Razvoj dekorativne i primenjene umetnosti doprinijelo je unapređenju tehnologije zanatske i manufakturne proizvodnje, nastanku umjetničke industrije (proizvodnja tapiserija, umjetničkog stakla, fajansa, kamenorezac, proizvodnja svile i sukna), izrada modnih predmeta, luksuzne robe, otkriće i razvoj nalazišta bakra, kalaja, srebra, obojenog kamena, visokokvalitetnih glina.

Značajna je uloga Akademije nauka u „prosperitetu slobodnih umetnosti i manufaktura“, koja odražava nova prirodoslovna i tehnička interesovanja u dekorativnoj i primenjenoj umetnosti. U prvoj polovini 18. vijeka javljaju se novi oblici obrazovanja i usavršavanja zanatlija u umjetničkim manufakturama; U Rusiji se pojavljuju cehovske organizacije zanatlija, što ne negira široku upotrebu stranih zanatlija u različitim oblastima dekorativne i primijenjene umjetnosti.

U dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti (predmeti interijera, namještaj, dekor) moda aktivno diktira stil. Kao rezultat toga, pojavljuju se nove vrste predmeta i ažuriraju estetske ideje u dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti. U dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti sredine 18. vijeka postojala je tendencija sintetiziranja umjetnosti, gdje su se arhitektura, skulptura, slikarstvo i primijenjeni zanati spojili u dekorativni ansambl.

Kao rezultat toga, umjetnost uređenja interijera postaje posebna vrsta umjetničke djelatnosti u radu arhitekata 18. stoljeća. Ova vrsta umjetničke aktivnosti određuje pojavu novih tipova prostorija (kancelarije, prednje sobe, spavaće sobe, dnevne sobe, „hole za slike“) i njihov predmetni sadržaj (Ljetna palača, Palata A.D. Menšikov, Velika palača Peterhof, Monplaisir).

Sve to doprinosi razvoju izrade namještaja, pojavljuju se nove vrste i oblici namještaja, materijali i načini ukrašavanja. Uticaj engleskog i holandskog namještaja ovdje je vrlo jak. Pod uticajem Evrope, u Rusiji se razvija čak i barokni i rokoko stil u nameštaju.

Namještaj klasicizma ima karakterističan karakter i oblik. U velikoj mjeri antikni motivi se mogu pratiti u oblicima i dekoraciji namještaja. Sredinom 18. stoljeća arhitekti su učestvovali u razvoju novih vrsta namještaja, u Rusiji se pojavila umjetnost namještaja i dizajnerski namještaj (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). U drugoj polovini 18. stoljeća pojavljuju se prve radionice namještaja (radionica G. Gambsa i I. Otta). Ovaj period u umjetnosti namještaja karakterizira Jakovljev stil. Do druge polovine 18. stoljeća mijenjaju se materijali u umjetnosti namještaja: ovdje se pojavljuju mahagonij, pozlaćeno drvo, topola, karelijska breza; Tkanina i vez se sve više koriste u izradi namještaja.

Posebno mjesto u dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti zauzimaju keramika i fajanca. Ovo se u početku događa zbog ekspanzije uvoza zemljanog posuđa iz Engleske i Holandije. Međutim, ubrzo se u Moskvi pojavila prva privatna manufaktura A. Grebenščikova koja je proizvodila rusku finu fajansu. Kasnije se formira stil ceremonijalnog dvorskog posuđa s mat graviranjem i širi se moda na kristal kao predmet interijera. To podrazumijeva otvaranje Malcovljeve prve privatne fabrike stakla i kristala u Možajskom okrugu.

U 18. stoljeću, zbog sve veće popularnosti dekorativne i primijenjene umjetnosti i uređenja prostorija, značajno je porasla potrošnja stakla koje se koristilo za izradu raznih ogledala i rasvjetnih tijela.

Skulptura i slikarstvo druge polovine 18. vijeka.

Igrao je veliku ulogu u razvoju slikarstva u 18. veku kreacija Vladimir Lukič Borovikovski. Unatoč činjenici da umjetnik nije službeno naveden kao student Akademije, on je, bez sumnje, koristio savjete njenih nastavnika i prije svega Levitskog. Prirodni talenat i željezna upornost mladog umjetnika ubrzo su doveli do toga da Borovikovsky postane jedan od prvih majstora kasnog 18. vijeka. Napravio je niz izvrsnih portreta svojih savremenika, uključujući G. Deržavina, V. Arsenjeva, M. Lopuhinu, O. Filipovu i mnoge druge. Neprestano zanimanje za emocionalna iskustva osobe, naglašena liričnost i kontemplacija, napuhana izmaglicom sentimentalnosti, toliko karakteristična za to doba, karakteristični su za većinu djela Borovikovskog. Umjetnik nikada nije išao putem vanjske, površne karakterizacije slike, neprestano se trudio da prenese najsuptilnije duhovne pokrete portretiranih osoba.

U njegovom radu dominiraju kamerni portreti. Borovikovsky nastoji da afirmiše samopoštovanje i moralnu čistotu osobe (portret „Lizynke i Dashinke“, portret E.N. Arsenyeve, itd.). Na prelazu iz 18. u 19. vek, Borovikovskog su privlačile snažne, energične ličnosti, on se fokusirao na građanstvo, plemstvo i dostojanstvo portretisanih; Izgled njegovih modela postaje suzdržaniji, pejzažnu pozadinu zamjenjuju slike unutrašnjosti (portreti A.A. Dolgorukova, M.I. Dolgoruka, itd.).

Borovikovsky je takođe priznati majstor portretnih minijatura. Zbirka Ruskog muzeja sadrži radove koji pripadaju njegovom kistu - portreti A.A.Kapnista, N.I. Umjetnik je često koristio lim kao osnovu za svoje minijature.

Rusko portretno slikarstvo 18. veka dostiže svoj pravi vrhunac u stvaralaštvu D.G.Levitsky . Već u jednom od svojih ranih radova - portretu arhitekte A. Kokorinova - Levitsky je pokazao izuzetne slikarske sposobnosti. Visokim umjetničkim zaslugama odlikuju se portret velikog francuskog materijalističkog filozofa D. Dideroa, koji je Levitsky naslikao u Sankt Peterburgu 1773. godine, i serija portreta studentica Instituta Smolny koju je stvorio umjetnik. Slike ovih djevojaka obilježene su iskrenošću i toplinom, a posebnost svake od njih maestralno je prenesena.

Portreti narednih godina - Lvova, umjetnikov otac, Bakunjinovi, Anna Davia i mnoga druga remek-djela Levitskog - jasan su dokaz njegovog briljantnog talenta.

Levitsky je stvorio opsežnu galeriju portreta svojih suvremenika, hvatajući široko i potpuno, kao nitko drugi, žive slike ljudi tog doba. Umetnost Levitskog upotpunjuje istoriju razvoja ruskog portretnog slikarstva u 18. veku. Treba, međutim, napomenuti da postoje neka historijski određena ograničenja njegovog rada: poput drugih izuzetnih umjetnika svog vremena, Levitsky nije mogao odražavati društvene kontradikcije stvarnosti. Ljudi koje je umjetnik prikazao, u skladu sa preovlađujućim estetskim idejama, uvijek pomalo poziraju kao da se pokušavaju prikazati gledaocu u „najprijatnijem“ svjetlu. Međutim, u nizu svojih radova umjetnik postiže zadivljujuću jednostavnost i vitalnost.

Naslijeđe Levitskog je ogromno i još uvijek izaziva osjećaj neposrednog estetskog zadovoljstva kod gledalaca. Profesionalno savršenstvo njegovih radova i njihova realistička orijentacija stavljaju umjetnika na jedno od najčasnijih mjesta u cjelokupnoj istoriji ruske umjetnosti.

Među najpoznatijim delima D. G. Levitskog su: „Portret E. A. Voroncove“, „Portret arhitekte A. F. Kokorinova“, „Portret N. A. Lvova“, „Portret M. A. Djakove“, „Portret Ursule Mnišek“, „Portret Ursule Mnišek“. Agašine kćeri u ruskoj nošnji” itd.

U oblasti portreta, svoju novu reč rekli su i ruski umetnici druge polovine 18. veka. Zapanjujuća je oštrina psiholoških karakteristika koje su obilježile mnoge portrete ovog vremena - kist najboljih ruskih majstora sve više gravitira prema istinitom prikazu slike osobe. Značajno je da su u to vrijeme nastajali portreti ne samo plemstva i „moćnika ovoga svijeta“, već i niza progresivnih javnih ličnosti. Ovim portretima u potpunosti nedostaju elementi pompe i vanjskog sjaja; Umetnici posvećuju pažnju prenošenju unutrašnjeg sadržaja čoveka, otkrivanju snage njegovog uma, plemenitosti njegovih misli i težnji.

Razvoj ruskog portreta našao je svoj izraz u djela F. Rokotova.

Fjodor Stepanovič Rokotov- jedan od najboljih ruskih portretista. Dobivši umjetničko obrazovanje pod vodstvom L.-J. Le Lorrain i grof Pietro Rotari, radili su na način ovog potonjeg, ali su se više udubljivali u prirodu nego on i bio vrijedan u izvršenju. Godine 1762. primljen je kao pomoćnik novoosnovanog Sankt Peterburga. Akademije umjetnosti za sliku „Venera“ koju joj je poklonila i za portret cara Petra III.

Suptilna likovna vještina izdvaja portrete ovog umjetnika. Rokotov intimnu duhovnost slike, posebno u ženskim portretima, dovodi do velike izražajnosti i snage. Visoko tehničko savršenstvo umjetnikovih djela - po prirodi crteža i slikarskoj vještini, samo se Levitsky može porediti s njim. Portreti koje je napravio Rokotov odlikuju se sofisticiranošću dizajna i elegancijom boja.

Najpoznatija Rokotova djela uključuju: „Portret nepoznate žene u ružičastoj haljini“, „Portret A. I. Orlova u oklopu“, „Krunacioni portret Katarine II“, „Portret A. P. Struyskaya“. , „Portret pesnika V.I.Majkova“, „Portret Surovceve“ itd.

U drugoj polovini 18. vijeka. počeo da se razvija u ruskom slikarstvu svakodnevni žanr. Međutim, žanrovsko slikarstvo je od strane rukovodstva Akademije umjetnosti i privilegiranih slojeva društva smatrano nečim prizemnim, nedostojnim umjetnikovog kista. Uprkos tome, nakon seljačkog rata pod vođstvom E. Pugačova, kako u književnosti, pozorištu i muzici, tako iu slikarstvu 1770-1780-ih. počelo se javljati interesovanje za seljaštvo, njihov način života i način života. Često su to bile sentimentalne slike idiličnih pastira i pastirica, koje nisu imale ništa zajedničko sa stvarnim seljačkim životom. Međutim, bilo je izuzetaka.

Jedan od prvih u ruskom slikarstvu koji je razvio seljačku temu bio je kmet kneza G. A. Potemkina. Mikhail Shibanov . Naslikao je slike „Seljački ručak“, „Proslava svadbenog dogovora“ itd. Na slikama Šibanova nema prokazivanja kmetstva, međutim, na ovim slikama nema idealizacije seljačkog života. Umjetnik se odlikuje poznavanjem i razumijevanjem života i karaktera ruskog seljaka.

Seljačka tema ogledala se u radu umjetnika I. M. Tankova (1739 - 1799), autora slike "Praznik u selu" i I. A. Ermeneva (1746 - poslije 1792), koji je naslikao akvarele "Seljački ručak", " Pjevači prosjaka” i dr.). Po prvi put u istoriji ruske umetnosti, umetnik je preneo sumorne aspekte života ljudi, bednost siromaštva.

U drugoj polovini 18. vijeka. počinje pravi procvat ruske skulpture. Razvijala se sporo, ali su ruska prosvetna misao i ruski klasicizam bili najveći podsticaji za razvoj umetnosti velikih građanskih ideja i velikih problema, koji su odredili interesovanje za skulpturu u ovom periodu. Šubin, Gordejev, Kozlovski, Ščedrin, Prokofjev, Martos - svaki je bio bistar pojedinac za sebe i ostavio je svoj trag u umjetnosti. Ali sve su ih ujedinili zajednički kreativni principi, koje su naučili od profesora Nicolasa Gilleta, koji je vodio klasu skulpture na Akademiji od 1758. do 1777. godine, opštih ideja građanstva i patriotizma i visokih ideala antike.

Potraga za općenito lijepim ne isključuje punu dubinu razumijevanja ljudskog karaktera, želju da se prenese njegova svestranost. Ta želja je opipljiva u monumentalnoj dekorativnoj skulpturi i štafelajnoj skulpturi druge polovine veka, ali posebno u žanru portreta.

Njegova najveća dostignuća vezana su prvenstveno za kreativnost Fedot Ivanovič Šubin (1740-1805), Lomonosovljev sunarodnik, koji je u Sankt Peterburg stigao već kao umjetnik koji je savladao zamršenost rezbarenja kostiju. Šubinovo prvo djelo u domovini je bista A.M. Golitsyn već svjedoči o punoj zrelosti majstora. Sva raznovrsnost karakteristika modela otkriva se kada ga se pregleda svuda unaokolo, iako nesumnjivo postoji glavna tačka gledišta za skulpturu.

Šubin je radio ne samo kao slikar portreta, već i kao dekorater. Izveo je 58 ovalnih mermernih istorijskih portreta za palatu Česme (koja se nalazi u Oružanoj komori), skulpture za Mermernu palatu i za Peterhof, statuu Katarine II - zakonodavca (1789-1790). Nema sumnje da je Šubin najveći fenomen ruske umjetničke kulture 18. stoljeća. U Rusiji je sa domaćim majstorima radio i francuski vajar Etienne-Maurice Falconet, koji je u spomeniku Petru I na Senatskom trgu u Sankt Peterburgu izrazio svoje razumevanje ličnosti Petra i njene istorijske uloge u sudbinama Rusije.

Fedor Fedorovič Ščedrin(1751-1825). Prošao je iste faze školovanja na Akademiji i penzionisanja u Italiji i Francuskoj kao i Šubin. “Marsija”, koju je izveo 1776. godine, puna je nasilnog pokreta i tragičnog stava. Kao i svi vajari iz doba klasicizma, Ščedrin je fasciniran drevnim slikama („Uspavani Endimion“; „Venera“), pokazujući posebno poetski uvid u njihov svijet.

Ažurirana izložba

“Dekorativna i primijenjena umjetnost Rusije 18. - prve trećine 19. stoljeća”

U sklopu proslave svoje 35. godišnjice, Sveruski muzej dekorativne, primijenjene i narodne umjetnosti otvorio je ažuriranu stalnu postavku „Dekorativna i primijenjena umjetnost Rusije u 18. - prvoj trećini 19. stoljeća“.

„Petar Veliki je izazvao Rusiju, a ona mu je odgovorila sa Puškinom“, krilatica je A.N. Hercen najpreciznije definiše značenje i granice epohe kojoj je izložba ovih sala posvećena. Predmeti predstavljeni su žive prekretnice koje su označile formiranje i procvat ruske kulture u krilu evropske kulturne tradicije Novog doba. Zahvaćaju promjene u načinu života i umjetničkih smjernica, transformaciju starih i nastanak novih predmetnih oblika, tehnika, pa čak i vrsta dekorativne i primijenjene umjetnosti.

Dizajn nove izložbe zasnovan je na principu demonstriranja eksponata kao jedinstvenih umjetničkih predmeta, koji su spojeni u tematske, stilske i tipološke blokove. Ovo rješenje omogućava da se značaj svakog predmeta ocijeni sa vremenskog, stilskog, razvoja određene vrste dekorativne i primijenjene umjetnosti, te usmjerava pažnju na njegovu umjetničku intrinzičnu vrijednost.

Scenarij inspekcije izgrađen je na osnovu prostornog rješenja izložbe, ne samo sadržajno (tipološki, tematski, stilski i hronološki), već i vizualno - od vremena Petra Velikog do bidermajera.

Centralne teme nove izložbe su: “Doba promjena: prijelaz između 17. i 18. stoljeća”, koja uključuje tzv. tradicionalna umjetnost; „Klasici ruskog 18. veka“, koji predstavljaju epohu od Petra do Pavla u visokim primerima dvorske umetnosti, kao i „Rusko carstvo“ i „U sobama“, koji demonstriraju dva aspekta ruske kulture prve trećine 19. stoljeća - briljantni imperijalni stil i formiranje kulture privatnog života, u korelaciji s fenomenom njemačkog bidermajera. Istovremeno, izložba omogućava pregled radova u uobičajenom nizu - po vrstama umjetnosti, naglašavajući namještaj, umjetnički metal, staklo, porcelan, keramiku, kamenorezačku umjetnost, kosti i perle.

Posebnu pažnju zaslužuju tako jedinstveni crkveni predmeti kao što su Moštarski krst i Panagija, koji datiraju iz 17. stoljeća. Rađene su tehnikom koja je u to vrijeme bila skupa - filigranski emajl. Među najranijim eksponatima su škrinje sa metalnim okvirima i ukrasnim ukrasima, mastionice i uralski mesingani pribor od 17. do početka 18. stoljeća. Upečatljiv primjer svečanog reprezentativnog metalnog posuđa za postavu stola su mesingane šolje iz fabrike Demidov na Uralu.

Predmeti za posluživanje stola i predmeti na poslužavniku zatim su napravljeni različitim tehnikama. Na primjer, dva staklena, tamnoplava pehara sa monogramima “EML” i “WGS”, proizvedena u Carskoj tvornici stakla, rijedak su primjer slikanih proizvoda s kraja 18. - početka 19. stoljeća. Latinski monogrami na šoljama pripadaju švedskom izaslaniku u Rusiji 1793. godine, Verneru Gottlobu von Schweniru - "WGS" - i njegovoj majci Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Šolje su čuvane više od dva veka u zamku Skarhult, Skåne (Švedska), kao porodično blago.

Na izložbi možete vidjeti jedinstvene primjerke ruskog dvorskog namještaja 18.-19. stoljeća, među kojima su posebno zanimljivi stolovi za šah i karte rađeni tehnikom intarzije. Među eksponatima namještaja karakterističnog za prvu polovinu 19. stoljeća, ističu se dva ormara rijetkog kvaliteta u jakobinskom stilu. Istom vremenu pripadaju i dvije stolice koje je dizajnirao Osip Ivanovič Bove. Zanimljivi su i kaminski sat „Minin i Požarski“ pariskog bronzera Pierre-Philippe Thomire i, reprodukujući u unutrašnjem formatu, čuveni spomenik Ivanu Martosu koji stoji na Crvenom trgu.

Posebno mjesto na izložbi zauzima tapiserija „Spasavanje ribara“, koja je rađena u Flandriji u nepoznatoj radionici u drugoj polovini 17. - početkom 18. vijeka. U VMDPNI je ušla 1999. godine sa zbirkom Muzeja narodne umjetnosti po imenu. S.T. Morozova. Tema tapiserije je posuđena iz Biblije: u središtu kompozicije prikazano je jedno od čuda - "Hod po vodama". Restauracija rešetke izvršena je u nekoliko faza - djelimično su je restaurirali stručnjaci iz Muzeja narodne umjetnosti. S.T. Morozova, a već 2014. godine kompletnu restauraciju završili su specijalisti restauratori Sveruskog muzeja dekorativne, primijenjene i narodne umjetnosti. Tako je rešetka našla novi život i prvi put će biti predstavljena na izložbi.

U odgovarajućim tematskim dijelovima predstavljena su rasvjetna tijela od stakla i kristala, predmeti interijera od porculana i bronze s kraja 18.-19. stoljeća. Svaki eksponat je referentni primjer određenog stila, koji odražava duh svog vremena i predstavlja mogućnosti umjetničkog i tehničkog umijeća.

Ovakvo prostorno rješenje izložbe omogućava muzeju da organizira ekskurzije i posebne programe na najefikasniji i najzanimljiviji način. Najzanimljiviji i najznačajniji eksponati biće predstavljeni sa proširenim napomenama, kao i podrškom QR kodovima, zahvaljujući kojima će posetioci moći da dobiju detaljnije informacije. Izložba je opremljena savremenom rasvjetnom opremom. Zahvaljujući visokoj interaktivnosti, nova izložba obećava da će biti živahnija i zanimljivija, kao i da će promovirati kreativni dijalog s posjetiteljima, posebno s djecom i mladima.

Vjenčana škrinja. Italija. 17. vijek

Skulpturalna grupa "Zima". Iz serije "Četiri godišnja doba". Njemačka. Meissen

Servisne stavke. Francuska. Sever. 1780-1784. Meki porcelan, slikanje. Zamrzivač

Dvorana francuske umjetnosti 18.-19. stoljeća

Kabinet. Augsburg. 17. vijek Drvo, rezbarenje, bijeli metal, pozlata, 196x135x61

Biro-cilindar. Rusija. Kraj 18. vijeka.

Vaza. Rusija. Prva četvrtina 19. veka. Staklo, zlatna slika. Visina 35,5

Zamrzivač. Rusija. Carska fabrika porcelana. Prva četvrtina 19. veka. Porcelan, slikanje. Visina 40

Zbirke dekorativne i primijenjene umjetnosti povezuju se i s imenom A.P. Bogoljubova, koji je na otvaranju muzeja poklonio 40 komada starog porculana, uglavnom saskog. Razno posuđe i namještaj tada su brojali 92 predmeta. Godine 1897, nakon Bogoljubove smrti, u njegov testament je primljena još jedna grupa stvari, uključujući namještaj, staklo, bronzu i srebrninu.

Zbirke Bogoljubova, posebno porculana, značajno su popunjene u prvim postrevolucionarnim godinama iz Državnog muzejskog fonda, koji je primio sva nacionalizirana umjetnička djela. Godine 1970. muzej je dobio uzorke ruskog i zapadnoevropskog porculana (više od 300 predmeta), koje je ostavila O. A. Gordeeva, poznati saratovski oftalmolog.

Istorija ove suptilne i izuzetne umetnosti seže vekovima u prošlost. Porcelan je nastao na prijelazu iz 7. u 8. vijek u Kini. U Evropi su o tome saznali u 13. veku. Čuveni venecijanski putnik Marko Polo donio je nekoliko porculanskih posuda sa istoka. Evropu je zahvatila “porculanska groznica” svi su željeli da imaju proizvode napravljene od ovog bijelog sjajnog materijala, obojenog jarkim, neupadljivim bojama. Postoje podaci da su stvari od porculana ionako i dalje bile pohranjene u plemenitim metalima i nošene kao nakit. Porcelan je bio cijenjen ne samo zbog svoje ljepote, već i zbog svojih do sada neviđenih svojstava. Glazirana površina porculana nije bila izložena hemijskim uticajima i bila je neprobojna. O porcelanu su nastale legende. Tajna njegove proizvodnje nije se mogla razotkriti sve do početka 18. veka. Ali usput je otkriveno mnogo novih materijala koji su po izgledu bili slični proizvodima kineskih majstora. Tako se u Veneciji pojavilo mliječno staklo, u Engleskoj i Holandiji španjolsko-maurska keramika, a fajansa.

Prvi u Evropi koji je nabavio porculan bio je I.F. Betger, koji je pronašao nalazišta bijele gline (kaolina) u blizini Meisena u Saksoniji. Otkrivena je tajna proizvodnje porcelana sa kojom se Evropa borila vekovima. Ubrzo je porcelan Majsenske manufakture postao poznat širom Evrope. A sada su proizvodi ove biljke popularni među ljubiteljima umjetnosti.

U kolekciji našeg muzeja, Meissen porculan je predstavljen veoma dobro i potpuno. Ovo uključuje predmete koje je zaveštao Bogoljubov i porcelanske predmete iz kolekcije O. A. Gordeeve, kao i druge eksponate.

Najveći interes je Meissen porcelan iz 18. vijeka. Ovo doba se smatra klasičnim periodom u razvoju evropskog porculana. U ovom trenutku majstor nastoji naglasiti bjelinu i finoću porculana, služeći materijal uzimajući u obzir njegova prirodna svojstva.

Meissen - prva evropska proizvodnja porculana - posebno je poznat po malim plastičnim komadima. U slikama dama, gospode, alegorijskih kompozicija i pastorala, jedna od odlika rokoko stila očitovala se posebnom snagom - iluzija neprekidnog glatkog toka linija. Imena Johanna Joachima Kaendlera i Petera Reinickea povezana su s razvojem plastične umjetnosti Meissen. Njihovi radovi spojili su elemente skulpture i same dekorativne i primijenjene umjetnosti. Hirovost kontura i ljepota boja su ono što karakterizira skulpture napravljene po njihovim modelima.

Dvije alegorijske figure iz serije “Četiri godišnja doba” - “Zima” i “Proljeće”, rađene po modelima Johanna Joachima Kaendlera, otkrivaju karakteristične crte rokoko stila u porculanu. Godišnja doba su predstavljena u slikama drevnih bogova koji sjede na oblacima. Zima oličava Saturn i Heba, proljeće Mars i Flora. Skulpturalne grupe su ukrašene fino izrađenim profilisanim cvećem obojenim jarkim bojama, po kojima je fabrika u Majsenu bila poznata u 18. veku.

Visok umjetnički kvalitet izdvaja malu kolekciju proizvoda iz berlinske fabrike. To su uglavnom predmeti za postavu stola i uređenje interijera. „Šalja za kočije“ je oslikana po motivima A. Watteaua u najnježnijoj ljubičastoj boji, što je i bila slava ove produkcije. Tela čajnika, lonaca za kafu i ukrasnih vaza ukrašena su pastoralima i cvetnim šarama, koji su bili popularni u 18. veku.

Grupu predmeta iz bečke fabrike predstavlja 18. - početak 19. veka, kada je evropski porcelan razvio obeležja novog stila - stila Empire. Vodeći računa o povećanju dekorativnosti, bečki majstori dali su svoju verziju slikarstva. U ogledalu ploča, u bogatom zlatnom okviru ornamenta, najčešće su bile postavljene kopije slika renesansnih majstora.

Svaka je zemlja slijedila svoj put do porculana, razvijajući i posebnu tehnologiju i poseban karakter ornamentike, ponekad unutar istog stila. Širom Evrope bila su poznata francuska jela sa obojenom pozadinom: tirkiznom, ružičastom, plavom, oslikana medaljoni uokvirenim pozlaćenim ornamentima. Takav porcelan je napravljen u manufakturi Sevres, glavnoj proizvodnji porculana u Francuskoj.

Upravo tako su oslikani plavi aparat za sladoled, poslužavnik i pribor za začine koji su bili deo servisa kneza Jusupova. Za izradu ovog servisa trebalo je mnogo godina, a ukrašavali su ga veliki slikari porculana. Aparat za sladoled naslikao je Vincent Jr., autor slike na čuvenoj kameo servisu, koju je naručila Katarina II od Sevrea, a sada se čuva u Ermitažu. Jusupov servis je napravljen od "mekog porculana". A specifična svojstva ovog materijala nisu mogla biti u skladu s rokoko stilom s njegovim uobičajenim mekim konturama i valovitim linijama. Osobitosti sevrske mase odredile su i prirodu slike: nijedan drugi keramički materijal ne proizvodi tako zvonke, duboke tonove s mnogo nijansi.

U Rusiji je porcelan prvi put proizveden sredinom 18. stoljeća od strane D.I. Vinogradova u Carskoj fabrici porculana (IFZ) u Sankt Peterburgu. U kolekciji muzeja ruski porculan predstavljen je proizvodima brojnih privatnih preduzeća. Muzej se može pohvaliti veličanstvenim primjercima tvornica IPP, Gardner, Popov, Kornilov, Gulin, Safronov, koje imaju svoj jedinstveni šarm.

Poznata su dostignuća ruskih majstora u stilu klasicizma ranog 19. stoljeća, odnosno u stilu carstva. Ruski porculan u ovom stilu, kao i drugim granama primijenjene umjetnosti, daje odlične primjere.

Stil carstva inspirisan je antikom. U dekorativnim motivima dominiraju lovorovi vijenci, lavovi, grifoni, vojnički atributi itd. Forme otkrivaju čvrstinu masa i njihovu statičnost. Prema zakonima ovog stila, vazu za stolni ukras u obliku dvije klasične figure koje nose zdjelu ovalnog oblika izradili su majstori IFZ-a. Bijela boja figura od biskvita (neglaziranog porculana) je u kontrastu s plavim tonom i pozlatom baze. Očigledna je ljubav Empire stila prema svjetlini i kontrastu boja. Druga vaza je takođe skulpturalna grupa: Venera stavlja tobolac strela na Kupidona. Takve su vaze pravljene za velike ceremonijalne ili jubilarne garniture i postavljane u središte svečanog stola.

Karakteristike istog stila su jasne u aparatu za sladoled na tri lavlje šape, tamne boje, izgleda kao stara bronza. Njegova boja se lijepo stopila sa sjajem pozlate.

Proizvodi privatnih tvornica su originalniji. Može se govoriti o svećeničkom, Gardnerovom ili Safronovskom porculanu. Ove tvornice su predstavljene objektima koji nisu jedinstveni, za razliku od IFZ-a, već takozvanim običnim posuđem povezanim sa životom određene klase. Lako je pogoditi društvenu pripadnost takozvanih "kafanskih" jarko ukrašenih čajnika, ukrašenih jednostavnim cvjetnim slikama, nastalih u fabrici Popov 1830-1850-ih.

Izvor iz kojeg su majstori crpili forme posuđa i slikarske motive je tradicionalna ruska narodna umjetnost. Ovaj put će biti najplodonosniji u vrijeme nadolazećeg međustila, u velikoj mjeri će zaštititi ruske privatne tvornice u ovom teškom vremenu od gubitka „keramike“, neizbježnog u eri eklekticizma, u tvornici Kornilov. slikano na beloj podlozi sa malim zlatnim listićima i ružama, u svetlu U zelenim čašama koje su izradili majstori svešteničke fabrike nije izgubljeno ono glavno: ravnoteža forme i funkcionalne namene predmeta.

Zbirka sovjetskog porculana je relativno mala. Predstavlja ga propagandni porculan, koji je 20-ih godina bio jedno od sredstava revolucionarne propagande.

Posuda i šolje oslikani prema crtežima S. Čehonjina i N. Altmana, skulpture N. Danka, tanjiri A. Shchekatikhina-Pototskaya sa revolucionarnim sloganima i amblemima mlade sovjetske države - govorio je ovaj prvi porculan Zemlje Sovjeta jezik svog vremena. Izlagana je u posebnim vitrinama u Moskvi na Kuznjeckom mostu i u Petrogradu na Nevskom. „Ovaj porculan je bila vijest iz divne budućnosti, za koju se sovjetska zemlja borila u strašnim bitkama sa glađu, pustošenjem i intervencijama“, napisao je E.Ya, umjetnik i istoriograf u tvornici Lomonosov (ranije Carska fabrika porculana). , u svojim memoarima.

Stakleno posuđe koje se čuva u Muzeju A.N. Radishcheva došlo je na isti način kao i porculan: 1897. godine, prema oporuci A.P. Bogolyubova, preko Državnog muzejskog fonda, iz privatnih kolekcija.

Malu, ali zanimljivu kolekciju ruskog stakla s kraja 18. - početka 19. vijeka zavještala je E.P. Razumova.

Ruske fabrike stakla, javne i privatne, pojavile su se početkom 18. veka u Moskvi i Sankt Peterburgu, kod Smolenska i Kaluge. Potražnja za staklenim predmetima raste. Raste i broj fabrika. Čuvena fabrika Maltsev pojavila se na rijeci Gus kod Vladimira, a fabrika Bakhmetyev u blizini Penze u selu Nikolskoye.

Najraniji radovi staklarske industrije 18. veka u našoj kolekciji su proizvodi privatnih fabrika. Ovo je, pre svega, zeleni stakleni damast sa jednostavnim floralnim ornamentom i natpisom: „Ova posuda je napravljena u fabrici Gavril 726. godine...“ Ovo je rani primjer ruskog običnog posuđa, koje se proizvodilo u velikim količinama, nije se štedjelo niti se o njemu brinulo. Umjesto izgubljenog i pokvarenog, kupili su novi. Stoga je malo takvih jela sačuvano. Štof je zanimljiv i po tome što je artikal sa potpisom. Označava datum i mjesto proizvodnje. Poznato je da je 1724. godine u Moskovskom okrugu osnovana fabrika Gavrilova i Loginova. Nema više informacija o ovoj proizvodnji. Naš damast daje ideju o prirodi proizvoda malo poznate kompanije.

Staklo u Rusiji praktički nije bilo označeno. Tek od 20-ih godina 19. veka (od ere Nikole I) Carska fabrika stakla je počela da stavlja pečate na svoje proizvode. Prisutnost marke, naravno, nije jedini način da se odredi mjesto i vrijeme proizvodnje određenog artikla. Izvanredni spomenici staklarstva su pehari iz 18. stoljeća, visoki, kupastog oblika, često sa poklopcima, ukrašeni rezbarenim grbovima vladara ili monogramima. Benzele su bile uokvirene biljnim izbojcima i uvojcima, koji su se zvali "rokaille". Duž vrha čaša, u blizini oboda, nalazi se šara ugraviranih i uglačanih „jama“ sa kracima. Nogači su se izrađivali u obliku balustera sa „jabukama“, koje su ponekad bile nanizane na stup do pet komada. Graviranje na ovim predmetima bilo je plitko i zamašno. Ovi kvaliteti razlikuju ruske pehare od pehara iz Češke i Njemačke pohranjenih u muzeju.

Očigledno su se u privatnim fabrikama proizvodile brojne čaše u boji, dekantere i boce. Staklo u boji bilo je veoma popularno u Rusiji. Za razliku od zapadne Evrope, ovde se jelo izrađivalo od punog stakla, koje se u velikim količinama pojavilo sredinom 18. veka. To je zbog uspješnih eksperimenata M. Lomonosova.

Krajem 18. - početkom 19. stoljeća pojavljuju se visoki fasetirani dekanteri sa čepovima raznih oblika, čaše podignute na tanke noge, elegantne čaše svjetlucavih rubova - elegantna jela koja su služila za ukrašavanje svečanih stolova i štandova. Rezano stakleno posuđe izrađuje se od bezbojnog stakla sa dodatkom olova, što mu daje poseban sjaj. Zove se kristal i reže se takozvanim „dijamantskim rubom“. Ova tehnika se još uvijek koristi u proizvodnji stakla.

Druga polovina 19. veka bila je vreme pojačanog interesovanja za dekorativnu i primenjenu umetnost, posebno za njenu istoriju. Sakupljanje antikviteta postaje sve rašireno. Nije slučajno da je u isto vrijeme došlo do povećanog interesa za antikni namještaj. Kolekcionari sakupljaju rezbareni pozlaćeni namještaj iz 18. stoljeća, intarzirane komode, ormare, italijanske i njemačke svadbene komode, te masivne ormare od hrasta i oraha iz Njemačke iz 17. stoljeća. U Bogoljubovoj kolekciji bilo je sličnih predmeta.

Pomama za antiknim namještajem dovodi do falsifikata koji preplavljuju antikvarnice. Jedna za drugom stvaraju se radionice u Parizu, Veneciji, Sankt Peterburgu koje proizvode starinski namještaj, koji se ponekad ne razlikuje od originala - drvo je tako glatko uglačano, proporcije njegovih strukturnih dijelova su tako vjerno ispoštovane.

Najraniji namještaj u muzejskoj zbirci datira iz 16.-17. stoljeća. Ovo je namještaj iz Njemačke, Francuske, Italije, Holandije, koji je prikupio A.P. Bogolyubov. Naravno, naša kolekcija namještaja iz tog vremena ne daje povoda govoriti o postojećem interijeru, ali nam omogućava da u prilično širokim hronološkim okvirima predstavimo nacionalne karakteristike umjetničkih djela namještaja iz različitih zemalja.

Namještaj nije izdržljiv materijal za njegovu proizvodnju je drvo koje je lako izloženo raznim utjecajima. Dosta ih je umrlo kako od prirodnih katastrofa, tako i od posljedica ratova, ali i zbog razloga vezanih za utjecaj mode. Namještaj je potrošna roba. To znači da se vremenom istroši i mora se zamijeniti novim. Preživjelo je malo namještaja iz domova običnih ljudi. Ipak, glavne faze u istoriji umetnosti nameštaja u nekim evropskim zemljama mogu se pratiti u predmetima naše kolekcije.

U Italiji 16. vijeka izrađena je stolica od punog drveta sa izrezbarenim naslonom, svadbeni kovčeg, venecijanske izrade i oltar. Za izradu ovog namještaja korišten je smeđi orah, materijal karakterističan za Italiju, koji majstoru omogućava postizanje velikog umjetničkog efekta. Motivi rezbarenja su izvučeni iz naslijeđa antičke umjetnosti. U svadbenoj škrinji, očito firentinskog rada, iznenađuje rijetko jedinstvo oblika i ornamenta, koje je odlikovalo italijanske tvorce namještaja od 16. do početka 17. stoljeća.

Namještaj ovog doba po svojoj konstruktivnoj logici sličan je arhitektonskim strukturama. Oltar je koncipiran u obliku portala sa stubovima isprepletenim vinovom lozom, sa podijumom u niši za lik Majke Božje - ovi arhitektonski elementi su izuzetno karakteristični za nameštaj 16.-17. To se posebno osjeća na ormarićem napravljenom na jugu Njemačke. Ormar se pretvara u nešto poput dvospratne zgrade čiji je svaki sprat odvojen vijencem. Slojevi su ukrašeni stupovima ili pilastrima. Vrata ormarića podsjećaju na portale ili prozore prekrivene platformama ili zabatima. Svi ovi arhitektonski detalji ojačani su ljepilom i zapravo su ukras koji skriva strukturu ormarića, sastavljenog od dvije škrinje. Ovaj utisak pojačavaju preklopne ručke sanduka na bočnim fasadama. Upravo tako je dizajniran i ormarić, ukrašen bulom (izraslina na drvetu, nedostatak na drvetu koji daje bogatu, lijepu teksturu). Ormari su nužno bili opremljeni policama, a odjeća je bila pohranjena presavijena u njima. Mogle su poslužiti i za čuvanje raznih pribora.

Oblik stolice na rasklapanje, takozvana curule stolica, takođe se može smatrati tradicionalnim za Nemačku u 16.-17. veku. Za stare je bio simbol moći. Samo sedeći na takvoj stolici mogla bi se izvršiti pravda i odmazde. Takvu stolicu su obično nosili konzuli, visoki vojni vođe i diktatori. Glatko zakrivljeni stalci za noge, napravljeni od nekoliko uskih dasaka, ukršteni su i povezani prečkama radi čvrstoće, a daska koja se može skinuti u gornji dio stolice kao odstojnik čini naslon.

Od 16. veka u Nemačkoj se pojavljuje jedinstven oblik stolice, koji je u 17. veku postao rasprostranjen u umetnosti nameštaja ove zemlje - takozvana seljačka stolica. Naš muzej također ima čitav niz sličnih proizvoda sa različitim verzijama istog ornamenta. Prototip takve stolice u početku je bio jednostavno komad drveta, očišćen od grana i ojačan za stabilnost na tri noge. A za udobne gradske nastambe napravljene su stolice sa četiri noge - primjeri visoke izrade. Ukrašena je samo tabla koja služi kao poleđina. Može se napraviti ne samo od oraha, već i od hrasta i bora. Zavisi gdje je predmet napravljen. U rezbarenju se u pravilu koriste groteskni ornamentalni motivi, koji se, uz maštu majstora, često pretvaraju u bajkoviti uzorak.

17. vijek donosi mnogo novih stvari u umjetnost namještaja. To je prvenstveno zbog društvenih transformacija u Evropi, koje su dovele do promjene položaja trećeg staleža. Došavši na vlast, neguje skromnost, jednostavnost i svetost porodičnog ognjišta. Holandski namještaj je veoma tražen i izvozi se u sve zemlje. Na drugom polu je Francuska, u čijoj umetnosti trijumfuje veličanstveni, svečani stil.

U našoj kolekciji namještaja nalazi se samo jedan komad koji je tipičan za ceremonijalnu postavu palače iz 17. stoljeća. Ovo je takozvani ormarić - ormarić sa mnogo fioka, pregrada i daske na izvlačenje. Izradili su je majstori iz grada Augsburga, a na fasadi je ukrašena metalnim preklopima sa slikama životinja i tordiranim pozlaćenim stupovima. Ploča je izrađena od vrijednog drveta.

Takve kancelarije su se pojavile u 16. veku. Njihova domovina je Španija. Prvi ormari su bili kovčezi na postolju. U 17. veku to su već bili veliki ormari, koji su postali deo dekoracije prostorije, nazvane kabinet. Medalje, pisma i nakit bili su pohranjeni u ormarićima.

Veći dio kolekcije ruskog namještaja, koji uključuje djela 18.-19. stoljeća, izrađivali su ili u malim privatnim radionicama ili od strane proizvođača namještaja plemićkih posjeda. Zanatlije su u svoje radove unosile različite umjetničke ukuse, sva stečena znanja i vještine, tehnike obrade drveta, dorade i dekoracije. One su se prvenstveno ogledale u tadašnjim oblicima kućnog namještaja, na koje je u velikoj mjeri uticala narodna umjetnost. To se očitovalo ne samo u oblicima i dekoru, već u izboru i obradi drveta. Već krajem 18. stoljeća karelijska breza i topola postaju omiljeni materijali. Koriste se samo u Rusiji.

Svaka zemlja u umjetnosti namještaja bila je ili predak određenog stila, kao što je Italija tokom renesanse, ili rodno mjesto poznatog proizvođača namještaja, kao što je T. Chippendale u Engleskoj ili J. Jacob u Francuskoj.

Ruski namještaj predstavljen je uglavnom namještajem plemenitog interijera prve trećine 19. stoljeća. Ovo je bilo jedno od najsjajnijih epoha u istoriji dekorativne i primenjene umetnosti u Rusiji, a posebno nameštaja. U umjetnosti prvih decenija 19. stoljeća dominirao je stil Empire, koji je nastao u Francuskoj i postao vlasništvo cijele Evrope. Rusija daje svoju posebnu, originalnu verziju ovog stila, gdje je postala eksponent visokih i progresivnih ideja. Dekorativnost karakteristična za stil Empire, težnja za monumentalnošću i generalizacijom oblika odredila je izbor materijala u namještaju i prirodu njegove interakcije s formom i dekorom. Glavni materijali koje koriste ruski proizvođači namještaja bit će mahagonij i karelijska breza, koje su voljeli zbog njihove lijepe teksture drveta.

Namještaj koji se čuva u našem muzeju uglavnom je rađen rukama kmetova zanatlija i predstavlja onu verziju carskog stila, koji je bio naširoko korišten u životu ruskog plemstva. Jednostavnije je od dvorskog namještaja. Ovaj namještaj je u muzej došao nakon Velike Oktobarske socijalističke revolucije sa okolnih imanja i gradskih kuća i ima ne samo umjetničku, već i istorijsku vrijednost.

Namještaj za sjedenje je posebno raznolik. Dvije uparene fotelje s otvorenim rezbarenim naslonima ukrašenim pozlaćenim lirama primjer su ruskog kućnog namještaja prve četvrtine 19. stoljeća. Postoje oblici gotovo bez ukrasa, furnirani karelijskom brezom zlatne boje s crnim očima.

U to vrijeme u unutrašnjosti plemićkog posjeda pojavila se još jedna prostorija, takozvana sofa soba, a njen neizostavni dodatak bila je sofa. Obično su to mekane, pravokutne sofe, vrhovi leđa i laktova su furnirani karelskom brezom ili mahagonijem, koji je postao raširen tih godina. U unutrašnjosti je sofa kombinovana sa foteljama i sofom. Takve varijacije nalaze se i na našoj izložbi i ukazuju na već uspostavljeni interijer u doba Carstva. Ovaj namještaj se razlikuje od prednjeg namještaja: manje je pozlate, umjesto bronce koristi se drvo, pozlaćeno na gessu, a očuvana je jedna od tradicionalnih metoda obrade drveta, toliko omiljena od strane ruskih majstora - rezbarenje.

Muzejske kolekcionarske aktivnosti se nastavljaju. Posljednjih godina zbirke dekorativne i primijenjene umjetnosti popunjene su zanimljivim eksponatima, od kojih su najbolji našli svoje mjesto na izložbi.

Stil srednjeg veka takođe utiče na umetnost i zanate. Proizvodi od porculana, na primjer, servis Elizavete Petrovne „Sopstvena“, i drugi materijali odlikuju se krivolinijskim oblicima, kao i bogatim profilisanim ornamentima, koji dizajnom sežu do ljuske i fleksibilnih biljnih izdanaka. Hirovita silueta predmeta organski je kombinirana sa svijetlim bojama, obiljem pozlate i sjajem zrcalnih površina, upotpunjujući svečanu sliku interijera.

Slikarstvo prve polovine 18. veka

Od ere Petra Velikog, slikarstvo je pretrpjelo ogromne promjene. Umjetnost štafelajnog slikarstva sa svojim semantičkim i kompozicionim karakteristikama se uobličava. Obrnutu perspektivu zamjenjuje direktnim i povezanim prenošenjem dubine prostora. Najvažnija karakteristika je prikaz figure u skladu sa principima anatomske ispravnosti. Pojavljuju se nova sredstva za prenos jačine zvuka. Najvažniji kvalitet je chiaroscuro, koji je zamijenio konvencionalno simboličnu liniju konture. Sama tehnika uljanog slikarstva, sa svojim karakterističnim specifičnim tehnikama i sistemom odnosa boja, čvrsto, iako ne odmah, ulazi u umjetničku upotrebu. Osjećaj teksture je pojačan. Umjetnik stječe sposobnost da prenese specifična svojstva mekog somota, oštrog hermelina, teškog zlatnog brokata i fine čipke. Na radnoj slici mogu se pratiti novi principi međusobnog povezivanja figura. Prikaz nagog tijela predstavlja novi i težak zadatak. Sama struktura slike postaje razgranatija. Od početka 18. stoljeća svjetovna umjetnost gaji razne vrste štafelajnih djela, monumentalno slikarstvo u obliku panoa i abažura, minijaturno pisanje. Portret uključuje sve poznate varijante - prednji, komorni, regularni i kostimirani, dupli i upareni. Umjetnici vladaju alegorijskim i mitološkim temama. Prisutnost ovih obilježja, iako isprva otkrivena u kompromisnom obliku, omogućava nam da govorimo o nastanku nove vrste slikarstva.

Prvi koraci ka razvoju portreta vezani su za rad slikarske radionice Oružarske komore. Radovi ruskih i stranih majstora imaju tendenciju da budu parsunske prirode. Od svih tipoloških opcija, parsuna daje prednost svečanom portretu i nalazi se u tom svojstvu u nekoliko varijanti. Među njima je „portret-teza“ najarhaičnija. Kombinira portretne slike i brojne objašnjavajuće natpise unutar konvencionalnog prostora ikona. Možemo govoriti i o „portretu apoteoze“. Reč je o portretima koji simbolizuju vojne podvige Petra I. Česti su i obični portreti Petra, Menšikova, Šeremetjeva i na konju.

Prostor se posvuda tretira na vrlo stereotipan način, a opći raspored objekata prije služi kao simbolična oznaka stvarnih prostornih odnosa. Problem unutrašnjeg i vanjskog prostora rješava se jednako konvencionalno u smislu značenja i razmjera. Parsuna donekle odstupa od bogatstva boja karakterističnog za ikonopis 17. stoljeća. Međutim, minuciozan prikaz ornamentike ogrtača i raznih detalja daje platnima povećanu dekorativnost.

Majstor još nije u potpunosti savladao nove principe prenošenja volumena, kombinirajući naglašeno konveksna obojena lica i odjeću s ravnim uzorcima. Velika veličina platna, njihov impozantan duh, bogatstvo namještaja i izlaganje nakita imaju za cilj da ilustruju društveni značaj prikazanog. Slika je autonomna, fokusirana je na sebe i ravnodušna je prema drugima. Slikarstvo, koje još nije sazrelo da prenese pojedinca, na svoj način pokušava uočiti osobine koje su svojstvene datom liku. Međutim, opšte i pojedinačno još nisu spojeni u organsko jedinstvo, a specifična svojstva jedva da se pojavljuju pod kombinovanom tipizatorskom maskom.

Linija Parsuna, koja je postojala relativno kratko, uglavnom 80-ih, a posebno 90-ih godina 17. stoljeća, naknadno je naišla na vrlo snažan protok radova stranih i penzionisanih umjetnika, koji ju je praktično zamijenio. Pritom, ne treba misliti da se ispostavilo da je to bila slučajna epizoda u općem procesu razvoja ruskog portreta. Pošto je potisnuta sa svojih glavnih pozicija, Parsuna je nastavila da postoji. Osim toga, njegove karakteristike su se pojavile u radu niza naprednih umjetnika kao dokaz nepotpunog prijelaza sa srednjovjekovnog pisanja na novi način. U tom svojstvu može se naći u radovima I. Nikitina, I. Višnjakova i A. Antropova.

Tragovi parsunizma nalaze se iu drugoj polovini 18. veka, posebno u delima kmetova ili provincijskih umetnika koji su samostalno dolazili do nove umetnosti, po pravilu, počev od ikonopisa. Napomenimo da parsunizam kao umjetnički fenomen postoji ne samo u ruskoj školi, već iu Ukrajini i Poljskoj. Ima ga i u Bugarskoj, Jugoslaviji, pa čak i u zemljama Bliskog istoka, odnosno gde slikarstvo, u sličnoj istorijskoj situaciji, doživljava suštinski sličan uvod u umetnost modernog vremena i sekularnu umetnost.

Izložba se nalazi na drugom spratu južne zgrade istorijskog i arhitektonskog kompleksa 18.-19. veka. "Konjsko dvorište". Posjetioce muzeja upoznaje sa širokim spektrom eksponata koji predstavljaju tradicionalnu rusku umjetnost i zanate. Riječ je o radovima svjetski poznatih centara za obradu drveta i kostiju, lakiranju na papir-mašeu i metalu, vodećim zanatima igračaka od gline, kao i o štampanim i zlatom izvezenim šalovima ruskih majstora, staklenom, porculanskom i zemljanom posuđu.

Ovi centri su koncentrisani u Moskvi, Vladimiru, Vologdi, Ivanovu, Nižnjem Novgorodu i drugim regionima. Zbirka je započela 1920-ih godina, kada su nekoliko djela narodnih umjetnika koja su se nalazila među nacionaliziranim blagom Trojice-Sergijeve lavre dopunjena eksponatima iz Zavičajnog muzeja i Muzeja Optine Pustyn. Godine 1941. opsežna zbirka Muzeja narodnih umjetničkih zanata (MNHR) prebačena je u Muzej Sergijev Posad (u to vrijeme Zagorskog). Sastojao se od četrdesetak hiljada eksponata, uključujući niz unikatnih djela narodnih zanata i djela eksperimentalnog karaktera, koje su izvodili majstori različitih umjetničkih centara u radionicama stvorenim u Moskovskoj Narodnoj Republici. Počevši od 1950-ih, muzej je započeo svrsishodno, sistematsko prikupljanje zbirke ruske tradicionalne dekorativne i primijenjene umjetnosti, a ovaj rad je postao jedno od prioritetnih područja njegovog djelovanja.

Značajno mesto u izložbenim salama zauzimaju dela narodnih zanatlija i umetnika Sergijevskog Posada. Igračke su donele posebnu slavu gradu. Izrađivali su se od drveta - rezbareni, tokani, stolarski; od papir-mašea i mastike - pokretom i zvukom. U muzeju su izložene lutke isklesane od trouglastih kockica i oslikane - dame, husari, bolničarke, poznate lutke gnjezdarice, popularne u drugoj polovini 19. - početkom 20. stoljeća. set arhitektonskih igračaka, uključujući „Trojice-Sergijevu lavru“.

Proizvodnja igračaka u selu neraskidivo je povezana sa zanatom igračaka Sergijev Posad. Bogorodskoe. Muzejska zbirka Bogorodske rezbarene plastike uključuje igračke, skulpture, skulpturalne kompozicije i ima oko četiri hiljade eksponata. Od velikog interesa su djela iz 19. vijeka: „General Skobelev na konju“ - P.F. Bardenkova, “Vodič sa medvjedom” - D.I. Puchkova; zabavne višefiguralne kompozicije na teme ruskih narodnih priča i nove sovjetske stvarnosti, nastale 30-ih godina dvadesetog stoljeća. (radovi A.F. Balaeva, N.E. Eroškina, V.T. Polinova, A.G. Šiškina).

Muzej poseduje široku zbirku dela od kraja 19. veka do početka. XX vijek edukativne igračke i umjetničke i stolarske radionice Sergijev Posad i Abramtsev. To su kutije, kovčezi, komadi namještaja, izrađeni prema uzorcima poznatih umjetnika S.V. Malyutin, E.D. Polenova, Ap. M. Vasnetsov, N.D. Bartram, Vl.I. Sokolov i drugi. Rad radionice Abramcevo, koju je vodio E.D. Polenova, imala je direktan utjecaj na formiranje i razvoj Abramcevsko-kudrinskog drvorezbarskog zanata sa svojim karakterističnim biljnim uzorkom ravnog reljefa. Jedan od osnivača ribarstva bio je V.P. Vornoskov. U muzeju se čuva nekoliko radova majstora, uključujući ukrasno posuđe s početka dvadesetog stoljeća, te portal „Granničara“ iz 1937. godine.

Uz zanate za obradu drveta, u Rusiji su se obično klesale i igračke. Ova umjetnost vuče korijene iz paganizma, kada su male glinene figure, sudjelujući u magičnim ritualima, igrale ulogu jedinstvenih kultnih predmeta. Muzej predstavlja kolekcije igračaka Kargopolj (Arhangelska oblast), Filimonovskaja (regija Tula), Abaševska (regija Penza), Skopinskaja (regija Rjazan). Od velikog interesa je igračka Dimkovo (regija Kirov) s kraja 19. - početka 20. vijeka. Radi se o djelima nepoznatih autora i A.A. Mezrina: medicinske sestre, gospoda, plesni parovi, itd. Vrijedan dio kolekcije Dimkovo čine djela iz 1930-ih godina. Među djelima druge polovine XX vijeka. Višefiguralna kompozicija „Vjenčanje“, koju je izradila grupa dimkovskih majstorica pod vodstvom E.I., izdvaja se po svojoj zabavnoj prirodi. Koss-Denshina.

Drvo je bilo jedan od najpopularnijih materijala u Rusiji, a zanati za njegovu umjetničku obradu postojali su u različitim regijama. Uz Sergijev Posad, muzej najpotpunije predstavlja zanate regije Nižnji Novgorod - Khokhloma i Gorodets. Lagane drvene hokhloma zdjele, bratini, slani lizavci, oslikani svijetlim cvjetnim šarama i koji podsjećaju na dragocjene zlatne posude, bili su nadaleko poznati već u 19. stoljeću. Njihovu proizvodnju tradicionalno su obavljali seljaci u brojnim selima koja se nalaze na teritoriji modernog okruga Koverninsky u regiji Nižnji Novgorod. Među eksponatima muzejske zbirke su i uzorci seljačkog posuđa iz 19. stoljeća. i namještaj iz 1930-ih s neobičnim slikama za “Khokhloma” na bijeloj i srebrnoj podlozi.

Zanat u Gorodecu počeo je da se formira krajem 18. veka, kada su seljaci iz brojnih malih sela koja se nalaze u blizini velikog trgovačkog sela Gorodec počeli da prave dno za prodaju kotača. Žene su sjedile na njima dok su radile, učvršćujući visoki češalj lanenom ili vunenom kudeljom u posebnu rupu. Ipak, trudili su se da dno uljepšaju: domaćica je bila na ponos, cijenila se i pazila, a nakon rada postavljala se na zid kao ukras za kuću. U dekoraciji Donjeca upotrijebili su vrlo rijetku tehniku ​​u ruskoj narodnoj umjetnosti intarzije komadima tamnog barskog hrasta. Do 1870-ih, prešli su sa rezbarenja s intarzijama na slikanje bujnih „ruža“, brzim, slikovitim potezima su prikazani konjanici, scene ispijanja čaja i veselja. Do 1920-ih nestala je potreba za krafnama, a umjetnici iz Gorodetsa počeli su naširoko koristiti svoje slikarske vještine u ukrašavanju drugih predmeta: kutija, kovčega, ukrasnih ploča, igračaka.

Zbirka Muzeja Gorodets ne samo da nam omogućava da pratimo glavne faze razvoja ovog centra od kraja 18. do kraja 20. stoljeća, već daje i ideju o radu gotovo svih majstora. koji je ostavio značajan trag u njegovoj istoriji. Zbirka uključuje radove prepoznate kao "klasične" primjere umjetnosti Gorodetsa: Donets A.V. i L.V. Melnikovs, G.L. Polyakov, V.K. Smirnov, panel I.K. Mazin, ekran I.K. Lebedeva i D.I. Kryukova i drugi.
Ruski umjetnički lakovi su svjetski poznati. Muzejska zbirka vam omogućava da odrazite njihovu povijest i upoznaje vas sa svim glavnim centrima lakiranja. U muzeju su izloženi oslikani metalni tacni iz Nižnjeg Tagila i Žostova (Moskovska oblast), „lakirani“ predmeti od papir-mašea od 19. do 20. veka. selo u blizini Moskve Fedoskino, kao i centri Ivanovske i Vladimirske oblasti: Palekh, Kholuy i Mstera, gdje se umjetnost lakiranih minijatura razvila tek u sovjetsko vrijeme i zasnivala se na ustaljenim tradicijama ikonopisa. Od 1830-ih, u radionici O.F. Vishnyakov, koji se nalazi u selu Zhostovo, zajedno sa proizvodima od papira-mašea, počeo je da pravi metalne poslužavnike. Postupno je ribarstvo dobilo samostalan značaj. Prilikom ukrašavanja poslužavnika prednost se počela davati cvjetnim aranžmanima oslikanim bogatim, slikovitim potezima.

Posebnu vrijednost predstavlja zbirka paleških lakiranih minijatura 1920-1930, koja uključuje djela vrlo visokog umjetničkog nivoa. Među njima su i radovi umjetnika koji su bili dio „Palehskog artela antičkog slikarstva“ formiranog 1924. godine: A.V. Kotukhina, I.V. Markicheva, I.M. Bakanova, I.P. Vakurova, I.I. Zubkova i drugi, uključujući virtuozna djela osnivača lakiranja u Palehu, I.I. Golikova.

Istorija centara u blizini Moskve (selo Fedoskino i selo Žostovo) seže do kraja 18. veka, kada je trgovac P.I. Korobov je u selu organizovao preduzeće za proizvodnju lakova od papir-mašea. Danilkov, koji se nalazi u blizini sela. Fedoskino. Ubrzo se ribarstvo proširilo po cijelom području. Muzejska zbirka predstavlja radove fabrike Lukutin (nasljednika P. I. Korobova) i malih seljačkih preduzeća u selima Ostaškovo, Žostovo, Sorokino i drugim koji se nalaze u Trojskoj volštini Moskovskog okruga. Najraniji radovi u zbirci datiraju iz sredine 19. stoljeća. Proizvodi ovih radionica stilski su homogeni: kutije, kovčezi, cigarete, novčanici i burmutije od papir-mašea ukrašeni su slikovitim, realistično interpretiranim minijaturama sa izraženom nacionalnom tematikom. Tradicionalne slike „trojki“, „čajanki“, prizora iz seljačkog života, u pravilu su besplatne kopije štafelajnih slika i grafičkih radova ruskih umjetnika.
Istaknuto mjesto na izložbi zauzima zbirka ruskih šalova i šalova. Riječ je o šalovima izvezenim „zlatnim“ nitima i drugim proizvodima majstorica iz Tvera i Nižnjeg Novgoroda i elegantnim štampanim šalovima vodećih preduzeća Moskve i Moskovske regije 19. - početka 20. stoljeća. Najveći i trenutno jedini proizvođač vunenih štampanih marama i šalova u Rusiji je Pavlovski Posad kod Moskve, gde je njihova proizvodnja savladana početkom 1860-ih u fabrici u vlasništvu trgovaca Ya.I. Labzin i V.I. Gryaznov. Proizvodnja šalova bila je gotovo u potpunosti ručna. Uzorci su nanošeni na tkaninu pomoću rezbarenih drvenih ploča, “cvijeća” i “manira”. Omiljeni motiv u dizajnu pavlovskih šalova, kao i žostovskih tacni, bile su slike cvijeća. Među eksponatima muzeja su i Pavlovoposadski šalovi iz različitih vremena. Ovo su šalovi legendarnog crtača iz 19. stoljeća. S.V. Postigov “Potkovica” i “Razvod” i djela naših savremenika E.P. Regunova, K.S. Zinovjeva, I.P. Dadonova i drugi.

Umjetnički zanati su značajan dio nacionalne kulture Rusije. Radovi predstavljeni u muzeju svjedoče o velikom talentu ruskih majstora, suptilnom umjetničkom ukusu i originalnosti njihovog talenta.

Kost je vrlo atraktivan materijal za ruske majstore, raznolik u svojim dekorativnim kvalitetama i tehničkim mogućnostima. Već u 17. veku. Tradicije umjetnosti rezbarenja kostiju počele su se razvijati u području naselja Kholmogory u provinciji Arkhangelsk. Kholmogorski majstori, uz tarsus (običnu životinjsku kost), koristili su kost morža, a rjeđe mamutovu kost, proizvodi od kojih su bili posebno cijenjeni. Najpopularnija roba bili su češljevi, kutije, kovčezi i kovčezi, ukrašeni najfinijim cvjetnim šarama, slikama životinja i ptica, izrađeni ažurnim rezbarijama i gravurama. U drugoj polovini XIX - početkom XX veka. Rezbarenje kosti praktikovano je u Trojice-Sergijevom manastiru i Sergijevom Posadu, o čemu svedoči ikona s potpisom „Trojice“ iz 1869. godine predstavljena na izložbi, koju je izradio Ivan Iljin (monah Jona), i mala ikona od slonovače koja prikazuje Sergija Radonješkog od lokalnog stanovništva. majstor I .WITH. Hrustačeva.

Tradicije minijaturnog rezbarenja kostiju i drveta koje su se ovdje razvile utjecale su na uspostavljanje rezbarenja kostiju u gradu Khotkovo, koji se nalazi nedaleko od Sergijevog Posada, u drugoj polovini 1940-ih. Originalnost ovog centra očitovala se u korištenju različitih tehnika obrade kostiju, kombinaciji kosti sa drvetom, te širokoj upotrebi tarzusa. Ove karakteristike bile su posebno živopisno oličene u radovima 1950-ih, posebno u kutiji V.E. Loginov "Michurin", čiji su koštani umetci majstorski izrađeni originalnom tehnikom višestrukog reljefa. Muzejska izložba takođe pruža priliku da se upoznate sa djelima tradicionalnih zanata umjetničke obrade kostiju, koji su se razvili na istoku Rusije: Tjumenj (Tobolsk), Jakutija, Čukotka. Identitet svakog od njih temelji se na etničkoj i umjetničkoj tradiciji lokalnog stanovništva.

Tokom godina svog postojanja, muzej je sakupio bogatu kolekciju ruskog stakla i porculana. Ove vrste primijenjene umjetnosti dobile su brzi razvoj u Rusiji u 18.-19. stoljeću. U holovima muzeja možete vidjeti proizvode tadašnjih tvornica, različitih po namjeni, formi, tehnici i stilu: carske tvornice porculana i stakla u Sankt Peterburgu, privatne tvornice porculana Gardnera, Popova, Kuznjecova, Kornilova, stakla fabrike - Malcov, Bakhmetev itd. Među eksponatima su najređi primerci ruskog stakla i keramike, kao što su, na primer, gravirani stakleni pehari iz 18. veka. ili proizvodi od majolike napravljeni u jednoj od prvih fabrika keramike u Rusiji, koju je 1724. godine u Moskvi otvorio trgovac A.K. Grebenshchikov. U muzeju se nalazi prekrasna zbirka porculanskih skulptura, uključujući različite žanrovske skulpture i čitav niz - "Narodi Rusije", koji je u 19. stoljeću. nekoliko puta je nastavljen u fabrikama Gardner i Kuznjecov u blizini Moskve.
Zbirku stakla i porculana sovjetskog i postsovjetskog perioda predstavljaju uglavnom radovi 1960-1980-ih, koje su izradili vodeći majstori i umjetnici iz najvećih ruskih fabrika. U istoriji domaćeg porculana, vodeću poziciju oduvek je zauzimala Lenjingradska fabrika porculana po imenu M.V. Lomonosov (bivši Imperial) i dve fabrike u blizini Moskve: fabrika porculana Dmitrovsky (ranije Gardner) i fabrika porcelana Dulevo nazvana po listu "Pravda" (ranije Kuznjecovsky). Ova preduzeća predstavljaju dve originalne i živahne škole sa sopstvenim stilom, visokom kulturom rada sa materijalima i bogatom tradicijom. Razlika između ove dvije škole porculana je u tome što su naslijedile različite istorijske slojeve ruske kulture: moskovska je bila vođena narodnom tradicijom, lenjingradska - visokoprofesionalnom umjetnošću 18. - 19. stoljeća, koja je pratila panevropski razvoj. .

Zbirka muzeja sadrži izuzetne i svečane radove umjetnika iz Sankt Peterburga (Lenjingrada), koji se odlikuju suptilnim umjetničkim ukusom i klasičnim osjećajem za mjeru: A.V. Vorobievsky, A.A. Yatskevich, V.M. Gorodetsky, N.P. Slavina, I.S. Olevskoy; U skladu sa formom i slikarstvom sa narodnim razumevanjem lepote, svetla, životno potvrđujuća dela umetnika moskovske oblasti: P.V. Leonova. VC. Yasnetsova, N.N. Ropova i dr. Na izložbi se možete upoznati i sa zbirkom stakla i kristala druge polovine XX veka. Forme posuđa, ukrasne vaze i garniture, volumetrijsko-prostorne kompozicije, staklena plastika izrađene su raznim tehnikama i tehnologijama od strane vodećih umjetnika najstarijih staklarskih tvornica u Rusiji. Ovo je biljka u gradu Gus-Khrustalny, Vladimirska oblast (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. Muratov); tvornica stakla "Crveni maj" u Vyshnevolotsky okrugu Tverske oblasti (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya); Fabrika kristala Dyatkovo (M.V. Grabar, V.V. Soiver, V.Ya. Shevchenko).

Ponos muzejske zbirke je prilično značajna zbirka Lenjingradske tvornice umjetničkog stakla, čije su aktivnosti povezane s radom takvih majstora primijenjene umjetnosti kao što je L.O. Jurgen, A.A. Astvatsaturyan, A.M. Ostroumov, E.V. Yanovskaya, Kh.M. Pyld, B.A. Eremin, Yu.M. Byakov. Većina radova od stakla i porculana jedinstveni su primjerci stvoreni za velike međunarodne ili nacionalne izložbe. Tako se muzejska zbirka ruske tradicionalne dekorativne i primijenjene umjetnosti po svojoj raznolikosti, cjelovitosti predstavljanja pojedinih centara i visokom umjetničkom nivou uvrštenih radova može svrstati u jednu od najboljih u zemlji. Radovi koji ga čine svjedoče o velikom talentu ruskih majstora, suptilnom umjetničkom ukusu i originalnosti njihovog talenta.