V 17. storočí Holandsko sa stalo vzorovou kapitalistickou krajinou. Viedla rozsiahly koloniálny obchod, mala výkonnú flotilu a stavba lodí bola jedným z popredných odvetví.

Dejiny holandského maliarstva 17. storočia. dokonale demonštruje vývoj práce jedného z najväčších portrétnych maliarov v Holandsku Frans Hals(okolo 1580-1666). V 10-30 rokoch Hals veľa pracoval v žánri skupinových portrétov. Ide v podstate o zobrazenie puškárskych cechov – korporácií dôstojníkov na obranu a ochranu miest. Mešťania sa chceli nechať zvečniť na plátne, za právo byť vyobrazení platili určitý poplatok a umelec bol povinný pamätať na to, aby každému modelu venoval rovnakú pozornosť. Nie je to však portrétna podobnosť, ktorá nás na týchto Halsových dielach uchvacuje. Vyjadrujú ideály mladej republiky, pocity slobody, rovnosti a kamarátstva. Z plátien týchto rokov vyzerajú veselí, energickí, podnikaví ľudia, ktorí sú si istí svojimi schopnosťami a budúcnosťou („Cech puškárov sv. Adriána“, 1627 a 1633; „Cech puškárov sv. Juraja“, 1627). Hale ich zvyčajne zobrazuje na priateľskej hostine, na veselej hostine. Veľký rozmer kompozície, horizontálne pretiahnutý, široké sebavedomé písmo, intenzívne, sýte farby (žltá, červená, modrá atď.) vytvárajú monumentálny charakter obrazu. Umelec pôsobí ako historiograf celej éry.m

Rozkvet krajinomaľby v holandskej škole sa datuje do polovice 17. storočia. Najväčším majstrom realistickej krajiny bol Jacob van Ruisdael (1628/29-1682), umelec s nevyčerpateľnou fantáziou. Jeho diela sú zvyčajne plné hlbokej drámy, či už zobrazuje lesné húštiny (Forest Swamp), krajinu s vodopádmi (Waterfall) alebo romantickú krajinu s cintorínom (Židovský cintorín). Ruisdaelova povaha sa objavuje v dynamike, vo večnej obnove. Aj tie najjednoduchšie motívy prírody získavajú pod štetcom umelca monumentálny charakter. Ruisdael má tendenciu kombinovať starostlivé zobrazenie s veľkou vitálnou integritou, so syntetickým obrazom.

Len prímorskú krajinu (marína) urobil Jan Porcellis (okolo 1584-1632). Popri realistickej, čisto holandskej krajine existoval v tom čase aj ďalší smer: krajiny talianskeho charakteru, animované mytologickými postavami, postavami ľudí a zvierat.

Holandské zátišie je jednou z umeleckých realizácií najdôležitejšej témy holandského umenia – témy súkromného života obyčajného človeka. Táto téma je plne stelesnená v žánrovom filme. V 20-30 rokoch 17. stor. Holanďania vytvorili zvláštny typ drobnej maľby malých figúrok. 40-60-te roky boli rozkvetom maľby, oslavujúcej pokojný meštiansky život Holandska, meranú každodennú existenciu.

40. a 50. roky sú časom tvorivej zrelosti. Zmenil sa nielen vonkajší život Rembrandt, V prvom rade sa zmenil on sám. Toto je čas formovania jeho tvorivého systému, z ktorého sa mnohé stane minulosťou a v ktorom sa získajú ďalšie, neoceniteľné vlastnosti. V tomto období sa často obracia na predchádzajúce diela, aby ich prerobil novým spôsobom. Tak to bolo napríklad v prípade „Danae“, ktoré napísal už v roku 1636. Už vtedy bolo na tomto obrázku vyjadrené to hlavné: zmyselný princíp, pohanský, do istej miery „Titian“ bol v ňom len časťou všeobecný vo vyjadrení zložitých emocionálnych zážitkov, jediný emocionálny impulz. Klasický, krásny, ale aj abstraktný ideál krásy vystriedalo vyjadrenie životnej pravdy, svetlá individualita fyzického líčenia. Toto škaredé telo bolo podané mimoriadne realisticky. Ale Rembrandt nebol spokojný s vonkajšou pravdou. Obrátením sa k maľbe v 40. rokoch umelec zintenzívnil svoj emocionálny stav. Ústrednú časť s hrdinkou a slúžkou prepísal.

Portréty zosnulého Rembrandta sa veľmi líšia od portrétov 30. a dokonca 40. rokov. Tieto mimoriadne jednoduché (polovičné alebo vedľa seba umiestnené) obrazy ľudí blízkych umelcovi vo svojej vnútornej štruktúre sú vždy obrazným vyjadrením mnohostrannej ľudskej osobnosti, ktorá zaráža majstrovskou schopnosťou sprostredkovať nestabilné, nepolapiteľné duchovné pohyby.

Rembrandt vedel, ako vytvoriť životopisný portrét; zvýraznením len tváre a rúk vyjadril celý príbeh života

Umenie Francúzska 17. storočia.

Francúzske umenie 15. storočia. vychádza z tradícií francúzskej renesancie. Obrazy a grafiky Fouqueta a Cloueta, sochy Goujona a Pilona, ​​zámky z čias Františka I., palác Fontainebleau a Louvre, Ronsardova poézia a próza Rabelaisa, filozofické experimenty Montaigne, všetky toto nesie pečať klasicistického chápania formy, prísnej logiky, racionalizmu, rozvinutého zmyslu pre milosť, - tých. ktorá je predurčená naplno sa realizovať v 15. storočí. vo filozofii Descarta, v dramaturgii Corneilla a Racina, v maľbe Poussina a Lorraina.

V oblasti výtvarného umenia proces formovania klasicizmu nebol taký jednotný.

V prvej architektúre sú načrtnuté črty nového štýlu, aj keď sa úplne neformujú. V Luxemburskom paláci, ktorý dal Salomon de Brosse postaviť pre vdovu po Henrichovi IV., regenta Máriu de Medici, bolo veľa prevzatých z gotiky a renesancie, ale fasáda je už usporiadaná, čo by bolo charakteristické pre klasicizmus. „Maison-Lafitte“ od Françoisa Mansarta, so všetkou zložitosťou svojich objemov, je jediným celkom, jasným dizajnom, ktorý tiahne ku klasicistickým normám.

V maliarstve bola situácia zložitejšia, pretože sa tu prelínali vplyvy manierizmu, flámskeho a talianskeho baroka. Francúzske maliarstvo prvej polovice storočia bolo ovplyvnené karavaggizmom a realistickým umením Holandska. V každom prípade sú tieto vplyvy zreteľne vidieť na tvorbe bratov Lenainovcov. V obrazoch Louisa Le Naina nie je naratívnosť, žiadna ilustratívnosť, kompozícia je prísne premyslená a statická, detaily sú starostlivo overené a vybrané, aby bolo možné identifikovať predovšetkým etický a morálny základ diela. Krajina má v Lenainových obrazoch veľký význam.

V poslednej dobe sa v umeleckohistorickej literatúre názov hnutia, ku ktorému patrí Louis Le Nain, definuje pojmom „maľba skutočného sveta“. K rovnakému smeru patrí aj tvorba umelca Georgesa de La Tour. Vo svojich prvých prácach na žánrové témy vystupuje Latour ako umelec blízky Caravaggiovi. Už v Latourových raných dielach sa prejavuje jedna z najdôležitejších vlastností: nevyčerpateľná rozmanitosť jeho obrazov, nádhera farieb, schopnosť vytvárať monumentálne významné obrazy v žánrovej maľbe.

Druhá polovica 30. - 40. rokov bola obdobím Latourovej tvorivej zrelosti. V tomto období sa menej venoval žánrovým námetom a maľoval najmä náboženské obrazy. Latourov umelecký jazyk je predzvesťou klasicistického štýlu: prísnosť, konštruktívna jasnosť, jasnosť kompozície, plastická rovnováha zovšeobecnených foriem, dokonalá celistvosť siluety, statika. Príkladom je jedno z jeho neskorších diel „Sv. Sebastián a sväté manželky“ s ideálne krásnou postavou Sebastiána, pripomínajúcou antickú sochu, v popredí, v tele ktorého – ako symbol mučeníctva – umelec zobrazuje. iba jeden prebodnutý šíp.

Klasicizmus vznikol na vrchole sociálneho rozmachu francúzskeho národa a francúzskeho štátu. Základom teórie klasicizmu bol racionalizmus, vychádzajúci z filozofického systému Descarta, predmet umenia klasicizmu bol vyhlásený len za krásne a vznešené a antika slúžila ako etický a estetický ideál. Tvorca klasicistického smeru vo francúzskom maliarstve 15. storočia. sa stal Nicolas Poussin. Témy Poussinových obrazov sú rozmanité: mytológia, história, Nový a Starý zákon. Poussinovi hrdinovia sú ľudia so silnými charaktermi a majestátnymi činmi, s vysokým zmyslom pre povinnosť voči spoločnosti a štátu. Spoločenský účel umenia bol pre Poussina veľmi dôležitý. Všetky tieto črty sú zahrnuté vo vznikajúcom programe klasicizmu. Umenie významného myslenia a čistého ducha rozvíja aj určitý jazyk. Miera a poriadok, kompozičná vyváženosť sa stávajú základom obrazového diela klasicizmu. Hladký a jasný lineárny rytmus a sochárska plasticita dokonale vyjadrujú závažnosť a majestátnosť myšlienok a postáv. Sfarbenie je založené na súzvuku silných, hlbokých tónov. Toto je harmonický svet sám o sebe, ktorý neprekračuje hranice malebného priestoru, ako v baroku.

Poussinovo dielo spadá do prvej polovice storočia, poznačené vzostupom spoločenského a umeleckého života vo Francúzsku a aktívnym spoločenským bojom. Odtiaľ pochádza všeobecná pokroková orientácia jeho umenia, bohatosť jeho obsahu. Iná situácia sa vyvinula v posledných desaťročiach 17. storočia, v období najväčšieho zosilnenia absolutistického útlaku a potláčania pokrokových javov sociálneho myslenia, keď sa centralizácia rozšírila na umelcov združených v Kráľovskej akadémii a prinútených svojím umením slúžiť glorifikácii. monarchie. V týchto podmienkach ich umenie stratilo hlboký spoločenský obsah a do popredia sa dostali slabé, obmedzené črty klasicistickej metódy.

Flámske umenie 17. storočia.

Flámske umenie je predovšetkým Rubens a opäť Rubens. Hoci v tom istom čase boli vo Flámsku aj iní vynikajúci umelci, všetci sú vnímaní ako „Rubensov kruh“, „Rubensova škola“, ako planéty obiehajúce okolo Rubensovho slnka.

Sedemnáste storočie bolo časom vzniku národnej umeleckej školy maľby vo Flámsku. Podobne ako v Taliansku, aj tu sa barok stal oficiálnym dominantným hnutím. Flámsky barok sa však od talianskeho v mnohom výrazne líši. Barokové formy sú tu naplnené pocitom bublajúceho života a farebného bohatstva sveta, pocitom spontánnej sily rastu človeka a prírody. V rámci baroka sa vo väčšej miere ako v Taliansku rozvíjali realistické črty.

Základ umeleckej kultúry Flámska - realizmus, nacionalizmus, jasná veselosť, slávnostná slávnosť - sa najviac prejavil v maľbe. Flámski maliari zachytili na svojich plátnach poetizovanú zmyselnú krásu sveta a obraz človeka plného zdravia a nevyčerpateľnej energie.

Úloha vyzdobiť rodinné zámky, paláce aristokracie a katolícke kostoly prispela k širokému využívaniu silného dekoratívneho umenia založeného na koloristických efektoch v maľbe.

Vedúcim flámskej maliarskej školy bol Peter Paul Rubens (1577-1640). Komplexne nadaný a brilantne vzdelaný Rubens bol umelcom obrovského tvorivého rozsahu a búrlivého temperamentu. Rodený muralista, talentovaný diplomat, plynule hovoriaci niekoľkými jazykmi, vedec a humanista, si ho veľmi vážili na kniežacích a kráľovských dvoroch v Mantove, Madride, Paríži a Londýne. Rubens, umelec bujnej fantázie, bol tvorcom kolosálnych, patetických kompozícií. Dynamika foriem, sila plastickej imaginácie, triumf dekoratívneho princípu tvoria základ jeho tvorby. Rubensovo umenie je zároveň zásadne realistické. Podstatou jeho diel je sviežosť jeho vnímania života a túžba dať všetkému zobrazenému presvedčenie o pravde.

Flámske zátišie. V 17. storočí zátišie sa etabluje ako samostatný žáner. Odráža záujem o materiálny svet, ktorý má pôvod v „maľovaní vecí“ v holandskom umení začiatku 15. storočia, a kult súkromného života. Flámske „obchody s dobytkom“ ohromujú svojou hlučnou veselosťou a slávnostnou dekoratívnosťou. Plátna veľkých rozmerov a žiarivých farieb slúžia ako ozdoba stien priestranných palácov flámskej šľachty, oslavujú krásu pozemského bytia, bohatstvo vidieckeho života, plody zeme, morí a riek.

Antonis (Anton, Anthony) van Dyck flámsky maliar a grafik, majster dvorných portrétov a náboženských námetov v štýle barokový.

Van Dyck sa čoskoro ukázal ako majster portrétovania a maľby náboženských a mytologických predmetov. S 1618 Autor: 1620 g. pracoval v dielni Rubens. Tvorí diela s náboženskou tematikou, často vo viacerých verziách: „ Korunovanie tŕňovou korunou» « Judášov bozk„Nesenie kríža“ „Sv. Martina a žobrákov“, „Umučenie sv. Sebastian"

Jacob Jordaens ( Holandsko Jacob Jordaens) ( 19. mája 1593, Antverpy - 18. októbra 1678, Antverpy) - flámsky umelec. Od roku 1607 študoval s Adam van Noort. V roku 1616 sa oženil so svojou dcérou. Prežil celý svoj život v Južné Holandsko, len v roku 1641 krátko pôsobil v r Anglicko. Jeho obrazy možno nájsť v ktoromkoľvek kostole v Antverpách. Dokonca aj potom, čo kontaktoval kalvinizmus v roku 1645 u neho katolícka cirkev naďalej objednávala diela. Jordaens je považovaný, najmä po smrti Rubens, ktorý mal naňho veľký vplyv, jedného z vynikajúcich predstaviteľov Flámov barokový.

Francúzske maliarstvo 19. storočia

20. roky XIX storočia boli pre Francúzsko časom formovania romantického umenia. Mladí umelci vyhlásili skutočnú vojnu svojim učiteľom. Historici ich vystúpenie nazvali „romantickou bitkou“ a jej hrdinom bol maliar Eugene Ferdinand Victor Delacroix. Delacroix – francúzsky maliar A harmonogram, vedúci romantický trendy v európskom maliarstve. Romantickí umelci, bez ohľadu na kánony, ktoré existovali vo výtvarnom umení predchádzajúcich období, sa ochotne obrátili na nezvyčajné témy spojené so šialenstvom, nadprirodzenými javmi, násilím alebo exotikou (to znamená, že vedúcim bol Delacroix vo Francúzsku). tohto trendu. Eugene Delacroix sa narodil v meste Charenton-Saint-Maurice neďaleko Paríža. Budúci umelec predčasne osirel. V roku 1815 sa stal učňom v dielni Pierra Narcisse Guerina (1774-1833), u ktorého nedávno študoval Theodore Gericault. Delacroixovi súčasníci pozorne sledovali priebeh oslobodzovacej revolúcie v Grécku v rokoch 1821-1829. (od 15. storočia bolo Grécko pod tureckou nadvládou). Delacroix si vybral azda najtragickejšiu stránku gréckeho eposu. V septembri 1821 turecké trestné sily zničili civilné obyvateľstvo Chiosu, gréckeho ostrova v Egejskom mori, pri pobreží Malej Ázie. Viac ako štyridsaťtisíc Grékov bolo zabitých a asi dvadsaťtisíc bolo zotročených. Reakciou umelca na tieto udalosti bol obraz „Masaker na Chio“ (1824). pozadie tvoria tmavé siluety ozbrojených Turkov. Väčšine zajatcov je ich osud ľahostajný, len deti márne prosia rodičov, aby ich chránili, Delacroix pocítil záujem o modernosť a v roku 1830 vytvoril obraz „Liberty Leading the People (28. júla 1830)“. Umelec dal nadčasový, epický zvuk jednoduchej epizóde pouličných bojov V roku 1832 sprevádzal Delacroix diplomatickú misiu do Alžírska a Maroka. Hneď po návrate do Paríža začala umelkyňa maľovať „Alžírske ženy v ich komnatách“ (1833). Od konca 20. rokov. XIX storočia maliar vytvoril množstvo bojových malieb venovaných stredovekým francúzskym dejinám. V „bitke o Nancy“ (1828 – 1834) sa jednotky – sivé, zjednotené masy s viacfarebnými škvrnami na tvárach a transparentoch – nemotorne pohybujú po zasneženej pláni pod matne žltým západom slnka. Eugene Delacroix bol najnezávislejším maliarom vo Francúzsku v prvej polovici 19. storočia.

JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) Začiatkom 19. storočia. všeobecne uznávaným vodcom medzi francúzskymi umelcami bol Jacques Louis David – najdôslednejší predstaviteľ neoklasicizmu v maliarstve a citlivý kronikár svojich pohnutých čias David sa narodil v Paríži v bohatej meštianskej rodine. V roku 1766 vstúpil na Kráľovskú akadémiu maliarstva a sochárstva. Charakteristickou črtou francúzskej kultúry v tých rokoch bola všeobecná fascinácia antikou. V roku 1781 bol David prijatý za člena Kráľovskej akadémie a získal právo zúčastňovať sa na jej výstavách - Louvre Salons. Už v roku 1776 bol vyvinutý vládny program, ktorý podporoval vytváranie veľkých obrazov „navrhnutých tak, aby oživili cnosti a vlastenecké cítenie“. Davidovi bola ponúknutá zápletka z ranej rímskej histórie - výkon troch bratov z ušľachtilej rodiny Horatii Na prácu na obraze „Prísaha Horatii“ (1784) odišiel David do Ríma. Keď bolo plátno dokončené a umelec ho vystavil verejnosti, základom celej kompozície je číslo tri: tri oblúky, tri skupiny postáv, tri meče, tri ruky, ľahko natiahnuté na zbrane. V rokoch 1795-1799 David a jeho študenti pracovali na obraze „Sabínske ženy zastavujúce bitku medzi Rimanmi a Sabínmi“. Podľa neho chcel „zobraziť staroveké zvyky s takou presnosťou, že ak by Gréci a Rimania mali možnosť vidieť moju prácu, nepovažovali by ma za cudzieho voči ich zvykom“. V roku 1799 sa v dôsledku ďalšieho štátneho prevratu dostal k moci Napoleon Bonaparte. Dávid, ako mnohí bývalí revolucionári, radostne privítal túto udalosť na grandióznom obraze „Korunovácia Napoleona I. a cisárovnej Jozefíny v katedrále Notre Dame 2. decembra 1804“. (1807) David vytvoril ďalší mýtus - nádhera oltára a nádhera šiat dvoranov neovplyvňujú diváka horšie ako úbohý nábytok a staré plachty Marata Po porážke Napoleona, ktorý kedysi hlasoval v Dohovore o odsúdení Ľudovíta XVI., bol nútený opustiť Francúzsko. Umelec odišiel do Bruselu (ktorý vtedy patril Holandskému kráľovstvu), kde žil až do svojej smrti. Pokračoval v práci: usilovne, ale bez nadšenia maľoval portréty vyhnancov, ako je on sám, a práce na staroveké námety.

Medzitým je to špeciálna oblasť európskej kultúry hodná podrobnejšieho štúdia, ktorá odráža pôvodný život obyvateľov Holandska v tej dobe.

História vzhľadu

V sedemnástom storočí sa v krajine začali objavovať významní predstavitelia umeleckého umenia. Francúzski kultúrni experti im dali spoločný názov - „malý Holanďan“, ktorý nesúvisí s mierou talentu a označuje pripútanosť k určitým témam z každodenného života, na rozdiel od „veľkého“ štýlu s veľkými plátnami na historické alebo mytologické témy. História vzniku holandského maliarstva bola podrobne opísaná v devätnástom storočí a tento termín používali aj autori prác o ňom. „Malí Holanďania“ sa vyznačovali sekulárnym realizmom, obracali sa k okolitému svetu a ľuďom a používali maľbu bohatú na tóny.

Hlavné fázy vývoja

Dejiny holandského maliarstva možno rozdeliť do niekoľkých období. Prvá trvala približne od roku 1620 do roku 1630, keď sa v národnom umení etabloval realizmus. Svoje druhé obdobie zažilo holandské maliarstvo v rokoch 1640-1660. Vtedy tunajšia umelecká škola skutočne prekvitala. Napokon, tretie obdobie, doba, kedy holandské maliarstvo začalo upadať – od roku 1670 do začiatku osemnásteho storočia.

Stojí za zmienku, že kultúrne centrá sa v tomto období zmenili. V prvom období v Haarleme pôsobili poprední umelci a hlavným predstaviteľom bol Khalsa. Potom sa centrum presunulo do Amsterdamu, kde najvýznamnejšie práce vykonali Rembrandt a Vermeer.

Scény každodenného života

Pri vymenúvaní najdôležitejších žánrov holandskej maľby je nevyhnutné začať každodennou - najživšou a najoriginálnejšou v histórii. Boli to práve Flámovia, ktorí odhaľovali svetu výjavy z každodenného života obyčajných ľudí, roľníkov a mešťanov či mešťanov. Priekopníkmi boli Ostade a jeho nasledovníci Audenrogge, Bega a Dusart. V Ostadeho raných obrazoch ľudia hrajú karty, hádajú sa a dokonca bojujú v krčme. Každý obraz sa vyznačuje dynamickým, trochu brutálnym charakterom. Holandská maľba tých čias hovorí aj o pokojných scénach: v niektorých dielach sa roľníci rozprávajú pri fajke a pohári piva, trávia čas na jarmoku alebo so svojimi rodinami. Rembrandtov vplyv viedol k širokému používaniu jemného šerosvitu zlatej farby. Mestské scény inšpirovali umelcov ako Hals, Leicester, Molenaar a Codde. V polovici 17. storočia majstri zobrazovali lekárov, vedcov v procese práce, ich vlastné dielne, domáce práce alebo Každá zápletka mala byť zábavná, niekedy až groteskne didaktická. Niektorí majstri inklinovali k poetizácii každodenného života, napríklad Terborch zobrazoval scény hrania hudby alebo flirtovania. Metsu použil jasné farby, čím zmenil každodenný život na oslavu, zatiaľ čo de Hooch sa inšpiroval jednoduchosťou rodinného života, zaliateho rozptýleným denným svetlom. Neskorší predstavitelia žánru, medzi ktorých patria takí holandskí maliarski majstri ako Van der Werff a Van der Neer, v snahe o elegantné zobrazenie často vytvárali trochu náročné námety.

Príroda a krajina

Okrem toho je holandská maľba široko zastúpená v žánri krajiny. Prvýkrát sa objavil v dielach takých majstrov Haarlemu ako van Goyen, de Moleyn a van Ruisdael. Boli to oni, ktorí začali zobrazovať vidiecke oblasti v určitom striebristom svetle. V jeho dielach vystupovala do popredia materiálna jednota prírody. Samostatne stoja za zmienku morské scenérie. Marinisti zo 17. storočia zahŕňali Porsellis, de Vlieger a van de Capelle. Nesnažili sa ani tak sprostredkovať určité morské výjavy, ako skôr stvárniť samotnú vodu, hru svetla na nej a na oblohe.

V druhej polovici 17. storočia sa v žánri objavili emotívnejšie diela s filozofickými myšlienkami. Jan van Ruisdael odhalil krásu holandskej krajiny na maximum, zobrazil ju v celej jej dramatickosti, dynamike a monumentálnosti. Hobbem, ktorý uprednostňoval slnečné krajiny, pokračoval vo svojich tradíciách. Koninck maľoval panorámy a van der Neer vytváral nočné krajiny a zobrazoval mesačný svit, východ a západ slnka. Pre mnohých umelcov je charakteristické aj zobrazovanie zvierat v krajine, napríklad pasúce sa kravy a kone, ale aj poľovačky a výjavy s jazdcami. Neskôr sa umelci začali zaujímať o cudziu prírodu – Bot, van Laar, Wenix, Berchem a Hackert zobrazovali Taliansko kúpajúce sa v lúčoch južného slnka. Zakladateľom žánru bol Sanredam, ktorého najlepšími nasledovníkmi možno nazvať bratov Berkheideovcov a Jana van der Heijdena.

Obrázok interiérov

Samostatný žáner, ktorý odlišoval holandskú maľbu v jej rozkvete, možno nazvať scénami s kostolom, palácom a domácimi miestnosťami. Interiéry sa objavili na maľbách druhej polovice 17. storočia majstrov z Delftu - Haukgeest, van der Vliet a de Witte, ktorí sa stali hlavným predstaviteľom hnutia. Pomocou Vermeerových techník umelci zobrazovali scény zaliate slnečným žiarením, plné emócií a objemu.

Malebné jedlá a jedlá

Napokon ďalším charakteristickým žánrom holandskej maľby je zátišie, najmä zobrazovanie raňajok. Ako prví sa ho ujali obyvatelia Haarlemu Claes a Heda, ktorí natreli prestreté stoly luxusným riadom. Malebný chaos a zvláštna preprava útulného interiéru sú naplnené strieborno-šedým svetlom, charakteristickým pre striebro a cín. Utrechtskí umelci maľovali svieže kvetinové zátišia a v Haagu boli umelci obzvlášť dobrí v zobrazovaní rýb a morských plazov. V Leidene vznikol filozofický smer žánru, v ktorom lebky a presýpacie hodiny koexistujú so symbolmi zmyslového potešenia či pozemskej slávy, ktoré majú pripomínať pominuteľnosť času. Demokratické kuchynské zátišia sa stali charakteristickým znakom rotterdamskej umeleckej školy.

Hlavné trendy, etapy vývoja maľby a ikonickí maliari Holandska.

Holandská maľba

Úvod

Holandské maliarstvo 17. storočia je niekedy mylne považované za umenie pre strednú vrstvu, obdivujúc flámske maliarstvo tohto obdobia a nazývajú ho dvorným, aristokratickým. Nemenej mylný je názor, že holandskí umelci sa zaoberajú iba zobrazovaním bezprostredného ľudského prostredia, pričom na tento účel využívajú krajinu, mestá, moria a životy ľudí, zatiaľ čo flámske umenie sa venuje historickej maľbe, ktorá je v teórii umenia považovaná za vznešenejšiu. žánru. Naproti tomu verejné budovy v Holandsku, od ktorých sa očakával impozantný vzhľad, ako aj bohatí návštevníci, bez ohľadu na ich náboženské presvedčenie alebo pôvod, si vyžadovali maľby s alegorickými alebo mytologickými námetmi.

Akékoľvek rozdelenie holandskej maliarskej školy na flámsku a holandskú vetvu až do začiatku 17. storočia. kvôli neustálej tvorivej výmene medzi oblasťami by to bolo umelé. Napríklad Pieter Aertsen, narodený v Amsterdame, pred návratom do rodného mesta v roku 1557 pôsobil v Antverpách a jeho študent a synovec Joachim Bukelaer strávil celý svoj život v Antverpách. V súvislosti s podpísaním Utrechtskej únie a oddelením siedmich severných provincií mnohí obyvatelia po rokoch 1579–1581. emigroval zo severného Holandska do protestantskej časti umelo rozdelenej krajiny.

"mäsiarstvo" Artsen.

Rozvoj umenia

Impulz k samostatnému rozvoju holandského maliarstva prišiel od flámskych umelcov. Bartholomeus Spranger, narodený v Antverpách a vzdelaný v Ríme, sa stal zakladateľom virtuózneho, dvorného, ​​umelého štýlu, ktorý sa v dôsledku Sprangerovho prechodného pobytu vo Viedni a v Prahe stal medzinárodným „jazykom“. V roku 1583 priniesol tento štýl do Haarlemu maliar a teoretik umenia Karel van Mander. Jedným z hlavných majstrov tohto haarlemského alebo utrechtského manierizmu bol Abraham Bloemaert.

Potom Isaiah van de Velde, narodený v Holandsku v rodine emigrantov z Flámska a študujúci v kruhu maliarov zameraných na flámskych umelcov Davida Vinkboonsa a Gillies Koninksloe, vyvinul vo svojich raných maľbách realistický maliarsky štýl, ktorý sa odvolával na Jana Bruegela. staršieho, s jasnými farebnými gradáciami umeleckých plánov. Okolo roku 1630 sa v Holandsku presadil trend zjednocovania umeleckého priestoru a spájania farieb z rôznych vrstiev. Odvtedy mnohotvárnosť zobrazených vecí ustúpila pocitu priestoru a atmosfére vzdušného oparu, ktorá sa prenášala s postupne rastúcim monochromatickým použitím farieb. Isaiah van de Velde stelesnil túto štýlovú revolúciu v umení spolu so svojím študentom Janom van Goenom.

Zimná krajina. Velde.

Jedna z najmonumentálnejších krajín vrcholného baroka, „Veľký les“ od Jacoba van Ruisdaela, patrí do ďalšieho obdobia vývoja holandského maliarstva. Divák už nemusí zažiť dosť neforemný vzhľad rozľahlého priestoru v sivohnedých tónoch s niekoľkými nápadnými motívmi; odteraz budí dojem pevná, energeticky zvýraznená štruktúra.

Žánrová maľba

Holandská žánrová maľba, ktorú v podstate len ťažko možno nazvať len portrétmi každodennosti, často nesúcou moralistické posolstvo, je vo Viedni zastúpená dielami všetkých jej hlavných majstrov. Jeho centrom bol Leiden, kde Gerard Doux, prvý Rembrandtov žiak, založil školu známu ako Leiden School of Fine Painting (fijnschilders).

Figurálna maľba

Stretnutie predstaviteľov spoločnosti. Frans Hals.

Traja najväčší holandskí majstri figuratívnej maľby Frans Hals, Rembrandt a Johannes Vermeer z Delftu nasledovali v intervale takmer jednej generácie. Hals sa narodil v Antverpách a pôsobil v Haarleme najmä ako maliar portrétov. Pre mnohých sa stal zosobnením otvoreného, ​​veselého a spontánneho maliara virtuózneho, kým umenie mysliteľa Rembrandta – ako sa hovorí klišé – odhaľuje pôvod ľudského údelu. To je spravodlivé aj nesprávne. Čo okamžite upúta pri pohľade na portrét alebo skupinový portrét od Halsa, je schopnosť sprostredkovať človeka, ktorý je presýtený emóciami v pohybe. Na zobrazenie prchavého momentu používa Hals otvorené, nápadne nepravidelné ťahy, pretínajúce sa cik-cak alebo krížové šrafovanie. Vzniká tak efekt neustále trblietavého povrchu, ako náčrt, ktorý sa pri pohľade z určitej vzdialenosti spája do jedného obrazu. Po návrate Rothschildových „darov“ bol expresívny portrét muža v čiernom získaný do zbierky kniežaťa z Lichtenštajnska a tak sa vrátil do Viedne. Kunsthistorisches Museum vlastní iba jeden obraz od Franza Halsa, portrét mladého muža, ktorý bol už v zbierke Karola VI. ako jeden z mála príkladov „protestantského“ umenia v Holandsku. Portréty maľované v neskorom období Halsovej tvorby sú psychologickou priebojnosťou a absenciou pózovania bližšie k Rembrandtovým dielam.

Vďaka jemným prechodom odtieňov a plôch šerosvitu Rembrandtov šerosvit akoby zahaľoval postavy do rezonančného priestoru, v ktorom sídli nálada, atmosféra, niečo nehmotné a dokonca neviditeľné. Rembrandtovu tvorbu vo Viedenskej obrazárni reprezentujú len portréty, hoci Umelcovu matku a Umelcovho syna možno považovať aj za jednofigurálne historické maľby. Na takzvanom „Veľkom autoportréte“ z roku 1652 sa pred nami umelec objavuje v hnedej blúzke s tvárou otočenou na tri štvrtiny. Jeho pohľad je sebavedomý až vyzývavý.

Vermeer

Vermeerovo nedramatické umenie, zamerané výlučne na kontempláciu, bolo považované za odraz holandskej strednej triedy, teraz nezávislej a spokojnej s tým, čo mala. Jednoduchosť Vermeerových umeleckých konceptov však klame. Ich jasnosť a pokoj sú výsledkom presnej analýzy, vrátane použitia najnovších technických vynálezov, ako je camera obscura. "Alegória maľby", vytvorená okolo 1665-1666, Vermeerovo vrcholné dielo z hľadiska práce s farbou, možno nazvať jeho najambicióznejším obrazom. Proces, ktorý inicioval Jan van Eyck, rodák zo severného Holandska, pasívne, oddelené rozjímanie nad nehybným svetom, zostal vždy hlavnou témou holandského maliarstva a vo Vermeerových dielach dospel k alegorickej a zároveň skutočnej apoteóze.

Holandská maľba