L'arte del teatro risale ai tempi antichi con danze totemiche, copia rituale di abitudini animali e esecuzione di rituali utilizzando costumi speciali, maschere, tatuaggi e body painting. Nelle prime fasi dello sviluppo del teatro, il drammaturgo e l'attore erano uniti in una sola persona.

IN mondo antico Fino a quindicimila spettatori si sono riuniti per gli spettacoli. L'azione delle performance si svolgeva nel grembo della natura, come se rimanesse un evento della vita stessa. Questo ha dato teatro antico naturalezza e vivacità.

Nel Medioevo il teatro si sviluppò in forme risalenti al dramma liturgico, rappresentato nell'ambito di esso servizio in chiesa. Nei secoli XIII-XIV. Sorgono generi isolati dal servizio: misteri, miracoli e motivi e idee popolari penetrano in queste produzioni ecclesiali. Le forme popolari di teatro vengono realizzate attraverso creatività amatoriale e come spettacoli di strada di attori itineranti. Nel XV secolo emerge il genere più democratico teatro medievale- una farsa che riproduceva argutamente la vita e i costumi dei suoi contemporanei.

Durante il Rinascimento forme popolari l'arte teatrale è intrisa di umanesimo ( Commedia italiana maschere), il teatro diventa filosofico, diventa mezzo di analisi dello stato del mondo (Shakespeare), strumento di lotta sociale (Lope de Vega).

Teatro del classicismo (XVII secolo) -- arte contemporanea della sua epoca, costruita sulla base dell'estetica normativa (Boileau) e della filosofia razionalista (Cartesio). Si fonda sulla grande drammaturgia tragica (Racine, Corneille) e comica (Moliere), affermando eroi ideali, ridicolizzando i vizi. Gli attori incarnano i tratti umani universali dei personaggi, trascurandone le specificità storiche e caratteristiche nazionali. Il teatro della classicità è al centro degli interessi artistici della corte e delle esigenze del pubblico.

Nel XVIII secolo Le idee illuministiche penetrarono nel teatro (Diderot, Lessing), divenne un mezzo di lotta sociale del terzo stato contro il feudalesimo. Gli attori si sforzano di esprimere stato sociale carattere.

Nella prima metà del XIX secolo. Il teatro romantico si diffonde. Si distingue per una maggiore emotività, lirismo, pathos ribelle e particolarità nella rappresentazione dei personaggi.

Negli anni '30 anni XIX V. diventa la tendenza dominante nel teatro realismo critico. Questa direzione si sviluppa sulla base della drammaturgia di Gogol, Ostrovsky e successivamente di Cechov, Ibsen, Shaw. Il teatro diventa profondamente nazionale e democratizzato, si sviluppano le sue forme popolari e di massa. Apparvero i teatri pensati per la gente comune: “boulevard” (Parigi), “piccoli” (New York), teatri suburbani (Vienna).

Palcoscenico russo arte XIX V. - teatro del realismo, acuto le questioni sociali, un atteggiamento critico nei confronti della realtà, arrivando al punto della sua esposizione satirica, tipizzazione della vita, analisi psicologica personalità.

Nel primo terzo del XX secolo il teatro conobbe Grande riforma: Il regista è venuto a teatro. Questa è la conquista del XX secolo. I registi K. Stanislavsky, V. Meyerhold, M. Reinhardt, A. Appiah, G. Craig, L. Kurbas hanno creato nuovi teorie scientifiche arti dello spettacolo. IN tempi moderni Il principio fondamentale della performance è l'insieme. Il regista guida questo ensemble (troupe), interpreta il piano del drammaturgo, traduce l'opera in uno spettacolo e organizza il suo intero corso.

Le prime rappresentazioni teatrali europee sorsero nel VI secolo a.C. dalle feste religiose dedicate al dio del vino e della fertilità Dioniso. Gli attori hanno utilizzato le maschere per mostrare le emozioni dei personaggi, oltre a rendere chiaro al pubblico il sesso e l'età del personaggio quando è apparso sul palco. La tradizione millenaria che vietava alle donne di esibirsi sul palco ha origine nell'antico teatro greco.

Il primo attore è considerato il greco Tesipo, che vinse un concorso di poesia in onore di Dioniso.

Nel 3 ° secolo aC. Ispirato dai romani Teatro greco, crearono le proprie versioni delle antiche commedie greche e iniziarono a metterle in scena su palcoscenici improvvisati. Gli attori di queste rappresentazioni erano schiavi. Le donne potevano solo giocare ruoli minori. Poiché i teatri romani dovevano competere per attirare l'attenzione del pubblico abituato ai combattimenti dei gladiatori, alle esecuzioni pubbliche e alle corse dei carri, le opere teatrali contenevano sempre più scene di violenza e umorismo crudo. Con la diffusione del cristianesimo tali idee finirono.

La nascita del teatro nel Medioevo

Anche se dentro Europa medievale spettacoli teatrali erano considerati peccaminosi, si svilupparono tradizioni teatrali. I menestrelli inventavano ed eseguivano ballate e burattinai, acrobati e cantastorie si esibivano alle fiere. Durante Servizio di Pasqua i sacerdoti recitavano misteri: storie teatrali che permettevano agli analfabeti di comprendere il significato di ciò che stava accadendo.

Successivamente, i misteri iniziarono ad essere rappresentati durante altre festività religiose, presentando varie storie bibliche.

Teatro rinascimentale

Durante il Rinascimento (secoli XIV-XVII) sorse l'interesse per la rinascita del teatro classico greco e romano. All'incrocio tra le tradizioni del teatro antico e medievale sorsero spettacoli teatrali secolari e apparve la commedia dell'arte, uno spettacolo improvvisato creato da diversi attori mascherati. Queste rappresentazioni rappresentavano la prima volta dall'epoca romana in cui alle donne veniva permesso di tornare sul palco.

Nel 1576 fu costruito il primo teatro a Londra; prima di allora, tutte le rappresentazioni venivano rappresentate negli hotel, nelle fiere o al centro delle sale dei castelli e delle case nobiliari. Regina britannica Elisabetta I patrocinò le arti teatrali; nell'epoca che porta il suo nome apparvero i primi drammaturghi professionisti, il più famoso dei quali è grande Shakespeare, attori, tradizione di usare oggetti di scena e cambiare costumi durante lo spettacolo. Il teatro classico fu finalmente formato verso la metà del XVIII secolo.

Le bambole matrioska sono considerate un souvenir russo originale e quindi sono così popolari tra i turisti che arrivano nella Federazione Russa paesi diversi. Tanto più interessante è il fatto che queste figurine dipinte in legno di eleganti bellezze, annidate l'una nell'altra, hanno radici lontane da quelle russe.

La prima bambola da nidificazione russa

Il prototipo di una ragazza russa allegra e dal viso tondo, incarnato nelle classiche bambole nidificanti, fu inizialmente portato in Russia dal Giappone XIX secolo. Il souvenir della terra del sole consisteva in figurine di legno del vecchio saggio giapponese Fukuruma, annidate una dentro l'altra. Erano splendidamente dipinti e stilizzati nello spirito delle tradizioni del paese antenato della moderna bambola da nidificazione.

Una volta nel laboratorio di giocattoli di Mosca, il souvenir giapponese ha ispirato il tornitore locale Vasily Zvezdochkin e l'artista Sergei Malyutin a creare giocattoli simili. Gli artigiani scolpivano e dipingevano figure simili annidate l'una nell'altra. Il primo analogo di un souvenir giapponese era una ragazza con un velo e un prendisole; le successive bambole nidificanti raffiguravano bambini carini e divertenti - ragazzi e ragazze; sull'ultima, ottava bambola nidificante, veniva disegnato un bambino fasciato. Molto probabilmente, ha preso il nome in onore di ciò che era diffuso in quel momento nome femminile Matryona.

Bambole nidificanti di Sergiev Posad

Dopo la chiusura del laboratorio a Mosca, nel 1900 gli artigiani di Sergiev Posad, in un laboratorio di formazione e dimostrazione, iniziarono a realizzare bambole nidificanti. Questo tipo l'artigianato popolare si diffuse; le botteghe dei Bogoyavlensky, degli Ivanov e di Vasily Zvezdochkin, che si trasferirono a Posad da Mosca, apparvero non lontano dalla capitale.

Nel corso del tempo, questo giocattolo souvenir ha guadagnato una tale popolarità che gli stranieri hanno iniziato a ordinarlo dagli artigiani russi: francesi, tedeschi, ecc. Tali bambole nidificanti non erano economiche, ma c'era qualcosa da ammirare! La pittura di questi giocattoli di legno è diventata colorata, decorata e varia. Gli artisti raffiguravano belle ragazze russe con lunghi prendisole e sciarpe dipinte, con mazzi di fiori, cesti e fagotti. All'inizio del XX secolo fu avviata la produzione in serie di bambole nidificanti per l'estero.

Successivamente apparvero le bambole matrioska maschio, ad esempio, raffiguranti pastori con la pipa, stallieri baffuti, vecchi barbuti con bastoni, ecc. I giocattoli di legno venivano assemblati secondo una varietà di principi, ma, di regola, uno schema era sempre visibile: ad esempio, le bambole-sposi matrioska erano abbinate a bambole-spose e parenti.

Bambole matrioska della provincia di Nizhny Novgorod

Verso la metà del XX secolo la bambola nidificante si diffuse ben oltre i confini di Sergiev Posad. Quindi, dentro Provincia di Nižnij Novgorod apparvero artigiani che realizzarono bambole da nidificazione a forma di snella ragazze alte in scialli luminosi. E gli artigiani di Sergiev Posad hanno realizzato questi giocattoli sotto forma di giovani donne più tozze e formose.

Bambole moderne

La bambola matrioska è ancora considerata uno dei simboli della cultura russa. Le moderne bambole da nidificazione sono realizzate nella maggior parte dei casi vari generi: oltre ai disegni classici, contengono ritratti di personaggi famosi politici, presentatori televisivi, star del cinema e pop.

A Sergiev Posad, nel Museo del Giocattolo, ci sono collezioni di bambole nidificanti di vari maestri dell'inizio e della metà del XX secolo, nonché la prima bambola dipinta artista famoso Sergei Malyutin.

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Il conflitto è uno scontro di opinioni, interessi e punti di vista opposti. È progettato per aiutare a soddisfare le esigenze. In una situazione di conflitto, ciascuna parte si sforza di raggiungere il proprio obiettivo e risolvere i propri problemi.

Le principali cause dei conflitti familiari: - bisogno insoddisfatto di autoaffermazione; - desiderio dei coniugi di realizzare i bisogni personali nel matrimonio; - incapacità di comunicare tra loro; - ambizioni materiali eccessive; - presenza di autostima gonfiata; - discrepanza nelle opinioni sull'istruzione; - discrepanza nelle idee sul ruolo del marito, della moglie, del padre, della madre e così via;- tipi diversi temperamento; - riluttanza a condurre un dialogo; - freddezza sessuale di uno dei coniugi; - gelosia di uno dei coniugi; - adulterio; - cattive abitudini Gli specialisti di gestione identificano le seguenti cause di conflitti nelle squadre: 1. Risorse limitate. Le risorse materiali, finanziarie e lavorative sono sempre limitate. Il compito del manager è distribuirli in modo ottimale tra le varie divisioni strutturali dell’organizzazione. Ma poiché ciò è piuttosto difficile a causa dell'arbitrarietà dei criteri di distribuzione, risorse così limitate portano inevitabilmente a conflitti di vario genere.2. Interdipendenza dei compiti. Tutte le imprese sono composte da elementi interdipendenti, ovvero il lavoro di un dipendente dipende dal lavoro di un altro. Se un singolo lavoratore o un reparto non funziona in modo adeguato, questa interdipendenza può causare conflitti.3. Differenze di idee, obiettivi e valori. Di solito dentro strutture organizzative Nel tempo si verifica un processo di specializzazione, cioè l'attività in un campo ristretto. Di conseguenza, le precedenti divisioni strutturali iniziano ad essere suddivise in unità specializzate più piccole. Tali strutture formulano nuovi obiettivi e iniziano a concentrarsi sul loro raggiungimento, il che aumenta la probabilità di conflitti.4. Differenze nelle esperienze di vita e nei modelli di comportamento. Le persone sono diverse le une dalle altre. Ci sono personalità eccessivamente aggressive e autoritarie che sono indifferenti agli altri. Questi sono quelli che più spesso provocano conflitti. Le differenze di esperienza, istruzione, anzianità di servizio ed età aumentano la possibilità di collisioni.5. Scarse comunicazioni. Sovraccarico di informazioni, insoddisfacente Feedback, distorsione dei messaggi. I pettegolezzi in una squadra danno particolare urgenza al conflitto. Possono agire da catalizzatore, impedendo ai singoli lavoratori di comprendere la situazione reale. Altri problemi di comunicazione comuni: non ben sviluppati responsabilità lavorative dipendenti, presentazione di requisiti lavorativi reciprocamente esclusivi.

Fonti:

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La società culturale moderna nella sua forma attuale deve molto all'arte teatrale, nata molto prima dell'avvento dell'etichetta e delle norme morali familiari. Immergiamoci nei tempi antichi della storia. Durante questo potrai scoprirlo Fatti interessanti sull'arte teatrale, quando fu creato il primo teatro e tutto ciò che riguardava le prime rappresentazioni di recitazione.

Non si può sapere con certezza la creazione del primo teatro al mondo, perché risale al V secolo a.C. nell'antica Grecia, quando apparve il Teatro di Dioniso. Era fatto di legno. Si svolgeva due volte l'anno spettacoli cerimoniali attori sul palco, durante il quale gli autori più talentuosi di quei tempi lottavano per il diritto di essere definiti i migliori generi diversi. La persona che vendeva i biglietti e controllava gli spettacoli era chiamata arconte. I VIP erano seduti su lussuose sedie di marmo (installate nel tempo), dalle quali si godeva di un'ottima vista. Il Teatro di Dioniso esiste ancora oggi. La sua ultima ricostruzione dovrebbe essere completata nel 2015.

Il primo teatro in pietra apparve nel 52 a.C. a Roma. Il palco era una piattaforma rialzata con uno schermo sullo sfondo. C'erano posti davanti al palco (in platea). Nel corso del tempo il romano arti dello spettacolo cessò il suo sviluppo a causa dell'influenza del cristianesimo sulla cultura.

Chi ha inventato il teatro in Russia?

Il primo teatro domestico è accademico Teatro del dramma prende il nome da F.G. Volkov, fondata a Yaroslavl. L'anno della sua creazione è il 1750. In uno dei caldi giorni d'estate il giovane capriccioso Fyodor Volkov insieme ai suoi compagni si sono esibiti davanti al pubblico. Lo spettacolo consisteva in opere di Lomonosov, Sumarokov, Rostovsky e le sue opere del giovane genio Volkov. A proposito, F. Volkov era decoratore, traduttore, direttore di spettacolo e architetto part-time. Gli attori hanno anche visitato l'imperatrice Elisabetta (secondo un decreto speciale da lei emesso) durante una tournée a San Pietroburgo. È interessante notare che a quel tempo esistevano altre compagnie di recitazione, ma gli spettacoli erano chiusi e non erano accessibili al grande pubblico.

Qual è stato il primo teatro moderno?

Nel 1618 Città italiana Parma ha regalato al mondo il primo teatro moderno: i Farnesi. Il palco è stato progettato in modo piuttosto insolito: lungo una delle pareti. Gli attori e gli spettatori erano separati da un ampio sipario, che ha anche contribuito a cambiare lo scenario inosservato dagli ospiti dello spettacolo.

Lo sapevate? Il più lungo Esibizione teatrale(verso le 10) ebbe luogo nel 1672 nella regione di Mosca.

La parola “teatro” è nota a tutti, anche ai bambini più piccoli. Chi di noi non ama andare in un teatro di marionette, dove i giocattoli senza volto prendono improvvisamente vita? in mani capaci burattinaio e trasformati in magiche creature viventi... Essendo cresciuti, nella scelta tra teatro e cinema, spesso preferiamo quest’ultimo. Ma solo nel teatro si può sentire la forza viva emanata dagli attori, solo il teatro può affascinare lo spettatore con il suo splendore.

Come è apparso?
Il primo teatro apparve ad Atene, nel 497 a.C. Il suo aspetto era associato a concorsi di cantanti, poeti e attori in onore della festa del dio Dioniso. Non erano previsti servizi speciali per gli spettatori, ma questo non li ha disturbati e si sono seduti sulla collina per guardare la competizione. Per gli attori furono realizzati palchi in legno, che però furono successivamente sostituiti da un'arena più confortevole.

I partecipanti al concorso hanno mostrato le loro esibizioni su un palco circondato da un muretto, grazie al quale era possibile nascondere oggetti di scena e decorazioni non necessari. C'era anche una tenda per i relatori dove potevano cambiarsi d'abito. Poiché la festa era dedicata a Dioniso, non sorprende che al centro del sito ci fosse un altare al dio e tutta l'azione si svolgesse attorno ad esso.

Poco dopo, l'antico teatro greco cambiò. Gli spettatori hanno finalmente potuto sedersi sui posti "veri": per loro sono stati costruiti sedili in marmo (per gli ospiti d'onore) e pietra (per gli spettatori più semplici). Tra i sedili degli spettatori c'erano vasi risonanti che fornivano l'amplificazione del suono.

A Roma il primo teatro in pietra apparve solo nel 55 a.C. Prima di allora, attori e spettatori si accontentavano solo di edifici temporanei in legno.

Le performance degli anni passati somigliavano ben poco a ciò che intendiamo per performance oggi. Potrebbe esserci solo un attore sul palco, che cambia maschera e interpreta più ruoli contemporaneamente. La necessità di maschere era dovuta a grandi formati teatri che potevano ospitare dieci o anche diciassettemila persone. Era quasi impossibile distinguere i lineamenti del viso dell’attore da una lunga distanza e le maschere risolvevano facilmente questo problema. Attori Grecia antica erano persone rispettate, solo un uomo libero poteva diventare attore, a differenza dei suoi “colleghi” romani. Gli attori romani provenivano da schiavi o liberti.

Negli antichi teatri greci, le rappresentazioni erano basate su miti, interpretati a modo loro da attori e autori teatrali. Il teatro romano adottò quasi completamente le trame del dramma greco, elaborandole per il pubblico romano.

Il periodo di massimo splendore dell'antico dramma greco risale al V secolo a.C. Erano i tempi di Eschilo, Sofocle ed Euripide. Il greco Livio Andronico diede un grande contributo allo sviluppo del teatro romano, insegnando il greco e il latino ai figli della nobiltà romana. Famoso è anche Gnaeus Naevius, che raggiunse la fama grazie alle sue commedie. Rappresentanti generazioni successive I drammaturghi romani furono Tito Maccio Plauto, Publio Terenzio, poi Orazio e Seneca.

Nella vita degli antichi greci, l'arte teatrale era al primo posto come mezzo di divertimento. Furono organizzati spettacoli a livello statale per rendere omaggio al dio Dioniso durante le festività.

Struttura delle prestazioni

Le rappresentazioni drammatiche dell'antica Grecia erano diverse da quelle moderne. Consistevano in diverse esibizioni di poeti rivali che lavoravano in direzioni tragiche e comiche. Ogni partecipante ne ha presentato uno storia divertente. Durante la produzione sono stati necessariamente utilizzati un coro di satiri e tre tragedie, unite da una trama. Le esibizioni si sono concluse solo il quarto giorno. Duravano dalla mattina fino a tarda sera. L'azione è iniziata con rappresentazioni tragiche, seguite dal dramma satirico. A fine serata è stata rappresentata una commedia.

Accompagnamento musicale

Il coro è stato fornito dallo Stato, poiché era impossibile allestirlo autonomamente. Nel tempo il numero dei relatori è passato da 6 a 15 persone. E i cantanti erano formati da cittadini facoltosi. La persona che preparava il coro per le competizioni teatrali e gli forniva i costumi veniva chiamata choreg. Insieme agli attori e ai cantanti, i coreografi erano esentati dal servizio militare per il tempo necessario alla preparazione e all'esecuzione.

Struttura della scena

Antico teatro greco consisteva di diverse parti, tra cui l'orchestra (un luogo per artisti e cantanti), il teatro ( auditorium) e skene (una sorta di oggetti di scena necessari per ottenere maggiore credibilità). Affinché il pubblico potesse ascoltare meglio le parole degli attori, sono stati utilizzati vasi speciali per aiutare ad amplificare i suoni parlati.

Caratteristiche distintive

Le arti dello spettacolo dell'antica Grecia erano per il 90% maschili. Oltre alla semplice interpretazione dei loro ruoli, gli artisti hanno dimostrato abilità vocali, dizione perfetta, flessibilità, plasticità. I volti delle persone che si esibivano sul palco erano nascosti sotto le maschere. La loro diffusione è legata alla venerazione di Dioniso, all'assenza di attrici donne e alle enormi dimensioni dell'arena. Le maschere potevano essere tragiche o comiche, il che trasmetteva accuratamente allo spettatore l'intenzione dell'autore.

L'abbigliamento speciale per i partecipanti allo spettacolo ha contribuito a ritrarre personaggi diversi. Essendo lungo e spazioso, nascondeva i cuscini o le imbottiture necessarie per modificare le proporzioni naturali del corpo. Se lo spettacolo interessava il pubblico, esprimeva vigorosamente emozioni positive. La disapprovazione fu espressa non meno animatamente. Spesso tali reazioni negative sono state provocate da persone appositamente assunte dalla concorrenza.

Antica Arena Romana

L'origine del teatro in Antica Roma associati alle magnifiche celebrazioni del raccolto, inizialmente organizzate come gare giocose di piccoli cori. Le battute che si scambiavano erano talvolta caustiche, ridicolizzando i vizi della società, soprattutto quella d'élite.

Le origini dell'arte teatrale

Le prime rappresentazioni dell'antica arte teatrale romana includono Atellani, che ricevette il nome della città del sud dell'Italia moderna. Queste erano produzioni di commedie leggere. Hanno partecipato molti giovani romani.

Dramma letterario arrivò all'antico teatro romano dalla Grecia. Qui sono state collocate creazioni simili latino.

Il greco Livio Andronico finì a Roma prigioniero di guerra. Il greco fu nominato capo per mettere in scena la prima rappresentazione drammatica. Questo è ciò che ha dato lo slancio ulteriori sviluppi arte teatrale. Non poteva, come in Grecia, indicare problemi nella vita della società, quindi è diventato più complicato trame, il valore di intrattenimento degli originali greci è aumentato. Nonostante ciò, i romani trovavano difficile accettare le trame drammatiche tradizionali.

Spettacoli da gladiatori

Gli spettacoli sono stati eseguiti durante i giorni festivi. Erano accompagnati da spettacoli circensi e di gladiatori, che attiravano l'attenzione su di sé, essendo popolari tra la gente.

Inizialmente non c'era spazio destinato alla messa in scena degli spettacoli, c'era solo una misera piattaforma con una scala. Gli attori sono diventati più professionali e hanno recitato senza maschere. Gli spettacoli sono stati organizzati previo accordo del direttore dell'antico teatro romano. In altre parole, semplicemente troupe di attori, con circoli dominanti. Abiti caratteri non erano diversi dai greci. Solo alcuni accenti, come l'altezza della piattaforma delle scarpe, la dimensione delle parrucche, creano un'impressione maestosa.

Il primo teatro romano permanente fu costruito da Pompeo. Gli spettatori si accalcavano su panchine semicircolari disposte su più file. C'erano seggi separati per i senatori. Tetto, facciate e tende finemente decorate.

Le origini dell'arte teatrale nell'antica India

L'antica arte teatrale indiana era divisa in due direzioni: popolare e letteraria. Esistono diverse versioni sull'origine, la più popolare delle quali attribuisce questo fatto all'imperatore Bharata. Attraverso di lui, il quinto Veda è stato trasmesso alle persone, collegando la Parola, l'Azione e l'Armonia. La versione più probabile rimane la combinazione di spettacoli divertenti con il tradizionale mistero che esisteva durante le principali festività.

In questa occasione sono stati organizzati spettacoli di accompagnamento alle gare di uomini forti, programmi di maghi, musicisti e ballerini. La produzione è iniziata con numeri di danza. I ballerini hanno decorato lo spettacolo con introduzioni pantomimiche e recitazione dei Veda. A poco a poco la danza è stata sostituita dall'esibizione degli artisti.

Sistema sociale

Complesso sistema sociale l'antica India collocava gli attori al livello più basso.

Erano considerati persone di una casta irrispettosa, poiché ridicolizzavano gli dei nei loro discorsi. Nonostante questa circostanza, la maggior parte di loro erano persone istruite e rispettabili.

Gli spettacoli sono stati organizzati come spettacoli di danza. Il linguaggio dei segni, radicato in rituali speciali del clero, era usato liberamente. Teatro Danza indiana caratteristiche chiave prese in prestito da antichi misteri. Pertanto, gli artisti dovevano avere una plasticità speciale e la capacità di utilizzare un ricco arsenale di pantomima.

Aumento di popolarità

Entro la fine della seconda metà del primo millennio a.C. e. L'arte teatrale indiana ha raggiunto la sua massima popolarità. Nonostante la coincidenza della rappresentazione delle opere teatrali con le principali festività religiose, la loro essenza di intrattenimento è venuta alla ribalta, sostituendo la componente rituale.

I gruppi di recitazione stanno diventando più professionali. Ogni partecipante assume un ruolo creativo. La composizione di genere delle troupe variava: è noto che esistevano gruppi dello stesso sesso e di sesso opposto. La maggior parte di loro erano nomadi. Quando si incontravano sul territorio comune, venivano organizzate gare spettacolari. Oltre ai premi in denaro, i vincitori hanno ricevuto numerosi riconoscimenti.

L'arena della danza indiana a volte era situata in un edificio specifico: piccolo ma relativamente alto, capace di ospitare 300 persone. La durata degli spettacoli variava da due-tre ore a un paio di giorni.

Teatri d'ombre

Il teatro delle ombre indiano spesso raffigurava scene dei miti leggendari e venerati del Ramayana e del Mahabharata. Il pubblico conosceva le storie dei personaggi, quindi poteva capire da solo gli elementi mancanti. L'azione si è svolta dietro uno schermo trasparente grande taglia, dove si trovavano attori e burattini. Per un maggiore realismo, le bambole venivano tagliate a pezzi e quindi anche i movimenti complessi potevano essere facilmente imitati. Erano realizzati in cartone, pelle o cartapesta.

Nelle credenze indiane, al dio Shiva veniva assegnato il ruolo di protettore delle bambole, quindi venivano allestite rappresentazioni teatrali vicino al suo tempio. Secondo la leggenda, il teatro delle ombre indiano è nato dal fatto che Shiva stesso e sua moglie Parvati una volta guardarono nella bottega di un maestro burattinaio che scolpiva figure nel legno.

Rimase così colpita dall'abilità dell'artigiano che presto, su sua richiesta, Shiva permise ai giocattoli di prendere vita in modo che potessero ballare da soli. Subito dopo la partenza della coppia divina, questa magia cessò di funzionare, ma il maestro ripristinò il meraviglioso dono, controllando i personaggi con l'aiuto di fili. Ciò ha dato origine Teatro indiano ombre, il cui interesse sta attualmente svanendo a causa dello sviluppo tecnologie moderne.

L'inizio della vita teatrale nell'antica Cina

Teatro cinese ebbe origine all'inizio del XII secolo. Inizialmente si trattava di spettacoli nelle piazze dedicate alle feste religiose. I discorsi erano basati su elementi circensi, danze insolite con figure di animali, spettacoli acrobatici, scherma.

A poco a poco compaiono ruoli unici che sono stati utilizzati in ogni opera teatrale, acquisendo nuovi tratti caratteriali e dettagli della biografia. I più popolari erano tsan-jun e tsangu. Gli artisti dei teatri cinesi non sono più autodidatti, ma si formano in apposite scuole che operavano presso la corte dell’imperatore. Costumi luminosi decorati con dipinti tradizionali e numerosi oggetti di scena vengono utilizzati liberamente.

Primo manifesto

Le rappresentazioni vengono messe in scena in cabine - luoghi sotto una tettoia, dotati di posti a sedere per gli spettatori. Oppure su piattaforme sporgenti adiacenti ai templi centrali. Da qui nasce il concetto di poster: un foglio speciale che elenca gli attori coinvolti e i personaggi da loro interpretati. I generi del teatro cinese si stanno espandendo e diventando più complessi. Descrivono i dettagli di eventi importanti nella vita dello Stato e dei singoli individui, fornendo agli spettatori esempi da seguire.

Accompagnamento musicale produzioni teatrali trasformato da melodie popolari. Gli spettacoli erano dannatamente colorati, contenevano elementi di danza e spettacoli circensi. L'interpretazione di alcune azioni è stata data dagli artisti stessi o dai drammaturghi. La maggior parte dei ruoli erano interpretati da donne, compresi gli uomini. La compagnia di recitazione comprendeva membri della stessa famiglia; gli estranei erano rari.

Spettacoli di marionette

I palcoscenici tradizionali cinesi si sono sviluppati parallelamente all'altrettanto popolare teatro delle marionette. Viveva in molte varietà. Ad oggi le informazioni su di loro sono andate perse, quindi lo studio presenta alcune difficoltà.

La popolarità di questo tipo di arte è associata all'usanza di collocare nella tomba figurine speciali progettate per aiutare il defunto nell'aldilà. Scene con la partecipazione di tali personaggi venivano rappresentate durante i funerali, trasformandosi gradualmente in un attributo Vita di ogni giorno. Sono state conservate informazioni su un meraviglioso esemplare a più livelli teatro delle marionette, i cui personaggi si muovevano usando l'acqua.

Il teatro delle marionette cinese si è sviluppato in molte direzioni. Da segnalare le rappresentazioni con figure di carta piatta, alle quali hanno partecipato attori e personaggi da loro controllati. Polvere da sparo, scene fluttuanti e altre, di cui sono state conservate solo informazioni frammentarie.