Slikovita umjetnička djela obično se dijele na žanrove. One su oblik odraza života i pomažu da se klasifikuju i objedine slike različitih umjetnika. Žanrovi slikarstva se stalno mijenjaju zajedno s epohama, neki od njih nestaju ili se ponovo rađaju u novom obliku. Na primjer, kao što su vanitas (alegorijska mrtva priroda iz doba baroka) ili capriccio (arhitektonski fantastični pejzaž).

Vremenom se pojavljuju i novi žanrovi, koji su podjele postojećih. Na primjer, u pejzažu možete istaknuti gradski pejzaž i unutrašnjost. Tipična je i kombinacija žanrova u opštije nazive. Može se navesti primjer: borbeni, povijesni, svakodnevni, alegorijski žanrovi često se nazivaju figurativnim. Žanrovi slikarstva su veoma brojni, jer se stalno pojavljuju novi majstori slikarstva sa novim talentima i idejama. I ovo je divno, jer sve ide naprijed. Pogledajmo nadaleko poznate i najčešće korištene žanrove.

Marina

Marina- žanr slikarstva koji prikazuje pogled na more. To je vrsta pejzaža. Obično na takvim slikama možete vidjeti element mora u različito doba godine iu različitim uvjetima. Pomorski umjetnici također prikazuju borbu između čovjeka i elemenata, na primjer, često slikaju brodove i jedrenjake zahvaćene olujom.

To je žanr likovne umjetnosti u kojem je glavna tema priroda. Može se prikazati u svom izvornom obliku ili u ljudskom transformiranom obliku. Pejzaž u modernom smislu je nešto što se formiralo tokom mnogih vekova kako se umetničke tehnike menjaju i pojavljuju. Glavno mjesto u ovom žanru ima perspektiva, kompozicija, prikaz promjena u vazdušnom i vodenom okruženju, kao i svjetlosti.

- Ovo je slika životinja na slikama. Kombinira dva principa: umjetnički i naučni. Autor se u svojim slikama može fokusirati i na tačan prikaz životinja i na figurativne karakteristike. Na primjer, darivanje životinja ljudskim osobinama.

je slika arhitektonskih objekata. Može se klasificirati kao tip krajolika, koji ne prikazuje prirodni krajolik, već arhitektonski. Pored slika različitih zgrada, možete vidjeti i slike interijera u ovom žanru.

je umjetnikov prikaz bitaka. Ovo je ratna tema koja odražava istoriju kopnenih, morskih bitaka i vojnih pohoda. Autori ovog žanra nastoje prikazati ratne heroje, uhvatiti važne trenutke bitaka, ali i otkriti njihovo istorijsko značenje.

- umjetnikov odraz prizora svakodnevnog života ljudi i stvarnosti oko njih. To mogu biti scene sa pijace, slike praznika i ulične scene, žene i djeca, ručnice na poslu i još mnogo toga. Umjetnik može prikazati stvarne i izmišljene subjekte.

— umjetnički prikaz različitih povijesnih događaja i ličnosti, kao i značajnih društvenih događaja.

- žanr u kojem se na slikama prikazuju neživi predmeti. To mogu biti razni predmeti za domaćinstvo: kuhinjski pribor, posuđe, voće i cvijeće, kao i kompozicije od ovih predmeta. Najpoznatiji umjetnici mrtve prirode su flamanska i holandska škola, koji stvaraju radove posebnom tehnikom.

Žanrovi slikarstva (francuski žanr - rod, vrsta) su istorijski utvrđena podela slikarskih dela u skladu sa temama i objektima slike. U modernom slikarstvu postoje sljedeći žanrovi: portret, historijski, mitološki, borbeni, svakodnevni, pejzažni, mrtva priroda, animalistički žanr.

Iako se koncept „žanra“ u slikarstvu pojavio relativno nedavno, određene žanrovske razlike postoje još od antičkih vremena: slike životinja u pećinama iz paleolitske ere, portreti starog Egipta i Mezopotamije iz 3 hiljade pne, pejzaži i mrtve prirode u helenističkom i Rimski mozaici i freske. Formiranje žanra kao sistema u štafelajnom slikarstvu počelo je u Evropi u 15.-15. veku. i završava uglavnom u 17. vijeku, kada se, pored podjele likovne umjetnosti na žanrove, pojavljuje pojam „visokih“ i „niskih“ žanrova, ovisno o predmetu slike, temi, radnji.

„Visoki“ žanr je uključivao istorijske i mitološke žanrove, a „niski“ je uključivao portret, pejzaž i mrtvu prirodu. Ova gradacija žanrova postojala je sve do 19. veka. Tako su u 17. veku u Holandiji upravo „niski“ žanrovi postali vodeći u slikarstvu (pejzaž, svakodnevica, mrtva priroda), ali svečani portret, koji je formalno pripadao „niskom“ žanru portreta, jeste. ne pripadaju takvima.

Postavši oblik prikazivanja života, žanrovi slikarstva, uprkos postojanosti svojih opštih karakteristika, nisu nepromenljivi, razvijaju se zajedno sa životom, menjajući se kako se razvija umetnost. Neki žanrovi izumiru ili poprimaju novo značenje (npr. mitološki žanr), nastaju novi, obično unutar već postojećih (npr. u žanru pejzaža pojavili su se arhitektonski pejzaž i marina). Pojavljuju se djela koja kombiniraju različite žanrove (na primjer, kombinacija svakodnevnog žanra s pejzažom, grupni portret s povijesnim žanrom).

Zove se žanr likovne umjetnosti koji odražava vanjski i unutrašnji izgled osobe ili grupe ljudi portret. Ovaj žanr je rasprostranjen ne samo u slikarstvu, već iu skulpturi, grafici itd. Glavni zahtjevi za portret su prenošenje vanjske sličnosti i otkrivanje unutrašnjeg svijeta, suštine karaktera osobe. Na osnovu prirode slike razlikuju se dvije glavne grupe: svečani i kamerni portreti. Svečani portret prikazuje osobu u punom rastu (na konju, stoji ili sjedi), na arhitektonskoj ili pejzažnoj pozadini. Kamerni portret koristi sliku do pola ili do grudi na neutralnoj pozadini. Autoportret se izdvaja u posebnu grupu - umjetnikov prikaz samog sebe.

Portret je jedan od najstarijih žanrova likovne umjetnosti u početku je imao kultnu svrhu i poistovjećivao se s dušom pokojnika. U antičkom svijetu portret se više razvijao u skulpturi, kao iu slikanju portreta - Fajumski portreti 1. - 3. vijeka. U srednjem vijeku koncept portreta zamijenjen je generaliziranim slikama, iako su u freskama, mozaicima, ikonama i minijaturama postojale pojedinačne karakteristike u prikazu povijesnih ličnosti. Kasna gotika i renesansa je brzi period razvoja portreta, kada dolazi do formiranja žanra portreta, dostižući vrhunce humanističke vjere u čovjeka i razumijevanja njegovog duhovnog života.

Zove se žanr likovne umjetnosti posvećen povijesnim događajima i likovima istorijski žanr. Istorijski žanr, koji se odlikuje monumentalnošću, dugo se razvijao u zidnom slikarstvu. Od renesanse do 19. stoljeća. umjetnici su koristili predmete iz antičke mitologije i kršćanskih legendi. Često su stvarni povijesni događaji prikazani na slici bili zasićeni mitološkim ili biblijskim alegorijskim likovima.

Istorijski žanr se isprepliće sa ostalim – svakodnevnim žanrom (istorijske i svakodnevne scene), portretom (prikazi istorijskih ličnosti prošlosti, portretno-istorijske kompozicije), pejzažom („istorijski pejzaž“), i stapa se sa žanrom bitke.

Istorijski žanr oličen je u štafelajnim i monumentalnim oblicima, u minijaturama i ilustracijama. Nastao u antičko doba, historijski žanr je kombinirao stvarne istorijske događaje s mitovima. U zemljama drevnog istoka postojale su čak i vrste simboličkih kompozicija (apoteoza vojnih pobjeda monarha, prenošenje vlasti na njega od strane božanstva) i narativni ciklusi slika i reljefa. U staroj Grčkoj postojale su skulpturalne slike istorijskih heroja, u starom Rimu su stvoreni reljefi sa scenama vojnih pohoda i trijumfa.

U srednjem vijeku u Evropi historijski događaji su se odražavali u minijaturnim kronikama i ikonama. Istorijski žanr u štafelajnom slikarstvu počeo je da se formira u Evropi tokom renesanse, u 17. - 18. veku. smatran je „visokim“ žanrom, naglašavajući (religijske, mitološke, alegorijske, istorijske teme).

Slike istorijskog žanra bile su ispunjene dramatičnim sadržajem, visokim estetskim idealima i dubinom ljudskih odnosa.

Zove se žanr likovne umjetnosti posvećen junacima i događajima o kojima pričaju mitovi starih naroda mitološki žanr(od grčkog mythos - legenda). Mitološki žanr dolazi u dodir sa istorijskim i oblikuje se u doba renesanse, kada su antičke legende pružale bogate mogućnosti za utjelovljenje priča i likova sa složenim etičkim, često alegorijskim prizvukom. U 17. veku -- početak U 19. stoljeću u djelima mitološkog žanra širi se spektar moralnih i estetskih problema koji su se oličavali u visokim umjetničkim idealima i ili su se približavali životu ili stvarali svečani spektakl. Od 19. - 20. vijeka. Teme germanskih, keltskih, indijskih i slovenskih mitova postale su popularne.

Battle žanr(od francuskog bataille - bitka) je žanr slikarstva koji je dio istorijskog, mitološkog žanra i specijaliziran je za prikazivanje bitaka, vojnih podviga, vojnih operacija, veličanje vojne hrabrosti, bijesa bitke i trijumfa pobjede. Žanr bitke može uključivati ​​elemente drugih žanrova - domaći, portret, pejzaž, animalistički, mrtva priroda.

Žanr likovne umjetnosti koji prikazuje prizore čovjekove svakodnevice, ličnog života, svakodnevnog života iz seljačkog i gradskog života naziva se svakodnevni žanr. Prizivi na život i moral ljudi već se nalaze na slikama i reljefima antičkog istoka, u antičkom vaznom slikarstvu i skulpturi, u srednjovjekovnim ikonama i knjigama sati. No, svakodnevni žanr se izdvojio i dobio karakteristične forme tek kao fenomen svjetovne štafelajne umjetnosti. Njegove glavne karakteristike počele su da se oblikuju u 14. - 15. veku. u oltarskim slikama, reljefima, tapiserijama, minijaturama u Holandiji, Njemačkoj, Francuskoj. U 16. veku u Holandiji je svakodnevni žanr počeo da se brzo razvija i postao je izolovan. Jedan od njegovih osnivača bio je Hijeronim Boš.

Na razvoj svakodnevnog žanra u Evropi uvelike je utjecao rad Pietera Bruegela: on prelazi na čisti svakodnevni žanr, pokazuje da svakodnevni život može biti predmet proučavanja i izvor ljepote. 17. vijek se može nazvati vijekom svakodnevnog žanra u svim slikarskim školama u Evropi.

U 18. vijeku u Francuskoj se žanrovsko slikarstvo povezuje sa prikazom galantnih scena, „pastorala“, i postaje profinjeno i graciozno, ironično. Radovi svakodnevnog žanra bili su raznoliki: pokazivali su toplinu kućnog života i egzotiku dalekih zemalja, sentimentalna iskustva i romantične strasti. Svakodnevni žanr, fokusiran na prikaz seljačkog života i života stanovnika, živo se razvio u ruskom slikarstvu 19. stoljeća: na primjer, u djelima A.G.

Žanr likovne umjetnosti, gdje je glavna stvar prikaz prirode, okoliša, pogleda na selo, gradove, povijesne spomenike, naziva se pejzaž(francuski naslov). Postoje ruralni, urbani, arhitektonski, industrijski, morski (marina) i riječni pejzaži.

U antici i srednjem vijeku pejzaži se pojavljuju u slikama hramova, palača, ikona i minijatura. U evropskoj umjetnosti, venecijanski slikari renesanse prvi su se okrenuli prikazu prirode. Od 16. veka pejzaž postaje samostalan žanr, formiraju se njegove varijante i pravci: lirski, herojski, dokumentarni pejzaž. U 19. vijeku kreativna otkrića majstora pejzaža, njegovo zasićenje društvenim pitanjima, razvoj plenerizma (prikaz prirodnog okruženja) kulminirali su dostignućima impresionizma, što je dalo nove mogućnosti u slikovnom prenošenju prostorne dubine, promjenjivosti svjetlosti. -vazdušno okruženje i složenost šeme boja.

Žanr likovne umjetnosti koji prikazuje predmete svakodnevne upotrebe, rada, stvaralaštva, cvijeća, voća, ubijene divljači, ulovljene ribe, smještene u realnom svakodnevnom okruženju, naziva se mrtva priroda(francuski nature morte - mrtva priroda). Mrtva priroda može biti obdarena složenim simboličkim značenjem, igrati ulogu ukrasnog panela ili biti tzv. “trik”, koji daje iluzornu reprodukciju stvarnih predmeta ili figura koji dočaravaju efekat prisustva prave prirode.

Prikaz predmeta poznat je u umjetnosti antike i srednjeg vijeka. No, prvom mrtvom prirodom u štafelajnom slikarstvu smatra se slika umjetnika iz Venecije Jacopa de Barbarija "Jarebica sa strijelom i rukavicama". Već u 16. veku mrtva priroda se deli na više tipova: kuhinjski enterijer sa ili bez ljudi, postavljeni sto u seoskom ambijentu, „vanite” sa simboličkim predmetima (vaza sa cvećem, ugašena sveća, muzički instrumenti). Holandska mrtva priroda bila je posebno bogata, skromna u bojama i u prikazanim stvarima, ali izvrsna u ekspresivnoj teksturi predmeta, u igri boje i svjetla.

Zove se žanr likovne umjetnosti koja prikazuje životinje animalistički žanr(od lat. animal - životinja). Umjetnik životinja obraća pažnju na likovne i figurativne karakteristike životinje, njene navike, dekorativnu ekspresivnost figure i siluete. Često su životinje obdarene osobinama, radnjama i iskustvima svojstvenim ljudima. Slike životinja se često nalaze u drevnim skulpturama i slikanju vaza.

Većina slika koje vidite su štafelajne stvari. Ovaj izraz znači da su slike naslikane na posebnoj mašini - štafelaju. Mogu se uramiti, okačiti na zid ili pokloniti. Drugim riječima, štafelaj je slika naslikana na ravnoj pozadini: papir, daska. U ovoj vrsti slikarstva dominiraju uljane slike, ali i slike koje koriste druge materijale - gvaš i akvarel, pastel, tuš, ugljen, akrilne boje, olovke u boji itd.

Jedna od primijenjenih vrsta štafelajnog slikarstva je pozorišno i dekorativno slikarstvo – skice kostima likova i mizanscena.

Monumentalno slikarstvo - slikanje objekata

Monumentalno slikarstvo ne može postojati odvojeno od mjesta na kojem se izvodi. Ova vrsta slikarstva bila je veoma popularna u 16.-19. veku, kada su građeni veličanstveni hramovi i najbolji umetnici oslikavali njihove svodove. Najčešći tip monumentalnog slikarstva je fresko, slikanje bojama na bazi vode na mokroj žbuci.

Uobičajeno je bilo i slikanje na suhom gipsu - secco, ali su takvi radovi do danas slabije opstali. Najpoznatiji primjer monumentalnog slikarstva je velika slika Sikstinske kapele, u kojoj je Mikelanđelo učestvovao. Prema mišljenju kritičara, freske u kapeli mogu se izjednačiti sa Osmim svjetskim čudom.

Najstarija djela monumentalnog slikarstva su slike prvih ljudi na stijenama.

Dekorativno slikarstvo - primijenjena umjetnost

Dekorativno slikarstvo je usko povezano s dekorativnom i primijenjenom umjetnošću. Ima prilično sporednu ulogu u ukrašavanju raznih predmeta. Dekorativno slikarstvo je raznovrsnost šara i ornamenata kojima se ukrašavaju kućni predmeti, namještaj i arhitektura. Autori ove vrste slikarstva mogu biti nepoznati - ovoj vrsti pripadaju i jednostavne slike seljačkih kuća i namještaja.

Minijaturno slikanje - slatke male stvari

U početku je minijaturno slikarstvo bila umjetnost ukrašavanja knjiga. Antičke knjige su pravljene sa velikom pažnjom i bile su veoma skupe. Da bi ih ukrasili, angažirani su posebni majstori koji su lijepo dizajnirali velika slova, korice i zaglavlje između poglavlja. Takve publikacije bile su prava umjetnička djela. Bilo je nekoliko škola koje su se pridržavale strogih kanona minijaturnog slikarstva.

Kasnije su se minijature počele nazivati ​​slikama malih dimenzija. Korišćene su kao suveniri i pokloni za pamćenje. Unatoč maloj veličini, ova vrsta slikanja zahtijevala je veliku preciznost i vještinu. Najpopularniji materijali za suvenirske minijature bili su drvo, kost, kamen i metalne ploče.

Slikarski stilovi

2.1 Nadrealizam
2.2 Kubizam
2.3 Apstraktna umjetnost
2.4 Fovizam
2.5 Futurizam
2.6 Manirizam
2.7 Renesansa
2.8 Avangarda
2.9 Barok

2.1 Nadrealizam
Nadrealizam, modernistički (modernistički) pokret u književnosti, likovnoj umjetnosti i kinematografiji, nastao je u Francuskoj 1920-ih. i imao je veliki uticaj na zapadnu kulturu. Nadrealizam karakteriše sklonost svemu bizarnom, iracionalnom i neispunjavanju opšte prihvaćenih standarda. Sam pokret je bio heterogen, ali mu je glavni cilj bila emancipacija kreativnih snaga podsvijesti i njihova nadmoć nad umom. U određenoj mjeri, prethodnici nadrealista bili su dadaisti (dadaizam). Teoretičar i osnivač S. Andre Breton je tvrdio da bi ovaj pravac trebao riješiti kontradikciju između sna i stvarnosti i stvoriti neku vrstu apsolutne stvarnosti, nadrealnosti. Unatoč svim Bretonovim pokušajima da ujedini nadrealiste, nedostajalo im je jednodušnosti: stalno su se svađali, međusobno optuživali i isključivali iz svojih redova one koji se nisu slagali. Nadrealizam se temelji na Frojdovoj teoriji podsvijesti i njegovoj metodi "slobodne asocijacije" za prijelaz iz svijesti u podsvijest. Međutim, oblici izražavanja ovih ideja bili su veoma različiti među nadrealistima. Na primjer, Dali je sa skrupulozno preciznošću, "uvjerljivošću", ispisivao svaki detalj na svojim nelogičnim slikama nalik noćnim morama, pogoršavajući utisak halucinacije ili delirija, dok je Max Ernst radio na svojim platnima kao da automatski, "isključujući" um, preferirajući proizvoljne slike, često se pretvarajući u apstrakciju. Jean Miró se, međutim, razlikovao od drugih nadrealističkih umjetnika po raznolikosti i vedrini svojih slika. U periodu između dva svjetska rata, nadrealizam je postao najrasprostranjeniji, ali i najkontroverzniji pokret. Njegovi sljedbenici pojavili su se ne samo u Evropi, već iu SAD-u, gdje su mnogi pisci i umjetnici emigrirali tokom rata. Odlikuje se širinom pristupa i bogatstvom formi, nadrealizam je olakšao percepciju kubizma i apstraktne umjetnosti, a njegove metode i tehnike utjecale su na rad pisaca i umjetnika u mnogim zemljama svijeta.

2.2 Kubizam
Kubizam, modernistički pokret u slikarstvu 1. četvrtine 20. vijeka. Njegov izgled datira iz 1907. godine i povezuje se s radom Picassa i Braquea, posebno s Picassovom slikom "Les Demoiselles d'Avignon", koja prikazuje deformirane, hrapave figure, a nema perspektive ili chiaroscura. Kubizam je značio potpuni raskid sa realističkim prikazom prirode koji je dominirao evropskim slikarstvom od renesanse. Cilj Picassa i Braquea je konstruirati trodimenzionalni oblik na ravni, dijeleći ga na geometrijske elemente. Oba umjetnika gravitirala su jednostavnim, opipljivim formama, nekompliciranim zapletima, što je posebno karakteristično za rani period kubizma, tzv. „Cézanne“ (1907-1909), koji se razvijao pod utjecajem afričke skulpture i djela Cezannea. Čini se da su moćni volumeni raspoređeni na platnu, boja pojačava volumen (Picaso “Tri žene”, 1909). Sljedeće razdoblje (1910-1912) naziva se "analitičkim": predmet je zdrobljen na male rubove, koji su jasno odvojeni jedan od drugog, oblik predmeta kao da se zamagljuje na platnu, boja kao takva praktički nema (Braque " U čast J.S. Bacha", 1912. U potonjem, poznatom kao „sintetički“ kubizam, slike se pretvaraju u šarene, ravne panele (Picasso „Taverna“, 1913-1914), forme postaju dekorativnije, šablone slova i razne naljepnice se uvode u crtež, formirajući kolaže. Juan Gris piše na ovaj način, zajedno sa Braqueom i Picassom. Prvi svjetski rat prekinuo je suradnju Braquea i Picassa, ali je njihov rad imao veliki utjecaj na druge pokrete, uključujući futurizam, orfizam, purizam i vorticizam. Utjecaj kubizma u vizualnoj umjetnosti nastavio se sve do 1960-ih.

2.3 Apstraktna umjetnost
Apstrakcionizam je najekstremnija škola modernizma. Apstraktna umjetnost, koja se naziva i nefigurativna umjetnost, pojavila se kao pokret 10-ih godina dvadesetog stoljeća. Budući da umjetnici ovog pokreta poriču bilo kakvu reprezentaciju u umjetnosti i odbijaju prikazati objektivni svijet, apstrakcionizam se naziva i neobjektivnost. Teoretičari apstrakcionizma ga izvode od Cezannea kroz kubizam. Upravo taj put – od reprezentacije preko “idealne stvarnosti” takozvanog sintetičkog kubizma do potpune nereprezentacije – vodio je jedan od osnivača “neoplasticizma”, holandski slikar Piet (Peter Cornelis) Mondrian (1872-1944). ), Take, koji je vjerovao da “čista plastičnost stvara čistu stvarnost”. U 10-im godinama, Mondrian je bio povezan s kubizmom, međutim, dovodeći njegove principe u jednostavno crtanje na ravni. Kod kuće, u Holandiji, Mondrijan je imao grupu sledbenika okupljenih oko časopisa „Stil“. Program časopisa proklamirao je stvaranje univerzalne slike svijeta kroz pravokutnike različitih boja, međusobno odvojene debelom crnom linijom. Tako su se pojavile bezbrojne kompozicije bez imena, pod brojevima i slovima. Mondrian je bukvalno bio opsjednut kultom ravnoteže između vertikala i horizontala i raskinuo je s časopisom Style kada je uveo ugao od 45 stepeni kao komponentu izražajnog jezika 1924. Mondrianove ideje preuzeli su italijanski "konkretisti" 1940-ih. Na osnovu Mondrianove izjave da „nema ništa konkretnije od linije, boje, ravni“, počeli su da stvaraju „novu realnost“ od linija i ravni otvorenih žutih, crvenih i plavih boja. Drugi osnivač apstraktne umjetnosti Vasilij Kandinski (1866-1944) stvorio je svoja prva “neobjektivna” djela još prije kubista. Po rođenju Moskovljanin, Kandinski se prvo pripremao za pravnu karijeru, 1896. dolazi u Minhen gde studira u školi A. Azhbe (1897-1898) i na Akademiji umetnosti (1900) kod F. fon Štuka, i Zainteresovao se za Gogena i foviste, popularnu popularnu štampu. Godine 1911., zajedno sa F. Markom, osnovao je udruženje Plavi jahač. U svom djelu “O duhovnom u umjetnosti” proglašava odmak od prirode, od prirode ka “transcendentalnim” suštinama pojava i predmeta; aktivno se bavi problemima približavanja boje muzici. Na Kandinskog je takođe veliki uticaj imao simbolizam. Nesumnjivo, iz simbolike njegovo razumijevanje crne, na primjer, kao simbola smrti, bijele - kao rođenja, crvene - kao hrabrosti. Horizontalna linija utjelovljuje pasivni princip, vertikalna linija - aktivni princip. Istraživači s pravom smatraju da je Kandinski posljednji predstavnik književno-psihološkog simbolizma, poput Moreaua u Francuskoj i Ciurlionisa u Litvaniji, a ujedno i prvi apstraktni umjetnik. "Objektivnost je štetna za moje slike", napisao je u svom djelu "Umjetnikov tekst". Radovi Kandinskog ovog perioda su živopisna platna na kojima su bezoblične mrlje intenzivne boje u prekrasnim kombinacijama ispresijecane zakrivljenim ili vijugavim linijama, koje ponekad podsjećaju na hijeroglife. To je samo po sebi već bio veliki zločin sa Mondrianove tačke gledišta, oni su prilično bliski detinjastoj spontanosti Kleeovih slika. Radovi Kandinskog donekle podsjećaju na fotografske efekte svjetlosti uhvaćene bojom. Godine 1914. Kandinski se vratio u Rusiju, bio je jedan od organizatora Muzeja slikovne kulture u Petrogradu i Inkhuka u Moskvi. Od kraja 1921. živi u Njemačkoj. Početkom 20-ih, Kandinski je volio takozvani geometrijski apstrakcionizam (za razliku od slikovnog apstrakcionizma prethodnog perioda). Godine 1933., sa pojavom fašizma u Njemačkoj, Kandinski je emigrirao u Francusku, gdje je živio do kraja svojih dana. Čini se da kasnija djela Kandinskog kombiniraju principe slikovnog i geometrijskog apstrakcionizma. Treći osnivač apstraktnog slikarstva je Kazimir Malevič (1878-1935). Kombinovao je impresionizam Kandinskog i Cézanneov geometrijski apstrakcionizam Mondriana u suprematizmu koji je izmislio (od francuskog vrhovni - najviši). Učenik Kijevske umjetničke škole, zatim Moskovske škole za slikarstvo, skulpturu i arhitekturu, Malevič je prošao kroz strast prema impresionizmu, zatim kubizmu, a 10-ih godina bio je pod utjecajem futurista Carra i Boccionija. Od 1913. godine stvara sopstveni sistem apstraktnog slikarstva, izlažući javnosti sliku "Crni kvadrat", jednostavan crni kvadrat naslikan na beloj pozadini, i nazivajući ovaj sistem "dinamičkim suprematizmom". U svojim teorijskim radovima kaže da u suprematizmu „ne može biti govora o slikarstvu, slikarstvo je odavno zastarjelo, a sam umjetnik je predrasuda prošlosti“. Početkom 30-ih godina vraća se figurativnom slikarstvu u realističkoj tradiciji, sa sovjetskom temom („Djevojka s crvenim vratilom“). Malevičev "Crni kvadrat" ušao je u istoriju kao najviši izraz ekstrema modernističke umetnosti. Poseban pravac u apstraktnoj umjetnosti - rajonizam - vodili su Mihail Larionov i Natalija Gončarova. Prema Larionovu, svi objekti se vide kao zbir zraka. Zadatak umjetnika je pronaći sjecište zraka koje konvergiraju u određenim tačkama, tj. šarene linije koje ih predstavljaju u slikarstvu. Dolaskom na vlast fašista, centri apstraktne umjetnosti preselili su se u Ameriku. Godine 1937. u Njujorku je stvoren Muzej neobjektivnog slikarstva koji je osnovala porodica milionera Gugenhajma, a 1939. Muzej moderne umetnosti, nastao sredstvima Rokfelera. Tokom Drugog svetskog rata i nakon njegovog završetka, u Americi su se okupile sve ultra-levičarske snage umetničkog sveta. U poslijeratnom periodu, novi val apstraktne umjetnosti bio je podržan ogromnim razmjerom reklamiranja i organiziranog uspjeha. Kapital se ulaže u radove apstraktnog slikarstva. Jackson Pollock (1912-1956) smatra se "zvijezdom" američke apstraktne umjetnosti poslijeratnog perioda. Pollock je skovao termin "kapanje" - prskanje boje na platno bez upotrebe četke. To se u Americi naziva i apstraktnim ekspresionizmom, u Francuskoj - tachisme (od riječi tache - mrlja), u Engleskoj - akciono slikarstvo, u Italiji - nuklearno slikarstvo (pittura nuklearne). U Francuskoj je u prvoj polovini 40-ih godina bilo zatišje na polju apstraktne umjetnosti. To je uzrokovano jačanjem pozicije realističke umjetnosti nakon rata, nakon pokreta Narodnog fronta i pokreta otpora. Od kasnih 40-ih, apstrakcionisti su se ponovo ujedinili u "Salon des realites nouvelles" i izdavali poseban časopis "Aujourd" hui art et architecture." Njegovi teoretičari su Leon Degan i Michel Seyfort. U 50-im, strast za apstrakcionizmom je bila široko rasprostranjena. u Francuskoj Rival American Pollock predstavlja Georges Mathieu, koji svoje „kreativne seanse“ u prisustvu javnosti prati maskiranim maskama i muzikom i svoje ogromne kreacije naziva prilično zapletom (na primjer, „Bitka kod Bouvina“). , što ih, međutim, ne čini manje apstraktnim, kako je pisao teoretičar apstrakcije L. Ventuli, „...umetnost se naziva apstraktnom kada se ne apstrahuje od ličnosti umetnika, već od predmeta spoljašnjeg sveta. ..”.

2.4 Fovizam
Fovizam - (francuski fauvisme, od fauve - divlji), pokret u francuskom slikarstvu ranog dvadesetog veka. Ironični nadimak “les fauves” (divlji) kritičari su dali grupi slikara koji su 1905. godine nastupali na pariškom “Salonu nezavisnih” (Henri Matisse, Andre Derain, Maurice Vlaminck, Albert Marquet, itd.). Fovizam je oličavao estetski protest protiv umjetničkih tradicija 19. stoljeća. Za kratko vrijeme (1905-1907) majstore različitih ličnosti spajala je privlačnost figurativnim formulama, kolorističkim kontrastima i oštrim kompozicionim ritmovima, te potraga za svježim impulsima u primitivnom stvaralaštvu, srednjovjekovnoj i orijentalnoj umjetnosti. Modeliranje volumena, rekreacija prostora i zračna linearna perspektiva među fovistima su potisnuti u stranu neposrednom emocionalnom ekspresivnošću intenzivnog šarenog mjesta, dekorativnih struktura koje služe prvenstveno kao izraz živopisnih umjetnikovih emocija.

2.5 Futurizam
Futurizam - (od latinskog futurum - budućnost), opći naziv avangardnih umjetničkih pokreta 1910-ih - ranih 20-ih godina u nekim evropskim zemljama (prvenstveno Italiji i Rusiji), bliskih u dalekim deklaracijama (proklamacija ideja stvaranja "umjetnosti" budućnosti“, negiranje umjetničkih tradicija i sl.) i odabrane teme. U Italiji su futuristi budućnost doživljavali s uzvišenim optimizmom i apsolutizirali vanjske znakove tehničke civilizacije kao nove estetske vrijednosti, označavajući model budućeg svjetskog poretka, novi tip masovne svijesti. U futurizmu postoji kombinacija gledišta i umnožavanje kontura, kao da je uzrokovano brzim kretanjem, deformacijom figura, oštrim kontrastima u strukturi boja, kaotičnim upadom u kompoziciju isječaka teksta itd. Predstavnici: vođa i teoretičar F.T. Marinetti, U. Boccioni, C. Carra i drugi U Rusiji je futurizam bio jasnije izražen u književnosti (D.D. Burliuk, V.V. Mayakovsky i dr.) i karakterizirali su ga nihilistički slogani, propovijedanje individualističkog bunta, estetizacija tehnologije i urbane kulture. zahtjevi za demokratizacijom umjetnosti.

2.6 Manirizam
Manirizam (Manerizam, ital. maniera - stil, način), termin koji se koristi u teoriji likovne umjetnosti. Postao je popularan zahvaljujući umetniku i biografu iz 16. veka Vazariju, koji ga je okarakterisao kao visok stepen gracioznosti, ravnoteže i sofisticiranosti u umetnosti. Međutim, od 17. veka većina kritičara, smatrajući da je italijanska umetnost 2. polovine 16. veka bila u opadanju u odnosu na vrhunce koje su tokom visoke renesanse (renesanse) postigli Leonardo da Vinči, Mikelanđelo i Rafael, termin „manirizam “ primijenjen je na umjetnost koju karakterizira metaforičko bogatstvo, sklonost hiperboli i grotesknosti. Kao rezultat toga, manirizam se počeo nazivati ​​stilom koji su usvojile škole italijanske umjetnosti, prvenstveno rimske, u periodu između epohe visoke renesanse i baroka (oko 1520-oko 1600). Uobičajeno je govoriti o manirizmu počevši od Rafaela, kada je napustio krajnje jasna i uravnotežena izražajna sredstva karakteristična za visoku renesansu i počeo raditi na sofisticiraniji način. Manirizam karakteriziraju izdužene figure, napete poze (contrapposto), neobični ili bizarni efekti vezani za veličinu, osvjetljenje ili perspektivu, te svijetle boje. U skulpturi, vjesnik manirizma bio je Giambologna, čija umjetnost, koja je imala ogroman utjecaj na njegove suvremenike, kombinira hirovite poze s izuzetnom glatkoćom i elegancijom oblika. Među vodeće manirističke skulpture je Benvenuto Cellini. Manirizam u arhitekturi je teško definirati kao i u slikarstvu i skulpturi, ali često podrazumijeva svjesni prezir prema utvrđenim pravilima i klasičnim tradicijama. Izvan Italije, maniristima se ponekad nazivaju predstavnici škole Fontainebleau u Francuskoj, holandski umjetnici 16. stoljeća (mnogi od njih su usvojili ideje manirizma nakon posjete Italiji) i El Greco u Španiji. U književnosti i muzici izraz "manerizam" se koristi čak i šire nego u likovnoj umjetnosti i arhitekturi. Stoga se književna djela koja se odlikuju kitnjastim slogovima, složenom sintaksom i upotrebom maštovitih i fantastičnih slika nazivaju „manirističkim“. Najpoznatiji primjer je dvotomni roman Euphues (1578-1580) Johna Lylyja, iz kojeg je nastao termin "Eufuizam", što znači vrlo izvještačen i pretenciozan stil. U muzici se, na primjer, „manirističkim“ smatra djelo italijanskog kompozitora, autora madrigala Carla Gesualda di Venosa, čija se djela odlikuju neobičnom harmonijom, naglim promjenama tempa i živopisnim izrazom.

2.7 Renesansa
Renesansa (renesansa), doba intelektualnog i umjetničkog procvata koje je počelo u Italiji u 14. vijeku, dostiglo vrhunac u 16. stoljeću i imalo značajan utjecaj na evropsku kulturu. Izraz "renesansa", koji je označavao povratak vrijednostima antičkog svijeta (iako se interes za rimske klasike pojavio u 12. stoljeću), pojavio se u 15. stoljeću, a teorijsko opravdanje dobio je u 16. stoljeću u Vasarijevim djelima. , posvećena stvaralaštvu poznatih umjetnika, vajara i arhitekata. Tada se formirala ideja o harmoniji koja vlada u prirodi i o čovjeku kao kruni njenog stvaranja. Među istaknutim predstavnicima ovog doba su umjetnik Alberti; arhitekta, umetnik, naučnik, pesnik i matematičar Leonardo da Vinči. Arhitekt Brunelleschi, inovativno koristeći helenističke tradicije, stvorio je nekoliko zgrada koje po ljepoti nisu bile inferiorne u odnosu na najbolje antičke primjere. Vrlo su zanimljiva djela Bramantea, kojeg su njegovi savremenici smatrali najtalentovanijim arhitektom visoke renesanse, i Palladija, koji je stvorio velike arhitektonske cjeline koje su se odlikovale cjelovitošću umjetničkog koncepta i raznolikošću kompozicionih rješenja. Pozorišne zgrade i scenografije izgrađene su po arhitektonskom djelu Vitruvija (oko 15. pne.) u skladu sa principima rimskog teatra. Dramaturzi su slijedili stroge klasične kanone. Gledalište je, po pravilu, bilo u obliku konjske potkove, ispred nje je bila podignuta platforma sa proscenijumom, odvojena od glavnog prostora lukom. Ovo je usvojeno kao model za zgradu pozorišta za čitav zapadni svet u narednih pet vekova. Renesansni slikari stvorili su koherentan koncept svijeta s unutrašnjim jedinstvom i ispunili tradicionalne vjerske teme zemaljskim sadržajem (Nicola Pisano, kraj 14. stoljeća; Donatello, početak 15. stoljeća). Realistički prikaz čovjeka postao je glavni cilj umjetnika rane renesanse, o čemu svjedoče djela Giotta i Masaccia. Pronalazak načina za prenošenje perspektive doprinio je istinitijoj refleksiji stvarnosti. Jedna od glavnih tema slika renesanse (Gilbert, Michelangelo) bila je tragična nepomirljivost sukoba, borbe i smrti heroja. Oko 1425. godine Firenca je postala središte renesanse (florentinska umjetnost), ali do početka 16. stoljeća - visoka renesansa - Venecija (mletačka umjetnost) i Rim zauzimaju vodeće mjesto. Kulturni centri bili su dvorovi vojvoda od Mantove, Urbina i Ferade. Glavni pokrovitelji umjetnosti bili su Mediči i pape, posebno Julije II i Lav X. Najveći predstavnici "sjeverne renesanse" bili su Durer, Cranach Stariji i Holbein. Sjevernjački umjetnici uglavnom su oponašali najbolje talijanske primjere, a samo rijetki, poput Jan van Scorela, uspjeli su stvoriti vlastiti stil, koji se odlikovao posebnom elegancijom i gracioznošću – manirizmom. Renesansni umjetnici: Alberti, Leonardo da Vinci, Botticelli, Tizian, Michelangelo, Raphael.

2.8 Avangarda
Avangardizam (francuski avant-gardisme - naprijed i stražar) je opći naziv umjetničkih pokreta 20. stoljeća, koje karakterizira potraga za novim, nepoznatim, često jedinstvenim oblicima i sredstvima umjetničkog prikaza, potcjenjivanje ili potpuno poricanje tradicije i apsolutizacije inovacija. Rođen iz duhovne atmosfere 20. veka sa svojim grandioznim kataklizmama, ilustruje ne samo protivrečnosti između različitih sistema i tehnika kompozicije, već i borbu ideoloških pozicija. Neki teoretičari i praktičari avangardizma proglašavaju stvaranje elitne umjetnosti stranom društvenim zadacima, dok drugi, naprotiv, traže fundamentalno nova sredstva izražavanja za prenošenje osjećaja društvenog protesta i revolucionarnog sadržaja. Isticao se uglavnom ne završenim oblicima, već tendencijama pomjeranja tradicionalnih tema, zapleta i principa kompozicije, hipertrofijom konvencije, snažnom (zvuk, boja, plastika i drugo) ekspresivnošću. Karakteriše ga i rušenje objektivno određenih granica između vrsta i žanrova (prodiranje poezije i muzike u prozu i „prozeizacija“ poezije, prenošenje principa muzičke kompozicije u književnost i vizuelne umetnosti). Kontradiktorna priroda avangardizma očituje se u težnji nekih njegovih pravaca ka formalizmu (pobjeda verbalne slike i simbolike nad sadržajem u poeziji i prozi, naglasak na boji, kompozicionoj strukturi i besprizornosti u slikarstvu, atonalnosti i kakofoniji u muzika), a drugi, naprotiv, ka negiranju estetike suštine umjetnosti i utilitarizma (spajanje umjetnosti s produkcijom, svakodnevnim životom i političkim novinarstvom). U svojim ekstremnim oblicima stapa se sa dekadencijom, modernizmom i apstraktnom umetnošću. Talentovani predstavnici avangardizma rano. 20. stoljeće (futurizam, imagizam, konstruktivizam, itd.), koji se dosljedno držao progresivnog pogleda na svijet, uspjeli su da prevaziđu uske granice ovih trendova i obogati kulturu novim umjetničkim vrijednostima.

2.9 Barok
Barok (barokna umetnost), stil evropske umetnosti i arhitekture 17. i 18. veka. U različitim vremenima, pojam "barok" imao je različita značenja. U početku je imao uvredljivu konotaciju, implicirajući apsurd, apsurd (možda seže do portugalske riječi koja znači ružan biser). Trenutno se koristi u umjetničkim povijesnim djelima kako bi se definirao stil koji je dominirao evropskom umjetnošću između manirizma i rokokoa, odnosno od otprilike 1600. do početka 18. stoljeća. Od baroknog manirizma umjetnost je naslijedila dinamiku i duboku emocionalnost, a od renesanse - čvrstoću i raskoš: odlike oba stila skladno su se spojile u jednu jedinstvenu cjelinu. Najkarakterističnije crte baroka - blještava cvjetnost i dinamizam - odgovarale su samopouzdanju i aplombu novomoćne Rimokatoličke crkve. Izvan Italije, barokni stil je najdublje ukorijenio u katoličkim zemljama, a, na primjer, u Britaniji je njegov utjecaj bio neznatan. U ishodištu tradicije barokne umetnosti u slikarstvu stoje dva velika italijanska umetnika - Caravaggio i Annibale Carracci, koji su najznačajnija dela stvorili u poslednjoj deceniji 16. veka - prvoj deceniji 17. veka. Italijansko slikarstvo kasnog 16. veka karakteriše neprirodnost i stilska nesigurnost. Caravaggio i Carracci su svojom umjetnošću vratili njenu cjelovitost i izražajnost. U italijanskoj arhitekturi najistaknutiji predstavnik barokne umjetnosti bio je Carlo Maderna (1556-1629), koji je raskinuo s manirizmom i stvorio vlastiti stil. Njegova glavna kreacija je fasada rimske crkve Santa Susanna (1603.). Glavna figura u razvoju barokne skulpture bio je Lorenzo Bernini, čija prva remek-djela izvedena u novom stilu datiraju iz otprilike 1620. godine. Kapela Coranaro u crkvi Santa Maria della Victoria (1645-1652) smatra se kvintesencijom baroka. , impresivan spoj slikarstva, skulpture i arhitekture. Berninijevi najistaknutiji italijanski savremenici tokom ovog zrelog baroknog perioda bili su arhitekta Borromini i umetnik, i arhitekta Pietro da Cortona. Nešto kasnije radi Andrea del Pozzo (1642-1709); njegov oslikani plafon u crkvi Sant'Ignazio u Rimu (Apoteoza sv. Ignacija Lojole) vrhunac je barokne težnje ka pompeznom sjaju. U 17. veku, Rim je bio svetska prestonica umetnosti, privlačeći umetnike iz cele Evrope, a barokna umetnost se ubrzo proširila izvan „večnog grada“. U svakoj baroknoj zemlji umjetnost se hranila lokalnim tradicijama. U nekim je zemljama postalo ekstravagantnije, kao na primjer u Španjolskoj i Latinskoj Americi, gdje se razvio stil arhitektonske dekoracije zvan churrigueresco; u drugima je bio prigušen u korist konzervativnijih ukusa. U katoličkoj Flandriji, barokna umjetnost je procvjetala u Rubensovom djelu, imala je manje primjetan utjecaj na protestantsku Holandiju. Istina, Rembrantova zrela djela, izuzetno živahna i dinamična, jasno su obilježena utjecajem barokne umjetnosti. U Francuskoj se najjasnije izrazio u službi monarhije, a ne crkve. Luj XIV je shvatio važnost umjetnosti kao sredstva veličanja kraljevske moći. Njegov savjetnik u ovoj oblasti bio je Charles Lebrun, koji je nadgledao umjetnike i dekoratere koji su radili u Louisovoj palati u Versaillesu. Versailles, sa svojom grandioznom kombinacijom raskošne arhitekture, skulpture, slikarstva, dekorativne i pejzažne umjetnosti, bio je jedan od najupečatljivijih primjera fuzije umjetnosti. Barokna umjetnost doprinijela je stvaranju pozorišnih efekata ostvarenih rasvjetom, lažnom perspektivom i spektakularnim scenskim ukrasima. Međutim, malo je odgovarao uzdržanom britanskom ukusu. U engleskoj arhitekturi uticaj baroka bio je primetan tek početkom 18. veka u jedinstvenom delu Vanbrua i Hoksmora. Neki od Wrenovih kasnijih radova pristupaju ovom stilu. Želja barokne umjetnosti za razmjerom osjeća se u veličanstvenom dizajnu katedrale sv. Pavla (1675-1710) i bolnice Greenwich (početkom 1696). Barok je ustupio mjesto mirnijem paladijanizmu. U svim vrstama umjetnosti, barok se stopio sa lakšim rokoko stilom. Ovo spajanje je bilo veoma plodno u srednjoj Evropi, posebno u Drezdenu, Beču i Pragu.

Žanr (od francuskog Genre - vrsta) - skup djela ujedinjenih:

Opći raspon tema ili tema slike;

Način razumijevanja i tumačenja: alegorija, fantazija.

Žanr je nekoliko posebnosti svojstvenih umjetničkim djelima, po kojima jedno od njih razlikujemo od drugih.

Umjetnik slika bojama, a tehnika i načina rada s njima ima puno, složene su i raznolike, to je čitava nauka. Ali u zavisnosti od toga šta je prikazano na slici, možete odrediti njen žanr.

AUTOPORTRET - portret naslikan od samog sebe.

ALEGORIJA - prikaz apstraktnih pojmova kroz asocijativno bliske konkretne slike, bića i predmete, obično obdarenih atributima koji objašnjavaju njihov sadržaj.

ŽIVOTINJA - povezana sa prikazom životinja u slikarstvu, skulpturi i grafici; kombinuje prirodno-naučne i umetničke principe.

BATTAL - posvećen prikazu rata i vojnog života. U djelima bojnog žanra glavno mjesto zauzimaju scene bitaka i vojnih pohoda sadašnjosti ili prošlosti.

DOMAĆINSTVO - povezuje se s prikazom svakodnevnog privatnog i javnog života osobe.

ISTORIJSKI je jedan od glavnih žanrova likovne umjetnosti, posvećen istorijskim događajima prošlosti i sadašnjosti, društveno značajnim pojavama u istoriji naroda.

KARIKATURA je žanr likovne umjetnosti koji koristi sredstva satire i humora, groteske, crtanog filma i umjetničke hiperbole; slika u kojoj se komični efekat stvara preuveličavanjem i izoštravanjem karakterističnih crta.

MITOLOŠKI - posvećen događajima i junacima o kojima mitovi govore.

MRTVA PRIRODA - žanr likovne umjetnosti koji prikazuje nežive predmete smještene u realnu svakodnevicu i organizirane u određenu grupu; slika koja prikazuje kućne potrepštine, cvijeće, voće, mrtvu divljač, ulovljenu ribu.

Akt je žanr likovne umjetnosti posvećen golom tijelu i njegovoj umjetničkoj interpretaciji.

PASTORAL - prikaz idiličnog mirnog života pastira i pastirica u krilu prirode.

PEJZAŽ – slika bilo kojeg područja, slike prirode: rijeke, planine, polja, šume, ruralni ili urbani pejzaži; Prema temi slike razlikuju arhitektonsko-urbani, industrijski pejzaž, vedutu, marinu (prikazuje more), povijesni, fantastični (futurološki), lirski, epski pejzaž.

PORTRET je žanr likovne umjetnosti posvećen prikazu osobe ili grupe ljudi; sorte - autoportret, grupni portret, ceremonijal, komorni, kostimografski portret, portret minijature, parsuna.

MRVA je vrsta karikature, humoristične ili satirične slike u kojoj se mijenjaju i naglašavaju karakteristične osobine osobe.

5. Pozorište

Pozorište(grčki θέατρον - glavno značenje je mesto za spektakle, zatim - spektakl, od θεάομαι - gledam, vidim) - spektakularni oblik umetnosti, koji predstavlja sintezu različitih umetnosti - književnosti, muzike, koreografije, vokala, vizuelnog umjetnosti i drugih, i ima svoju specifičnost: odraz stvarnosti, sukoba, likova, kao i njihovo tumačenje i vrednovanje, odobravanje određenih ideja ovdje se dešava kroz dramsku radnju čiji je glavni nosilac glumac.

Generički pojam „pozorišta“ uključuje njegove različite vrste: dramsko pozorište, operu, balet, lutkarsko pozorište, pozorište pantomime, itd.

U svim vremenima, pozorište je bilo kolektivna umetnost; U modernom pozorištu, pored glumaca i reditelja (dirigenta, koreografa), u stvaranju predstave učestvuju i scenograf, kompozitor, koreograf, kao i rekviziteri, kostimografi, šminkeri, scenski radnici i tehničari za rasvjetu.

Razvoj pozorišta oduvijek je bio neodvojiv od razvoja društva i stanja kulture u cjelini - njegov procvat ili pad, prevlast određenih umjetničkih tokova u pozorištu i njegova uloga u duhovnom životu zemlje bili su povezani sa posebnosti društvenog razvoja