Dekoratif ve uygulamalı sanatların gelişimi el sanatları ve fabrika üretim tekniklerinin gelişmesine, sanat endüstrisinin ortaya çıkmasına (duvar halısı, cam, fayans, taş kesme, ipek ve kumaş üretimi), modaya uygun şeylerin, lüks eşyaların fabrikada üretilmesine, yatakların keşfedilmesine ve geliştirilmesine katkıda bulunmuştur. bakır, kalay, gümüş, renkli taş, yüksek kaliteli killer.

Dekoratif ve uygulamalı sanatlardaki yeni doğa bilimleri ve teknik ilgileri yansıtan Bilimler Akademisi'nin "özgür sanatların ve imalathanelerin refahı"ndaki rolü önemlidir. 18. yüzyılın ilk yarısında, sanat fabrikalarında ustaların yeni eğitim ve öğretim biçimleri ortaya çıktı; Rusya'da yabancı ustaların dekoratif ve uygulamalı sanatların çeşitli alanlarındaki geniş dağılımını engellemeyen esnaf lonca örgütleri var.

Sanat ve el sanatlarında (iç eşyalar, mobilyalar, dekor) stil aktif olarak moda tarafından belirlenir. Sonuç olarak, yeni nesne türleri ortaya çıkıyor, sanat ve el sanatlarındaki estetik fikirler güncelleniyor. 18. yüzyılın ortalarındaki dekoratif ve uygulamalı sanatlarda, mimari, heykel, resim ve uygulamalı el sanatlarının dekoratif bir toplulukta birleştirildiği bir sanat sentezi eğilimi vardır.

Sonuç olarak, iç tasarım sanatı, 18. yüzyıl mimarlarının çalışmalarında özel bir sanatsal faaliyet haline gelir. Bu tür sanatsal faaliyetler, yeni bina türlerinin (çalışma odaları, ön odalar, yatak odaları, oturma odaları, "resim salonları") ve içeriklerinin (Yazlık Saray, A.D. Menshikov Sarayı, Grand Peterhof Sarayı, Monplaisir) ortaya çıkmasına neden olur.

Bütün bunlar mobilya işinin gelişmesine katkıda bulunur, yeni mobilya türleri ve biçimleri, malzemeleri ve onu dekore etme yolları ortaya çıkar. İngiliz ve Hollanda mobilyalarının etkisi burada çok güçlü. Avrupa'nın da etkisiyle mobilyada barok ve rokoko tarzı bile Rusya'da şekilleniyor.

Klasisizm mobilya karakteristik bir karaktere ve forma sahiptir. Mobilya formlarında ve dekorasyonunda büyük ölçüde antik motifler izlenebilir. 18. yüzyılın ortalarında, mimarlar yeni mobilya türlerinin geliştirilmesine dahil oldular, Rusya'da mobilya sanatı ve yazarın mobilyaları (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin) ortaya çıktı. 18. yüzyılın ikinci yarısında ilk mobilya atölyeleri ortaya çıktı (G. Gambs ve I. Ott'un atölyesi). Mobilya sanatında bu dönem için "Yakup" tarzı ile karakterizedir. 18. yüzyılın ikinci yarısında mobilya sanatındaki malzemeler değişiyordu: burada maun, yaldızlı ahşap, kavak, Karelya huş ağacı ortaya çıktı; Mobilya imalatında giderek artan bir şekilde tekstil ve nakış kullanılmaktadır.

Dekoratif ve uygulamalı sanatlarda seramik ve fayans özel bir yer tutar. Bu, ilk başta İngiltere ve Hollanda'dan fayans ürünleri ithalatının genişlemesi nedeniyle olur. Ancak kısa süre sonra A. Grebenshchikov'un ilk özel fabrikası Moskova'da ortaya çıktı ve Rus ince fayansı üretti. Daha sonra mat işlemeli tören saray tabakları tarzı oluştu ve bir iç eşya olarak kristal modası yayıldı. Bu, Maltsov'un Mozhaisk bölgesinde ilk özel cam ve kristal fabrikasının açılmasını gerektiriyor.

18. yüzyılda, sanat ve zanaatın artan popülaritesi nedeniyle, iç dekor, çeşitli aynalar ve aydınlatma armatürleri oluşturmak için kullanılan cam tüketimi arttı.

18. yüzyılın ikinci yarısına ait heykel ve resim.

18. yüzyıl resminin gelişmesinde önemli bir rol oynamıştır. yaratma Vladimir Lukich Borovikovsky. Sanatçının resmi olarak Akademi öğrencisi olarak listelenmemiş olmasına rağmen, şüphesiz öğretmenlerinin ve her şeyden önce Levitsky'nin tavsiyelerini kullandı. Genç sanatçının doğal yeteneği ve demir azmi, kısa süre sonra Borovikovsky'nin 18. yüzyılın sonlarının ilk ustalarının saflarına terfi etmesine yol açtı. G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova ve diğerleri de dahil olmak üzere çağdaşlarının bir dizi mükemmel portresini yarattı. Bir kişinin ruhsal deneyimlerine sürekli bir ilgi, vurgulanan lirizm ve tefekkür, bir duygusallık pusuyla körüklenen, dönemin çok karakteristik özelliği, Borovikovsky'nin çalışmalarının çoğunun karakteristiğidir. Sanatçı, sürekli olarak tasvir edilen yüzlerin en ince ruhsal hareketlerini aktarmaya çabalayarak, görüntünün dışsal, yüzeysel özelliklerinin yolunu asla izlemedi.

Çalışmalarına bir oda portresi hakimdir. Borovikovsky, bir kişinin öz değerini ve ahlaki saflığını doğrulamaya çalışır (Lizynka ve Dashinka'nın portresi, E.N. Arsenyeva'nın portresi, vb.). 18.-19. yüzyılların başında, Borovikovsky güçlü, enerjik kişiliklerden etkilendi, tasvir edilenlerin vatandaşlığına, asaletine ve haysiyetine odaklanıyor. Modellerinin görünümü daha ölçülü hale gelir, manzara arka planının yerini iç mekanın görüntüsü alır (A.A. Dolgorukov, M.I. Dolgoruka, vb.'nin portreleri).

Borovikovsky aynı zamanda tanınmış bir portre minyatür ustasıdır. Rus Müzesi koleksiyonu, fırçasına ait eserler içerir - A.A. Menelas, V.V. Kapnist, N.I. Lvova ve diğerlerinin portreleri. Sanatçı, minyatürlerinin temeli olarak genellikle teneke kullandı.

18. yüzyıl Rus portre resmi, eserinde gerçek yüksekliğine ulaşır. D.G. Levitsky . Zaten ilk çalışmalarından birinde - mimar A. Kokorinov'un bir portresi - Levitsky, bir ressam olarak olağanüstü yetenekler gösterdi. Büyük Fransız materyalist filozof D. Diderot'nun 1773'te St. Petersburg'da Levitsky tarafından yapılan portresi ve sanatçı tarafından yaratılan Smolny Enstitüsü öğrencilerinin portreleri dizisi yüksek sanatsal değere sahiptir. Bu kızların görüntüleri samimiyet ve sıcaklıkla işaretlenmiş, her birinin özgünlüğü ustaca aktarılmıştır.

Sonraki yılların portreleri - sanatçının babası Lvova, Bakuninler, Anna Davia ve Levitsky'nin diğer birçok başyapıtı - onun parlak yeteneğinin açık kanıtıdır.

Levitsky, dönemin insanlarının canlı görüntülerini herkes kadar geniş ve eksiksiz bir şekilde yakalayarak, çağdaşlarının portrelerinden oluşan kapsamlı bir galeri yarattı. Levitsky'nin sanatı, 18. yüzyılda Rus portre resminin gelişim tarihini tamamlıyor. Bununla birlikte, çalışmalarının tarihsel olarak belirlenmiş bazı sınırlamalarına da dikkat edilmelidir: Zamanının diğer önemli sanatçıları gibi, Levitsky de gerçekliğin toplumsal çelişkilerini yansıtamadı. Sanatçının tasvir ettiği insanlar, hakim estetik fikirlere uygun olarak, izleyiciye kendilerini "en hoş" ışıkta göstermeye çalışıyormuş gibi her zaman bir şekilde poz verirler. Ancak sanatçı, bazı eserlerinde inanılmaz bir sadelik ve canlılık yakalıyor.

Levitsky'nin mirası çok büyük ve seyircide hâlâ doğrudan bir estetik zevk duygusu uyandırıyor. Eserlerinin profesyonel mükemmelliği ve gerçekçi yönelimi, sanatçıyı tüm Rus sanat tarihinin en onurlu yerlerinden birine yerleştiriyor.

D.G. Levitsky'nin en ünlü eserleri arasında şunlar yer almaktadır: "E.A. Vorontsova'nın Portresi", "Mimar A.F. Kokorinov'un Portresi", "NA Lvov'un Portresi", "M.A. Dyakova'nın Portresi", "Ursula Mniszek'in Portresi", " Agashi'nin kızının Rus kostümlü portresi" vb.

Portre alanında 18. yüzyılın ikinci yarısının Rus sanatçıları da yeni sözlerini söylediler. Bu zamanın birçok portresini belirleyen psikolojik özelliklerin keskinliği dikkat çekicidir - en iyi Rus ustaların fırçası, bir kişinin imajının doğru bir şekilde aktarılmasına doğru giderek daha fazla yönelmektedir. Şu anda sadece soyluların ve "bu dünyanın güçlülerinin" portrelerinin değil, aynı zamanda bir dizi ilerici halk figürünün de portrelerinin yaratılmış olması önemlidir. Bu portrelerde ihtişam ve dış parlaklık unsurları tamamen yok; sanatçılar dikkatlerini bir kişinin içsel içeriğinin aktarılmasına, zihninin gücünün ifşasına, düşüncelerinin ve özlemlerinin asaletine çevirir.

Rus portresinin gelişimi ifadesini buldu. F. Rokotov'un işi.

Fedor Stepanoviç Rokotov- en iyi Rus portre ressamlarından biri. L.-J.'nin rehberliğinde sanat eğitimi almış olmak. Le Lorraine ve Kont Pietro Rotary, ikincisi gibi çalıştılar, ancak doğayı ondan daha fazla araştırdı ve uygulamada gayretliydi. 1762'de yeni kurulan St. Petersburg'a yardımcı olarak kabul edildi. Sanat Akademisi, kendisine sunulan "Venüs" tablosu ve İmparator III.Peter'in portresi için.

Hassas resim becerisi, bu sanatçının portrelerini ayırt eder. Görüntünün samimi maneviyatı, özellikle kadın portrelerinde Rokotov, büyük bir ifade ve güç getiriyor. Sanatçının eserlerinin son derece teknik mükemmelliği - çizimin doğası ve resimsel beceri açısından, onunla yalnızca Levitsky karşılaştırılabilir. Rokotov'un yarattığı portreler, çizimin inceliği ve rengin zarafeti ile ayırt edilir.

Rokotov'un en ünlü eserleri şunlardır: "Pembe elbiseli bilinmeyen bir kadının portresi", "A.I. Vorontsov'un Portresi", "Zırhlı G.G. Orlov'un Portresi", "Catherine II'nin taç giyme portresi", "A.P. Struyskaya'nın Portresi" , "Şair V.I. Maikov'un Portresi", "Surovtseva'nın Portresi", vb.

XVIII yüzyılın ikinci yarısında. Rus resminde gelişmeye başladı ev tipi. Bununla birlikte, tür resmi, Sanat Akademisi liderliği ve toplumun ayrıcalıklı katmanları tarafından aşağılık, sanatçının fırçasına değmeyen bir şey olarak görülüyordu. Buna rağmen E. Pugachev liderliğindeki köylü savaşından sonra hem edebiyatta, tiyatroda ve müzikte hem de 1770-1780'lerin resminde. köylülüğe, onun yaşam biçimine, yaşam biçimine ilgi göstermeye başladı. Genellikle bunlar, gerçek köylü yaşamıyla hiçbir ilgisi olmayan pastoral çobanların ve çoban kızların duygusal görüntüleriydi. Ancak istisnalar vardı.

Rus resminde ilklerden biri olan köylü teması, serf Prens G. A. Potemkin tarafından geliştirildi. Mihail Şibanov . "Köylü Yemeği", "Düğün Anlaşması Bayramı" vb. Resimleri yaptı. Shibanov'un resimlerinde serfliğin kınanması yoktur, ancak bu tuvallerde köylü yaşamının idealleştirilmesi yoktur. Sanatçı, Rus köylüsünün yaşamı ve karakteri hakkında bilgi ve anlayışla ayırt edilir.

Köylü teması, "Köyde Ziyafet" resminin yazarı sanatçı I. M. Tankov'un (1739 - 1799) ve "Köylü Yemeği" suluboyalarını çizen I. A. Ermenev'in (1746 - 1792'den sonra) eserlerine yansıdı. Dilenciler Şarkıcılar" vb.). Sanatçı, Rus sanat tarihinde ilk kez halk yaşamının kasvetli yanını, yoksulluğun sefaletini aktardı.

XVIII yüzyılın ikinci yarısında. Rus heykelinin gerçek gelişimi başlıyor. Yavaş gelişti, ancak Rus Aydınlanma düşüncesi ve Rus klasisizmi, bu dönemde heykele ilgi duymaya yol açan büyük sivil fikirlerin, büyük ölçekli sorunların sanatının gelişmesi için en büyük itici güçtü. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos - her biri kendi içinde en parlak bireysellikti, sanata damgasını vurdu. Ancak hepsi, 1758'den 1777'ye kadar Akademi'de heykel sınıfına başkanlık eden Profesör Nicolas Gillet'ten öğrendikleri ortak yaratıcı ilkeler, ortak vatandaşlık ve vatanseverlik fikirleri ve antik çağın yüksek idealleri tarafından birleştirildi.

Genelleştirilmiş güzellik arayışı, insan karakterinin tam derinliğini, çok yönlülüğünü aktarma arzusunu dışlamaz. Bu çaba, yüzyılın ikinci yarısının anıtsal ve dekoratif heykel ve şövale heykelinde, ama özellikle portre türünde hissedilir.

En yüksek başarıları, her şeyden önce yaratıcılıkla bağlantılıdır. Fedot İvanoviç Şubin (1740-1805), kemik oymacılığının inceliklerini kavrayan bir sanatçı olarak St.Petersburg'a gelen hemşerisi Lomonosov. Shubin'in memleketindeki ilk eseri, A.M. Golitsyn, ustanın tam olgunluğuna zaten tanıklık ediyor. Heykelin ana bakış açısı şüphesiz olmasına rağmen, modelin özelliklerinin tüm çok yönlülüğü dairesel incelemesi sırasında ortaya çıkıyor.

Shubin sadece portre ressamı olarak değil, dekoratör olarak da çalıştı. Chesme Sarayı (Cephanelikte bulunur) için 58 oval mermer tarihi portre, Mermer Saray için heykeller ve yasa koyucu II. Catherine'in bir heykeli olan Peterhof için heykeller yaptı (1789-1790). Hiç şüphe yok ki Shubin, 18. yüzyıl Rus sanat kültüründeki en büyük fenomendir. Fransız heykeltıraş Etienne-Maurice Falconet, Rusya'da Rus ustalarla birlikte çalıştı.Petersburg'daki Senato Meydanı'ndaki Büyük Petro anıtında, Peter'ın kişiliğine ve Rusya'nın kaderindeki tarihsel rolüne ilişkin anlayışını ifade etti.

Fyodor Fyodorovich Shchedrin(1751-1825). Akademi'deki eğitimin aynı aşamalarından geçti ve Shubin ile İtalya ve Fransa'da emekli oldu. 1776'da idam ettiği "Marsyas" çalkantılı bir hareket ve trajik bir dünya görüşü ile doludur. Klasik çağın tüm heykeltıraşları gibi, Shchedrin de antik imgelerden ("Uyuyan Endymion"; "Venüs") etkilenirken, onların dünyasına özellikle şiirsel bir giriş gösterir.

Güncellenmiş açıklama

"Rusya XVIII'nin dekoratif ve uygulamalı sanatı - XIX yüzyılın ilk üçte biri"

35. yıl dönümü kutlamalarının bir parçası olarak, Tüm Rusya Dekoratif, Uygulamalı ve Halk Sanatı Müzesi, "18. yüzyılda Rusya'nın sanatları ve el sanatları - 19. yüzyılın ilk üçte biri" adlı yenilenmiş bir kalıcı sergi açtı.

A.N., "Büyük Peter, Rusya'ya meydan okudu ve ona Puşkin ile cevap verdi" Herzen, bu salonların teşhirinin adandığı dönemin anlamını ve sınırlarını en doğru şekilde tanımlar. Burada sunulan nesneler, modern zamanların Avrupa kültürel geleneğinin bağrında Rus kültürünün oluşumuna ve gelişmesine damgasını vuran canlı kilometre taşlarıdır. Yaşam tarzındaki ve sanatsal yönelimlerdeki değişiklikleri, eskinin dönüşümünü ve yeni konu biçimlerinin, tekniklerin ve hatta dekoratif ve uygulamalı sanat türlerinin ortaya çıkışını tasvir ederler.

Yeni serginin tasarımı, sergilerin tematik, üslup ve tipolojik bloklar halinde birleştirilen benzersiz sanat nesneleri olarak sergilenmesi ilkesine dayanıyor. Bu karar, her öğenin değerini zaman, stil, belirli bir dekoratif ve uygulamalı sanat türünün gelişimi açısından değerlendirmemize olanak tanır ve kendi içinde sanatsal değerine odaklanır.

İnceleme senaryosu, yalnızca içerik (tipoloji, temalar, stil ve kronoloji açısından) açısından değil, aynı zamanda görsel olarak da - Büyük Peter zamanından Biedermeier'e kadar, serginin mekansal çözümü temelinde inşa edilmiştir.

Yeni serginin ana temaları şöyle: “Değişim Çağı: 17.-18. geleneksel sanat biçimleri; Saray sanatının yüksek örnekleriyle Peter'dan Paul'e kadar olan dönemi temsil eden “18. yüzyılın Rus Klasikleri” ve 19. yüzyılın ilk üçte birinde Rus kültürünün iki yönünü gösteren “Rus İmparatorluğu” ve “Odalarda”. yüzyıl - parlak bir emperyal tarz ve Alman Biedermeier fenomeni ile ilişkili bir özel yaşam kültürünün oluşumu. Sergi aynı zamanda işleri her zamanki gibi - sanat türüne, vurgulanan mobilyalara, sanatsal metale, cama, porselene, seramiklere, taş kesme sanatına, kemik ve boncuklara göre - görüntülemenizi sağlar.

17. yüzyıla kadar uzanan Kutsal Haç ve Panagia gibi eşsiz kilise eşyalarına özel dikkat gösterilmelidir. O zamanlar pahalı olan bir teknik kullanılarak yapıldılar - telkari üzerine emaye. En eski sergiler arasında metal teçhizatlı ve dekoratif süslemeli sandıklar, hokkalar, 17. - 18. yüzyılın başlarına ait Ural pirinç tabakları bulunmaktadır. Urallar'daki Demidov fabrikasından pirinç kupalar, sofra düzeni için törensel temsili metal kapların çarpıcı bir örneğidir.

Sofra düzeni öğeleri ve servis öğeleri daha sonra farklı teknikler kullanılarak yapılmıştır. Örneğin, Imperial Glass Factory tarafından üretilen "EML" ve "WGS" monogramları olan iki cam, lacivert bardak, 18. yüzyılın sonları - 19. yüzyılın başlarına ait boyalı öğelerin nadir bir örneğidir. Bardakların üzerindeki Latince şifreler, İsveç'in 1793'teki Rusya elçisi Werner Gottlob von Schwenier - "WGS" - ve annesi Ebbe Maria Lagerbring - "EML" ye aittir. Kupalar, bir aile hazinesi olan Skarhult, Skåne (İsveç) kalesinde iki yüzyıldan fazla bir süre saklandı.

Sergi, 18.-19. yüzyıl Rus saray mobilyalarının benzersiz örneklerini içeriyor, aralarında kakma satranç ve iskambil masaları özellikle ilgi görüyor. 19. yüzyılın ilk yarısına özgü mobilya teşhirleri arasında ender bulunan jacob tarzı iki kaydırak dikkat çekiyor. Osip Ivanovich Bove tarafından tasarlanan iki koltuk da aynı döneme ait. Parisli bronz üreticisi Pierre-Philippe Thomire tarafından yapılan Minin ve Pozharsky şömineli saatler ve Kızıl Meydan'da duran Ivan Martos'un ünlü anıtı, bir iç formatta çoğaltılan ilgi çekicidir.

Sergide özel bir yer, 17. yüzyılın ikinci yarısında - 18. yüzyılın başlarında Flanders'da bilinmeyen bir atölyede yapılan "Balıkçıların Kurtarılması" duvar halısı tarafından işgal edildi. 1999 yılında Halk Sanatları Müzesi koleksiyonuyla VMDPNI'ye girdi. S.T. Morozov. Duvar halısının konusu İncil'den ödünç alınmıştır: kompozisyonun ortasında mucizelerden biri tasvir edilmiştir - "Sularda yürümek". Duvar halısı birkaç aşamada restore edildi - Halk Sanatı Müzesi uzmanları tarafından kısmen restore edildi. S.T. Morozov ve zaten 2014 yılında, Tüm Rusya Dekoratif, Uygulamalı ve Halk Sanatı Müzesi'nin restoratörleri tarafından tam bir restorasyon tamamlandı. Böylece duvar halısı yeni bir hayat bulmuş ve ilk kez fuarda tanıtılacak.

İlgili tematik bölümler, 18. ve 19. yüzyıl sonlarına ait cam ve kristalden yapılmış aydınlatma armatürlerini, porselen ve bronzdan yapılmış iç eşyaları sunar. Her sergi, belirli bir stilin referans örneğidir, zamanının ruhunu yakalar ve sanatsal ve teknik becerilerin olanaklarını sunar.

Serginin böyle bir mekansal çözümü, müzenin gezileri ve özel programları en verimli ve ilginç şekilde düzenlemesine olanak tanır. En ilgi çekici ve önemli sergiler, QR kodların yanı sıra genişletilmiş açıklamalarla sunulacak ve bu sayede ziyaretçiler daha detaylı bilgi alabilecekler. Sergi, modern bir aydınlatma ekipmanı sistemi ile donatılmıştır. Yüksek etkileşim nedeniyle, yeni sergi daha canlı ve ilgi çekici olmayı ve ayrıca ziyaretçilerle, özellikle çocuk ve genç izleyicilerle yaratıcı diyalogu teşvik etmeyi vaat ediyor.

Düğün sandığı. İtalya. 17. yüzyıl

Heykel grubu "Kış". "Dört Mevsim" serisinden. Almanya. meissen

Hizmet öğeleri. Fransa. Sevr. 1780-1784. Yumuşak porselen, boyama. Dondurucu

18.-19. Yüzyıl Fransız Sanatı Salonu

Kabine. Augsburg. XVII yüzyıl. Ahşap, oyma, beyaz metal, yaldız, 196x135x61

Büro silindiri. Rusya. 18. yüzyılın sonu.

Vazo. Rusya. 19. yüzyılın ilk çeyreği. Cam, altın boyama. Yükseklik 35.5

Dondurucu. Rusya. İmparatorluk Porselen Fabrikası. 19. yüzyılın ilk çeyreği. Porselen, boyama. Yükseklik 40

Dekoratif ve uygulamalı sanat koleksiyonları, müzenin açılışında çoğu Sakson olmak üzere 40 parça eski porselen bağışlayan A.P. Bogolyubov'un adıyla da ilişkilendirilir. Çeşitli mutfak eşyaları ve mobilyalar daha sonra toplam 92 öğeye ulaştı. 1897'de Bogolyubov'un ölümünden sonra, iradesine göre mobilya, cam, bronz ve gümüş eşyalar da dahil olmak üzere başka bir grup eşya alındı.

Bogolyubov koleksiyonları, özellikle porselen, devrim sonrası ilk yıllarda, tüm kamulaştırılmış sanat eserlerinin akın ettiği Devlet Müze Fonu'ndan önemli ölçüde yenilendi. 1970 yılında müze, tanınmış bir Saratov göz doktoru olan O. A. Gordeeva'ya miras kalan Rus ve Batı Avrupa porselen örneklerini (300'den fazla parça) aldı.

Bu incelikli ve incelikli sanatın tarihi yüzyıllar öncesine dayanmaktadır. Porselen, Çin'de 7-8. Yüzyılların başında ortaya çıktı. Avrupa'da bunu XIII.Yüzyılda öğrendiler. Ünlü Venedikli gezgin Marco Polo, Doğu'dan birkaç porselen kap getirdi. Avrupa "porselen ateşi" tarafından yakalandı, herkes bu beyaz parlak malzemeden, parlak, solmayan renklerle boyanmış ürünlere sahip olmak istedi. Porselenden yapılan şeyler kırıldığında hala saklanmaya devam ettikleri, çoğu zaman kırıkların değerli metallere yerleştirildiği ve mücevher olarak giyildiği bilgisi korunmuştur. Porselen sadece güzelliği için değil, aynı zamanda daha önce hiç görülmemiş özellikleri için de değerliydi. Sırlı porselen yüzey kimyasal saldırılara maruz kalmamış ve geçirimsiz olmuştur. Porselen hakkında efsaneler vardı. Üretiminin sırrı 18. yüzyılın başına kadar çözülemedi. Ancak bu arada, görünüş olarak Çinli ustaların ürünlerine benzeyen birçok yeni malzeme keşfedildi. Venedik'te sütlü cam, İspanyol-Mağribi seramikleri, İngiltere ve Hollanda'da fayans böyle ortaya çıktı.

Avrupa'da porselen alan ilk kişi, Saksonya'daki Meissen yakınlarında beyaz kil (kaolin) yatakları bulan I.F. Betger oldu. Avrupa'da yüzyıllardır uğruna mücadele edilen porselen üretiminin sırrı keşfedildi. Kısa süre sonra Meissen fabrikasından gelen porselen tüm Avrupa'da tanınır hale geldi. Şimdi ise bu bitkinin ürünleri sanatseverlerin gözdesi.

Müzemizin koleksiyonunda Meissen porselenleri çok iyi ve eksiksiz olarak sunulmaktadır. Buna Bogolyubov tarafından miras bırakılan eşyalar ve O. A. Gordeeva'nın koleksiyonundan porselen eşyalar ve diğer sergiler dahildir.

En ilgi çekici olan, 18. yüzyıla ait Meissen porselenidir. Bu dönem, Avrupa porseleninin gelişiminde klasik dönem olarak kabul edilir. Bu sırada usta, porselenin beyazlığını ve inceliğini vurgulamaya çalışır, malzemeyi doğal özelliklerini dikkate alarak sunar.

İlk Avrupa porselen üretimi olan Meissen'in özel ihtişamı küçük plastiktir. Hanımların, beylerin, alegorik kompozisyonların ve pastorallerin görüntülerinde, Rokoko tarzının niteliklerinden biri özel bir güçle kendini gösterdi - çizginin sürekli pürüzsüz akışının yanılsaması. Johann Joachim Kaendler ve Peter Reinicke'nin isimleri Meissen heykelinin oluşumuyla ilişkilendirilir. Çalışmaları, heykel ve sanat ve zanaat unsurlarını uygun şekilde birleştirdi. Tuhaf konturlar ve rengin güzelliği - modellerine göre yapılan heykelleri karakterize eden şey budur.

Johann Joachim Kaendler'in modellerinden sonra yapılan "Dört Mevsim" serisinden iki alegorik figür - "Kış" ve "Bahar", porselende Rokoko tarzının karakteristik özelliklerini ortaya koyuyor. Mevsimler, bulutların üzerinde oturan eski tanrıların görüntülerinde temsil edilir. Kış, Satürn ve Hebe ile, ilkbahar ise Mars ve Flora ile temsil edilir. Heykel grupları, Meissen fabrikasının 18. yüzyılda ünlü olduğu, parlak renklerle boyanmış ince sıvalı çiçeklerle dekore edilmiştir.

Yüksek sanatsal nitelikler, küçük bir ürün koleksiyonunu Berlin fabrikasından ayırır. Bunlar ağırlıklı olarak sofra takımı ve iç dekorasyon ürünleridir. Bu üretimin ihtişamı olan en narin mor, A. Watteau'nun "koç kupası" motiflerine göre boyanmıştır. Çaydanlıkların, cezvelerin, dekoratif vazoların gövdeleri 18. yüzyılın gözdesi olan pastorallerle çiçek süslemelerle süslenmiştir.

Viyana fabrikasından gelen ürün grubu, Avrupa porseleninde yeni bir tarzın, İmparatorluk tarzının özelliklerinin şekillendiği 18. - 19. yüzyılın başlarında temsil edilmektedir. Artan dekoratifliğe dikkat eden Viyanalı ustalar, resmin kendi versiyonlarını verdiler. Süslemenin zengin bir altın çerçevesindeki plakaların aynasında, çoğunlukla Rönesans ustalarının resimlerinin kopyaları yerleştirildi.

Her ülke porselende kendi yolunu izleyerek, bazen aynı stilde hem özel bir teknoloji hem de özel bir süsleme karakteri geliştirdi. Renkli arka plana sahip Fransız yemekleri tüm Avrupa'da ünlüydü: turkuaz, pembe, mavi, yaldızlı süslemelerle çerçevelenmiş madalyonlarla boyanmış. Bu tür porselenler, Fransa'daki ana porselen üretimi olan Sevres fabrikasında yapıldı.

Prens Yusupov'a ait ayin parçası olan mavi dondurmacı, tepsi ve baharatçı böyle boyanır. Bu hizmet uzun yıllar yapılmış ve en büyük porselen ressamları tarafından dekore edilmiştir. Dondurmacı, Sevres tarafından Catherine II tarafından yaptırılan ve şimdi Hermitage'de saklanan ünlü minyatür hizmeti üzerine tablonun yazarı Vincent Jr. Yusupov servisi "yumuşak porselenden" yapılmıştır. Ve bu malzemenin kendine özgü özellikleri, her zamanki yumuşak konturları ve dalgalı çizgileri ile Rokoko stiline mükemmel bir şekilde karşılık geliyordu. Sevr kütlesinin özellikleri aynı zamanda resmin doğasını da belirledi: hiçbir seramik malzeme, pek çok tonla bu kadar gür derin tonlar vermez.

Rusya'da porselen ilk olarak 18. yüzyılın ortalarında D. I. Vinogradov tarafından St. Petersburg'daki İmparatorluk Porselen Fabrikasında (IPM) elde edildi. Müze koleksiyonunda Rus porseleni çok sayıda özel teşebbüsün ürünleri ile temsil edilmektedir. Müze, kendi benzersiz cazibesine sahip IPM'nin muhteşem örnekleri, Gardner, Popov, Kornilov, Gulin, Safronov fabrikalarıyla gurur duyabilir.

Rus ustaların 19. yüzyılın başlarındaki klasisizm veya İmparatorluk tarzındaki başarıları iyi bilinmektedir. Bu tarzdaki Rus porselenleri, uygulamalı sanatın diğer dallarında olduğu gibi mükemmel örnekler sunar.

İmparatorluk antik çağlardan ilham aldı. Süsleme motiflerinde defne çelenkleri, aslanlar, grifonlar, askeri nitelikler vb. hakimdir. Formlarda kütlelerin sağlamlığı, durağan karakteri ortaya çıkarılmıştır. Bu tarzın yasalarına göre, IPM ustaları tarafından oval şekilli bir kaseyi destekleyen iki klasik figür şeklinde bir masa dekorasyonu vazosu yapılmıştır. Bisküviden (sırsız porselen) yapılmış figürlerin beyaz rengi, mavi bir ton ve kaidenin yaldızı ile tezat oluşturuyor. İmparatorluğun renklerin parlaklığına ve kontrastına olan sevgisi etkiler. Başka bir vazo da heykelsi bir gruptur: Venüs, Aşk Tanrısının üzerine oklarla dolu bir sadak koyar. Bu tür vazolar, büyük törenler veya yıldönümleri için yapılır ve tören masasının ortasına yerleştirilirdi.

Aynı tarzın özellikleri, eski bronzun altında, koyu renkli üç aslan pençesindeki dondurmacıda belirgindir. Rengi, yaldızın ışıltısıyla güzel bir şekilde birleştirildi.

Özel fabrikaların ürünleri daha belirgindir. Priestly, Gardner veya Safronov porselenlerinden bahsedebilirsiniz. Bu fabrikalar, IPM'nin aksine benzersiz öğelerle değil, belirli bir sınıfın yaşamıyla ilişkili sözde sıradan mutfak eşyaları ile temsil edilir. 1830-1850'lerde Popov fabrikasında yaratılan, iddiasız çiçek resimleriyle süslenmiş sözde "taverna" parlak zarif çaydanlıkların sosyal ilişkisini tahmin etmek kolaydır.

Zanaatkarların tabak formlarını ve resim motiflerini çizdikleri kaynak, geleneksel Rus halk sanatıdır. Bu yol, yaklaşan interstyle zamanında en verimli yol olacak, bu zor zamanda Rus özel fabrikalarını eklektizm çağında kaçınılmaz olan "seramik" kaybından büyük ölçüde kurtaracak.Kornilov fabrikasının cezvesinde, boyalı küçük altın yapraklar ve güllerle beyaz bir arka planda, rahip fabrikasının ustaları tarafından yapılan parlak yeşil fincanlarda, asıl şey kaybolmadı: nesnenin biçim ve işlevsel amacının dengesi.

Sovyet porselen koleksiyonu nispeten küçüktür. 1920'lerde devrimci propaganda araçlarından biri olan propaganda çini tarafından temsil edilmektedir.

S. Chekhonin ve N. Altman'ın çizimlerinden sonra boyanmış tabak ve bardaklar, N. Danko'nun heykelleri, A. Shchekatikhina-Pototskaya'nın devrimci sloganları ve genç Sovyet devletinin amblemlerini taşıyan tabakları - Sovyetler Ülkesinin bu ilk porseleni dili konuşuyordu zamanının Moskova'da Kuznetsk köprüsünde ve Petrograd'da Nevsky'de özel vitrinlerde sergilendi. Lomonosov fabrikasının (eski İmparatorluk Porselen Fabrikası) sanatçısı ve tarihçisi E.Ya. anılar

A.N.'de depolanan cam eşyalar Porselenle aynı şekilde geldi: 1897'de A.P.'nin iradesine göre. Bogolyubov, Devlet Müze Fonu aracılığıyla özel koleksiyonlardan.

18. yüzyılın sonları - 19. yüzyılın başlarından küçük ama ilginç bir Rus cam koleksiyonu, 1973'te E.P. Razumova Müzesi'ne bırakıldı.

Devlet ve özel Rus cam fabrikaları, 18. yüzyılın başında Smolensk ve Kaluga yakınlarındaki Moskova ve St. Petersburg'da ortaya çıktı. Züccaciye talebi artıyor. Fabrika sayısı da artıyor. Ünlü Maltsev fabrikası Vladimir yakınlarındaki Gus Nehri üzerinde ve Nikolsky köyündeki Penza yakınlarındaki Bakhmetiev fabrikası görünüyor.

Koleksiyonumuzda yer alan 18. yüzyıl cam endüstrisinin en eski eserleri özel fabrikaların ürünleridir. Her şeyden önce, bu, gösterişsiz bir çiçek süslemeli ve "Bu gemiyi 726'da Gavrilov'un fabrikasında yap ..." yazılı yeşil cam bir şam. Bu, büyük miktarlarda yapılan, onu esirgemeyen ve onunla ilgilenmeyen Rus sıradan yemeklerinin erken bir örneğidir. Kaybolan ve bozulanların yerine yenisini aldılar. Bu nedenle, bu tür çok az yemek korunmuştur. Shtof imzalı olduğu için de ilginç. Üretim tarihini ve yerini gösterir. 1724 yılında Moskova bölgesinde Gavrilov ve Loginov fabrikasının kurulduğu bilinmektedir. Bu üretim hakkında başka bir bilgi yok. Şamımız, az bilinen bir işletmenin ürünlerinin doğası hakkında fikir veriyor.

Rusya'da cam pratikte işaretlenmemişti. İmparatorluk cam fabrikası, ancak 19. yüzyılın 20'li yıllarından itibaren (I. Nicholas döneminden itibaren) ürünlerine damga basmaya başladı. Elbette bir damganın varlığı, bir eşyanın üretim yeri ve zamanını belirlemenin tek yolu değildir. Dikkate değer cam eşya anıtları, hüküm süren kişilerin oymalı armalarıyla veya monogramlarla süslenmiş, genellikle kapaklı uzun, konik kadehlerdir. Benzeller, "rocaille" adı verilen bitki sürgünleri ve buklelerle çerçevelendi. Kadehlerin üstünde, kenarına yakın, oyulmuş ve cilalanmış kemerli "çukurlar" deseni vardır. Ayak rafları, bazen beş parçaya kadar bir rafa asılmış "elma" ile bir korkuluk şeklinde yapılmıştır. Bu ürünlerdeki gravür sığ ve genişti. Bu nitelikler, Rus kupalarını müzede tutulan Bohemya ve Almanya kupalarından ayırıyor.

Açıkçası, özel fabrikalarda çok sayıda renkli bardak, sürahi, şişe yapıldı. Renkli cam Rusya'da çok popülerdi. Batı Avrupa'dan farklı olarak, tabaklar, 18. yüzyılın ortalarında çok sayıda ortaya çıkan düz renkli camdan yapılmıştır. Bu, M. Lomonosov'un başarılı deneylerinden kaynaklanmaktadır.

18. yüzyılın sonunda - 19. yüzyılın başında, çeşitli şekillerde mantarlara sahip yüksek yönlü sürahiler, ince ayaklar üzerinde kaldırılmış bardaklar, parlak kenarlı zarif bardaklar ortaya çıktı - şenlikli masaları ve malzemeleri süsleyen zarif yemekler. Yönlü tabaklar, özel bir parlaklık veren kurşun ilavesiyle renksiz camdan yapılmıştır. Kristal denir ve sözde "elmas yüz" ile kesilir. Bu teknik günümüzde hala cam yapımında kullanılmaktadır.

19. yüzyılın ikinci yarısı, özellikle tarihinde sanat ve zanaata olan ilginin arttığı bir dönemdi. Eski eser koleksiyonu yaygındır. Aynı zamanda antika mobilyalara olan ilginin artması da tesadüf değildir. Koleksiyonerler, 18. yüzyıla ait oymalı yaldızlı mobilyalar, şifonyerler, dolaplar, İtalyan ve Alman düğün sandıkları, 17. yüzyıl Almanya'sından masif meşe ve ceviz dolapları topluyor. Bogolyubov'un koleksiyonunda da benzer eşyalar vardı.

Antika mobilyalara olan hayranlık, antika dükkanlarını sular altında bırakan sahte ürünlere yol açar. Birbiri ardına, Paris, Venedik, St.Petersburg'da, bazen orijinalinden ayırt edilemeyen antika mobilyalar üreten atölyeler oluşturuluyor - ahşap o kadar pürüzsüz bir şekilde parlatılmış ki, yapısal parçalarının oranları o kadar doğru bir şekilde gözlemleniyor.

Müze koleksiyonundaki en eski mobilyalar 16-17. Bunlar, A.P. Bogolyubov tarafından bir araya getirilen Almanya, Fransa, İtalya, Hollanda'dan mobilyalardır. Elbette o dönemin mobilya koleksiyonumuz, mevcut iç mekan hakkında konuşmaya zemin vermiyor, ancak farklı ülkelerden mobilya sanatının ulusal özelliklerini oldukça geniş bir kronolojik çerçeve içinde sunmamızı sağlıyor.

Mobilya kısa ömürlüdür, üretimi için malzeme çeşitli etkilere kolayca maruz kalan ahşaptır. Birçoğu hem doğal afetlerden hem de savaşların bir sonucu olarak ve modanın etkisiyle ilgili nedenlerle öldü. Mobilya metadır. Bu, zamanla yıprandığı ve yenisiyle değiştirilmesi gerektiği anlamına gelir. Sıradan insanların evlerinden küçük mobilyalar korunmuştur. Yine de bazı Avrupa ülkelerinde mobilya sanatının tarihindeki ana aşamalar koleksiyonumuzdaki objelerde de izlenebilmektedir.

16. yüzyılın İtalya'sında masif ahşaptan oyulmuş sırtlı bir sandalye, bir düğün sandığı, bir dizi Venedik işi, bir sunak yapıldı. Bu mobilyanın üretimi için, ustanın büyük bir sanatsal etki elde etmesini sağlayan, İtalya'ya özgü bir malzeme olan kahverengi ceviz kullanılmıştır. Oyma motifleri antik sanat mirasından alınmıştır. Belli ki Floransa işi olan düğün sandığında, 16. yüzyıl ile 17. yüzyılın başlarındaki İtalyan mobilya üreticilerini ayıran ender biçim ve süsleme birliği insanı şaşırtıyor.

Bu dönemin mobilyaları, inşa mantığında mimari yapılara benzemektedir. Sunak, sarmaşıklarla iç içe geçmiş sütunlara sahip bir portal şeklinde, Tanrı'nın Annesi figürü için bir niş içinde bir podyum şeklinde yapılmıştır - bu mimari unsurlar, 16-17. Yüzyıl mobilyalarının son derece karakteristik özelliğidir. Bu, özellikle güney Almanya'da yapılan dolap mobilyalarında hissedilir. Dolap, her kat katı bir kornişle ayrılmış iki katlı bir binaya dönüşüyor. Katmanlar sütun veya pilasterlerle dekore edilmiştir. Kanatlı kapılar, arşitravlar veya alınlıklarla kaplı portallara veya pencerelere benzer. Tüm bu mimari detaylar tutkalla güçlendirilmiş ve aslında iki sandıktan oluşan bir dolap tasarımını gizleyen bir dekorasyon. Yan cephelerinde bulunan katlanır sandık kulpları ile bu izlenim pekiştirilmiştir. Gardırop böyle tasarlanır, bir bul ile süslenir (bir ağaçta bir büyüme, zengin, güzel bir doku veren ahşap bir kusur). Dolaplara mutlaka raflar verildi ve içlerinde katlanmış giysiler saklandı. Ayrıca çeşitli eşyaları saklamaya da hizmet edebilirler.

Curule adı verilen katlanır sandalye biçimi, 16.-17. yüzyıllarda Almanya için de geleneksel sayılabilir. Eskiler için bir güç simgesiydi. Ancak böyle bir koltukta oturmak, yargılama ve misilleme yapmak mümkündü. Böyle bir sandalye genellikle konsolosların, üst düzey askeri liderlerin, diktatörlerin arkasına takılırdı. Birkaç dar tahtadan yapılmış düzgün kavisli bacak askıları, güç için çapraz çubuklarla çaprazlanır ve bağlanır ve bir ara parça olarak sandalyenin üst kısmına yerleştirilmiş çıkarılabilir bir tahta sırtlığı oluşturur.

16. yüzyıldan beri, Almanya'da 17. yüzyılda bu ülkenin mobilya sanatında yaygınlaşan tuhaf bir sandalye biçimi ortaya çıktı - sözde köylü sandalyesi. Müzemizde ayrıca aynı süslemenin farklı varyantlarına sahip bir dizi benzer ürün bulunmaktadır. Böyle bir sandalyenin prototipi ilk başta sadece bir ağaç kütüğüydü, dalları temizlendi ve üç ayak üzerinde stabilite için güçlendirildi. Ve konforlu kentsel konutlar için, yüksek işçilik örnekleri olan dört ayaklı sandalyeler yapıldı. Sadece sırt görevi gören bir tahta ile dekore edilmiştir. Sadece ceviz değil, meşe ve çam da olabilir. Öğenin nerede yapıldığına bağlıdır. Oymada, kural olarak, ustanın hayal gücüyle genellikle muhteşem bir desene dönüşen grotesk bir süslemenin motifleri kullanılır.

17. yüzyıl mobilya sanatına pek çok yeni şey getiriyor. Bu, öncelikle üçüncü sınıfın konumunda bir değişikliğe yol açan Avrupa'daki sosyal dönüşümlerden kaynaklanmaktadır. İktidara geldikten sonra, aile ocağının alçakgönüllülüğünü, sadeliğini ve kutsallığını geliştirir. Hollanda mobilyaları büyük talep görüyor, tüm ülkelere ihraç ediliyor. Diğer uçta ise, sanatında muhteşem, ciddi bir üslubun zafer kazandığı Fransa var.

Mobilya koleksiyonumuzda, 17. yüzyıl saray tören mobilyalarına özgü tek bir parça bulunmaktadır. Bu sözde dolap - birçok çekmeceli, bölmeli, sürgülü tahtalı bir dolap. Augsburg şehrinin ustaları tarafından yapılmış, cephede hayvanları tasvir eden metal plakalar, bükülmüş yaldızlı sütunlar ile süslenmiştir. Tahta değerli ahşaptan yapılmıştır.

Bu tür dolaplar 16. yüzyılda ortaya çıktı. Anavatanları İspanya'dır. İlk dolaplar, alt çerçevedeki tabutlardı. 17. yüzyılda bunlar, ofis adı verilen odanın dekorasyonunun bir parçası haline gelen büyük dolaplardı. Madalyalar, mektuplar, mücevherler dolaplarda tutuldu.

18.-19. yüzyıl eserlerini içeren Rus mobilya koleksiyonunun çoğu ya küçük özel atölyelerde ya da soylu mülklerin mobilya üreticileri tarafından yapılmıştır. Ustalar, çeşitli sanatsal zevkleri, biriktirdikleri tüm bilgi ve becerileri, ahşap işleme yöntemlerini, süsleme ve süslemeyi eserlerine taşıdılar. Öncelikle halk sanatından büyük ölçüde etkilenen o zamanın ev mobilyası biçimlerine yansıdılar. Bu sadece formlarda ve dekorda değil, ahşabın seçiminde ve işlenmesinde de kendini gösterdi. 18. yüzyılın sonunda Karelya huş ağacı ve kavak en sevilen malzeme haline geldi. Sadece Rusya'da geçerlidirler.

Mobilya sanatındaki her ülke, Rönesans'taki İtalya gibi bir stilin atasıydı ya da İngiltere'deki T. Chippendale veya Fransa'daki J. Jacob gibi ünlü bir mobilya üreticisinin doğum yeriydi.

Rus mobilyaları, esas olarak 19. yüzyılın ilk üçte birinin asil iç dekorasyon öğeleriyle temsil edilmektedir. Rus sanat ve el sanatları ve özellikle mobilya tarihinin en parlak dönemlerinden biriydi. 19. yüzyılın ilk on yıllarının sanatına, Fransa'da ortaya çıkan ve tüm Avrupa'nın malı haline gelen İmparatorluk tarzı hakimdir. Rusya, yüce ve ilerici fikirlerin sözcüsü haline geldiği bu tarzın kendi özel, orijinal versiyonunu veriyor. İmparatorluk tarzının dekoratif özelliği, anıtsallık arzusu ve mobilyada biçimlerin genelleştirilmesi, malzeme seçimini ve biçim ve dekorla etkileşiminin doğasını belirledi. Rus mobilya üreticilerinin ana malzemesi, ahşabın güzel dokusu için sevdikleri maun ve Karelya huş ağacı olacak.

Müzemizde saklanan mobilyalar esas olarak serf ustalarının ellerinde yapılmıştır ve Rus soylularının yaşamına geniş ölçüde dahil olan İmparatorluk tarzının bu versiyonunu temsil etmektedir. Saray mobilyalarından daha sadedir. Bu mobilyalar, Büyük Ekim Sosyalist Devrimi'nden sonra çevredeki mülklerden, şehir evlerinden müzeye geldi ve sadece sanatsal değil, aynı zamanda tarihi değere de sahip.

Özellikle çeşitli oturma mobilyaları. Yaldızlı lirlerle süslenmiş, sırtları açık oymalı iki ikiz koltuk, 19. yüzyılın ilk çeyreği Rus ev mobilyalarına bir örnektir. Siyah gözlü altın renkli Karelya huş ağacı ile kaplanmış, neredeyse süslemesiz formlar var.

Şu anda, soylu malikanenin iç kısmında, sözde kanepe odası olarak adlandırılan başka bir oda ortaya çıktı ve vazgeçilmez aksesuarı kanepedir. Genellikle bu kanepeler yumuşak, dikdörtgen şeklindedir, sırtların üst kısımları ve dirsekler, o yıllarda yaygın olan Karelya huş ağacı veya maun ile kaplanmıştır. İç mekanda kanepe, koltuklar ve kanepenin önünde bir masa ile birleştirilmiştir. Bu tür varyasyonlar, açıklamamızda da bulunur ve İmparatorluk döneminde zaten yerleşik olan iç mekana tanıklık eder. Bu mobilya öndekinden farklıdır: bronz yerine daha az yaldız vardır, gesso kullanıldıktan sonra yaldızlı ahşap, Rus ustaları tarafından çok sevilen geleneksel ağaç işleme yöntemlerinden biri korunur - oyma.

Müzenin koleksiyon faaliyeti devam etmektedir. Son yıllarda, sanat ve zanaat koleksiyonları, en iyileri sergide kendilerine yer bulan ilginç sergilerle dolduruldu.

Yüzyıl ortalarının üslubu sanat ve zanaatları da etkiler. Elizaveta Petrovna'nın "Kendi" hizmeti gibi porselen ürünler ve diğer malzemeler, eğrisel şekiller ve ayrıca bir kabuğa yükselen sulu alçı süsleme ve esnek bitki sürgünleri ile karakterize edilir. Nesnelerin tuhaf silueti, iç mekanın şenlikli resmini tamamlayan parlak renkler, bol miktarda yaldız ve ayna yüzeylerin parlaklığı ile organik olarak birleştirilir.

18. yüzyılın ilk yarısının resmi

Petrine döneminden bu yana resim muazzam değişikliklere uğradı. Semantik ve kompozisyon özellikleriyle şövale resim sanatı şekilleniyor. Ters perspektifin yerini alan derinliğinin doğrudan ve ilgili aktarımı alıyor. En önemli özelliği figürün anatomik doğruluk ilkelerine uygun görüntüsüdür. Hacmi taşımanın yeni yolları ortaya çıkıyor. En önemli kalite, şartlı olarak sembolik kontur çizgisini değiştiren ışık gölgesidir. Spesifik teknikleri ve renk ilişkileri sistemi ile yağlı boya tekniği, hemen olmasa da kesin olarak sanatsal kullanıma dahil edilmiştir. Doku hissini geliştirir. Sanatçı, yumuşak kadife, sert ermin kürk, ağır altın brokar ve ince dantelin kendine has özelliklerini aktarma becerisi kazanır. Arsa resminde, figürlerin birbirine bağlanmasının yeni ilkeleri izlenebilir. Çıplak bir vücudun tasviri yeni ve en zor bir iştir. Resmin yapısı daha dallı hale gelir. 18. yüzyılın başından beri laik sanat, çeşitli türlerde şövale çalışmaları, panel ve plafond şeklinde anıtsal resim ve minyatür yazı geliştiriyor. Portre, bilinen tüm çeşitleri içerir - tören, oda, olağan ve kostüm versiyonunda, çift ve çift. Sanatçılar alegorik ve mitolojik konularda ustalaşırlar. Bu özelliklerin varlığı ilk başta uzlaşmacı bir biçimde görünse de yeni bir resim türünün ortaya çıkışından söz etmemizi sağlar.

Bir portre oluşturmaya yönelik ilk adımlar, Cephaneliğin resim atölyesinin faaliyetleriyle ilişkilidir. Rus ve yabancı ustaların yaptığı eserler doğası gereği parsunaya yönelir. Tüm tipolojik değişkenler arasında parsuna, törensel portreyi tercih eder ve bu kapasitede birkaç çeşitte bulunur. Bunlar arasında “portre tezi” en arkaik olanıdır. Portre resimlerini ve çok sayıda açıklayıcı yazıyı geleneksel simge alanında birleştirir. "Portre apotheosis" hakkında da konuşabilirsiniz. Bunlar, Peter I'in silahlarının başarılarını simgeleyen portreler-resimlerdir. Peter, Menshikov, Sheremetev'in tam büyüme ve at sırtında sıradan portreleri de yaygındır.

Mekân her yerde çok basmakalıp bir şekilde ele alınır ve nesnelerin genel düzenlemesi daha çok gerçek uzamsal ilişkilerin sembolik bir tanımı olarak hizmet eder. İç ve dış mekan sorunu, anlam ve ölçek açısından aynı koşullu şekilde çözülür. Parsuna, 17. yüzyılın ikon resmine özgü renk zenginliğinden biraz sapıyor. Ancak kaftanlardaki süslemelerin ve çeşitli detayların titiz bir şekilde aktarılması tuvallere dekoratif bir ses kazandırmıştır.

Usta, vurgulu bir şekilde dışbükey boyalı yüzleri ve düzlemsel desenli cüppeleri birleştiren yeni hacim aktarımı ilkelerine hâlâ tam olarak hakim değil. Tuvallerin büyük boyutları, heybetli ruhları, mobilyaların zenginliği ve sergilenen mücevherler, tasvir edilenin sosyal önemini göstermeyi amaçlamaktadır. İmge özerktir, kendine odaklıdır ve diğerlerine karşı kayıtsızdır. Henüz bireyi aktaracak olgunluğa erişmemiş olan resim, bu karakterin doğasında var olan özellikleri kendince fark etmeye çalışır. Bununla birlikte, genel ve birey henüz organik bir birlik içinde birleştirilmemiştir ve belirli özellikler, birleştirilmiş tipleştirme maskesinin altında zar zor görünür.

Nispeten kısa bir süre için, esas olarak 80'lerde ve özellikle 17. yüzyılın 90'larında var olan parsuna çizgisi, daha sonra, fiilen onun yerini alan yabancıların ve emekli sanatçıların çok güçlü bir eser akışıyla çarpışır. Aynı zamanda, Rus portresinin genel gelişim sürecinde tesadüfi bir olay olduğu da düşünülmemelidir. Ana konumlardan geri itilen parsuna varlığını sürdürdü. Ek olarak, özellikleri, bir dizi ileri düzey sanatçının çalışmasında, ortaçağ yazısından yeni bir stile tamamlanmamış bir geçişin kanıtı olarak ortaya çıktı. Bu haliyle I. Nikitin, I. Vishnyakov ve A. Antropov'un eserlerinde bulunabilir.

18. yüzyılın ikinci yarısında, özellikle ikon resminden başlayarak kural olarak yeni sanata bağımsız olarak gelen serf veya taşralı sanatçıların eserlerinde papazlığın izlerine de rastlanır. Sanatsal bir fenomen olarak ayrıştırmanın sadece Rus okulunda değil, Ukrayna ve Polonya'da da var olduğunu belirtelim. Aynı zamanda Bulgaristan'da, Yugoslavya'da ve hatta Orta Doğu ülkelerinde, yani benzer bir tarihsel durumda resmin yeni zamanın sanatı ve laik sanatla temelde benzer bir aşinalık yaşadığı yerlerde de bulunur.

Sergi, 18. ve 19. yüzyılların tarihi ve mimari kompleksinin Güney binasının ikinci katında yer almaktadır. "At Bahçesi". Müze ziyaretçilerini, Rusya'daki geleneksel el sanatlarını ve üretimlerini temsil eden geniş bir sergi yelpazesiyle tanıştırıyor. Bunlar, dünyaca ünlü ahşap ve kemik işleme merkezlerinin, kartonpiyer ve metal üzerine lake boyamanın, kil oyuncakların önde gelen el sanatlarının yanı sıra Rus ustaların yaptığı baskılı ve altın işlemeli eşarplar, züccaciye, porselen, fayans işleridir.

Bu merkezler Moskova, Vladimir, Vologda, İvanovo, Nijniy Novgorod ve diğer bölgelerde yoğunlaşmıştır. Koleksiyonun başlangıcı, 1920'lerde, Trinity-Sergius Lavra'nın millileştirilmiş hazineleri arasında yer alan halk ustalarının birkaç eserinin Yerel Bölge Müzesi ve Optina Pustyn Müzesi'nden sergilerle desteklenmesiyle atıldı. 1941'de Halk Sanatları El Sanatları Müzesi'nin (MNHR) kapsamlı bir koleksiyonu Sergiev Posad (o zamanlar Zagorsk) Müzesi'ne devredildi. MNHR altında oluşturulan atölyelerde çeşitli sanat merkezlerinin ustaları tarafından yapılan bir dizi benzersiz halk el sanatları ve deneysel nitelikteki çalışmaları içeren yaklaşık kırk bin sergiye sahipti. 1950'lerden itibaren müze, kasıtlı olarak, sistematik olarak Rus geleneksel sanat ve zanaat koleksiyonunu edinmeye başladı ve bu çalışma, faaliyetinin öncelikli alanlarından biri haline geldi.

Sergiev Posad bölgesinin halk ustaları ve sanatçılarının eserlerine sergi salonlarında önemli bir yer verilmektedir. Oyuncaklar şehre özel bir ün kazandırdı. Ahşaptan yapılmışlardı - oyma, tornalama, marangozluk; kartonpiyer ve sakızdan - hareket ve sesle. Müze, 19. yüzyılın ikinci yarısında - 20. yüzyılın başlarında popüler olan üç yüzlü takozlardan ve boyalı oyuncak bebeklerden - bayanlar, süvariler, hemşireler, ünlü yuva yapan bebeklerden oyulmuş sergiler. Trinity-Sergius Lavra da dahil olmak üzere dizgi yapan mimari oyuncaklar.

Sergiev Posad köyünde oyuncak üretimi, oyuncak endüstrisi ile ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır. Bogorodskoye. Bogorodsk oyma plastiklerinin müze koleksiyonu oyuncaklar, heykeller, heykel kompozisyonları içerir ve yaklaşık dört bin sergiye sahiptir. 19. yüzyılın eserleri büyük ilgi görüyor: "At sırtında General Skobelev" - P.F. Bardenkova, "Ayılı bir rehber" - D.I. Puchkov; yirminci yüzyılın 30'larında yapılmış, Rus halk masalları ve yeni Sovyet gerçekliği temaları üzerine eğlenceli çok figürlü kompozisyonlar. (A.F. Balaev, N.E. Eroshkin, V.T. Polinov, A.G. Shishkin'in eserleri).

Müze, 19. yüzyılın sonlarından 19. yüzyılın başlarına kadar geniş bir eser koleksiyonuna sahiptir. 20. yüzyıl Sergiev Posad ve Abramtsev'de eğitici oyuncak ve sanat-marangozluk atölyeleri. Bunlar, ünlü sanatçılar S.V. Malyutin, E.D. Polenova, Ap. M. Vasnetsov, N.D. Bartram, VI. Sokolov ve diğerleri. E.D. liderliğindeki Abramtsevo atölyesinin çalışması. Polenov, karakteristik düz kabartma bitki deseni ile Abramtsevo-Kudrin ahşap oyma sanatının oluşumu ve gelişimi üzerinde doğrudan bir etkiye sahipti. Zanaatın kurucularından biri V.P. Vornoskov. Müze, 20. yüzyılın başlarından kalma dekoratif yemekler, 1937 tarihli Sınır Muhafız portalı da dahil olmak üzere ustanın çeşitli eserlerine ev sahipliği yapıyor.

Ağaç işçiliğinin yanı sıra çömlekçilik Rusya'da yaygındı, genellikle tabakların yanına oyuncaklar oyuluyordu. Bu sanatın kökleri, büyülü ayinlere katılan kilden yapılmış küçük figürlerin bir tür kült nesnesi rolünü oynadığı putperestliğe dayanır. Müze, Kargopol (Arkhangelsk bölgesi), Filimonovo (Tula bölgesi), Abashevskaya (Penza bölgesi), Skopinskaya (Ryazan bölgesi) oyuncaklarından oyuncak koleksiyonları sunuyor. 19. yüzyılın sonları - 20. yüzyılın başlarındaki Dymkovo oyuncağı (Kirov bölgesi) büyük ilgi görüyor. Bunlar, yazarı bilinmeyen ve A.A. Mezrina: hemşireler, baylar, dans eden çiftler vb. Dymkovo koleksiyonunun değerli bir parçası 1930'ların eseridir. 20. yüzyılın ikinci yarısının eserleri arasında. E.I. başkanlığındaki bir grup Dymkovo zanaatkâr kadın tarafından yapılan çok figürlü “Düğün” kompozisyonu. Koss-Denshina.

Ahşap, Rusya'daki en popüler malzemelerden biriydi ve sanatsal işlemesi için el sanatları farklı bölgelerde mevcuttu. Sergiev Posad ile birlikte müze, Nijniy Novgorod bölgesinin el sanatlarını - Khokhloma ve Gorodets - tam olarak sunuyor. Parlak çiçek desenli ve değerli altın kapları anımsatan hafif ahşap Khokhloma kaseleri, bratinas, solonitsa, 19. yüzyılda zaten yaygın olarak biliniyordu. Üretimleri geleneksel olarak Nizhny Novgorod bölgesinin modern Koverninsky bölgesinin topraklarında bulunan bir dizi köy ve köyün köylüleri tarafından gerçekleştirildi. Müze koleksiyonunun sergileri arasında 19. yüzyıla ait köylü yemeklerinden örnekler yer alıyor. ve 1930'ların beyaz ve gümüş zemin üzerine boyanmış mobilyaları, Khokhloma için alışılmadık bir durum.

Gorodetsky zanaatı, 18. yüzyılın sonunda, büyük ticaret köyü Gorodets'ten çok uzak olmayan bir dizi küçük köyün köylülerinin satılık çıkrıklar için bir dip yapmaya başlamasıyla şekillenmeye başladı. Kadınlar, çalışma sırasında üzerlerine oturdular, yüksek bir tarağı keten veya yünlü bir kıtıkla özel bir deliğe bağladılar. Yine de altını güzelleştirmeye çalıştılar: hostesin gururuydu, değer verildi ve değer verildi ve işten sonra evin dekorasyonu olarak duvara yerleştirildi. Donetlerin dekorasyonunda, Rus halk sanatında çok nadir görülen koyu renkli bataklık meşesi kakma tekniği kullandılar. 1870'lerde, yemyeşil "rosanlar", atlılar, çay içme sahneleri ve şenlikleri tasvir eden hızlı ressam vuruşlarıyla kakmalı oymadan resme geçtiler. 1920'lerde bağışlara olan ihtiyaç ortadan kalktı ve Gorodets ustaları resim becerilerini diğer eşyaları süslemek için yaygın olarak kullanmaya başladılar: kutular, tabutlar, dekoratif paneller, oyuncaklar.

Müzenin Gorodets koleksiyonu, 18. yüzyılın sonundan 20. yüzyılın sonuna kadar bu merkezin gelişimindeki ana aşamaların izini sürmemize izin vermekle kalmıyor, aynı zamanda neredeyse tüm ustaların çalışmaları hakkında fikir veriyor. tarihinde gözle görülür bir iz bırakan. Koleksiyon, Gorodets sanatının "klasik" örnekleri olarak kabul edilen çalışmaları içerir: Donets A.V. ve L.V. Melnikovs, G.L. Polyakov, V.K. Smirnov, panel I.K. Mazin, I.K. Lebedev ve D.I. Krukov ve diğerleri.
Rus sanatsal vernikleri dünyaca ünlüdür. Müze koleksiyonu, geçmişlerini yansıtmanıza olanak tanır ve sizi tüm önemli lake boyama merkezleriyle tanıştırır. Müze, Nizhny Tagil ve Zhostovo'dan (Moskova bölgesi) boyalı metal tepsiler, 19. - 20. yüzyıllara ait kartonpiyerden yapılmış "lake" ürünleri sergiliyor. ile Moskova yakınlarında. Fedoskino'nun yanı sıra Ivanovo ve Vladimir bölgelerinin merkezleri: Lake minyatür sanatının yalnızca Sovyet döneminde geliştirildiği ve yerleşik ikon resmi geleneklerine dayandığı Palekh, Kholuy ve Mstera. 1830'lardan beri O.F.'nin atölyesinde. Zhostovo köyünde bulunan Vishnyakova, kartonpiyer ürünleri ile birlikte metal tepsiler üretmeye başladı. Yavaş yavaş, balıkçılık bağımsız bir önem kazandı. Tepsi süslemelerinde sulu resim vuruşlarıyla boyanmış çiçek aranjmanları tercih edilmeye başlandı.

1920-1930 yılları arasındaki Palekh lake minyatür koleksiyonu, çok yüksek sanatsal düzeyde eserler içeren özellikle değerlidir. Bunların arasında 1924'te kurulan "Palekh antik resim arteli"nin bir parçası olan sanatçıların eserleri var: A.V. Kotukhina, I.V. Markicheva, I.M. Bakanova, I.P. Vakurova, I.I. Zubkov ve diğerleri, Palekh I.I. Golikov.

Moskova yakınlarındaki merkezlerin (Fedoskino köyü ve Zhostovo köyü) tarihi, tüccar P.I. Korobov, köyde kartonpiyer lake eşya üretimi için bir işletme kurdu. Köyün yakınında bulunan Danilkove. Fedoskino. Sektör kısa sürede tüm bölgeye yayıldı. Müze koleksiyonu, Moskova bölgesinin Troitskaya volostunda bulunan Ostashkovo, Zhostovo, Sorokino ve diğer köylerdeki Lukutin fabrikasının (P.I. Korobov'un halefleri) ve küçük köylü işletmelerinin çalışmalarını sunuyor. Koleksiyondaki en eski parçalar 19. yüzyılın ortalarına kadar uzanıyor. Bu atölyelerin ürünleri stilistik olarak homojendir: kutular, tabutlar, sigara tabakaları, cüzdanlar, kartonpiyer enfiye kutuları, belirgin bir ulusal tema ile gerçekçi bir şekilde yorumlanmış pitoresk minyatürlerle dekore edilmiştir. "Troyka", "çay partileri", köylü yaşamından sahnelerin geleneksel tasvirleri, kural olarak, şövale resimlerinin ve Rus sanatçıların grafik çalışmalarının ücretsiz kopyalarıdır.
Sergide öne çıkan bir yer Rus eşarp ve şal koleksiyonuna veriliyor. Bunlar, Tver ve Nizhny Novgorod zanaatkârlarının "altın" ipliklerle işlenmiş şalları ve diğer ürünleri ile 19. ve 20. yüzyılın başlarında Moskova ve Moskova Bölgesi'nin önde gelen işletmelerinin zarif doldurulmuş şallarıdır. Rusya'daki en büyük ve şu anda tek yün baskılı eşarp ve şal üreticisi, Moskova yakınlarındaki Pavlovsky Posad'dır ve burada üretimleri 1860'ların başında Ya.I. Labzin ve V.I. Gryaznov. Şal üretimi neredeyse tamamen elle yapılıyordu. Oyma ahşap levhalar, “çiçek” ve “görgü” kullanılarak kumaşa desenler uygulandı. Pavlov şallarının ve Zhostovo tepsilerinin çizimlerinin favori motifi çiçek resimleriydi. Müzenin sergileri arasında farklı zamanlara ait Pavlovsky Posad şalları bulunmaktadır. Bunlar 19. yüzyılın efsanevi ressamının eşarpları. S.V. Postigov "At Nalı" ve "Ayarlanabilir" ve çağdaşlarımızın eserleri E.P. Regunova, K.S. Zinovieva, I.P. Dadonova ve diğerleri.

Sanatsal el sanatları, Rusya'nın ulusal kültürünün önemli bir parçasıdır. Müzede sunulan eserler, Rus ustaların büyük yeteneklerine, ince sanatsal zevklerine ve yeteneklerinin özgünlüğüne tanıklık ediyor.

Rus ustaları için dekoratif nitelikleri ve teknik yetenekleri açısından çok çekici ve çeşitli bir malzeme kemiktir. Zaten XVII yüzyılda. Arkhangelsk eyaleti, Kholmogory yerleşim bölgesinde kemik oyma sanatı gelenekleri gelişmeye başladı. Kholmogory ustaları, tarsus (ortak hayvan kemiği) ile birlikte, ürünleri özellikle değerli olan bir mors kemiğini, daha az sıklıkla bir mamut kullandılar. En popüler ürünler, en güzel çiçek desenleriyle süslenmiş taraklar, kutular, tabutlar ve tabutlar, açık oyma ve oyma ile yapılmış hayvan ve kuş resimleriydi. XIX'in ikinci yarısında - XX yüzyılın başlarında. Ivan Ilyin (keşiş Jonah) tarafından yapılan sergide sunulan 1869 tarihli “Trinity” imza ikonunun ve Radonezh Sergius'u tasvir eden küçük bir fildişi ikonun kanıtladığı gibi, Trinity-Sergius Manastırı ve Sergiyev Posad'da kemik oymacılığı yapıldı. , yerel ustanın işi I .WITH. Kruşçev.

Burada gelişen minyatür kemik ve ahşap oymacılığı gelenekleri, Sergiev Posad'dan çok uzak olmayan Khotkovo şehrinde geçen yüzyılın 40'lı yıllarının ikinci yarısında kemik oymacılığı oluşumunu etkiledi. Bu merkezin özgünlüğü, çeşitli kemik işleme tekniklerinin kullanılması, kemiğin ahşabın kombinasyonu ve tarsusun yaygın olarak kullanılmasıyla kendini gösterdi. Bu özellikler özellikle 1950'lerin eserlerinde, özellikle V.E.'nin kutusunda canlı bir şekilde somutlaştırıldı. Loginov "Michurin", kemik ekleri orijinal çok yönlü kabartma tekniğinde ustaca uygulandı. Müze sergisi ayrıca Rusya'nın doğusunda gelişen geleneksel sanatsal kemik işleme zanaatlarının eserlerini tanıma fırsatı sunuyor: Tyumen (Tobolsk), Yakutya, Çukotka. Her birinin kimliği, yerel nüfusun etnik ve sanatsal geleneklerine dayanmaktadır.

Müzenin var olduğu yıllar boyunca, en zengin Rus cam ve porselen koleksiyonu toplanmıştır. Bu tür uygulamalı sanatlar, 18.-19. yüzyıllarda Rusya'da hızla gelişti. Müzenin salonlarında, o zamanın fabrikalarının amaç, biçim, uygulama tekniği ve üslup bakımından çeşitli ürünlerini görebilirsiniz: St. imparatorluk porselen ve cam fabrikaları. oyulmuş cam gibi Rus cam ve seramik örnekleri 18. yüzyılın kadehleri. veya tüccar A.K. tarafından 1724 yılında Moskova'da açılan Rusya'nın ilk seramik fabrikalarından birinde yapılan majolika ürünleri. Grebenshchikov. Müze, çeşitli tür heykelleri ve XIX. Yüzyılda "Rusya Halkları" dizisi de dahil olmak üzere harika bir porselen heykel koleksiyonuna sahiptir. Moskova Gardner ve Kuznetsov yakınlarındaki fabrikalarda defalarca yenilendi.
Sovyet ve Sovyet sonrası dönemin cam ve porselen koleksiyonu, esas olarak Rusya'nın en büyük fabrikalarının önde gelen ustaları ve sanatçıları tarafından yapılan 1960-1980 yılları arasındaki eserlerle temsil edilmektedir. Yerli porselen tarihinde, M.V.'nin adını taşıyan Leningrad Porselen Fabrikası. Lomonosov (eski İmparatorluk) ve Moskova yakınlarındaki iki fabrika: Dmitrov Porselen Fabrikası (eski Gardner) ve Pravda gazetesinin (eski Kuznetsovsky) adını taşıyan Dulevo Porselen Fabrikası. Bu işletmeler, kendilerine has tarzları, yüksek malzeme çalışma kültürleri ve zengin gelenekleri ile birbirinden farklı ve canlı iki okuldur. İki porselen okulu arasındaki fark, Rus kültürünün farklı tarihsel katmanlarını miras almış olmalarıdır: Moskova'ya halk geleneği rehberlik ediyordu, Leningrad'a 18-19. tüm Avrupa gelişimi ile.

Müze koleksiyonunda, hassas bir sanatsal zevk ve klasik bir orantı duygusu ile ayırt edilen St. Petersburg (Leningrad) sanatçılarının rafine ve ciddi eserleri var: A.V. Vorobyevsky, A.A. Yatskevich, V.M. Gorodetsky, N.P. Slavina, I.S. olevsky; Moskova bölgesi sanatçılarının halkın güzellik anlayışı, parlak, yaşamı onaylayan eserleri ile biçim ve resim açısından uyumlu: P.V. Leonova. VC. Yasnetsova, N.N. Ropova ve diğerleri Sergide ayrıca 20. yüzyılın ikinci yarısının cam ve kristal koleksiyonuyla da tanışabilirsiniz. Sofra formları, dekoratif vazolar ve takımlar, üç boyutlu kompozisyonlar, cam plastikler, Rusya'nın en eski cam fabrikalarının önde gelen sanatçıları tarafından çeşitli teknikler ve teknolojiler kullanılarak yapılmaktadır. Bu, Vladimir Bölgesi, Gus-Khrustalny şehrinde bir fabrikadır (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. Muratov); Tver bölgesinin Vyshnevolotsky semtindeki Krasny May cam fabrikası (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya); Dyatkovo Kristal Fabrikası (M.V. Grabar, V.V. Soiver, V.Ya. Shevchenko).

Müze koleksiyonunun gururu, faaliyetleri L.O. Jürgen, A.A. Astvatsaturyan, A.M. Ostroumov, E.V. Yanovskaya, Kh.M. Pyld, B.A. Eremin, Yu.M. Byakov. Cam ve porselenden yapılan eserlerin çoğu, en büyük uluslararası veya tüm Rusya sergileri için yaratılmış benzersiz örneklerdir. Bu nedenle, çeşitliliği, bireysel merkezlerin temsilinin eksiksizliği, içerdiği eserlerin yüksek sanatsal düzeyi, Rus geleneksel sanat ve zanaatlarının müze koleksiyonu açısından ülkenin en iyilerinden biri olarak sınıflandırılabilir. Onu oluşturan eserler, Rus ustaların büyük yeteneğine, yeteneklerinin ince sanatsal zevkine ve özgünlüğüne tanıklık ediyor.