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Il 17 (29) luglio 1817, il sacerdote della chiesa armena nella città di Feodosia registrò che "Hovhannes, figlio di Gevorg Ayvazyan" nacque da Konstantin (Gevorg) Gaivazovsky e sua moglie Hripsime. Gli antenati di Aivazovsky provenivano da armeni galiziani che si trasferirono in Galizia dall'Armenia turca nel XVIII secolo.

Ivan Aivazovsky ha scoperto abilità artistiche e musicali fin dall'infanzia; in particolare, imparò da autodidatta a suonare il violino

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L’architetto di Feodosia Y. H. Koch, che per primo prestò attenzione alle capacità artistiche del ragazzo, gli diede le sue prime lezioni di artigianato. Yakov Khristianovich aiutò anche il giovane Aivazovsky in ogni modo possibile, dandogli periodicamente matite, carta e colori. Dopo essersi diplomato alla scuola distrettuale di Feodosia, con l'aiuto di Kaznacheev, che a quel tempo era già governatore di Taurida e che riconobbe il talento del futuro artista, fu iscritto alla palestra di Simferopol. Quindi fu accettato in un conto pubblico presso l'Accademia delle arti di San Pietroburgo

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Nel 1835, per i paesaggi “Veduta del mare nei dintorni di San Pietroburgo” e “Studio dell’aria sul mare” ricevette una medaglia d’argento e fu assegnato come assistente al pittore paesaggista francese alla moda Philippe Tanner. Studiando con Tanner, Aivazovsky, nonostante il divieto di quest'ultimo di lavorare in modo indipendente, continuò a dipingere paesaggi ed espose cinque dipinti alla mostra autunnale dell'Accademia delle arti nel 1836. Le opere di Aivazovsky hanno ricevuto recensioni favorevoli dalla critica, mentre le opere esposte di Tanner, al contrario, sono state criticate per il loro manierismo. Nel settembre 1837, Aivazovsky ricevette la Grande Medaglia d'Oro per il suo dipinto "Calma".

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“Il 23 settembre 1839, l'Accademia Imperiale delle Arti di San Pietroburgo, in virtù del suo statuto, del potere conferitole dal monarca, il suo allievo Ivan Gaivazovsky, che vi studiò dal 1833 nella pittura di specie marine, completò il corso dei suoi studi, per i suoi buoni successi ed il Suo buon carattere, condotta onesta ed encomiabile, che gli furono particolarmente riconosciuti, elevandolo al titolo di artista, equiparato dal pietosissimo privilegio dell'Accademia alla 14a classe e premiandolo con un spada, si degna coi suoi discendenti di godere per le generazioni eterne dei diritti e dei vantaggi, di quel sommo privilegio loro assegnato. Questo certificato è stato rilasciato a San Pietroburgo, firmato dal Presidente dell'Accademia e con il suo grande sigillo attaccato.

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Nel 1844 divenne pittore presso lo Stato maggiore della marina (senza benefici monetari) e dal 1847 professore all'Accademia delle arti di San Pietroburgo; Appartenne anche ad accademie europee: Roma, Parigi, Firenze, Amsterdam e Stoccarda.

Ivan Konstantinovich Aivazovsky dipinse principalmente paesaggi marini; ha creato una serie di ritratti delle città costiere della Crimea. La sua carriera ha avuto molto successo. Gli furono conferiti numerosi ordini e ricevette il grado di ammiraglio. In totale, l'artista ha dipinto più di 6mila opere.

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Veduta di San Pietroburgo

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Notte di luna in Crimea

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Incontro del brigantino Mercury con lo squadrone russo

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Presentazione sul tema: Vita e lavoro di I.K. Aivazovsky

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Per più di cento anni, il lavoro di Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Gayvazovsky) ha suscitato profondo interesse e un sentimento di ammirazione tra persone delle più diverse età, professioni e disposizioni mentali. Artista eccezionale della seconda metà del secolo scorso, Aivazovsky rimane oggi uno dei maestri più apprezzati della scuola russa. Ivan Konstantinovich è nato e cresciuto in riva al mare, ed è del tutto naturale che l'artista abbia dato il suo amore al mare, abbia dedicato la sua opera al mare. Ma il mare non fu l’unico stimolo a determinare la nascita dell’arte accattivante di Aivazovsky. Ciò che è più importante è che nella natura di Aivazovsky, nel suo modo di pensare e di sentire, in tutto il suo carattere c'erano caratteristiche tali, la cui combinazione con le peculiarità del suo talento ha dato origine all'eccezionale originalità del suo lavoro. I.K. Aivazovsky.

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Aivazovsky iniziò il suo viaggio come artista nell'era Pushkin e il grande poeta russo benedisse l'aspirante pittore. M. I. Glinka, I. A. Krylov, V. A. Zhukovsky, N. V. Gogol, A. A. Ivanov, K. P. Bryullov hanno guidato i primi passi di Aivazovsky nell'arte. Inoltre, Bryullov e Gogol hanno avuto un'influenza decisiva sulla formazione della creatività dell'artista nella fase iniziale del suo sviluppo. Così avvenne all’inizio della carriera artistica di Aivazovsky. Più tardi, quando Ivan Konstantinovich visse a Feodosia e venne a San Pietroburgo solo durante i mesi invernali, non interruppe la stretta comunicazione con molte persone di spicco del suo tempo. La cerchia di conoscenze di Aivazovsky era ampia anche nel mondo artistico. La moglie dell'eccezionale attore V. A. Michurin-Samoilov ha scritto: “Famosi scrittori, artisti, compositori visitavano costantemente la casa dei Samoilov - I. S. Turgenev, N. A. Nekrasov, F. A. Koni, K. P. Bryullov, I. K. Aivazovsky, F. G. Solntseva, M. I. Glinka, S.A. Dargomyzhsky. Tempi indimenticabili! Quanta disinvoltura regnava in loro [le serate], quanta unità genuina e diretta c'era tra i rappresentanti dei diversi tipi di arte. Quante scintille di vero talento e ingegno hanno brillato."

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Gli amici di Pietroburgo non rimasero in debito con Aivazovsky. Quando erano in Crimea, hanno vissuto a lungo con l'artista e talvolta hanno organizzato concerti nella sua galleria d'arte. Gli anni giovanili di Aivazovsky trascorsero sotto l'influenza delle idee avanzate dell'epoca, che determinarono la natura e la direzione del suo lavoro per tutta la sua vita. La poesia di Pushkin ha ispirato Aivazovsky a creare le immagini più poetiche della pittura russa della metà del XIX secolo e ha conferito loro un suono altamente emotivo e ideologico. Ora, centoventicinque anni dopo la comparsa dei primi dipinti di Aivazovsky, percepiamo la sua eredità creativa con profondo interesse e ricordiamo con sincera simpatia la natura attiva, vivace ed entusiasta dell'artista. Molte delle opere di Aivazovsky ci attraggono con il loro contenuto insolito e inaspettato. Il fragore delle rocce che cadono in mare, le raffiche di cannoni, l'ululato furioso del vento e i colpi delle onde, elementi furiosi, illuminati da lampi nell'oscurità della notte, e insieme a questo, albe e tramonti fiammeggianti, notti poetiche al chiaro di luna sul mare: tutti questi sono fenomeni la cui rappresentazione è relativamente rara nella pittura.

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La maggior parte dei dipinti dipinti da Aivazovsky raffigurano l'elemento acqua, cioè sono opere di un genere paesaggistico pronunciato. In questo campo è stato e resta un maestro eccezionale ed insuperabile. La capacità di percepire poeticamente i fenomeni più ordinari della natura si riflette chiaramente nelle sue opere. Sia che l'artista dipinga un gruppo di pescatori che sistemano le reti vicino a una scialuppa, una notte di luna dopo una tempesta, Odessa al sorgere della luna, o il Golfo di Napoli all'alba, trova sempre nell'immagine visiva della natura caratteristiche sfuggenti che evocano poetiche o musicali. associazioni nella nostra memoria.

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Fin dall'antichità, per il popolo russo, l'elemento mare è stato sinonimo di libertà. Aivazovsky si sforza di trasmettere questi sentimenti nel dipinto "La nona onda". Non solo il suo nome era insolito, ma anche il suo contenuto tematico. È costruito su una complessa opposizione tra una trama drammatica e un'incarnazione luminosa, importante e pittoresca dell'immagine. Il dipinto raffigura un mattino presto dopo una notte tempestosa. Dapprima i raggi del sole illuminarono l'oceano in tempesta e un'onda enorme - la nona onda - pronta a piombare su un gruppo di persone in cerca di salvezza sui rottami degli alberi della nave. nave perduta. Lo spettatore immagina immediatamente quale terribile temporale sia passato di notte e quale disastro ha subito l'equipaggio della nave. E la chiarezza che è arrivata viene percepita ancora più acutamente, lo splendore luminoso dell'alba mattutina, la luce vivificante e il calore del sole, infondendo fiducia nell'esito vittorioso della lotta.

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Aivazovsky ha trovato i mezzi esatti per rappresentare la grandezza, la potenza e la bellezza dell'elemento mare. L'immagine è piena di un suono interiore profondo. Nonostante la drammaticità della trama, non lascia un'impressione cupa, al contrario, è piena di luce, aria ed è completamente permeata dai raggi del sole, conferendole un carattere ottimista. Ciò è notevolmente facilitato dalla combinazione di colori dell'immagine. Il suo colore comprende un'ampia gamma di sfumature di giallo, arancio, rosa, viola cielo e verde, azzurro e viola acqua. La scala luminosa, importante e colorata dell'immagine suona come un inno giubilante e gioioso al coraggio delle persone che sconfiggono le forze cieche di un elemento terribile, ma bello nella sua formidabile grandezza.

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Nel 1873, Aivazovsky creò l'eccezionale dipinto "Arcobaleno". La trama di questa immagine è una tempesta in mare e una nave che muore al largo di una costa rocciosa. Descrivendo questa tempesta, Aivazovsky la mostrò come se lui stesso fosse tra le onde impetuose. Un vento da uragano soffia via la polvere d'acqua dalle loro creste. Come in un turbine impetuoso, la sagoma di una nave che affonda e i contorni vaghi della costa rocciosa sono appena visibili. Le nuvole nel cielo si dissolsero in un velo trasparente e umido. Un flusso di sole irruppe in questo caos, si stese come un arcobaleno sull'acqua, donando al dipinto una colorazione multicolore. L'intero quadro è dipinto nelle migliori tonalità di blu, verde, rosa e viola. Da questo, l'arcobaleno ha acquisito quella trasparenza, morbidezza e purezza di colore che sempre ci delizia e incanta nella natura.

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“L’ultimo giorno di Pompei” .1830-1833 L’arte di Bryullov un tempo lasciò un segno sull’abilità di Aivazovsky e persino sul suo metodo di lavoro. "L'ultimo giorno di Pompei" (1830-33), così come la personalità del suo autore, lasciarono un'impressione indelebile sul giovane Aivazovsky, influenzando largamente la formazione della sua "maniera romantica".

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Era l'agosto del 1834. A San Pietroburgo sulla Nevskij c'era poca gente. Solo all'ingresso dell'Accademia Imperiale delle Arti non c'è folla. Molti bar metropolitani, avendo saputo dell’arrivo del dipinto di Bryullov, provenivano dai loro villaggi. I bar, e soprattutto le donne, non vogliono restare indietro rispetto alla moda. Per loro, la grande creazione di Bryullov è una novità tanto di moda quanto l'esibizione di un famoso mago in visita o di un attore straniero. Gaivazovsky e Tomilov riuscirono a malapena a entrare nella Sala Antica, dove si trovava il dipinto. Una griglia la separava dal pubblico. Gaivazovsky conosceva la descrizione del dipinto dai giornali. Ma ciò che vide superò tutte le sue aspettative. Per un attimo si coprì gli occhi con la mano, così rimase accecato dai lampi fosforescenti dei fulmini e dalla fiamma rossa del vulcano nel cielo tempestoso. Gaivazovsky vide chiaramente la morte dell'antica città romana di Pompei vicino a Napoli nel I secolo d.C., una folla presa da un orrore mortale. Lo stesso orrore lo colse. All'improvviso si sentì come uno di quella folla. Gli sembrava di poter sentire come il tuono assordante scuoteva l'aria, come la terra tremava sotto i suoi piedi, come il cielo stesso, insieme agli edifici che crollavano, cadeva su di lui.

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Gaivazovsky era terrorizzato. Inosservato, iniziò a ritirarsi dal quadro e, raggiunta le scale, si precipitò giù. La mattina dopo, Gaivazovsky tornò alla sala espositiva dopo una notte trascorsa male. Anche se la sua eccitazione non si era ancora placata, questa volta Gaivazovsky ha potuto osservare meglio i gruppi di persone nella foto e la loro composizione complessiva. Ha visto un evento tragico nella vita delle persone. Durante l'eruzione del Vesuvio, la gente si precipitò fuori città per scappare. In questi momenti ognuno mostra il proprio carattere: due figli portano sulle spalle un vecchio padre; un giovane che vuole salvare la vecchia madre la prega di proseguire per la sua strada; il marito si sforza di proteggere la sua amata moglie dai pericoli; Una madre abbraccia le sue figlie per l'ultima volta prima di morire. Al centro dell'immagine c'è una giovane e bella donna caduta morta da un carro, e accanto a lei c'è suo figlio. Nella mente di Gaivazovsky balenò il pensiero che l'artista ha creato un grande dipinto proprio perché ha vissuto profondamente questo evento, ha sentito la bellezza di queste persone che non hanno perso la loro dignità umana.

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Molti giovani artisti russi della metà del secolo scorso furono affascinati e affascinati dall’arte di Bryullov e cercarono di seguire lo stesso percorso, ma nessuno di loro raggiunse il livello delle sue abilità. Solo Aivazovsky ha creato opere che in termini di abilità sono alla pari con i dipinti di Bryullov. Bryullov e Aivazovsky, ciascuno nel proprio campo, erano ottimi pittori per i quali non esistevano difficoltà tecniche. La loro abilità spesso si trasformava in performance virtuosistiche e di per sé costituiva un fenomeno eccezionale e sorprendente. Ma Aivazovsky, con uguale grado di abilità, aveva il vantaggio di essere dotato del felice dono di un'inesauribile immaginazione, che alimentò il suo lavoro per sessant'anni.

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Discepoli del Maestro Mikhail Pelopidovich Latry (1875, Odessa - 1941, Parigi) - pittore, grafico, ceramista. La mostra presenta 105 delle sue migliori opere dalla collezione della galleria d’arte, a testimonianza della diversità degli interessi creativi dell’artista. M. P. Latry è il nipote di I. K. Aivazovsky, ha ricevuto la sua prima impressione d'arte dai dipinti di suo nonno. Si laureò all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, dove studiò nel 1896-1902, con interruzioni, nella classe di paesaggio di A. I. Kuindzhi. Ha studiato a Monaco presso la scuola d'arte di Holloshi e Ferry-Schmidt. Ha viaggiato attraverso la Grecia, l'Italia, la Turchia, la Germania. Dal 1902 partecipò alle mostre primaverili dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo e della Secessione di Vienna, dal 1912 alle mostre dell'associazione World of Art a San Pietroburgo, Mosca, Kiev. Fu uno dei fondatori della Nuova Società degli Artisti di San Pietroburgo. In Crimea, si stabilì nella tenuta Baran-Eli vicino alla Vecchia Crimea, dove allestì un laboratorio di pittura e ceramica. Agli inizi del 1900 fu responsabile della Galleria d'Arte Feodosia. Nel 1920 si recò in Grecia e lavorò presso la fabbrica di Atene “Keramikos”. Partecipato a scavi archeologici sulle isole di Delos, Creta, Thazos. Dal 1924 visse a Parigi, si dedicò alle arti decorative e applicate e alla pittura. Nel 1935 ha luogo la sua mostra personale a Reims. Il primo lavoro presentato alla mostra “Sunrise on the Sea” è stato scritto a imitazione di I. K. Aivazovsky. Un approccio impressionistico è caratteristico di una serie di opere che catturano adeguatamente lo stato momentaneo e l'umore della natura. Gli schizzi “Lillà in fiore” e “Campo di iris” affascinano con le scintillanti sfumature del viola. Il risveglio della natura è palpabile nel paesaggio “Disgelo”, che trasmette lo stato di un’umida giornata invernale. Nel 1906, il dipinto ricevette una recensione favorevole dalla critica: “Dei paesaggi di Latry, il migliore è “Il disgelo”. Sono molto buoni i tronchi grigio scuro umidi vicino al fosso: respirano già la primavera, che è ancora lontana”.

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Come pittore dello Stato maggiore della marina, I.K. Aivazovsky dipinse tele meravigliose che catturarono tutte le principali vittorie della Russia in mare.

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Storia della Galleria di Feodosia...Il mio sincero desiderio è che l'edificio della mia galleria d'arte nella città di Feodosia, con tutti i dipinti, le statue e le altre opere d'arte situate in questa galleria, siano di piena proprietà della città di Feodosia , e in memoria di me, Aivazovsky, lascio in eredità la galleria alla città di Feodosia, la mia città natale. Dal testamento di IK Aivazovsky Nel 1880, Aivazovsky aggiunse al suo laboratorio una galleria d'arte, la cui apertura ufficiale fu programmata per coincidere con il compleanno dell'artista e ebbe luogo il 29 luglio. Questa fu la prima galleria d'arte periferica in Russia, che godette di grande fama anche durante la vita del pittore marino. La collezione di dipinti in essa contenuta cambiava costantemente, poiché le opere dell'artista venivano inviate alle mostre e non venivano mai restituite. Il loro posto è stato preso da nuovi, appena scritti. Già a quel tempo la Galleria Aivazovsky era il centro dell'arte artistica, musicale e teatrale della città. Queste tradizioni vivono fino ad oggi. Dopo la morte di I.K. Aivazovsky, la sua galleria d'arte diventa proprietà della città. Sulla facciata principale della casa dell'artista c'è un monumento in bronzo, sul cui piedistallo c'è un'iscrizione laconica: "" Feodosia ad Aivazovsky.

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Tra i primi lavori dell’artista, un posto di rilievo spetta al dipinto “La nona onda”, che rappresenta l’apice del primo periodo romantico della sua opera. Il dipinto fu dipinto nel 1850, quando l'artista aveva solo 33 anni ed era nel pieno delle sue forze creative.

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Ivan Konstantinovich Aivazovsky nacque il 17 luglio 1817 a Feodosia nella famiglia di un uomo d'affari armeno, che in seguito fallì. Prima studiò al ginnasio di Simferopol, poi nel 1833 entrò all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, dove dal 1833 al 1839 studiò con M.N. Vorobyov nella classe di paesaggio. Il primo dipinto di Aivazovsky, “Lo studio dell’aria sul mare”, apparso in una mostra accademica nel 1835, ricevette immediatamente elogi dalla critica. Nel 1837 il pittore ricevette una grande medaglia d'oro per tre delle sue opere con vista sul mare. Presto Aivazovsky andò in Crimea, ricevendo l'incarico di dipingere una serie di paesaggi con le città della Crimea. Lì ha incontrato Kornilov, Lazarev, Nakhimov. Le opere della Crimea dell’artista sono state presentate con successo anche in una mostra all’Accademia delle arti. Nel 1840 Aivazovsky fu inviato in Italia su istruzioni dell'Accademia. Lì lavora molto e fruttuosamente, studiando arte classica. Mostre di successo delle sue opere si tengono a Roma e in altre città europee. Il Consiglio delle Accademie di Parigi gli conferisce una medaglia d'oro. Al ritorno in Russia, Aivazovsky ricevette il titolo di accademico e fu inviato al quartier generale principale della marina, dove all'artista fu incaricato di dipingere una serie di vedute baltiche. Essendo un pittore dello Stato Maggiore della Marina, Aivazovsky prende parte a una serie di operazioni militari, creando dipinti con scene di battaglia. Una delle opere più famose, scritta nel 1848, fu “La battaglia di Chesme”. Aivazovsky ritrae il mare come base della natura, nella sua rappresentazione l'artista riesce a mostrare tutta la bellezza vitale di un potente elemento. Uno dei dipinti più famosi di Aivazovsky fu “La nona onda”, dipinto nel 1850. Ma Aivazovsky ha lasciato un segno nella storia non solo come pittore di talento, ma anche come filantropo. Avendo accumulato un capitale considerevole grazie alla popolarità delle sue opere, Aivazovsky si è generosamente impegnato in opere di beneficenza. Con i suoi soldi fu costruito l'edificio del museo archeologico di Feodosia e furono eseguiti numerosi lavori per migliorare la città. Molti artisti famosi uscirono dal suo laboratorio di Feodosia: Kuindzhi, Lagorio, Bogaevskij. Ivan Konstantinovich Aivazovsky morì il 19 aprile 1900.