Storia dello sviluppo della cultura e dell'arte. Una breve storia della cultura russa

1. L'importanza della cultura nello sviluppo dell'umanità

Economia, politica e cultura sono tre settori principali, senza progresso simultaneo in cui la società non può svilupparsi con successo.

In ogni fase della sua esistenza, la cultura non si trova solo accanto ad altre sfere della vita di una persona, ma entra in tutte le sfere, manifestandosi in attività politica, in relazione al lavoro, nell'arte, ricerca scientifica. Creando valori fondamentali obiettivi di vita umana, la cultura trasmette questa staffetta assiologica unica di generazione in generazione. Questo è lo scopo di questo ruolo.

3. L'importanza della cultura della società preclassista

La cultura primitiva ha svolto un ruolo significativo nel successivo sviluppo dell'umanità.

È da questo periodo culturale e storico che inizia la storia della civiltà umana, si forma l'uomo, emerge la società e nascono forme di spiritualità umana come la religione, la moralità e l'arte.

4. Principali caratteristiche della cultura egiziana

Le caratteristiche principali della cultura: scrittura geroglifica, stile artistico, credenze religiose e culto dei morti. Caratterizzato da attenzione speciale al mondo interiore di una persona, una rappresentazione accurata del dramma delle esperienze di vita.

Appunti letterari: “Testi delle piramidi”, “ Libro dei morti", "Testi dei sarcofagi", "Canzone dell'arpista".

5. Mitologia antica nella cultura mondiale

Scrittori e artisti di vari paesi europei iniziarono a prendere episodi dell'antichità come soggetti delle loro opere. mitologia greca. Immagine storie mitiche e alle divinità sono dedicate alcune opere di eccezionali artisti italiani del Rinascimento -

Leonardo da Vinci (busto della dea Flora), Sandro Botticelli (dipinti “La nascita di Venere”, “Primavera”), Tiziano (dipinto “Venere davanti allo specchio”) e altri. mitologia greca antica prese in considerazione la trama per la sua meravigliosa statua di Perseo Scultore italiano Benvenuto Cellini.

Un'opera teatrale di V. è stata scritta sulla base di trame prese in prestito dalla mitologia greca.

"Troilo e Cressida" di Shakespeare, poesia "Venere e Adone". I nomi degli eroi mitologici si trovano in molte altre opere.

Shakespeare. Gruppi scultorei realizzati su soggetti dell'antica mitologia greca,

Molti meravigliosi edifici costruiti a Mosca e San Pietroburgo nei secoli XVII-XIX sono decorati.

6. Principali caratteristiche della cultura greca

Cultura greca entrò nell'arena della storia prima di quella romana e si sviluppò nel territorio che occupava la parte meridionale della penisola balcanica, nonché le coste dell'Asia Minore, dei mari Egeo e Ionio e delle isole adiacenti. Inoltre, i ricercatori notano che la civiltà sul suolo greco è nata, per così dire, due volte con un intervallo di tempo abbastanza ampio.

I greci adottarono attivamente le conquiste scientifiche e tecniche di altri popoli. Pertanto, l’intera storia dell’antica Grecia è oggi solitamente suddivisa come segue:

I. L'era della civiltà cretese-micenea o palatina (III-II millennio aC);

II. Secoli omerici (“oscuri”) (XI-IX);

III. L'epoca stessa antica civiltà:

1. periodo arcaico (VIII-VI - il tempo della formazione dell'Hellas, la formazione delle politiche (città-stato);

2. periodo classico(V-IV secolo a.C.) - il tempo della più alta fioritura dell'antica cultura greca, lo sviluppo della democrazia;

3. Periodo ellenistico (IV-I secolo a.C.) - il completamento dello sviluppo della cultura dell'antica Grecia, la perdita della sua indipendenza politica.

7. Cultura artistica Grecia classica

In questo periodo fiorirono il teatro greco e l'opera di Eschilo, Sofocle ed Euripide. Il teatro divenne un vero educatore del popolo, plasmando le opinioni e le convinzioni dei cittadini liberi. La tragedia greca nelle immagini dei miti rifletteva la lotta delle persone con nemici esterni, per l’uguaglianza politica e la giustizia sociale.

Architettura del V secolo AVANTI CRISTO e. sviluppò e perfezionò la tipologia del periptero, edificio circondato da colonne. Posto leader occupato da templi dell'ordine dorico. Il carattere eroico dell'arte classica si manifesta particolarmente chiaramente nelle decorazioni scultoree dei templi dorici, sui frontoni dei quali venivano solitamente collocate statue scolpite nel marmo. Gli scultori traevano soggetti dalla mitologia per le loro opere scultoree. Itagora di Regio (480-450). Con l'emancipazione delle sue figure, che comprendevano, per così dire, due movimenti (quello iniziale e quello in cui parte della figura sarebbe apparsa tra un attimo), contribuì potentemente allo sviluppo dell'arte realistica della scultura. I contemporanei ammiravano le sue scoperte, la vitalità e la veridicità delle sue immagini. Ma, naturalmente, le poche copie romane giunte fino a noi delle sue opere (come “Il ragazzo che toglie la spina”. Roma, Palazzo Conservatori) non sono sufficienti per una valutazione completa dell'opera di questo coraggioso innovatore.

Grande scultore Mirone, che lavorò ad Atene a metà del V secolo, creò una statua che ebbe un'enorme influenza sullo sviluppo delle belle arti. Si tratta del suo “Discobolo” in bronzo, a noi noto da diverse copie romane, così danneggiate che solo la loro totalità ha permesso di ricreare in qualche modo l'immagine perduta.

Per il pittore greco la rappresentazione realistica della natura divenne una priorità assoluta. Ad un artista famoso A Polignoto (che lavorò tra il 470 e il 440) si deve un'innovazione in questo ambito che oggi ci sembra forse ingenua, ma che poi produsse una rivoluzione nella pittura.

..."16. Queste teorie si basano sull'idea che il mondo artistico creato da un popolo è incomprensibile per un altro, che è inaccessibile a causa di barriere psicologiche e storiche. La storia dello sviluppo della cultura musicale di Khakassia dimostra completamente l'incoerenza di queste opinioni. Senza inventare i generi puramente nazionali dell'opera di Khakass, del balletto di Khakass o della sinfonia, ma arricchendosi dell'esperienza conosciuta...

Circa il 10% del russo lavori scientifici sono competitivi nel mercato globale dei prodotti scientifici. 4. La vita artistica e spirituale del paese negli anni '80 e '90 Durante gli anni della perestrojka si verificarono cambiamenti fondamentali nel rapporto della cultura artistica con le autorità e la società. Da un lato la letteratura e l'arte si sono liberate dei dettami ideologici, dall'altro quelli artistici...

Ridistribuzione del potere tra il centro federale e gli enti costituenti la Federazione, cambiamenti socio-economici dell'ultimo decennio. Come risultato di questi processi, è aumentato il ruolo dei bilanci regionali (soggetti della Federazione) e comunali nel sostenere le attività delle istituzioni culturali e artistiche. Negli ultimi dieci anni, la quota delle entrate finanziarie provenienti dai bilanci regionali per...

Confermerebbero non solo lo sviluppo della cultura e dell'arte nell'antichità e nell'antichità, ma ne indicherebbero anche specificamente lo sviluppo cultura fisica nel periodo dal 15.000 a.C. fino al VI secolo d.C 1. Riflessione sullo sviluppo della cultura fisica nell'arte degli antichi nel periodo dal 15.000 aC. fino al VI secolo d.C 1.1 Reperti archeologici, confermando lo sviluppo della cultura fisica fino al V millennio a.C....

1. L'importanza della cultura nello sviluppo dell'umanità

Economia, politica e cultura sono tre settori principali, senza progresso simultaneo in cui la società non può svilupparsi con successo.

In ogni fase della sua esistenza, la cultura non si trova solo accanto ad altre sfere della vita di una persona, ma entra in tutte le sfere, manifestandosi nell'attività politica, in relazione al lavoro, nell'arte, nella ricerca scientifica. Creando valori chiave e obiettivi di vita di una persona, la cultura trasmette questa trasmissione assiologica unica di generazione in generazione. Questo è lo scopo di questo ruolo.

3. L'importanza della cultura della società preclassista

La cultura primitiva ha svolto un ruolo significativo nel successivo sviluppo dell'umanità.

4. Principali caratteristiche della cultura egiziana

Le caratteristiche principali della cultura: scrittura geroglifica, stile artistico, credenze religiose e culto dei morti. È caratterizzato da un'attenzione speciale al mondo interiore di una persona, una rappresentazione accurata del dramma delle esperienze di vita.

Memo letterari: “Testi delle Piramidi”, “Libro dei Morti”, “Testi dei Sarcofagi”, “Canto dell'arpista”.

5. Mitologia antica nella cultura mondiale

Scrittori e artisti di vari paesi europei iniziarono a prendere episodi dell'antica mitologia greca come trame delle loro opere. Alcune opere di eccezionali artisti italiani del Rinascimento sono dedicate alla rappresentazione di soggetti e divinità mitici -

Leonardo da Vinci (busto della dea Flora), Sandro Botticelli (dipinti “La nascita di Venere”, “Primavera”), Tiziano (dipinto “Venere davanti allo specchio”), ecc. L'eccezionale scultore italiano Benvenuto ha preso la trama dalle immagini dell'antica mitologia greca per la sua meravigliosa statua del Perseo Cellini.

Un'opera teatrale di V. è stata scritta sulla base di trame prese in prestito dalla mitologia greca.

"Troilo e Cressida" di Shakespeare, poesia "Venere e Adone". I nomi degli eroi mitologici si trovano in molte altre opere.

Shakespeare. Gruppi scultorei realizzati su soggetti dell'antica mitologia greca,

Molti meravigliosi edifici costruiti a Mosca e San Pietroburgo nei secoli XVII-XIX sono decorati.

6. Principali caratteristiche della cultura greca

La cultura greca entrò nell'arena della storia prima di quella romana e si sviluppò nel territorio che occupava la parte meridionale della penisola balcanica, così come le coste dell'Asia Minore, i mari Egeo e Ionio e le isole adiacenti. Inoltre, i ricercatori notano che la civiltà sul suolo greco è nata, per così dire, due volte con un intervallo di tempo abbastanza ampio.

I greci adottarono attivamente le conquiste scientifiche e tecniche di altri popoli. Pertanto, l’intera storia dell’antica Grecia è oggi solitamente suddivisa come segue:

I. L'era della civiltà cretese-micenea o palatina (III-II millennio aC);

II. Secoli omerici (“oscuri”) (XI-IX);

III. L'era dell'antica civiltà stessa:

1. periodo arcaico (VIII-VI - il tempo della formazione dell'Hellas, la formazione delle politiche (città-stato);

2. periodo classico (V-IV secolo a.C.) - il tempo della massima fioritura della cultura greca antica e dello sviluppo della democrazia;

3. Periodo ellenistico (IV-I secolo a.C.) - il completamento dello sviluppo della cultura dell'antica Grecia, la perdita della sua indipendenza politica.

7. Cultura artistica della Grecia classica

In questo periodo fiorirono il teatro greco e l'opera di Eschilo, Sofocle ed Euripide. Il teatro divenne un vero educatore del popolo, plasmando le opinioni e le convinzioni dei cittadini liberi. La tragedia greca nelle immagini dei miti rifletteva la lotta del popolo contro i nemici esterni, per l'uguaglianza politica e la giustizia sociale.

Architettura del V secolo AVANTI CRISTO e. sviluppò e perfezionò la tipologia del periptero, edificio circondato da colonne. Il posto principale è occupato dai templi dell'ordine dorico. Il carattere eroico dell'arte classica si manifesta particolarmente chiaramente nelle decorazioni scultoree dei templi dorici, sui frontoni dei quali venivano solitamente collocate statue scolpite nel marmo. Gli scultori traevano soggetti dalla mitologia per le loro opere scultoree. Itagora di Regio (480-450). Con l'emancipazione delle sue figure, che comprendevano, per così dire, due movimenti (quello iniziale e quello in cui parte della figura sarebbe apparsa tra un attimo), contribuì potentemente allo sviluppo dell'arte realistica della scultura. I contemporanei ammiravano le sue scoperte, la vitalità e la veridicità delle sue immagini. Ma, naturalmente, le poche copie romane giunte fino a noi delle sue opere (come “Il ragazzo che toglie la spina”. Roma, Palazzo Conservatori) non sono sufficienti per una valutazione completa dell'opera di questo coraggioso innovatore.

Il grande scultore Mirone, che lavorò ad Atene a metà del V secolo, creò una statua che ebbe un'enorme influenza sullo sviluppo delle belle arti. Si tratta del suo “Discobolo” in bronzo, a noi noto da diverse copie romane, così danneggiate che solo la loro totalità ha permesso di ricreare in qualche modo l'immagine perduta.

Per il pittore greco la rappresentazione realistica della natura divenne una priorità assoluta. Al celebre artista Polignoto (che lavorò tra il 470 e il 440) si deve un'innovazione in questo ambito che oggi ci sembra forse ingenua, ma che poi rivoluzionò la pittura.

8. Caratteristiche della cultura dell'antica Roma

Roma diventa l'erede della civiltà ellenica. A differenza di Atene, Roma non ha creato cultura alta durante il periodo della sua formazione e prosperità come città - paese. La mitologia romana era più primitiva di quella greca. Solo sotto l'influenza dei Greci iniziarono a essere realizzate immagini di dei e furono costruiti templi. Gli dei greci furono presi come esempio.

9. Interazione tra la cultura bizantina e quella antico-russa

IN l'anno scorso Storici, filosofi, filologi e storici dell'arte stanno sviluppando attivamente una vasta gamma di argomenti sul problema del dialogo tra le culture. Tra questi c'è la questione della correlazione stilistica dell'antica arte russa. La tesi che aveva la civiltà cristiana orientale sviluppatasi a Bisanzio Grande importanza e oggi è generalmente accettato un lungo periodo di influenza sulla formazione e sullo sviluppo delle culture dei popoli slavi. Lo studio della percezione e dell'elaborazione di questo patrimonio - soprattutto nel campo dell'arte - è necessario per comprendere molti processi e fenomeni avvenuti sia nella stessa Bisanzio che nei paesi ad essa adiacenti.

La ricerca sui contatti bizantino-russi in campo artistico ed estetico è stata condotta dalla scienza nazionale e straniera per più di due secoli, durante i quali è stata accumulata una quantità significativa di informazioni sulle reminiscenze bizantine nell'arte medievale russa. La gamma di opinioni è piuttosto ampia. Fino a poco tempo fa, c'erano dibattiti sulla terminologia per denotare le relazioni culturali di Bisanzio e della Rus' (influenza, trapianto, mimesi, dialogo, ecc.), a causa del polisemantismo dei concetti tipico della conoscenza umanitaria. Gli scienziati stanno determinando l'intensità di questo processo in specifici periodi cronologici, il grado di influenza bizantina sull'architettura, la pittura, l'iconografia, le arti e i mestieri dell'antica Russia.

10. Fondamenti della visione del mondo di Bisanzio e il suo ruolo nello sviluppo della cultura

La cultura bizantina assorbì l'antica eredità e la cultura dei popoli che la abitarono. Tuttavia, l’influenza dell’antichità fu indebolita dalla chiesa e dal dispotismo. A Bisanzio c'era cultura popolare: poemi epici, favole, canti popolari, feste pagane. Differenza Cultura bizantina da ovest - debole influenza culturale dei barbari.

I centri della cultura bizantina sono Costantinopoli, centri provinciali, monasteri, possedimenti feudali. Attraverso Bisanzio, che esisteva fino al XII secolo. più stato culturale L'Europa, il diritto romano e le antiche fonti letterarie perdute in Occidente sono arrivate fino a noi. Scienziati e artisti greci hanno dato un contributo significativo al processo culturale mondiale e al suo sviluppo. La tecnologia artigianale bizantina, l'architettura, la pittura, la letteratura, le scienze naturali e il diritto canonico civile hanno contribuito alla formazione della cultura medievale di altri popoli.

11. Forme fondamentali dell'arte bizantina

1. Architettura.

2. Pittura del tempio (mosaico, affresco).

3. Iconografia

4. Miniatura del libro.

12. Condizioni storiche per la formazione della cultura del Medioevo europeo

La condizione per la formazione della cultura del Medioevo europeo era il cristianesimo sotto forma di capitalismo. Questo non era più il cristianesimo primitivo caratteristico del periodo del crollo dell'Impero Romano.

13. Formazione dei principi artistici dell'arte medievale

La religione è più che diffidente nei confronti della bellezza femminile. Nel cristianesimo, la bellezza fisica è tradizionalmente riconosciuta come illusoria e ingannevole, e gli inquisitori generalmente vedevano in un bel volto femminile un segno di stregoneria quasi altrettanto sicuro quanto volare su un manico di scopa.

Nel frattempo, l'atteggiamento nei confronti della bellezza femminile in sé nel giudaismo è forse ancora più severo che nel cristianesimo. Ascolta il canto delle donne, ammira volto di donna vietato. E nel Talmud si possono trovare molte affermazioni come la seguente: “Chi passa denaro di mano in mano a una donna con l’intenzione di guardarla non sfuggirà all’inferno, anche se è pieno di Torah e di buone azioni, come Mosherabeinu” (Iruvin 18).

Tuttavia, continuando l’argomento precedentemente toccato del “Giorno dell’Amore”, vorrei parlare oggi di un approccio alternativo “impopolare”. Vorrei considerare la questione se esiste un lato positivo nella bellezza femminile. significato religioso e, se sì, di cosa si tratta?

Il culto della bellezza femminile è essenzialmente noto solo a un'unica cultura: quella europea. Questo culto, se non è nato, si è almeno formato sotto i cieli della Provenza ad opera dei trovatori, che scoprirono il cosiddetto “amor cortese”, cioè l’amore cortese. - ammirazione disinteressata per la Signora. Questo culto, ovviamente, aveva senso solo nel contesto più ampio del servizio cavalleresco.

Classificazione dei tipi di arti spaziali. Tipi di arti temporali, spazio-temporali (sintetiche) e spaziali. Arte. Cavalletto, arti monumentali, decorative e decorative. Arti tecniche.

Teorie fondamentali sull'origine dell'arte. Idee magiche e mitologiche come base per l'emergere dell'arte. Funzione sociale dell'arte. La teoria dell'istinto artistico. Visioni estetiche di I. Kant, F. Schiller e G.W. Plekhanov. Arte primitiva: forme, funzioni, specificità.

L'arte dell'antico Egitto: caratteristiche tipologiche, periodizzazione, principali tipologie di strutture architettoniche, sculture monumentali e piccole, rilievi scultorei e pittura. La canonicità come principale qualità artistica dell'arte egiziana. La forma monumentale con un senso di equilibrio armonioso e simmetria delle proporzioni sono le caratteristiche fondamentali dell'arte egiziana. Il significato sacro dei geroglifici e la sua connessione con temi visivi. Tipologia dei mobili egiziani. Individuazione delle specificità del linguaggio figurativo formale all'interno del quadro etno-culturale designato. L'uso di caratteristiche stilistiche egiziane in opere d'arte di altre epoche storiche.

Periodizzazione della civiltà cretese-micenea (inizio del III-II millennio a.C. - XII secolo a.C.). Quadro geografico della cultura cretese-micenea e principali centri del suo sviluppo nelle isole e nella terraferma. Tardo periodo minoico - 1600-1200 AVANTI CRISTO. L'originalità della composizione architettonica e dell'aspetto artistico dei palazzi cretesi usando l'esempio del Palazzo di Cnosso: l'incorporazione dell'architettura nel paesaggio circostante; pittoresco libero, disposizione asimmetrica dei locali, alternanza di cortili aperti con spazi chiusi; complessità del percorso; carattere pittoresco e decorativo degli interni; caratteristiche artistiche e tettoniche della colonna cretese. Il pittoresco cambiamento degli spazi illuminati e non illuminati come un certo concetto estetico associato alle peculiarità del programma rituale e cerimoniale del complesso del palazzo. Murales del Palazzo di Cnosso.

Periodizzazione dell'arte dell'antica Grecia. Caratteristiche della struttura socio-politica dell'antica società greca. Mentalità e sistema di valori della cultura greca (antropocentrismo, ecc.). Il ruolo della personalità dell'artista nell'arte greca. Eterogeneità dell'arte greca per diverse regioni del mondo antico (differenze tra i centri della Grecia continentale, tra metropoli e colonie). Arte di epoca omerica (XI - VIII secolo aC). Arte del periodo arcaico (VIII - VI secolo aC). Arte del periodo classico (V - IV secolo a.C.)

Cambiare il ruolo sociale ed etico dell'architettura come motivo dell'emergere di nuove soluzioni costruttive. Caratteristiche del programma estetico dell'architettura greca. Il tempio è l’immagine di un Cosmo armoniosamente costruito, “filosofia in pietra”. Gli elementi principali della composizione architettonica del tempio. Tipi di templi greci: tempio in anta, prostilo, anfiprostilo, peripterus, dipterus, tholos. Caratteristiche dell'uso del principio di simmetria nell'architettura greca. L'importanza degli effetti spazio-plastici nell'architettura greca. Il ruolo della scultura nel tempio greco. Il tempio come programma sintetico architettonico e scultoreo. Il significato speciale del colore in architettura.

La formazione dell'architettura dell'ordine come sistema di unità artistica ed espressiva di parti portate e portanti. Ordini dorico e ionico: elementi costruttivi fondamentali. Ordine corinzio. Interrelazione degli elementi del tempio greco: significato funzionale e programma figurativo. Il concetto di architettura. Introduzione di un sistema di proporzionalità e armonia nella percezione visiva dell'architettura. Proporzioni di un tempio greco: premurosità dell'immagine plastica. Il posto del design d'ordine nella storia dell'arte mondiale.

L'immagine dell'uomo come tema centrale dell'arte plastica greca. La specificità della struttura del contenuto formale nella visualizzazione di immagini maschili e femminili (kuros e kora). Il ruolo del colore nella scultura arcaica. Evoluzione graduale dell'immagine plastica lungo il percorso identificativo delle proporzioni corpo umano, interesse per il volume durante il periodo arcaico maturo. Una nuova comprensione dell'immagine statuaria nella seconda metà del VI aC: l'espressività della silhouette, l'architettura della forma, lo sviluppo plastico dell'abbigliamento e dei muscoli. L'origine e l'evoluzione di una composizione statuaria di gruppo (Moschophorus). Lapide scultorea. Il design scultoreo dei templi è una rappresentazione plastica di una specifica trama mitologica.

Programma artistico e figurativo dell'ensemble dell'Acropoli di Atene. L'equilibrio dei componenti della composizione è l'unità di libera disposizione e ordine sia negli elementi degli edifici che nella composizione dell'insieme. Proporzionalità alla scala umana. L'originalità della logica dell'impianto corale legato al percorso delle processioni panatenaiche. Gli elementi principali dell'insieme: Propilei, Tempio di Nike Apteros, Partenone, Eretteo. Il Partenone è l'apice dello sviluppo dell'architettura e della scultura greca. Eretteo: asimmetria della pianta come caratteristica della struttura formale. Partenone ed Eretteo: un armonioso equilibrio di contrasti nel trasmettere la connessione organica di architettura e scultura nell'insieme dell'Acropoli.

Arte del periodo classico (V - IV secolo aC). Il desiderio di incarnare nella plastica la persuasività vitale del movimento è il compito principale dei classici. Un nuovo approccio alla rappresentazione di una persona: concretezza dell'immagine plastica e rappresentazione dello stato dell'azione o della capacità di farlo. I primi classici - graduale padronanza del trasferimento concreto con mezzi plastici del motivo del movimento (Auriga delfico, statua di Poseidone (Zeus), "Tiranniedio"). Classici maturi: l'opera di Mirone ("Discobolo", Atena e Marsia). Il Canone di Policleto e la sua applicazione nella scultura. “Doriphoros” e il sistema del chiasmo. Scultura di Fidia (Atena Parthenos, Zeus Olimpio). Tardo classico. Novità nella riflessione artistica del mondo come conseguenza dei cambiamenti causati dalla perdita degli ideali della polis. La creatività di Skopas è la distruzione di un'immagine plastica olistica e armoniosa nella direzione di trasmettere motivi taglienti e agitati. (Menade). Apollo Belvedere dello scultore Leochares. Design scultoreo templi.

Pittura vascolare del periodo arcaico. Ampliare la portata dei soggetti utilizzati e delle forme dei vasi come caratteristica della pittura vascolare arcaica. Pittura vascolare a figure nere: una caratteristica del programma artistico e di contenuti. Opere di Exekius (kylix con la barca di Dioniso, anfora vaticana). Pittura vascolare a figure rosse e suoi maestri (Eufronio, Eutimide). Vasi del periodo classico. Ulteriore sviluppo della pittura vascolare a figure rosse (“stile rigoroso”). Linea squisita, trasmissione di pace commovente, equilibrio armonioso nel mostrare una trama mitologica attraverso un episodio reale, “quotidiano” come caratteristiche principali dello “stile rigoroso”. Master Brig - kylix raffigurante le conseguenze di una festa. La particolarità della struttura formale del lekythos dal telefono bianco. Vasi figurati.

L'arte dell'età ellenistica. Inquadramento cronologico e territoriale dell'età ellenistica. Sviluppo intensivo di tutte le forme artistiche, la loro connessione con i principi dell'arte sia greca che orientale. Rifiuto dell'ideale estetico dell'arte greca. L'architettura perde la sua integrità e il suo contenuto organico e porta in primo piano il problema dell'impatto emotivo dell'architettura. La tendenza a mescolare diversi ordini e i loro elementi. Altare di Zeus a Pergamo: caratteristica del programma artistico e figurativo, esempio di sintesi tra architettura e scultura di epoca ellenistica. Mausoleo di Alicarnasso - composizione della struttura, scultura Complicazione della composizione degli edifici e comparsa del tema dell'intenso superamento del percorso negli insiemi dell'architettura ellenistica.

L'esistenza di varie scuole scultoree in epoca ellenistica. Nike di Samotracia e Venere di Milo dello scultore Alessandro: due opzioni per rappresentare il programma artistico e significativo dell'epoca (sensualità enfatizzata e maggiore drammaticità). L'apparizione in epoca ellenistica di statue di sovrani, filosofi, interesse per le caratteristiche dell'età. Allegoria nella scultura ellenistica. Laocoonte.

Periodizzazione dell'arte etrusca. La cultura etrusca come interconnessione delle culture delle singole città - stati. Visioni religiose degli Etruschi e loro ruolo nella formazione del programma figurativo dell'arte etrusca. I principali centri della cultura etrusca. Architettura funeraria. Divisione delle tombe in tipologie principali in base all'esterno e all'interno. Dipinti monumentali. Soggetti di dipinti di tombe etrusche. Il culto funerario e la sua influenza sulla formazione del programma artistico e figurativo delle pitture tombali etrusche. Composizione fantastica e maggiore decoratività del colore. Periodo arcaico (600-470 aC circa) Introduzione della composizione nelle pitture tombali e del principio di organizzazione dello spazio (basamento, area del terreno, frontone, falsa porta). Cicli narrativi espansi, mantenendo uno schema di colori brillantemente decorativo, l'uso di uno schema rigido, pose statiche e congelate, un gran numero di temi "paesaggistici", la possibilità di variazioni tematiche all'interno del sistema di contenuti generale come caratteristiche distintive dipinto monumentale epoca arcaica (Tombe delle Leonesse, degli Auguri a Tarquinia). Età classica (460-380 a.C. circa). Un graduale allontanamento dall'unità organica di pittura e architettura, l'ampiezza della tavolozza, l'espressività del contorno, alla fine del periodo classico - il desiderio di una maggiore decoratività, la complicazione degli schemi compositivi, un aumento degli ornamenti (Tomba dei Leopardi, Tomba del Triclinio). Urne funerarie. Dalle urne biconiche del tipo dell'impasto alle urne funerarie etrusche di Chiusi (VII - inizi VI secolo aC - coperchi decorati con maschera in bronzo appositamente realizzata, fine VI - inizi VI secolo aC - con coperchi a forma di testa umana). Espressività dei tratti e dei gesti del viso, mancanza di idealizzazione e originalità di ogni immagine. Urna canopica decorata con maschera fittile da Chiusi, urna canopica da Sarteano. Debole smembramento della forma, posa frontale rigorosa, come tratti caratteristici delle urne funerarie a forma di figure sedute (Ciusi, VI secolo aC). Aspetto in con. VI secolo AVANTI CRISTO. un nuovo tipo di urna a forma di scatola rettangolare con rilievi e la sua diffusa diffusione in Etruria. Formazione nel V secolo. AVANTI CRISTO. un'urna con l'immagine del defunto disteso su un letto e una figura femminile seduta accanto a lui. Sarcofagi. Sviluppo del motivo plastico della figura sdraiata con particolare attenzione all'accurata esecuzione della testa nei sarcofagi del VI a.C. Sarcofago di sposi di Cerveteri. Seconda metà del VI secolo. AVANTI CRISTO. - nuovo tipo sarcofago con figure distese sul coperchio. Sarcofago con l'immagine della coppia defunta sul coperchio proveniente dal Museo di Boston. Sviluppo durante il 3 ° secolo. AVANTI CRISTO. di un unico tipo (comune per urne e sarcofagi) a forma di scatola, decorata con rilievi e un'immagine del defunto banchettante, un graduale aumento dell'attenzione alle caratteristiche del ritratto.

Periodizzazione dell'arte antica romana. L'arte dell'Antica Roma in età repubblicana. Le epoche più antiche (VIII-V secolo a.C.) e repubblicana (V secolo a.C.-I secolo d.C.) come periodi di formazione dell'arte romana. Diversa da quella greca, la concezione “romana” dell’ordine: l’ordine come cornice che modella lo spazio architettonico, un sistema di ordini sovrapposti. Applicazione di arco e volta. Un diverso contenuto ideologico dell'architettura: grandezza, scala, glorificazione della grandezza dell'impero e dell'imperatore, monumentalità, ampia portata spaziale, standardizzazione degli elementi architettonici e delle decorazioni. La formazione delle principali tipologie di edifici in epoca repubblicana: fori, basiliche, templi, terme, teatri, architettura residenziale - ville. Utilizzo della tecnologia del calcestruzzo. L'uso di un porticato d'ordine come soluzione funzionale e artistica. L'arte dell'Impero Romano.L'importanza per l'architettura dell'impero dei problemi dell'evoluzione delle principali tipologie di strutture architettoniche. La formazione dell'arco trionfale romano e la sua struttura artistica e figurativa. Architettura romana diffusa in tutto l’impero.

La ritrattistica della prima Repubblica è il genere principale delle belle arti a Roma. Sviluppo delle principali tipologie di ritratti: busti, statue in piedi di oratori, generali. Il rapporto tra l'individuo e il tipico: chiara costruttività del volume plastico, accuratezza nella rappresentazione dei dettagli reali. “Oratore”, ritratto di Bruto . L'evoluzione del ritratto dalla Prima e Matura Repubblica alla Tarda Repubblica, il passaggio ai ritratti di personaggi politici, l'emergere della personalità della persona raffigurata oltre il quadro delle idee repubblicane. Ritratto di Giulio Cesare Ritratto di Augusto da Prima Porto: la natura “programmatica” delle statue cerimoniali, l'idealizzazione della personalità sotto l'influenza di nuove norme estetiche, la direzione ufficiale nella ritrattistica scultorea romana. La varietà di direzioni nello sviluppo di un ritratto scultoreo, la graduale sostituzione dell'interpretazione idealizzante con una rappresentazione più accurata dei tratti del viso e del carattere di una persona. Il tempo della dominante è un'epoca di profonda crisi delle antiche forme plastiche. Il passaggio a una forma appiattita, un graduale abbandono del volume, spesso rigidità, schematismo e ipertrofia nella resa dei tratti del viso, un trasferimento di interesse esclusivamente nell'area di trasmissione dello stato interno e una perdita di unità artistica dell'immagine . Ritratto di Costantino.

Pittura. I stile pompeiano (II secolo a.C. - anni '80 del I secolo a.C.) - fusione della pittura con la plasticità degli elementi architettonici, sottolineando la costruttività della forma, la predominanza dei toni caldi (rosso, marrone, giallo). II stile pompeiano (80-15 a.C.) - grande illusione, una comprensione fondamentalmente nuova dell'immagine architettonica e pittorica e del rapporto dell'interno con lo spazio che circonda l'edificio, sfondamento del muro (introduzione di elementi architettonici illusori, uso di elementi naturali visualizzazioni). Villa dei Misteri a Pompei. Murales del III stile pompeiano (15 a.C. - 50 d.C.) - rifiuto di decorazioni che violavano il piano del muro, interesse per la statica solenne, inserimento di francobolli con vedute paesaggistiche, nature morte, ritratti. Grandi composizioni di natura trama. Nozze aldobrandine. Il quarto stile pompeiano è l'uso di tecniche di sfondamento illusorio dello spazio, composizioni architettoniche fantastiche, dinamismo, scelta di composizioni intense e drammatiche nella trama e un'attrazione per l'ampiezza spaziale. Dipinti della Casa dei Vettii, la Casa Aurea di Nerone.

Il programma del Colosseo: estrema semplicità ed economia di progettazione, isolamento, volumi recintati e quindi interesse per lo spazio interno, un sistema di decorazione ordinata (ordine sovrapposto, l'uso di tutti e tre i sistemi di ordine contemporaneamente, l'uso di un grande ordine) per varie comprensioni e percezione emotiva livelli. Diffuso uso di arcate d'ordine ed elementi plastici per movimentare la massa architettonica del muro. Il Colosseo come l'edificio più significativo del I secolo. ANNO DOMINI

Pantheon: come massima espressione pensiero ingegneristico e architettonico dell'antica Roma. Il programma artistico e figurativo del Pantheon: un esempio di copertura di uno spazio a cupola di grande luce, priorità nello sviluppo dello spazio interno.

Periodizzazione dell'arte dell'antica Rus'. L'influenza della cultura e dell'arte bizantina. Formazione della composizione della chiesa a cupola incrociata. Caratteristica distintiva arte dell'era pre-mongola - monumentalismo delle forme (il tempio di Santa Sofia di Kiev e Santa Sofia di Novgorod). Chiese a quattro pilastri a cupola singola di Novgorod e Mosca. Templi con spazio interno del corridoio (Cattedrale dell'Assunzione di Mosca). Architettura della tenda (Chiesa dell'Ascensione a Kolomenskoye).

Sviluppo dei centri artistici locali dell'antica Rus' nei secoli XIII - XIV. Architettura di Novgorod XIV secolo. Chiesa parrocchiale com il nuovo tipo tempio (il primo di questa serie, la Chiesa del Salvatore a Nereditsa). L'influenza dei cambiamenti nei materiali e nella muratura sulla composizione e sull'aspetto dei templi. Chiese del Salvatore a Kovalevo, dell'Assunzione sul campo di Volotovo e la Chiesa della Trasfigurazione in via Ilyin. Decorazione monumentale e decorativa dei templi: trame e simbolismo. Affreschi di Teofane il Greco.

La corona è l'elemento strutturale principale nella struttura in legno dell'architettura russa. Lo schema canonico alla base della composizione di un tempio ligneo. Forma in tre parti della chiesa a cella più semplice (Chiesa di Lazzaro del XVI secolo). L'ottagono è una nuova tecnica di progettazione in architettura. L'aspetto di una chiesa ottagonale con quattro arcate. Un insieme di edifici sull'isola Kizhi del Lago Onega. Un capolavoro dell'architettura in legno del XVII secolo è la Chiesa della Trasfigurazione con ventidue cupole.

Una struttura in legno quadrangolare è la base degli edifici in legno. La forma più semplice di alloggio con stufa è una capanna. Caratteristiche dell'illuminazione. La composizione di un'abitazione tradizionale russa, l'applicazione del principio di divisione in parti separate e costruzione modulare. Combinazione di zone residenziali e commerciali. L'evoluzione dell'edilizia urbana nei secoli XVI-XVII. Collegamento con l'ambiente naturale e utilizzo stagionale di alcuni locali. Vari scopi delle camere. Formazione di un insieme di edifici a torre. Palazzo di legno di Alexei Mikhailovich a Kolomenskoye.

L'importanza dei monasteri nella vita statale e sociale della Rus' moscovita nei secoli XIV-XVII. L'influenza di Sergio di Radonezh sullo sviluppo dell'Ortodossia. Formazione di un nuovo tipo di monastero con statuto comunitario. Trinità-Sergio Lavra come centro della filosofia ortodossa e della cultura nazionale. Partecipazione dei monasteri allo sviluppo e al rafforzamento dei confini della Rus' nordorientale. Kirillo-Belozersky, Ferapontov, Solovetsky, Valaam, Mirozhsky e altri monasteri. Attività creativa di Andrei Rublev e Dionisy. Sviluppo di miniature di libri.

Formazione di scuole d'arte nelle terre russe. Lingua e contenuto dell'icona. La pittura di icone è il tipo principale di belle arti. Icone di Novgorod dei secoli XIII-XV. Concisione e semplicità della composizione, precisione del disegno, colorazione colorata, interpretazione unica delle immagini. (Miracolo di Giorgio sul serpente; Miracolo di Flora e Alloro). Icone "agiografiche". Icone della “lettera del nord”. Icone di Pskov dei secoli XIII-XV. Tavolozza monocromatica, figure pesanti, colori contrastanti. Icone di Mosca dei secoli XIV-XV.

Andrej Rublev. Informazioni biografiche. Lavora nella Cattedrale dell'Annunciazione del Cremlino di Mosca. Scuola creativa Teofane il greco. Partecipazione alla formazione della composizione dell'iconostasi “alta” ortodossa. Affreschi e iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir. "Grado Zvenigorod". L’icona “Trinità” è il rapporto tra l’intenzione dell’autore e la composizione originale. L'influenza di Andrei Rublev sulla scuola di pittura di icone di Mosca.

Determinare il posto delle arti decorative e applicate nella cultura artistica russa. Riflessione sul processo di sviluppo delle forme culturali nazionali nella storia delle arti decorative e applicate. Tradizioni di lavorazione dei materiali nell'artigianato artistico. Artigianato artistico del principato Vladimir-Suzdal. Collegamenti culturali con Bisanzio e l'Europa occidentale. Una combinazione di artigianato artistico e architettura, scultura in pietra bianca. Sviluppo di forgiatura, conio, fusione. Tecnica della "doratura a fuoco". Artigianato artistico di Novgorod. Smalto, goffratura, intaglio del legno, intaglio della pietra, intaglio dell'osso. Ornamento di vimini nell'artigianato di Novgorod. Monumenti di oreficeria e argenteria dei secoli XI-XII. e la scuola di cucito russo antico di Novgorod. Arte decorativa e applicata dello stato di Mosca nei secoli XIV-XVI. Creazione di gioielli. Cucitura del viso a Mosca e Novgorod. Laboratori del Monastero della Trinità-Sergio e una scuola di scultura in legno e ossa in miniatura. Sculture in legno negli utensili della chiesa e nella decorazione del tempio. La ceramica: la diffusione del tornio da vasaio, la nascita di nuove tipologie di terracotta rossa. Arte del XVI secolo. Le prime informazioni sui laboratori reali al Cremlino. La composizione delle tendenze stilistiche generali nelle arti decorative e applicate di Mosca. Cucitura del viso, influenza della scuola di pittura di icone di Dionisio. Cucito della metà e della seconda metà del XVI secolo. Realizzazione di gioielli (filigrana, smalto filigranato, sbalzo e intaglio in argento, niello in oro). Argenteria di Novgorod, Solvychegodsk, Vologda. Intaglio del legno. Sviluppo di intagli passanti e a rilievo. Ornamento floreale ("a base di erbe") nella scultura e nella pittura del legno. La connessione tra la pittura su legno e lo sviluppo della pittura di icone e dell'arte del libro. Aree di applicazione (decorazione di interni, decorazione di iconostasi, mobili, utensili da chiesa, cofanetti, cassapanche, utensili in legno). Trafori e intagli in rilievo sull'osso. Ceramica nera lucidata e colorata. Applicazione di engobbio e smalto. L’emergere della ceramica architettonica. Fusione del rame e lavorazione del fabbro.

Barocco - sistema visione artistica e stile. Una forma speciale di sintesi delle arti, basata sulla compenetrazione e sulla transizione da un tipo di arte a un altro. Intrattenimento, teatralità. Barocco italiano: l'origine e la formazione delle caratteristiche stilistiche. Architettura barocca romana: caratteristiche, maestri, monumenti. Bernini e Borromini. Pittura monumentale e da cavalletto dell'epoca barocca: tendenze e maestri. Sviluppo dei generi. Caravaggio. Scultura barocca italiana – maestri e monumenti. Bernini. La grandiosità delle dimensioni, il lusso dei materiali, la luminosità decorativa, la varietà dei compiti e la ricchezza di genere del barocco italiano. Le caratteristiche principali dello stile barocco sono l'unità di strutture fluide, complesse, solitamente curvilinee, la ricchezza degli interni e la composizione decorativa.

Varianti dell'Art Nouveau in diverse scuole nazionali. Generale e caratteristiche specifiche Architettura Art Nouveau in diversi paesi. Scuole e maestri nazionali (William Morris, Victor Horta, Henri van de Velde, Antonio Gaudi,). Scuola russa di Art Nouveau (Fedor Shekhtel). Pittura in stile Liberty. Il moderno (Art Nouveau) è una caratteristica dello stile. Il percorso dall'eclettismo all'architettura liberty. Preservare il significato degli stili storici; formazione di principi originali di creazione della forma. L'importanza dello stile individuale dell'architetto e le specificità delle tradizioni nazionali. Opzioni per rifiutare il valore di progettazione del sistema di ordini. Le principali caratteristiche dello stile: asimmetria, evitamento della rigida interdipendenza delle logiche di costruzione dell'esterno e dell'interno, significato e funzioni degli elementi ornamentali e decorativi, combinazione di materiali dissimili, ruolo del colore, linguaggio simbolico delle forme , la funzionalità dello spazio interno. Una varietà di tendenze all'interno dell'Art Nouveau.

1. L'importanza della cultura nello sviluppo dell'umanità

Economia, politica e cultura sono tre settori principali, senza progresso simultaneo in cui la società non può svilupparsi con successo.

3. L'importanza della cultura della società preclassista

La cultura primitiva ha svolto un ruolo significativo nel successivo sviluppo dell'umanità.

4. Principali caratteristiche della cultura egiziana

Memo letterari: “Testi delle Piramidi”, “Libro dei Morti”, “Testi dei Sarcofagi”, “Canto dell'arpista”.

5. Mitologia antica nella cultura mondiale

Un'opera teatrale di V. è stata scritta sulla base di trame prese in prestito dalla mitologia greca.

"Troilo e Cressida" di Shakespeare, poesia "Venere e Adone". I nomi degli eroi mitologici si trovano in molte altre opere.

Shakespeare. Gruppi scultorei realizzati su soggetti dell'antica mitologia greca,

Molti meravigliosi edifici costruiti a Mosca e San Pietroburgo nei secoli XVII-XIX sono decorati.

6. Principali caratteristiche della cultura greca

I greci adottarono attivamente le conquiste scientifiche e tecniche di altri popoli. Pertanto, l’intera storia dell’antica Grecia è oggi solitamente suddivisa come segue:

I. L'era della civiltà cretese-micenea o palatina (III-II millennio aC);

II. Secoli omerici (“oscuri”) (XI-IX);

III. L'era dell'antica civiltà stessa:

1. periodo arcaico (VIII-VI - il tempo della formazione dell'Hellas, la formazione delle politiche (città-stato);

2. periodo classico (V-IV secolo a.C.) - il tempo della massima fioritura della cultura greca antica e dello sviluppo della democrazia;

3. Periodo ellenistico (IV-I secolo a.C.) - il completamento dello sviluppo della cultura dell'antica Grecia, la perdita della sua indipendenza politica.

7. Cultura artistica della Grecia classica

In questo periodo fiorirono il teatro greco e l'opera di Eschilo, Sofocle ed Euripide. Il teatro divenne un vero educatore del popolo, plasmando le opinioni e le convinzioni dei cittadini liberi. La tragedia greca nelle immagini dei miti rifletteva la lotta del popolo contro i nemici esterni, per l'uguaglianza politica e la giustizia sociale.

8. Caratteristiche della cultura dell'antica Roma

Roma diventa l'erede della civiltà ellenica. A differenza di Atene, Roma non creò un'alta cultura durante il periodo della sua formazione e prosperità come città-campagna. La mitologia romana era più primitiva di quella greca. Solo sotto l'influenza dei Greci iniziarono a essere realizzate immagini di dei e furono costruiti templi. Gli dei greci furono presi come esempio.

9. Interazione tra la cultura bizantina e quella antico-russa

Negli ultimi anni storici, filosofi, filologi e storici dell'arte hanno sviluppato attivamente una vasta gamma di argomenti sul problema del dialogo tra le culture. Tra questi c'è la questione della correlazione stilistica dell'antica arte russa. La tesi secondo cui la civiltà cristiana orientale sviluppatasi a Bisanzio ebbe un grande significato e un lungo periodo di influenza sulla formazione e sullo sviluppo delle culture dei popoli slavi è considerata oggi generalmente accettata. Lo studio della percezione e dell'elaborazione di questo patrimonio - soprattutto nel campo dell'arte - è necessario per comprendere molti processi e fenomeni avvenuti sia nella stessa Bisanzio che nei paesi ad essa adiacenti.

10. Fondamenti della visione del mondo di Bisanzio e il suo ruolo nello sviluppo della cultura

La cultura bizantina assorbì l'antica eredità e la cultura dei popoli che la abitarono. Tuttavia, l’influenza dell’antichità fu indebolita dalla chiesa e dal dispotismo. A Bisanzio c'era una cultura popolare: poemi epici, favole, canti popolari, feste pagane. La differenza tra la cultura bizantina e la cultura occidentale è la debole influenza culturale dei barbari.

I centri della cultura bizantina sono Costantinopoli, centri provinciali, monasteri, possedimenti feudali. Attraverso Bisanzio, che esisteva fino al XII secolo. lo stato più culturale d'Europa, sono giunti fino a noi il diritto romano e le antiche fonti letterarie andate perdute in Occidente. Scienziati e artisti greci hanno dato un contributo significativo al processo culturale mondiale e al suo sviluppo. La tecnologia artigianale bizantina, l'architettura, la pittura, la letteratura, le scienze naturali e il diritto canonico civile hanno contribuito alla formazione della cultura medievale di altri popoli.

11. Forme fondamentali dell'arte bizantina

1. Architettura.

2. Pittura del tempio (mosaico, affresco).

3. Iconografia

4. Miniatura del libro.

12. Condizioni storiche per la formazione della cultura del Medioevo europeo

13. Formazione dei principi artistici dell'arte medievale

Nel frattempo, l'atteggiamento nei confronti della bellezza femminile in sé nel giudaismo è forse ancora più severo che nel cristianesimo. È vietato ascoltare il canto delle donne e ammirare il volto di una donna. E nel Talmud si possono trovare molte affermazioni come la seguente: “Chi passa denaro di mano in mano a una donna con l’intenzione di guardarla non sfuggirà all’inferno, anche se è pieno di Torah e di buone azioni, come Mosherabeinu” (Iruvin 18).

Tuttavia, continuando l’argomento precedentemente toccato del “Giorno dell’Amore”, vorrei parlare oggi di un approccio alternativo “impopolare”. Vorrei considerare la questione se esiste un significato religioso positivo nella bellezza femminile e, in tal caso, qual è.

L'ideale cavalleresco è forse il ritrovamento spirituale più prezioso della cultura europea. Questo è ciò che gli europei sono realmente riusciti a fare. Come ha argutamente osservato Maurois: “Un gentiluomo, un vero gentiluomo, è il tipo più attraente nell’evoluzione dei mammiferi”. Quindi, è del tutto appropriato considerare gli ideali della cavalleria come ideali che non sono solo spirituali, ma anche religiosamente significativi. Ma vale la pena notare che sono indissolubilmente legati al culto della Madonna. Huising scrive in “Autunno del Medioevo”: “Il collegamento dell'ideale cavalleresco con valori elevati la coscienza religiosa – compassione, giustizia, fedeltà – non è affatto qualcosa di artificiale e superficiale. Ma non è questa connessione che contribuisce alla trasformazione della cavalleria principalmente in una bella forma, in un tipo di vita. E neppure il radicamento della cavalleria nel coraggio militare avrebbe potuto elevarla a tal punto se l’amore femminile non fosse stato quel calore ardente che porta calore vivo a questa complessa unità di sentimenti e di idee”.

Quindi, l'ideale cavalleresco è caratterizzato da un atteggiamento altrettanto rispettoso nei confronti delle armi e della bellezza femminile. La soluzione a questa connessione è abbastanza semplice: Forza e Bellezza (cioè, Debolezza ispiratrice) sono separate nell’ideale cavalleresco, proprio come i poteri legislativo ed esecutivo sono separati nelle democrazie. Si presuppongono a vicenda ed esistono l’uno a spese dell’altro.

La forza guadagna terreno spirituale solo perché non serve se stessa, ma un altro soggetto, ovviamente debole. Ma è una donna l'ideale per il ruolo di questo soggetto. Nella cavalleria, del resto, è proprio quello che è successo: in essa la Forza è diventata bella e la Bellezza è diventata forte.

15. Realismo rinascimentale

Il Rinascimento è caratterizzato dall'interesse per l'uomo, dall'amore per la natura, dalla bellezza, dalla sete di conoscenza e di scoperta ( viaggiare intorno al mondo Magellano e Colombo, scoperta

America), il fiorire delle scienze naturali, dell'arte, della letteratura, della formazione e dello sviluppo realista - nuovo metodo artistico nell'arte. Il realismo rinascimentale aveva molte somiglianze con il realismo antico. Si tratta di forme chiare e calme, proporzioni armoniose, chiare divisioni dell'intero in parti, rapporti organici tra i sistemi decorativi e strutturali e un impeccabile senso delle proporzioni.

Tuttavia, l'arte del Rinascimento si è formata su un piano nuovo, di più fase difficile sviluppo della società umana ed era la nuova arte del suo tempo, riflettendo, prima di tutto, la fede nella mente umana.

16. L'arte dei maestri del Rinascimento italiano

Con completezza classica, il Rinascimento si realizzò in Italia, nella cultura rinascimentale di cui esistono periodi di fenomeni prerinascimentali a cavallo tra il XIII e il XIV secolo. (Protorinascimento), Primo Rinascimento (XV secolo), Alto Rinascimento (fine XV - 1° quarto del XVI secolo), Tardo Rinascimento(16 ° secolo). Durante il Primo Rinascimento, la scuola fiorentina, gli architetti (F. Brunelleschi, L.B. Alberti, B. Rossellino, ecc.), gli scultori (L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, A. Rossellino) divennero il fulcro dell'innovazione in tutte le tipologie d'arte, Desiderio da Settignano, ecc.), pittori (Masaccio, Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Beato Angelico, Sandro Botticelli, ecc.) che crearono una concezione plasticamente integrale del mondo con unità interna, che via via si diffuse in tutta Italia (creatività Piero della Francesca a Urbino, Vittore Carpaccio, F. Cossa a Ferrara, A. Mantegna a Mantova, Antonello da Messina e i fratelli Gentile e Giovanni Bellini a Venezia). Durante l'Alto Rinascimento, quando la lotta per gli ideali umanistici del Rinascimento acquisì un carattere intenso ed eroico, l'architettura e le belle arti furono caratterizzate dall'ampiezza del suono sociale, dalla generalità sintetica e dal potere delle immagini piene di attività spirituale e fisica. Negli edifici di D. Bramante, Raffaello, Antonio da Sangallo, perfetta armonia, monumentalità e chiara proporzionalità raggiunsero il loro apogeo; la pienezza umanistica, il volo audace dell'immaginazione artistica, l'ampiezza della realtà sono caratteristici della creatività più grandi maestri belle arti di quest'epoca: Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione, Tiziano.

18. Francese dramma classico. Innovazione di J.-B, Molière

Il dramma classico è un dramma che si è sviluppato nei paesi europei durante l'era barocca e si basa sulla poetica interpretata in modo unico della tragedia antica. I primi tentativi di tragedia classica francese apparvero a metà del XVI secolo. La scuola di giovani drammaturghi e teorici, conosciuta come le Pleiadi, si sviluppò sul suolo francese arte nazionale nelle forme della tragedia e della commedia antica. Definiscono la tragedia come un'opera in cui ci sono "cori, sogni, fantasmi, dei, massime morali, lunghe osservazioni, risposte brevi, un raro evento storico o patetico, un finale infelice, uno stile elevato, poesia, un tempo che non supera un giorno". .”

Qui vediamo un tale atavismo come un coro, ma dentro ulteriori sviluppi scompare abbastanza rapidamente, ma all'unità del tempo si aggiungono altre due unità. I primi esempi di tragedia classica francese sono forniti da Jodelle, che, con la sua “Prigioniera Cleopatra”, secondo l'appropriata espressione di Ronsard, “fu il primo a far sembrare francese la tragedia greca”, Grevin, che si opponeva a qualsiasi riconciliazione con il repertorio misterioso, Garnier, Hardy de Viau, Franca Contea, Meret, Montchretien et al.

Maggior parte rappresentanti di spicco la tragedia classica nelle forme sopra descritte sono i drammaturghi Pierre Corneille (1606-1684) e Jean Racine (1639-1699). Il primo Corneille nel suo “Cide” (1636) non osserva ancora l'unità e costruisce una tragedia secondo uno scenario che ricorda i drammi misteriosi. È caratteristico che nel suo contenuto questa tragedia conservi ancora elementi di ideologia feudale (e non solo assolutista-nobiliare).

Lo spettacolo ebbe un enorme successo, contro il quale si armò l'Accademia di Francia, protestando contro l'istigazione dell'onnipotente cardinale Richelieu. L'attacco dell'Accademia al Cid articolava molto chiaramente i requisiti della tragedia classica. "Il Cid" fu seguito da altre tragedie di Corneille: "Orazio", "Cinna", "Polyeuctus", "Pompeo", "Rodogune", che, insieme alle opere di Racine, rafforzarono a lungo la gloria dei francesi tragedia.

Il significato di Molière nella storia del dramma mondiale è davvero enorme.

Avendo unito nel suo lavoro le migliori tradizioni del teatro popolare francese con le idee avanzate dell'umanesimo, Molière creò un nuovo tipo di dramma: l'“alta commedia”, un genere che per l'epoca fu un passo decisivo verso il realismo.

Dopo che la reazione cattolica distrusse il grande teatro del Rinascimento italiano e spagnolo, e la rivoluzione puritana inglese rase al suolo i teatri di Londra dalla faccia della terra e anatemizzò Shakespeare, Moliere innalzò nuovamente la bandiera dell'umanesimo e restituì nazionalità e ideologia al teatro europeo.

Ha delineato coraggiosamente il percorso per tutti i successivi sviluppi del dramma e non solo ha chiuso con la sua opera due grandi epoche culturali: il Rinascimento e l'Illuminismo, ma ha anche anticipato molti dei principi fondamentali del realismo critico. La forza di Molière sta nel suo appello diretto alla sua modernità, nella spietata esposizione delle sue deformità sociali, nella profonda rivelazione nei drammatici conflitti delle principali contraddizioni del tempo, nella creazione di brillanti tipi satirici che incarnano i principali vizi del contemporaneo società nobile-borghese.

19. La formazione della musica classica. Grandi compositori del XVII e XVIII secolo

Monteverdi. D. Frescobaldi`. A.Corelli. A. Vivaldi. A. Scarlatti.D.B. Pergolesi. Dinastie di liutai.

MUSICA D'ITALIA

J.B. Lully. J. F. Rameau. F. Couperin.

MUSICA DELLA FRANCIA

G.Purcell.

MUSICA D'INGHILTERRA

G.Schutz. D.Buxtehude. G. F. Händel. J.S.Bach.

MUSICA DELLA GERMANIA

M.S.Berezovsky. DS Bortnyansky. E.I.Fomin.

MUSICA DELLA RUSSIA

A cavallo tra il XVI e il XVII secolo, la polifonia, che dominò la musica del Rinascimento, iniziò a lasciare il posto all'omofonia (dal greco "homos" - "uno", "identico" e "telefono" - "suono", "voce"). A differenza della polifonia, dove tutte le voci hanno uguali diritti, nella polifonia omofonica ce n'è una che suona argomento principale e il resto svolge il ruolo di accompagnamento (accompagnamento). L'accompagnamento è solitamente un sistema di accordi (armonie). Da qui il nome del nuovo modo di comporre musica: omofonico-armonico.

Apparvero opere scritte su testi o argomenti religiosi, ma non destinate all'esecuzione obbligatoria in chiesa. (Tali opere sono chiamate spirituali, poiché la parola "spirituale" ha un significato più ampio di "ecclesiastico".) I principali generi spirituali dei secoli XVII-XVIII. - cantata e oratorio. L'importanza della musica secolare aumentò: veniva ascoltata a corte, nei salotti degli aristocratici e nei teatri pubblici (i primi teatri del genere furono aperti nel XVII secolo). È emerso un nuovo tipo di arte musicale: l'opera.

La musica strumentale è segnata anche dall'emergere di nuovi generi, in particolare concerto strumentale. Il violino, il clavicembalo e l'organo si trasformarono gradualmente in strumenti solisti. La musica scritta per loro ha offerto l'opportunità di dimostrare il talento non solo del compositore, ma anche dell'esecutore. Ciò che veniva apprezzato soprattutto era il virtuosismo (la capacità di far fronte alle difficoltà tecniche), che gradualmente divenne fine a se stesso e un valore artistico per molti musicisti.

I compositori dei secoli XVII-XVIII di solito non solo componevano musica, ma suonavano anche magistralmente gli strumenti ed erano impegnati in attività didattiche. Il benessere dell’artista dipendeva in gran parte dal cliente specifico. Di norma, ogni musicista serio cercava di ottenere un posto alla corte di un monarca o di un ricco aristocratico (molti membri della nobiltà avevano le proprie orchestre o teatri d'opera) o in un tempio. Inoltre, la maggior parte dei compositori combinava facilmente la musica sacra con il servizio per un mecenate secolare.

21. Movimenti artistici del Settecento e loro tratti caratteristici

Una direzione artistica è una fondamentale comunanza di fenomeni artistici per un lungo periodo di tempo.

Il barocco è un movimento nell'architettura e nell'arte europea della fine del XVI-XVIII secolo, caratterizzato da:

Grandiosità, sfarzo e dinamica;

Euforia patetica;

Intensità dei sentimenti;

Dipendenza dagli spettacoli spettacolari;

Combinare l'illusorio e il reale;

Forti contrasti di scala e ritmo, materiali e texture, luce e ombra.

Si sforzavano di esprimere l’idea di una struttura armoniosa della società basata sulle eterne “leggi della ragione”

22. L’assolutismo “illuminista” in Russia. Riforme culturali di Pietro 1 e Caterina 2

La storia domestica - uno dei principali santuari nazionali di qualsiasi paese - in Russia si è trasformata in oggetto di feroci controversie e conflitti, spesso associati a valutazioni opposte degli eventi passati, sia di lunga data che degli ultimi vent'anni. Quando, in un'atmosfera tesa di reciproca irritazione degli avversari (per non dire di profonda alienazione reciproca, persino di disprezzo e odio) si ricorre ai termini di malattia, diagnosi, sindrome, eziologia, si rischia di ricevere accuse di blasfemia, da tutte le parti. Contabilità della stratificazione sociale. Sotto Caterina II, i diritti dei nobili riguardo alle proprietà e ai contadini si espansero, ma in tal modo aggravarono la schiavitù e le difficoltà dei contadini. Il solo parametro della “libertà” non riesce a cogliere questa “sottigliezza”. La somma aritmetica dei valori degli indicatori per i diversi strati sociali può solo oscurare il quadro (come la famigerata “temperatura media ospedaliera dei pazienti”).

23. Il romanticismo come movimento artistico

Romanticismo, un movimento ideologico e artistico sorto nella cultura europea e americana alla fine del XVIII secolo - prima metà del XIX secolo, come reazione all'estetica del classicismo. Inizialmente si sviluppò (nel 1790) nella filosofia e nella poesia in Germania, e successivamente (nel 1820) si diffuse in Inghilterra, Francia e altri paesi. Ha predeterminato l'ultimo sviluppo dell'arte, anche quelle direzioni che si opponevano ad esso.

Nuovi criteri nell'arte erano la libertà di espressione, una maggiore attenzione all'individuo, le caratteristiche uniche di una persona, la naturalezza, la sincerità e la rilassatezza, che sostituirono l'imitazione dei modelli classici del XVIII secolo. I romantici rifiutavano il razionalismo e il praticismo dell'Illuminismo in quanto meccanicistici, impersonali e artificiali. Invece, hanno dato priorità all’espressione emotiva e all’ispirazione. Sentendosi liberi dal sistema decadente del dominio aristocratico, cercarono di esprimere le loro nuove opinioni e la verità che avevano scoperto. Il loro posto nella società è cambiato. Hanno trovato i loro lettori nella classe media in crescita, pronti a sostenere emotivamente e persino ad adorare l'artista, un genio e un profeta. La moderazione e l'umiltà furono respinte. Sono stati sostituiti da forti emozioni, che spesso hanno raggiunto gli estremi. Alcuni romantici si sono rivolti a credenze popolari e fiabe misteriose, enigmatiche, persino terribili. Il Romanticismo fu in parte associato a movimenti democratici, nazionali e rivoluzionari, sebbene la cultura “classica” della Rivoluzione francese in realtà rallentò l’arrivo del Romanticismo in Francia.

24. Realismo critico del XIX secolo nella narrativa

Realismo - (dal latino realis, materiale) - un metodo artistico nell'arte della letteratura. La storia del realismo nella letteratura mondiale è insolitamente ricca. L'idea stessa di lui è cambiata in diverse fasi sviluppo artistico, riflettendo il desiderio persistente degli artisti di una rappresentazione veritiera della realtà.

Un nuovo tipo di realismo emerse nel XIX secolo. Questo è realismo critico. Si differenzia notevolmente dal Rinascimento e dall'Illuminismo. La sua fioritura in Occidente è associata ai nomi di Stendhal e Balzac in Francia, Dickens, Thackeray in Inghilterra e in Russia: A. Pushkin, N. Gogol, I. Turgenev, F. Dostoevskij, L. Tolstoy, A. Chekhov .

Il realismo critico ritrae in modo nuovo il rapporto tra uomo e ambiente. Il carattere umano si rivela in connessione organica con le circostanze sociali. Oggetto dell'analisi sociale profonda è diventato il mondo interiore dell'uomo; il realismo critico diventa quindi allo stesso tempo psicologico. Il romanticismo, che ha cercato di penetrare i segreti dell'io umano, ha svolto un ruolo importante nella preparazione di questa qualità di realismo.

25. Teatro e dramma russo dei secoli XVIII-XIX

Il balletto penetra in Russia e comincia a diffondersi anche sotto Pietro I all'inizio. XVIII secolo Nel 1738, su richiesta del maestro di danza francese Jean-Baptiste Lande, fu aperta a San Pietroburgo la prima scuola di danza classica in Russia (ora Accademia Vaganova del balletto russo).

L'identità nazionale del balletto russo cominciò a prendere forma all'inizio del XIX secolo grazie al lavoro del coreografo francese S.-L. Didlo. Didelot rafforza il ruolo del corpo di ballo, il legame tra danza e pantomima e afferma la priorità della danza femminile.

Una vera rivoluzione nella musica del balletto è stata fatta da Čajkovskij, che vi ha introdotto un continuo sviluppo sinfonico, un profondo contenuto figurativo e un'espressività drammatica. La musica dei suoi balletti “Il Lago dei Cigni” (1877), “La Bella Addormentata” (1890), “Lo Schiaccianoci” (1892) acquisì, insieme alla musica sinfonica, la capacità di rivelare il flusso interno dell'azione, di incarnare i personaggi dei personaggi nella loro interazione, sviluppo e lotta. Nella coreografia, l'innovazione di Čajkovskij è stata incarnata dai coreografi Marius Petipa e L. I. Ivanov, che hanno gettato le basi per la sinfonizzazione della danza. La tradizione di sinfonizzare la musica del balletto fu continuata da Glazunov nei balletti “Raymonda” (1898), “The Young Lady Servant” (1900) e “The Seasons” (1900).

L'inizio del XX secolo fu caratterizzato da ricerche innovative, dal desiderio di superare gli stereotipi e le convenzioni del balletto accademico del XIX secolo. Nei suoi balletti, il coreografo Teatro Bolshoi A. A. Gorsky ha cercato di raggiungere la coerenza dello sviluppo azione drammatica, autenticità storica, ha cercato di rafforzare il ruolo del corpo di ballo come personaggio di massa, per superare la separazione tra pantomima e danza. M. M. Fokin ha dato un contributo importante all'arte del balletto russo ampliando in modo significativo la gamma di idee e immagini nel balletto, arricchendolo con nuove forme e stili. Le sue produzioni dei balletti “Chopiniana”, “Petrushka”, “Firebird” e altri per le “Stagioni russe” hanno portato fama al balletto russo all'estero. La miniatura “The Dying Swan” (1907) creata da Fokin per Anna Pavlova ha guadagnato fama mondiale. Nel 1911-13, sulla base delle Stagioni russe, fu formata una compagnia permanente, i Balletti russi di Diaghilev. Dopo che Fokine lasciò la compagnia, Vaslav Nijinsky ne divenne il coreografo. La sua produzione più famosa è stata il balletto “La sagra della primavera” sulla musica di Stravinskij.

26. “Itinerants” e “The Mighty Handful”

I Peredvizhniki, artisti che facevano parte dell'esercito russo associazione artistica- “Associazione Mostre d'Arte Viaggianti”. La partnership è stata costituita nel 1870 a San Pietroburgo su iniziativa di I.N. Kramskoy, G.G. Myasoedova, N.N. Ge e V.G. Perov in contrapposizione al centro d'arte ufficiale: l'Accademia delle arti di San Pietroburgo. IN. Kramskoy divenne il leader ideologico della nuova associazione. I dipinti caratteristici degli Erranti si distinguevano per il loro grande potere di psicologismo e generalizzazione sociale, per l'elevata abilità nella tipizzazione e per la capacità di rappresentare intere classi e classi attraverso immagini e soggetti individuali. I generi principali nell'arte dei Wanderers sono gli iniziatori) I.E. Repin, V.I. Surikov, V.E. Makovsky, I.M. Pryanishnikov, A.K. Savrasov, I.I. Shishkin, V.M. Maksimov, K.A. Savitsky, A.M. e V.M. Vasnetsov, A.I. Kuindzhi, V.D. Polenov, N.A. Yaroshenko, I.I. Levitan, V.A. Serov e altri.I partecipanti alle mostre della Partnership erano M.M. Antokolsky, V.V. Vereshchagin, A.P. Ryabushkin e altri Un ruolo importante nello sviluppo dell'arte dei Wanderers è stato svolto dal critico democratico V.V. Stasov; PM Tretyakov, acquistando opere dei Peredvizhniki per la sua galleria, fornì loro un importante supporto materiale e morale.

I Peredvizhniki hanno dato un grande contributo al genere quotidiano e alla ritrattistica russa. In tempi diversi, gli Itineranti includevano (oltre all'arte. Ma questo contributo avrebbe potuto essere molto maggiore se la loro visione del mondo non fosse stata offuscata da pregiudizi sociali, accuse ed estetica volgare, che hanno impoverito spiritualmente artisti russi di talento, lavando via il suolo nazionale da sotto di loro Entro la fine del 19 ° secolo, il movimento Peredvizhniki stava svanendo e loro stessi divennero gradualmente membri della stessa Accademia delle arti contro la quale avevano precedentemente combattuto.

"The Mighty Handful" (cerchio Balakirev, Nuova Scuola di Musica Russa) è una comunità creativa di compositori russi formatasi tra la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60 dell'Ottocento.

Il nome del circolo è stato dato dal suo ideologo, il critico V.V. Stasov. Il "Possente Manciata" includeva:

Balakirev, Miliy Alekseevich (leader) Borodin, Alexander Porfirievich Cui, Caesar Antonovich Mussorgsky, Modest Petrovich Rimsky-Korsakov, Nikolai Andreevich.

Verso la metà degli anni '70 dell'Ottocento, il Mighty Handful cessò di esistere come gruppo coeso. Attività " Un gruppo potente"è diventata un'era nello sviluppo dell'arte musicale russa e mondiale.

27. Il ruolo dell'intellighenzia nella formazione dell'identità nazionale

Per molti decenni, sia coloro che detenevano il potere che le masse popolari, ciascuno separatamente, o anche insieme, trattarono con palese disprezzo sia l'intellighenzia nel suo insieme che i singoli intellettuali. In sostanza, la parola intellettuale è diventata una parolaccia. Allo stesso tempo, il popolo e il governo non possono vivere senza uno Stato che unisca la nazione. A sua volta, lo Stato non può esistere senza l’idea di Stato.

Anche se formulato in modo generale, è inteso più o meno allo stesso modo da tutti.

COSÌ, Nazione stato non può esistere senza identità nazionale. L’autocoscienza nazionale è impossibile senza un’intellighenzia nazionale. Ciò implica la necessità dell'esistenza di un'intellighenzia sana e sana.

28. Varietà dei movimenti artistici della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo

Convenzione di stile;

Il classicismo è un movimento artistico in Arte europea Secoli XVII-XIX. Artisti del classicismo:

L'arte antica era riconosciuta come l'esempio più alto;

Facevano affidamento sulle tradizioni dell'Alto Rinascimento;

Cercavano di esprimere l’idea di una struttura armoniosa della società basata sulle eterne “leggi della ragione”.

Il naturalismo è un movimento letterario e artistico dell'ultimo terzo del XIX secolo, che si batteva per una riproduzione oggettivamente accurata e imparziale della realtà osservata. L'oggetto del naturalismo è il carattere nel suo condizionamento da parte della natura fisiologica e dell'ambiente.

Si ritiene che il naturalismo riproduca la realtà senza la sua comprensione ideologica, generalizzazione artistica, valutazione critica e selezione.

Il primitivismo è un movimento nelle belle arti della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo; appello consapevole e programmatico alle opere della creatività primitiva, medievale, popolare e infantile.

Il simbolismo è un movimento artistico della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo. Il simbolismo è caratterizzato da:

Il dualismo dell'ideale e del materiale;

Contrastare il sociale e l'individuale;

Il riavvicinamento dello spirituale e morale con il religioso.

Per simbolismo, il nascosto lato nascosto l'uno o l'altro fenomeno.

29. Cultura dell’“età dell’argento” russa

ETÀ DELL'ARGENTO – 1) termine che, secondo la tradizione prevalente nella critica russa del XX secolo. le tradizioni designano l'arte (principalmente la letteratura) della Russia a cavallo tra il XIX e il XX secolo. ovvero l'inizio del XX secolo, 2) il periodo della letteratura romana dal 18 al 133 d.C., segnato da notevoli conquiste letterarie (Giovenale, Marziale, Petronio, Tacito, ecc.), preceduto da un'“età dell'oro”. Nella letteratura russa, il complesso destino di questo concetto ha determinato la vaghezza del suo significato sia in termini di periodo che in termini di cerchia di autori specifici. Di solito, senza particolari riserve, la letteratura del modernismo russo, o anche il simbolismo e l'acmeismo (compresa l'intera gamma di nomi da Balmont, Bryusov, Blok e Bely a Gumilyov, Akhmatova, Mandelstam) è chiamata l'età dell'argento. Tra questi rientrano anche autori della diaspora russa, la cui opera è considerata anch'essa in linea con il modernismo (vedi LETTERATURA RUSSA ALL'ESTERO). Esiste un altro approccio che cerca di considerare l'intera era del confine come un tutto unico, in una complessa interrelazione di non solo diversi tendenze letterarie, ma anche tutti i fenomeni della vita culturale di questo periodo (arte, filosofia, movimenti religiosi e politici). Questa idea di" età dell'argento"è diventato molto diffuso negli ultimi decenni sia nella scienza occidentale che in quella domestica.

30. Diversità e complessità dei movimenti alla fine del XX secolo

Il Modernismo è un movimento artistico e letterario del XX secolo, caratterizzato da:

Una rottura con l'esperienza storica della creatività artistica;

Il desiderio di stabilire nuovi principi dell'arte;

Convenzione di stile;

Continuo rinnovamento delle forme artistiche.

Il modernismo unisce molti movimenti ideologici e artistici relativamente indipendenti: espressionismo, cubismo, costruttivismo, immaginismo, surrealismo, arte astratta, pop art.

37. Adozione del cristianesimo nell'antica Rus'

Come accennato in precedenza, divenuto principe a Kiev, Vladimir attuò una sorta di riforma pagana, ovviamente cercando di elevare le antiche credenze popolari al livello di religione di stato. Ma il tentativo di trasformare il paganesimo in una religione di stato con a capo il culto di Perun, a quanto pare, non soddisfò Vladimir, sebbene il popolo di Kiev sostenesse volentieri le manifestazioni più estreme del sanguinoso culto del dio guerriero.

Secondo la leggenda, il primo predicatore del cristianesimo nella nostra zona fu Andrea il Primo Chiamato, uno dei dodici apostoli, fratello dell'apostolo Pietro, il primo chiamato da Gesù Cristo. Predicò il cristianesimo ai popoli dei Balcani e del Mar Nero e fu crocifisso per ordine del magistrato romano su una croce a forma di lettera “X” (Croce di Sant'Andrea). Già nel “Racconto degli anni passati” si dice che Andrea il Primo Chiamato di Korsun, nella sua opera missionaria, raggiunse i luoghi dove Kiev e Novgorod sarebbero emerse in futuro e benedisse questi luoghi (e allo stesso tempo ebbe l'opportunità di ammirare l'usanza russa di frustarsi con le scope nello stabilimento balneare). Successivamente, Kievan Rus (e la Russia in futuro) trasformò Sant'Andrea il Primo Chiamato nel patrono dello stato russo.

A Kiev il cristianesimo era conosciuto da molto tempo, così come i suoi dogmi fondamentali, che si adattavano molto bene alle esigenze dello stato feudale. Le prime notizie sul cristianesimo tra i Rus risalgono all'860-870, ma verso la metà del X secolo si può già sentire il graduale insediamento del cristianesimo in sistema statale. Se, quando concludono un accordo con i Greci nel 911, gli ambasciatori russi giurano solo sul pagano Perun, allora l'accordo del 944 è suggellato con un doppio giuramento sia a Perun che al dio cristiano. La già menzionata Chiesa di Sant'Elia nelle cronache è chiamata la “cattedrale”, cioè la principale, il che suggerisce la presenza di altre chiese cristiane. A quel tempo il cristianesimo rappresentava una forza politica e culturale significativa in Europa e nel Medio Oriente. Appartenere a Religione cristiana facilitò le relazioni commerciali con Bisanzio, introdusse la scrittura e un'ampia letteratura. Per la Rus', la cristianizzazione della Bulgaria (864) e l'invenzione della Scrittura slava Cirillo e Metodio (metà del IX secolo). Entro la metà del X secolo. In Bulgaria era già stata creata un'importante letteratura religiosa, che ha facilitato la penetrazione del cristianesimo nella Rus'. Il principe Igor era un pagano: non prestò giuramento nella chiesa di Elia, ma “arrivò sulla collina dove si trovava Perun e depose le sue armi, gli scudi e l'oro”; e fu sepolto da Olga secondo riti pagani sotto un enorme tumulo. Ma tra i boiardi e i loro ambasciatori presso gli imperatori di Bisanzio c'erano già dei cristiani.

La vedova di Igor, la principessa Olga, si convertì al cristianesimo nel 955, viaggiando a Costantinopoli. Forse lei intendeva fare del cristianesimo la religione di stato, ma qui divenne subito evidente la contraddizione generata dalla concezione politico-ecclesiastica bizantina: l'imperatore dell'impero era, agli occhi dei greci ortodossi, il viceré di Dio e il capo dell'impero. sia dello Stato che della Chiesa. Da ciò si trasse una conclusione molto vantaggiosa per Bisanzio: qualsiasi popolo che accettò il cristianesimo dalle mani dei greci divenne un popolo o uno stato politicamente dipendente. La Rus' di Kiev, che guardava con calma alle credenze cristiane, preferiva rapporti così paritari con Bisanzio che sarebbero stati determinati dal vantaggio reciproco, dall'equilibrio di potere e non avrebbero imposto alla Rus' alcun obbligo aggiuntivo associato alla divinità poco convincente dell'imperatore. In ogni caso, Konstantin Porphyrogenitus, il successore di Olga al battesimo, "la chiamò figlia", cioè subordinata a lui, e non una "sorella" uguale.

38. Formazione della cultura antica russa

Base potente di formazione antica cultura russa era ricco patrimonio Slavi orientali. Gli slavi orientali (un misto di varie linee razziali, ariana indoeuropea, turca) si distinguerono come ramo indipendente degli slavi nel VI secolo e già allora si consideravano parte mondo europeo Nel VII-VIII secolo. Svilupparono un complesso di base di strumenti artigianali e agricoli, determinarono i principali tipi di attività produttive e accumularono conoscenze pratiche sulla natura. La religione pagana serviva a consolidare e trasferire l'esperienza accumulata, le capacità lavorative e le osservazioni utili.

40. L'originalità dell'antica pittura e architettura di icone russe

L'arte antica russa è un prezioso contributo al tesoro della cultura mondiale. I suoi capolavori, creati molti secoli fa, emozionano e deliziano con la grandiosità delle loro immagini, la bellezza del colore e la poesia ispirata. È tempo di prosperità e potere brillanti Rus' di Kiev continuò fino all'invasione mongola. Sia nella pittura monumentale che nella pittura di icone c'erano idee per glorificare l'unità e il potere della terra russa, il coraggio e la forza spirituale dell'uomo, il senso della gioia e della bellezza della vita. Diversi musei a Mosca, San Pietroburgo, Vladimir e Yaroslavl ospitano circa tre dozzine di icone del periodo pre-mongolo. All'alba questo secolo Le prime icone cancellate hanno letteralmente sbalordito molti intenditori d'arte. Anche il famoso pittore francese Matisse, arrivato a Mosca nel 1911, rimase sbalordito dalla bellezza dell'antica pittura russa. "Questo è certo arte popolare, Egli ha detto. – Ecco la fonte primaria delle ricerche artistiche. Ovunque c’è la stessa luminosità e manifestazione di una grande forza di sentimenti”.

E così, il significato globale dell'antica pittura russa è stato scoperto e riconosciuto più di mezzo secolo fa. Tuttavia, il suo studio sistematico, identificante varie direzioni e le scuole iniziarono dopo la Rivoluzione d'Ottobre, quando in tutto il paese furono organizzate ricerche di monumenti dell'antica pittura di icone insieme alla loro scoperta, ad es. esenzione dalle iscrizioni successive.

Nei secoli X-XI. Kievan Rus era chiamato il paese delle città: ce n'erano quasi trecento. Nelle città furono costruite strutture difensive, edifici residenziali, camere principesche, monasteri e cattedrali.

Gli edifici in pietra più antichi sopravvissuti fino ad oggi sono i templi della metà dell'XI secolo. La Russia era allora governata da Yaroslav il Saggio, la capitale dello stato era Kiev. In questa città, sul luogo della vittoriosa battaglia tra i Kieviti e i Pecheneg, Yaroslav il Saggio ordinò la fondazione della Cattedrale di Santa Sofia nel 1037. Per quell'epoca, si trattava di una costruzione di dimensioni senza precedenti. L'altezza della grandiosa cattedrale, costruita secondo la tradizione bizantina, era di 55 me la lunghezza era di 37 m Accanto alla cupola principale ne sorsero altre 12 (tredici cupole simboleggiavano Gesù Cristo e i dodici apostoli).

L'interno della cattedrale è decorato con mosaici colorati e affreschi. Secondo i cronisti, a quel tempo non esistevano edifici in Europa che potessero essere paragonati alla Kiev Sofia.

Per diversi secoli Novgorod la Grande è stata la “seconda capitale” (dopo Kiev). Nel 1045-1050 per ordine del principe Vladimir, figlio di Yaroslav il Saggio, uno dei più famose cattedrali Antica Rus' - Sofia di Novgorod, divenuta il simbolo della città. È meno legato alla tradizione bizantina. Possiamo dire che in termini di espressività e brevità del suo aspetto e della sua decorazione è simile alla dura natura settentrionale.

L'architettura in legno occupa un posto speciale nella storia dell'architettura russa. Gli artigiani russi sapevano come costruire capanne semplici e confortevoli (non dicevano "costruire", ma "tagliare", perché lavoravano con un solo strumento: un'ascia). Erano decorati con bellissimi intagli. Anche le torri dei boiardi e i palazzi reali furono costruiti in legno, ad esempio il palazzo nel villaggio di Kolomenskoye vicino a Mosca. Uno degli edifici in legno più famosi è la Chiesa della Trasfigurazione sull'isola di Kizhi (Lago Onega). Questa è una torre ottagonale con un sacco di cupole decorative. Sembra che questa chiesa ci sia arrivata da una fiaba.

41. Folklore nella letteratura russa antica. Monumenti letterari di Kievan Rus

In particolare, il folklore spesso serviva come materiale per stabilire concetti e idee rituali e magici generati dalla tradizionale occupazione agraria e agricola della popolazione della Rus'. La natura e i confini di tale studio sono stati rivelati dai lavori etno-folkloristici e linguistico-etnografici condotti da un gruppo di ricercatori guidati dall'accademico N. I. Tolsty1. Lo studio del folklore russo e del folklore dei popoli slavi affini in queste opere fa parte di un vasto campo di conoscenza e talvolta entra nella comprensione della mentalità popolare come base. cultura antica. È significativo che questi studi sviluppino le tradizioni scientifiche altamente apprezzate nella seconda metà del XIX e all’inizio del XX secolo, quando la folkloristica non aveva ancora rappresentato disciplina autonoma e faceva parte degli studi culturali, dell'etnografia e spesso della linguistica (soprattutto nel campo della ricerca etimologica). La direzione di questo studio, come ogni altro, rivela limiti, particolarmente evidenti quando si tratta di risolvere problemi generali degli studi medievali.

42. Origini del teatro ucraino

Il teatro ucraino trae le sue radici dai buffoni di Kievan Rus, dalle idee estetiche del barocco associate alle rappresentazioni scolastiche dell'Accademia Kiev-Mohyilny e dalle parabole figurative e filosofiche di Grigory Skovoroda.

45. Stampa russo-ucraina, tipografi pionieristici

Ivan Fedorov nacque intorno al 1510. Non si hanno informazioni esatte sulla data e sul luogo della sua nascita: era di Petkovichi, al confine tra le moderne regioni di Minsk e Brest.

Ha studiato all'Università di Cracovia (1529-1532), ha conseguito una laurea. Dagli anni Trenta del Cinquecento, a quanto pare, apparteneva all'entourage del metropolita Macario. Insieme a Macario venne a Mosca, dove prese l'incarico di diacono nella chiesa del Cremlino di San Nicola di Gostunsky.

Nel 1553, Giovanni IV ordinò la costruzione di una casa speciale per una tipografia a Mosca, ma l'impresa fu aperta solo nel 1563. I primi tipografi russi Ivan Fedorov e Pyotr Mstislavets iniziarono a lavorare nella tipografia.

Due anni dopo finirono di stampare il libro “L’Apostolo”. Subito dopo iniziò la persecuzione degli stampatori da parte dei copisti. Fedorov e Mstislavtsev furono costretti a fuggire nel Granducato di Lituania. Lì furono accolti calorosamente da Hetman Khodkevich, che fondò una tipografia nella sua tenuta Zabludov. Il primo libro stampato nella tipografia Zabludovskaya da Ivan Fedorov e Pyotr Mstislavtsev fu "The Teaching Gospel" (1568) - una raccolta di conversazioni e insegnamenti con interpretazione dei testi evangelici. Nel 1570 Ivan Fedorov pubblicò il "Salterio con il Libro delle Ore", ampiamente utilizzato anche per l'insegnamento dell'alfabetizzazione.

Per continuare la sua attività tipografica, Ivan si trasferì a Lvov e qui, nella tipografia da lui fondata, stampò la seconda edizione dell'Apostolo (1574). Alcuni anni dopo fu invitato da Konstantin Ostrogsky nella città di Ostrog, dove stampò, per conto del principe, la famosa “Bibbia di Ostrog”, la prima Bibbia completa in lingua slava-russa. Il 5 (15) dicembre 1583 il “Drukar Moskvitin” morì in povertà alla periferia di Lvov.

Fu sepolto a Lvov nel monastero di Sant'Onofrio. Nel 1977 qui è stato aperto il Museo Ivan Fedorov. Nel 1990 il monastero cadde nelle mani dei monaci basiliani, che liquidarono il museo.

46. Il ruolo dell'Accademia Kiev-Mohyla nello sviluppo della scienza e dell'istruzione in Ucraina nei secoli XVI-XVIII

L'Accademia Kiev-Mohyla non solo ha contribuito all'espansione delle ampie fedi della gente conoscenza scientifica, ma anche la formazione dei valori spirituali. Tra gli studenti e gli studenti dell'Accademia c'erano scienziati, poeti e filosofi. L'Accademia è stata il centro di sviluppo del pensiero socio-politico e filosofico russo.

47. Sviluppo del barocco architettonico ucraino. Il ruolo di Ivan Mazepa come mecenate della cultura ucraina

Caratterizzato da ornamenti moderati e forme semplificate, a volte è visto come un precursore del costruttivismo. Sono stati conservati molti esempi di barocco ucraino, tra cui l'insieme della Kiev-Pechersk Lavra, la cattedrale di Santa Sofia, Vydubetsky e il monastero dalle cupole dorate di San Michele a Kiev.

I migliori esempi di pittura barocca sono i dipinti della chiesa nella Cattedrale della Trinità del Pechersk Lavra di Kiev. Durante il periodo barocco ucraino ci fu un rapido sviluppo dell’arte dell’incisione. Usato un sistema complesso simbolismo, allegoria, segni araldici e magnifiche decorazioni. Alcuni elementi del barocco ucraino furono presi in prestito dal relativo barocco Naryshkin in Russia.

48. Sviluppo dell'arte musicale ucraina

Il fenomeno più evidente della vita musicale della Galizia nel XIX secolo. a Przemysl esisteva una scuola per insegnanti di diaconi, aperta nel 1818 su iniziativa del vescovo greco-cattolico I. Snigursky e che divenne la base per la formazione della cosiddetta scuola di Przemysl (compositore - E.T.), alla quale la musicologia ucraina classifica sacerdoti-compositori M. Verbitsky, I. Lavrivsky, V. Matyuk.

Il più anziano di questa lista e il più significativo per la cultura musicale della metà del XIX secolo. c'era M. Verbitsky (1815-1870). Essendo sacerdote, divenne allo stesso tempo il fondatore della scuola di Przemysl e il fondatore dell'educazione professionale secolare. creatività musicale. Intensificazione delle attività scuola di compositoreè anche associato alla nascita del coro della cattedrale di Przemysl (1829), grazie al quale si formò una tradizione di canto artistico-ecclesiastico (professionale) in contrapposizione alla tradizione di canto popolare-ecclesiastico (elementare, non professionale). La musica sacra (professionale) di Verbitsky è solo una parte della sua eredità, insieme a opere musicali e teatrali, opere corali secolari, opere strumentali e romanzi. I motivi delle canzoni popolari iniziano a risuonare nel suo lavoro e compaiono opere di contenuto civile e patriottico. Ad esempio, il coro “L’Ucraina non è ancora morta” è diventato lo spiritual nazionale e, dal 2003, l’inno nazionale dell’Ucraina.

49. Idee umanistiche del filosofo e poeta G. Skovoroda

"Lavoro gentile"

Affronta il problema della lotta del bene contro il male, che domina nella società. L’unico modo per combattere il bene contro il male è affrontarlo con i buoni principi inerenti alla natura umana. L'idea di trasformare il lavoro da uno stile di vita nel primo bisogno e nel massimo piacere.

50. Ritratti ucraini del XVIII secolo

Le tendenze realistiche erano caratteristiche di pittura di ritratto, che è stato segnato dalla presenza stili diversi. Sono state le differenze stilistiche nella ritrattistica a diventare la sua caratteristica specifica. Tra i maestri della pittura vale la pena notare Iova Kondzelevich e Ivan Rutkovich.

52. Pittura di icone ucraine

“King to King”, legno, tempera (fine XVIII secolo) – la composizione si basa sull’idea della Deesis. Qui sono chiaramente visibili i tratti caratteristici della pittura di icone ucraina e il suo allontanamento dalla tradizione bizantina. Questo è l'avvicinamento dei volti dei santi ai lineamenti della gente comune, la tridimensionalità dell'immagine, la colorazione calda, ornamento floreale come uno dei principali elementi decorativi. Queste caratteristiche comuni erano manifestate in modi diversi dagli artisti popolari locali. Nella regione di Hutsul, le icone erano dipinte su vetro opaco colori luminosi, lo sfondo era decorato con un foglio, da qui la speciale festosità.

54. Fondazione del 1° teatro professionale ucraino. Figure di spicco del teatro ucraino

All'inizio del XIX secolo nacque la lingua ucraina teatro professionale. Nel 1819, a Poltava, "Natalka Poltavka" fu scritta, messa in scena ed eseguita con la partecipazione di Mikhail Shchepkin di Ivan Kotlyarevskij. Il repertorio comprendeva opere di Kotlyarevskij, Kvitka-Osnovyanenko e Shevchenko.

Nel 1882, a Elizavetgrad, Marko Lukich Kropivnitsky creò un teatro ucraino professionale.

55. La rinascita della vita culturale nazionale in Galizia e Bucovina nel XIX secolo

Grande attenzione alle questioni culturali ed educative prestò il clero ucraino, i cui rappresentanti, guidati dal canonico Ivan Mogilnitsky, fondarono nel 1813 la “Società clericale”. allo scopo di tradurre, pubblicare e distribuire la letteratura religiosa in ucraino tra i credenti. L'attività attiva di questa prima società culturale ed educativa della Galizia fu diretta contro l'espansione della Chiesa greco-cattolica, nonostante la resistenza del clero polacco, e fu di grande importanza per la conservazione della lingua ucraina.

Un ruolo enorme nella vita degli ucraini in Galizia è stato svolto dall’Università di Lviv, che gestiva un istituto russo con un corso di studi triennale in lingua ucraina. Conferenze e opere di famosi scienziati: A. Giltenbrandt, P. Lodia, I. Martynovich e altri hanno contribuito al risveglio della coscienza nazionale ucraina. studenti.

Negli anni '30 del XIX secolo. al seminario di Lviv gli studenti Markiyan Shashkevich (primo poeta popolare Galizia - secondo M.S. Grushevskij), Ivan Vagilevich (etnografo e scrittore) e Yakov Golovatsky (il primo professore brevettato di lingua ucraina all'Università di Lviv) crearono un circolo di giovani ucraini democratici, chiamato "Ruska Triitsa" (che era il nome dell'intero gruppo, dove, oltre a tre seminaristi, includevano A. Mogiletsky, M. Ustyanovich e altri loro coetanei). Attraverso le loro attività educative, i membri del circolo hanno contribuito al risveglio della coscienza nazionale degli ucraini in Galizia, alla diffusione e allo sviluppo della cultura ucraina. lingua. Sono stati influenzati dalla rinascita della letteratura ucraina in Russia e dalle idee rivoluzionarie polacche negli anni '30. Scrissero articoli sulla storia, raccolsero canzoni e pensieri ucraini e li pubblicarono. Quando la censura proibì la pubblicazione della raccolta “Zorya” nel 1834. ("Dawn" - russo), fu compilato un nuovo almanacco "Rusalka Dnistrov", pubblicato nel 1837. a Pest (Ungheria), ma subito dopo la pubblicazione la circolazione venne sequestrata dalla censura galiziana e solo nel 1848. è stato rilasciato dall'arresto. Questa è stata la prima sfida seria di un ucraino forzato. popolo della politica coloniale austriaca. “Rusalka Dnistrova” ha gettato i primi semi della rinascita nazionale ucraina in Galizia.

Le rivoluzioni europee risvegliarono la Galizia. I polacchi iniziarono a preparare una rivolta con l'obiettivo di far rivivere la Polonia. Il governo austriaco ha cercato di avvicinare parte dell'intellighenzia ucraina della Galizia e di usarla nella lotta contro la rivoluzione polacca. movimento. Si stanno diffondendo le idee di dividere la Galizia in parte polacca e ucraina, l'introduzione dell'ucraino nelle scuole superiori ed elementari. lingua, la liberazione dei contadini ucraini dal potere dei proprietari terrieri polacchi.

56. Romanticismo della cultura ucraina

Una caratteristica caratteristica era la discrepanza tra i sogni soggettivi dell’artista e la realtà oggettiva. L'essenza sociale della creatività di questo periodo era indicata dal loro atteggiamento nei confronti del sistema feudale e dei rapporti borghesi. Shevchenko (Prichinna, Topolya), rappresentanti della trinità russa - Shashkevich, Vagilevich, Golovatsky, Kulish - appartenevano alla direzione del romanticismo.

60. Sviluppo della cultura ucraina nell'era del socialismo

Sovetskaya U. l. sviluppato sotto l'influenza benefica delle idee liberatrici della grande letteratura russa, in particolare - idee socialiste Letteratura proletaria russa, il suo più grande rappresentante, fondatore, brillante scrittore A. M. Gorky. Questa influenza è stata combinata con uno sviluppo critico del patrimonio letterario democratico rivoluzionario ucraino. Sovetskaya U. l. è cresciuto e si sta rafforzando in stretta collaborazione con la letteratura dei popoli fratelli della nostra grande Unione, facendo ampio uso delle ricchezze del folclore sovietico nel processo del suo sviluppo. Il lavoro degli scrittori ucraini: T. Shevchenko, M. Kotsyubinsky, Lesya Ukrainka, I. Franko, e d'altra parte, scrittori russi - A. Pushkin, N. Nekrasov, M. Saltykov-Shchedrin, - comunicazione dal vivo scrittori con A. M. Gorky e la partecipazione degli scrittori sovietici ucraini alla pratica della costruzione del socialismo: tutto ciò nel suo insieme ha avuto una grande influenza sul processo di formazione della giovane letteratura sovietica ucraina, sullo sviluppo della sua lingua, dei suoi generi e del suo stile.

L'attività poetica del più grande poeta ucraino Pavlo Tychyna ha seguito la linea del superamento della poetica simbolista. Già nel 1917-1919, Pavlo Tychina parlò con poesie realistiche rivoluzionarie ("Ci sono pioppi vicino ai campi selvaggi", "Il pensiero dei tre venti", "Sul Maidan c'è una chiesa", "Come un uomo cadde da un cavallo"), che occupò un posto di rilievo nella poesia sovietica ucraina. Un po' più tardi, Vladimir Sosyura apparve in stampa con poesie ("Chervona Winter") e versi ("Vіdplata", "Before Us", "It's Not Without Reason", ecc.), scritti nello stile romanticismo rivoluzionario(raccolte “Poesia”, 1921 e “Chervona Winter”, 1922).

Il periodo di transizione al lavoro pacifico per ripristinare l'economia nazionale ha ampliato e approfondito il processo di crescita della letteratura sovietica nel suo insieme; in questo periodo apparvero numerosi nuovi poeti (M. Bazhan, P. Usenko, L. Pervomaisky), scrittori di prosa (Yu. Yanovsky, Yu. Smolich, A. Golovko, A. Kopylenko, P. Panch, A. Lyubchenko, I. Senchenko ), S. Vasilchenko ha continuato il suo lavoro, ha iniziato attività letteraria A. Korneychuk, che in seguito salì alla ribalta dei drammaturghi dell'Unione.

62. Cinema ucraino

I primi passi del cinema in Ucraina sono associati ai nomi del progettista meccanico Timchenko e del fisico Lyubimov, che nel 1893 crearono un apparato per ricreare sullo schermo il movimento continuo di persone e oggetti. Fedetsky ha filmato e dimostrato cinegiornali. Dal 1907 in Ucraina iniziò la produzione cinematografica regolare. Durante questo periodo furono realizzati cinegiornali e documentari e furono girati spettacoli teatrali. Vi prendono parte attori famosi M. Sadovsky, M. Zankovetskaya, I. Maryanenko.

63. Collegamento tra la dissidenza ucraina e quella russa

La storia è unita? movimento dissidente nell'URSS? Oppure rappresenta una raccolta di storie di movimenti nazionali, religiosi e di altro tipo? Questa non è una domanda inutile, poiché la risposta ad essa determina in gran parte il modo in cui studiamo la storia del dissenso.

La prima risposta, che giace in superficie, è sì, una. In primo luogo, molti dissidenti avevano lo stesso sentimento di fondo: riluttanza a scendere a patti con la violenza e la menzogna; spesso queste persone sono simili sotto molti aspetti, sebbene appartengano a nazionalità e religioni diverse.

In secondo luogo, le forme di attività dissidente erano le stesse ovunque: diffusione del samizdat, raccolta e diffusione di informazioni sulle repressioni, petizioni alle autorità e alle organizzazioni internazionali, ecc.

In terzo luogo, i dissidenti si sono opposti alle stesse strutture: il PCUS, il KGB, la procura, il Ministero degli affari interni, i tribunali, le cui attività erano regolate verticalmente e le decisioni venivano spesso prese a Mosca ai massimi livelli.

66. Revival nazionale e culturale in Ucraina nella seconda metà degli anni 80-90 del XX secolo

Dalla metà degli anni '80 è iniziata una nuova fase nello sviluppo della cultura ucraina. Insieme alla strategia del rinnovamento inizia un nuovo risveglio della vita spirituale, che si manifesta nella ricerca delle “verità”.

1. L'importanza della cultura nello sviluppo dell'umanità

Economia, politica e cultura sono tre settori principali, senza progresso simultaneo in cui la società non può svilupparsi con successo.

3. L'importanza della cultura della società preclassista

La cultura primitiva ha svolto un ruolo significativo nel successivo sviluppo dell'umanità.

4. Principali caratteristiche della cultura egiziana

Appunti letterari: Testi delle Piramidi, Libro dei Morti, Testi dei Sarcofagi, Canto dell'Arpista.

5. Mitologia antica nella cultura mondiale

Un'opera teatrale di V. è stata scritta sulla base di trame prese in prestito dalla mitologia greca.

"Troilo e Cressida" di Shakespeare, poesia "Venere e Adone". I nomi degli eroi mitologici si trovano in molte altre opere.

Shakespeare. Gruppi scultorei realizzati su soggetti dell'antica mitologia greca,

Molti meravigliosi edifici costruiti a Mosca e San Pietroburgo nei secoli XVII-XIX sono decorati.

6. Principali caratteristiche della cultura greca

I greci adottarono attivamente le conquiste scientifiche e tecniche di altri popoli. Pertanto, l’intera storia dell’antica Grecia è oggi solitamente suddivisa come segue:

I. L'era della civiltà cretese-micenea o palatina (III-II millennio aC);

II. Secoli omerici (“oscuri”) (XI-IX);

III. L'era dell'antica civiltà stessa:

1. periodo arcaico (VIII-VI - il tempo della formazione dell'Hellas, la formazione delle politiche (città-stato);

2. periodo classico (V-IV secolo a.C.) - il tempo della massima fioritura della cultura greca antica e dello sviluppo della democrazia;

3. Periodo ellenistico (IV-I secolo a.C.) - il completamento dello sviluppo della cultura dell'antica Grecia, la perdita della sua indipendenza politica.

7. Cultura artistica della Grecia classica

In questo periodo fiorirono il teatro greco e l'opera di Eschilo, Sofocle ed Euripide. Il teatro divenne un vero educatore del popolo, plasmando le opinioni e le convinzioni dei cittadini liberi. La tragedia greca nelle immagini dei miti rifletteva la lotta del popolo contro i nemici esterni, per l'uguaglianza politica e la giustizia sociale.

Architettura del V secolo AVANTI CRISTO e. sviluppò e perfezionò la tipologia del periptero, edificio circondato da colonne. Il posto principale è occupato dai templi dell'ordine dorico. Il carattere eroico dell'arte classica si manifesta particolarmente chiaramente nelle decorazioni scultoree dei templi dorici, sui frontoni dei quali venivano solitamente collocate statue scolpite nel marmo. Gli scultori traevano soggetti dalla mitologia per le loro opere scultoree. Itagora di Regio (480-450). Con l'emancipazione delle sue figure, che comprendevano, per così dire, due movimenti (quello iniziale e quello in cui parte della figura sarebbe apparsa tra un attimo), contribuì potentemente allo sviluppo dell'arte realistica della scultura. I contemporanei ammiravano le sue scoperte, la vitalità e la veridicità delle sue immagini. Ma, naturalmente, le poche copie romane giunte fino a noi delle sue opere (come, ad esempio, Il ragazzo che toglie una spina. Roma, Palazzo dei Conservatori) non sono sufficienti per valutare compiutamente l'opera di questo coraggioso innovatore.

Il grande scultore Mirone, che lavorò ad Atene a metà del V secolo, creò una statua che ebbe un'enorme influenza sullo sviluppo delle belle arti. Questo è il suo Discobolo in bronzo, a noi noto da diverse copie romane, così danneggiato che solo la loro combinazione ha permesso di ricreare in qualche modo l'immagine perduta.

8. Caratteristiche