Stil srednjeg veka takođe utiče na umetnost i zanate. Proizvodi od porculana, na primjer, servis Elizavete Petrovne „Sopstvena“, i drugi materijali odlikuju se krivolinijskim oblicima, kao i bogatim profilisanim ornamentima, koji dizajnom sežu do ljuske i fleksibilnih biljnih izdanaka. Hirovita silueta predmeta organski je kombinirana sa svijetlim bojama, obiljem pozlate i sjajem zrcalnih površina, upotpunjujući svečanu sliku interijera.

Slikarstvo prve polovine 18. veka

Od ere Petra Velikog, slikarstvo je pretrpjelo ogromne promjene. Umjetnost štafelajnog slikarstva sa svojim semantičkim i kompozicionim karakteristikama se uobličava. Obrnutu perspektivu zamjenjuje direktnim i povezanim prenošenjem dubine prostora. Najvažnija karakteristika je prikaz figure u skladu sa principima anatomske ispravnosti. Pojavljuju se nova sredstva za prenos jačine zvuka. Najvažniji kvalitet je chiaroscuro, koji je zamijenio konvencionalno simboličnu liniju konture. Sama tehnika uljanog slikarstva, sa svojim karakterističnim specifičnim tehnikama i sistemom odnosa boja, čvrsto, iako ne odmah, ulazi u umjetničku upotrebu. Osjećaj teksture je pojačan. Umjetnik stječe sposobnost da prenese specifična svojstva mekog somota, oštrog hermelina, teškog zlatnog brokata i fine čipke. Na radnoj slici mogu se pratiti novi principi međusobnog povezivanja figura. Prikaz nagog tijela predstavlja nov i težak zadatak. Sama struktura slikarstva postaje razgranatija. Od početka 18. stoljeća svjetovna umjetnost gaji razne vrste štafelajnih djela, monumentalno slikarstvo u obliku panoa i abažura, minijaturno pisanje. Portret uključuje sve poznate varijante - prednji, komorni, regularni i kostimirani, dupli i upareni. Umjetnici savladavaju alegorijske i mitološke teme. Prisutnost ovih obilježja, iako isprva otkrivena u kompromisnom obliku, omogućava nam da govorimo o nastanku nove vrste slikarstva.

Prvi koraci ka razvoju portreta vezani su za rad slikarske radionice Oružarske komore. Radovi ruskih i stranih majstora imaju tendenciju da budu parsunske prirode. Od svih tipoloških opcija, parsuna daje prednost svečanom portretu i nalazi se u ovom svojstvu u nekoliko varijanti. Među njima je „portret-teza“ najarhaičnija. Kombinira portretne slike i brojne objašnjavajuće natpise unutar konvencionalnog prostora ikona. Možemo govoriti i o „portretu apoteoze“. Reč je o portretima koji simbolizuju vojne podvige Petra I. Česti su i obični portreti Petra, Menšikova, Šeremetjeva i na konju.

Prostor se posvuda tretira na vrlo stereotipan način, a opći raspored objekata prije služi kao simbolična oznaka stvarnih prostornih odnosa. Problem unutrašnjeg i vanjskog prostora rješava se jednako konvencionalno u smislu značenja i razmjera. Parsuna donekle odstupa od bogatstva boja karakterističnog za ikonopis 17. stoljeća. Međutim, minuciozan prikaz ornamentike ogrtača i raznih detalja daje platnima povećanu dekorativnost.

Majstor još nije u potpunosti savladao nove principe prenošenja volumena, kombinirajući naglašeno konveksna obojena lica i odjeću s ravnim uzorcima. Velika veličina platna, njihov impozantan duh, bogatstvo namještaja i izlaganje nakita imaju za cilj da ilustruju društveni značaj prikazanog. Slika je autonomna, fokusirana je na sebe i ravnodušna je prema drugima. Slikarstvo, koje još nije sazrelo da prenese pojedinca, na svoj način pokušava uočiti osobine koje su svojstvene datom liku. Međutim, opšte i pojedinačno još nisu spojeni u organsko jedinstvo, a specifična svojstva jedva da se pojavljuju pod kombinovanom tipizatorskom maskom.

Linija Parsuna, koja je postojala relativno kratko, uglavnom 80-ih, a posebno 90-ih godina 17. stoljeća, naknadno je naišla na vrlo snažan protok radova stranih i penzionisanih umjetnika, koji ju je praktično zamijenio. Pritom, ne treba misliti da se ispostavilo da je to bila slučajna epizoda u općem procesu razvoja ruskog portreta. Pošto je potisnuta sa svojih glavnih pozicija, Parsuna je nastavila da postoji. Osim toga, njegove karakteristike su se pojavile u radu niza naprednih umjetnika kao dokaz nepotpunog prijelaza sa srednjovjekovnog pisanja na novi način. U tom svojstvu može se naći u radovima I. Nikitina, I. Višnjakova i A. Antropova.

Tragovi parsunizma nalaze se iu drugoj polovini 18. veka, posebno u delima kmetova ili provincijskih umetnika koji su samostalno dolazili do nove umetnosti, po pravilu, počev od ikonopisa. Napomenimo da parsunizam kao umjetnički fenomen postoji ne samo u ruskoj školi, već iu Ukrajini i Poljskoj. Ima ga i u Bugarskoj, Jugoslaviji, pa čak i u zemljama Bliskog istoka, odnosno gde slikarstvo, u sličnoj istorijskoj situaciji, doživljava suštinski sličan uvod u umetnost modernog vremena i sekularnu umetnost.

Istorija Rusije na kraju 17. - prve četvrtine 18. veka neodvojiva je od imena jedne od najvećih političkih ličnosti u Rusiji - Petra I. Značajne inovacije su u to vreme zahvatile ne samo oblast kulture i umetnosti, ali i industrija - metalurgija, brodogradnja itd. Početkom 18. veka pojavljuju se prvi mehanizmi i mašine za obradu metala. Mnogo su u ovoj oblasti uradili ruski mehaničari Nartov, Surnin, Sobakin i drugi.

Istovremeno se postavljaju temelji državnog sistema opšteg i specijalnog obrazovanja. Godine 1725. osnovana je Akademija nauka sa otvorenim odeljenjem za umetničke zanate.

A. Nartov. Strug. Petrova era. XVIII vijek

U 18. vijeku formiraju se novi principi arhitekture i urbanizma, a ovaj period je obilježen jačanjem karakterističnih karakteristika zapadnoevropskog baroka (Holandija, Engleska) u formiranju proizvoda.

Kao rezultat inicijative Petra I, proizvodi tradicionalnih ruskih oblika brzo nestaju iz kraljevskog i aristokratskog života palate, iako i dalje ostaju u domovima mase seoskog i gradskog stanovništva, kao i u crkvenoj upotrebi. . U prvoj četvrtini 18. vijeka javlja se značajna razlika u stilskom razvoju, koja je dugo ostala karakteristična za profesionalno stvaralaštvo i narodne umjetničke zanate. U potonjem se direktno i organski razvijaju stoljetne tradicije ruske, ukrajinske, estonske itd. primijenjene umjetnosti.

Norme plemenitog života zahtijevaju demonstraciju bogatstva, sofisticiranosti i sjaja u životu suverene osobe. Oblici starog načina života, uključujući i onaj Petra Velikog (još uvijek poslovni i strogi), konačno su istisnuti sredinom 18. stoljeća. Dominantnu poziciju u ruskoj umjetnosti zauzima takozvani rokoko stil, koji je logično upotpunio trendove kasnog baroka. Svečani interijeri ovog vremena, na primjer, neke sobe palača Peterhof i Carskoye Selo, gotovo su u potpunosti ukrašene složenim rezbarijama.

Opće karakteristike rocaille ornamentike (zakrivljenost linija, obilan i asimetričan raspored stiliziranih ili prirodno bliskih cvijeća, listova, školjki, očiju itd.) u potpunosti su reproducirane u ruskoj arhitekturi i namještaju tog vremena, keramici, odjeći, kočijama, ceremonijalno oružje itd. itd. Ali razvoj ruske primijenjene umjetnosti ipak je išao potpuno samostalnim putem. Unatoč bezuvjetnoj sličnosti oblika vlastitih proizvoda sa zapadnoeuropskim, nije teško uočiti razlike među njima. Dakle, ali u poređenju s francuskim, ruski proizvodi namještaja imaju mnogo slobodnije oblike i mekši su u obrisima i crtežima. Majstori su i dalje zadržali vještine narodnog rezbarenja, veće i općenitije nego na Zapadu. Ništa manje karakteristična je polikromatizacija ruskih proizvoda i kombinacija pozlate i slikanja, koja se rijetko sreće u Francuskoj, ali je svugdje prihvaćena u Rusiji.

Od 60-ih godina 18. stoljeća u ruskoj arhitekturi počinje prijelaz na klasicizam sa svojim lakoničnim i strogim oblicima, okrenutim antici i obilježenim velikom suzdržanošću i gracioznošću. Isti proces se dešava i u primenjenoj umetnosti.

U rasporedu, opremi i dekoraciji gradskih vila i palača (arhitekata Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov itd.) pojavljuje se jasna simetrija i proporcionalna jasnoća. Zidovi prostorija (između prozora ili naspram njih) sakriveni su ogledalima i panelima od svilenog damasta, ukrasnih pamučnih tkanina i sukna.

.

Sofa - rokoko stil. Rusija (fragment). Sredinom 18. vijeka

Stolica u klasičnom stilu. Rusija. Druga polovina 18. veka.

Podovi su napravljeni od drveta raznih vrsta, a ponekad su prekriveni platnom ili tkaninom; plafoni su oslikani (npr. tehnikom grisaille, imitirajući reljefno modeliranje). Umjesto naslaganog parketa koriste se smrčeve daske „pod voskom“. Zidovi i plafoni su često obloženi tkaninom ili tapetama. Ako su u glavnim prostorijama ugrađeni mramorni kamini impresivnih dimenzija, onda su u intimnim prostorijama tradicionalnije peći ugrađene na stolove ili noge, obložene pločicama. Jednako je uočljiva razlika u lampama: u hodnicima su nakitni i skupi lusteri, kandelabri, svijećnjaci, u odajama su mnogo skromniji svijećnjaci i lampe. Još je više kontrasta u oblicima svečanog i kućnog namještaja. Sve ovo govori ne toliko o želji vlasnika palata i vila da uštede novac, koliko o njihovom razmatranju predmetnog okruženja kao važnog faktora psihološki odgovarajuće atmosfere.

Većina namještaja i niz drugih proizvoda krajem 18. i u prvoj polovini 19. stoljeća nisu bili stalno potrebni; ako nije bilo potrebe, ili su uklonjeni ili premješteni u neaktivno korištene dijelove prostorija. Namještaj za sjedenje mora biti pokriven. U istom smislu, transformabilni namještaj sa radnom površinom dobio je veliki razvoj - stolovi za čaj i karte, sklopivi trpezarijski sto, stol za ručni rad, sistem neravno-visokih stolova koji se uklapaju jedan ispod drugog, itd. Sve se to značajno povećalo. udobnost života, suptilna diferencijacija njegove funkcionalne potpore i raznovrsnost izgleda prostorija u različitim svakodnevnim situacijama. Istovremeno, posebno je istaknut niz svakodnevnih procesa koji su se tokom toplih sezona odvijali izvan zgrade - na terasi iu parku. Zbog toga su se raširile nove vrste proizvoda - baštenski nameštaj, suncobrani, parkovne lampe itd. U 18. veku na pojedinim imanjima su bile organizovane kmetske radionice koje su proizvodile prilično velike serije nameštaja, porculana, tepiha i drugih proizvoda.

Krajem 18. stoljeća, u opremanju velikih palača, odvajanje stvarnog dizajna proizvoda (namještaj, lampe, satovi, tapiserije i drugi pribor i pokućstvo) kao posebno područje stvaralačke djelatnosti od njihove zanatske proizvodnje. već primetno uticalo. Ulogu dizajnera uglavnom imaju arhitekti i profesionalni umjetnici. Proizvodnja proizvoda za masovno tržište koristi strojeve i mehaničke metode obrade materijala, pretvarajući inženjera u vodeću ličnost u proizvodnji. To dovodi do izobličenja i gubitka visokih estetskih kvaliteta svojstvenih potrošačkim proizvodima, do odvajanja industrije od umjetnosti. Ovaj trend je bio prirodan u uslovima kapitalističkog razvoja društva i jedan od glavnih za čitav 19. vijek.

Tokom intenzivnog razvoja kapitalističkih odnosa u Rusiji u 19. veku došlo je do povećanja kapaciteta industrijske proizvodnje. Sredinom 19. stoljeća već je postojala hitna potreba za umjetnički stručnim kadrovima izrađivača proizvoda i zanatlija. Za njihovu obuku otvorene su specijalizovane obrazovne ustanove u Moskvi (Grof Stroganov) i Sankt Peterburgu (Baron Stieglitz). Sam njihov naziv - "škole tehničkog crtanja" - govori o nastanku novog tipa umjetnika. Od 1860. godine razvija se specijalno zanatsko obrazovanje za majstore izvođača. Objavljuju se mnoge knjige o tehnologiji obrade raznih materijala: drveta, bronze, gvožđa, zlata itd. Izdaju se trgovački katalozi koji zamenjuju ranije objavljeni časopis Economic Store. Od sredine 19. vijeka formiraju se nauke vezane za pitanja higijene rada i upotrebe kućnih potrepština. Međutim, kroz cijelo 19. stoljeće svi masovni tvornički proizvodi umjetnički su ostali potpuno podređeni nepodijeljeno dominantnoj ideji ljepote kao dekorativnog i ornamentalnog oblikovanja proizvoda. Posljedica toga je uvođenje stilskih elemenata klasicizma u oblik većine proizvoda: složene profilne završne obrade, kanelirani stupovi, rozete, vijenci, ornamenti po antičkim motivima, itd. U nizu slučajeva uvedeni su ovi elementi. u oblike čak i industrijske opreme – alatnih mašina.

U stilskom razvoju primenjene umetnosti i proizvoda za domaćinstvo u 19. veku, hronološki se konvencionalno izdvajaju tri glavna perioda: nastavak trendova klasicizma u skladu sa tzv. Empire stilom (prva četvrtina veka); kasni klasicizam (oko 1830-1860) i eklekticizam (nakon 1860-ih).

Prvu četvrtinu 19. veka obeležio je opšti uspon ideološkog duha i graditeljskog dometa u ruskoj arhitekturi, što je izazvalo značajan preporod u primenjenoj umetnosti.

Fotelja u stilu carstva. Prva četvrtina 19. veka.

Pobjeda u ratu 1812. godine u određenoj mjeri ubrzava i dovršava proces formiranja ruske nacionalne kulture, koja poprima panevropski značaj. Aktivnosti najpoznatijih arhitekata - Voronihina, Kvarengija, Kazakova, usko povezane sa klasicizmom prethodne ere, dogodile su se tek u prvoj deceniji veka. Zamenjuje ih plejada tako divnih majstora kao što su Rosi, Stasov, Grigorijev, Bove, koji su u rusku umetnost doneli nove ideje i drugačiji stilski duh.

Ozbiljnost i monumentalnost karakteristične su za arhitekturu i forme raznih predmeta za domaćinstvo u stilu carstva. U potonjem se dekorativni motivi primjetno mijenjaju, odnosno proširuje se njihova tipologija korištenjem ukrasnih simbola starog Egipta i Rima - grifona, sfingi, fasa, vojnih atributa („trofeja“), vijenaca isprepletenih vijencem itd. s primjerima ranog klasicizma općenito povećava se količina dekora, njegova "vizualna težina" u kompozicionom dizajnu proizvoda. Monumentalizacija, katkad kao grubost oblika, nastaje zbog veće generalizacije i geometrizacije klasičnih ornamentalnih motiva - ivica, vijenaca, lira, oklopa itd., koji se sve više udaljavaju od svojih stvarnih prototipova. Slikanje objekata (scena, pejzaža, buketa) gotovo potpuno nestaje. Ornament ima tendenciju da bude mrljav, konturan i aplikativan. Većina proizvoda, posebno namještaja, postaju veliki, masivni, ali variraju u cjelokupnoj konfiguraciji i silueti. Težina carskog stila u namještaju gotovo je nestala već 1830-ih.

Od sredine 19. stoljeća počinju nova traganja u oblasti arhitekture, primijenjenog i industrijskog stvaralaštva.

Rođen je panevropski umjetnički pokret pod nazivom „Bidermajer“, nazvan po buržoaziji jednog od likova njemačkog pisca L. Eichrodta (djelo je objavljeno 1870-ih) sa njegovim idealom udobnosti i intimnosti.

Fabrički napravljeno gvožđe. Rusija. Druga polovina 11. veka.

U drugoj polovini 19. stoljeća ručni rad je dodatno istisnut iz proizvodnje utilitarnih proizvoda za domaćinstvo. Tokom vekova, metode i tehnike njihovog umetničkog rešavanja, principi oblikovanja forme, koji su se razvijali kroz vekove, dolaze u sukob sa novim ekonomskim trendovima u masovnoj proizvodnji i isplativosti proizvodnje stvari za tržište. Odgovor na promjenjivu situaciju je dvostruk. Neki majstori - većina njih - prave kompromise. Smatrajući neprikosnovenim tradicionalni pogled na sve svakodnevne stvari kao predmete dekorativne i primijenjene umjetnosti, ornamentalne motive klasicizma počinju prilagođavati mogućnostima stroja i serijskih tehnologija. Pojavljuju se „efikasne“ vrste dekoracije i završne obrade proizvoda. Još 1830-ih u Engleskoj, Henry Kuhl je iznio naizgled reformistički slogan za ukrašavanje fabričkih proizvoda elementima „iz svijeta likovnih oblika“. Mnogi industrijalci rado preuzimaju slogan, pokušavajući maksimalno iskoristiti privrženost potrošačkih masa za eksterno ukrašene, ornamentalno obogaćene oblike kućnog namještaja.

Drugi teoretičari i praktičari primijenjene umjetnosti (D. Ruskin, W. Morris), naprotiv, predlažu organiziranje bojkota industrije. Njihov kredo je čistoća tradicije srednjovjekovnog zanata.

U zemljama zapadne Evrope i u Rusiji po prvi put su pažnju teoretičara i profesionalnih umjetnika privukli zanatski arteli i majstori, u čijem su radu još uvijek sačuvane duboke narodne tradicije. U Rusiji sajmovi u Nižnjem Novgorodu 1870-1890-ih pokazuju održivost ovih tradicija u novim uslovima. Mnogi profesionalni umjetnici - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich i drugi - s entuzijazmom se okreću narodnom porijeklu dekorativne umjetnosti. U različitim regijama i provincijama Rusije, u gradovima kao što su Pskov, Voronjež, Tambov, Moskva, Kamenets-Podolsk, itd., Pojavljuju se zanatska preduzeća, čija je osnova ručni rad. Za oživljavanje kreativnih, umirućih zanata posebno su značajni bili rad radionica u Abramcovu kod Moskve, u Talaškinu kod Smolenska, preduzeća P. Vaulina kod Sankt Peterburga i keramičkog artela Murava u Moskvi.

Samovar. XIX vijeka

Rusija. Druga polovina

Industrijska pumpa. XIX vijeka

Međutim, proizvodi svih ovih radionica činili su tako neznatan dio ukupne potrošnje da nisu mogli imati zapaženog uticaja na masovnu proizvodnju, iako su dokazali legitimnost postojanja, uz masovnu mašinsku proizvodnju, i predmeta dekorativne umjetnosti koji čuvaju narodne tradicije. To je kasnije potvrđeno prodorom mašinske tehnologije u područja dekorativne i primijenjene umjetnosti kao što su nakit, ćilimarstvo i krojenje, što je dovelo do naglog pada njihove umjetničke kvalitete.

U oblicima najveće količine proizvedenih proizvoda u drugoj polovini 19. veka, praktično ništa novo još nije razvijeno. Međutim, novost općeg stanja već u ovom trenutku doprinosi formiranju unutrašnjih preduvjeta za inovativne potrage - svijest o stilskim traganjima kao važnoj stvaralačkoj potrebi, kao manifestaciji umjetničke individualnosti majstora. Ako su se do sada stilski trendovi (gotika, renesansa, barok, klasicizam itd.) rađali i širili, po pravilu, kao rezultat općih, gotovo „globalnih“, spontano iskristalisanih trendova u estetskom razvoju svijeta, onda od sredinom 19. vijeka stilska originalnost se smatra neposrednim stvaralačkim dostignućem pojedinog umjetnika ili arhitekte. S tim u vezi, naglo se pojačava interes za baštinu umjetnosti svih vremena i naroda. Ovo bogato nasljeđe postaje izvor imitacija, direktnih pozajmica ili je podvrgnuto bizarnoj kreativnoj obradi.

Stol sa stolicom u stilu secesije. Kraj 19. vijeka

Kao rezultat toga, većina proizvoda predstavlja neobično šaroliku sliku, u kojoj trepere očigledne ili suptilne reminiscencije na antiku, romaničko doba, gotiku, italijansku ili francusku renesansu, umjetnost Vizantije i antičke Rusije, barok itd. često eklektično miješanje u dizajn jednog proizvoda, interijera, zgrade. Stoga je ovaj period u povijesti arhitekture i primijenjene umjetnosti nazvan eklektičnim. Proizvodi (lampe, metalne kante, korita, posuđe, taburei i dr.) koji su relativno jeftini, ali izrađeni bez ikakve umjetničke svrhe, često u ružnim oblicima i nekvalitetni, tek počinju da se uvode u svakodnevni život ljudi.

Potraga za novim stilom provodi se uzimajući u obzir stvarne potrebe u uvjetima strojne proizvodnje, temeljno novi pristup oblikovanju proizvoda, s jedne strane, i očuvanje dekorativnih tradicija prošlosti, s jedne strane. ostalo. Buržoazija, koja je do kraja 19. stoljeća zauzela jaku poziciju u ruskoj ekonomiji, težila je vlastitoj umjetničkoj ideologiji u arhitekturi i dizajnu - kultu racionalne, relativne slobode od arhaizama plemenite kulture, podsticanju u umjetnosti. sve što bi moglo da se takmiči sa stilovima iz prošlosti. Tako se krajem 19. veka pojavio stil Art Nouveau - „nova umetnost“ u Belgiji, Velikoj Britaniji i SAD, „Jugendstil“ u Nemačkoj, „Stil secesije“ u Austriji, „slobodni stil“ u Italiji. Njegovo ime - "moderno" (od francuskog moderne) značilo je "novo, moderno" - od lat. modo - "upravo sada, nedavno." U svom čistom obliku, gaseći se i miješajući se s drugim stilskim pokretima, trajao je relativno kratko, do oko 1920. godine, odnosno oko 20-25 godina, kao i gotovo svi stilski pokreti 17.-20.

Art Nouveau je raznolik u različitim zemljama iu radu pojedinih majstora, što otežava razumijevanje problema koje rješavaju. Međutim, karakteristično je gotovo potpuno iskorenjivanje svih dotadašnjih dekorativnih i ornamentalnih motiva i tehnika i njihova radikalna obnova. Tradicionalne vijence, rozete, kapitele, frule, pojaseve „valujućeg talasa“ itd. zamjenjuju stilizirane lokalne biljke (ljiljani, perunika, karanfili itd.), ženske glave sa dugom kovrčavom kosom itd. Često uopće nema ukrasa , a umjetnički učinak postiže se ekspresivnošću siluete, podjelama oblika, linijama, obično fino nacrtanim, kao da slobodno teku, pulsiraju. U oblicima art nouveau proizvoda gotovo se uvijek može osjetiti neka ćudljiva volja umjetnika, napetost čvrsto nategnute žice i pretjerane proporcije. U ekstremnim manifestacijama, sve je to naglo pogoršano, uzdignuto na princip. Ponekad postoji zanemarivanje konstruktivne logike forme, gotovo lažni entuzijazam za spektakularnu stranu zadatka, posebno u dizajnu interijera, koji su često spektakularno teatralizirani.

I pored svih slabosti - pretencioznosti, ponekad bučnosti oblika, nastao je novi pristup rješavanju zgrade, interijera, opremanja logikom funkcionalnog, konstruktivnog i tehnološkog rješenja.

Svijećnjak u stilu Art Nouveau. Početak 20. vijeka

Set posuđa. Kraj 19. vijeka

Toaletni stočić iz perioda secesije. Početak 20. vijeka

Art Nouveau, u velikoj većini svojih primjera, nije napustio dekoraciju proizvoda, već je samo zamijenio stare ukrasne motive i tehnike novima. Već početkom 20. stoljeća, u vrijeme trijumfa novog stila, ponovo se vraća moda na stare stilove, isprva stidljivo, a zatim naširoko, što je imalo poznatu vezu s početkom priprema za proslavu. povodom stogodišnjice Otadžbinskog rata 1812. Izložba „Moderna umetnost“, organizovana u Sankt Peterburgu 1903. godine, jasno je pokazala rađanje „klasifikovanja modernosti“.

Rezultati modernosti su složeni. To je pročišćavanje primijenjene umjetnosti od eklekticizma, i od „anti-mašinizma“ šampiona rukotvorina, i od propalih pokušaja da se obnove stilovi iz prošlosti. To su prvi simptomi arhitekture i primijenjene umjetnosti koji stupaju na put funkcionalizma i konstruktivizma, na put modernog dizajna. Istovremeno, ubrzo otkrivajući tendenciju nacionalizacije stila, Art Nouveau je izazvao novi val čisto dekorativnih potrage. Mnogi slikari se okreću primenjenoj umetnosti i dizajnu enterijera (S. Maljutin, V. Vasnjecov, A. Benoa, S. Golovin i dr.), gravitirajući šarenilu ruskih bajki, „medenjaka” itd. U perspektivi kasnijim istorijskim procesom, rešavanjem gorućih problema masovne industrijske proizvodnje, ovakvi eksperimenti nisu mogli imati ozbiljniji idejni i umetnički značaj, iako su dali podsticaj razvoju još jedne grane primenjene umetnosti – umetničkog zanata i posebno pozorišne i dekorativne umetnosti.

Modernost je, takoreći, otvorila i pripremila put za uspostavljanje novih estetskih i kreativnih principa u umjetnosti stvaranja svakodnevnih stvari, te ubrzala nastanak nove umjetničke profesije - umjetničkog dizajna.

Formiranje funkcionalizma i konstruktivizma u posebne pravce u arhitekturi i umjetničkom oblikovanju zapadnih zemalja dogodilo se krajem 1910-ih u vezi sa stabilizacijom života i ekonomskim uspjehom nakon Prvog svjetskog rata. Ali temeljni temelji nove moderne arhitekture utvrđeni su u predratnom periodu u radu arhitekata kao što su T. Garnier i O. Perret (Francuska), H. Berlaga (Holandija), A. Loos (Austrija), P. Behrens (Nemačka), F. Wright (SAD), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rusija) itd. Svaki od njih je prevazišao uticaj modernosti i borio se na svoj način.

Godine 1918. formirani su posebni odjeli za arhitekturu i umjetničku industriju pri Odjeljenju za likovnu umjetnost Narodnog komesarijata za prosvjetu. Ozbiljna pažnja se poklanja pitanjima obuke specijalista. Godine 1920. V. I. Lenjin je potpisao dekret o stvaranju Visokih državnih umjetničkih i tehničkih radionica (VKHUTEMAS). Maturanti su kreirali nove uzorke tkanina, namještaja, posuđa itd.

Obuka u radionicama (1927. transformisana u Svesavezni umetničko-tehnički institut VKHUTEIN) odvijala se na fakultetima: arhitektonski, keramički, tekstilni, itd. Na fakultetu za obradu drveta i metala pod rukovodstvom A. Rodčenka, D. . Lisitsky, V. Tatlin i drugi majstori tragali su za novim oblicima i dizajnom raznih predmeta. Sve aktivnosti VKHUTEMAS-a bile su usmjerene na razvijanje kod učenika vještina integriranog pristupa dizajniranju predmetnog okruženja svakodnevnog života i proizvodnje.

Dvadesetih godina 20. stoljeća pojavio se pokret “industrijske umjetnosti” koji je razvijao principe funkcionalizma i konstruktivizma, koji je nastojao uspostaviti u svijesti umjetnika estetski ideal racionalno organizirane materijalne proizvodnje. Bilo koji prethodni oblici umjetnosti proglašeni su buržoaskim „produkcijskim“ i neprihvatljivim za proletarijat. Otuda i njihovo odbacivanje ne samo „praktički beskorisne” likovne umetnosti, već i sve čisto dekorativne kreativnosti, na primer nakita.20-ih godina tehnički i ekonomski uslovi u našoj zemlji još nisu bili sazreli za realizaciju njihovih ideja.

VKHUTEMAS i „proizvodni radnici“ 1920-ih bili su ideološki i estetski usko povezani sa Bauhausom iu nizu važnih momenata predstavljali su s njim suštinski jedan pokret u umetničkom oblikovanju tog vremena. U okviru ovog novog pokreta formirala se estetika modernog dizajna, prevazilazeći kontradikcije u primenjenoj umetnosti prethodnog perioda. Praktična umjetnička aktivnost osnivača dizajna bila je i razvoj arsenala umjetničkih i izražajnih sredstava umjetnosti stvaranja stvari. U svojim radovima (nameštaj, lampe, posuđe, tkanine itd.) najveću pažnju poklanjali su osobinama materijala i forme kao što su tekstura, boja, plastična ekspresivnost, ritmička struktura, silueta itd., koja su dobila odlučujući značaj u sastav proizvoda, bez sukoba sa zahtjevima konstruktivne logike i obradivosti forme. Drugi pravac koji se uspješno razvio u našoj zemlji 20-ih godina bio je inženjerski dizajn. Godine 1925. u Moskvi je, prema projektu izvanrednog inženjera V. Šuhova, podignut čuveni radio toranj, čija je ažurna silueta dugo vremena postala simbol sovjetskog radija. Godinu dana ranije J. Gakkel je, na osnovu najnovijih tehnoloških dostignuća, stvorio prvu sovjetsku dizel lokomotivu, čiji oblik i danas izgleda prilično moderno. Dvadesetih godina 20. stoljeća uviđa se potreba za naučnim istraživanjem obrazaca ljudskog djelovanja u umjetno stvorenom okruženju. Organizuje se Centralni institut rada, u njegovim zidovima se sprovode istraživanja o pitanjima naučne organizacije rada i kulture proizvodnje. Pažnju naučnika i dizajnera privlače pitanja biomehanike, organoleptike itd. Među zapaženim radovima tih godina je i projektovanje radnog mesta vozača tramvaja (N. Bernstein).

Ya.Gakkel. Lokomotiva. Ranih 1930-ih

Razvoj dekorativne i primenjene umetnosti doprinijelo je unapređenju tehnologije zanatske i manufakturne proizvodnje, nastanku umjetničke industrije (proizvodnja tapiserija, umjetničkog stakla, fajansa, kamenorezac, proizvodnja svile i sukna), izrada modnih predmeta, luksuzne robe, otkriće i razvoj nalazišta bakra, kalaja, srebra, obojenog kamena, visokokvalitetnih glina.

Značajna je uloga Akademije nauka u „prosperitetu slobodnih umetnosti i manufaktura“, koja odražava nova prirodoslovna i tehnička interesovanja u dekorativnoj i primenjenoj umetnosti. U prvoj polovini 18. vijeka javljaju se novi oblici obrazovanja i usavršavanja zanatlija u umjetničkim manufakturama; u Rusiji se pojavljuju cehovske organizacije zanatlija, što ne negira široku upotrebu stranih zanatlija u različitim oblastima dekorativne i primijenjene umjetnosti.

U dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti (predmeti interijera, namještaj, dekor) moda aktivno diktira stil. Kao rezultat toga, pojavljuju se nove vrste predmeta i ažuriraju estetske ideje u dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti. U dekorativnoj i primenjenoj umetnosti sredine 18. veka postojala je tendencija sinteze umetnosti, gde su arhitektura, skulptura, slikarstvo i primenjeni zanati bili spojeni u dekorativni ansambl.

Kao rezultat toga, umjetnost uređenja interijera postaje posebna vrsta umjetničke djelatnosti u radu arhitekata 18. stoljeća. Ova vrsta umjetničke aktivnosti određuje pojavu novih tipova prostorija (kancelarije, prednje sobe, spavaće sobe, dnevne sobe, „hole za slike“) i njihov predmetni sadržaj (Ljetna palača, Palata A.D. Menshikov, Velika palača Peterhof, Monplaisir).

Sve to doprinosi razvoju izrade namještaja, pojavljuju se nove vrste i oblici namještaja, materijali i načini ukrašavanja. Uticaj engleskog i holandskog namještaja ovdje je vrlo jak. Pod uticajem Evrope, čak se i barokni i rokoko stil u nameštaju razvijao u Rusiji.

Namještaj klasicizma ima karakterističan karakter i oblik. U velikoj mjeri antikni motivi se mogu pratiti u oblicima i dekoraciji namještaja. Sredinom 18. stoljeća arhitekti su učestvovali u razvoju novih vrsta namještaja, u Rusiji se pojavila umjetnost namještaja i dizajnerski namještaj (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). U drugoj polovini 18. stoljeća pojavljuju se prve radionice namještaja (radionica G. Gambsa i I. Otta). Ovaj period u umjetnosti namještaja karakterizira Jakovljev stil. Do druge polovine 18. stoljeća mijenjaju se materijali u umjetnosti namještaja: ovdje se pojavljuju mahagonij, pozlaćeno drvo, topola, karelijska breza; Tkanina i vez se sve više koriste u izradi namještaja.

Posebno mjesto u dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti zauzimaju keramika i fajanca. Ovo se u početku događa zbog ekspanzije uvoza zemljanog posuđa iz Engleske i Holandije. Međutim, ubrzo se u Moskvi pojavila prva privatna manufaktura A. Grebenščikova koja je proizvodila rusku finu fajansu. Kasnije se formira stil ceremonijalnog dvorskog posuđa s mat graviranjem i širi se moda na kristal kao predmet interijera. To podrazumijeva otvaranje Malcovljeve prve privatne fabrike stakla i kristala u Možajskom okrugu.

U 18. stoljeću, zbog sve veće popularnosti dekorativne i primijenjene umjetnosti i uređenja prostorija, značajno je porasla potrošnja stakla koje se koristilo za izradu raznih ogledala i rasvjetnih tijela.

Skulptura i slikarstvo druge polovine 18. vijeka.

Igrao je veliku ulogu u razvoju slikarstva u 18. veku kreacija Vladimir Lukič Borovikovski. Unatoč činjenici da umjetnik nije službeno naveden kao student Akademije, on je, bez sumnje, koristio savjete njenih nastavnika i prije svega Levitskog. Prirodni talenat i željezna upornost mladog umjetnika ubrzo su doveli do toga da Borovikovsky postane jedan od prvih majstora kasnog 18. vijeka. Napravio je niz izvrsnih portreta svojih savremenika, uključujući G. Deržavina, V. Arsenjeva, M. Lopuhinu, O. Filipovu i mnoge druge. Stalni interes za emocionalne doživljaje osobe, naglašena liričnost i kontemplacija, prekrivena izmaglicom sentimentalnosti, tako karakteristična za to doba, karakteristični su za većinu djela Borovikovskog. Umjetnik nikada nije išao putem vanjske, površne karakterizacije slike, neprestano se trudio da prenese najsuptilnije duhovne pokrete portretiranih osoba.

U njegovom radu dominiraju kamerni portreti. Borovikovsky nastoji da afirmiše samopoštovanje i moralnu čistotu osobe (portret „Lizynke i Dashinke“, portret E.N. Arsenyeve, itd.). Na prijelazu iz 18. u 19. vek, Borovikovskog su privlačile snažne, energične ličnosti; fokusirao se na građanstvo, plemstvo i dostojanstvo portretisanih. Izgled njegovih modela postaje suzdržaniji, pejzažnu pozadinu zamjenjuju slike unutrašnjosti (portreti A.A. Dolgorukova, M.I. Dolgoruka, itd.).

Borovikovsky je takođe priznati majstor portretnih minijatura. Zbirka Ruskog muzeja sadrži radove koji pripadaju njegovom kistu - portrete A. A. Menelasa, V. V. Kapnista, N. I. Lvova i drugih. Umjetnik je često koristio lim kao osnovu za svoje minijature.

Rusko portretno slikarstvo 18. veka dostiže svoj pravi vrhunac u stvaralaštvu D.G.Levitsky . Već u jednom od svojih ranih radova - portretu arhitekte A. Kokorinova - Levitsky je pokazao izuzetne slikarske sposobnosti. Visokim umjetničkim zaslugama odlikuju se portret velikog francuskog materijalističkog filozofa D. Didroa, koji je Levitsky naslikao u Sankt Peterburgu 1773. godine, i serija portreta studentica Instituta Smolni koje je stvorio umjetnik. Slike ovih djevojaka obilježene su iskrenošću i toplinom, a posebnost svake od njih maestralno je prenesena.

Portreti narednih godina - Lvova, umjetnikov otac, Bakunjinovi, Anna Davia i mnoga druga remek-djela Levitskog - jasan su dokaz njegovog briljantnog talenta.

Levitsky je stvorio opsežnu galeriju portreta svojih suvremenika, hvatajući široko i potpuno, kao nitko drugi, žive slike ljudi tog doba. Umetnost Levitskog upotpunjuje istoriju razvoja ruskog portretnog slikarstva u 18. veku. Treba, međutim, napomenuti da postoje neka historijski određena ograničenja njegovog rada: poput drugih izuzetnih umjetnika svog vremena, Levitsky nije mogao odražavati društvene kontradikcije stvarnosti. Ljudi koje je umjetnik prikazao, u skladu sa preovlađujućim estetskim idejama, uvijek donekle poziraju, kao da pokušavaju da se prikažu gledaocu u „najprijatnijem“ svjetlu. Međutim, u nizu svojih radova umjetnik postiže zadivljujuću jednostavnost i vitalnost.

Naslijeđe Levitskog je ogromno i još uvijek izaziva osjećaj neposrednog estetskog zadovoljstva kod gledalaca. Profesionalno savršenstvo njegovih radova i njihova realistička orijentacija stavljaju umjetnika na jedno od najčasnijih mjesta u cjelokupnoj istoriji ruske umjetnosti.

Među najpoznatijim delima D. G. Levitskog su: „Portret E. A. Voroncove“, „Portret arhitekte A. F. Kokorinova“, „Portret N. A. Lvova“, „Portret M. A. Djakove“, „Portret Ursule Mnišek“, „Portrat Ursule Mnišek“. Agašine kćeri u ruskoj nošnji” itd.

Na polju portreta i ruski umetnici druge polovine 18. veka rekli su svoju novu reč. Zapanjujuća je oštrina psiholoških karakteristika koje su obilježile mnoge portrete ovog vremena - kist najboljih ruskih majstora sve više gravitira prema istinitom prikazu slike osobe. Značajno je da su u to vrijeme nastajali portreti ne samo plemstva i „moćnika ovoga svijeta“, već i niza progresivnih javnih ličnosti. Ovim portretima u potpunosti nedostaju elementi pompe i vanjskog sjaja; Umetnici posvećuju pažnju prenošenju unutrašnjeg sadržaja čoveka, otkrivanju snage njegovog uma, plemenitosti njegovih misli i težnji.

Razvoj ruskog portreta našao je svoj izraz u djela F. Rokotova.

Fjodor Stepanovič Rokotov- jedan od najboljih ruskih portretista. Dobivši umjetničko obrazovanje pod vodstvom L.-J. Le Lorrain i grof Pietro Rotari, radili su na način ovog potonjeg, ali su se više upuštali u prirodu nego on i bili vrijedni u izvršenju. Godine 1762. primljen je kao pomoćnik novoosnovanog Sankt Peterburga. Akademije umjetnosti za sliku „Venera“ koju joj je poklonila i za portret cara Petra III.

Suptilna likovna vještina izdvaja portrete ovog umjetnika. Rokotov intimnu duhovnost slike, posebno u ženskim portretima, dovodi do velike izražajnosti i snage. Visoko tehničko savršenstvo umjetnikovih djela - po prirodi crteža i slikarskoj vještini, samo se Levitsky može porediti s njim. Portreti koje je napravio Rokotov odlikuju se sofisticiranošću dizajna i elegancijom boja.

Najpoznatija Rokotova djela uključuju: „Portret nepoznate žene u ružičastoj haljini“, „Portret A.I. Voroncova“, „Portret G.G. Orlova u oklopu“, „Krunidbeni portret Katarine II“, „Portret A.P. Struyskaya“ , „Portret pesnika V. I. Majkova“, „Portret Surovceve“ itd.

U drugoj polovini 18. vijeka. počeo se razvijati u ruskom slikarstvu svakodnevni žanr. Međutim, žanrovsko slikarstvo je od strane rukovodstva Akademije umjetnosti i privilegiranih slojeva društva smatrano nečim prizemnim, nedostojnim umjetnikovog kista. Uprkos tome, nakon seljačkog rata pod vođstvom E. Pugačova, kako u književnosti, pozorištu i muzici, tako iu slikarstvu 1770-1780-ih. počelo se javljati interesovanje za seljaštvo, njihov način života i način života. Često su to bile sentimentalne slike idiličnih pastira i pastirica, koje nisu imale ništa zajedničko sa stvarnim seljačkim životom. Međutim, bilo je izuzetaka.

Jedan od prvih u ruskom slikarstvu koji je razvio seljačku temu bio je kmet kneza G. A. Potemkina. Mikhail Shibanov . Naslikao je slike „Seljački ručak“, „Proslava svadbenog dogovora“ itd. Na slikama Šibanova nema prokazivanja kmetstva, međutim, na ovim slikama nema idealizacije seljačkog života. Umjetnik se odlikuje poznavanjem i razumijevanjem života i karaktera ruskog seljaka.

Seljačka tema ogledala se u radu umjetnika I. M. Tankova (1739 - 1799), autora slike "Praznik u selu" i I. A. Ermeneva (1746 - poslije 1792), koji je naslikao akvarele "Seljački ručak", " Pjevači prosjaka” i dr.). Po prvi put u istoriji ruske umetnosti, umetnik je preneo sumorne aspekte života ljudi, bednost siromaštva.

U drugoj polovini 18. vijeka. počinje pravi procvat ruske skulpture. Razvijala se sporo, ali su ruska prosvetna misao i ruski klasicizam bili najveći podsticaji za razvoj umetnosti velikih građanskih ideja i velikih problema, koji su odredili interesovanje za skulpturu u ovom periodu. Šubin, Gordejev, Kozlovski, Ščedrin, Prokofjev, Martos - svaki je bio bistar pojedinac za sebe i ostavio je svoj trag u umjetnosti. Ali sve su ih ujedinili zajednički kreativni principi, koje su naučili od profesora Nicolasa Gilleta, koji je vodio skulpturu na Akademiji od 1758. do 1777. godine, opštih ideja građanstva i patriotizma i visokih ideala antike.

Potraga za općenito lijepim ne isključuje punu dubinu razumijevanja ljudskog karaktera, želju da se prenese njegova svestranost. Ta želja je opipljiva u monumentalnoj dekorativnoj skulpturi i štafelajnoj skulpturi druge polovine veka, ali posebno u žanru portreta.

Njegova najveća dostignuća vezana su prvenstveno za kreativnost Fedot Ivanovič Šubin (1740-1805), Lomonosovljev sunarodnik, koji je u Sankt Peterburg stigao već kao umjetnik koji je savladao zamršenost rezbarenja kostiju. Šubinovo prvo djelo u domovini je bista A.M. Golitsyn već svjedoči o punoj zrelosti majstora. Sva raznovrsnost karakteristika modela otkriva se kada ga se pregleda svuda unaokolo, iako nesumnjivo postoji glavna tačka gledišta za skulpturu.

Šubin je radio ne samo kao slikar portreta, već i kao dekorater. Izveo je 58 ovalnih mermernih istorijskih portreta za palatu Česme (koja se nalazi u Oružanoj komori), skulpture za Mermernu palatu i za Peterhof, statuu Katarine II - zakonodavca (1789-1790). Nema sumnje da je Šubin najveći fenomen ruske umjetničke kulture 18. stoljeća. U Rusiji je sa domaćim majstorima radio i francuski vajar Etienne-Maurice Falconet, koji je u spomeniku Petru I na Senatskom trgu u Sankt Peterburgu izrazio svoje razumevanje ličnosti Petra i njene istorijske uloge u sudbinama Rusije.

Fedor Fedorovič Ščedrin(1751-1825). Prošao je iste faze školovanja na Akademiji i penzionisanja u Italiji i Francuskoj kao i Šubin. “Marsija”, koju je izveo 1776. godine, puna je nasilnog pokreta i tragičnog stava. Kao i svi vajari iz doba klasicizma, Ščedrin je fasciniran drevnim slikama („Uspavani Endimion“; „Venera“), pokazujući posebno poetski uvid u njihov svijet.

U okviru proslave svoje 35. godišnjice, Sveruski muzej dekorativne, primenjene i narodne umetnosti otvara ažuriranu stalnu postavku „Dekorativna i primenjena umetnost Rusije u 18. – prvoj trećini 19. veka“.

"Petar Veliki je izazvao Rusiju, a ona mu je odgovorila Puškinom", - krilatica A. N. Herzena najpreciznije definira značenje i granice epohe kojoj je izložba ovih dvorana posvećena. Predmeti predstavljeni ovdje su žive prekretnice koje su označile formiranje i procvat ruske kulture u krilu evropske kulturne tradicije Novog doba. Zahvaćaju promjene u načinu života i umjetničkih smjernica, transformaciju starih i nastanak novih predmetnih oblika, tehnika, pa čak i vrsta dekorativne i primijenjene umjetnosti.

Dizajn nove izložbe zasnovan je na principu demonstriranja eksponata kao jedinstvenih umjetničkih predmeta, koji su spojeni u tematske, stilske i tipološke blokove. Ovo rješenje omogućava da se značaj svakog predmeta ocijeni sa vremenskog, stilskog, razvoja određene vrste dekorativne i primijenjene umjetnosti, te usmjerava pažnju na njegovu umjetničku intrinzičnu vrijednost.

Scenarij inspekcije izgrađen je na osnovu prostornog rješenja izložbe, ne samo sadržajno (tipološki, tematski, stilski i hronološki), već i vizualno - od vremena Petra Velikog do bidermajera.

Terina (posuda) sa poklopcem 1795

Centralne teme nove izložbe su: „Doba promene: prelaz između 17. i 18. veka“, koja uključuje tzv. tradicionalna umjetnost; „Klasici ruskog 18. veka“, koji predstavljaju epohu od Petra do Pavla u visokim primerima dvorske umetnosti, kao i „Rusko carstvo“ i „U sobama“, koji demonstriraju dva aspekta ruske kulture prve trećine 19. vijeka - briljantni imperijalni stil i formiranje kulture privatnog života, u korelaciji sa fenomenom njemačkog bidermajera. Istovremeno, izložba omogućava pregled radova u uobičajenom nizu - po vrstama umjetnosti, naglašavajući namještaj, umjetnički metal, staklo, porcelan, keramiku, kamenorezačku umjetnost, kosti i perle.

Posebnu pažnju zaslužuju tako jedinstveni crkveni predmeti kao što su Moštarski krst i Panagija, koji datiraju iz 17. stoljeća. Rađene su tehnikom koja je u to vrijeme bila skupa – filigranski emajl. Među najranijim eksponatima su škrinje sa metalnim okvirima i ukrasnim ukrasima, mastionice i uralski mesingani pribor od 17. do početka 18. stoljeća. Upečatljiv primjer svečanog reprezentativnog metalnog posuđa za postavu stola su mesingane šolje iz fabrike Demidov na Uralu.

Predmeti za posluživanje stola i predmeti na poslužavniku zatim su napravljeni različitim tehnikama. Na primjer, dva tamnoplava staklena pehara sa monogramima “EML” i “WGS”, proizvedena u Carskoj fabrici stakla, rijedak su primjer slikanih predmeta s kraja 18. – početka 19. stoljeća. Latinski monogrami na šoljama pripadaju švedskom izaslaniku u Rusiji 1793. godine, Werneru Gottlobu von Schweniru - "WGS" - i njegovoj majci Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Šolje su se čuvale više od dva veka u zamku Skarhult, Skåne (Švedska), kao porodično blago.

Na izložbi ćete moći da vidite jedinstvene primerke ruskog dvorskog nameštaja 18.-19. veka, među kojima su posebno zanimljivi stolovi za šah i karte rađeni tehnikom intarzije. Među eksponatima namještaja karakterističnog za prvu polovinu 19. stoljeća, ističu se dva ormara rijetkog kvaliteta u jakobinskom stilu. Istom vremenu pripadaju i dvije stolice koje je dizajnirao Osip Ivanovič Bove. Zanimljivi su i kaminski sat „Minin i Požarski“ pariskog bronzera Pierre-Philippe Thomire i, reprodukujući u unutrašnjem formatu, čuveni spomenik Ivanu Martosu koji stoji na Crvenom trgu.

Bove I.O. Fotelja Prva četvrtina 19. vijeka

Posebno mjesto na izložbi zauzima tapiserija „Spasavanje ribara“, koja je rađena u Flandriji u nepoznatoj radionici u drugoj polovini 17. – početkom 18. vijeka. U VMDPNI je ušla 1999. godine sa zbirkom Muzeja narodne umjetnosti po imenu. S. T. Morozova. Tema tapiserije je posuđena iz Biblije: u središtu kompozicije prikazano je jedno od čuda - "Hod po vodama". Restauracija rešetke izvršena je u nekoliko faza - djelimično su je restaurirali stručnjaci iz Muzeja narodne umjetnosti. S. T. Morozov, a već 2014. godine kompletnu restauraciju završili su specijalisti restauratori Sveruskog muzeja dekorativne, primijenjene i narodne umjetnosti. Tako je rešetka našla novi život i prvi put će biti predstavljena na izložbi.

U odgovarajućim tematskim dijelovima predstavljena su rasvjetna tijela od stakla i kristala, predmeti interijera od porculana i bronze s kraja 18.-19. stoljeća. Svaki eksponat je referentni primjer određenog stila, koji odražava duh svog vremena i predstavlja mogućnosti umjetničkog i tehničkog umijeća.

Ovakvo prostorno rješenje izložbe omogućit će muzeju da organizira izlete i posebne programe na najefikasniji i najzanimljiviji način. Najzanimljiviji i najznačajniji eksponati biće predstavljeni sa proširenim napomenama, kao i podrškom QR kodovima, zahvaljujući kojima će posetioci moći da dobiju detaljnije informacije. Izložba je opremljena savremenom rasvjetnom opremom. Zahvaljujući visokoj interaktivnosti, nova izložba obećava da će biti živahnija i zanimljivija, kao i da će promovirati kreativni dijalog s posjetiteljima, posebno s djecom i mladima.

Važno mesto u kulturi 18. veka. bavi se dekorativnom i primenjenom umetnošću. Uređenje interijera u stilu rokokoa učinilo je prostor svijetlim, zidovi su djelovali tanki, skriveni iza ukrasnih panela i ogledala koja se međusobno reflektiraju, a paravani su igrali važnu ulogu. Namještaj postaje elegantan, djeluje krhko i poprima bizarne oblike. U shemi boja tapeta i namještaja dominiraju pastelne boje.

Prostorija je trebala odavati dojam budoara (prostorije namijenjene komunikaciji samo sa bliskim ljudima).

Rokoko interijeri su često bili dopunjeni ili originalnim kineskim proizvodima: paravanima, porculanom, lakiranjem ili dekorativnim kompozicijama stiliziranim kao kinesko slikarstvo.

Od sredine 18. veka. S razvojem neoklasicizma, dizajn interijera postao je jednostavan i prilično strog. Ako su francuski interijeri bili primjer rokokoa, onda su engleski bili primjer neoklasicizma. Posebno su postali poznati enterijeri engleskog arhitekte Robert Adam(1728-1792). Prilikom stvaranja dvoraca, umjetnik ih je ukrašavao stupovima, pilastrima i skulpturama. Ovaj stil je nazvan “Adamov stil”. Odlikuje se svojom gracioznošću i dekorativnošću, koja ponekad organski uključuje originalne antičke predmete.

U odjeći i frizurama 18. vijeka. otkriva se i promjena stilova. U doba Luja XV, izgled osobe postao je umjetničko djelo: toaleti plemstva bili su razrađeni i sofisticirani, fantastične frizure (perike su ušle u modu), crne mrlje na napudranom licu postale su poseban jezik u ljubavnom dijalogu. „Žena, dotjerana i začešljana kao igračka, i u uskim cipelama s visokom potpeticom, morala je vrlo pažljivo koračati kako bi održala ravnotežu i ne raspala se - to je razvilo naviku lebdećeg hoda i glatkih pokreta menueta. Želeli su da vide ženu kao dragocenu lutku, rajsku pticu ili izvrstan cvet. Fantastično i hirovito prozračno okruženje rocaille interijera pristajalo je takvim stvorenjima” (2, 45).

Odijelo, posebno žensko, postaje umjetničko djelo. Ovaj kostim je bio neudoban i nepraktičan, ali izuzetno privlačan.

Muško odijelo bilo je jednako elegantno kao i žensko, a odabrane su nježne nijanse pastelnih boja.

Ljubav prema svemu elegantnom doprinela je procvatu nakita i porcelana.

Procvat evropske porcelanske umjetnosti također se dogodio sredinom 18. stoljeća. i povezuje se sa rokoko stilom. Najpoznatiji su francuski porcelan iz grada Sevresa i njemački porcelan iz Meisena (Saksonija). Majssenski majstori u svojim kompozicijama prikazali su "galantne svečanosti" - sofisticiranu zabavu aristokrata.

Rokoko nije bio stil poput gotike i baroka; nije postao veliki i holistički umjetnički pokret. Širenje ukusa Regency ere pripremila je sama sudbina francuskog plemstva, koje je napredovalo u 18. veku. samo u jednoj stvari - u stvaranju prosperitetnog i srećnog života. Bio je to besposlen život, okružen elegantnim luksuzom. Umjetnost je bila ukras besposlenog života francuskog plemstva.

Dekorativna umjetnost ima posebnu ulogu (čak je i gastronomija uzdignuta na razinu umjetnosti).

Glavni zadatak umjetnosti je ugoditi; sama umjetnost se poistovjećuje s luksuzom, razigranošću i sprdnjom.

Ogledala postaju omiljeni zidni ukras, postavljaju se jedno naspram drugog, dajući beskrajan broj odsjaja.

Potreba za luksuznom robom stvorila je čitave grane umjetničke proizvodnje u Francuskoj zahvaljujući radu namještaja, tkalja, modelara, draguljara i vezilja.

Omiljeni ukrasni motivi rokokoa su školjke, stabljike i cvijeće.

U oblasti dekoracije, neoklasicizam se okrenuo unutrašnjosti sala, opremljenih na starinski način. Podvizi Napoleonove vojske donijele su nove ukrasne motive: mačeve, barjake. Tokom Napoleonove ere došlo je do promjena u odjeći i frizurama. Moda se širi na sve starinsko: od siluete i kroja haljina koje podsjećaju na hitone i tunike, do slobodno puštenih lokna. Nestali su samo krinoline i obruči, već i dijamanti; u modu je ušlo uklesano kamenje umetnuto u okvire (dragulji).

Za razliku od drugih vrsta umetnosti u muzici 18. veka. Barok kao stilski pokret i dalje je bio široko zastupljen. Najveći muzički majstori baroknog doba bili su Bah i Hendl.

Johann Sebastian Bach(1685-1750) bio je najveći muzičar 18. vijeka, a snaga njegove muzike je sve veća. Njegovo kompozitorsko stvaralaštvo bilo je iznenađujuće svestrano uprkos njegovom spolja skromnom životu (bio je kantor - vođa i dirigent crkvenog hora). Od djetinjstva, Bach je bio duboko religiozan i pridržavao se protestantske religije. Reformacija u Njemačkoj je donijela žar protestantskog korala (horskog pjevanja). Učinivši crkveni ritual jednostavnijim i strožijim, protestantizam je povećao značaj muzike u njemu. Crkva je postala centar muzičke umjetnosti, a crkveni orguljaš je bio njen predstavnik. Orguljska umjetnost bila je izuzetno rasprostranjena u Njemačkoj i stoga ne čudi da su orgulje pratile cijeli Bachov život. Njegovo orguljaško nasljeđe uključuje nekoliko žanrova, među kojima se ističu koralni preludiji i dvoglasni polifoni ciklusi. l fuga. Bachova muzika izražava religioznu poniznost, patos, lirizam i impuls. Uz prirodnost i jednostavnost, njegova djela odlikuju uzvišenost i značaj. Među Bachovim muzičkim stvaralaštvom postoji ogroman broj istinskih remek-djela koja su dobila svjetsko priznanje.

Pored Baha stoji još jedna značajna figura mjuziklnog baroka - George Frideric Handel(1685-1759). Njegov život se odvijao u velikim evropskim gradovima, dobio je odlično muzičko obrazovanje. Prva opera Rinaldo postavljena u Londonu donela je Hendlu slavu. Hendl je pisao muziku u mnogim žanrovima, ali vrhunac njegovog nasleđa čine oratorijumi (velika vokalno-simfonijska dela sa razvijenom fabulom). Književni izvor najpoznatijih kompozitorovih oratorija bio je prvi dio Biblije – Stari zavjet. Hendl je živeo u Engleskoj i događaji iz njene političke istorije, kao i epski domet biblijskih priča, nisu mogli da ne izazovu njegovo interesovanje.

Kompozitora su prvenstveno odlikovale građanske teme. Odabirući biblijske teme, Hendl se divi snazi ​​ljudskih strasti. Upravo su strast, dinamika i slika konfrontacije bili karakteristični za barok.

Ako je prva polovina 18.st. U muzici je barok definiran kao muzički stil, tada je njegova druga polovina postala vrhunac rada kompozitora bečke klasične škole:

Gluck, Haydn, Mozart i Beethoven. Najviša dostignuća klasicizma vezana su za Beč, glavni grad ogromnog Austrijskog carstva, grad u potpunosti zasićen muzikom.

Bečka klasična škola odgovorila je na osjećaje i ideje prosvjetiteljstva. Muzička umjetnost odražavala je duhovnu potragu i kontroverzne umjetničke procese svog vremena. Na primjer, Lesing je utjecao na Mozartovo djelo.

Principi klasicizma našli su svoju implementaciju u muzici prosvjetiteljstva.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) ušao je u istoriju muzike kao reformator operske umetnosti, koji je postavio temelje novom operskom stilu. Opere koje je Gluck napisao bile su neobične i po sadržaju i po načinu izražavanja osjećaja likova. Gluckove aktivnosti odvijale su se u Beču i Parizu, a bile su povezane i sa polemikama u filozofiji i estetici, u koje su bili uključeni i prosvjetni radnici. Kritikovali su dvorsku operu i vjerovali da je antičko pozorište idealno spojilo muziku, plastiku i deklamaciju.

Gluk je pokušao da dramatizuje operu, da joj da istinitost i prirodnost. Sve Gluckove najbolje opere, počevši od Orfeja, napisane su na antičke teme; u njima je kompozitor pronašao snažne likove i snažne strasti. Za Glukovog života njegove opere izazivale su žestoke kontroverze, ali vrijeme je pokazalo održivost principa, a nije slučajno da su ih primjenjivali i drugi istaknuti kompozitori.

Joseph Haydn(1732-1809) ostao je dirigent (vođa koralne i orkestarske kapele) skoro tri decenije, a samo svoje slobodno vreme posvetio je komponovanju muzike. Ako je Gluck reformirao operu, Haydn je stvorio savršene simfonije. Njegov stvaralački put tekao je kroz različite umjetničke epohe, ali je kompozitorov rad bio vezan upravo za doba prosvjetiteljstva. Prosvjetiteljstvo je vjerovalo u napredak društva i čovjeka, a Haydnova muzika izražava optimizam i želju za srećom. Haydnove kreacije su prilično racionalističke: odlikuju ih promišljenost i sklad, što je također u skladu s racionalističkim principima prosvjetiteljstva.

U svojim oratorijumima Haydn se okreće temi prirode, čiji je kult bio karakterističan za takvog prosvjetitelja kakav je Rousseau. Upravo je Haydn postao najsjajniji kompozitor prosvjetiteljstva.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) je počeo da komponuje u ranom detinjstvu, mnogo je putovao i rano stekao slavu. Kao i Gluck, Mocart je postao veliki reformator opere, ne samo da je simfonizira, već je i ažurira. Odabirom predstave poput “Ludi dan ili Figarova ženidba” Mocart je pokazao svoju posvećenost obrazovnim idejama. U Čarobnoj fruli kompozitor predstavlja svojevrsnu utopiju, blisku prosvjetiteljskom vjerovanju u moralni napredak čovječanstva. Mocartova muzika zadivljujuće kombinuje prirodnost i harmoniju, iskrenost i savršenstvo, besprekornu jasnoću i drhtavo uzbuđenje. Najveće dostignuće Mocartove muzike bio je čuveni "Rekvijem" - njegova poslednja kompozicija.

njemački kompozitor Ludwig van Beethoven(1770-1827) veći dio života proveo je u Beču. Njegovi spisi također nose otisak prosvjetiteljstva. Kompozitor se istakao upravo u žanrovima sonate i simfonije, koji su se konačno oblikovali u ovoj eri. Njegovi radovi otkrivaju promišljenost cjelokupnog plana i pojedinih detalja, te jasnoću formi.

U njegovim najpoznatijim delima oličena je herojska tema, tema borbe, koja je povezana kako sa ličnošću samog kompozitora, tako i sa osobenostima njegove biografije: događaje Velike Francuske revolucije preživeo je kao devetnaestogodišnjak. godišnja omladina. Iako su ideje prosvjetiteljstva bile karakteristične za Betovenovu muziku, on predstavlja novu eru, anticipirajući romantizam. Kompozitorov muzički stil razlikuje se od umjetnosti drugih bečkih klasika po obimu, dramatičnosti i emocionalnoj snazi. To su „Patetička sonata“, Treća simfonija („Eroična“), Peta i Deveta simfonija, posebno „Oda radosti“, koja završava poslednju. Celokupno Betovenovo nasleđe imalo je ogroman uticaj na razvoj muzike, posebno na formiranje romantizma.