuto denaro per loro. Per questi due dipinti ricevette 60 rubli pochi mesi dopo a San Pietroburgo. Arrivato nella capitale, il giovane artista aveva solo 10 rubli.

Vasnetsov ha fatto un ottimo lavoro nell'esame di disegno ed è stato subito iscritto all'Accademia. Per circa un anno ha studiato alla Scuola di Disegno, dove ha incontrato il suo insegnante -.

Vasnetsov iniziò a studiare all'Accademia delle arti nel 1868. In questo momento divenne amico e un tempo vivevano persino nello stesso appartamento.

Sebbene a Vasnetsov piacesse l'Accademia, non si diplomò, lasciandola nel 1876, dove visse per più di un anno. In questo momento, anche Repin era lì in viaggio d'affari. Mantennero anche rapporti amichevoli.

Dopo il ritorno a Mosca, Vasnetsov fu immediatamente accettato nell'Associazione delle mostre d'arte itineranti. A questo punto, lo stile di disegno dell'artista stava cambiando in modo significativo, e non solo lo stile, lo stesso Vasnetsov si trasferì a vivere a Mosca, dove si avvicinò a Tretyakov e Mamontov. Fu a Mosca che Vasnetsov trovò il suo posto. Gli piaceva stare in questa città, si sentiva a suo agio e realizzava diversi lavori creativi.

Per più di 10 anni Vasnetsov progettò la Cattedrale di Vladimir a Kiev. M. Nesterov lo ha aiutato in questo. Fu dopo il completamento di quest'opera che Vasnetsov può essere giustamente definito un grande pittore di icone russo.

Il 1899 divenne l’apice della popolarità dell’artista. Alla sua mostra, Vasnetsov ha presentato al pubblico.

Dopo la rivoluzione, Vasnetsov non visse più in Russia, ma in URSS, cosa che lo deprimeva gravemente. La gente ha distrutto i suoi dipinti e ha trattato l'artista con mancanza di rispetto. Ma fino alla fine della sua vita, Viktor Mikhailovich è rimasto fedele al suo lavoro: ha dipinto. Morì il 23 luglio 1926 a Mosca, senza finire il ritratto del suo amico e studente M. Nesterov.

Vasnetsov Viktor Mikhailovich è nato il 3 maggio 1848 nel villaggio di Lopyal, provincia di Vyatka, nella famiglia di un prete. A causa della sua origine, il futuro pittore ricevette la sua educazione in una scuola teologica, e successivamente la proseguì in un seminario teologico. Durante i suoi studi, il giovane dotato iniziò a prendere lezioni di disegno dall'insegnante di ginnasio N.G. Chernysheva. Anche il padre di Victor notò la sua capacità di disegnare e gli permise di lasciare il seminario nel suo ultimo anno per entrare all'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Lì lo stile del pittore era completamente formato e affinato, le cui basi furono gettate nella scuola d'arte, dove il giovane studiò con I.N. Kramskoj.

L'inizio di un viaggio creativo

Anche durante gli studi all'Accademia, i dipinti del giovane artista Vasnetsov iniziarono ad essere esposti. Furono presentati per la prima volta nel 1869, prima all'Accademia, e poi in altre gallerie grazie alla collaborazione dell'artista con un sodalizio espositivo itinerante. Già nei suoi primi lavori si notava lo stile caratteristico dell’artista e la sua predilezione per lo stile Art Nouveau.

Caratteristiche della creatività

Dal 1893, come afferma la breve biografia di Vasnetsov, divenne membro a pieno titolo dell'Accademia delle arti russa. Collaborò anche con l'Unione del popolo russo, partecipando all'illustrazione di pubblicazioni monarchiche, la più famosa delle quali è il "Libro del dolore russo".

Nella fase iniziale del lavoro di Viktor Mikhailovich, si nota la ricerca di trame e motivi. I suoi primi dipinti sono caratterizzati da soggetti quotidiani, riflessi nelle tele “War Telegram”, “Booths in Paris”, “From Apartment to Apartment”, “Book Shop”.

La gamma di interessi creativi dell'artista eccezionale comprendeva temi storici, folcloristici e successivamente religiosi. Uno dei dipinti più famosi del grande pittore russo sono dipinti basati su poemi epici e opere per bambini: "Bogatyrs", "Alyonushka", "Ivan Tsarevich sul lupo grigio", "Koshchey l'Immortale", "Lotta di Dobrynya Nikitich con il serpente Gorynych a sette teste”.

I temi religiosi dell’eredità di Vasnetsov si riflettevano in esempi di dipinti murali nella Cattedrale di Vladimir a Kiev, nella Chiesa della Resurrezione (Salvatore sul Sangue Versato) a San Pietroburgo e nella Chiesa della Natività di Giovanni Battista a Presnya. Il talento di Vasnetsov si è manifestato non solo nella creazione di dipinti e pitture murali in chiese e cattedrali, ma anche nello sviluppo di progetti per strutture architettoniche, in particolare, il palazzo di I.E. Tsvetkov, l'estensione dell'ingresso principale della sala all'edificio del Tretyakov Galleria, la Cattedrale di Sant'Alessandro Nevskij a Mosca e altri edifici.

Morte. In memoria dell'artista

L'eredità creativa del grande artista russo Vasnetsov, la cui biografia termina il 23 luglio 1926 a Mosca, occupa un posto significativo nella storia dell'arte artistica nazionale. La memoria dell'artista è preservata attraverso l'apertura e il funzionamento di quattro musei: a Mosca, San Pietroburgo, Kirov e il villaggio di Ryabovo, nella regione di Kirov. Quest'ultimo ospita anche un monumento a Victor e Appolinary Vasnetsov, figure di spicco dell'arte artistica russa.

Vasnetsov Viktor Mikhailovich, pittore russo.

Studiò a San Pietroburgo presso la Scuola di disegno della Società per l'incoraggiamento delle arti (1867-68) con I. N. Kramskoy e all'Accademia delle arti (1868-75), di cui divenne membro a pieno titolo nel 1893. Dal 1878 , membro dell'Associazione degli Itineranti. Visitò la Francia (1876) e l'Italia (1885). Ha vissuto a San Pietroburgo e Mosca. Durante i suoi studi, realizzò disegni per riviste e prodotti popolari a buon mercato ("L'alfabeto popolare" di Stolpyansky, pubblicato nel 1867; "Taras Bulba" di N.V. Gogol, pubblicato nel 1874).

Negli anni '70 dell'Ottocento. Ha prodotto piccoli dipinti di genere, dipinti con cura principalmente in una combinazione di colori grigio-marrone. Nelle scene della vita di strada e domestica di piccoli commercianti e funzionari, poveri urbani e contadini, Vasnetsov catturò con grande osservazione vari tipi di società contemporanea ("Da appartamento ad appartamento", 1876, "Telegramma militare", 1878, sia in Galleria Tretyakov).

Negli anni ottanta dell'Ottocento, dopo aver lasciato la pittura di genere, creò opere sui temi della storia nazionale, dell'epica russa e dei racconti popolari, dedicando loro quasi tutta la sua opera successiva. Uno dei primi artisti russi a rivolgersi al folklore russo, Vasnetsov ha cercato di dare un carattere epico alle sue opere, di incarnare ideali popolari secolari e alti sentimenti patriottici in forma poetica.

Vasnetsov creò i dipinti “Dopo la battaglia di Igor Svyatoslavich con i Polovtsy” (1880), “Alyonushka” (1881), intrisi di poesia sincera, “Ivan lo Tsarevich sul lupo grigio” (1889), “Bogatyrs” (1881- 98), pieno di fede nelle forze eroiche del popolo, “Lo zar Ivan Vasilyevich il Terribile” (1897, tutto nella Galleria Tretyakov).

Con la direzione generale della pittura da cavalletto di Vasnetsov degli anni 1880-1890. Strettamente correlato è il suo lavoro per il teatro. Caratterizzati dalla poesia popolare, le scene e i costumi per la fiaba “La fanciulla di neve” di A. N. Ostrovsky (messa in scena nell'home theater di S. I. Mamontov nel 1882) e l'opera omonima di N. A. Rimsky-Korsakov (al Private Russian Russian di Mosca Opera di S. I. Mamontov del 1886), eseguita secondo gli schizzi di Vasnetsov, è un esempio di interpretazione creativa di autentico materiale archeologico ed etnografico e ha avuto una grande influenza sullo sviluppo dell'arte teatrale e decorativa russa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo.

Gli sfondi paesaggistici delle opere di Vasnetsov su temi fiabeschi e storici, intrisi di un sentimento profondamente nazionale di natura nativa, a volte notevoli per la spontaneità lirica della sua percezione (“Alyonushka”), a volte di carattere epico (“Dopo il massacro di Igor Svyatoslavich con i Polovtsiani"), ha svolto un ruolo importante nello sviluppo della pittura paesaggistica russa.

Nel 1883-85 Vasnetsov completò il pannello monumentale “L'età della pietra” per il Museo storico di Mosca, nel 1885-96 - la maggior parte dei dipinti della Cattedrale di Vladimir a Kiev. Nei dipinti della Cattedrale di Vladimir, Vasnetsov ha cercato di introdurre contenuto spirituale ed emotività nel sistema tradizionale di pittura monumentale della chiesa, che nella seconda metà del XIX secolo. entrò in completo declino.

La pittura di Vasnetsov nel suo periodo maturo, caratterizzata dal desiderio di un linguaggio artistico monumentale e decorativo, dal suono attenuato di macchie di colore generalizzate e talvolta da un appello al simbolismo, anticipa lo stile “moderno” che in seguito si diffuse in Russia. Vasnetsov dipinse anche numerosi ritratti (A. M. Vasnetsov, 1878; Ivan Petrov, 1883; entrambi nella Galleria Tretyakov), illustrazioni per “La canzone del profetico Oleg” di A. S. Pushkin (acquerello, 1899, Museo letterario, Mosca).

Sulla base dei suoi disegni, ad Abramtsevo (vicino a Mosca; 1883) furono costruite la chiesa e la favolosa "Capanna sulle cosce di pollo" e fu costruita la facciata della Galleria Tretyakov (1902). In epoca sovietica, Vasnetsov continuò a lavorare su temi fiabeschi popolari ("La battaglia di Dobrynya Nikitich con il serpente a sette teste Gorynych", 1918; "Kashchei l'immortale", 1917-26; entrambi i dipinti sono nella casa di V. M. Vasnetsov -Museo di Mosca).

- questo è uno dei principali tipi di belle arti; è una rappresentazione artistica del mondo oggettivo utilizzando vernici colorate su una superficie. La pittura si divide in: da cavalletto, monumentale e decorativa.

- rappresentati prevalentemente da opere realizzate con colori ad olio su tela (cartone, tavole di legno o nude). È il tipo di pittura più popolare. È questo tipo che viene solitamente applicato al termine " pittura".

è una tecnica di pittura sui muri per decorare edifici ed elementi architettonici negli edifici. Particolarmente comune in Europa affrescare - dipinto monumentale su intonaco fresco con vernici idrosolubili. Questa tecnica di disegno è nota fin dall'antichità. Successivamente, questa tecnica fu utilizzata nella progettazione di molte chiese religiose cristiane e delle loro volte.

Pittura decorativa — (dalla parola latina decoro - decorare) è un modo di disegnare e applicare immagini su oggetti e dettagli interni, pareti, mobili e altri oggetti decorativi. Si riferisce alle arti decorative e applicate.

Le possibilità dell'arte pittorica sono state rivelate in modo particolarmente chiaro dalla pittura da cavalletto sin dal XV secolo, dall'uso di massa dei colori ad olio. È in esso che è disponibile una speciale varietà di contenuti e una forma profondamente sviluppata. Al centro dei mezzi artistici pittorici ci sono i colori (le possibilità dei colori), in inestricabile unità con il chiaroscuro e la linea; colore e chiaroscuro vengono sviluppati e sviluppati dalle tecniche pittoriche con una completezza e una luminosità inaccessibili ad altri tipi di arte. Ciò determina la perfezione della modellazione volumetrica e spaziale insita nella pittura realistica, la resa vivida e accurata della realtà, la possibilità di realizzare le trame concepite dall'artista (e i metodi di costruzione delle composizioni) e altri vantaggi visivi.

Un'altra differenza nelle differenze tra i tipi di pittura è la tecnica di esecuzione in base ai tipi di vernici. Non sempre i segnali generali sono sufficienti per prendere una decisione. Il confine tra pittura e grafica in ogni singolo caso: ad esempio, le opere realizzate con acquarelli o pastelli possono appartenere ad entrambi gli ambiti, a seconda dell’approccio dell’artista e dei compiti che si prefigge. Sebbene i disegni su carta siano classificati come grafica, l'uso di diverse tecniche pittoriche a volte offusca la distinzione tra pittura e grafica.

Va tenuto presente che il termine semantico stesso “pittura” è una parola in lingua russa. È stato utilizzato come termine durante la formazione delle belle arti in Russia durante l'era barocca. L'uso della parola "pittura" a quel tempo si applicava solo a un certo tipo di pittura realistica. Ma originariamente deriva dalla tecnica ecclesiastica di dipingere le icone, che usa la parola "scrivere" (relativa alla scrittura) perché questa parola è una traduzione del significato nei testi greci (quelli sono "persi nella traduzione"). Lo sviluppo in Russia della propria scuola d'arte e l'eredità della conoscenza accademica europea nel campo dell'arte, hanno sviluppato la portata della parola russa "pittura", iscrivendola nella terminologia educativa e nel linguaggio letterario. Ma nella lingua russa si è formata una particolarità del significato del verbo “scrivere” in relazione alla scrittura e al disegno.

Generi di pittura

Nel corso dello sviluppo delle belle arti si formarono diversi generi classici di dipinti, che acquisirono le proprie caratteristiche e regole.

Ritrattoè una rappresentazione realistica di una persona in cui l'artista cerca di ottenere una somiglianza con l'originale. Uno dei generi di pittura più popolari. La maggior parte dei clienti ha utilizzato il talento degli artisti per perpetuare la propria immagine o, desiderando ottenere l'immagine di una persona cara, di un parente, ecc. I clienti cercavano di ottenere una somiglianza del ritratto (o addirittura di abbellirlo) lasciando un'incarnazione visiva nella storia. I ritratti di vari stili sono la parte più popolare delle mostre della maggior parte dei musei d'arte e delle collezioni private. Questo genere include anche un tipo di ritratto come auto ritratto - un'immagine dell'artista stesso, dipinta da lui stesso.

Scenario- uno dei generi pittorici popolari in cui l'artista cerca di rappresentare la natura, la sua bellezza o particolarità. Diversi tipi di natura (l'umore della stagione e il tempo) hanno un forte impatto emotivo su qualsiasi spettatore: questa è una caratteristica psicologica di una persona. Il desiderio di ottenere un'impressione emotiva dai paesaggi ha reso questo genere uno dei più popolari nella creatività artistica.

- questo genere è per molti versi simile al paesaggio, ma ha una caratteristica fondamentale: i dipinti raffigurano paesaggi con la partecipazione di oggetti architettonici, edifici o città. Un focus speciale sono le viste sulle strade delle città che trasmettono l'atmosfera di un luogo. Un'altra direzione di questo genere è la rappresentazione della bellezza dell'architettura di un particolare edificio: il suo aspetto o le immagini dei suoi interni.

- un genere in cui il soggetto principale dei dipinti è un evento storico o la sua interpretazione da parte dell'artista. La cosa interessante è che un gran numero di dipinti su temi biblici appartengono a questo genere. Poiché nel Medioevo le scene bibliche erano considerate eventi “storici” e i principali committenti di questi dipinti erano la chiesa. I soggetti biblici "storici" sono presenti nelle opere della maggior parte degli artisti. La seconda nascita della pittura storica avviene durante i tempi del neoclassicismo, quando gli artisti si rivolgono a soggetti storici noti, eventi dell'antichità o leggende nazionali.

- riflette scene di guerre e battaglie. La particolarità non è solo il desiderio di riflettere un evento storico, ma anche di trasmettere allo spettatore l'elevazione emotiva dell'impresa e dell'eroismo. Successivamente, questo genere diventa anche politico, consentendo all'artista di trasmettere allo spettatore la sua visione (il suo atteggiamento) su ciò che sta accadendo. Possiamo vedere un effetto simile di enfasi politica e forza del talento dell’artista nell’opera di V. Vereshchagin.

è un genere di pittura con composizioni di oggetti inanimati, utilizzando fiori, prodotti e piatti. Questo genere è uno dei più recenti e si è formato nella scuola di pittura olandese. Forse il suo aspetto è dovuto alla particolarità della scuola olandese. Il boom economico del XVII secolo in Olanda portò in una parte significativa della popolazione il desiderio di beni di lusso accessibili (dipinti). Questa situazione attirò un gran numero di artisti in Olanda, provocando tra loro un'intensa competizione. Modelli e laboratori (persone con abiti adeguati) non erano a disposizione degli artisti poveri. Quando dipingevano quadri in vendita, usavano mezzi improvvisati (oggetti) per comporre i dipinti. Questa situazione nella storia della scuola olandese è la ragione dello sviluppo della pittura di genere.

Pittura di genere — il soggetto dei dipinti sono scene quotidiane della vita quotidiana o delle vacanze, solitamente con la partecipazione di persone comuni. Proprio come la natura morta, si diffuse tra gli artisti olandesi nel XVII secolo. Durante il periodo del romanticismo e del neoclassicismo, questo genere ha preso una nuova nascita; i dipinti si sforzano non tanto di riflettere la vita di tutti i giorni, ma di romanticizzarla, di introdurre un certo significato o moralità nella trama.

Marina- un tipo di paesaggio che raffigura vedute marine, paesaggi costieri a picco sul mare, albe e tramonti in mare, navi o anche battaglie navali. Sebbene esista un genere di battaglia separato, le battaglie navali appartengono ancora al genere "marina". Lo sviluppo e la divulgazione di questo genere possono essere attribuiti anche alla scuola olandese del XVII secolo. Era popolare in Russia grazie al lavoro di Aivazovsky.

— una caratteristica di questo genere è la creazione di dipinti realistici che descrivono la bellezza di animali e uccelli. Una delle caratteristiche interessanti di questo genere è la presenza di dipinti raffiguranti animali inesistenti o mitici. Vengono chiamati artisti specializzati in immagini di animali animalisti.

Storia della pittura

La necessità di immagini realistiche esiste fin dai tempi antichi, ma presentava una serie di svantaggi dovuti alla mancanza di tecnologia, scuole sistematiche e istruzione. Nell'antichità si trovano più spesso esempi di pittura applicata e monumentale con la tecnica del disegno su intonaco. Nei tempi antichi, maggiore importanza veniva attribuita al talento dell'esecutore; gli artisti erano limitati nella tecnologia di produzione dei colori e nell'opportunità di ricevere un'istruzione sistematica. Ma già nell'antichità si formarono conoscenze e opere specializzate (Vitruvio), che costituiranno la base per una nuova fioritura dell'arte europea nel Rinascimento. La pittura decorativa ebbe uno sviluppo significativo durante l'antichità greca e romana (la scuola andò perduta nel Medioevo), il cui livello fu raggiunto solo dopo il XV secolo.

Dipinto di un affresco romano (Pompei, I secolo a.C.), esempio del livello tecnologico della pittura antica:

I "Secoli bui" del Medioevo, il cristianesimo militante e l'Inquisizione portano al divieto di studio del patrimonio artistico dell'antichità. La vasta esperienza degli antichi maestri, la conoscenza nel campo delle proporzioni, della composizione, dell'architettura e della scultura sono bandite, e molti tesori artistici vengono distrutti a causa della loro dedizione alle antiche divinità. Un ritorno ai valori dell'arte e della scienza in Europa avviene solo durante il Rinascimento (rinascita).

Gli artisti del primo Rinascimento (revival) dovevano recuperare e far rivivere i risultati e il livello degli artisti antichi. Ciò che ammiriamo nelle opere degli artisti del primo Rinascimento era il livello dei maestri di Roma. Un chiaro esempio della perdita di diversi secoli di sviluppo dell'arte (e della civiltà) europea durante i "secoli bui" del Medioevo, del cristianesimo militante e dell'Inquisizione: la differenza tra questi dipinti del XIV secolo!

L'emergere e la diffusione della tecnologia per realizzare colori ad olio e della tecnica di dipingere con essi nel XV secolo diede origine allo sviluppo della pittura da cavalletto e di un tipo speciale di prodotti per artisti: dipinti a colori con colori ad olio su tela o legno innescato.

La pittura fece un enorme salto di qualità nello sviluppo durante il Rinascimento, in gran parte grazie all'opera di Leon Battista Alberti (1404-1472). Fu il primo a porre i fondamenti della prospettiva in pittura (il trattato “Sulla pittura” del 1436). La scuola d’arte europea deve a lui (al suo lavoro sulla sistematizzazione della conoscenza scientifica) l’emergere (rinascita) della prospettiva realistica e delle proporzioni naturali nei dipinti degli artisti. Famoso e familiare disegno di Leonardo da Vinci "Uomo vitruviano"(proporzioni umane) del 1493, dedicato alla sistematizzazione dell’antica conoscenza di proporzioni e composizione di Vitruvio, fu realizzato da Leonardo mezzo secolo dopo il trattato “Sulla pittura” di Alberti. E il lavoro di Leonardo è una continuazione dello sviluppo della scuola artistica europea (italiana) del Rinascimento.

Ma la pittura ricevette uno sviluppo brillante e massiccio a partire dai secoli XVI e XVII, quando si diffuse la tecnica della pittura ad olio, apparvero varie tecnologie per realizzare vernici e si formarono scuole di pittura. Fu il sistema di conoscenza e di educazione artistica (tecniche di disegno), combinato con la richiesta di opere d'arte da parte dell'aristocrazia e dei monarchi, che portò alla rapida fioritura delle belle arti in Europa (periodo barocco).

Le illimitate capacità finanziarie delle monarchie, delle aristocrazie e degli imprenditori europei divennero un terreno eccellente per l'ulteriore sviluppo della pittura nei secoli XVII-XIX. E l'indebolimento dell'influenza della chiesa e dello stile di vita secolare (moltiplicato dallo sviluppo del protestantesimo) ha permesso la nascita di molti soggetti, stili e movimenti nella pittura (barocco e rococò).

Nel corso dello sviluppo delle belle arti, gli artisti hanno sviluppato molti stili e tecniche che portano al massimo livello di realismo nelle loro opere. Entro la fine del XIX secolo (con l'avvento dei movimenti modernisti) iniziarono interessanti trasformazioni nella pittura. La disponibilità dell'educazione artistica, la concorrenza di massa e le elevate richieste di competenze degli artisti da parte del pubblico (e degli acquirenti) stanno dando origine a nuove direzioni nei metodi di espressione. L’arte non è più limitata solo dal livello della tecnica; gli artisti si sforzano di introdurre significati speciali, modi di “guardare” e filosofia nelle opere. Ciò che spesso va a scapito del livello di prestazione, diventa speculazione o metodo scioccante. La varietà di stili emergenti, discussioni vivaci e persino scandali danno origine allo sviluppo di interesse per nuove forme di pittura.

Le moderne tecnologie di disegno computerizzato (digitale) appartengono alla grafica e non possono essere chiamate pittura, sebbene molti programmi e apparecchiature per computer consentano di ripetere completamente qualsiasi tecnica pittorica con i colori.