Muzička djela srednjeg vijeka. Muzička kultura srednjeg vijeka

Profesionalna muzička kultura srednjeg vijeka u Evropi vezana je prvenstveno za crkvu, odnosno za područje kultne muzike. Puna religioznosti, umjetnost je kanonska i dogmatska, ali, ipak, nije zamrznuta, okrenuta je od svjetovne taštine u odvojeni svijet služenja Gospodu. Međutim, uz takvu „višu“ muziku, postojao je folklor, rad lutajućih muzičara, kao i plemenita viteška kultura.

Sveta muzička kultura ranog srednjeg veka

U ranom srednjem vijeku profesionalna muzika se slušala samo u katedralama i školama pjevanja koje su bile pri njima. Središte muzičke kulture srednjeg vijeka u zapadnoj Evropi bio je glavni grad Italije - Rim - isti grad u kojem su se nalazile "vrhovne crkvene vlasti".

Godine 590-604, papa Grgur I je izvršio reformu vjerskog pjevanja. Organizovao je i prikupio različite napjeve u zbirci „Gregorijanski antifonar“. Zahvaljujući Grguru I, u zapadnoevropskoj duhovnoj muzici formiran je pravac koji se zove gregorijanski koral.

Chorale- Ovo je, po pravilu, jednoglasno pojanje, koje odražava vekovne tradicije evropskih i bliskoistočnih naroda. Upravo je ova glatka monofona melodija imala za cilj da uputi župljane da shvate osnove katoličanstva i prihvate jednu volju. Koral je uglavnom izvodio hor, a samo neke dionice solisti.

Osnova gregorijanskog korala bio je progresivni pokret uz zvuke dijatonskih modusa, ali ponekad su u istom koralu bile i spore, stroge psalmodije i melizmatičko pjevanje pojedinih slogova.

Izvođenje ovakvih melodija nije povjerovano bilo kome, jer je od pjevača zahtijevalo profesionalno vokalno umijeće. Kao i muzika, tekst napjeva, na latinskom jeziku koji je nerazumljiv za mnoge parohijane, izaziva poniznost, odvojenost od stvarnosti i kontemplaciju. Često je zavisnost od praćenja teksta određivala i ritmički dizajn muzike. Gregorijanski koral se ne može smatrati idealnom muzikom, već je to pojanje molitvenog teksta.

misa- glavni žanr kompozitorske muzike srednjeg veka

Katolička misa - glavno bogosluženje u crkvi. Kombinira takve vrste gregorijanskog pjevanja kao što su:

antifonski (kada dva hora pevaju naizmenično);
sponzor (naizmenično pjevaju solisti i hor).

Zajednica je učestvovala samo u pjevanju zajedničkih molitvi.
Kasnije, u 12. veku. u misi su se pojavile himne (psalmi), sekvence i staze. Bili su to dodatni tekstovi koji su imali rimu (za razliku od glavnog korala) i posebnu melodiju. Ovi vjerski rimovani tekstovi su župljani mnogo bolje pamtili. Pevajući zajedno sa monasima, varirali su melodiju, a narodni elementi su počeli da se prodiru u svetu muziku i poslužili kao povod za originalno stvaralaštvo (Notker Zaika i Tokelonski monah - manastir Sv. Golen). Kasnije su ovi napjevi u potpunosti zamijenili psalmodičke dijelove i značajno obogatili zvuk gregorijanskog pjevanja.

Prvi primjeri polifonije potiču iz manastira, kao što su organum - pokret u paralelnim kvartama ili kvintama, gimel, faubourdon - pokret u šestarima, dirigovanje. Predstavnici takve muzike su kompozitori Leonin i Perotin (Katedrala Notr Dam - XII-XIII vek).

Sekularna muzička kultura srednjeg vijeka

Sekularnu stranu muzičke kulture srednjeg veka predstavljali su: u Francuskoj - žongleri, mimici, ministranti , u Njemačkoj - stilettos, u Španiji - hoglars, na ruskom - buffoons. Svi su oni bili putujući umetnici i u svom radu kombinovali su sviranje na instrumentima, pevanje, ples, magiju, pozorište lutaka i cirkusku umetnost.

Druga komponenta sekularne muzike bila je viteška muzika, tzv dvorska kultura . Formirani poseban viteški kodeks glasio je da svaki od vitezova mora imati ne samo hrabrost i hrabrost, već i profinjene manire, obrazovanje i biti odan Lijepoj dami. Svi ovi aspekti viteškog života ogledaju se u djelima trubaduri(južna Francuska - Provansa), Trouvères(sjeverna Francuska), Minnesingers(Njemačka).

Njihov rad predstavljen je uglavnom ljubavnom lirikom, čiji je najčešći žanr bila kancona (albs - "Jutarnje pjesme" kod Minnesingera). Koristeći naširoko iskustvo trubadura, truveri su kreirali sopstvene žanrove: „Majske pesme“, „Pjesme tkanja“.

Najvažnije područje muzičkih žanrova predstavnika dvorske kulture bili su žanrovi pjesme i igre, kao što su rondo, virele, balada i herojski ep. Uloga instrumenata bila je vrlo neznatna, svodila se na uokvirivanje vokalnih melodija sa uvodom, interludijem i postludijem.

Zreli srednji vek XI-XIII veka.

Karakteristična karakteristika zrelog srednjeg vijeka je razvoj građanske kulture . Njegova orijentacija bila je anticrkvena, slobodoumna i veza sa humorističnim i karnevalskim folklorom. Pojavljuju se novi žanrovi polifonije: motet, koji karakteriše melodijska različitost glasova, štaviše, u motetu se istovremeno pevaju različiti tekstovi, pa čak i na različitim jezicima; madrigal je pjesma na maternjem jeziku (italijanskom), caccia je vokalni komad s tekstom koji opisuje lov.

Od 12. vijeka narodnoj umjetnosti pridružuju se skitnice i golijari, koji su, za razliku od ostalih, bili pismeni. Univerziteti su postali nosioci muzičke kulture srednjeg vijeka. Pošto su sistem modusa srednjeg vijeka razvili predstavnici sakralne muzike, počeli su se nazivati crkvenim modusima (jonski modus, eolski modus).

Predstavljena je i doktrina heksakorda - korišteno je samo 6 koraka u modusima. Monah Gvido Aretinski napravio je napredniji sistem beleženja beleški, koji se sastojao od prisustva 4 reda, između kojih je bio treći odnos i ključni znak ili bojanje linija. Uveo je i slogovni naziv za stepenice, odnosno visina stepenica je počela da se označava abecednim znakovima.

Ars Nova XIII-XV vijeka.

Prijelazni period između srednjeg vijeka i renesanse bio je 14. vijek. Ovaj period u Francuskoj i Italiji nazvan je Ars Nova, odnosno “nova umjetnost”. Došlo je vrijeme za nove eksperimente u umjetnosti. Kompozitori su počeli da komponuju dela čiji je ritam postao mnogo složeniji od prethodnih (Philippe de Vitry).

Također, za razliku od sakralne muzike, ovdje su uvedeni polutonovi, uslijed čega su se počela javljati nasumična povećanja i smanjenja tonova, ali to još nije modulacija. Kao rezultat takvih eksperimenata, dobiveni su zanimljivi radovi, ali ne uvijek skladni. Najbriljantniji eksperimentalni muzičar tog vremena bio je Solazh. Muzička kultura srednjeg vijeka bila je razvijenija u odnosu na kulturu antičkog svijeta, uprkos ograničenosti sredstava, i sadržavala je preduslove za procvat muzike u doba renesanse.

MUZIČKA KULTURA ANTIČKE, SREDNJEG VIJEKA, RENESANSE

ANTIKA

Muzička kultura antičke Grčke čini prvu istorijsku fazu u razvoju muzičke kulture Evrope. Ujedno je najviši izraz kulture antičkog svijeta i otkriva nesumnjive veze sa starim kulturama Bliskog istoka - Egiptom, Sirijom, Palestinom. Međutim, sa svim istorijskim vezama ove vrste, muzička kultura antičke Grčke nimalo ne ponavlja put koji su prešle druge zemlje: ona ima svoj jedinstveni izgled, svoja neosporna dostignuća, koja delom prenosi na evropske Srednjeg vijeka, a potom, u većoj mjeri, do renesanse.

Za razliku od drugih oblika umetnosti, muzika antičkog sveta nije ostavila u istoriji nikakvo stvaralačko nasleđe njima ekvivalentno. U ogromnom istorijskom rasponu od osam vekova - od 5. veka pre nove ere. By 111 veka nove ere e.-razbacano je samo jedanaest primjera starogrčke muzike koji su sačuvani u notnim zapisima tog vremena. Istina, ovo su prvi snimci melodija u Evropi koji su stigli do nas.

Najvažnije svojstvo kulture antičke Grčke, izvan koje je savremenici gotovo i nisu percipirali i, shodno tome, ne možemo razumjeti, jeste postojanje muzike u sinkretičkom jedinstvu s drugim umjetnostima - u ranim fazama ili u sintezi s njima. - u svom vrhuncu. Muzika u neraskidivoj vezi sa poezijom (otuda i stihovi), muzika kao neizostavni učesnik u tragediji, muzika i ples - to su karakteristične pojave starogrčkog umetničkog života. Platon je, na primjer, vrlo kritički govorio o instrumentalnoj muzici, nezavisnoj od plesa i pjevanja, tvrdeći da je ona prikladna samo za brzo hodanje bez oklijevanja i za prikazivanje vriska životinja:

“Upotreba odvojenog sviranja na flauti i citari sadrži nešto vrlo neukusno i dostojno samo mađioničara.” Poreklo grčke tragedije, visoke i složene umetnosti, potiče iz mitologije, iz magijskih radnji, iz verovanja naroda. Poreklo starogrčkih mitova o velikim muzičarima - Orfeju, Olimpu, Marciji - seže u antičko doba.

Važne podatke o ranoj muzičkoj kulturi u Grčkoj daje nam homerski ep, koji je i sam povezan sa muzičkim performansom: „Ilijada“, „Odiseja“.

Uz solo izvođenje epskih dela 11.-6. veka, poznati su i posebni horski žanrovi. Pjesme na ostrvu Krit kombinovane su sa plastičnim pokretima, sa plesom (hiporhema); horski žanrovi su u velikoj meri kultivisani u Sparti od 7. veka. Poznato je da su Spartanci muzici pridavali veliki državni i obrazovni značaj. Njihovo usavršavanje u muzičkoj umetnosti nije bilo profesionalne prirode, već je jednostavno bilo deo sistema opšteg obrazovanja mladih. Odavde je na kraju izrasla teorija etosa koju su potkrijepili grčki mislioci.

Novi pravac u muzičkoj i poetskoj umetnosti antičke Grčke, koji je izneo lirske teme i slike, povezan je sa imenima jonskog Arhiloha (VII vek) i najvećih „predstavnika lezbejske škole Alkeja i Safo (prelom 1. i 6. stoljeće). Moglo bi se pomisliti da jačanjem lirskog principa i povećanjem uloge melodije u njihovim djelima, i sama riječ „lirika“ vodi porijeklo od lire.

Liriku VI veka predstavlja nekoliko žanrovskih varijanti: elegije, himne, svadbene pesme.

Klasični vek tragedije bio je 5. vek pre nove ere. e.: djelo najvećih tragičara Eshila (oko 525-456), Sofokla (oko 496-, Euripida (oko 480-406) To je vrijeme najvećeg procvata grčke umjetničke kulture, stoljećima Phidias i Polykleitos, takvi spomenici klasične arhitekture, poput Partenona u Atini, najboljeg stoljeća u umjetnosti cijelog antičkog svijeta.Izvedbe tragedija su se smatrale javnim proslavama i imale su, u granicama robovlasničkog društva, relativno širok demokratskog karaktera: pozorištu su prisustvovali svi građani, koji su za to dobijali čak i državne beneficije.Hor - eksponent opšteg morala - predstavljao je narod na tragičnoj sceni i govorio u njihovo ime.

Dramaturg je bio i pesnik i muzičar; sve je radio sam. Eshil je, na primjer, i sam učestvovao u izvođenju njegovih drama. Kasnije su se funkcije pjesnika, muzičara, glumca i reditelja sve više razdvajale. Glumci su bili i pevači. Pjevanje hora spojeno je s plastičnim pokretima.

U helenističkoj eri umjetnost više nije izrasla iz umjetničke djelatnosti građana: postala je potpuno profesionalizirana.

Sve što je u staroj Grčkoj pisano o muzičkoj umetnosti i o čemu se sa sigurnošću može suditi iz mnogih sačuvanih materijala bilo je zasnovano na idejama o melodizmu (uglavnom vezanom za poetsku reč). To je očigledno ne samo iz sadržaja posebnih teorijskih radova, već i iz opštijih etičkih i estetskih iskaza najvećih grčkih mislilaca. Time je u potpunosti potvrđen princip monofonije, koji je u potpunosti karakterističan za starogrčku muzičku umjetnost.

Najzanimljiviji od drevnih sudova o muzičkoj umetnosti je takozvana doktrina etosa, koju je izneo Platon, a razvio i produbio Aristotel. Antička tradicija povezuje pitanja politike i muzike sa imenom Domona iz Atine, Sokratovog učitelja i Periklovog prijatelja. Od njega je Platon navodno preuzeo ideju o blagotvornom dejstvu muzike na obrazovanje dostojnih građana, koju je razvio u knjigama “Država” i “Zakoni”. U svom idealnom stanju, Platon muzici pridaje prvu (između ostalih umjetnosti) ulogu u odgoju mladog čovjeka u hrabru, mudru, vrlinu i uravnoteženu osobu, odnosno idealnog građanina. Istovremeno, Platon, s jedne strane, povezuje uticaj muzike sa uticajem gimnastike („lepih pokreta tela“), as druge, tvrdi da melodija i ritam najviše zaokupljaju dušu i podstiču na osoba da oponaša one primjere ljepote koje mu daje muzička umjetnost.

„Potom analizirajući šta je tačno u pesmi lepo, Platon otkriva da se to mora suditi po rečima, modusu i ritmu. U skladu sa zamislima svog vremena, on briše sve moduse koji su žalobne i opuštajuće prirode, i poziva samo Dorijanski i Frigijski samo dostojni visokih ciljeva školovanja mladog ratnika.Tako i filozof među muzičkim instrumentima prepoznaje samo citaru i liru, negirajući etičke kvalitete svih ostalih.Tako je nosilac etosa, od Platonovog gledište, nije umjetničko djelo, niti njegova slika, pa čak ni sistemsko izražajno sredstvo, već samo modus ili tembar instrumenta, kojemu je, takoreći, pripisana određena etička kvaliteta.

Aristotel sudi o svrsi muzike mnogo šire, tvrdeći da ona treba da služi ne jednoj, već nekoliko svrha i da se koristi korisno: I) radi obrazovanja, 2) radi pročišćenja, 3) radi intelektualne zabave , odnosno radi smirenosti i opuštanja od naporne aktivnosti... Odavde je jasno“, nastavlja Aristotel, „da iako možete koristiti sve načine, ne treba ih koristiti na isti način.“ On prosuđuje priroda uticaja muzike na psihu na ovaj način:

„Ritam i melodija sadrže najbliže odraze ljutnje i krotkosti, hrabrosti i umjerenosti i svih njihovih suprotnih svojstava, kao i drugih moralnih kvaliteta, koji su najbliži stvarnosti. To je jasno iz iskustva: kada ušima percipiramo ritam i melodiju, mijenja se i naše mentalno raspoloženje. Navika da doživljavamo tužno ili radosno raspoloženje kada opažamo nešto što imitira stvarnost dovodi do toga da počinjemo doživljavati ista osjećanja kada se suočimo sa [svakodnevnom] istinom” 3 . I konačno, Aristotel. dolazi do sljedećeg zaključka: „...Muzika je sposobna da ima određeni učinak na etičku stranu duše; a pošto muzika ima takva svojstva, onda je, očigledno, treba uvrstiti među predmete obrazovanja mladih.”

Od antičkih vremena, filozofu i matematičaru Pitagori (6. vek pre nove ere) pripisivan je značaj prvog od grčkih mislilaca koji je pisao o muzici. On je zaslužan za početni razvoj doktrine muzičkih intervala (konsonancija i disonanca) na osnovu čisto matematičkih odnosa dobijenih dijeljenjem žice. Općenito, pitagorejci su - po uzoru na drevne istočne kulture (posebno Egipat) - pridavali magijski značaj brojevima i proporcijama, izvodeći iz njih, posebno, magična ljekovita svojstva muzike. Konačno, apstraktnim i spekulativnim konstrukcijama, pitagorejci su došli do ideje o takozvanoj „harmoniji sfera“, verujući da nebeska tela, koja su u određenim numeričkim („harmoničnim“) odnosima među sobom, treba da zvuče kada kreće i proizvodi „nebesku harmoniju“.

Što se tiče učenja o ethosu, kasnije su ga neoplatonisti, posebno Plotin (III vek), preispitali u religiozno-mističkom duhu, lišavajući ga građanskog patosa koji mu je nekada bio svojstven u Grčkoj. Odavde vode direktne niti do estetskih pogleda srednjeg vijeka. Propadanje antičke kulture u doba raspada robovlasničkog sistema upravo je doprinelo uspešnom razvoju hrišćanske umetnosti, koja se u mnogome suprotstavljala estetici i muzičkoj praksi Rima prethodnih vekova. Nemoguće je poreći da su se neke veze stvorile na prijelazu dvije epohe između naslijeđa antike i razvoja estetske misli kasnijih vremena.

MUZIČKA KULTURA SREDNJEG VEKA

U razvoju muzičke kulture Zapadne Evrope, dug i širok istorijski period srednjeg veka teško je smatrati jedinstvenim periodom, čak i kao jednom velikom erom sa opštim hronološkim okvirom. Prva, početna granica srednjeg vijeka - nakon pada Zapadnog Rimskog Carstva 476. - obično se označava kao 6. vijek. U međuvremenu, jedino područje muzičke umjetnosti koje je ostavilo pisane spomenike bila je, do 12. vijeka, samo muzika hrišćanske crkve. Čitav jedinstveni kompleks fenomena koji se s njim vezuju razvio se na osnovu dugotrajne istorijske pripreme, počevši od 2. stoljeća, i uključivao daleka porijekla koja sežu dalje od zapadne Evrope na istok - do Palestine, Sirije, Aleksandrije. Osim toga, crkvena muzička kultura srednjeg vijeka na ovaj ili onaj način nije zaobišla naslijeđe Stare Grčke i Starog Rima, iako su „crkveni oci“, a kasnije i teoretičari koji su pisali o muzici, u velikoj mjeri suprotstavljali umjetnost kršćanske crkve. sa paganskim umetničkim svetom antike.

Druga najvažnija prekretnica, koja označava prelaz iz srednjeg veka u renesansu, ne dešava se istovremeno u zapadnoj Evropi: u Italiji - u 15. veku, u Francuskoj - u 16. veku; u drugim zemljama borba između srednjovjekovnih i renesansnih tendencija odvija se u različito vrijeme. Svi oni pristupaju renesansi s drugačijim nasljeđem srednjeg vijeka, sa svojim vlastitim zaključcima koji proizlaze iz ogromnog istorijskog iskustva. Tome je uvelike doprinijela značajna prekretnica u razvoju umjetničke kulture srednjeg vijeka, koja se dogodila u 11.-12. stoljeću, a uzrokovana je novim društveno-povijesnim procesima (rast gradova, križarski ratovi, pojava novih društveni slojevi, prvi snažni centri sekularne kulture itd.).

Međutim, uz svu relativnost ili pokretljivost hronoloških aspekata, uz neizbježne genetske veze s prošlošću i neravnomjeran prijelaz u budućnost, muzičku kulturu zapadnoevropskog srednjeg vijeka karakterišu značajni fenomeni i procesi koji su samo za nju i nezamislivo u drugim uslovima i u drugim vremenima. To je, prvo, kretanje i postojanje u zapadnoj Evropi mnogih plemena i naroda na različitim stadijumima istorijskog razvoja, mnoštvo načina života i različitih političkih sistema, a istovremeno i uporna želja Katoličke crkve za ujedinjenjem čitavog ogromnog, turbulentnog, raznolikog sveta, ne samo opšte ideološke doktrine, već i opštih principa muzičke kulture. Ovo je, kao drugo, neizbežna dvojnost muzičke kulture kroz srednji vek: crkvena umetnost je svoje kanone uvek suprotstavljala raznovrsnosti narodne muzike širom Evrope. U 1.-13. veku nastaju novi oblici svetovnog muzičkog i poetskog stvaralaštva i crkvena muzika se u velikoj meri transformiše. Ali ovi novi procesi su se već odvijali u uslovima razvijenog feudalizma.

Kao što je poznato, poseban karakter srednjovjekovne kulture, srednjovjekovnog obrazovanja i srednjovjekovne umjetnosti uvelike je određen ovisnošću o kršćanskoj crkvi.

Muzika hrišćanske crkve oblikovala se u svojim izvornim oblicima još u istorijskim uslovima visoke moći Rimskog carstva. Vjera u zagrobni život, u najvišu nagradu za sve učinjeno na zemlji, kao i ideja o pomirenju grijeha čovječanstva kroz žrtvu Krista raspetoga na križu, bili su u stanju zaokupiti mase.

Istorijska priprema gregorijanskog pjevanja kao ritualnog pjevanja dominantne kršćanske crkve bila je duga i raznolika.

Krajem 4. vijeka, kao što je poznato, Rimsko carstvo je podijeljeno na zapadno (Rim) i istočno (Bizant), čije su se istorijske sudbine tada pokazale različitim. Tako su se zapadna i istočna crkva izolovale, pošto je hrišćanska religija do tada postala državna.

Podjelom Rimskog carstva i formiranjem dvaju centara kršćanske crkve, putevi crkvene umjetnosti, koja je bila u procesu konačnog formiranja, uvelike su se izolirali i na Zapadu i Istoku.

Rim je na svoj način preradio sve čime je kršćanska crkva raspolagala i na osnovu toga stvorio svoju kanoniziranu umjetnost - gregorijanski koral.

Kao rezultat toga, crkvene melodije, odabrane, kanonizirane, distribuirane unutar crkvene godine, sastavljene su pod papom Grgurom (barem na njegovu inicijativu). službeni trezor - antifonar. Zove se horske melodije koje su u njemu uključene gregorijanski koral i postala osnova liturgijskog pjevanja Katoličke crkve. Zbirka gregorijanskih napjeva je ogromna..

Zbirka gregorijanskog pjevanja iz 11.-12. stoljeća, a potom i u doba renesanse, poslužila je kao početna osnova za stvaranje polifonih djela u kojima su kultni napjevi dobili najrazličitiji razvoj.

Što je više Rimska crkva širila svoju sferu uticaja u Evropi, to se dalje gregorijansko pjevanje širilo iz Rima na sjever i zapad.

Reformu notnog zapisa izvršio je italijanski muzičar, teoretičar i učitelj Guido d'Arezzo u drugoj četvrtini 11. veka.

Gvidova reforma bila je snažna u svojoj jednostavnosti i organskoj prirodi prvobitne misli: nacrtao je četiri linije i, stavljajući neume na njih ili između njih, svima im je dao preciznu vrednost nadmorske visine. Još jedna inovacija Guida od Arezza, u suštini i njegov izum, bio je izbor specifične šestostepene skale (do-re-mi-fa-sol-la).

Od kraja 11. vijeka, u 12., a posebno u 13. vijeku, u muzičkom životu i muzičkom stvaralaštvu niza zapadnoevropskih zemalja javljaju se znaci novog pokreta - isprva manje uočljivije, a zatim sve uočljivije. Od početnih srednjovekovnih oblika muzičke kulture, razvoj umetničkog ukusa i stvaralačke misli ide ka drugim, progresivnijim vidovima muziciranja, ka drugim principima muzičkog stvaralaštva.

U XII-XIII veku postepeno su se stvarali istorijski preduslovi ne samo za formiranje novih stvaralačkih pokreta, već i za njihovo izvesno širenje širom Zapadne Evrope. Dakle, srednjovjekovni roman ili priča, koji se razvijao na francuskom tlu u 12. - 13. vijeku, nije ostao samo francuski fenomen. Uz roman o Tristanu i Izoldi i priču o Aukasinu i Nikolet, u istoriju književnosti ušli su Parsifal i jadni Henri. Novi, gotički stil u arhitekturi, predstavljen klasičnim primjerima u Francuskoj (katedrale u Parizu, Chartresu, Reimsu), našao je svoj izraz i u njemačkim i češkim gradovima, u Engleskoj itd.

Prvi procvat sekularne muzičke i poetske lirike, koji je počeo u Provansi u 12. veku, zatim zahvatio severnu Francusku, odjeknuo je u Španiji, a kasnije je došao do izražaja u nemačkom Minesangu. Uz svu originalnost svakog od ovih trendova i njih, pojavio se novi obrazac, karakterističan za to doba na njegovim širokim razmjerima. Isto tako, nastanak i razvoj polifonije u njenim profesionalnim oblicima - možda najvažnijeg aspekta muzičke evolucije tog vremena - dogodio se uz učešće ne samo francuske kreativne škole, a posebno ne samo jedne grupe muzičara iz Katedrala Notr Dam, ma koliko bile velike zasluge.

Nažalost, o putevima srednjovjekovne muzike sudimo u određenoj mjeri selektivno. Iz stanja izvora nemoguće je pratiti specifične veze, na primjer, u razvoju polifonije između njenih izvora na Britanskim otocima i njenih oblika na kontinentu, posebno u ranim fazama.

Srednjovjekovni gradovi su vremenom postali važni centri kulture. Osnovani su prvi univerziteti u Evropi (Bolonja, Pariz). Gradnja se širila, podizale su se bogate katedrale i u njima se s velikom pompom obavljala bogosluženja uz učešće najboljih horskih pjevača (obučavali su se u specijalnim školama - metrizama - pri velikim crkvama). Crkveno učenje (a posebno muzičko učenje) karakteristično za srednji vek nije više bilo koncentrisano samo u manastirima. Novi oblici, novi stil crkvene muzike nesumnjivo su povezani sa kulturom srednjovjekovnog grada. Ako su djelomično pripremljeni prethodnom aktivnošću učenih monaških muzičara (kao što su Hucbald od Saint-Amanda i Guido od Arezza), ako rani primjeri polifonije potiču iz monaških škola Francuske, posebno iz samostana Chartres i Limoges , onda još uvijek postoji dosljedan razvoj novih oblika polifonije počinje u Parizu u 12. i 13. stoljeću.

Drugi, takođe veoma značajan sloj srednjovekovne muzičke kulture, u početku je bio povezan sa aktivnostima, spektrom interesovanja i osobenom ideologijom evropskog viteštva. Križarski pohodi na istok, ogromna kretanja na velike udaljenosti, bitke, opsade gradova, građanski sukobi, hrabre, riskantne avanture, osvajanje stranih zemalja, kontakti sa raznim narodima Istoka, njihovi običaji, način života, kultura, potpuno neobično utisci - sve je to ostavilo traga na novom svjetonazoru vitezova krstaša. Kada je dio viteštva mogao opstati u povoljnim mirnim uvjetima, dosadašnja ideja viteške časti (naravno, društveno ograničene) spojila se s kultom lijepe dame i viteškim služenjem njoj, s idealom dvorskog ljubav i s njom povezane norme ponašanja. Tada se počinje razvijati muzička i poetska umjetnost trubadura, dajući prve primjere pisane svjetovne vokalne lirike u Evropi.

Ostali slojevi muzičke kulture srednjeg veka nastavili su da postoje, povezani sa narodnim životom, sa aktivnostima lutajućih muzičara, sa nadolazećim promenama u njihovom okruženju i načinu života.

Podaci o lutajućim narodnim muzičarima srednjeg vijeka postaju sve brojniji i određeniji od 9. do 14. stoljeća. Ovi žongleri, ministranti, špilmani - kako su ih zvali u različita vremena iu različitim krajevima - dugo su vremena bili jedini predstavnici svjetovne muzičke kulture svog vremena i tako su igrali važnu istorijsku ulogu. U velikoj meri, na osnovu njihove muzičke prakse, njihove pesničke tradicije oblikovali su se rani oblici svetovne lirike 12. - 13. veka. Oni, ti lutajući muzičari, nisu se odvajali od muzičkih instrumenata, dok je crkva ili odbijala njihovo učešće ili ga je teško prihvatala. Pored raznih duvačkih instrumenata (trube, rogovi, frule, panske frule, gajde), vremenom su se pojavile i harfa (od starih), mol (keltski instrument), vrste gudačkih instrumenata, preci buduće violine - rebab, viela, fidel (moguće, sa istoka).

Po svoj prilici, ovi srednjovjekovni glumci, muzičari, plesači, akrobati (često svi u jednoj osobi), nazvani žongleri ili drugim sličnim imenima, imali su vlastitu kulturnu i historijsku tradiciju koja seže u antičko doba. Mogli su preuzeti – kroz niz generacija – naslijeđe sinkretičke umjetnosti starorimskih glumaca, čiji su potomci, zvani histrioni i mimovi, dugo lutali, lutajući srednjovjekovnom Evropom. Najstariji polulegendarni predstavnici keltske (bardove) i germanske epike također su mogli na ovaj ili onaj način prenijeti svoju tradiciju žonglerima, koji su, iako im nisu mogli ostati vjerni, ipak nešto od njih naučili za sebe. U svakom slučaju, do 9. vijeka, kada su prethodni spomeni histriona i mimova već bili zamijenjeni izvještajima žonglera, ovi posljednji su dijelom bili poznati i kao izvođači epa. Krećući se s mjesta na mjesto, žongleri nastupaju na svečanostima na dvorovima (gdje se okupljaju na određene datume), u dvorcima, u selima, a ponekad im je dozvoljeno čak i u crkve. U pjesmama, romanima i pjesmama srednjeg vijeka, više puta se spominje učešće žonglera u prazničnoj zabavi i u organizaciji svih vrsta spektakla na otvorenom. Sve dok su se ove predstave, koje su se održavale za velike praznike u crkvama ili na groblju, izvodile samo na latinskom jeziku, u predstavama su mogli učestvovati učenici manastirskih škola i mlado sveštenstvo. Ali do 13. stoljeća latinski je zamijenjen lokalnim narodnim jezicima - i tada su lutajući muzičari, pretvarajući se da izvode komične uloge i epizode u duhovnim predstavama, nekako uspjeli da se probiju u redove glumaca, a zatim i da postižu uspjeh sa njihove šale među gledaocima i slušaocima. To je bio slučaj, na primjer, u katedralama u Strazburu, Ruanu, Remsu i Cambraiju. Među “pričama” koje su se prikazivale na praznike bile su božićne i uskršnje “radnje”, “Oplaćanje Marijino”, “Priča o razumnim djevicama i ludim djevicama” itd. Gotovo svuda na priredbama, zarad svojih posjetitelja, određene ili druge komične epizode povezane s učešćem zlih sila ili avanturama i primjedbama slugu. Tu se otvorio prostor za glumačke muzičke sposobnosti žonglera sa njihovim tradicionalnim šašavošću.

Mnogi ministranti imali su posebnu ulogu kada su počeli da sarađuju sa trubadurima, svuda prateći svoje viteške pokrovitelje, učestvujući u izvođenju njihovih pesama i pridružujući se novim oblicima umetnosti.

Kao rezultat toga, sama sredina “lutajućih ljudi”, žonglera, špilmana, ministranata, koja je vremenom doživljavala značajne transformacije, nije ostala ujednačena po sastavu. Tome je doprinio i priliv novih snaga - pismenih, ali koje su izgubile stabilan položaj u društvu, odnosno u suštini deklasiranih gubitnika iz malog klera, zalutalih studenata, odbjeglih monaha. Pojavljujući se u redovima putujućih glumaca i muzičara u 11. - 12. veku u Francuskoj (a potom i u drugim zemljama), dobili su imena skitnica i golijara. Sa njima su u slojeve žonglera dolazili novi životni koncepti i navike, pismenost, a ponekad i određena erudicija.

Od kraja 13. stoljeća u raznim evropskim centrima formiraju se cehovska udruženja špilmana, žonglera i ministranata kako bi zaštitili svoja prava, odredili njihovo mjesto u društvu, očuvali profesionalne tradicije i prenijeli ih studentima. Godine 1288. u Beču je osnovano Bratstvo sv. Nikole“, koja je ujedinila muzičare, 1321. godine „Bratstvo sv. Julien“ u Parizu bila je cehovska organizacija lokalnih ministranata. Nakon toga, u Engleskoj je formiran ceh "kraljevskih ministranata". Ovaj prelazak na esnafski način života u suštini je okončao istoriju srednjovekovnog žonglera. Ali lutajući muzičari nisu se sasvim skrasili u svojim bratstvima, esnafima i radionicama. Njihova lutanja su se nastavila u 14., 15. i 16. vijeku, pokrivajući ogromnu teritoriju i na kraju stvarajući nove muzičke i svakodnevne veze između udaljenih regija.

Trubaduri, Trouvères, Minnesingers

Umetnost trubadura, koja je nastala u Provansi u 12. veku, bila je, u suštini, samo početak posebnog stvaralačkog pokreta, karakterističnog za svoje vreme i gotovo u potpunosti povezanog sa razvojem novih, sekularnih oblika umetničkog stvaralaštva. Mnogo je tada pogodovalo ranom procvatu sekularne umjetničke kulture u Provansi: relativno manje razaranja i katastrofa u prošlosti, tokom seobe naroda, stare zanatske tradicije i dugo očuvane trgovačke veze. U takvim istorijskim uslovima razvijala se viteška kultura.

Osebujan proces razvoja rane svjetovne umjetnosti, koji je nastao umjetničkom inicijativom provansalskog viteštva, uvelike je pothranjen melodijskim porijeklom narodnih pjesama i širi se u širem krugu građana, razvijajući se u skladu s tim u tematskom figurativnom sadržaju.

Umetnost trubadura razvija se skoro dva veka od kraja 11. veka. U drugoj polovini 12. veka, imena truvera su već bila poznata kao pesnici i muzičari na severu Francuske, u Šampanji i u Arasu. U 13. veku aktivnost truvera postaje intenzivnija, dok umetnost provansalskih trubadura završava svoju istoriju.

Trouvères su u određenoj mjeri naslijedili stvaralačku tradiciju trubadura, ali su istovremeno njihova djela bila jasnije povezana ne s viteškom, već s urbanom kulturom svog vremena. Međutim, među trubadurima je bilo predstavnika raznih društvenih krugova. Dakle, prvi trubaduri su bili: Guillaume VII, grof od Poitiersa, vojvoda od Akvitanije (1071 - 1127) - i siromašni Gaskonac Marcabrun.

Provansalski trubaduri, kao što znamo, obično su sarađivali sa žonglerima koji su s njima putovali, izvodili njihove pjesme ili pratili njihovo pjevanje, kao da istovremeno spajaju dužnosti sluge i pomoćnika. Trubadur je bio pokrovitelj, autor muzičkog djela, a žongler kao izvođač.

U muzičko-poetskoj umjetnosti trubadura pojavilo se nekoliko karakterističnih žanrovskih varijanti pjesama-pjesama: alba (pjesma zore), pasturelle, sirventa, pjesme krstaša, pjesme dijaloga, jadikovke, plesne pjesme. Ovaj popis nije stroga klasifikacija. Ljubavni tekstovi su oličeni u albumima, pastoralima i plesnim pjesmama.

Sirventa - oznaka nije baš jasna. U svakom slučaju, ovo nije lirska pjesma. Zvuči u ime viteza, ratnika, hrabrog trubadura, može biti satirično, optužujuće, usmjereno na cijelu klasu, na određene savremenike ili događaje. Kasnije su se pojavili žanrovi balada i rondoa.

Kao što se može suditi na osnovu posebnog istraživačkog materijala, umjetnost trubadura u konačnici nije izolirana ni od tradicije prošlosti ni od drugih savremenih oblika muzičkog i poetskog stvaralaštva.

Umetnost trubadura služila je kao važna spona između prvih oblika muzičke i poetske lirike u zapadnoj Evropi, između muzičke i svakodnevne tradicije i visokoprofesionalnih oblasti muzičkog stvaralaštva u 13. veku. XIV vijeka. Kasniji predstavnici ove umjetnosti već su gravitirali muzičkoj profesionalizaciji i savladali temelje nove muzičke vještine.

Tako Adam de la Al ( 1237-1238 - 1287), jedan od posljednjih truvera, rodom iz Arrasa, francuski pjesnik, kompozitor, dramaturg druge polovine 13. vijeka. Od 1271. godine služio je na dvoru grofa Roberta d'Artoa, sa kojim je 1282. otišao kod Karla Anžujskog, kralja Sicilije, u Napulj. Za vreme njegovog boravka u Napulju nastala je "Igra Robina i Marione". - najveće i najznačajnije delo pesnika-kompozitora.

Ovakva dela su praistorija rađanja francuske muzičke komedije 16. veka. i operete 19. veka.

Primeri umetnosti trubadura došli su u Nemačku u 12. i 13. veku i tamo su privukli zainteresovanu pažnju; Tekstovi pesama su prevedeni na nemački, čak su i melodije ponekad podtekstovane novim rečima. Razvoj njemačkog minnesanga kao umjetničkog oličenja lokalne viteške kulture od druge polovine 12. stoljeća (do samog početka 15. stoljeća) čini ovo interesovanje za muzičku i poetsku umjetnost francuskih trubadura - posebno među rani minesingeri - sasvim razumljivo.

Umjetnost Minesingera razvila se gotovo stoljeće kasnije od umjetnosti trubadura, u nešto drugačijoj istorijskoj situaciji, u zemlji u kojoj u početku nisu postojali tako čvrsti temelji za formiranje novog, čisto sekularnog pogleda na svijet.

Najveći predstavnik Minesanga bio je Walter von der Vogelweide, pjesnik, autor “Parsifala” Wolfram von Eschenbach. Dakle, legenda koja leži u osnovi Wagnerovog Tanhojzera zasniva se na istorijskim činjenicama.

Međutim, aktivnosti njemačkih rudara nikako nisu bile ograničene na službu i nastupe na dvorovima: najistaknutiji od njih su proveli značajan dio svog života na dalekim putovanjima.

Dakle, umjetnost minnesanga nije tako jednodimenzionalna: kombinira različite tendencije, a melodijska strana je općenito progresivnija od poetske. Žanrovska raznolikost pjesama kod Minesingera u mnogome je slična onima koje su gajili provansalski trubaduri: pjesme krstaša, ljubavno-lirske pjesme raznih vrsta, plesne melodije.

Sveta muzika kasnog srednjeg veka takođe nastavlja da se razvija. Polifona muzička prezentacija je bila široko razvijena.

Razvoj višeglasnog pisanja, koji je u početku bio karakterističan za crkvenu umjetnost, doveo je i do formiranja novih muzičkih žanrova duhovnog i svjetovnog sadržaja. Najčešći žanr polifonije postaje motet.

Motet, koji je imao veliku budućnost pred sobom, veoma se intenzivno razvijao u 13. veku. Njegov nastanak datira iz prošlog veka, kada je nastao u vezi sa stvaralačkom delatnošću škole Notre Dame i u početku je imao liturgijsku svrhu.

Motet iz 13. stoljeća je polifono (obično troglasno) djelo male ili srednje veličine. Žanrovsko obilježje moteta bilo je početno oslanjanje na gotov melodijski uzorak (iz crkvenih napjeva, iz svjetovnih pjesama) na koji su se naslagali drugi glasovi različitih karaktera, a ponekad i različitog porijekla. Rezultat je bila kombinacija različitih melodija sa različitim tekstovima.

Instrumenti (viela, psalterijum, orgulje) mogli su učestvovati u izvođenju pojedinih moteta. Konačno, u 13. veku popularnost je stekao i jedinstveni oblik svakodnevne polifonije, nazvan rondel, rota, ru (točak). Riječ je o stripovskom kanonu koji je bio poznat i srednjovjekovnim špilmanima.

Do kraja 13. veka, muzička umetnost Francuske je u velikoj meri postavila ton u zapadnoj Evropi. Muzička i poetska kultura trubadura i truvera, kao i važne etape u razvoju polifonije, dijelom su uticale na muzičku umjetnost drugih zemalja. U istoriji muzike 13. vek (od otprilike 1230-ih) dobio je oznaku "Ars antiqua" ("stara umetnost").

ARS NOVA U FRANCUSKOJ. GUILLAUME MACHAUT

Oko 1320. godine u Parizu je nastalo muzičko-teorijsko delo Filipa de Vitrija pod nazivom “Ars nova”. Ove riječi - "Nova umjetnost" - ispostavile su se kao krilatice: od njih je proizašla definicija "ere Ars nova", koja se do danas obično pripisuje francuskoj muzici 14. stoljeća. Izrazi “nova umjetnost”, “nova škola”, “novi pjevači” često su se susreli za vrijeme Philippea de Vitryja, ne samo u teorijskim radovima. Bilo da su teoretičari podržavali nove trendove ili ih osuđivali, da li ih je papa osuđivao, svuda su imali na umu nešto novo u razvoju muzičke umjetnosti što nije postojalo prije pojave razvijenih oblika polifonije.

Najveći predstavnik Ags nova u Francuskoj bio je Guillaume de Machaut-poznati pesnik i kompozitor svog vremena, čije se stvaralačko nasleđe proučava i u istoriji književnosti.

Koliko god se dalji razvoj polifonih formi zakomplikovao u 14. veku, linija muzičke i poetske umetnosti koja je dolazila od trubadura i truvera nije se potpuno izgubila u atmosferi francuskog Ars nova. Ako je Philippe de Vitry bio prvenstveno učeni muzičar, a Guillaume de Machaut je postao majstor francuskih pesnika, tada su ipak obojica bili pjesnici-muzičari, odnosno, u tom smislu, činilo se da nastavljaju tradiciju trouvères-a 13. stoljeća. Uostalom, ne mnogo vremena razdvaja stvaralačku aktivnost Philippea de Vitryja, koji je počeo da komponuje muziku oko 1313-1314, pa čak i aktivnost Machauta (od 1320-1330) od posljednjih godina stvaralačkog života Adama de la. Halle (u. 1286 ili 1287).

Istorijska uloga Guillaumea ds Machauta mnogo je značajnija. Bez njega ne bi bilo Ars nove u Francuskoj. Upravo je njegovo muzičko i poetsko stvaralaštvo, obilno, originalno, višežanrovsko, koncentrisalo glavne crte ovog doba. Čini se da njegova umjetnost spaja linije koje, s jedne strane, prelaze iz muzičke i poetske kulture trubadura i truvera u svojoj drevnoj pjesničkoj osnovi, as druge, iz francuskih škola polifonije 11.-111. stoljeća.

Nažalost, ne znamo ništa o Mašovom životnom putu do 1323. godine. Ono što se zna je da je rođen oko 1300. godine u Machautu. Bio je visokoobrazovan pjesnik široke erudicije i pravi majstor svog zanata kao kompozitora. S obzirom na njegov neosporno visok talenat, on je, naravno, trebao dobiti temeljnu pripremu za književnu i muzičku djelatnost.Prvi datum s kojim se povezuje činjenica Machautove biografije je 1322-1323, kada je njegova služba započela na dvoru kralja Jovana od Luksemburg u Češkoj (prvo na položaju činovnika, zatim kraljevog sekretara). Više od dvadeset godina Machaut je bio na dvoru kralja Češke, ponekad u Pragu, ponekad stalno sudjelujući u njegovim pohodima, putovanjima, festivalima, lovovima itd. U pratnji Ivana Luksemburškog imao je priliku posjetiti glavni centri Italije, Njemačke i Poljske. Sve je to, po svoj prilici, Guillaumeu de Machautu ostavilo mnogo utisaka i u potpunosti obogatilo njegovo životno iskustvo. Nakon smrti kralja Bohemije 1346. godine, bio je u službi francuskih kraljeva Jovana Dobrog i Karla V, a kanonizovan je i u katedrali Notr Dam u Remsu. To je doprinijelo njegovoj slavi kao pjesniku. Machaut je za života bio veoma cijenjen, a nakon njegove smrti 1377. godine, veličali su ga savremenici u veličanstvenim epitafima. Machaut je imao značajan uticaj na francusku poeziju i stvorio čitavu školu koju karakterišu oblici poetske lirike koju je razvio.

Razmjer Machautovog muzičkog i poetskog stvaralaštva sa multilateralnim razvojem žanrova, neovisnost njegovih pozicija, koje su imale snažan utjecaj na francuske pjesnike, visoko umijeće muzičara - sve to čini ga prvom takvom velikom ličnošću u istoriji muzička umjetnost.

Mashoovo kreativno naslijeđe je opsežno i raznoliko. Kreirao je motete, balade, rondoe, kanone itd.

Nakon Machauta, kada su njegovo ime veoma poštovali pesnici i muzičari, a njegov uticaj su na ovaj ili onaj način osećali i jedni i drugi, on nije imao istinski velikih naslednika među francuskim kompozitorima. Naučili su mnogo iz njegovog polifonističkog iskustva, savladali njegovu tehniku, nastavili da njeguju iste žanrove kao i on, ali su donekle oplemenili svoju umjetnost prekomplicirajući detalje.

RENESANSA

Trajni značaj renesanse za kulturu i umjetnost zapadne Evrope odavno je prepoznat od strane istoričara i postao je opšte poznat. Muziku renesanse predstavljaju brojne nove i uticajne kreativne škole, slavna imena Frančeska Landinija u Firenci iz 14. veka, Gijoma Dufaja i Johana Okegema u 15. veku, Žoskina Despresa početkom 16. veka i plejada klasika strogog stila na kraju renesanse - Palestrina, Orlando Lasso.

U Italiji je u 14. veku došlo do početka nove ere za muzičku umetnost. Holandska škola se uobličila i dostigla svoje prve vrhunce do 15. veka, nakon čega se njen razvoj širi, a njen uticaj na ovaj ili onaj način zahvata majstore drugih nacionalnih škola. Znakovi renesanse jasno su se pojavili u Francuskoj u 16. veku, iako su njena stvaralačka dostignuća bila velika i neosporna iu prethodnim vekovima. Uspon umjetnosti u Njemačkoj, Engleskoj i nekim drugim zemljama uključenim u orbitu renesanse datira iz 16. stoljeća.

Dakle, u muzičkoj umjetnosti zapadnoevropskih zemalja, očigledne crte renesanse pojavljuju se, iako s određenom neujednačenošću, unutar XIV-XVI stoljeća. Umjetnička kultura renesanse, a posebno muzička kultura, nesumnjivo se nije udaljila od najboljih stvaralačkih ostvarenja kasnog srednjeg vijeka. Istorijska složenost renesanse bila je ukorijenjena u činjenici da je feudalni sistem još uvijek bio očuvan gotovo posvuda u Europi, a dogodile su se značajne promjene u razvoju društva, što je u mnogome pripremilo početak nove ere. To je došlo do izražaja u društveno-ekonomskoj sferi, političkom životu, u širenju horizonata savremenika – geografskih, naučnih, umjetničkih, u prevazilaženju duhovne diktature crkve, u usponu humanizma i rastu samosvijesti značajna ličnost. S posebnim sjajem tada su se pojavili i ustalili znaci novog pogleda na svijet u umjetničkom stvaralaštvu, u napredovanju raznih umjetnosti, za koje je izuzetno važna „revolucija umova“ koju je proizvela renesansa.

Nema sumnje da je humanizam u svom „renesansnom“ shvaćanju ubacio ogromne svježe snage u umjetnost svog vremena, inspirirao umjetnike na traženje novih tema i umnogome odredio prirodu slika i sadržaj njihovih djela. Za muzičku umjetnost humanizam je prije svega značio produbljivanje u ljudska osjećanja, prepoznavanje nove estetske vrijednosti za njih. To je doprinijelo identifikaciji i implementaciji najjačih osobina muzičke specifičnosti.

Čitavu epohu u cjelini karakterizira jasna prevlast vokalnih žanrova, posebno vokalne polifonije. Samo vrlo polako, postepeno instrumentalna muzika dobija izvesnu samostalnost, ali će njena direktna zavisnost od vokalnih oblika i od svakodnevnih izvora (ples, pesma) biti prevaziđena tek nešto kasnije. Glavni muzički žanrovi ostaju povezani sa verbalnim tekstom.

Dugi put muzičke umetnosti, pređen od 14. do kraja 16. veka, nikako nije bio jednostavan i neposredan, kao što se ni celokupna duhovna kultura renesanse nije razvijala isključivo i isključivo uzlaznom linijom. U muzičkoj umetnosti, kao iu srodnim oblastima, postojala je i sopstvena „gotička linija“ i sopstveno, stabilno i uporno nasleđe srednjeg veka.

Muzička umetnost zapadnoevropskih zemalja dostigla je novu prekretnicu u raznolikosti italijanskih, holandskih, francuskih, nemačkih, španskih, engleskih i drugih kreativnih škola i istovremeno sa jasno izraženim opštim trendovima. Klasika strogog stila već je stvorena, u toku je svojevrsno „usklađivanje“ polifonije, jačao je pokret ka homofonom pisanju, povećavala se uloga umjetnikove stvaralačke individualnosti, značaj svakodnevne muzike i njen utjecaj na visoko- jačao je nivo profesionalne umetnosti, sekularni muzički žanrovi su figurativno obogaćeni i individualizovani (posebno italijanski madrigal), mlada instrumentalna muzika se približavala pragu nezavisnosti. 17. vek je sve to direktno primio iz 16. veka – kao nasleđe renesanse.

ARS NOVA U ITALIJI. FRANCESCO LANDINI

Italijanska muzička umjetnost 14. vijeka (Trecento) općenito proizvodi zadivljujući utisak svježine, kao da je mladost novog, tek u nastajanju stila. Muzika Arsa je nova u Italiji i upravo je atraktivna i snažna zbog svoje čisto italijanske prirode i razlike od francuske umetnosti istog vremena. Ars je nov u Italiji - već je zora renesanse, njen značajan predznak. Nije bilo slučajno što je Firenca postala središte stvaralačkog djelovanja talijanskih predstavnika Ars nove, čiji je značaj bio od najveće važnosti kako za novu književnost humanističkog smjera, tako i u velikoj mjeri za likovnu umjetnost.

Period Ars nova obuhvata 14. vek od otprilike 20-ih do 80-ih godina i obeležen je prvim pravim procvatom sekularnog muzičkog stvaralaštva u Italiji. Talijansku Ars novu karakteriše neosporna prevlast sekularnih djela nad duhovnim. U većini slučajeva to su primjeri muzičkih tekstova ili neke vrste žanrovskih djela.

U središtu pokreta Ars nova visoko se uzdiže lik Francesca Landinija, bogatog i višestruko talentovanog umjetnika koji je ostavio snažan utisak na svoje napredne savremenike.

Landini je rođen u Fiesoleu, blizu Firence, u porodici slikara. Nakon što je u djetinjstvu bolovao od malih boginja, trajno je oslijepio. Prema Villaniju, rano je počeo da se bavi muzikom (prvo pjevanje, a zatim sviranje gudačkih instrumenata i orgulja). Njegov muzički razvoj tekao je divnom brzinom i zadivio je sve oko sebe. Odlično je proučavao dizajn mnogih instrumenata, napravio poboljšanja i izmislio nove dizajne. Tokom godina, Francesco Landini je nadmašio sve italijanske muzičare svog vremena.

Posebno je bio poznat po sviranju na orguljama, za koje je, u prisustvu Petrarke, ovenčan lovorikama u Veneciji 1364. godine. Moderni istraživači datiraju njegove rane radove u 1365-1370. U 1380-im, Landinijeva slava kao kompozitora već je zasjenila uspjehe svih njegovih talijanskih savremenika. Landini je umro u Firenci i sahranjen je u crkvi San Lorenzo; Datum na njegovom nadgrobnom spomeniku je 2. septembar 1397. godine.

Danas su poznate 154 Landinijeve kompozicije. Među njima preovlađuju balade.

Landinijevo djelo u suštini završava period Ars nova u Italiji. Nema sumnje da nam opšti nivo Landinijeve umetnosti i njeni karakteristični kvaliteti ne dozvoljavaju da je smatramo provincijalnom, primitivnom ili čisto hedonističkom.

U poslednje dve decenije 19. veka došlo je do promena u muzičkoj umetnosti Italije, koje su prvo narušile integritet pozicije Ars nove, a potom dovele do kraja njene ere. Umetnost 10. veka već pripada novom istorijskom periodu.

Srednji vijek je najduža kulturna era u istoriji Zapadne Evrope. Obuhvata devet vekova - od 6. do 14. veka. To je vrijeme dominacije Katoličke crkve, koja je od prvih koraka bila pokrovitelj umjetnosti. Crkvena riječ (molitva) u različitim zemljama Evrope iu različitim društvenim slojevima bila je neraskidivo povezana s muzikom: zvučali su psalmi, himne, korali - koncentrisane, odvojene melodije, daleko od svakodnevne vreve.

Takođe, po nalogu crkve, podignuti su veličanstveni hramovi, ukrašeni skulpturama i šarenim vitražima; Zahvaljujući pokroviteljstvu crkve, arhitekti i umjetnici, kipari i pjevači posvetili su se svojoj nepodijeljeno voljenoj umjetnosti, odnosno Katolička crkva ih je finansijski podržavala. Dakle, najznačajniji dio umjetnosti općenito, a posebno muzike, bio je pod jurisdikcijom katoličke vjeroispovijesti.

Crkveno pjevanje u svim zemljama zapadne Evrope zvučalo je na strogom latinskom, a da bi još više učvrstio jedinstvo i zajednicu katoličkog svijeta, papa Grgur I, koji je stupio na prijesto početkom 4. stoljeća, sabrao je sve crkvene pjesme i propisano za obavljanje svakog od njih određeni dan po crkvenom kalendaru. Melodije koje je papa sakupio nazivale su se gregorijanskim napjevom, a tradicija pjevanja koja se temelji na njima naziva se gregorijanskim pjevanjem.

U melodijskom smislu, gregorijanski koral je orijentisan na oktoih, sistem od osam modova. Bio je to modus koji je često ostajao jedini pokazatelj kako treba izvoditi koral. Svi modovi su činili oktavu i bili su modifikacija drevnog sistema trikorda. Ladovi su imali samo numeraciju, koncepte „dorijanskog“, „lidijskog“ i tako dalje. bili isključeni. Svaki prag je predstavljao vezu dva tetrakorda.

Gregorijanski korali su idealno odgovarali njihovoj molitvenoj svrsi: ležerne melodije bile su sastavljene od neprimjetno prelivajućih motiva jedna u drugu, melodijska linija bila je ograničena u tesituri, razmaci između zvukova mali, ritmički obrazac je također bio uglađen, korali su građeni na bazi dijatonska ljestvica. Gregorijanske napjeve pjevao je jednoglasni muški hor i podučavao se takvom pjevanju prvenstveno u usmenoj tradiciji. Pisani izvori gregorijanizma su primjer nenumeričke notacije (posebni simboli postavljeni iznad latinskog teksta), međutim, ova vrsta notnog zapisa označavala je samo približnu visinu zvuka, opći smjer melodijske linije i nije doticala ritmičku stranu i stoga se smatralo teškim za čitanje. Pjevači koji su izvodili crkvene korale nisu uvijek bili školovani i učili su svoj zanat usmeno.

Gregorijanski koral postao je simbol ogromne ere, koja je u njemu odrazila svoje razumijevanje života i svijeta. Značenje i sadržaj korala odražavali su predstavu srednjovjekovnog čovjeka o suštini postojanja. U tom smislu, srednji vek se često naziva „mladošću evropske kulture“, kada su, nakon pada starog Rima 476. godine, plemena varvara, Gala i Germana napala Evropu i počela da obnavljaju svoje živote. Njihovo vjerovanje u kršćanske svece odlikovalo se bezumjetnošću, jednostavnošću, a melodije gregorijanskih pjevanja bile su zasnovane na istom principu prirodnosti. Izvjesna monotonija korala odražava predstavu srednjovjekovnog čovjeka o prostoru, koji je ograničen njegovim vidnim poljem. Također, ideja vremena bila je povezana s idejom ponavljanja i nepromjenjivosti.

Gregorijanski koral, kao dominantni muzički stil, konačno je uspostavljen širom Evrope do 9. veka. Istovremeno, najveće otkriće dogodilo se u muzičkoj umetnosti, koje je uticalo na čitavu njenu kasniju istoriju: naučnik-monah, italijanski muzičar Gvido iz Areca (Aretinski) izmislio je notni zapis, koji koristimo do danas. Od sada se gregorijanski koral mogao pjevati iz nota i ušao je u novu fazu svog razvoja.

Od 7. do 9. veka pojmovi „muzika“ i „gregorijanski koral“ postojali su neodvojivo. Proučavajući melodiju korala, srednjovekovni muzičari i pevači želeli su da ih ukrase, ali menjanje crkvenog pojanja nije bilo dozvoljeno. Rešenje je pronađeno: iznad melodije korala, na jednakoj udaljenosti od svih njenih zvukova, dodat je drugi glas, koji je tačno ponavljao melodijski obrazac korala. Činilo se da je melodija zgusnuta, udvostručena. Ove prve dvoglasne kompozicije nazvane su organums, jer se donji glas u kojem je koral zvučao zvao vox principalis (glavni glas), a gornji, dodani glas se zvao vox organalis (dodatni glas). Zvuk organuma izazvao je asocijacije na akustiku hrama: bio je bučan i dubok. Nadalje, tokom 11.-13. stoljeća dvoglasnost je prerasla u troglasno (triptum) i četveroglasno.

Ritmički oblici organuma su primjer modalnog ritma. Ima ih šest: jamb (l ¡), trohej (trohej) (¡ l), daktil (¡ . l¡), anapest (l¡¡ . ), spondee (¡ . ¡ . ), tritrahijum (l l l).

Uz crkvenu umjetnost, razvojem evropskih gradova i ekonomija, u srednjem vijeku se rađa i nova umjetnost. Obični ljudi (građani gradova, seljaci) često su u svojim naseljima viđali lutajuće glumce i muzičare koji su plesali i izvodili pozorišne predstave na različite teme: o anđelima i Blaženoj Djevici Mariji ili o đavolima i paklenim mukama. Ova nova svjetovna umjetnost nije bila po ukusu asketskih službenika crkve, koji su u neozbiljnim pjesmama i nastupima nalazili đavolje mahinacije.

Procvat srednjovekovnih gradova i feudalnih zamkova, interesovanje za sekularnu umetnost koje je obuhvatilo sve slojeve, dovelo je do pojave prve profesionalne škole svetovne poezije i muzike - škole trubadura, koja je nastala na jugu Francuske u 12. veku. . Slični njemački pjesnici i muzičari zvali su se minnesingers (meistersingers), a sjevernofrancuski su se zvali trouvères. Kao autori poezije, pjesnici trubaduri su istovremeno djelovali kao kompozitori i pjevači.

Muzika trubadurskih pjesama izrasla je iz poezije i oponašala je svojom jednostavnošću, razigranošću i bezbrižnošću. U sadržaju takvih pjesama raspravljalo se o svim životnim temama: ljubavi i rastavi, dolasku proljeća i njegovim radostima, veselom životu lutajućih đaka, podvalama Fortune i njenom ćudljivom raspoloženju, itd. Ritam, jasna podjela na muzičke fraze, naglasak , periodičnost - sve su to bile tipične pesme trubadura.

Gregorijanski koral i trubadurski tekstovi su dva nezavisna pravca u srednjovjekovnoj muzici, međutim, uz svu njihovu suprotnost, mogu se uočiti zajedničke osobine: unutrašnja srodnost s riječju, sklonost glatkom, kitnjastom vokalnom izvođenju.

Vrhunac rane polifonije (polifonije) bila je škola Notre Dame. Muzičari koji su joj pripadali radili su u Parizu u katedrali Notr Dam u 12.-13. veku. Uspjeli su stvoriti takve polifone strukture, zahvaljujući kojima je muzička umjetnost postala samostalnija, manje ovisila o izgovoru latinskog teksta. Muzika se više nije doživljavala kao njegov oslonac i ukras, već je sada bila namijenjena posebno za slušanje, iako su se u crkvi i dalje izvodili organumi majstora ove škole. Na čelu škole Notre Dame bili su profesionalni kompozitori: u drugoj polovini 12. veka - Leonin, na prelazu iz 12. u 13. vek - njegov učenik Perotin.

Koncept „kompozitora“ u srednjem veku postojao je u pozadini muzičkih kultura, a sama reč je nastala od „komponovati“ – tj. kombinovati, stvoriti nešto novo od poznatih elemenata. Profesija kompozitora pojavila se tek u 12. veku (u djelima trubadura i majstora škole Notre Dame). Na primjer, pravila kompozicije koja je pronašao Leonin su jedinstvena jer je, počevši od dubokog proučavanja muzičkog materijala stvorenog prije njega, kompozitor naknadno uspio spojiti tradiciju strogog gregorijanskog pjevanja sa slobodnim normama trubadurske umjetnosti.

Već u Perotinovim organumima izmišljen je način produženja muzičke forme. Tako je muzičko tkivo podijeljeno na kratke motive izgrađene na principu sličnosti (svi predstavljaju prilično bliske verzije jedni drugima). Perotin prenosi te motive iz jednog glasa u drugi, stvarajući nešto poput motivskog lanca. Koristeći takve kombinacije i permutacije, Perotin je omogućio organumima da rastu u veličini. Zvuci gregorijanskog pjevanja, smješteni u glas cantus firmus, nalaze se na velikoj udaljenosti jedan od drugog - a to također doprinosi širenju muzičke forme. Tako je nastao novi žanr - MOTET; U pravilu se radi o troglasnoj kompoziciji koja je postala rasprostranjena u 13. stoljeću. Ljepota novog žanra bila je u istovremenom spoju različitih melodijskih linija, iako su one, zapravo, bile varijanta, duplikacija, odraz glavnog napjeva - cantus firmus. Takvi moteti su se zvali "naručeni".

Međutim, u javnosti su bili popularniji moteti, koji su, za razliku od moteta na cantus firmus, preuveličavali principe nesklada: neki od njih su čak komponovani na tekstove na različitim jezicima.

Srednjovjekovni moteti mogli su imati i duhovni i svetovni sadržaj: ljubav, satira itd.

Rana polifonija nije postojala samo kao vokalna umjetnost, već i kao instrumentalna. Za karnevale i praznike komponovana je plesna muzika, a trubadurske pjesme su bile praćene i sviranjem na instrumentima. Popularne su bile i jedinstvene instrumentalne fantazije, slične motetima.

14. vijek u zapadnoevropskoj umjetnosti naziva se „jesen” srednjeg vijeka. U Italiju je već stigla nova era - renesansa; Dante, Petrarka, Giotto - veliki majstori rane renesanse - već su stvarali. Ostatak Evrope je sumirao rezultate srednjeg veka i osetio rađanje nove teme u umetnosti – teme individualnosti.

Ulazak srednjovjekovne muzike u novu eru obilježila je pojava traktata Philippea de Vitryja “Ars Nova” – “Nova umjetnost”. U njemu su naučnik i muzičar pokušali da ocrtaju novu sliku muzički lepog. Ime ove rasprave dalo je ime čitavoj muzičkoj kulturi 14. veka. Od sada, muzika je morala da napusti jednostavne i grube zvuke i teži mekoći i šarmu zvuka: umesto praznih, hladnih harmonija Ars antiqua, propisano je da se koriste pune i melodične harmonije.

Preporučeno je ostaviti monotoni ritam (modalni) u prošlosti i koristiti novootkrivenu menzuralnu (mjernu) notaciju, kada se kratki i dugi zvukovi međusobno odnose kao 1:3 ili 1:2. Postoji mnogo takvih trajanja - maxima, longa, brevis, semibrevis; svaki od njih ima svoj obris: duži zvukovi nisu zasjenjeni, kraći su prikazani crnom bojom.

Ritam je postao fleksibilniji, raznovrsniji i može se koristiti sinkopa. Ograničenje upotrebe modusa koji nisu dijatonski crkveni načini postalo je manje strogo: mogu se koristiti izmjene, pojačanja i smanjenja muzičkih tonova.

Ritmički oblici organuma su primjer modalnog ritma. Ima ih šest: jamb (l ¡), trohej (trohej) (¡ l), daktil (¡ . l¡), anapest (l¡¡ . ), spondee (¡ . ¡ . ), tritrahijum (l l l).