Danas remek-djela impresionističkih umjetnika doživljavamo u kontekstu svjetske umjetnosti: za nas su ona odavno postala klasika. Međutim, to nije uvijek bio slučaj. Dešavalo se da njihove slike nisu puštene na zvanične izložbe, bile su kritikovane u štampi, a nisu hteli da ih kupe ni za simboličnu naknadu. Bilo je godina očaja, potrebe i uskraćenosti. I borba za priliku da naslikaju svijet kako su ga oni vidjeli. Trebalo je mnogo decenija da većina bude sposobna da shvati i sagleda, da vidi sebe njihovim očima. Kakav je to bio svijet u koji je impresionizam upao ranih 1860-ih, poput snažnog vjetra koji donosi transformaciju?

Društveni prevrati kasnog 18. stoljeća, revolucije u Francuskoj i Americi, transformisali su samu suštinu zapadne kulture, što nije moglo a da ne utiče na ulogu umjetnosti u društvu koje se brzo mijenja. Navikli na društvene poretke iz vladajuće dinastije ili crkve, umjetnici su iznenada otkrili da su ostali bez svojih klijenata. Plemstvo i sveštenstvo, glavni kupci umjetnosti, doživjeli su ozbiljne poteškoće. Pojavila se nova era, era kapitalizma, koja je potpuno transformisala pravila i prioritete.

Postepeno, u uspostavljenim republikama i demokratski organizovanim silama, rasla je bogata srednja klasa, usled čega je počelo naglo da se razvija novo umetničko tržište. Nažalost, poduzetnicima i trgovcima je u pravilu nedostajala nasljedna kultura i odgoj, bez kojih je bilo nemoguće ispravno cijeniti raznovrsnost alegorija zapleta ili vještih izvođačkih vještina koje su dugo fascinirale aristokratiju.

Ne odlikujući se aristokratskim odgojem i obrazovanjem, predstavnici srednje klase koji su postali potrošači umjetnosti bili su primorani da se u početku fokusiraju na razmatranja novinskih kritičara i zvaničnih stručnjaka. Stare umjetničke akademije, kao čuvari klasičnih temelja, postale su centralni arbitri u pitanjima umjetničke težine. Nije paradoksalno da su se neki mladi i željni slikari, zgroženi konformizmom, pobunili protiv formalne dominacije akademizma u umjetnosti.

Jedno od značajnih uporišta akademizma tog vremena bile su izložbe savremene umjetnosti, pod pokroviteljstvom vlasti. Takve izložbe su nazvane Saloni - prema tradiciji, prema nazivu dvorane u Louvreu, gdje su svojevremeno izlagali svoja platna dvorski umjetnici.

Učešće na Salonu bila je jedina prilika da se za svoje radove privuče interesovanje novinara i klijenata. Auguste Renoir, u jednom od svojih pisama Durand-Ruelu, ovako govori o trenutnom stanju stvari: „U cijelom Parizu jedva da ima petnaest obožavatelja koji bi mogli prepoznati umjetnika bez pomoći Salona, ​​a osamdeset hiljada ljudi koji neće nabaviti ni kvadratni centimetar platna ako umjetnik ne uđe u Salon."

Mladim slikarima nije preostalo ništa drugo nego da se pojave u Salonima: na izložbi su mogli čuti nelaskave riječi ne samo od članova žirija, već i od duboko cijenjenih slikara poput Eugenea Delacroixa, Gustava Courbeta, Edouarda Manea, koji su bili miljenici mladima, čime se dobija podsticaj za dalje stvaralaštvo. Uz to, Salon je bio jedinstvena prilika da se stekne kupac, bude zapažen i izgradi umjetnička karijera. Nagrada Salona predstavljala je jamstvo umjetnika za profesionalno priznanje. Nasuprot tome, ako je žiri odbacio pristigli rad, to je bilo jednako estetskom odbacivanju.

Često slika predložena na razmatranje nije odgovarala uobičajenim kanonima, zbog čega ju je žiri Salona odbio: u umjetničkoj zajednici ova epizoda izazvala je skandal i senzaciju.

Jedan od umjetnika čija je umiješanost u Salon uvijek stvarala skandal i izazivala veliku zabrinutost akademika bio je Edouard Manet. Veliki skandal pratio je demonstracije njegovih slika “Ručak na travi” (1863.) i “Olimpija” (1865.), nastalih na neobično oštar način, sa estetskom stranom Salonu. A slika "Incident na borbi bikova", predstavljena na Salonu 1864., odražavala je umjetnikovu strast prema Goyinom radu. U prvom planu Manet je naslikao ispruženu figuru toreadora. Pozadina slike bila je arena koja se proteže duboko u dubinu i redovi obeshrabrenih, obamrlih gledalaca. Ovako oštra i prkosna kompozicija izazvala je mnogo sarkastičnih kritika i novinskih karikatura. Povrijeđen kritikama, Manet je svoju sliku podijelio na dva dijela.

Treba napomenuti da se kritičari i karikaturisti nisu sramili birajući riječi i metode kojima bi dodatno vrijeđali umjetnika i tjerali ga na neku vrstu osvetničkih radnji. “Umjetnik kojeg je Salon odbacio” i kasnije “Impresionist” postali su omiljene mete novinara koji su profitirali na javnim skandalima. Neprekidna svađa Salona sa slikarima drugih koncepata i sklonosti, koji su bili umorni od strogih granica zastarjelog akademizma, značajno je nagovijestio ozbiljan pad koji je do tada sazreo u umjetnosti 2. polovine 19. stoljeća. Konzervativni žiri Salona 1863. odbacio je toliko slika da je car Napoleon III našao za shodno da lično podrži još jednu, paralelnu izložbu, kako bi gledalac mogao da uporedi prihvaćene radove sa odbijenim. Ova izložba, koja je dobila naziv „Salon odbačenih“, postala je izuzetno moderno mesto zabave – ljudi su dolazili da se smeju i budu duhoviti.

Kako bi zaobišli akademski žiri, bogati slikari su mogli osnivati ​​samostalne samostalne izložbe. Ideju za izložbu jednog umjetnika prvi je najavio umjetnik realist Gustave Courbet. Poslao je niz svojih radova na Svjetsku izložbu u Parizu 1855. Selekciona komisija je odobrila njegove pejzaže, ali je odbacila slike tematskog programa. Tada je Courbet, suprotno tradiciji, podigao lični paviljon u blizini Svjetske izložbe. Iako je Courbetov široki slikarski stil impresionirao starijeg Delacroixa, u njegovom paviljonu bilo je malo gledatelja. Tokom Univerzalne izložbe 1867., Courbet je nastavio ovaj eksperiment sa velikim trijumfom - ovaj put je sve svoje radove okačio u posebnu prostoriju. Edouard Manet je, po uzoru na Courbet, otvorio svoju galeriju tokom iste izložbe za retrospektivnu postavku svojih slika.

Stvaranje ličnih galerija i privatno izdavanje kataloga uključivalo je značajnu potrošnju resursa - neuporedivo veće od onih koje su umjetnici često posjedovali. Međutim, slučajevi Courbet i Manet potaknuli su mlade slikare da planiraju grupnu izložbu umjetnika novih pokreta koje službeni salon nije prihvatio.

Osim društvenih promjena, na umjetnost 19. stoljeća značajno su utjecala i naučna istraživanja. Godine 1839. Louis Daguerre u Parizu i Henry Fox Talbot u Londonu demonstrirali su fotografske uređaje koje su stvorili nezavisno jedan od drugog. Ubrzo nakon ovog događaja, fotografija je umjetnike i grafičare oslobodila odgovornosti jednostavnog ovjekovječenja ljudi, mjesta i incidenata. Oslobođeni obaveze skiciranja predmeta, mnogi su slikari pohrlili u sferu prenošenja vlastitog, subjektivnog, izražavanja emocija na platno.

Fotografija je potaknula različite poglede na evropsku umjetnost. Sočivo, sa drugačijim uglom gledanja od ljudskog oka, formiralo je fragmentarnu predstavu kompozicije. Promjena ugla snimanja gurnula je umjetnike na nove kompozicijske vizije, koje su postale osnova estetike impresionizma. Jedan od glavnih principa ovog pokreta bila je spontanost.

Iste 1839. godine, kada je kamera nastala, hemičar iz laboratorije pariške manufakture Gobelin, Michel Eugene Chevreul, prvi je objavio logično tumačenje percepcije boje ljudskim okom. Stvarajući boje za tkanine, uvjerio se u postojanje tri osnovne boje - crvene, žute i plave, kada se pomiješaju, pojavljuju se sve ostale boje. Uz pomoć točaka boja, Chevreul je dokazao kako se rađaju nijanse, što ne samo da je divno ilustrovalo složenu naučnu ideju, već je i predstavilo umjetnicima radni koncept za miješanje boja. Američki fizičar Ogden Rood i njemački naučnik Hermann von Helmholli, sa svoje strane, dopunili su ovaj izum razvojem u oblasti optike.

Godine 1841. američki naučnik i slikar John Rand patentirao je limene cijevi koje je napravio za lako pokvarljive boje. Ranije, kada je umetnik išao da slika na pleneru, bio je primoran da prvo meša boje koje su mu bile potrebne u ateljeu, a zatim ih sipa u staklene posude, koje su se često lomile, ili u mehuriće napravljene od iznutrica životinja, koji su brzo iscurili. . S pojavom Rand cijevi, umjetnici su imali prednost što su sa sobom na plener ponijeli svu raznolikost boja i nijansi. Ovo otkriće je uvelike utjecalo na obilje boja umjetnika, a uz to ih je uvjerilo da svoje radionice napuste prirodi. Ubrzo je, kako je primetio jedan duhovit, na selu bilo više pejzažista nego seljaka.

Pioniri plenerskog slikarstva bili su umjetnici škole Barbizon, koja je ime dobila po selu Barbizon u blizini šume Fontainebleau, gdje su stvorili većinu pejzaža.

Ako su se stariji slikari Barbizonske škole (T. Rousseau, J. Dupre) u svom stvaralaštvu još uvijek temeljili na naslijeđu herojskog pejzaža, onda su predstavnici mlađe generacije (C. Daubigny, C. Corot) ovom žanru obdarili karakteristike realizma. Njihova platna prikazuju pejzaže koji su strani akademskoj idealizaciji.

Barbizonci su u svojim slikama pokušali da rekreiraju raznolikost stanja prirode. Zato su slikali iz života, pokušavajući da uhvate spontanost svoje percepcije. Međutim, korištenje zastarjelih akademskih metoda i sredstava u slikarstvu nije im pomoglo da postignu ono što su kasnije postigli impresionisti. Nasuprot tome, doprinos umjetnika Barbizonske škole formiranju žanra je nepobitan: napustivši radionice za plener, ponudili su pejzažnom slikarstvu nove načine razvoja.

Jedan od pristalica slikanja na lokaciji, Eugene Boudin, uputio je svog mladog učenika Claudea Moneta da je potrebno stvarati na otvorenom - među svjetlošću i zrakom, slikati ono što razmišljate. Ovo pravilo je postalo osnova plenerskog slikarstva. Monet je ubrzo svojim prijateljima, Auguste Renoir, Alfred Sisley i Frederic Basil, predstavio novu teoriju: slikati samo ono što posmatrate na određenoj udaljenosti i pod određenim svjetlom. U večernjim satima u pariskim kafićima, mladi slikari su rado dijelili svoja razmišljanja i strastveno raspravljali o novim otkrićima.

Tako se pojavio impresionizam - revolucionarni pokret u umjetnosti posljednje trećine 19. - početka 20. stoljeća. Slikari koji su krenuli putem impresionizma nastojali su da u svojim radovima prirodnije i istinitije zahvate svijet koji ga okružuje i svakodnevnu stvarnost u njihovoj beskrajnoj pokretljivosti i nepostojanosti, te da izraze svoje prolazne senzacije.

Impresionizam je postao odgovor na stagnaciju akademizma koji je tih godina dominirao umjetnošću, želja da se slikarstvo oslobodi bezizlazne situacije u koju je zapalo krivnjom salonskih umjetnika. Mnogi progresivno nastrojeni ljudi su insistirali da je moderna umjetnost u opadanju: Eugene Delacroix, Gustav Courbet, Charles Baudelaire. Impresionizam je bio svojevrsna šok terapija za „patni organizam“.

Pojavom mladih žanrovskih slikara Edouarda Maneta, Augustea Renoira, Edgara Degasa, u francusko slikarstvo prodire vjetar promjena, dajući spontanost promišljanja života, prikaz prolaznih, naizgled neočekivanih situacija i pokreta, iluzornu nestabilnost i neuravnoteženost oblika, fragmentarnost kompozicija, nepredvidive tačke gledišta i uglovi .

Uveče, kada umetnici više nisu mogli da slikaju svoja platna zbog lošeg osvetljenja, napuštali su svoje ateljee i sedeli kroz strastvene debate u pariskim kafićima. Tako je kafić Guerbois postao jedno od stalnih sastajališta nekolicine umjetnika ujedinjenih oko Edouarda Maneta. Redovni sastanci održavali su se četvrtkom, a ostalim danima mogla se zateći grupa umjetnika kako živahno razgovara ili se svađa. Claude Monet je ovako opisao sastanke u kafeu Guerbois: „Ne može biti ništa uzbudljivije od ovih sastanaka i beskrajnog sukoba pogleda. Izoštrili su naše umove, potaknuli naše plemenite i iskrene težnje, dali nam naboj entuzijazma koji nas je održavao mnogo sedmica dok se ideja nije u potpunosti formirala. Otišli smo sa ovih sastanaka raspoloženi, sa ojačanom voljom, sa mislima jasnijim i jasnijim.”

Uoči 1870-ih, impresionizam je uspostavljen u francuskom pejzažu: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley su prvi razvili dosljedan plener sistem. Slikali su svoja platna bez skica i skica na otvorenom direktno na platnu, utjelovljujući na svojim slikama blistavu sunčevu svjetlost, nevjerojatno obilje boja prirode, rastvaranje predstavljenih objekata u okruženju, vibracije svjetlosti i zraka, nered refleksa. Da bi postigli ovaj cilj, uvelike su doprinijeli kolorističkom sistemu koji su proučavali u svim detaljima, u kojem se prirodna boja razlagala na boje sunčevog spektra. Kako bi stvorili neobično svijetlu, nježnu šarenu teksturu, umjetnici su nanosili čistu boju na platno u odvojenim potezima, dok se očekivalo optičko miješanje u ljudskom oku. Ova tehnika, kasnije transformirana i teorijski argumentirana, postala je središnja za još jednu izvanrednu umjetničku težnju - pointilizam, nazvan "divizionizam" (od francuskog "diviser" - podijeliti).

Impresionisti su pokazali povećano interesovanje za veze između objekta i okoline. Predmet njihove pedantne kreativne analize bila je transformacija boje i karaktera predmeta u promjenjivom okruženju. Da bi se postigla ova ideja, isti predmet je više puta prikazivan. Uz dodatak čiste boje u sjenama i refleksijama, crna boja je gotovo napustila paletu.

Kritičar Jules Laforgue je o fenomenu impresionizma govorio na sljedeći način: „Impresionist vidi i prenosi prirodu onakvu kakva jeste, odnosno samo očaravajućim vibracijama. Crtež, svjetlo, volumen, perspektiva, chiaroscuro - sve je to klasifikacija koja bledi u stvarnost. Ispada da je sve određeno vibracijama boje i mora biti utisnuto na platno vibracijama boje.”

Zahvaljujući aktivnostima na otvorenom i sastancima u kafićima, 27. decembra 1873. „Anonimni, vajari, graveri itd.“ - tako su se prvi nazvali impresionisti. Prva izložba društva održana je u proljeće godinu dana kasnije u Trgovačkoj galeriji Nadar, eksperimentalnog fotografa koji je, osim toga, prodavao kreacije moderne umjetnosti.

Debi je bio 15. aprila 1874. godine. Planirano je da izložba traje mesec dana, a poseta je bila od deset do šest i, što je takođe bila inovacija, od osam do deset uveče. Ulaznica je koštala jedan franak, katalozi su se mogli kupiti za pedeset centi. U početku se činilo da je izložba ispunjena posjetiocima, ali publika je samo ismijavala. Neki su se šalili da se zadatak ovih umjetnika može postići ako se pištolj napuni različitim tubama boje, zatim gađa u platno i završi potpisom.

Mišljenja su bila podijeljena: ili izložba uopće nije shvaćena ozbiljno, ili je kritikovana u paramparčad. Opća percepcija može se izraziti u sljedećem članku sarkastične težnje, “Izložba impresionista”, koji potpisuje Louis Leroy, objavljenom u formi feljtona. Evo dijaloga između autora i akademskog pejzažista koji je nagrađen medaljama; zajedno šetaju holovima izložbe:

“...Nerazboriti umjetnik je došao tamo ne očekujući ništa loše, očekivao je da će tamo vidjeti ona platna kakva se mogu naći posvuda, demonstrativna i beskorisna, više beskorisna nego demonstrativna, ali nedaleko od određenih umjetničkih standarda, kulture forme i postovanje starih majstora.

Avaj, forma! Jao, stari majstori! Nećemo ih više poštovati, jadni moj prijatelju! Sve smo transformisali!”

Izložba je uključivala i pejzaž Claudea Moneta, koji prikazuje jutarnju zoru u maglom obavijenom zaljevu - slikar ga je nazvao „Impresija. Izlazak sunca" (Impresija). Evo komentara jednog od likova iz satiričnog članka Louisa Leroya o ovoj slici, koja je dala ime najsenzacionalnijem i najslavnijem pokretu u umjetnosti 19. stoljeća:

„...- Šta je ovde nacrtano? Pogledajte katalog. - „Utisak. Izlazak sunca". - Utisak - to sam i očekivao. Samo sam u sebi mislio da pošto sam bio pod utiskom, onda se u tome mora prenijeti nekakav utisak... i kakva labavost, kakva glatka izvedba! Tapeta u originalnom stanju obrade je savršenija od ovog morskog pejzaža...”

Lično, Monet nije bio ni na koji način protiv ovog naziva za umjetničku tehniku ​​koju je koristio u praksi. Osnovna suština njegovog rada je upravo hvatanje i hvatanje prolaznih trenutaka života, na čemu je i radio, dajući povoda za njegove bezbrojne serije platna: „Stogovi sena“, „Topole“, „Katedrala u Ruanu“, „Gare Saint- Lazare”, “Pond at Giverny” , “London. Zgrada parlamenta“ i dr. Drugi slučaj je Edgar Degas, koji se volio nazivati ​​„nezavisnim“ jer nije učestvovao na Salonu. Njegov oštar, groteskni stil pisanja, koji je služio kao primjer mnogim pristašama (među kojima se posebno istakao Toulouse-Lautrec), bio je neprihvatljiv za akademski žiri. Oba ova slikara postali su najproaktivniji organizatori kasnijih impresionističkih izložbi, kako u Francuskoj tako iu inostranstvu - u Engleskoj, Nemačkoj i SAD.

Ogist Renoar, naprotiv, pojavljujući se na prvim izložbama impresionista, nije gubio nadu da će pobediti na Salonu, šaljući svake godine dve slike na svoje izložbe. Karakterističnu dvojnost svojih postupaka objašnjava u prepisci sa svojim saborcem i pokroviteljem Durand-Ruelom: „...Ne podržavam bolna mišljenja da je neko djelo vrijedno ili nedostojno u zavisnosti od mjesta na kojem se prikazuje. Ukratko, ne želim da gubim vreme i da se ljutim na Salon. Ne želim čak ni da se pretvaram da sam ljuta. Samo mislim da treba da crtaš najbolje što možeš, to je sve. Ako bi me optužili da sam beskrupulozan u svojoj umjetnosti ili da se odričem svojih stavova iz apsurdne ambicije, prihvatio bih takve optužbe. Ali pošto nema ničeg ni blizu ovome, nema potrebe da mi se zamjera.”

Iako se nije smatrao službeno uključenim u impresionistički pokret, Edouard Manet sebe je smatrao realističkim slikarom. Međutim, stalna bliska veza s impresionistima, posjećujući njihove izložbe, neprimjetno je preobrazila slikarev stil, približavajući ga impresionističkom. U samrtnim godinama njegovog života, boje na njegovim slikama postaju svjetlije, potezi su zamašni, kompozicija je fragmentarna. Kao i Renoir, Manet je očekivao naklonost zvaničnih stručnjaka iz oblasti umetnosti i bio je nestrpljiv da učestvuje na salonskim izložbama. Ali, suprotno svojoj želji, postao je idol pariskih avangardnih umjetnika, njihov nekrunisani kralj. Uprkos svemu, tvrdoglavo je harao Salon sa svojim platnima. Tek prije smrti imao je sreću da dobije službenu lokaciju Salona. Pronašao ga je i Auguste Renoir.

Opisujući ključne figure impresionizma, bilo bi nepristojno ne prisjetiti se barem fragmentarno čovjeka uz čiju je pomoć višekratno osramoćeni umjetnički pokret postao značajno umjetničko dostignuće 19. stoljeća i osvojio cijeli svijet. Ime ovog čovjeka je Paul Durand-Ruel, kolekcionar, trgovac umjetninama, koji se više puta našao na ivici bankrota, ali nije odustajao od pokušaja da impresionizam uspostavi kao novu umjetnost koja će tek dostići svoj vrhunac. Organizirao je izložbe impresionista u Parizu i Londonu, priređivao lične izložbe slikara u svojoj galeriji, organizirao aukcije i jednostavno finansijski pomagao umjetnike: bilo je trenutaka kada mnogi od njih nisu imali sredstava za boje i platno. Dokaz žarke zahvalnosti i poštovanja umjetnika su njihova pisma Durand-Ruelu, kojih je ostalo dosta. Durand-Ruelova ličnost je primjer inteligentnog sakupljača i dobročinitelja.

“Impresionizam” je relativan pojam. Svi slikari za koje smatramo da su dio ovog pokreta prošli su akademsku obuku koja je zahtijevala preciznu pažnju na detalje i glatku, sjajnu slikarsku površinu. Međutim, ubrzo su preferirali slike u realističkom smjeru, koji odražavaju stvarnu stvarnost i svakodnevni život, nego uobičajene teme i zaplete koje je propisao Salon. Nakon toga, svaki od njih je određeno vrijeme slikao u stilu impresionizma, pokušavajući objektivno prenijeti objekte na svojim slikama pod različitim svjetlosnim uvjetima. Nakon takve impresionističke faze, većina ovih avangardnih umjetnika prešla je na samostalna istraživanja, stekla zajednički naziv „postimpresionizam“; Kasnije je njihov rad doprineo nastanku apstraktne umetnosti u 20. veku.

Sedamdesetih godina 19. veka Evropa je postala zavisna od japanske umetnosti. Edmond de Goncourt piše u svojim bilješkama: „...Strast prema japanskoj umjetnosti... obuhvatila je sve - od slikarstva do mode. U početku je to bila manija za ekscentrike poput mog brata i mene... kasnije su nam se pridružili umjetnici impresionisti.” Zaista, slike impresionista tog vremena često su prikazivale atribute japanske kulture: lepeze, kimona, ekrane. Također su naučili stilske metode i plastična rješenja iz japanskog graviranja. Mnogi impresionisti su bili strastveni kolekcionari japanskih grafika. Na primjer, Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas.

Generalno, takozvani impresionisti su organizovali 8 izložbi u nepravilnim intervalima od 1874. do 1886. godine; polovina od 55 slikara koji su pripadali Anonimnom društvu, zbog raznih okolnosti, pojavila se tek u 1. Izuzetan učesnik svih 8 izložbi bio je Kamil Pisaro, koji je bio miran, miroljubiv karakter.

Godine 1886. održana je završna izložba impresionista, ali je kao umjetnička metoda nastavila postojati. Slikari nisu odustajali od teškog rada. Iako nekadašnjeg drugarstva i jedinstva više nije bilo. Svako je ugazio svoj put. Istorijski obračuni su bili završeni, okončani trijumfom novih pogleda i nije bilo potrebe za ujedinjenjem snaga. Slavno jedinstvo impresionističkih umjetnika se podijelilo i nije moglo a da se ne razdvoji: svi su bili previše različiti, ne samo po temperamentu, već i po svojim pogledima i umjetničkim uvjerenjima.

Impresionizam, kao pokret u skladu sa svojim vremenom, nije propustio da napusti granice Francuske. Slikari u drugim zemljama postavljali su slična pitanja (James Whistler u Engleskoj i SAD, Max Lieberman i Lovis Corinth u Njemačkoj, Konstantin Korovin i Igor Grabar u Rusiji). Strast impresionizma za trenutnim pokretom i fluidnom formom usvojili su i vajari (Auguste Rodin u Francuskoj, Paolo Trubetskoy i Anna Golubkina u Rusiji).

Izvršivši revoluciju u pogledima svojih suvremenika, proširivši svoj svjetonazor, impresionisti su time pripremili teren za kasniji razvoj umjetnosti i pojavu novih estetskih težnji i ideja, novih oblika koji nisu dugo čekali. Izranjajući iz impresionizma, neoimpresionizma, postimpresionizma, fovizma, naknadno su podstakli i formiranje i nastanak novih estetskih trendova i pravaca.

Francuski utisak): umetnički pokret koji je nastao u Francuskoj 60-ih i 70-ih godina 19. veka. i dobio je najživopisnije oličenje u štafelajnoj likovnoj umjetnosti. Impresionisti su razvili nove slikarske tehnike - obojene sjene, miješanje boja, istaknutu boju, kao i razlaganje složenih tonova u čiste tonove (preklapanje na platnu zasebnim potezima generiralo je njihovo optičko miješanje u očima gledatelja). Nastojali su prenijeti ljepotu prolaznih stanja prirode, varijabilnost i mobilnost okolnog života. Ove tehnike su pomogle da se prenese osjećaj blistave sunčeve svjetlosti, vibracija svjetlosti i zraka i stvorio utisak svetkovine života i harmonije svijeta. Impresionističke tehnike korištene su i u drugim oblicima umjetnosti. U muzici su, na primjer, doprinijeli prenošenju najsuptilnijih emocionalnih pokreta i prolaznih raspoloženja.

Odlična definicija

Nepotpuna definicija ↓

Impresionizam

sa francuskog utisak - utisak) Pokret u umetnosti koji je nastao u Francuskoj u poslednjoj trećini 19. veka. Glavni predstavnici I.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, kao i Edouard Manet, Edgar Degas i neki drugi umjetnici koji su im se pridružili. Razvoj novog stila I. odvija se 60-70-ih godina, a prvi put, kao novi pravac, suprotstavljajući se akademskom salonu, impresionisti su se najavili na svojoj prvoj izložbi 1874. godine. Na njoj je bila izložena slika C. Moneta “Impresija”. Soleil levant" (1872). Zvanična likovna kritika negativno je reagirala na novi pokret i podrugljivo je njegove predstavnike "krstila" "impresionistima", podsjećajući na Monetovu sliku koja ih je posebno iritirala. Međutim, naziv je odražavao suštinu pravca, a njegovi predstavnici su ga prihvatili kao službenu oznaku svoje metode. Kao integralni pokret, umetnost nije dugo postojala - od 1874. do 1886. godine, kada su impresionisti organizovali 8 zajedničkih izložbi. Zvanično priznanje od strane poznavalaca umjetnosti i umjetničke kritike došlo je mnogo kasnije - tek sredinom 90-ih. I. je, kako je postalo očigledno već u narednom veku, imao ogroman uticaj na kasniji razvoj likovne umetnosti (i umetničke kulture uopšte). Zapravo, započela je fundamentalno nova faza umjetničke kulture, koja je dovela do sredine. XX vijek na POST-kulturu (vidi: POST-), tj. na prelazak Kulture u neki suštinski drugačiji kvalitet. O. Špengler, koji je pojam istorije proširio na kulturu, smatrao je to jednim od tipičnih znakova „propadanja Evrope“, odnosno razaranja integriteta svjetonazora, uništavanja tradicionalno uspostavljene evropske kulture. Naprotiv, avangardni umjetnici (vidi: Avangard) s početka 20. stoljeća. Oni su u I. vidjeli svog preteču, koji je otvorio nove horizonte umjetnosti, oslobađajući je vanumjetničkih zadataka, dogmi pozitivizma, akademizma, realizma itd., s kojima se ne može ne složiti. Sami impresionisti, kao čisti slikari, nisu razmišljali o takvom globalnom značaju svog eksperimenta. Nisu čak ni težili posebnoj revoluciji u umjetnosti. Oni su jednostavno vidjeli svijet oko sebe nešto drugačije nego što su ga vidjeli službeni predstavnici Salona, ​​te su tu viziju pokušali konsolidirati čisto slikovnim sredstvima. Pri tome su se oslanjali na umjetnička otkrića svojih prethodnika – prije svega francuskih slikara 19. stoljeća. Delacroix, Corot, Courbet, "Barbizons". Na K. Monet, koji je posjetio London 1871. godine, bio je veoma impresioniran radovima W. Turnera. Osim toga, sami impresionisti među svojim prethodnicima navode francuske klasičare Poussin, Lorrain, Chardin i japansku kolor gravuru iz 18. stoljeća, a likovni kritičari vide sličnosti s impresionistima u engleskim umjetnicima T. Gainsboroughu i J. Constableu, a ne u spomenuti W. .Turnera. Impresionisti su apsolutizirali niz slikarskih tehnika ovih vrlo različitih umjetnika i na toj osnovi stvorili cjelovit stilski sistem. Za razliku od „akademista“, impresionisti su napustili tematsku premisu (filozofsku, moralnu, religioznu, društveno-političku itd.) umjetnosti i promišljene, unaprijed osmišljene i jasno nacrtane sižejne kompozicije, tj. dominacija “literarnosti” u slikarstvu, fokusirajući glavnu pažnju na specifično likovna sredstva - boju i svjetlost; napustili su radionice na otvorenom, gdje su pokušali započeti i završiti rad na određenom radu u jednoj sesiji; napustili su tamne boje i složene tonove (zemljane, "asfaltne" boje), karakteristične za umjetnost New Agea, prelazeći na čiste svijetle boje (njihova paleta je bila ograničena na 7-8 boja), često polagane na platno u odvojenim potezima , svesno oslanjanje na njihovo optičko mešanje je već u psihi gledaoca, čime se postiže efekat posebne svežine i spontanosti; slijedeći Delacroixa, ovladali su i apsolutizirali obojenu sjenu, igru ​​refleksa boja na raznim površinama; dematerijalizovali predmet vidljivog sveta, rastvorivši ga u svetlo-vazdušnom okruženju, što je bio glavni predmet njihove pažnje kao čistih slikara; zapravo su napustili žanrovski pristup u likovnoj umjetnosti, usmjeravajući svu pažnju na slikovni prijenos svog subjektivnog utiska nasumično viđenog fragmenta stvarnosti - češće pejzaže (poput Monea, Sisleya, Pissarroa), rjeđe prizore radnje (poput Renoira, Degas). Istovremeno, često su nastojali da sa gotovo iluzionističkom tačnošću prenesu dojam usklađivanja boje-svjetlo-vazdušne atmosfere prikazanog fragmenta i trenutka vidljive stvarnosti. Nasumični ugao gledanja na fragment prirode osvijetljen umjetničkom vizijom, pažnja na slikovno okruženje, a ne na subjekt, često ih je dovodila do hrabrih kompozicionih odluka, oštrih neočekivanih kutova gledanja, rezova koji aktiviraju percepciju gledatelja. itd. efekte, od kojih su mnoge kasnije koristili predstavnici raznih avangardnih pokreta. Umetnost je postala jedan od pravaca „čiste umetnosti“ u 19. veku, čiji su predstavnici smatrali likovno-estetičko načelo glavnim u umetnosti. Impresionisti su osjetili neopisivu ljepotu svijetlobojno-zračnog okruženja materijalnog svijeta i pokušali da je uhvate na svoja platna gotovo dokumentarnom tačnošću (za to ih ponekad optužuju za naturalizam, koji je teško legitiman u velikoj shemi stvari ). U slikarstvu su svojevrsni optimistični panteisti, posljednji pjevači bezbrižne radosti zemaljskog postojanja, obožavatelji sunca. Kao što je neoimpresionista P. Signac pisao sa divljenjem, „sunčeva svetlost preplavljuje celu sliku; vazduh se u njemu njiše, svetlost obavija, miluje, raspršuje forme, prodire svuda, čak i u senku.” Stilske odlike umjetnosti u slikarstvu, a posebno želja za istančanim likovnim prikazom prolaznih utisaka, temeljna skicnost, svježina neposrednog opažanja itd., ispostavile su se bliske predstavnicima drugih vrsta umjetnosti tog vremena, koje dovelo je do proširenja ovog koncepta na književnost, poeziju i muziku. Međutim, u ovim vrstama umjetnosti nije bilo posebnog smjera I., iako se mnoge njegove karakteristike nalaze u djelima niza pisaca i kompozitora posljednje trećine 19. - početka. XX vijek Elementi impresionističke estetike kao što su neodređenost forme, fiksiranje pažnje na svetle, ali nasumične prolazne detalje, potcenjivanje, nejasni nagovještaji, itd., svojstveni su djelima G. de Maupassana, A.P. Čehova, ranog T. Manna i poeziji R.- M. Rilkea, ali posebno braći J. i E. Goncourt, predstavnicima tzv. „psihološkog I>, a djelimično i K. Hamsunu. M. Prust i pisci „toka svijesti“ oslanjali su se na impresionističke tehnike i značajno ih razvijali. U muzici se impresionistima smatraju francuski kompozitori C. Debussy, M. Ravel, P. Duke i neki drugi, koji su u svom radu koristili stilistiku i estetiku I.. Njihova muzika je ispunjena direktnim doživljajima ljepote i liričnosti krajolika, gotovo imitacijom igre morskih valova ili šuštanja lišća, bukoličnog šarma antičkih mitoloških tema, radosti trenutnog života, likova zemaljskog postojanja. , i užitak beskrajnog svjetlucanja zvučne materije. Poput slikara, zamagljuju mnoge tradicionalne muzičke žanrove, ispunjavaju ih različitim sadržajima, povećavaju pažnju čisto estetskim efektima muzičkog jezika, značajno obogaćujući paletu izražajnih i vizuelnih sredstava muzike. “Ovo se prije svega odnosi”, piše muzikolog I. V.Nestyev, - u sferu harmonije sa svojom tehnikom paralelizama i ćudljivog nizanja nerazjašnjenih šarenih sazvučja-pega. Impresionisti su značajno proširili savremeni tonski sistem, otvarajući put mnogim harmonskim inovacijama 20. veka. (iako su značajno oslabili jasnoću funkcionalnih veza). Komplikacija i naduvavanje akordskih kompleksa (neakordi, nedecimati akordi, alternativne četvrte harmonije) kombinovani su sa pojednostavljenjem, arhaizacijom modalnog mišljenja (prirodni modusi, pentatonski, celotonski kompleksi). Orkestracijom kompozitora impresionista dominiraju čiste boje i hiroviti naglasci; Često se koriste sola na drvenim duvačima, pasaže za harfu, složene podjele žica i con sordino efekti. Tipične su i čisto dekorativne pozadine ostinata ujednačeno teče. Ritam je ponekad nestabilan i neuhvatljiv. Melodiju karakteriziraju ne zaokružene konstrukcije, već kratke izražajne fraze-simboli i slojevi motiva. Istovremeno, u muzici impresionista neobično je pojačan značaj svakog zvuka, tembra i akorda, a otkrivene su neograničene mogućnosti proširenja ljestvice. Posebnu svježinu muzici impresionista davalo je često pozivanje na žanrove pjesme i igre, suptilna implementacija modalnih i ritmičkih elemenata pozajmljenih iz folklora naroda Istoka, Španije i u ranim oblicima crnačkog džeza. (Muzička enciklopedija. T. 2, M., 1974. Stb. 507). Stavljajući likovna i ekspresivna sredstva umjetnosti u centar umjetnikove pažnje i fokusirajući se na hedonističko-estetsku funkciju umjetnosti, I. je otvorio nove perspektive i mogućnosti umjetničkoj kulturi, koje je u potpunosti (a ponekad čak i pretjerano) iskoristio. ) u 20. veku. Lit.: Venturi L. Od Maneta do Lautreca. M., 1938; Rewald J. Istorija impresionizma. L.-M., 1959; Impresionizam. Pisma umjetnika. L., 1969; Serullaz M. Encyclopedie de limpressionnisme. P., 1977; Montieret S. Limpressionnisme et son epoque. T. 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Leipzig. 1957. L.B.

U posljednjoj trećini 19. stoljeća. Francuska umjetnost i dalje igra važnu ulogu u umjetničkom životu zapadnoevropskih zemalja. U to vrijeme nastaju mnogi novi trendovi u slikarstvu, čiji su predstavnici tražili svoje načine i oblike kreativnog izražavanja.

Najupečatljiviji i najznačajniji fenomen francuske umjetnosti ovog perioda bio je impresionizam.

Impresionisti su objavili svoje prisustvo 15. aprila 1874. na pariskoj izložbi održanoj na otvorenom na Bulevaru Kapucina. Ovdje je svoje slike izložilo 30 mladih umjetnika čije je radove Salon odbio. Centralno mjesto na izložbi zauzela je slika Kloda Monea „Utisak. Izlazak sunca". Ova kompozicija je zanimljiva jer je po prvi put u istoriji slikarstva umetnik pokušao da na platno prenese svoj utisak, a ne predmet stvarnosti.

Izložbu je posjetio predstavnik publikacije „Charivari“, reporter Louis Leroy. On je prvi nazvao Moneta i njegove saradnike "impresionistima" (od francuskog impression - utisak), izražavajući time svoju negativnu ocjenu njihovog slikarstva. Ubrzo je ovo ironično ime izgubilo prvobitno negativno značenje i zauvijek ušlo u povijest umjetnosti.

Izložba na Bulevaru Kapucina postala je svojevrsni manifest, koji je proglasio nastanak novog pokreta u slikarstvu. Učestvovali su O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin, kao i majstori starije generacije - E. Boudin, C. Daubigny, I. Ionkind u tome.

Za impresioniste je bilo najvažnije da prenesu utisak onoga što su videli, da uhvate kratak trenutak života na platnu. Na taj način impresionisti su ličili na fotografe. Zaplet za njih nije imao gotovo nikakvo značenje. Umjetnici su za svoje slike uzimali teme iz svakodnevnog života oko sebe. Slikali su mirne ulice, večernje kafane, seoske pejzaže, gradske zgrade, zanatlije na poslu. Važnu ulogu u njihovim slikama imala je igra svjetla i sjene, sunčeve zrake koje skaču po objektima i daju im pomalo neobičan i iznenađujuće živahan izgled. Da bi vidjeli objekte u prirodnom svjetlu i prenijeli promjene koje se dešavaju u prirodi u različito doba dana, umjetnici impresionisti su napuštali svoje radionice i odlazili na otvoreni zrak (plener).

Impresionisti su koristili novu slikarsku tehniku: boje se nisu miješale na štafelaju, već su se odmah nanosile na platno u odvojenim potezima. Ova tehnika je omogućila da se prenese osjećaj dinamike, blagih vibracija zraka, kretanja lišća na drveću i vode u rijeci.

Obično slike predstavnika ovog pokreta nisu imale jasnu kompoziciju. Umjetnik je na platno prenio trenutak oteti iz života, pa je njegov rad podsjećao na slučajno snimljenu fotografiju. Impresionisti se nisu pridržavali jasnih granica žanra; na primjer, portret je često ličio na svakodnevnu scenu.

Od 1874. do 1886. impresionisti su organizovali 8 izložbi, nakon čega se grupa raspala. Što se tiče javnosti, oni su, kao i većina kritičara, doživljavali novu umjetnost s neprijateljstvom (na primjer, slike C. Moneta nazivane su „mazama“), pa su mnogi umjetnici koji su predstavljali ovaj pokret živjeli u krajnjem siromaštvu, ponekad i bez sredstava. da završe ono što su započeli sliku. I to tek krajem 19. - početkom 20. vijeka. situacija se radikalno promenila.

U svom radu impresionisti su koristili iskustvo svojih prethodnika: romantičara (E. Delacroix, T. Géricault), realista (C. Corot, G. Courbet). Na njih su uvelike utjecali pejzaži J. Constablea.

E. Manet je odigrao značajnu ulogu u nastanku novog pokreta.

Edouard Manet

Eduard Mane, rođen 1832. godine u Parizu, jedna je od najznačajnijih ličnosti u istoriji svetskog slikarstva, koja je postavila temelje impresionizma.

Na formiranje njegovog umjetničkog svjetonazora uvelike je utjecao poraz Francuske buržoaske revolucije 1848. Ovaj događaj je toliko zabrinuo mladog Parižanina da se odlučio na očajnički korak i pobjegao od kuće, pridruživši se jedrenjaku kao mornar. Međutim, u budućnosti nije toliko putovao, posvećujući sve svoje psihičke i fizičke snage radu.

Manetini roditelji, kulturni i imućni ljudi, sanjali su o administrativnoj karijeri za svog sina, ali njihovim nadama nije bilo suđeno. Slikarstvo je zanimalo mladića i 1850. godine ulazi u Školu likovnih umjetnosti, radionicu Couture, gdje se dobro stručno usavršava. Tu se nadobudni umjetnik osjećao gađenjem prema akademskim i salonskim klišeima u umjetnosti, koji ne mogu u potpunosti odraziti ono što je jedino moguće pravom majstoru sa njegovim individualnim stilom slikanja.

Stoga, nakon što je neko vrijeme studirao u Coutureovoj radionici i stekao iskustvo, Manet ju je napustio 1856. i okrenuo se platnima svojih velikih prethodnika izloženim u Louvreu, kopirajući ih i pažljivo ih proučavajući. Na njegove kreativne poglede uvelike su uticala djela majstora kao što su Tizian, D. Velazquez, F. Goya i E. Delacroix; mladi umjetnik se poklonio pred ovim posljednjim. Godine 1857. Manet je posjetio velikog maestra i zatražio dozvolu da napravi nekoliko kopija njegovog “Barque Dante”, koje su do danas sačuvane u Metropoliten muzeju u Lionu.

Druga polovina 1860-ih. umjetnik se posvetio proučavanju muzeja u Španiji, Engleskoj, Italiji i Holandiji, gdje je kopirao slike Rembrandta, Tiziana i dr. 1861. njegova djela „Portret roditelja” i „Gitarista” dobila su pohvale kritike i nagrađena „ Časno priznanje.”

Proučavanje rada starih majstora (uglavnom Mlečana, Španaca 17. st., a kasnije F. Goye) i njegovo promišljanje dovodi do toga da je do 1860-ih. u Manetovoj umetnosti postoji kontradikcija koja se manifestuje u nametanju muzejskog otiska na neke od njegovih ranih slika, među kojima su: „Španski pevač” (1860), delimično „Dečak sa psom” (1860), „Stari muzičar ” (1862).

Što se heroja tiče, umetnik ih, kao i realiste sredine 19. veka, nalazi u uzavreloj pariskoj gomili, među onima koji šetaju vrtom Tiilerije i redovnim posetiocima kafića. U osnovi, ovo je svijetli i šareni svijet boemije - pjesnika, glumaca, umjetnika, manekenki, učesnika španske borbe bikova: "Muzika u Tuilerijeu" (1860), "Ulična pjevačica" (1862), "Lola iz Valensije" ( 1862), „Doručak u travi“ (1863), „Flautista“ (1866), „Portret E. Zsla“ (1868).

Među ranim slikama posebno mjesto zauzima „Portret roditelja“ (1861), koji predstavlja vrlo tačnu realističnu skicu izgleda i karaktera jednog starijeg para. Estetski značaj slike nije samo u detaljnom prodiranju u duhovni svijet likova, već i u tome koliko je precizno prenesena kombinacija zapažanja i bogatstva likovnog razvoja, što ukazuje na poznavanje umjetničkih tradicija E. Delacroixa.

Drugo platno, koje je programski rad slikara i, mora se reći, vrlo tipično za njegovo rano stvaralaštvo, je “Doručak na travi” (1863). Na ovoj slici Manet je uzeo određenu kompoziciju radnje, potpuno lišenu bilo kakvog značaja.

Slika se može posmatrati kao slika dvoje umjetnika koji doručkuju u krilu prirode, okruženi ženskim modelima (u stvari, umjetnikov brat Eugene Manet, F. Lenkoff, i jedna ženska manekenka, Victorine Meran, čijim je uslugama Manet pribjegavao prilično često pozirala za sliku). Jedan od njih je ušao u potok, a drugi, gol, sjedi u društvu dvojice umjetnički obučenih muškaraca. Kao što znate, motiv suprotstavljanja obučenog muškog tijela sa nagim ženskim tijelom je tradicionalan i seže do Giorgioneove slike „Ruralni koncert“ koja se nalazi u Louvreu.

Kompozicijski raspored figura djelomično reproducira čuvenu renesansnu gravuru Markantonija Raimondija sa Rafaelove slike. Ovo platno, takoreći, polemički potvrđuje dvije međusobno povezane pozicije. Jedna je potreba da se prevaziđu klišei salonske umetnosti, koja je izgubila pravu vezu sa velikom umetničkom tradicijom, i da se direktno okrene realizmu renesanse i 17. veka, odnosno istinskom poreklu realističke umetnosti modernog doba. . Druga odredba potvrđuje pravo i dužnost umjetnika da prikaže likove iz svakodnevnog života oko sebe. U to vrijeme takva kombinacija je nosila određenu kontradikciju. Većina je smatrala da se nova faza u razvoju realizma ne može postići popunjavanjem starih kompozicijskih shema novim tipovima i likovima. Ali Edouard Manet je u svom ranom periodu stvaralaštva uspio da prevaziđe dualnost principa slikarstva.

Međutim, unatoč tradicionalnoj prirodi radnje i kompozicije, kao i prisutnosti slika salonskih majstora koje prikazuju gole mitske ljepotice u iskrenim zavodljivim pozama, Manetovo platno izazvalo je veliki skandal među modernom buržoazijom. Javnost je šokirala jukstapoziciju nagog ženskog tijela sa prozaično svakodnevnim, modernim muškim odjećom.

Što se tiče slikovnih normi, “Doručak na travi” napisan je kompromisom tipičnim za 1860-te. način koji karakteriše sklonost ka tamnim bojama, crnim senkama, kao i ne uvek dosledna upotreba plenerskog osvetljenja i otvorene boje. Ako pogledamo preliminarnu skicu urađenu u akvarelu, onda je na njoj (više nego na samoj slici) uočljivo koliko je veliko interesovanje majstora za nove slikovne probleme.

Slika “Olympia” (1863.), koja prikazuje obris ležeće gole žene, čini se da se odnosi na opšteprihvaćene kompozicione tradicije – slična slika nalazi se kod Giorgionea, Tiziana, Rembrandta i D. Velazqueza. Međutim, u svom stvaralaštvu Manet kreće drugačijim putem, slijedeći F. Goyu (“Nude Macha”) i odbacujući mitološku motivaciju radnje, interpretaciju slike koju su uveli Mlečani, a djelomično sačuvao D. Velazquez („Venera sa ogledalom”).

“Olympia” nije nimalo poetski promišljena slika ženske ljepote, već ekspresivan, majstorski izveden portret, koji precizno i, moglo bi se reći, pomalo hladno prenosi sličnost s Victorine Meran, stalnim Manetovim uzorom. Slikar pouzdano prikazuje prirodno bljedilo tela moderne žene koja se plaši sunčevih zraka. Dok su stari majstori isticali poetsku ljepotu nagog tijela, muzikalnost i skladnost njegovih ritmova, Manet se fokusira na prenošenje motiva vitalnog karaktera, potpuno se udaljavajući od poetske idealizacije svojstvene njegovim prethodnicima. Tako, na primjer, gest lijevom rukom Giorgioneove Venere u "Olympiji" poprima gotovo vulgaran ton u svojoj ravnodušnosti. Izuzetno je karakteristično posmatračevo ravnodušno, ali istovremeno pažljivo hvatanje pogleda gledatelja, u suprotnosti sa samozadubljenošću Giorgioneove Venere i osjetljivom sanjivom Tizianove Venere iz Urbina.

Na ovoj slici se mogu osjetiti znakovi prelaska u sljedeću fazu u razvoju slikarevog stvaralačkog stila. Dolazi do preispitivanja uobičajene kompozicione sheme, koja se sastoji od prozaičnog zapažanja i slikovite i umjetničke vizije svijeta. Jukstapozicija trenutno uhvaćenih oštrih kontrasta doprinosi razaranju uravnoteženog kompozicionog sklada starih majstora. Tako se statika modela koji pozira, takoreći, sudara s dinamikom u slikama crne žene i crne mačke koja izvija leđa. Promjene utiču i na tehniku ​​slikanja, što daje novo razumijevanje figurativnih zadataka umjetničkog jezika. Edouard Manet, kao i mnogi drugi impresionisti, posebno Claude Monet i Camille Pissarro, napušta zastarjeli sistem slikarstva koji se razvio u 17. stoljeću. (podslikavanje, copywriting, glaziranje). Od tog vremena, platna su počela da se slikaju tehnikom zvanom „a la prima“, koju karakteriše veća spontanost i emocionalnost, blisko etidama i skicama.

Period tranzicije od ranog ka zrelom stvaralaštvu, koji je zauzeo gotovo cijelu drugu polovinu 1860-ih za Maneta, predstavljen je slikama kao što su "Flautista" (1866), "Balkon" (oko 1868-1869) itd. .

Prva slika, na neutralnoj maslinasto-sivoj pozadini, prikazuje dječaka muzičara koji podiže flautu do usana. Ekspresivnost suptilnog pokreta, ritmički odjek prelivajućih zlatnih dugmadi na plavoj uniformi uz svjetlo i brzo klizanje prstiju po rupama flaute govore o urođenom umijeću i suptilnom zapažanju majstora. Unatoč činjenici da je ovdje slikarski stil prilično gust, boja teška, a umjetnik se još nije okrenuo pleneru, ova slika, u većoj mjeri od svih ostalih, anticipira zrelo razdoblje Manetovog stvaralaštva. Što se tiče „Balkona“, on je bliži „Olimpiji“ nego delima iz 1870-ih.

Godine 1870-1880 Manet postaje vodeći slikar svog vremena. I premda su ga impresionisti smatrali svojim idejnim vođom i inspiratorom, a i sam se uvijek slagao s njima u tumačenju temeljnih pogleda na umjetnost, njegov rad je mnogo širi i ne uklapa se ni u jedan pravac. Manetov takozvani impresionizam je, zapravo, bliži umjetnosti japanskih majstora. On pojednostavljuje motive, dovodeći dekorativno i realno u ravnotežu, stvarajući generaliziranu ideju o onome što je vidio: čist utisak, lišen detalja koji ometaju, izraz radosti senzacije („Na obali mora“, 1873.) .

Osim toga, kao dominantni žanr, nastoji da očuva kompozicionu cjelovitu sliku, gdje se glavno mjesto pridaje slici osobe. Maneova umjetnost je završna faza u razvoju višestoljetne tradicije realističkog predmetnog slikarstva, čiji je nastanak nastao u renesansi.

U kasnijim Manetovim radovima postoji tendencija udaljavanja od detaljnog tumačenja detalja okruženja koje okružuje prikazanog junaka. Tako se na Malarmeovom portretu, punom nervozne dinamike, umjetnik fokusira na naizgled slučajno uočenu gestu pjesnika, koji je u sanjivom raspoloženju spustio ruku s dimljenom cigarom na sto. Unatoč svoj skiciranosti, glavna stvar u Mallarméovom liku i mentalnom sastavu uhvaćena je iznenađujuće precizno, s velikim uvjerenjem. Dubinska karakterizacija unutrašnjeg svijeta pojedinca, karakteristična za portrete J. L. Davida i J. O. D. Ingresa, ovdje je zamijenjena oštrijom i direktnijom karakteristikom. Takav je nježno poetski portret Berthe Morisot sa lepezom (1872) i elegantna pastelna slika Georgea Moorea (1879).

Umjetnički rad obuhvata radove koji se tiču ​​historijskih tema i značajnih događaja iz društvenog života. Međutim, treba napomenuti da su ove slike manje uspješne, jer su problemi ove vrste bili strani njegovom umjetničkom talentu, rasponu ideja i predstava o životu.

Na primjer, pozivanje na događaje iz građanskog rata između Sjevera i Juga u Sjedinjenim Državama rezultiralo je prikazom potonuća korsarskog broda od strane sjevernjaka južnjaka („Bitka kod Kirsezhe s Alabama“ , 1864), a ova epizoda se u velikoj mjeri može pripisati pejzažu u kojem vojni brodovi služe kao osoblje. “Pogubljenje Maksimilijana” (1867), u suštini, ima karakter žanrovske skice, lišene ne samo interesa za sukob sukobljenih Meksikanaca, već i same dramatike događaja.

Temu moderne istorije Manet se dotakao u danima Pariske komune (“Pogubljenje komunara”, 1871). Simpatičan odnos prema komunarima je zasluga autora slike, koji se nikada ranije nije interesovao za ovakva dešavanja. No, ipak, njena umjetnička vrijednost je niža od ostalih slika, jer se zapravo ovdje ponavlja kompoziciona shema "Pogubljenja Maksimilijana", a autor se ograničava samo na skicu, koja nimalo ne odražava značenje slike. brutalni sudar dva suprotstavljena svijeta.

Nakon toga, Manet se više nije okretao istorijskom žanru, koji mu je bio stran, radije otkrivajući umjetničke i izražajne principe u epizodama, pronalazeći ih u toku svakodnevnog života. Istovremeno je pažljivo birao posebno karakteristične momente, tražio najizrazitiju tačku gledišta, a zatim ih s velikom vještinom reproducirao u svojim slikama.

Šarm većine dela ovog perioda ne duguje se toliko značaju prikazanog događaja, koliko dinamici i duhovitoj opservaciji autora.

Izvanredan primjer plenerne grupne kompozicije je slika “U čamcu” (1874), gdje je spoj obrisa krme jedrilice, suzdržane energije kormilarovih pokreta, sanjive gracioznosti sjedeće dame, Prozirnost zraka, osjećaj svježine povjetarca i klizanja čamca stvaraju neopisivu sliku punu lagane radosti i svježine.

Posebnu nišu u Manetovom stvaralaštvu zauzimaju mrtve prirode, karakteristične za različite periode njegovog stvaralaštva. Tako rana mrtva priroda “Božuri” (1864-1865) prikazuje rascvjetale crvene i bijelo-ružičaste pupoljke, kao i cvijeće koje je već procvjetalo i počinje blijediti, spuštajući svoje latice na stolnjak koji prekriva sto. Kasniji radovi odlikuju se opuštenom skiciranjem. U njima slikar pokušava prenijeti blistavost cvijeća, obavijenog atmosferom prožetom svjetlošću. Ovo je slika “Ruže u kristalnoj čaši” (1882-1883).

Na kraju svog života, Manet je, očigledno, doživio nezadovoljstvo postignutim i pokušao se vratiti pisanju velikih, cjelovitih radnji na drugom nivou vještine. U to vrijeme počinje raditi na jednoj od najznačajnijih slika - "Bar kod Folies Bergere" (1881-1882), u kojoj se približava novom nivou, novoj etapi u razvoju svoje umjetnosti, prekinutoj smrću. (kao što je poznato, u dok je radio, Manet je bio teško bolestan). U središtu kompozicije je lik mlade prodavačice, okrenute prema gledaocu. Pomalo umorna, atraktivna plavuša, obučena u tamnu haljinu sa dubokim strukom, stoji na pozadini ogromnog ogledala koje zauzima cijeli zid, koje odražava sjaj treperave svjetlosti i nejasne, mutne obrise javnosti koja sjedi u kafiću stolovi. Žena je okrenuta prema dvorani, u kojoj se čini da se nalazi i sam gledalac. Ova neobična tehnika tradicionalnoj slici na prvi pogled daje određenu nestabilnost, sugerirajući poređenje stvarnog i reflektovanog svijeta. Istovremeno se ispostavlja da je središnja os slike pomaknuta u desni ugao, u čemu je, prema karakteristikama 1870-ih. Prijem, okvir slike malo blokira lik muškarca u cilindru, koji se ogleda u ogledalu, razgovara sa mladom prodavačicom.

Tako se u ovom radu kombinuje klasični princip simetrije i stabilnosti sa dinamičkim pomeranjem u stranu, kao i sa fragmentacijom, kada se iz jednog toka života otima određeni trenutak (fragment).

Bilo bi pogrešno misliti da je radnja “Bar kod Folies Bergerea” lišena značajnog sadržaja i da predstavlja svojevrsnu monumentalizaciju nebitnog. Lik mlade žene, ali već iznutra umorne i ravnodušne prema okolnom maskenbalu, njen lutajući pogled okrenut nigdje, otuđenje od iluzornog sjaja života iza sebe, unosi značajnu semantičku nijansu u djelo, zadivljujući gledatelja svojom neočekivanošću. .

Gledalac se divi jedinstvenoj svježini dvije ruže koje stoje na šanku u kristalnoj čaši sa svjetlucavim rubovima; i odmah nastaje poređenje ovog raskošnog cveća sa poluuvelom ružom u zagušljivosti hodnika, prikovanom za izrez haljine prodavačice. Gledajući sliku, možete uočiti jedinstven kontrast između svježine njenih poluotvorenih grudi i njenog ravnodušnog pogleda koji luta po gomili. Ovaj rad se u umjetnikovom stvaralaštvu smatra programskim, jer predstavlja elemente svih njegovih omiljenih tema i žanrova: portret, mrtva priroda, razni svjetlosni efekti, kretanje gomile.

Općenito, naslijeđe koje je ostavio Manet predstavljeno je sa dva aspekta, posebno vidljivim u njegovom posljednjem radu. Prvo, svojim radom zaokružuje i iscrpljuje razvoj klasičnih realističkih tradicija francuske umjetnosti 19. stoljeća, a drugo, postavlja u umjetnost prve izdanke onih pravaca koje će pokupiti i razviti tragači za novim realizmom u 20. vek.

Slikar je dobio puno i službeno priznanje u posljednjim godinama života, naime 1882. godine, kada mu je dodijeljen Orden Legije časti (glavna nagrada Francuske). Manet je umro 1883. u Parizu.

Claude Monet

Claude Monet, francuski umjetnik, jedan od osnivača impresionizma, rođen je 1840. godine u Parizu.

Kao sin skromnog trgovca mješovitom robom koji se iz Pariza preselio u Rouen, mladi Monet je na početku svoje stvaralačke karijere crtao smiješne karikature, a potom učio kod ruanskog pejzažista Eugenea Boudina, jednog od tvoraca plenerističkog realističkog pejzaža. Boudin je budućeg slikara ne samo uvjerio u potrebu rada na otvorenom, već mu je uspio usaditi ljubav prema prirodi, pažljivo promatranje i istinito prenošenje onoga što je vidio.

Godine 1859. Monet odlazi u Pariz s ciljem da postane pravi umjetnik. Roditelji su sanjali da on uđe u Školu likovnih umjetnosti, ali mladić ne opravdava njihove nade i strmoglavo uranja u boemski život, sklapajući brojna poznanstva u umjetničkoj zajednici. Potpuno lišen finansijske podrške svojih roditelja, a samim tim i bez sredstava za život, Monet je bio primoran da se pridruži vojsci. Međutim, čak i nakon povratka iz Alžira, gdje je morao da odsluži tešku službu, nastavlja da vodi prethodni način života. Nešto kasnije upoznaje I. Ionkinda, koji ga je fascinirao radom na skicama u punoj veličini. A onda posjećuje Suisseov atelje, studira neko vrijeme u ateljeu tada poznatog akademskog slikara M. Gleyrea, a takođe se zbližava sa grupom mladih umjetnika (J. F. Bazille, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O. Renoir, A. Sisley itd.), koji su, kao i sam Monet, tražili nove puteve razvoja u umjetnosti.

Najveći uticaj na ambicioznog slikara nije imala škola M. Gleyrea, već prijateljstvo sa istomišljenicima, vatrenim kritičarima salonskog akademizma. Upravo zahvaljujući tom prijateljstvu, međusobnoj podršci, mogućnosti za razmjenu iskustava i razmjenu dostignuća nastao je novi slikarski sistem, koji je kasnije dobio naziv „impresionizam“.

Osnova reforme je bila da se rad odvija na otvorenom, na otvorenom. Istovremeno, umjetnici su slikali na otvorenom ne samo skice, već i cijelu sliku. Neposredno u kontaktu s prirodom, sve više su se uvjeravali da se boja predmeta stalno mijenja ovisno o promjenama u osvjetljenju, stanju atmosfere, blizine drugih objekata koji puštaju reflekse boja i mnogih drugih faktora. Upravo su te promjene nastojali prenijeti kroz svoja djela.

Godine 1865. Monet je odlučio da naslika veliko platno "u duhu Maneta, ali na otvorenom". Bio je to “Ručak na travi” (1866) – njegovo prvo najznačajnije djelo, koje prikazuje elegantno odjevene Parižane koji su izašli iz grada i sjedili u hladu drveta oko stolnjaka položenog na zemlju. Djelo karakterizira tradicionalna priroda njegove zatvorene i uravnotežene kompozicije. Ipak, pažnja umjetnika nije usmjerena toliko na sposobnost prikazivanja ljudskih likova ili kreiranja ekspresivne predmetne kompozicije, koliko na uklapanje ljudskih figura u okolni krajolik i prenošenje atmosfere lagodnosti i smirenosti koja vlada među njima. Da bi stvorio ovaj efekat, umjetnik veliku pažnju posvećuje prenosu sunčeve svjetlosti koja se probija kroz lišće, igrajući se na stolnjaku i haljini mlade dame koja sjedi u sredini. Monet precizno hvata i prenosi igru ​​refleksa boja na stolnjaku i prozirnost lagane ženske haljine. Ovim otkrićima stari sistem slikarstva počinje da se ruši, stavljajući naglasak na tamne senke i gusto materijalni način izvođenja.

Od tog vremena, Monetov pristup svijetu postao je pejzaž. Ljudski karakter i odnosi među ljudima ga sve manje zanimaju. Događaji 1870-1871 prisilio Moneta da emigrira u London, odakle putuje u Holandiju. Po povratku je naslikao nekoliko slika koje su postale programske u njegovom radu. To uključuje „Impression. Izlazak sunca (1872), Jorgovani na suncu (1873), Boulevard des Capucines (1873), Polje maka u Argenteuil-u (1873) itd.

Godine 1874. neki od njih bili su izloženi na čuvenoj izložbi koju je organizovalo Anonimno društvo slikara, umetnika i gravera, na čijem je čelu bio sam Monet. Nakon izložbe, Monet i grupa istomišljenika počeli su se nazivati ​​impresionistima (od francuskog impression - utisak). Do tog vremena, Moneovi umjetnički principi, karakteristični za prvu fazu njegovog rada, konačno su se formirali u određeni sistem.

U plenerskom pejzažu “Jorgovani na suncu” (1873), koji prikazuje dvije žene koje sjede u hladu velikog grmlja rascvjetalog jorgovana, njihove su figure tretirane na isti način i s istim intenzitetom kao i samo grmlje i trava na koje sjede. Likovi ljudi samo su dio cjelokupnog pejzaža, a osjećaj meke topline ranog ljeta, svježina mladog lišća, izmaglica sunčanog dana preneti su izuzetnom živošću i neposredno uvjerljivo, netipično za to vrijeme.

Druga slika - "Boulevard des Capucines" - odražava sve glavne kontradikcije, prednosti i nedostatke impresionističke metode. Ovdje je vrlo precizno prenet trenutak, otet iz toka života u velikom gradu: osjećaj tupe monotone buke uličnog saobraćaja, vlažne prozirnosti zraka, zraka februarskog sunca koje klize po golim granama drveća. , film sivkastih oblaka koji prekrivaju plavo nebo... Slika je prolazna, ali ipak manje budan i zapažen pogled umetnika, i to osećajnog umetnika, koji odgovara na sve pojave života. Činjenica da je pogled zaista bačen slučajno je naglašena promišljenom kompozicijom
tehnika: okvir slike desno kao da odsijeca figure muškaraca koji stoje na balkonu.

Platna ovog perioda daju gledaocu osjećaj da je on sam protagonista ove proslave života, ispunjenog sunčevom svjetlošću i neprestanim galamom elegantne gomile.

Nakon što se smjestio u Argenteuil, Monet je sa velikim zanimanjem slikao Senu, mostove, lake jedrenjake kako klize po površini vode...

Pejzaž ga toliko osvaja da, podlegavši ​​neodoljivoj privlačnosti, sagradi sebi mali čamac i u njemu stiže do rodnog Rouena, i tamo, zadivljen slikom koju je video, svoja osećanja prska u skicama koje prikazuju predgrađe. grada i velikih mora koje ulaze u ušće riječnih brodova (“Argenteuil”, 1872; “Jedrenjak u Argenteuil”, 1873-1874).

1877. obilježeno je stvaranjem niza slika koje prikazuju stanicu Saint-Lazare. Oni su zacrtali novu fazu u Moneovom radu.

Od tada, skice, koje se odlikuju svojom cjelovitošću, ustupaju mjesto radovima u kojima je glavni bio analitički pristup prikazanom (“Gare Saint-Lazare”, 1877). Promjena njegovog slikarskog stila povezana je s promjenama u ličnom životu umjetnika: njegova supruga Camilla se teško razbolijeva, a obitelj je opterećena siromaštvom uzrokovanim rođenjem njihovog drugog djeteta.

Nakon smrti njegove supruge, Alice Goshede, čija je porodica iznajmila istu kuću u Veteilu kao i Monet, preuzela je brigu o djeci. Ova žena je kasnije postala njegova druga žena. Nakon nekog vremena, Moneova finansijska situacija se toliko popravila da je mogao kupiti vlastitu kuću u Givernyju, gdje je radio ostatak vremena.

Slikar ima istančan osjećaj za nove trendove, što mu omogućava da sa zadivljujućim uvidom predvidi mnoge stvari.
od onoga što bi postigli umjetnici s kraja XIX - početka XX vijeka. To mijenja odnos prema boji i subjektima
slike Sada je njegova pažnja koncentrirana na ekspresivnost sheme boja poteza odvojeno od njegove predmetne korelacije, povećavajući dekorativnost. Konačno, on stvara panelne slike. Jednostavni predmeti 1860-1870. ustupaju mjesto složenim motivima bogatim raznim asocijativnim vezama: epske slike stijena, elegični redovi topola („Stjene na otoku Belle-Isle“, 1866; „Topole“, 1891).

Ovaj period obilježavaju brojni serijski radovi: kompozicije „Stog sijena“ („Stog sijena. Tmuran dan“, 1891; „Stogovi. Kraj dana. Jesen“, 1891), slike ruanske katedrale („Katedrala u Ruanu“ u podne”, 1894, itd.), pogledi na London („Magla u Londonu”, 1903, itd.). I dalje radeći na impresionistički način i koristeći raznolik tonalitet svoje palete, majstor postavlja za cilj da sa najvećom tačnošću i pouzdanošću prenese kako se osvjetljenje istih objekata može mijenjati u različitim vremenskim uslovima tokom dana.

Ako pažljivije pogledate seriju slika o katedrali u Ruanu, bit će vam jasno da ovdje katedrala nije oličenje složenog svijeta misli, iskustava i ideala ljudi srednjovjekovne Francuske, pa čak ni spomenik. umjetnosti i arhitekture, već određena pozadina, polazeći od koje autor prenosi stanje životne svjetlosti i atmosfere. Gledalac oseća svežinu jutarnjeg povetarca, podnevnu žegu, meke senke večeri koja se približava, koji su pravi junaci ove serije.

Međutim, pored toga, ovakve slike su neobične dekorativne kompozicije, koje, zahvaljujući nevoljnim asocijativnim vezama, daju kod gledatelja dojam dinamike vremena i prostora.

Nakon što se sa porodicom preselio u Giverny, Monet je mnogo vremena provodio u bašti, baveći se njenom slikovitom organizacijom. Ova aktivnost je toliko utjecala na umjetnikove stavove da je umjesto svakodnevnog svijeta u kojem žive ljudi, on na svojim platnima počeo prikazivati ​​tajanstveni ukrasni svijet vode i biljaka (“Irises at Giverny”, 1923; “Weeping Willows”, 1923). Otuda pogledi na bare u kojima plutaju lokvanji, prikazani u najpoznatijoj seriji njegovih kasnih panoa („Bijeli lokvanj. Harmonija plavetnila“, 1918-1921).

Giverny je postao umjetnikovo posljednje utočište, gdje je umro 1926.

Treba napomenuti da se impresionistički stil pisanja uvelike razlikovao od akademskog stila. Impresioniste, posebno Monea i njegove saradnike, zanimala je ekspresivnost kolorističke sheme poteza kistom odvojeno od njegove predmetne korelacije. Odnosno, slikali su odvojenim potezima, koristeći samo čiste boje koje nisu pomiješane na paleti, dok je željeni ton već formiran u percepciji gledatelja. Dakle, za lišće drveća i trave, uz zelenu, korištena je plava i žuta, dajući željenu nijansu zelene na daljinu. Ova metoda dala je djelima majstora impresionista posebnu čistoću i svježinu svojstvenu samo njima. Zasebno postavljeni potezi stvarali su dojam reljefne i naizgled vibrirajuće površine.

Pierre Auguste Renoir

Pjer Ogist Renoar, francuski slikar, grafičar i vajar, jedan od vođa grupe impresionista, rođen je 25. februara 1841. godine u Limožu, u siromašnoj porodici provincijskog krojača, koji se 1845. preselio u Pariz. Talenat mladog Renoira roditelji su uočili prilično rano, te su ga 1854. godine dodijelili u radionicu za slikanje porculana. Posjećujući radionicu, Renoir je istovremeno studirao u školi crtanja i primijenjenih umjetnosti, a 1862. godine, uštedivši novac (zarađujući novac slikanjem grbova, zavjesa i lepeza), mladi umjetnik ulazi u Školu likovnih umjetnosti. Nešto kasnije počeo je posjećivati ​​radionicu C. Gleyrea, gdje je postao blizak prijatelj sa A. Sisleyjem, F. Basileom i C. Moneom. Često je posjećivao Louvre, proučavajući radove majstora kao što su A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard.

Komunikacija s grupom impresionista navodi Renoira da razvije vlastiti stil vizije. Na primjer, za razliku od njih, on se kroz cijeli svoj rad okrenuo slici osobe kao glavnom motivu svojih slika. Osim toga, njegov rad, iako je bio plener, nikada se nije raspao
plastična težina materijalnog svijeta u svjetlucavom okruženju svjetlosti.

Slikarevo korištenje chiaroscura, dajući slici gotovo skulpturalni oblik, čini njegove rane radove sličnim djelima nekih realističkih umjetnika, posebno G. Courbeta. Međutim, svjetlija i svjetlija shema boja, jedinstvena za Renoira, razlikuje ovog majstora od njegovih prethodnika („Taverna majke Anthony“, 1866.). Pokušaj da se prenese prirodna plastičnost kretanja ljudskih figura na otvorenom uočljiv je u mnogim umjetnikovim radovima. U „Portretu Alfreda Sislija sa ženom“ (1868.) Renoar pokušava da pokaže osećaj koji vezuje bračni par koji hoda ruku pod ruku: Sisli je zastao na trenutak i nežno se nagnuo ka svojoj ženi. Na ovoj slici, kompozicijom koja podsjeća na fotografski okvir, motiv kretanja je još uvijek nasumičan i praktično nesvjestan. Međutim, u poređenju sa Tavernom, figure u Portretu Alfreda Sislija i njegove žene deluju opuštenije i živahnije. Još jedna važna stvar je značajna: supružnici su prikazani u prirodi (u vrtu), ali Renoir još nema iskustva u prikazivanju ljudskih figura na otvorenom.

„Portret Alfreda Sislija sa suprugom“ je umetnikov prvi korak na putu ka novoj umetnosti. Sljedeća faza u umjetnikovom stvaralaštvu bila je slika „Kupanje na Seni“ (oko 1869.), gdje su figure ljudi koji šetaju obalom, kupača, kao i čamaca i gomile drveća spojeni u jedinstvenu cjelinu. lagana atmosfera lijepog ljetnog dana. Slikar već slobodno koristi senke u boji i reflekse svetlih boja. Njegov udar postaje živ i energičan.

Poput C. Monea, Renoir se zanima za problem uključivanja ljudske figure u svijet okoliša. Umjetnik rješava ovaj problem na slici “Ljuljaška” (1876), ali na nešto drugačiji način od C. Monea, kod kojeg se figure ljudi kao da se rastvaraju u pejzažu. Renoir uvodi nekoliko ključnih figura u svoju kompoziciju. Slikovit način izrade ovog platna vrlo prirodno prenosi atmosferu vrelog ljetnog dana, ublaženu sjenom. Slika je prožeta osećajem sreće i radosti.

Sredinom 1870-ih. Renoir je naslikao djela poput sunčanog pejzaža „Staza u livadama“ (1875), ispunjenog laganim živahnim pokretom i neuhvatljivom igrom sjajnih svjetla, „Moulin de la Galette“ (1876), kao i „Kišobrani“ ( 1883), “Loža” (1874) i Kraj doručka (1879). Ove prekrasne slike nastale su uprkos činjenici da je umjetnik morao raditi u teškom okruženju, jer je nakon skandalozne izložbe impresionista (1874.), Renoirov rad (kao i rad njegovih istomišljenika) bio podvrgnut oštrim napadi takozvanih poznavalaca umjetnosti. Međutim, u ovom teškom periodu, Renoir je osjetio podršku dvoje ljudi koji su mu bliski: brata Edmonda (izdavač časopisa La Vie Moderne) i Georgesa Charpentiera (vlasnika nedjeljnika). Pomogli su umjetniku da dobije malu količinu novca i iznajmi studio.

Treba napomenuti da je u kompozicionom smislu pejzaž “Put in the Meadows” vrlo blizak “Maquesu” (1873) C. Moneta, međutim, slikovnu teksturu Renoirovih platna odlikuje veća gustoća i materijalnost. Druga razlika u pogledu kompozicije je nebo. Kod Renoira, kome je materijalnost prirodnog sveta bila važna, nebo zauzima samo mali deo slike, dok se kod Monea, koji je prikazao nebo sa sivo-srebrnim ili snežno belim oblacima koji prolaze preko njega, ono uzdiže iznad Padina prošarana rascvjetanim makom, pojačavajući osjećaj prozračnog ljetnog dana okupanog suncem.

U kompozicijama „Moulin de la Galette” (sa kojima je umetniku došao pravi uspeh), „Kišobrani”, „Loža” i „Kraj doručka” jasno je izraženo interesovanje za naizgled slučajno uočenu životnu situaciju (kao kod Maneta i Degas); Tipično je i okretanje tehnici presecanja kompozicionog prostora okvirom, što je karakteristično i za E. Degasa i dijelom E. Maneta. Ali, za razliku od potonjih djela, Renoirove slike odlikuju se većom smirenošću i kontemplacijom.

Platno “Loža”, u kojem, kao da kroz dvogled gleda nizove stolica, autor nehotice nailazi na kutiju u kojoj sjedi ljepotica ravnodušnog pogleda. Njen saputnik, naprotiv, gleda publiku sa velikim interesovanjem. Dio njegove figure je odsječen okvirom za sliku.

Radovi "Kraj doručka" predstavljaju običnu epizodu: dvije dame obučene u bijelo i crno, kao i njihov gospodin, završavaju doručak u sjenovitom kutku vrta. Stol je već postavljen za kafu, koja se servira u šoljicama od finog blijedoplavog porcelana. Žene čekaju nastavak priče, koju je muškarac prekinuo kako bi zapalio cigaretu. Ova slika nije dramatična niti duboko psihološka, ​​ona privlači pažnju gledaoca svojim suptilnim prikazom najsitnijih nijansi raspoloženja.

Sličan osjećaj mirne vedrine prožima i “Veslački doručak” (1881), pun svjetla i živahnog pokreta. Figura lijepe mlade dame koja sjedi sa psom u naručju odiše entuzijazmom i šarmom. Umjetnik je na slici prikazao svoju buduću suprugu. Istim radosnim raspoloženjem ispunjeno je i platno „Akt“ (1876.), samo u nešto drugačijem prelamanju. Svježina i toplina tijela mlade žene u kontrastu je s plavičasto-hladnom tkaninom čaršava i platna, koji čine svojevrsnu pozadinu.

Karakteristična karakteristika Renoirovog stvaralaštva je da je čovjek lišen kompleksne psihološke i moralne punoće koja je karakteristična za slikarstvo gotovo svih umjetnika realista. Ova osobina je svojstvena ne samo djelima poput „Akt“ (gdje priroda motiva radnje dozvoljava odsustvo takvih kvaliteta), već i Renoirovim portretima. Međutim, to ne lišava njegovu sliku šarma sadržanog u vedrini likova.

Ovi kvaliteti se u najvećoj meri osećaju u Renoirovom čuvenom portretu „Devojka sa lepezom” (oko 1881). Platno je karika koja povezuje Renoirov rani rad sa njegovim kasnijim, koji karakteriše hladnija i profinjenija šema boja. U tom periodu umjetnik, u većoj mjeri nego ranije, razvija interesovanje za jasne linije, jasan crtež, a takođe i za lokalitet boje. Umjetnik veliku ulogu pridaje ritmičkim ponavljanjima (polukrug lepeze - polukružni naslon crvene stolice - nagnuta djevojačka ramena).

Međutim, svi ti trendovi u Renoirovom slikarstvu najpotpunije su se manifestirali u drugoj polovini 1880-ih, kada je došlo do razočaranja u njegov rad i impresionizam općenito. Pošto je uništio neke od svojih radova, koje je umjetnik smatrao "osušenim", počinje proučavati rad N. Poussin-a i okreće se crtežu J. O. D. Ingresa. Kao rezultat toga, njegova paleta dobiva poseban sjaj. Počinje tzv „biserno razdoblje“, poznato nam iz djela kao što su „Djevojke za klavirom“ (1892), „Padajući kupač“ (1897), kao i portreti sinova - Pjer, Žan i Klod - „Gabrijel i Žan“ (1895). ), „Koko“ (1901).

Osim toga, od 1884. do 1887. Renoir je radio na stvaranju serije verzija velike slike "Kupači". U njima uspijeva postići jasnu kompozicionu zaokruženost. Međutim, svi pokušaji oživljavanja i preispitivanja tradicije velikih prethodnika, uz okretanje zapletu koji je daleko od velikih problema našeg vremena, završili su neuspjehom. “Kupači” su umjetnika samo udaljili od direktne i svježe percepcije života koja mu je ranije bila karakteristična. Sve ovo umnogome objašnjava činjenicu da je od 1890-ih. Renoirova kreativnost slabi: narandžasto-crveni tonovi počinju da prevladavaju u boji njegovih radova, a pozadina, lišena prozračne dubine, postaje dekorativna i ravna.

Od 1903. Renoir se nastanio u vlastitoj kući u Cagnes-sur-Mer-u, gdje je nastavio raditi na pejzažima, kompozicijama s ljudskim figurama i mrtvim prirodama, u kojima većim dijelom prevladavaju već spomenuti crvenkasti tonovi. Budući da je teško bolestan, umjetnik više ne može sam da drži ruke i one su mu vezane za ruke. Međutim, nakon nekog vremena moram potpuno odustati od slikanja. Tada se majstor okreće skulpturi. Zajedno sa svojim pomoćnikom Guinom stvara nekoliko upečatljivih skulptura, koje se odlikuju ljepotom i harmonijom silueta, veseljem i životno-potvrđujućom snagom ("Venera", 1913; "Velika pralja", 1917; "Majčinstvo", 1916). Renoir je umro 1919. na svom imanju smještenom u Alpes-Maritimes.

Edgar Degas

Edgar Hilaire Germain Degas, francuski slikar, grafičar i vajar, najveći predstavnik impresionizma, rođen je 1834. godine u Parizu u porodici bogatog bankara. Pošto je dobrostojeći, stekao je odlično obrazovanje u prestižnom Liceju nazvanom po Luju Velikom (1845-1852). Neko vreme je bio student Pravnog fakulteta Univerziteta u Parizu (1853), ali je, osetivši žudnju za umetnošću, napustio univerzitet i počeo da pohađa atelje umetnika L. Lamothea (studenta i sledbenika). Ingresa) i u isto vrijeme (od 1855.) Škola
likovne umjetnosti Međutim, 1856. godine, neočekivano za sve, Degas je napustio Pariz i otišao u Italiju na dvije godine, gdje je s velikim zanimanjem studirao i, poput mnogih slikara, kopirao djela velikih majstora renesanse. Najveću pažnju posvetio je radovima A. Mantegne i P. Veronesea, čije je nadahnuto i živopisno slikarstvo mladi umjetnik veoma cijenio.

Degasova rana dela (uglavnom portreti) odlikuju se jasnim i preciznim crtežom i suptilnim zapažanjem, u kombinaciji sa izuzetno suzdržanim načinom slikanja (skice njegovog brata, 1856-1857; crtež glave barunice Beleli, 1859) ili sa zapanjujućom istinitošću pogubljenja (portret italijanske prosjakinje, 1857).

Vrativši se u domovinu, Degas se okrenuo istorijskoj temi, ali joj je dao tumačenje koje je bilo neuobičajeno za to vrijeme. Tako, u kompoziciji „Spartanske devojke izazivaju mladiće na takmičenje“ (1860), majstor, ignorišući konvencionalnu idealizaciju antičkog zapleta, nastoji da ga otelotvori onako kako je to moglo biti u stvarnosti. Antika je ovdje, kao i na drugim njegovim slikama na istorijsku temu, takoreći prošla kroz prizmu modernosti: slike djevojčica i dječaka Drevne Sparte uglastih oblika, tankih tijela i oštrih pokreta, prikazane na pozadini svakodnevni prozaični pejzaž, daleko su od klasičnih ideja i više liče na obične tinejdžere pariških predgrađa nego na idealizirane Spartance.

Kroz 1860-ih godina postepeno se formirala kreativna metoda slikara početnika. U ovoj deceniji, pored manje značajnih istorijskih slika („Semiramida posmatra gradnju Babilona“, 1861.), umetnik je stvorio nekoliko portretnih dela u kojima su izbrusili svoju moć zapažanja i realističku veštinu. U tom smislu, najindikativnija slika je „Glava mlade žene“, autora
1867. godine

Godine 1861. Degas upoznaje E. Maneta i ubrzo postaje redovan u kafani Guerbois, gdje su se okupljali mladi inovatori tog vremena: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley itd. Ali ako ih prvenstveno zanima pejzaž i plein zračni rad, zatim se Degas više fokusira na temu grada i pariskih tipova. Privlači ga sve što je u pokretu; statičnost ga ostavlja ravnodušnim.

Degas je bio veoma pažljiv posmatrač, suptilno hvatajući sve karakteristično ekspresivno u beskrajnoj promeni životnih pojava. Prenoseći tako ludi ritam velikog grada, dolazi do stvaranja jedne od varijanti svakodnevnog žanra, posvećene kapitalističkom gradu.

U stvaralaštvu ovog perioda posebno se ističu portreti, među kojima je mnogo onih koji se smatraju biserima svjetskog slikarstva. Među njima su portret porodice Beleli (oko 1860-1862), portret žene (1867) i portret umetnikovog oca koji sluša gitaristu Pagana (oko 1872).

Neke slike iz 1870-ih odlikuju se fotografskom nepristrasnošću u prikazu likova. Primjer je slika pod nazivom „Lekcija plesa“ (oko 1874.), izvedena u hladnoj plavičastoj shemi boja. Sa neverovatnom preciznošću, autor beleži pokrete balerina koje uče od starog plesnog majstora. Međutim, postoje slike drugačije prirode, kao što je, na primjer, portret vikonta Lepika sa kćerima na Place de la Concorde, koji datira iz 1873. godine. naglašena dinamika kompozicije i izuzetna oštrina prikaza Lepikovog lika; jednom riječju, to se događa zahvaljujući umjetnički oštrom i oštrom razotkrivanju karakteristično izražajnog početka života.

Treba napomenuti da djela ovog perioda odražavaju umjetnikov pogled na događaj koji prikazuje. Njegove slike uništavaju uobičajene akademske kanone. Degasov "Muzičari orkestra" (1872) zasniva se na oštrom kontrastu stvorenom suprotstavljanjem glava muzičara (naslikanih u krupnom planu) i male figure plesača koja se klanja publici. Interes za ekspresivni pokret i njegovo precizno kopiranje na platnu uočen je i u brojnim skicama figurica plesača (ne smije se zaboraviti da je Degas bio i kipar), koje je majstor stvorio kako bi što preciznije uhvatio suštinu pokreta i njegovu logiku. što je moguće.

Umjetnika je zanimao profesionalni karakter pokreta, poza i gesta, lišen svake poetizacije. To je posebno uočljivo u radovima posvećenim konjskim trkama (“Mladi džokej”, 1866-1868; “Trke konja u provinciji. Posada na trkama”, oko 1872; “Džokeji pred tribinama”, oko 1879, itd.). U "Jahanju trkaćih konja" (1870-e) analiza profesionalne strane stvari data je gotovo novinarskom preciznošću. Ako uporedite ovo platno sa slikom T. Gericaulta “The Races at Epsom”, odmah postaje jasno da je, zbog svoje očigledne analitičnosti, Degasov rad mnogo inferiorniji od emocionalne kompozicije T. Gericaulta. Isti kvaliteti svojstveni su i Degasovom pastelu „Balerina na sceni“ (1876-1878), koji nije jedno od njegovih remek-dela.

No, uprkos ovoj jednostranosti, a možda čak i zahvaljujući njoj, Degasova umjetnost odlikuje se uvjerljivošću i sadržajem. On u svojim programskim radovima vrlo precizno i ​​s velikom vještinom otkriva svu dubinu i složenost unutrašnjeg stanja prikazane osobe, kao i atmosferu otuđenosti i usamljenosti u kojoj živi savremeno društvo, uključujući i samog autora.

Ovi osjećaji su prvi put zabilježeni na malom platnu „Plesačica ispred fotografa” (1870-ih), na kojem je umjetnik naslikao usamljenu figuru plesačice zaleđene u sumornom i sumornom okruženju u uvježbanoj pozi pred glomaznom fotografskom kamerom. . Nakon toga, osjećaj gorčine i usamljenosti prodire u slike kao što su "Absint" (1876), "Kafe pevač" (1878), "Peglači platna" (1884) i mnoge druge. U "Apsintu", pri slabom svjetlu ugao skoro puste kafane Degas je pokazao dve usamljene figure muškarca i žene, ravnodušne jedno prema drugom i prema celom svetu. Mutno zelenkasto svjetlucanje čaše napunjene apsintom naglašava tugu i beznađe vidljive u ženinom pogledu i držanju. Blijedo bradati muškarac natečenog lica je tmuran i zamišljen.

Degasovo delo karakteriše istinsko interesovanje za karaktere ljudi, za jedinstvene osobine njihovog ponašanja, kao i uspešno izgrađena dinamična kompozicija koja je zamenila tradicionalnu. Njegov glavni princip je pronaći najizrazitije uglove u samoj stvarnosti. To razlikuje Degasovo djelo od umjetnosti drugih impresionista (posebno C. Moneta, A. Sisleya i, dijelom, O. Renoira) svojim kontemplativnim pristupom okolnom svijetu. Umjetnik je ovaj princip koristio već u svom ranom djelu “Pamučna prijemna kancelarija u New Orleansu” (1873), koje je izazvalo divljenje E. Goncourta zbog svoje iskrenosti i realizma. Riječ je o njegovim kasnijim djelima “Gospođica Lala u Fernandovom cirkusu” (1879) i “Plesači u foajeu” (1879), gdje je u okviru istog motiva data suptilna analiza promjene različitih pokreta.

Ponekad neki istraživači koriste ovu tehniku ​​da ukažu na bliskost Degasa i A. Watteaua. Iako su oba umjetnika po nečemu zaista slična (A. Watteau se također fokusira na različite nijanse istog pokreta), međutim, dovoljno je uporediti crtež A. Watteaua sa slikom pokreta violiniste iz spomenute Degasove kompozicije, i odmah se osjeti kontrast njihovih umjetničkih tehnika.

Ako A. Watteau pokušava prenijeti suptilne prijelaze jednog pokreta u drugi, da tako kažem, polutonove, onda je za Degasa, naprotiv, karakteristična energična i kontrastna promjena motiva pokreta. Više teži njihovom poređenju i oštrom sudaru, često čineći figuru ugaonom. Na ovaj način umjetnik pokušava uhvatiti dinamiku razvoja savremenog života.

Krajem 1880-ih - početkom 1890-ih. u Degasovom djelu dominiraju dekorativni motivi, što je vjerovatno posljedica nekog otupljenja budnosti njegove umjetničke percepcije. Ako je na slikama ranih 1880-ih, posvećenim aktu (Žena izlazi iz kupatila, 1883.), veći interes za živopisnu ekspresivnost pokreta, onda se krajem decenije interesovanje umetnika primetno pomera ka prikazivanju. ženska lepota. To je posebno uočljivo na slici „Kupanje“ (1886.), gdje slikar s velikom vještinom prenosi čar gipkog i gracioznog tijela mlade žene koja se savija nad karlicom.

Umjetnici su ranije slikali slične slike, ali Degas ide malo drugačijim putem. Ako su junakinje drugih majstora uvijek osjećale prisustvo gledatelja, ovdje slikar prikazuje ženu kao da joj uopće nije stalo do toga kako izgleda izvana. I iako takve situacije izgledaju lijepo i potpuno prirodno, slike u takvim djelima često se približavaju grotesknom. Uostalom, ovdje su sasvim prikladne bilo kakve poze i geste, čak i one najintimnije, u potpunosti su opravdane funkcionalnom nužnošću: pri pranju dođite na pravo mjesto, otkopčajte kopču na leđima, okliznite se i uhvatite se za nešto.

Posljednjih godina svog života Degas se više bavio skulpturom nego slikarstvom. To je dijelom zbog bolesti oka i zamagljenog vida. Stvara iste slike koje su prisutne na njegovim slikama: vaja figurice balerina, plesača i konja. Istovremeno, umjetnik pokušava što preciznije prenijeti dinamiku pokreta. Degas ne napušta slikarstvo, koje, iako bledi u pozadini, ne nestaje u potpunosti iz njegovog stvaralaštva.

Zbog formalno ekspresivne, ritmičke građenja kompozicija, žudnje za dekorativno-planarnom interpretacijom slika, Degasove slike, izvedene krajem 1880-ih i tokom 1890-ih. ispadaju lišene realistične uvjerljivosti i postaju poput ukrasnih panoa.

Degas je ostatak života proveo u rodnom Parizu, gde je i umro 1917.

Camille Pissarro

Camille Pissarro, francuski slikar i grafičar, rođen je 1830. godine na ostrvu. Sveti Toma (Antili) u porodici trgovca. Obrazovanje je stekao u Parizu, gdje je studirao od 1842. do 1847. Nakon završetka studija, Pissarro se vratio u St. Thomas i počeo pomagati ocu u trgovini. Međutim, to uopće nije bilo ono o čemu je mladić sanjao. Njegov interes ležao je daleko iza tezge. Slikarstvo mu je bilo najvažnije, ali otac nije podržavao sinovljev interes i bio je protiv toga da napusti porodični posao. Potpuno nerazumijevanje i nespremnost porodice na saradnju doveli su do toga da potpuno očajni mladić pobjegne u Venecuelu (1853). Ovaj čin je ipak uticao na nepokolebljive roditelje, pa je dozvolio svom sinu da ode u Pariz da studira slikarstvo.

U Parizu, Pissarro je ušao u studiju Suisse, gdje je studirao šest godina (od 1855. do 1861.). Na Svjetskoj izložbi slikarstva 1855. budući umjetnik je otkrio J. O. D. Ingresa, G. Courbeta, ali su na njega najveći utisak ostavila djela C. Corota. Po savjetu potonjeg, dok je nastavio posjećivati ​​Suisseov atelje, mladi slikar je upisao Školu likovnih umjetnosti kod A. Melbyja. U to vrijeme upoznaje C. Moneta, s kojim je slikao pejzaže predgrađa Pariza.

Godine 1859. Pissarro je prvi put izložio svoje slike u Salonu. Njegova rana djela napisana su pod utjecajem C. Corota i G. Courbeta, ali postepeno Pissarro razvija svoj vlastiti stil. Slikar početnik provodi dosta vremena radeći na pleneru. Njega, kao i druge impresioniste, zanima život prirode u pokretu. Pissarro veliku pažnju posvećuje boji, koja može prenijeti ne samo formu, već i materijalnu suštinu predmeta. Da bi otkrio jedinstveni šarm i ljepotu prirode, koristi lagane poteze čistih boja, koje, u interakciji jedna s drugom, stvaraju vibrirajući tonski raspon. Primijenjene u poprečnim, paralelnim i dijagonalnim linijama, cijeloj slici daju nevjerovatan osjećaj dubine i ritmičnog zvuka („Seine at Marly“, 1871).

Slikanje Pissarru ne donosi mnogo novca, a on jedva sastavlja kraj s krajem. U trenucima očaja, umjetnik pokušava zauvijek prekinuti s umetnošću, ali se ubrzo ponovo vraća kreativnosti.

Tokom francusko-pruskog rata, Pissarro je živio u Londonu. Zajedno sa C. Moneom slikao je londonske pejzaže iz života. Umjetnikovu kuću u Louveciennesu u to vrijeme opljačkali su pruski okupatori. Većina slika koje su ostale u kući je uništena. Vojnici su za vreme kiše pod nogama prostrli platna u dvorištu.

Vrativši se u Pariz, Pissarro nastavlja da doživljava finansijske poteškoće. Republika koja je zamenila
carstva, nije promijenila gotovo ništa u Francuskoj. Buržoazija, osiromašena nakon događaja povezanih s Komunom, ne može kupiti slike. U to vrijeme Pissarro je pod svoje pokroviteljstvo uzeo mladog umjetnika P. Cezannea. Njih dvoje rade u Pontoiseu, gdje Pissarro stvara platna koja prikazuju okolinu Pontoisea, gdje je umjetnik živio do 1884. (“Oise in Pontoise”, 1873.); mirna sela, putevi koji se protežu u daljinu („Put od Gisorsa do Pontoisea pod snijegom“, 1873; „Crveni krovovi“, 1877; „Pejzaž u Pontoiseu“, 1877).

Pissarro je aktivno učestvovao na svih osam izložbi impresionista, organizovanih od 1874. do 1886. Posedujući pedagoški talenat, slikar je mogao da nađe zajednički jezik sa gotovo svim ambicioznim umetnicima i pomagao im je savetima. Savremenici su za njega govorili da „može čak i da te nauči da crtaš kamenje“. Majstorov talenat bio je toliki da je mogao razlikovati i najfinije nijanse boja gdje su drugi vidjeli samo sivu, smećkastu i zelenu.

Posebno mjesto u Pissarrovom stvaralaštvu zauzimaju platna posvećena gradu, prikazana kao živi organizam, koji se neprestano mijenja u zavisnosti od svjetla i doba godine. Umjetnik je imao nevjerovatnu sposobnost da vidi mnogo i uhvati ono što drugi nisu primijetili. Na primjer, gledajući kroz isti prozor, naslikao je 30 djela s prikazom Monmartra (“Bulevar Monmartra u Parizu”, 1897.). Majstor je strastveno volio Pariz, pa mu je posvetio većinu svojih slika. Umjetnik je uspio u svojim radovima prenijeti jedinstvenu magiju koja je Pariz učinila jednim od najvećih gradova na svijetu. Za posao je slikar iznajmljivao sobe u ulici Saint-Lazare, na Velikim bulevarima itd. Sve što je vidio prenio je na svoja platna („Italijanski bulevar ujutro obasjan suncem“, 1897; „Mjesto francuskog pozorišta u Parizu, proleće", 1898; "Operski prolaz u Parizu").

Među njegovim gradskim pejzažima nalaze se djela koja prikazuju druge gradove. Dakle, 1890-ih. gospodar je dugo živio ili u Dieppeu ili Rouenu. U svojim slikama posvećenim raznim krajevima Francuske otkrio je ljepotu drevnih trgova, poeziju uličica i antičkih građevina iz kojih izvire duh davno prošlih epoha („Veliki most u Ruanu“, 1896; „Boieldieu most u Rouen na zalasku, 1896; Pogled na Rouen, 1898; Crkva Saint-Jacques u Dieppeu, 1901).

Iako se Pissarrovi pejzaži ne odlikuju jarkim bojama, njihova je slikovna tekstura neobično bogata raznim nijansama: na primjer, sivi ton kaldrmirane ulice formiran je od poteza čisto ružičaste, plave, plave, zlatnog okera, engleske crvene itd. Kao rezultat, siva izgleda biserno, svjetluca i sija, čineći slike poput dragog kamenja.

Pissarro nije stvorio samo pejzaže. Njegov rad uključuje i žanrovske slike, koje oličavaju njegovo interesovanje za čoveka.

Među najznačajnijim su „Kafa sa mlekom” (1881), „Devojka sa granom” (1881), „Žena sa detetom kod bunara” (1882), „Tržnica: Trgovac mesom” (1883). Radeći na ovim radovima, slikar je nastojao da svoje poteze kistom pojednostavi i unese elemente monumentalnosti u kompozicije.

Sredinom 1880-ih, već zreo umjetnik, Pissarro, pod utjecajem Seurata i Signaca, zainteresirao se za divizionizam i počeo slikati malim obojenim tačkama. Na ovaj način je napisano njegovo djelo kao što je “Lacroix Island, Rouen”. Magla" (1888). Međutim, hobi nije dugo trajao, a ubrzo (1890.) majstor se vratio svom nekadašnjem stilu.

Osim slikarstva, Pissarro se bavio akvarelom, stvarao bakropis, litografije i crteže.
Umetnik je umro u Parizu 1903.

Evropska umjetnost kasnog 19. vijeka obogaćena je pojavom modernizma, čiji se uticaj kasnije proširio na muziku i književnost. Nazvan je “impresionizam” jer se zasnivao na umjetnikovim najsuptilnijim utiscima, slikama i raspoloženjima.

Poreklo i istorija

Nekoliko mladih umjetnika formiralo je grupu u drugoj polovini 19. stoljeća. Imali su zajednički cilj i iste interese. Za ovu kompaniju je bilo najvažnije raditi u prirodi, bez zidova radionice i raznih ograničavajućih faktora. Na svojim slikama nastojali su prenijeti svu senzualnost, utisak igre svjetla i sjene. Pejzaži i portreti odražavali su jedinstvo duše sa Univerzumom, sa okolnim svijetom. Njihove slike su prava poezija boja.

Godine 1874. održana je izložba ove grupe umjetnika. Pejzaž Claudea Moneta “Impression. Izlazak sunca” zapeo je za oko kritičaru, koji je u svojoj recenziji ove stvaraoce prvi put nazvao impresionistima (od francuskog impression – “utisak”).

Preduvjeti za rođenje stila impresionizma, čiji će predstavnici uskoro postići nevjerovatan uspjeh, bila su djela renesanse. Rad Španaca Velaskeza, El Greka, Engleza Turnera, Konstebla bezuslovno je uticao na Francuze, koji su bili osnivači impresionizma.

Istaknuti predstavnici stila u Francuskoj bili su Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cézanne, Monet, Renoir i drugi.

Filozofija impresionizma u slikarstvu

Umjetnici koji su slikali u ovom stilu nisu si postavili zadatak da privuku pažnju javnosti na nevolje. U njihovim djelima se ne mogu naći teme na temu dana, ne može se dobiti moralna pouka niti uočiti ljudske kontradikcije.

Slike u impresionističkom stilu imaju za cilj prenošenje trenutnog raspoloženja, razvijajući sheme boja tajanstvene prirode. U radovima ima prostora samo za pozitivan početak, sumornost je zaobišla impresioniste.

Zapravo, impresionisti se nisu zamarali promišljanjem radnje i detalja. Najvažniji faktor nije bio šta nacrtati, već kako dočarati i prenijeti svoje raspoloženje.

Slikarska tehnika

Razlika između akademskog stila crtanja i tehnike impresionista je kolosalna. Jednostavno su napustili mnoge metode, a neke promijenili do neprepoznatljivosti. Evo inovacija koje su uveli:

1. Napustili smo kolo. Zamijenjen je potezima - malim i kontrastnim.
2. Prestali smo koristiti palete za boje koje se međusobno nadopunjuju i ne zahtijevaju spajanje za postizanje određenog efekta. Na primjer, žuta je ljubičasta.
3. Prestao farbati u crno.
4. Potpuno su napustili rad u radionicama. Slikali su isključivo na lokaciji, kako bi lakše uhvatili trenutak, sliku, osjećaj.
5. Korištene su samo boje dobre pokrivne moći.
6. Nismo čekali da se novi sloj osuši. Odmah su primijenjeni svježi potezi.
7. Stvorili su cikluse radova koji prate promjene svjetla i sjene. Na primjer, “Stagovi sijena” Claudea Moneta.

Naravno, nisu svi umjetnici slijedili tačne karakteristike impresionističkog stila. Slike Edouarda Maneta, na primjer, nikada nisu učestvovale na zajedničkim izložbama, a on se pozicionirao kao poseban umjetnik. Edgar Degas je radio samo u radionicama, ali to nije štetilo kvaliteti njegovih radova.

Predstavnici francuskog impresionizma

Prva izložba impresionističkih radova datira iz 1874. godine. 12 godina kasnije održana je njihova posljednja izložba. Prvi rad u ovom stilu može se nazvati “Ručak na travi” E. Maneta. Ova slika je predstavljena u "Salonu odbačenih". Naišao je na neprijateljstvo jer se veoma razlikovao od akademskih kanona. Zato Manet postaje figura oko koje se okuplja krug sljedbenika ovog stilskog pokreta.

Nažalost, savremenici nisu cijenili takav stil kao što je impresionizam. Slike i umjetnici postojali su u neslaganju sa zvaničnom umjetnošću.

Postepeno, u grupi slikara dolazi do izražaja Claude Monet, koji će kasnije postati njihov vođa i glavni ideolog impresionizma.

Claude Monet (1840—1926)

Rad ovog umjetnika može se opisati kao himna impresionizmu. On je bio taj koji je prvi napustio upotrebu crne boje na svojim slikama, navodeći činjenicu da čak i sjene i noć imaju različite tonove.

Svijet na Monetovim slikama je nejasnih obrisa, prostranih poteza, gledajući u koje možete osjetiti čitav spektar igre boja dana i noći, godišnjih doba i harmoniju sublunarnog svijeta. Samo trenutak koji je otet iz toka života, u Moneovom shvatanju, jeste impresionizam. Njegove slike kao da nemaju materijalnost, sve su zasićene zracima svjetlosti i zračnim strujanjima.

Claude Monet je stvorio nevjerovatna djela: “Gare Saint-Lazare”, “Rouen Cathedral”, serijal “Charing Cross Bridge” i mnoga druga.

Auguste Renoir (1841-1919)

Renoirove kreacije stvaraju utisak izuzetne lakoće, prozračnosti i eteričnosti. Radnja je nastala kao slučajno, ali je poznato da je umjetnik pažljivo promišljao sve faze svog rada i radio od jutra do mraka.

Posebnost rada O. Renoira je upotreba glazure, koja je moguća samo pri slikanju.Impresionizam u umjetnikovim djelima se manifestuje u svakom potezu. On osobu doživljava kao česticu same prirode, zbog čega ima toliko slika sa aktovima.

Renoirova omiljena zabava bilo je prikazivanje žene u svoj njenoj privlačnoj i privlačnoj ljepoti. Portreti zauzimaju posebno mjesto u stvaralačkom životu umjetnika. "Kišobrani", "Devojka sa lepezom", "Doručak veslača" samo su mali deo neverovatne kolekcije slika Ogista Renoara.

Georges Seurat (1859-1891)

Seurat je proces stvaranja slika povezao sa naučnom potporom teorije boja. Svjetlosno-zračno okruženje crtano je na osnovu ovisnosti glavnih i dodatnih tonova.

Uprkos činjenici da je J. Seurat predstavnik završne faze impresionizma, a njegova tehnika je po mnogo čemu drugačija od osnivača, on, na isti način, uz pomoć poteza stvara iluzorni prikaz forme predmeta, koji se može vidjeti i vidjeti samo iz daljine.

Slike "Nedjeljno popodne", "Cancan", "Manekenke" mogu se nazvati remek-djelima kreativnosti.

Predstavnici ruskog impresionizma

Ruski impresionizam je nastao gotovo spontano, miješajući mnoge pojave i metode. Međutim, osnova je, kao i kod Francuza, bila prirodna vizija procesa.

U ruskom impresionizmu, iako su obilježja Francuza sačuvana, osobitosti nacionalne prirode i stanja duha donijele su značajne promjene. Na primjer, vizije snijega ili sjevernih pejzaža izražavane su neobičnim tehnikama.

U Rusiji je malo umjetnika radilo u impresionističkom stilu, a njihove slike i danas privlače pažnju.

Impresionistički period može se razlikovati u radu Valentina Serova. Njegova „Djevojka s breskvama“ je najjasniji primjer i standard ovog stila u Rusiji.

Slike plene svežinom i harmonijom čistih boja. Glavna tema ovog umetnikovog rada je prikaz čoveka u prirodi. “Sjeverna idila”, “U čamcu”, “Fedor Chaliapin” svijetle su prekretnice u stvaralaštvu K. Korovina.

Impresionizam u modernom vremenu

Trenutno je ovaj pravac u umjetnosti dobio novi život. Nekoliko umjetnika slika svoje slike u ovom stilu. Moderni impresionizam postoji u Rusiji (Andre Cohn), u Francuskoj (Laurent Parselier), u Americi (Diana Leonard).

Andre Cohn je najistaknutiji predstavnik novog impresionizma. Njegove slike ulja zadivljuju svojom jednostavnošću. Umjetnik vidi ljepotu u svakodnevnim stvarima. Kreator mnoge predmete tumači kroz prizmu kretanja.

Cijeli svijet poznaje akvarelne radove Laurenta Parselier-a. Njegova serija radova “Čudan svijet” objavljena je u obliku razglednica. Veličanstveni, živahni i senzualni, oduzet će vam dah.

Kao iu 19. veku, iu ovom trenutku umetnici ostaju plenersko slikarstvo. Zahvaljujući njoj, impresionizam će živjeti vječno. umjetnici nastavljaju biti inspirirani, impresionirani i ohrabreni.

Danas se impresionizam doživljava kao klasik, ali u eri svog formiranja bio je pravi revolucionarni iskorak u umjetnosti. Inovacije i ideje ovog pokreta potpuno su promijenile umjetničku percepciju umjetnosti 19. i 20. stoljeća. A moderni impresionizam u slikarstvu baštini načela koja su već postala kanonska i nastavlja estetska traganja u prenošenju senzacija, emocija i svjetlosti.

Preduvjeti

Nekoliko je razloga za nastanak impresionizma, to je čitav kompleks preduvjeta koji su doveli do prave revolucije u umjetnosti. U 19. veku u francuskom slikarstvu se spremala kriza, zbog toga što „zvanična” kritika nije htela da primeti i dopušta razne nove forme koje se pojavljuju u galerijama. Stoga je slikarstvo u impresionizmu postalo svojevrsni protest protiv inertnosti i konzervativizma općeprihvaćenih normi. Također, porijeklo ovog pokreta treba tražiti u trendovima svojstvenim renesansi i povezanim s pokušajima prenošenja žive stvarnosti. Umjetnici venecijanske škole smatraju se prvim rodonačelnicima impresionizma, zatim su ovim putem krenuli Španci: El Greco, Goya, Velazquez, koji su direktno utjecali na Maneta i Renoira. Tehnološki napredak je također imao ulogu u formiranju ove škole. Tako je pojava fotografije dovela do nove ideje u umjetnosti o hvatanju trenutnih emocija i senzacija. Upravo taj trenutni utisak nastoje da „uhvate“ umetnici pokreta koji razmatramo. Na ovaj trend utjecao je i razvoj plener škole koju su osnovali predstavnici škole Barbizon.

Istorija impresionizma

U drugoj polovini 19. veka u francuskoj umetnosti se razvija kritična situacija. Predstavnici klasične škole ne prihvataju inovativnost mladih umetnika i ne dozvoljavaju im da prisustvuju Salonu - jedinoj izložbi koja otvara put kupcima. Skandal je izbio kada je mladi Edouard Manet predstavio svoje djelo “Ručak na travi”. Slika je izazvala ogorčenje kritike i javnosti, a umjetniku je zabranjeno da je izloži. Stoga Manet učestvuje u takozvanom „Salonu odbačenih“ zajedno sa ostalim slikarima kojima nije dozvoljeno učešće na izložbi. Djelo je dobilo ogroman odjek, a oko Maneta se počeo formirati krug mladih umjetnika. Okupili su se u kafiću, razgovarali o problemima savremene umetnosti, raspravljali o novim formama. Pojavljuje se društvo slikara koje će po jednom od djela Claudea Moneta nazvati impresionistima. U ovu zajednicu spadali su Pissarro, Renoir, Cezanne, Monet, Basil, Degas. Prva izložba umjetnika ovog pokreta održana je 1874. u Parizu i završila je, kao i sve naredne, neuspjehom. Zapravo, impresionizam u muzici i slikarstvu pokriva period od samo 12 godina, od prve izložbe do posljednje, održane 1886. godine. Kasnije se pokret počinje raspadati u nove pokrete, a neki umjetnici umiru. Ali ovaj period je doneo pravu revoluciju u umovima stvaralaca i javnosti.

Ideološki principi

Za razliku od mnogih drugih pokreta, slikarstvo u impresionizmu nije bilo povezano s dubokim filozofskim pogledima. Ideologija ove škole bila je trenutno iskustvo, utisak. Umjetnici nisu sebi postavljali društvene ciljeve, nastojali su prenijeti puninu i radost života u svakodnevni život. Stoga je žanrovski sistem impresionizma općenito bio vrlo tradicionalan: pejzaži, portreti, mrtve prirode. Ovaj pravac nije ujedinjenje ljudi zasnovano na filozofskim pogledima, već zajednica istomišljenika, od kojih svaki vodi vlastitu potragu za proučavanjem oblika bića. Impresionizam leži upravo u jedinstvenosti pogleda na obične predmete, fokusiran je na individualno iskustvo.

Tehnika

Slikarstvo u impresionizmu je prilično lako prepoznati po nekim karakterističnim osobinama. Prije svega, vrijedi zapamtiti da su umjetnici ovog pokreta bili vatreni ljubitelji boja. Gotovo potpuno napuštaju crnu i smeđu u korist bogate, svijetle palete, često jako izbijeljene. Impresionističku tehniku ​​karakteriziraju kratki potezi. Oni teže opštem dojmu, a ne pažljivom crtanju detalja. Platna su dinamična i isprekidana, što odgovara ljudskoj percepciji. Slikari nastoje postaviti boje na platno tako da postignu koloristički intenzitet ili blizinu slike, ne miješaju boje na paleti. Umjetnici su često radili plener, a to se odrazilo na tehniku ​​koja nije imala vremena da osuši prethodne slojeve. Boje su nanošene jedna pored druge ili jedna na drugu, a korišten je neprozirni materijal koji je omogućio stvaranje efekta „unutrašnjeg sjaja“.

Glavni predstavnici u francuskom slikarstvu

Rodno mjesto ovog pokreta je Francuska; tu se prvi put pojavio impresionizam u slikarstvu. Umetnici ove škole živeli su u Parizu u drugoj polovini 19. veka. Svoje radove predstavili su na 8 impresionističkih izložbi, a ove slike postale su klasici pokreta. Francuzi Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot i drugi su rodonačelnici pokreta koji razmatramo. Najpoznatiji impresionista, naravno, je Claude Monet, čija su djela u potpunosti utjelovila sve karakteristike ovog pokreta. Također, pokret se s pravom vezuje za ime Augustea Renoira, koji je svojim glavnim umjetničkim zadatkom smatrao da prenese igru ​​sunca; osim toga, bio je majstor sentimentalnog portreta. Impresionizam uključuje i takve izuzetne umjetnike kao što su Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.

Impresionizam u drugim zemljama

Postepeno, trend se širi u mnogim zemljama, francusko iskustvo je uspješno preuzeto iu drugim nacionalnim kulturama, iako se u njima više mora govoriti o pojedinačnim radovima i tehnikama nego o dosljednoj implementaciji ideja. Njemačko slikarstvo u impresionizmu predstavljeno je prvenstveno imenima Lesser Ury, Max Liebermann, Lovis Corinth. U SAD je ideje implementirao J. Whistler, u Španiji - H. Sorolla, u Engleskoj - J. Sargent, u Švedskoj - A. Zorn.

Impresionizam u Rusiji

Ruska umjetnost 19. stoljeća bila je pod značajnim utjecajem francuske kulture, pa ni domaći umjetnici nisu mogli izbjeći da budu zaneseni novim pokretom. Ruski impresionizam u slikarstvu najdosljednije je i najplodnije zastupljen u djelima Konstantina Korovina, kao i u radovima Igora Grabara, Isaka Levitana, Valentina Serova. Osobitosti ruske škole bile su etidna priroda radova.

Šta je bio impresionizam u slikarstvu? Osnivači su nastojali da zabilježe trenutne utiske kontakta s prirodom, a ruski stvaraoci su nastojali da prenesu i dublji, filozofski smisao djela.

Impresionizam danas

Unatoč činjenici da je prošlo gotovo 150 godina od nastanka pokreta, moderni impresionizam u slikarstvu danas nije izgubio svoju relevantnost. Zahvaljujući svojoj emocionalnosti i lakoći percepcije, slike u ovom stilu su vrlo popularne, pa čak i komercijalno uspješne. Stoga mnogi umjetnici širom svijeta rade u tom pravcu. Tako je ruski impresionizam u slikarstvu predstavljen u novom moskovskom muzeju istog imena. Tu se redovno održavaju izložbe savremenih autora, na primer V. Košljakova, N. Bondarenka, B. Gladčenka i drugih.

Remek djela

Moderni ljubitelji likovne umjetnosti često nazivaju impresionizam u slikanju svojim omiljenim pokretom. Slike umjetnika ove škole prodaju se na aukcijama po nevjerovatnim cijenama, a zbirke u muzejima uživaju veliku pažnju javnosti. Glavnim remek-djelima impresionizma smatraju se slike C. Moneta "Vodeni ljiljani" i "Izlazeće sunce", O. Renoir "Bal u Moulin de la Galette", C. Pissarro "Boulevard Montmartre noću" i " Boildier Bridge u Rouenu na kišni dan”, E. . Degas „Apsint”, iako se ova lista može nastaviti gotovo beskonačno.