Effetti visivi e grafica computerizzata entrato saldamente nelle nostre vite. Oggi chiunque può studiare il misterioso e Mondo magico post-produzione e diventare un esperto in questo campo. I suggerimenti seguenti ti aiuteranno a migliorare le tue conoscenze su VFX e CGI.

Questo è un consiglio abbastanza ovvio, ma i principianti molto spesso lo ignorano. L'abitudine di guardare e analizzare dovrebbe diventare parte del processo lavorativo o della formazione. Dopo aver visto un film con fantastici effetti visivi, guardalo di nuovo, ma non come spettatore, ma come specialista. Prova a trovare errori e problemi, in realtà ce ne sono molti. Analizza come è stata creata la cornice, come è stata illuminata e perché è stata realizzata in quel modo.

copia

Prova a ripetere i fotogrammi dei tuoi film o video preferiti. Ovviamente stavo lavorando per creare uno scatto interessante bella squadra artisti. Ma sono sicuro che la maggior parte degli scatti possano essere ricreati con un budget minimo. Il compito è creare qualcosa di simile con un budget minimo e la massima qualità. Ricorda, lo stai facendo nell'interesse del tuo sviluppo professionale. Di conseguenza, questi lavori si adatteranno perfettamente al portfolio e potranno essere pubblicati su Behance.

Chi sono?

Quando guardi l'acclamato blockbuster CGI di Hollywood, ricorda che un team di professionisti ha lavorato su ogni fotogramma. Ogni membro del team ha svolto un lavoro altamente specializzato. Un gruppo ha modellato mentre un altro ha illuminato i modelli, alcuni hanno dipinto gli ambienti, altri hanno animato i personaggi e alcuni si sono occupati del compositing, offuscando il confine tra la realtà e il mondo della CG. Se tutti facessero tutto, il risultato sarebbe disastroso.

Pertanto, è importante decidere di cosa tratta la tua anima. Cosa sei disposto a fare per 10-12 ore al giorno senza rimpiangere un solo secondo speso al lavoro? Puoi scegliere diverse direzioni per te stesso, ma è importante evidenziare quelle primarie e, se possibile, rafforzare il resto.

Impara le nozioni di base

Essere un esperto altamente specializzato è importante, ma è necessario comprendere l'intero processo di creazione di un'opera visiva. Se il tuo lavoro è truccare i personaggi, allora devi capire e sapere come sono stati modellati, come illuminarli al meglio e come verranno composti con il filmato. La conoscenza di base in ciascuna di queste aree ti darà un enorme impulso allo sviluppo.

Chatta e incontra esperti

Vai agli eventi relativi alla CG e ai film. Certo, ce ne sono pochissimi nella CSI, ma quando passano, i veri squali si radunano lì effetti visivi.

Non è mai troppo tardi per imparare o come risparmiare qualche anno

Alcuni anni fa si credeva che solo pochi eletti potessero diventare artisti VFX. In effetti, è stato così. Solo i più diligenti e persistenti potevano trovare le preziose informazioni di cui avevano bisogno e trascorrere ore a studiare i programmi attraverso tentativi ed errori. Adesso tutto è esattamente il contrario. Ci sono così tante informazioni che potresti passare tutta la vita a guardare i tutorial da solo. Ma non arriverai così lontano.

L'unico il modo giusto Ci sarà formazione da parte di professionisti. Solo sotto la supervisione di un maestro uno studente conquisterà le vette dell'industria CGI.

L'unica domanda è: dove andare a studiare?

C'è solo una risposta qui: a i migliori maestri della tua attività. Ad esempio, segui corsi in studio TerminalFX, basta guardarli portafoglio per capire quanto sono bravi gli insegnanti a lavorare lì.
Il denaro speso per la formazione verrà ripagato decine, se non migliaia di volte. Il campo della computer grafica sta guadagnando slancio e qui gli specialisti sono sempre necessari.

Bene, per ispirazione, una selezione di fantastici showreel e approfondimenti. Spero davvero di vedere un giorno il tuo lavoro negli showreel di questi fantastici studi:

Dico subito che questo articolo non è per principianti.

Nonostante il fatto che adesso miglior tempo Per fare soldi anche nel nostro settore degli effetti visivi, molti utenti di Internet continuano a lamentarsi dei bassi salari.

E non stiamo nemmeno parlando di studenti principianti, ma piuttosto di specialisti forti.

E quindi inizierò con i fatti: lo stipendio medio negli uffici della maggior parte delle aziende IT nelle città milionarie della CSI = $ 1300-$ 2000. Ciò vale anche per il nostro settore CG (post-produzione, sviluppo di giochi, animazione).

Su di esso possono contare dipendenti assunti con almeno 2 anni di esperienza con un carico di lavoro e responsabilità medio. I dipendenti con responsabilità più elevate, ad esempio supervisori, responsabili, generalisti, possono ricevere da 2.000 a 3,5.000 $ al mese. Lo stipendio più alto per uno specialista in CG che ho sentito e posso confermare è di $ 4.000 (Kiev).

Ma il problema è che molti specialisti eccellenti non guadagnano quanto vorrebbero. Alcuni motivi per cui è così che ho notato nel corso dei miei 12 anni di carriera:

1. Bassa attività sociale

O in altre parole: mancanza di rete. Per dirla ancora più semplice, dovrebbero conoscerti. E preferibilmente partecipanti di mercato influenti.

Non è un segreto che i migliori posti vacanti siano in buone aziende ottengono attraverso i conoscenti. Tieni presente che c'è poco lavoro sui siti tematici in cui lo stipendio supera i $ 3.000 al mese. Semplicemente non sono pubblicizzati. Il fatto è che nei circoli sociali degli specialisti intelligenti ci sono sempre 2-3 specialisti uguali o addirittura migliori (come l'amicizia professionale). Innanzitutto, la maggior parte dei direttori si rivolge ai propri dipendenti: trovami qualcuno come te. E spesso lo trovano.

2. Rari cambiamenti di lavoro

“Non esiste ancora un’azienda migliore da nessuna parte. Fatica. Difficile." Queste sono tutte le tipiche scuse per cui trascorriamo metà della nostra vita nel luogo in cui siamo finiti per caso dopo il college.

Più di una volta negli articoli lo abbiamo menzionato aziende CGI nazionali praticamente assente carriera, non importa cosa ti dicono durante le interviste. Sì, ci sono alcune eccezioni, ma la crescita del tuo stipendio all'interno di un'azienda raramente supera il 15-20% in dollari (di solito non cambia affatto per 5-7 anni).

Il modo più semplice è rivenderti come un buon specialista (se lo sei) ad altre aziende per salari e posizioni più alti. Quindi senza troppe difficoltà puoi ottenere un aumento di stipendio dal 25 al 50%.

Lo consiglio fasi iniziali cambiare lavoro di carriera una volta all'anno, un anno e mezzo. Per più fase matura– una volta ogni 2-3 anni. Inoltre, tu stesso lo capirai e raggiungerai un tale programma se lo sviluppo continuo è importante per te, proprio come lo è per me.

3. Nessuna capacità di venderti

Andare avanti. Dimmi, quante volte nella tua vita sei stato ai colloqui negli ultimi 2-3 anni? Va bene se più di due volte. E questo deve essere fatto. Pubblica il tuo curriculum su tutti i siti di ricerca di lavoro e attendi che le persone ti chiamino/scrivano. Successivamente, rispondi alle chiamate e dì al tuo nuovo capo che grande specialista sei e perché dovresti essere pagato al di sopra del mercato. E cerca tu stesso i posti vacanti. Su Internet, con gli amici. E vai alle interviste! Impara, in generale, come venderti.

5. Stagnazione con il prof. crescita. Mancanza di formazione continua continua

Ripensa al tuo ultimo cambio di lavoro. Quanti tutorial hai guardato un mese prima e quando sei passato a? nuova società? Quante domande sono state poste ai nuovi dipendenti? Quante nuove tecniche e trucchi hai imparato? Tutto questo accade 2-3 mesi prima e durante il primo anno di permanenza in una nuova azienda. Allora, qual è il prossimo passo...

Cambiamento raro il luogo di lavoro spesso porta al fatto che una persona smette di svilupparsi. Per essere più precisi, comincia a degradarsi. Dopo il secondo o terzo anno di permanenza in azienda, il dipendente comincia lentamente a ricoprirsi della “pellicola di Dio”, soprattutto ai suoi stessi occhi.

È chiaro che la tua crescita professionale e il tuo sviluppo come persona si fermano. E la crescita professionale è uno dei tuoi valori fondamentali. Se metti da parte tutto il resto vieni pagato un sacco di soldi solo perché sei un buon professionista = sai risolvere velocemente i compiti e i problemi dell’azienda.

4. Non c'è bisogno di soldi

Tutto è semplice qui. La maggior parte di noi guadagna esattamente ciò di cui ha bisogno per rimanere sveglio nella propria zona di comfort. Tutto il resto si lamenta e "Sarebbe bello comprare uno yacht la prossima settimana, ma il mio cattivo capo non mi aumenterà lo stipendio".

Come trattare? Espandi semplicemente le tue esigenze, il livello della norma. Vola al mare nella Repubblica Dominicana, visita i concessionari di automobili per acquistare auto nuove. Se lo fai regolarmente, avrai bisogno di soldi.

6. Non è tuo

Affinché tutto quanto sopra funzioni, in modo che tu voglia crescere come professionista nel campo della CG e degli effetti visivi, assicurati di avere una passione per questo. Al giorno d'oggi su Internet puoi trovare molti creatori di giochi principianti e cicalini. Sono stati ispirati da qualche progetto e, con gli occhi scintillanti, sono presumibilmente pronti a suonare giorno e notte. Ma questa miccia scompare dopo una settimana o due. Per alcuni, tra un mese o mezzo anno.

Creare effetti visivi e grafica 3D non è in realtà un compito semplice, noioso e di routine. Questi non sono i clienti più facili da “capire e perdonare”. Pertanto, assicurati che l’industria degli effetti visivi sia ciò per cui hai veramente una passione. Solo a queste condizioni sarà più facile per te crescere e svilupparti, aumentare il tuo livello di abilità ogni anno, apprendere nuovi strumenti e tecniche e, di conseguenza, aumentare le tue entrate ogni anno di almeno una volta e mezza.

Scrivi i tuoi pensieri su questo argomento nei commenti!

Un documentario sulla non redditività della grafica CG nel cinema come business. La società che ha disegnato Life of PI è fallita due settimane prima di vincere un OSCAR. Negli ultimi 10 anni, 21 importanti studi di effetti di Hollywood hanno chiuso. Nonostante il fatto che la CG sia tradizionalmente un settore in cui le persone lavorano giorno e notte senza giorni liberi (come la produzione video, tra l'altro) e senza garanzie, quasi tutti vengono assunti individualmente per la durata del progetto e cambiano costantemente lavoro, spesso lasciando il proprio famiglie per mesi e anni. Quasi l'intera industria americana della CG sta morendo a causa del fatto che le agevolazioni fiscali sono state concesse in Canada (così come per i giocatori, tra l'altro - ecco perché Ubisoft fa quasi tutto lì). Di conseguenza, gli artisti si spostano costantemente da un paese all’altro, dove ci sono vantaggi e l’industria è in forte espansione.

Nel complesso, il film parla del fatto che è ora di cambiare il modello di business: gli artisti della CG sono gli stessi cineasti di tutti gli altri e dovrebbero ricevere una percentuale del reddito del film o una paga oraria (come gli operatori di ripresa, ecc.) perché, come Qualunque attività creativa, è difficile da calcolare in anticipo. La maggior parte degli studi costringe gli appaltatori a lavorare a un prezzo fisso: dicono, ti paghiamo 10 milioni e ci permettiamo di soddisfare tutti i nostri capricci. Bene, poi è iniziato - il regista ha cambiato idea, hanno deciso di girare di nuovo la scena, rifarla, buttarla via del tutto e sostituirla con un'altra - gli addetti alla CG fanno questo lavoro gratuitamente. Lo studio sopporta le perdite e non può farci nulla.
Nel 2013, i personaggi del film hanno lavorato in due film nominati per un OSCAR, vinto da Vita di Pi. Ex dipendenti si sono riuniti per una manifestazione vicino alla cerimonia. Quando lo staff è già fuori dal palco studio chiuso ho provato a parlare del fatto che la società che ha svolto questo lavoro aveva un problema: erano stati soffocati dalla musica di "Jaws". Inoltre, Ang Lee, nel ringraziare tutti dal palco per la loro partecipazione al film, ha elencato tutti tranne gli artisti CG che hanno partecipato al film. in questo caso ha realizzato il 70% del film.
Di conseguenza, l’intera comunità della CG era semplicemente fuori di sé. Per protesta, gli artisti hanno iniziato a mettere schermi verdi sui loro avatar di Facebook e a pubblicare foto reali di film senza CG. Ora l'intero settore degli effetti visivi sta cercando di sviluppare una politica comune per lavorare con Hollywood.



In linea di principio, noi di FXA conosciamo molto, molto bene tutti questi problemi, anche se non stiamo parlando di CG. Descrizione dei problemi con i clienti e cambiamenti nei piani - 100%.

Il 3 marzo si svolgerà a Hollywood una massiccia manifestazione di artisti VFX contro i principali studi cinematografici. Allo stesso tempo, si sta creando una lobby per modificare la legislazione. Generalmente, grandi aziende Sono accusati di mettere i governi gli uni contro gli altri, costringendoli a lottare tra loro, aumentando sempre più i benefici per il cinema a spese dei contribuenti, mentre loro stessi guadagnano denaro stabilendo record di incassi al botteghino.

Principali fasi della creazione

Spesso gli artisti principianti si chiedono come disegnare disegni al tratto ordinati. Maggioranza artisti esperti chi lo usa nel proprio lavoro, lo crea in modo iterativo. Utilizzo 3 fasi principali: scelta dell'angolazione, ricerca del design e attenta elaborazione.

Cercare di fare tutto in una volta senza sufficiente esperienza richiede molto tempo e fatica, perché... Di solito uno dei tre punti risulta essere soddisfatto a un livello insufficiente ed è necessario rifarlo.

La divisione in iterazioni ti consente di concentrarti su piccolo volume lavoro. Scegliendo un angolo in anticipo, puoi iniziare a cercare un disegno senza caricarti di un controllo eccessivo sulla prospettiva. E, poiché nel processo di ricerca di un disegno, in un modo o nell'altro, nel disegno si formerà uno "sporco" in eccesso, non è necessario sprecare energie con un'eccessiva pulizia delle linee. Nella fase finale, non abbiamo più bisogno di cercare il disegno e l'angolazione, così possiamo delineare tutto in modo rapido e preciso.

Successivamente aggiungiamo l'occlusione. L'occlusione è un'ombra proveniente dalla luce diffusa. Nostro il mondo progettato in modo che la luce diffusa sia sempre presente quando è presente almeno una sorgente luminosa. Lo vediamo intorno a noi per tutta la vita e sappiamo come leggerlo, indipendentemente dal fatto che sappiamo o meno della sua esistenza e se comprendiamo i principi in base ai quali funziona. L'aggiunta di oclugene a un progetto aiuta a raggiungere questo obiettivo migliore trasmissione volume.

Il passo successivo è il colore. Quando scegli i colori per le singole parti di un oggetto, devi assicurarti che stiano bene insieme. Cattivo o Bei fiori non succede, tutto dipende dalle combinazioni scelte.

In un livello separato disegniamo tutte le ombre proprie e cadenti dei dettagli e dell'intero oggetto nel suo insieme.

Regoliamo l'intensità dell'occlusione in modo che non offuschi il nostro oscilloscopio.

Mostrare influenza luce del sole e aggiungi riflessi dallo spazio circostante.

In questa fase, il nostro compito è mostrare la differenza nelle proprietà dei materiali. Alcuni riflettono bene la luce, mentre altri, al contrario, assorbono la luce. Alcune parti hanno superfici lisce, mentre altre hanno superfici ruvide. Tutto ciò dovrebbe riflettersi nel loro aspetto.

Aggiungi segni allo schermo e una traccia dal raggio.

Nella fase di post-elaborazione, aggiungiamo nitidezza e regoliamo leggermente i colori.

Qui troverai registrazione completa lezioni:

Utilizzando pacchetti 3D

Come puoi vedere, per creare questa immagine è stato utilizzato esclusivamente un editor 2D. Questo è più che sufficiente per descriverlo oggetto semplice. Tuttavia, quando si tratta di scene complesse, l'illustratore si trova ad affrontare una serie di situazioni compiti difficili, uno dei quali è costruire la prospettiva e l'illuminazione corrette. In tale situazione la migliore soluzioneè l'uso di una combinazione di editor 2D e 3D. Come editor 2D, utilizzo lo "standard del settore": Photoshop. E per la modellazione 3D ho scelto Zbrush e Maya. Il primo è il pacchetto di scultura più popolare e il secondo è abbastanza facile da imparare, ma allo stesso tempo ha funzionalità serie.

Di seguito sono riportate le illustrazioni che ho creato utilizzando questa combinazione di strumenti:

Questa tecnica per creare illustrazioni è abbastanza facile da imparare. Ecco alcuni esempi del lavoro dei miei studenti:

Se non hai l'opportunità di dedicare almeno diversi anni ad imparare a disegnare in modo attento e scrupoloso, quindi padroneggiare a fondo le capacità dell'editor e vuoi comunque disegnare... Forse questi suggerimenti per principianti ti aiuteranno almeno a evitare immagini strabilianti e risparmia un sacco di tempo calpestando un rastrello.

Lo dirò subito: devi ancora imparare le basi! Ma se non hai il tempo o l'opportunità, hai due opzioni: non disegnare affatto o imparare strada facendo. Se hai scelto quest'ultimo, sentiti libero di continuare a leggere.

Ricorda che tutto ciò che ti è proibito, ovviamente, può essere utilizzato, ma questo dovrebbe essere fatto solo quando capisci cosa farne, altrimenti i dossi del rastrello cresceranno, ma non ci saranno risultati.

SUGGERIMENTO 1. I pennelli standard sotto forma di erba, stelle e altre sciocchezze ti fanno male per i prossimi mesi di lavoro con il tablet e Photoshop.

Questo è un male, almeno finché non ti rendi conto che puoi farcela benissimo senza di loro. Nel frattempo, ricordiamo rigorosamente che durante i primi mesi di stretta comunicazione con il tablet, l'unica spazzola dovrebbe essere... una spazzola dura rotonda standard. Ok, può essere quadrato, rettangolare o qualunque sia la sua forma. Solido. Non morbido.

Naturalmente è utile anche un pennello morbido, ma per cominciare è meglio dimenticarsene, o se decidi di usarlo per dipingere un po', fallo a piccole dosi e per ora lascia il pennello duro come priorità. Nel corso di un paio d’anni ho sentito così tante frasi del tipo “se solo qualcuno me lo dicesse” che ero decisamente convinto che fosse corretta. questo consiglio. Quindi - fidati di me! Oppure uccidilo.

Molti artisti alla fine realizzano (o prendono in prestito da altri) i propri pennelli di base. Di solito hanno bordi frastagliati per facilitare la fusione. Ma per te tutto questo adesso è completamente inutile. Dimentica tutti questi pennelli che ne sono pieni su Internet. Impara a padroneggiare almeno un po' il round hard e solo allora rendilo più difficile.

Se la voglia di usare altri pennelli è troppo grande, andate in Photoshop e cancellate tutti i pennelli tranne quello tondo duro... ok, anche quello morbido, e dimenticate tutto metodi conosciuti creazione di pennelli. Per un po', ovviamente.

Hai bisogno urgentemente di erba, foglie e farfalle? Allora, qual è il problema? Disegno!

CONSIGLIO 2. Il tuo primo disegno, o il successivo se lo hai già disegnato, non dovrebbe essere il tuo gatto, cane, fratello, sorella, mamma, papà preferito, ma... un tratto tonale.

E... no, non per esercitarsi con la pressione della penna e le linee rette, ma per imparare come eseguire transizioni fluide. La maggior parte degli artisti alle prime armi soffre del fatto che semplicemente non sanno come mescolare i colori e appianare i piani. E, naturalmente, il più semplice e soluzione rapida Si scopre che viene utilizzato un pennello morbido e questo, a sua volta, porta a risultati terribili, che poi portano gli artisti particolarmente deboli di cuore a traumi psicologici. Ok, quest'ultimo è uno scherzo, ma resta il fatto. Pertanto, prima di iniziare a disegnare, che tu lo voglia o no, devi assolutamente imparare una tecnica semplice ma incredibilmente utile.

Quindi da questo:

Otterremo questo:

Bene, ci occuperemo del colore più tardi.

Quindi, il più ottimale e buon modo mescolare i colori e creare una transizione graduale significa utilizzare un pennello duro poiché consente di creare molte transizioni e mantenere la "chiarezza" del disegno, che gli dà vita. Un pennello morbido ti consente di effettuare transizioni apparentemente più fluide:

Ma tale morbidezza è raramente vantaggiosa. È utile per creare il volume complessivo dello sfondo, ma qualunque cosa si possa dire, se guardi da vicino, puoi vedere che rimane una sensazione di sfocatura, e quando questo metodo viene utilizzato in un disegno, ad esempio, un ritratto di tua sorella, allora tutto sembra ancora peggio.

Naturalmente spetta a te decidere quale opzione ti piace di più e, idealmente, dovresti essere in grado di usarle entrambe, ma devi sapere quando usare una spazzola morbida e quando no. Nel frattempo, questo non lo sappiamo ancora bene, per lo più L'opzione migliore ascolta le zie e gli zii intelligenti che mi agitano albero maturo e fai come dicono.

Quindi iniziamo il nostro stretching.

Per eseguire un allungamento così semplice, devi armarti di una spazzola rotonda e dura. Personalmente, per il pennello base, preferisco disattivare la risposta alla pressione della penna, che determinerebbe lo spessore del tratto, ma la risposta alla trasparenza è proprio quella. Ma questo non è per tutti. Credo che chiunque possa fare amicizia con le impostazioni di Photoshop se non è troppo pigro. E parlerò di qualcos'altro.

1. Quindi, prendi il nero e dipingi con esso metà del nostro disegno. Beh, o più o meno la parte che secondo te sarà... un'ombra.

2. Ora prendiamo e abbassiamo i parametri Opacità (Opacità) e Flusso (Pressione) del pennello (si trovano nella parte superiore del menu) a circa il 40-50%. Come meno valore Opacità: più trasparente sarà il nostro colore e se tracciamo una linea, attraverso di essa sarà visibile anche lo strato inferiore di colore. Infatti, l'opacità può essere paragonata alla densità della vernice. Più alto è il valore, maggiore è il potere coprente. Il valore Flow determina la densità del "flusso". In parole povere, combinando questi due parametri è possibile ottenere effetti diversi dal pennello, senza interferire con le altre impostazioni. Ma torniamo alle nostre pecore.

Quindi, con il colore nero selezionato dipingiamo a metà Colore bianco. Inoltre, questo deve essere fatto in un unico movimento, senza sollevare la penna. Se lo strappi, il tratto precedente coprirà quello già disegnato e la miscelazione avverrà dove non ne abbiamo bisogno. Ora prendiamo il nuovo colore risultante con una pipetta e lo dipingiamo per metà nero. Di conseguenza, ci ritroveremo con qualcosa del genere:

3. Successivamente riduciamo il diametro del pennello, beh, penso che sia chiaro il motivo? E prendiamo il colore risultante a sinistra (sul bianco) e lo dipingiamo per metà di bianco, quindi facciamo lo stesso con il nero. E finiamo con qualcosa del genere:

4. Penso che sia chiaro, cosa facciamo dopo? Iniziamo andando da sinistra a destra o da destra a sinistra (a seconda di quale sia più conveniente per te) e, prendendo un colore, dipingiamo metà di quello adiacente. Quindi prendiamo il pezzo rimanente del colore non verniciato e dipingiamo il pezzo successivo a metà, ecc. Fondamentalmente, abbiamo effettivamente fatto una sorta di stretching.

In alcuni punti è storto, ma l'ho fatto solo come esempio della tecnica.

5. Ora riduciamo l'opacità al 15-30% - questo dipende dalle priorità personali, io, ad esempio, di solito uso entro il 20% o più se la modalità pressione della penna pennello funziona, e continuo a fare lo stesso. Ancora e ancora. In generale, questa lezione è fatta esclusivamente per la formazione. Di conseguenza, tu stesso scoprirai il modo migliore per creare transizioni. Quale pressione scegliere, come applicare i colori. E questo ti aiuterà solo a capire. È improbabile che tu possa pervertirti in questo modo, ma a volte sarà necessario.

Di conseguenza, ci ritroveremo con qualcosa del genere:

Una volta compreso questo semplice compito, ti consiglio in futuro di provare a tradurre Opacità e Flusso in pressione della penna. E impara a lavorare in questo modo. In primo luogo, questo ridurrà almeno il tempo dedicato alle distrazioni costanti per modificare i parametri e, in secondo luogo, imparerai a manipolare in modo più sottile la pressione durante il processo di disegno, il che di per sé è già fantastico!

Ora parliamo dell'allungamento del colore. Tutto qui è essenzialmente lo stesso. Puoi semplicemente allungarlo in due modi. Più precisamente non è così. Il metodo è sempre lo stesso, ma le azioni sono leggermente diverse e il risultato... diverso.

Opzione 1. Transizione da un colore all'altro, ignorando i colori intermedi. Questo metodo è simile allo stretching uno a uno in bianco e nero.

Tuttavia, non è molto adatto nei casi in cui i colori sono distanti tra loro sulla ruota dei colori. E, come puoi vedere, il colore nel momento della miscelazione “cade” nel grigio, il che a volte non è molto buono per il disegno e può portare a “sporco” in futuro, ma può essere conveniente per lo sfondo, dove i colori dovrebbero essere meno saturi rispetto al piano in primo piano.

Opzione 2. Transizione da un colore all'altro attraverso i colori intermedi nella ruota dei colori. Qui l'essenza è la stessa, ma aggiungiamo colori che sono tra i nostri due principali. Non spiegherò di cosa si tratta cerchio di colori e cosa significa il colore intermedio? Leggi la teoria dei colori e troverai molto informazioni utili. Col tempo imparerai ad aggiungere diversi colori intermedi contemporaneamente durante il processo di miscelazione. In effetti, è così che avviene il disegno: aggiungendo e mescolando colori differenti. Hai scoperto l'America, vero? Ma ora proveremo a farlo in modo semplice in modo che tu capisca come funziona il tutto.

Quindi per prima cosa dividiamo il nostro disegno a metà in Giallo e Viola. Quindi apri la tavolozza e prendi un colore da qualche parte nel mezzo tra questi colori, e con Opacità 50% dipingi metà giallo e metà viola. Voilà e otteniamo due colori intermedi.

Ora arriva la parte divertente! Apri la tavolozza e usa il contagocce per ripercorrere l'intero tratto. Prima sul primo e poi sul secondo. È davvero interessante? Seguiamo la stessa gamma, MA nel secondo caso i colori sono più saturi e luminosi. Ed è fantastico, vero? Aggiungendo un colore intermedio abbiamo reso il nostro stretching più vibrante e non è stato per niente difficile.

Ricordalo e i tuoi disegni diventeranno immediatamente più vibranti. Questo, ovviamente, è difficile da implementare subito, ma col tempo ne prenderai la mano e tutto funzionerà. La cosa principale da ricordare è questa quando disegni.

Un aspirante artista mi ha chiesto di fare un video di stretching perché semplici passaggi non gli bastava. Era la prima volta che teneva una penna tra le mani e non aveva mai lavorato con Photoshop. Ho registrato un breve video che mostra come ho eseguito questi allungamenti. È molto semplice, ma questo tipo di allenamento con la penna è in realtà molto utile, soprattutto quando si lavora con il colore. Sarebbe fantastico se impostassi Opacità e Flusso sulla pressione della penna durante l'esecuzione. A proposito, in questo caso non dovrai abbassare questi parametri troppo in basso. Questo può essere visto nel video. Utilizzo il 50% di opacità quasi sempre.