Interes za likovnu umjetnost zahvaćao je sve šire slojeve društva, što se ispoljavalo u stvaranju raznih umjetničkih društava, rastućoj popularnosti izložbi na Akademiji umjetnosti, osnivanju umjetničkih časopisa i stvaranju umjetničkih muzeja.

Portret je ostao vodeći žanr u slikarstvu, njegov razvoj povezan je sa radom O.A. Kiprenski i V.A. Tropinina. U djelima ovih umjetnika može se uočiti želja za hvatanjem posebnosti duhovnog i emocionalnog svijeta njihovih suvremenika, a prepliće se s odlikama realizma. Pejzaž se razvijao zajedno sa portretom, povezan sa imenom S.F. Ščedrina, kojeg karakterizira poetska percepcija prirodnog izgleda prirode. Svakodnevni žanr predstavljaju djela A.G. Venetsianov, koji ga je namjerno izabrao kao samostalnu i punopravnu formu slikarstva, i P.A. Fedotova. Tema njihovog slikarstva je nacionalna i demokratska. Istorijsko slikarstvo razvijalo se pod uticajem rata 1812. godine, rasta patriotizma i nacionalne svesti. Ovaj pravac su zastupali A.A. Ivanov, koji je naslikao čuvenu sliku Javljanje Hrista narodu, A.E. Egorov i drugi su podjednako radili u različitim žanrovima. Takvi su bili F. Bruni, K.P. Brjulova, najvećeg umjetnika svog vremena, čiji je rad oličavao dramatičnost, humanost i briljantnu vještinu.

Gotovo sav razvoj slikarstva u tom periodu odvijao se u okviru klasicizma, koji je u slikarstvu nazvan akademizmom. Akademizam je bio usmjeren na najviše vizualne tehnike, mitološke i biblijske teme, te dekorativnu kompoziciju. Uopšteno, za slikarstvo devetnaestog veka. karakteriše proširenje žanrova, tematike, unapređenje tehničkih tehnika i umetničkih aspekata. Rusku likovnu umjetnost karakterizirali su romantizam i realizam. Međutim, službeno priznata metoda bila je klasicizam.

Klasicizam u arhitekturi početkom 19. stoljeća. dostigla najviši stepen razvoja, stvarajući plodno tlo za ispoljavanje građanskog patosa. Karakteristična karakteristika je stvaranje velikih ansambala. Rusku arhitekturu odlikovala je visoka profesionalnost i potraga za novim putevima.

Među arhitektima tog vremena treba istaći O.I. Bove, koji je vodio obnovu Moskve nakon požara 1812. Pod njegovim vodstvom stvoreni su jedinstveni gradski ansambli: Teatralnaja, Vaskrsenje, Crveni trgovi; Alexander Garden; Izgrađene su zgrade Boljšoj teatra i Manježa - strukture koje su preobrazile izgled grada. U Sankt Peterburgu je klasicizam zadržao službeni karakter i odražavao važnost grada kao glavnog grada carstva. Među izuzetnim spomenicima je Kazanska katedrala (1801-1811) arhitekte A.N. Voronikhin; zgrada Exchange (1804-1811) arhitekte Thomasa de Thomona; urbani ansambli K.I. Rossi, koji je grad pretvorio u umjetničko djelo. Prema AD projektu. Zaharova, podignuta je zgrada Admiraliteta. Iz njega su se širili zraci peterburških avenija. Prema projektu A.A. Montferrand je bio tvorac katedrale Svetog Isaka - najviše građevine u Rusiji tog vremena.

Na mjesto klasicizma, koji je iscrpio svoje mogućnosti i došao u sukob sa promjenjivim estetskim potrebama epohe 30-ih godina. XIX veka eklekticizam je stigao. Njegov glavni princip je korištenje elemenata različitih arhitektonskih stilova prošlosti u slobodnom obliku. Arhitekta K.A. Ton je jedan od najistaknutijih predstavnika ovog trenda. Prema njegovom projektu, katedrala Hrista Spasitelja (1839-1883) izgrađena je u čast pobjede u Otadžbinskom ratu 1812.

Najznačajniji pomaci postignuti su u to vrijeme u oblasti monumentalne skulpture. Kao iu drugim oblastima umjetničke kulture, ovdje je bio jak uticaj Otadžbinskog rata 1812. godine, popularne su teme herojstva, rodoljublja itd. Skulptura se razvijala u okviru stila klasicizma, ali su realističke crte stekle prilično snažan utjecaj. Karakteristična karakteristika razvoja ruske skulpture u prvoj polovini stoljeća bila je sinteza skulpture i arhitekture, što je posebno jasno došlo do izražaja u stvaranju urbanih cjelina i rješavanju drugih urbanističkih problema.

Među istaknutim monumentalnim kiparima posebno mjesto zauzima V.I. Demuth - Malinovsky i S.S. Pimenov. Zajedno sa arhitektom Voronjihinom kreirali su jedinstveni dekor Kazanske katedrale, zatim bareljefe za Rudarski institut. Od kamena su isklesali nekoliko grandioznih statua za zgradu Admiraliteta. Skulptori su radili iu saradnji sa arhitektom Rosijem, skulptura Glavnog štaba se smatra vrhuncem njihovog rada.

Među izuzetnim spomenicima tog doba je spomenik Mininu i Požarskom na Crvenom trgu, koji je stvorio kipar I.P. Martos. Na slikama heroja 17. veka. oličava karakteristike patriotizma i nacionalnog ponosa. Kreativnost B.I. je bila od velikog značaja. Orlovsky, autor figure anđela koji kruniše Aleksandrov stup, spomenika feldmaršalu M.I. Kutuzov i general Barclay de Tolly ispred Kazanske katedrale u Sankt Peterburgu. Aleksandrov stup je menhir, jedan od najpoznatijih spomenika u Sankt Peterburgu. Podignut u stilu carstva 1834. godine u centru Dvorskog trga od strane arhitekte Augusta Montferrana po nalogu mlađeg brata cara Aleksandra I, Nikole I, u znak sećanja na pobedu nad Napoleonom. Stub je monolitni obelisk koji stoji na postolju ukrašenom bareljefima sa posvetnim natpisom „Zahvalna Rusija Aleksandru I“. Na vrhu stupa nalazi se skulptura anđela Borisa Orlovskog. Anđeosko lice ima crte Aleksandra I. U lijevoj ruci anđeo drži latinski krst sa četiri kraka, a desnu podiže ka nebu. Glava anđela je nagnuta, pogled mu je uprt u tlo. Kolona je okrenuta prema Zimskom dvorcu. To nije samo izvanredan arhitektonski spomenik, već i veliko inženjersko dostignuće svog doba. U prvoj polovini 19. vijeka. Pojavila se samostalna ruska muzička umetnost, iako se još uvek snažno osećao uticaj italijanske, nemačke i francuske škole. Ruska nacionalna muzička kultura nastala je na osnovu narodne umjetnosti, o čemu svjedoči rad A.A. Alyabyev, tvorac ruske nacionalne opere M.I. Glinka. Inovativne opere A.S. dale su značajan doprinos razvoju ruske muzičke umjetnosti. Dargomyzhsky. Kombinacija narodnih motiva s romantizmom dovela je do pojave posebnog žanra - ruske romanse (A.A. Alyabyev, A.E. Varlamov, A.L. Gurilev). U tom periodu značajno je porasla uloga dramskog pozorišta u kulturnom životu Rusije. U Moskvi je centar ove vrste umetnosti postao Mali teatar, gde su demokratske tendencije bile veoma jake; u Sankt Peterburgu - Aleksandrinski, koji je zadržao svoje službeno značenje. Pozorišna umjetnost ovog vremena razvijala se u okviru stila romantizma (posebno u djelu P. S. Mochalova, koji je igrao u dramama Schillera i Shakespearea; njegova uloga Hamleta bila je posebno uspješna). Postepeno se realistički pravac uspostavljao na ruskoj sceni zahvaljujući dramaturgiji A.S. Gribojedova, N.V. Gogol, A.N. Ostrovsky. Među glumcima koji su stvarali slavu ruske scene treba istaći M. S. Shchepkina, P.S. Mochalova, E.S. Semenova itd. Postojale su razne vrste pozorišta. Kmetska pozorišta koja su pripadala ruskim aristokratskim porodicama (Šeremetjevi, Apraksini, Jusupovi itd.) Još su bila rasprostranjena. Bilo je nekoliko državnih pozorišta (Aleksandrijansko i Marijinsko u Sankt Peterburgu, Boljšoj i Mali u Moskvi). Baletska pozorišna umjetnost zauzimala je posebno mjesto u kulturnom životu Rusije. Razvijala se u bliskoj vezi i pod uticajem ruske književnosti. Baleti „čistog klasicizma” postajali su prošlost. Zamijenile su ih sentimentalne melodrame i romantične produkcije. Na repertoaru su se pojavili baleti, čiju je radnju predložila ruska književnost.

Rusku likovnu umjetnost karakterizirali su romantizam i realizam. Međutim, službeno priznata metoda bila je klasicizam. Akademija umjetnosti postala je konzervativna i inertna institucija koja je kočila svaki pokušaj kreativne slobode. Zahtijevala je strogo pridržavanje kanona klasicizma i podsticala slikanje na biblijske i mitološke teme. Mladi talentovani ruski umjetnici nisu bili zadovoljni akademskim okvirom. Stoga su se češće okretali žanru portreta.
Slika je utjelovila romantične ideale ere nacionalnog uspona. Odbacivši stroga načela klasicizma bez odstupanja, umjetnici su otkrili raznolikost i jedinstvenost okolnog svijeta. To se nije samo odrazilo u već poznatim žanrovima - portretu i pejzažu - već je dalo poticaj rađanju svakodnevnog slikarstva, koje je postalo fokus pažnje majstora druge polovine stoljeća. Za sada je primat ostao istorijskom žanru. Bilo je to posljednje utočište klasicizma, međutim, i ovdje su se iza formalno klasične „fasade“ krile romantične ideje i teme.
Romantizam - (francuski romantisme), ideološki i umjetnički pokret u evropskoj i američkoj duhovnoj kulturi s kraja 18. - 1. pol. 19. vijeka Odražavajući razočaranje u rezultate Francuske revolucije kasnog 18. stoljeća, u ideologiju prosvjetiteljstva i društvenog napretka. Romantizam je suprotstavio utilitarizam i ujednačavanje pojedinca sa težnjama za bezgraničnom slobodom i „beskonačnim“, žeđom za savršenstvom i obnovom i patosom lične i građanske nezavisnosti. Bolni nesklad između idealne i društvene stvarnosti osnova je romantičnog pogleda na svijet i umjetnosti. Afirmacija intrinzične vrijednosti duhovnog i stvaralačkog života pojedinca, prikaz jakih strasti, prikaz jakih strasti, produhovljene i iscjeljujuće prirode, za mnoge romantičare - herojstvo protesta ili borbe koegzistiraju s motivima „svjetske tuge “, “svjetsko zlo”, “noćna” strana duše, odjevena u forme ironije, groteske, poetike dvaju svjetova. Interes za nacionalnu prošlost (često njena idealizacija), tradiciju folklora i kulture svojih i drugih naroda, želja za stvaranjem univerzalne slike svijeta (prvenstveno historiju i književnost), ideju sinteze umjetnosti našla izraz u ideologiji i praksi romantizma.
U likovnoj umjetnosti romantizam se najjasnije očitovao u slikarstvu i grafici, manje jasno u skulpturi i arhitekturi (na primjer, lažna gotika). Većina nacionalnih škola romantizma u likovnoj umjetnosti nastala je u borbi protiv zvaničnog akademskog klasicizma.
U dubinama zvanične državne kulture uočljiv je sloj „elitne“ kulture, koja služi vladajućoj klasi (aristokratiji i kraljevskom dvoru) i ima posebnu prijemčivost za strane inovacije. Dovoljno je prisjetiti se romantičnih slika O. Kiprenskog, V. Tropinjina, K. Brjulova, A. Ivanova i drugih velikih umjetnika 19. stoljeća.
Kiprenski Orest Adamovič, ruski umetnik. Izvanredan majstor ruske likovne umjetnosti romantizma, poznat kao divan slikar portreta. Na slici „Dmitrij Donskoj na Kulikovom polju“ (1805, Ruski muzej) pokazao je pouzdano poznavanje kanona akademskog istorijskog slikarstva. Ali rano, područje u kojem se njegov talenat najprirodnije i najlakše otkrio bio je portret. Njegov prvi slikovni portret (“A.K. Schwalbe”, 1804, ibid.), pisan u “Rembrandtovom” maniru, ističe se ekspresivnom i dramatičnom chiaroscuro strukturom. S godinama, njegova vještina – koja se očituje u sposobnosti stvaranja, prije svega, jedinstvenih, individualno karakterističnih slika, odabirom posebnih plastičnih sredstava za isticanje ove karakteristike – postaje sve jača. Pun impresivne vitalnosti: portret dečaka A. A. Čeliščova (oko 1810-11), uparene slike supružnika F. V. i E. P. Rostopčina (1809) i V. S. i D. N. Hvostova (1814, sve - Tretjakovska galerija). Umjetnik se sve više poigrava mogućnostima kontrasta boja i svjetla i sjene, pejzažne pozadine i simboličkih detalja („E. S. Avdulina“, oko 1822, isto). Umjetnik zna i velike svečane portrete napraviti lirski, gotovo intimno opušteno („Portret životnog husarskog pukovnika Evgrafa Davidova“, 1809, Ruski muzej). Njegov portret mladog A.S., prekriven poetskom slavom. Puškin je jedan od najboljih u stvaranju romantične slike. U Kiprenskom Puškin izgleda svečano i romantično, u auri poetske slave. „Laskaš mi, Oreste“, uzdahnuo je Puškin, gledajući gotovo platno. Kiprenski je bio i virtuozni crtač koji je stvarao (uglavnom tehnikom italijanske olovke i pastela) primjere grafičke vještine, često nadmašujući njegove naslikane portrete svojom otvorenom, uzbudljivo laganom emocionalnošću. To su svakodnevni tipovi („Slepi muzičar“, 1809, Ruski muzej; „Kalmička Bajausta“, 1813, Tretjakovska galerija), i čuvena serija portreta olovkom učesnika Otadžbinskog rata 1812 (crteži E.I. Čaplica, A.R. Tomilove , P. A. Olenina, isti crtež sa pesnikom Batjuškovim i dr., Tretjakovska galerija i druge zbirke); herojski početak ovdje dobija iskrenu konotaciju. Veliki broj skica i tekstualnih dokaza pokazuje da je umetnik tokom svog zrelog perioda težio stvaranju velike (po sopstvenim rečima iz pisma A.N. Olenjinu 1834.), „spektakularne, ili, na ruskom, upečatljive i magične slike“, gde bi rezultati evropske istorije, kao i sudbina Rusije, bili prikazani u alegorijskom obliku. „Čitaoci novina u Napulju” (1831, Tretjakovska galerija) – naizgled samo grupni portret – zapravo je tajno simboličan odgovor na revolucionarne događaje u Evropi.
Međutim, najambicioznije od slikovitih alegorija Kiprenskog ostale su neostvarene ili nestale (poput "Anakreonove grobnice", završene 1821.). Ova romantična traženja, međutim, dobila su veliki nastavak u djelima K. P. Bryullova i A. A. Ivanova.
Realistički stil se ogledao u djelima V.A. Tropinina. Tropinjinovi rani portreti, naslikani suzdržanim bojama (porodični portreti grofova Morkova, 1813. i 1815., oba u Tretjakovskoj galeriji), još uvijek u potpunosti pripadaju tradiciji doba prosvjetiteljstva: model je bezuslovno i postojano središte slike u njima. Kasnije, kolorit Tropinjinove slike postaje intenzivniji, volumeni su obično izvajani jasnije i skulpturalnije, ali što je najvažnije, insinuirajuće raste čisto romantični osjećaj pokretnog elementa života, od kojih je junak portreta kao da je samo dio, fragment (“Bulahov”, 1823; “K. G. Ravič”, 1823; autoportret, oko 1824; sva tri - na istom mjestu). Takav je A. S. Puškin na poznatom portretu iz 1827. (Sveruski muzej A. S. Puškina, Puškin): pjesnik, stavljajući ruku na hrpu papira, kao da "sluša muzu", sluša stvaralački san koji okružuje slika sa nevidljivim oreolom. Naslikao je i portret A.S. Pushkin. Gledaocu se predstavlja čovjek koji je mudar iz životnog iskustva i nije baš sretan. Na portretu Tropinjina pesnik je šarmantan na domaći način. Neka posebna staromoskovska toplina i udobnost zrači iz Tropininovih radova. Do svoje 47. godine bio je u zatočeništvu. Vjerovatno su zato lica običnih ljudi na njegovim platnima tako svježa, tako nadahnuta. A mladost i šarm njegove “Čipkarice” su beskrajni. Najčešće, V.A. Tropinin se okrenuo prikazu ljudi iz naroda ("Čipkarica", "Portret sina" itd.).
Umjetnička i ideološka potraga ruske društvene misli i očekivanje promjene ogledaju se u slikama K.P. Brjulov “Posljednji dan Pompeja” i A.A. Ivanov "Pojavljivanje Hrista ljudima."
Veliko umetničko delo je slika „Poslednji dan Pompeja” Karla Pavloviča Brjulova (1799-1852). Godine 1830. ruski umjetnik Karl Pavlovič Brjulov posjetio je iskopine drevnog grada Pompeja. Šetao je drevnim trotoarima, divio se freskama i u njegovoj mašti je nastala ta tragična noć avgusta 79. godine. e., kada je grad bio prekriven vrelim pepelom i plovućcem probuđenog Vezuva. Tri godine kasnije, slika "Posljednji dan Pompeja" trijumfalno je putovala od Italije do Rusije. Umjetnik je pronašao nevjerovatne boje kako bi oslikao tragediju drevnog grada, koji umire pod lavom i pepelom Vezuva koji je eruptirao. Slika je prožeta visokim humanističkim idealima. Pokazuje hrabrost ljudi, njihovu posvećenost, iskazanu tokom strašne katastrofe. Brjulov je bio u Italiji na poslovnom putu na Akademiji umjetnosti. Ova obrazovna ustanova pružila je dobru obuku u tehnikama slikanja i crtanja. Međutim, Akademija se jasno fokusirala na antičko naslijeđe i herojske teme. Akademsko slikarstvo je odlikovalo dekorativnost pejzaža i teatralnost cjelokupne kompozicije. Scene iz modernog života i obični ruski pejzaži smatrani su nedostojnima umjetnikovog kista. Klasicizam u slikarstvu dobio je naziv akademizam. Bryullov je bio povezan s Akademijom svom svojom kreativnošću.
Imao je snažnu maštu, oštro oko i vjernu ruku - i iznjedrio je žive kreacije u skladu s kanonima akademizma. Zaista, uz Puškinovu milost, znao je da na platnu uhvati i lepotu nagog ljudskog tela i podrhtavanje sunčevog zraka na zelenom listu. Njegova platna „Jahačica“, „Viršaba“, „Italijansko jutro“, „Italijansko popodne“ i brojni svečani i intimni portreti zauvek će ostati neuvenljiva remek-dela ruskog slikarstva. Međutim, umjetnik je uvijek težio velikim istorijskim temama, prikazivanju značajnih događaja u ljudskoj istoriji. Mnogi njegovi planovi u tom pogledu nisu ostvareni. Brjulov nikada nije napustio ideju o stvaranju epskog platna zasnovanog na zapletu iz ruske istorije. Započinje sliku „Opsada Pskova od strane trupa kralja Stefana Batorija“. Oslikava vrhunac opsade 1581. godine, kada su pskovski ratnici i. Građani žure da napadnu Poljake koji su provalili u grad i bace ih iza zidina. Ali slika je ostala nedovršena, a zadatak stvaranja istinski nacionalnih povijesnih slika nije izvršio Bryullov, već sljedeća generacija ruskih umjetnika. Istih godina kao i Puškin, Brjulov ga je nadživeo za 15 godina. Posljednjih godina je bio bolestan. Sa autoportreta naslikanog u to vrijeme, gleda nas crvenkasti čovjek nježnih crta lica i smirenog, zamišljenog pogleda.
U prvoj polovini 19. vijeka. Živio je i radio umjetnik Aleksandar Andrejevič Ivanov (1806-1858). Cijeli svoj stvaralački život posvetio je ideji duhovnog buđenja naroda, utjelovivši je u filmu „Pojava Krista narodu“. Više od 20 godina radio je na slici „Pojava Hrista narodu“, u koju je uložio svu snagu i sjaj svog talenta. U prvom planu njegovog grandioznog platna upada u oči hrabri lik Jovana Krstitelja koji upućuje narod na Hrista koji se približava. Njegov lik je prikazan u daljini. Još nije stigao, dolazi, sigurno će doći, kaže umetnik. I lica i duše onih koji čekaju Spasitelja razvedri se i pročiste. Na ovoj slici je prikazao, kako je kasnije rekao I. E. Repin, „potlačeni narod koji čezne za rečju slobode“.
U prvoj polovini 19. vijeka. Rusko slikarstvo uključuje svakodnevne predmete.
Jedan od prvih koji mu se obratio bio je Aleksej Gavrilovič Venecijanov (1780-1847). Svoj rad posvetio je prikazu života seljaka. Ovaj život prikazuje u idealiziranom, uljepšanom obliku, odajući počast tadašnjem modernom sentimentalizmu. Međutim, slike Venetsianova „Ambara“, „Na žetvi. Ljeto“, „Na oranicama. Proljeće“, „Seljanka s kukurijem“, „Zaharka“, „Jutro zemljoposjednika“, odražavajući ljepotu i plemenitost običnih ruskih ljudi, služili su afirmaciji dostojanstva osobe, bez obzira na njen društveni status.
Njegovu tradiciju nastavio je Pavel Andrejevič Fedotov (1815-1852). Njegova su platna realistična, ispunjena satiričnim sadržajem, razotkrivaju trgovački moral, život i običaje društvene elite („Majorov provod“, „Svježi kavalir“ itd.). Svoj put kao satiričar započeo je kao gardijski oficir. Zatim je napravio smiješne, nestašne skice vojnog života. Godine 1848. njegova slika “Svježi kavalir” predstavljena je na akademskoj izložbi. Bilo je to smelo ismevanje ne samo glupe, samozadovoljne birokratije, već i akademske tradicije. Prljavi ogrtač u koji je bio odjeven glavni lik slike vrlo je podsjećao na antičku togu. Brjulov je dugo stajao ispred platna, a onda je, napola u šali, poluozbiljno, rekao autoru: "Čestitam, pobedio si me." Drugi filmovi Fedotova ("Doručak aristokrate", "Majorovo provodadžisanje") takođe su komične i satirične prirode. Njegove posljednje slike su veoma tužne („Sidro, još sidro!“, „Udovica“). Savremenici su s pravom upoređivali P.A. Fedotov u slikarstvu sa N.V. Gogolj u književnosti. Razotkrivanje bolesti feudalne Rusije glavna je tema djela Pavla Andrejeviča Fedotova.

Rusko slikarstvo druge polovine 19. veka

Druga polovina 19. veka. obeležen je procvatom ruske likovne umetnosti. Postala je zaista velika umjetnost, bila prožeta patosom narodnooslobodilačke borbe, odgovorila na zahtjeve života i aktivno upadala u život. U likovnoj umjetnosti konačno je uspostavljen realizam - istinit i sveobuhvatan odraz života naroda, želja da se ovaj život obnovi na principima jednakosti i pravde.
Svesni zaokret novog ruskog slikarstva ka demokratskom realizmu, nacionalnosti i modernosti javlja se kasnih 50-ih, zajedno sa revolucionarnom situacijom u zemlji, sa društvenim sazrevanjem inteligencije raznih klasa, sa revolucionarnim prosvetiteljstvom Černiševskog, Dobroljubova. , Saltikov-Ščedrin, sa narodoljubivom poezijom Nekrasova. U "Esejima o Gogoljevom periodu" (1856.), Černiševski je napisao: "Ako je slikarstvo danas općenito u prilično jadnom položaju, glavni razlog za to se mora smatrati otuđenjem ove umjetnosti od modernih težnji." Ista ideja je citirana u mnogim člancima u časopisu Sovremennik.
Centralna tema umjetnosti postao je narod, ne samo potlačeni i patnici, već i narod – tvorac istorije, narodoborac, tvorac svega najboljeg što postoji u životu.
Uspostavljanje realizma u umetnosti odvijalo se u tvrdoglavoj borbi sa zvaničnim pravcem, čiji je predstavnik bilo rukovodstvo Akademije umetnosti. Čelnici akademije su svojim studentima usađivali ideju da je umjetnost viša od života, a za stvaralaštvo umjetnika iznijeli su samo biblijske i mitološke teme.
Ali slikarstvo se već počelo pridruživati ​​modernim težnjama - prije svega u Moskvi. Moskovska škola nije uživala ni desetinu privilegija Petrogradske akademije umetnosti, ali je manje zavisila od njenih ukorenjenih dogmi, a atmosfera u njoj bila je življa. Iako su nastavnici u Školi uglavnom akademici, akademici su sporedni i kolebljivi – nisu suzbili svojim autoritetom koliko na Akademiji F. Bruni, stub stare škole, koji se svojevremeno takmičio sa Brjulovljevom slikom “ Bakarna zmija”.
Godine 1862. Vijeće Akademije umjetnosti u Sankt Peterburgu odlučilo je da izjednači prava svih žanrova, ukinuvši primat istorijskog slikarstva. Zlatna medalja se sada dodjeljivala bez obzira na temu slike, uzimajući u obzir samo njene zasluge. Međutim, “slobode” unutar zidina akademije nisu dugo trajale.
Godine 1863. mladi umjetnici koji su učestvovali na akademskom konkursu podnijeli su peticiju „za dozvolu da uz zadatu temu slobodno biraju predmete za teme koje žele“. Vijeće Akademije je odbilo. Ono što se potom dogodilo naziva se „pobunom četrnaestorice” u istoriji ruske umetnosti. Četrnaest učenika razreda istorije nije htelo da slika slike na predloženu temu iz skandinavske mitologije - „Gozba u Valgalu“ i naglašeno je podnelo peticiju da napusti akademiju. Našavši se bez radionica i novca, pobunjenici su se ujedinili u neku vrstu komune - nalik tipu komuna koji je opisao Černiševski u romanu "Šta da se radi?" - Artel umjetnika na čelu sa slikarom Ivanom Nikolajevičem Kramskom . Radnici artela primali su narudžbe za izvođenje raznih umjetničkih djela, stanovali u istoj kući i okupljali se u zajedničkoj prostoriji za razgovore, razgovore o slikama i čitanje knjiga.
Sedam godina kasnije, Artel se raspao. U to vrijeme, 70-ih godina, na inicijativu umjetnika Grigorija Grigorijeviča Myasoedova, nastalo je udruženje - "Udruženje umjetničkih mobilnih umetaka", profesionalno i komercijalno udruženje umjetnika koji su stajali na sličnim ideološkim pozicijama.
Udruženje Putnika, za razliku od mnogih kasnijih udruženja, nije prošlo bez ikakvih deklaracija ili manifesta. U statutu je samo navedeno da članovi Partnerstva treba da upravljaju svojim finansijskim poslovima, ne zaviseći ni od koga u tom pogledu, i da sami organizuju izložbe i da ih vode u različite gradove („sele“ po Rusiji) kako bi upoznali zemlju sa ruska umjetnost. Obje ove tačke bile su od značajnog značaja, potvrđujući nezavisnost umjetnosti od vlasti i volju umjetnika da široko komuniciraju sa ljudima ne samo u glavnom gradu. Glavnu ulogu u stvaranju Partnerstva i razvoju njegove povelje imali su, pored Kramskog, Mjasoedov, Ge - iz Sankt Peterburga i Moskovljani - Perov, Prjanišnjikov, Savrasov.
Peredvizhniki su bili ujedinjeni u odbijanju „akademizma“ sa njegovom mitologijom, dekorativnim pejzažima i pompeznom teatralnošću. Želeli su da oslikaju živi život. Žanrovske (svakodnevne) scene zauzimale su vodeće mjesto u njihovom stvaralaštvu. Seljaštvo je uživalo naročitu simpatiju prema „Itinerantima“. Pokazali su njegovu potrebu, patnju, potlačeni položaj. U to vreme - 60-70-ih godina. XIX vijek - ideološka strana umjetnosti bila je cijenjena više od estetske. Tek su se s vremenom umjetnici prisjetili suštinske vrijednosti slikarstva.
Možda je najveću počast ideologiji odao Vasilij Grigorijevič Perov (1834-1882). Dovoljno je prisjetiti se njegovih slika kao što su "Dolazak šefa istrage", "Čajanka u Mitišči". Neka od Perovljevih djela prožeta su istinskom tragedijom („Trojka“, „Stari roditelji na grobu sina“). Perov je naslikao niz portreta svojih poznatih savremenika (Ostrovskog, Turgenjeva, Dostojevskog).
Neke od slika “Putnika”, naslikane iz života ili inspirisane stvarnim scenama, obogatile su naše predstave o seljačkom životu. Film S. A. Korovina “Na svijetu” prikazuje sukob na seoskom okupljanju između bogataša i siromaha. V. M. Maksimov je uhvatio bijes, suze i tugu porodične podjele. Svečana svečanost seljačkog rada ogleda se na slici G. G. Myasoedova „Kosilice“.
Portret je zauzimao glavno mjesto u Kramskoyjevom radu. Pisao je Gončarova, Saltikova-Ščedrina, Nekrasova. Posjeduje jedan od najboljih portreta Lava Tolstoja. Pogled pisca ne napušta gledaoca, bez obzira s koje tačke gleda na platno. Jedno od najmoćnijih djela Kramskoyja je slika "Hristos u pustinji".
Prva izložba “Itinerants”, otvorena 1871. godine, uvjerljivo je pokazala postojanje novog pravca koji se formirao tokom 60-ih godina. Bilo je samo 46 eksponata (za razliku od glomaznih izložbi Akademije), ali pažljivo odabranih, i iako izložba nije bila namjerno programska, cjelokupni nepisani program isplivao je sasvim jasno. Bili su zastupljeni svi žanrovi – istorijski, svakodnevni, pejzažni portreti – a publika je mogla da proceni šta su im „lutalice“ novo donele. Samo skulptura nije imala sreće (postojala je jedna, pa i tada malo izvanredna skulptura F. Kamenskog), ali ova vrsta umjetnosti je dugo bila „nesreća“, zapravo, čitavu drugu polovinu stoljeća.
Do početka 90-ih, među mladim umjetnicima moskovske škole, bilo je, međutim, onih koji su dostojno i ozbiljno nastavili građansku putujuću tradiciju: S. Ivanov sa svojim ciklusom slika o imigrantima, S. Korovin - autor slika “Na svijetu”, gdje je zanimljivo i promišljeno razotkriveni dramatični (zaista dramatični!) sukobi predreformskog sela. Ali nisu dali ton: približavao se ulazak u prvi plan „Svijeta umjetnosti“, podjednako udaljen od Lutalica i od Akademije. Kako je Akademija izgledala u to vrijeme? Njeni prijašnji rigoristički umjetnički stavovi su izblijedjeli, više nije insistirala na strogim zahtjevima neoklasicizma, na ozloglašenoj hijerarhiji žanrova, bila je prilično tolerantna prema svakodnevnom žanru, samo je više voljela da bude "lijep" nego "seljački" ( primjer “lijepih” neakademskih djela – prizora iz antičkog života tada popularnog S. Bakaloviča). Uglavnom je neakademska produkcija, kao što je to bio slučaj u drugim zemljama, bila građanski salon, njena „ljepota“ je bila vulgarna ljepota. Ali ne može se reći da nije istakla talente: G. Semiradsky, gore spomenuti, i V. Smirnov, koji je rano umro (koji je uspio stvoriti impresivnu veliku sliku „Smrt Nerona“) bili su vrlo talentirani; Ne mogu se poreći određene umjetničke vrijednosti slika A. Svedomskog i V. Kotarbinskog. Repin je o ovim umetnicima govorio sa odobravanjem, smatrajući ih nosiocima „helenskog duha“ u svojim poznim godinama, a Vrubel je bio impresioniran njima, baš kao i Aivazovski, takođe „akademski“ umetnik. S druge strane, niko drugi do Semiradski je prilikom reorganizacije Akademije odlučno istupio u korist svakodnevnog žanra, ukazujući kao pozitivne primere na Perova, Repina i V. Majakovskog. Dakle, bilo je dovoljno tačaka konvergencije između „Putnika“ i Akademije, a tadašnji potpredsjednik Akademije I.I. Tolstoja, na čiju su inicijativu vodeći „Itineranti” pozvani da predaju.
Ali ono što nam ne dozvoljava da potpuno zanemarimo ulogu Akademije umjetnosti, prije svega kao obrazovne institucije, u drugoj polovini stoljeća je jednostavna činjenica da su iz njenih zidova izašli mnogi istaknuti umjetnici. To su Repin, i Surikov, i Polenov, i Vasnjecov, a kasnije - Serov i Vrubel. Štaviše, nisu ponovili „pobunu četrnaestorice” i, očigledno, imali su koristi od svog šegrtovanja.
Poštovanje prema crtežu, prema izgrađenoj konstruktivnoj formi, ukorenjeno je u ruskoj umetnosti. Opća orijentacija ruske kulture prema realizmu postala je razlogom popularnosti metode Čistjakova - na ovaj ili onaj način, ruski slikari do Serova, Nesterova i Vrubela, uključujući i Serova, poštovali su „nepromjenjive vječne zakone forme“ i bili su oprezni prema „dematerijalizaciji“. ” ili podređivanje šarenog amorfnog elementa, ma koliko voljeli boju.
Među Peredvizhnikijima pozvanim na Akademiju bila su dva slikara pejzaža - Šiškin i Kuindži. Upravo u to vrijeme počinje hegemonija pejzaža u umjetnosti i kao samostalnog žanra, gdje je vladao Levitan, i kao ravnopravnog elementa svakodnevnog, istorijskog, a dijelom i portretnog slikarstva. Suprotno predviđanjima Stasova, koji smatra da će se uloga pejzaža smanjiti, 90-ih je porasla više nego ikad. Prevladao je lirski „pejzaž raspoloženja“, koji vodi svoje porijeklo od Savrasova i Polenova.
Peredvizhniki su napravili prava otkrića u pejzažnom slikarstvu. Aleksej Kondratijevič Savrasov (1830-1897) uspeo je da pokaže lepotu i suptilnu liriku jednostavnog ruskog pejzaža. Njegova slika „Topovi su stigli“ (1871) naterala je mnoge savremenike da iznova pogledaju svoju zavičajnu prirodu.
Fjodor Aleksandrovič Vasiljev (1850-1873) živio je kratak život. Njegov rad, koji je prekinut na samom početku, obogatio je rusko slikarstvo nizom dinamičnih, uzbudljivih pejzaža. Umjetnik je bio posebno dobar u prijelaznim stanjima u prirodi: od sunca do kiše, od zatišja do oluje.
Pjevač ruske šume, epske širine ruske prirode, postao je Ivan Ivanovič Šiškin (1832-1898). Arhipa Ivanoviča Kuindžija (1841-1910) privukla je slikovita igra svjetlosti i zraka. Tajanstvena svjetlost mjeseca u rijetkim oblacima, crveni odsjaji zore na bijelim zidovima ukrajinskih koliba, kosi jutarnji zraci koji se probijaju kroz maglu i igraju se u lokvama na blatnjavom putu - ova i mnoga druga slikovita otkrića zabilježena su na njegovim platnima.
Rusko pejzažno slikarstvo 19. stoljeća dostiglo je vrhunac u radu Savrasovljevog učenika Isaka Iljiča Levitana (1860-1900). Levitan je majstor mirnih, tihih pejzaža. Vrlo plah, stidljiv i ranjiv čovjek, znao je da se opusti samo s prirodom, prožet raspoloženjem svog omiljenog krajolika.
Jednog dana došao je na Volgu da slika sunce, vazduh i rečna prostranstva. Ali nije bilo sunca, beskrajni oblaci su puzali po nebu, a dosadne kiše su prestale. Umjetnik je bio nervozan dok se nije uključio u ovo vrijeme i otkrio poseban šarm lila boja ruskog lošeg vremena. Od tada su se Gornja Volga i provincijski grad Ples čvrsto učvrstili u njegovom radu. U tim krajevima stvara svoja „kišna“ dela: „Posle kiše“, „Turan dan“, „Iznad večnog mira“. Tu su naslikani i mirni večernji pejzaži: „Veče na Volgi“, „Veče. Zlatni domet“, „Večernji zvon“, „Tiho prebivalište“.
Posljednjih godina svog života, Levitan je skrenuo pažnju na rad francuskih umjetnika impresionista (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Shvatio je da s njima ima mnogo toga zajedničkog, da njihova kreativna traganja idu u istom pravcu. Kao i oni, on je više volio da radi ne u studiju, već u vazduhu (na otvorenom, kako kažu umetnici). Poput njih, posvijetlio je paletu, odagnavši tamne, zemljane boje. Poput njih, nastojao je da uhvati prolaznu prirodu postojanja, da prenese kretanje svjetlosti i zraka. U tome su otišli dalje od njega, ali su gotovo rastvorili volumetrijske oblike (kuće, drveće) u strujama laganog zraka. Izbjegavao je to.
„Levitanove slike zahtevaju polagano gledanje“, napisao je K. G. Paustovsky, veliki poznavalac njegovog dela, „ne zapanjuju oko. Oni su skromni i precizni, poput Čehovljevih priča, ali što ih duže gledate, tišina provincijskih gradova, poznatih rijeka i seoskih puteva postaje slađa.”
U drugoj polovini 19. veka. obilježava kreativni procvat I. E. Repina, V. I. Surikova i V. A. Serova.
Ilja Efimovič Repin (1844-1930) rođen je u gradu Čugujev, u porodici vojnog doseljenika. Uspeo je da uđe na Akademiju umetnosti, gde mu je učitelj bio P. P. Čistjakov, koji je obučio čitavu plejadu poznatih umetnika (V. I. Surikov, V. M. Vasnjecov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin je takođe mnogo naučio od Kramskog. Godine 1870. mladi umjetnik je putovao Volgom. Koristio je brojne skice donesene sa putovanja za sliku „Teglenice na Volgi“ (1872). Ostavila je snažan utisak na javnost. Autor se odmah popeo u red najpoznatijih majstora.
Repin je bio vrlo svestran umjetnik. Njegovom kistu pripada niz monumentalnih žanrovskih slika. Možda ništa manje impresivna od “Barge Haulers” je “Religijska procesija u Kurskoj guberniji”. Jarko plavo nebo, oblaci cestovne prašine probijeni suncem, zlatni sjaj krstova i odeždi, policija, obični ljudi i bogalji - sve stane na ovo platno: veličina, snaga, slabost i bol Rusije.
Mnogi Repinovi filmovi bavili su se revolucionarnim temama ("Odbijanje priznanja", "Nisu očekivali", "Hapšenje propagandiste"). Revolucionari na njegovim slikama ponašaju se jednostavno i prirodno, izbjegavajući teatralne poze i gestove. Na slici “Odbijanje priznanja” činilo se da je osuđeni na smrt namjerno sakrio ruke u rukave. Umjetnik je jasno simpatizirao s likovima na svojim slikama.
Nekoliko Repinovih slika napisano je na povijesne teme („Ivan Grozni i njegov sin Ivan“, „Kozaci sastavljaju pismo turskom sultanu“ itd.). Repin je stvorio čitavu galeriju portreta. Slikao je portrete naučnika (Pirogova i Sečenova), pisaca Tolstoja, Turgenjeva i Garšina, kompozitora Glinke i Musorgskog, umetnika Kramskog i Surikova. Početkom 20. vijeka. dobio je narudžbu za sliku „Svečana sednica Državnog saveta“. Umjetnik je uspio ne samo kompoziciono smjestiti tako veliki broj prisutnih na platno, već i mnogima od njih dati psihološke karakteristike. Među njima su bile poznate ličnosti poput S.Yu. Witte, K.P. Pobedonostsev, P.P. Semenov Tian-Shansky. Nikola II je jedva primjetan na slici, ali je prikazan vrlo suptilno.
Vasilij Ivanovič Surikov (1848-1916) rođen je u Krasnojarsku, u kozačkoj porodici. Vrhunac njegovog stvaralaštva bio je 80-ih godina, kada je stvorio svoje tri najpoznatije istorijske slike: „Jutro pogubljenja u Strelcima“, „Menšikov u Berezovu“ i „Bojarina Morozova“.
Surikov je dobro poznavao život i običaje prošlih epoha i mogao je dati živopisne psihološke karakteristike. Osim toga, bio je odličan kolorista (majstor boja). Dovoljno je prisjetiti se blistavo svježeg, svjetlucavog snijega u filmu “Boyaryna Morozova”. Ako se približite platnu, snijeg kao da se „smrvi“ u plave, svijetloplave i ružičaste poteze. Ovu slikarsku tehniku, kada se dva ili tri različita poteza spajaju na daljinu i daju željenu boju, naširoko su koristili francuski impresionisti.
Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911), sin kompozitora, slikao je pejzaže, platna na istorijske teme, radio je kao pozorišni umetnik. Ali slavu su mu donijeli prvenstveno njegovi portreti.
Godine 1887, 22-godišnji Serov je bio na odmoru u Abramcevu, dači filantropa S. I. Mamontova u blizini Moskve. Među mnogobrojnom decom, mladi umetnik je bio svoj čovek, učesnik u njihovim bučnim igrama. Jednog dana posle ručka, dve osobe su se slučajno zadržale u trpezariji - Serov i 12-godišnja Veruša Mamontova. Sjeli su za sto na kojem su bile breskve, a tokom razgovora Verusha nije primijetila kako je umjetnica počela da skicira njen portret. Posao je trajao mesec dana, a Veruša je bila ljuta što ju je Anton (kako su kod kuće zvali Serov) terao da satima sedi u trpezariji.
Početkom septembra završena je "Devojka sa breskvama". Unatoč svojoj maloj veličini, slika, obojena u ružičasto-zlatnim tonovima, djelovala je vrlo “prostrano”. U njemu je bilo puno svjetlosti i zraka. Devojčica, koja je sedela za sto, činilo se kao jedan minut i uprla pogled u posmatrača, očarala je svojom jasnoćom i duhovnošću. I cijelo je platno bilo prekriveno čisto djetinjastim poimanjem svakodnevice, kada sreća nije svjesna sebe, a cijeli život je pred nama.
Stanovnici kuće Abramcevo, naravno, shvatili su da se pred njihovim očima dogodilo čudo. Ali samo vrijeme daje konačne procjene. Stavila je „Devojku sa breskvama“ među najbolje portretne radove u ruskom i svetskom slikarstvu.
Sledeće godine, Serov je uspeo skoro da ponovi svoju magiju. Naslikao je portret svoje sestre Marije Simonović („Djevojka obasjana suncem“). Ime je pomalo netačno: djevojka sjedi u hladu, a zraci jutarnjeg sunca obasjavaju čistinu u pozadini. Ali na slici je sve tako sjedinjeno, tako sjedinjeno - jutro, sunce, ljeto, mladost i ljepota - da je teško smisliti bolje ime.
Serov je postao moderan slikar portreta. Pred njim su pozirali poznati pisci, glumci, umjetnici, poduzetnici, aristokrate, čak i kraljevi. Očigledno, nisu svi koje je napisao imao srce za to. Neki portreti visokog društva, uprkos filigranskoj tehnici izvođenja, ispali su hladni.
Serov je nekoliko godina predavao na Moskovskoj školi za slikarstvo, vajarstvo i arhitekturu. Bio je zahtjevan nastavnik. Protivnik zamrznutih oblika slikarstva, Serov je istovremeno smatrao da kreativna traganja treba da se zasnivaju na čvrstom vladanju tehnikama crtanja i slikovnog pisanja. Mnogi istaknuti majstori sebe su smatrali učenicima Serova. Ovo je M.S. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznjecov, K. S. Petrov-Vodkin.
Mnoge slike Repina, Surikova, Levitana, Serova i "Lutalaca" završile su u kolekciji Tretjakova. Pavel Mihajlovič Tretjakov (1832-1898), predstavnik stare moskovske trgovačke porodice, bio je neobična osoba. Mršav i visok, guste brade i tihog glasa, više je ličio na sveca nego na trgovca. Počeo je da sakuplja slike ruskih umetnika 1856. Njegov hobi je prerastao u glavni posao njegovog života. Početkom 90-ih. zbirka je dostigla nivo muzeja, apsorbujući gotovo čitavo bogatstvo kolekcionara. Kasnije je postao vlasništvo Moskve. Tretjakovska galerija je postala svjetski poznati muzej ruskog slikarstva, grafike i skulpture.
Godine 1898. otvoren je Ruski muzej u Sankt Peterburgu, u Mihailovskoj palati (kreacija K. Rossija). Dobila je radove ruskih umjetnika iz Ermitaža, Akademije umjetnosti i nekih carskih palata. Otvaranje ova dva muzeja kao da je krunisalo dostignuća ruskog slikarstva 19. veka.

Slikarstvo prve polovine 19. veka Prva polovina 19. veka je svetla stranica ruske kulture. Svi pravci - slikarstvo, književnost, arhitektura, skulptura, pozorište ove epohe obilježeni su čitavom plejadom imena koja su ruskoj umjetnosti donijela svjetsku slavu.

Slikarstvo je u prvoj polovini 19. veka bilo od velikog značaja u životu društva. Razvoj nacionalne samosvesti, izazvan pobedom u Otadžbinskom ratu 1812. godine, povećao je interesovanje naroda za nacionalnu kulturu i istoriju, za domaće talente. Kao rezultat toga, tokom prve četvrtine veka, prvi put su nastale javne organizacije, čiji je glavni zadatak bio razvoj umetnosti: Slobodno društvo ljubitelja književnosti, nauke i umetnosti, Društvo za podsticanje umjetnika. Pojavili su se posebni časopisi, a napravljeni su i prvi pokušaji prikupljanja i prikazivanja ruske umjetnosti. Mali privatni „Ruski muzej“ P. Svinina je stekao slavu, a Ruska galerija je nastala u Carskoj Ermitažu 1825. godine. Od početka veka praksa Akademije umetnosti obuhvata periodične izložbe koje su privlačile brojne posetioce. Istovremeno, ulazak na ove izložbe u određene dane običnih ljudi bio je veliki uspjeh.

Na samom početku 19. stoljeća klasicizam je imao značajnu ulogu u slikarstvu. Međutim, do 1830-ih, ovaj pravac je postupno gubio svoj društveni značaj i sve se više pretvarao u sistem formalnih kanona i tradicija. Romantizam, evropski pokret koji se pojavio na prelazu iz 18. u 19. vek, doneo je novinu u rusku umetnost. Jedan od glavnih postulata romantizma, suprotan klasicizmu, jeste afirmacija ličnosti, njegovih misli i pogleda na svet kao glavne vrednosti u umetnosti. Osiguravanje čovjekovog prava na ličnu nezavisnost izazvalo je poseban interes za njegov unutrašnji svijet, a istovremeno je pretpostavljalo umjetnikovu slobodu stvaralaštva. U Rusiji je romantizam dobio svoju posebnost: početkom veka imao je herojsku konotaciju, a u godinama Nikolajeve reakcije imao je tragičnu konotaciju. Imajući kao svoju osobenost poznavanje određene ličnosti, romantizam je postao osnova za potonji nastanak i formiranje realističkog pokreta, koji se u umjetnosti etablirao u drugoj polovini 19. stoljeća. Karakteristično obilježje realizma bilo je njegovo obraćanje temi modernog narodnog života, uspostavljanje novih tema u umjetnosti seljačkog života. Ovdje je, prije svega, potrebno napomenuti ime umjetnika A.G. Venetsianova. Najrealističnija otkrića prve polovine 19. stoljeća odrazila su se 1960-ih u radovima P.A. Fedotova.

Portret se odlikuje izuzetnim dostignućima ruske umetnosti prve polovine 19. veka. Ruski portret je žanr slikarstva koji je najdirektnije povezao umetnike sa društvom, sa izuzetnim savremenicima. Procvat portretiranja povezan je s potragom za novim principima umjetničkog stvaralaštva i širenjem romantizma u Rusiji. Romantizam je svojstven portretima O.A.Kiprenskog, V.A.Tropinina, K.P. Najpoznatiji slikari portreta ovog vremena su O.A. i Tropinin V.A. Kiprensky O.A. “Autoportret” Tropinin V.A. "Autoportret", 1846

Kiprensky O.A. (). Posebna stranica u ruskom slikarstvu su umjetnici ženski portreti. Svaki njegov portret pleni uvidom u duhovne dubine slike, jedinstvenom originalnošću izgleda i odličnim izvođačkim umijećem. Najpoznatiji portreti E.S. Avdulina (1822), E.A. Telešova (1828), D.N. Rep (1814). Jedan od vrhunaca rada Oresta Adamoviča je portret E.P. Rostopčina (1809). Portret E.S.Avduline Portret E.A.Teleshove Portret D.N.Khvostove Portret E.P.Rostopchine

Poznati portret pjesnika A.S. Puškin (jedno od najboljih životnih djela) Kiprenskog. Sam pjesnik je o ovoj slici napisao: „Vidim se kao u ogledalu. Ali ovo ogledalo mi laska.” Portret doživotnog husarskog pukovnika E.V.Davydova (1809). Slika Davidova, koju je stvorio Kiprenski, pojavljuje se pred gledateljem kao simbol ere ratova s ​​Napoleonom, uoči Domovinskog rata 1812.

Tropinin Vasilij Andrejevič (). Sin kmeta, i sam kmet do 1823. Sposobnost crtanja pojavila se u djetinjstvu, studirao je na Akademiji umjetnosti u Sankt Peterburgu, pokazao je briljantan akademski uspjeh i dobio srebrne i zlatne medalje. Ali majstor ga je poslao na ukrajinsko imanje, gdje je umjetnik živio oko 20 godina, slikao, gradio i oslikavao crkvu. Tropinin V.A. naslikao ogroman broj portreta, ne samo poznatih i slavnih ljudi, već i predstavnika naroda. Posebna pažnja posvećena je životnim portretima velikog pjesnika A.S. Puškina i heroja Otadžbinskog rata 1812. "Portret Bagrationa P.I." "Portret A.S. Puškina", 1827

Na portretima svojih savremenika, ljudi iz naroda, umetnik pokazuje unutrašnju lepotu čoveka. Dakle, u filmu "Čipkarica" ​​Tropinin V.A. uspio pronaći rijedak sklad fizičke i moralne ljepote, socijalnu sigurnost tipa djevojke iz naroda i poeziju slike. „Čipkarica“ je tipična za rusko slikarstvo iz perioda pre Peredvižnika: tradicije 18. veka ovde su isprepletene sa znakovima nove ere. „Djevojka sa loncem ruža“, 1820. „Gitarista“, 1823. „Čipkarica“, 1823. „Zlatna krojačica“, 1826.

Karl Pavlovič Brjulov () bio je jedan od najsjajnijih i istovremeno kontroverznih umjetnika ruskog slikarstva 19. stoljeća. Brjulov je imao briljantan talenat i nezavisan način razmišljanja. Odrastao je u porodici umjetnika, od djetinjstva je bio strastven za slikarstvo, a sa 10 godina upisao je Akademiju umjetnosti. Godine 1822. Karl Brjulov odlazi u Rim da proučava umjetnost renesansnih majstora. “Autoportret”, 1834. “Autoportret”, 1848. “Portret grofice Ju P. Samojlove sa usvojenom kćerkom Amazilijom Pacini” “Portret Alekseja Tolstoja”, 1832.

Tokom italijanskog perioda svog stvaralaštva, Brjulov je posvetio značajnu pažnju portretu i naslikao čuvenu portretnu sliku „Konjanica“. Na slici "Italijansko jutro" nije se okrenuo istorijskim i mitološkim temama, već svakodnevnom prizoru berbe grožđa. Godine 1836. Karl Pavlovič Brjulov je postao profesor na Akademiji umetnosti u Sankt Peterburgu, predavao na Akademiji, a tokom tog perioda je takođe naslikao oko 80 portreta. „Sreća Svetlana“, 1836. „Jahačica“, 1832. „Italijansko popodne“, 1832. „Portret sestara Šišmarev, 1839.

Istorijski žanr smatran je najvišim u Akademiji. Najbolja djela ovog žanra bila su djela K.P. Bryullova, uključujući "Posljednji dan Pompeja". Ova slika je upečatljiv primjer akademske umjetnosti, ali elementi romantizma su već vidljivi.

Istorija nastanka slike "Posljednji dan Pompeja". Godine 1827., na jednom od prijema, umjetnik je upoznao groficu Juliju Pavlovnu Samoilovu, koja je postala njegov umjetnički ideal, najbliži prijatelj i ljubav. Zajedno s njom, Karl odlazi u Italiju da pregleda ruševine drevnih gradova Pompeja i Herkulaneuma, koji su uništeni erupcijom vulkana 79. godine nove ere. e. Impresioniran opisom očevica tragedije rimskog pisca Plinija Mlađeg, Brjulov je shvatio da je pronašao temu za svoje sljedeće djelo. Umjetnik je tri godine prikupljao materijal u arheološkim muzejima i iskopavanjima tako da je svaki predmet naslikan na platnu odgovarao epohi. Sav rad na slici trajao je šest godina. U procesu rada na slici napravljeno je mnogo skica, nacrta, skica, a sama kompozicija je više puta obnavljana. Kada je djelo predstavljeno široj javnosti sredinom 1833. godine, izazvalo je eksploziju divljenja i divljenja umjetniku. Ranije nijedna slika iz ruske slikarske škole nije postigla takvu evropsku slavu. Godine 1834, na izložbama u Milanu i Parizu, uspeh slike bio je neverovatan. U Italiji je Brjulov izabran za počasnog člana nekoliko umjetničkih akademija, a u Parizu je nagrađen zlatnom medaljom. Uspjeh filma bio je predodređen ne samo uspješno pronađenom radnjom, koja odgovara romantičnoj svijesti tog doba, već i načinom na koji Brjulov dijeli gomilu umirućih ljudi na lokalne grupe, od kojih svaka ilustruje jedan ili drugi afekt - ljubav, samopožrtvovanje, očaj, pohlepa. Sila prikazana na slici, koja uništava sve oko sebe, zadire u harmoniju ljudske egzistencije, izazvala je kod savremenika razmišljanja o krizi iluzija, o neispunjenim nadama. Ova slika je umjetniku donijela svjetsku slavu. Naručilac slike, Anatolij Demidov, poklonio ju je caru Nikolaju I.

Ivanov Aleksandar Andrejevič (gg.) Posebno mjesto u istorijskom žanru zauzima monumentalno platno A.A. Ivanova „Pojavljivanje Hrista narodu“, na kojem je radio 20 godina. Izveden u skladu sa osnovnim normama klasičnog slikarstva, kombinuje ideale romantizma i realizma. Glavna ideja slike je povjerenje u potrebu moralne obnove ljudi.

Istorija nastanka slike "Pojava Hrista ljudima". Godine 1833. (od 1830. do 1858. umjetnik je živio u Italiji), Aleksandar Andrejevič je osmislio ideju o novoj monumentalnoj slici. Ova svetski poznata slika postala je vrhunac njegovog stvaralaštva u potpunosti je otkrila umetnikov moćni talenat. Rad na slici zaokupio je sve umetnikove misli i vreme; Urađeno je više od tri stotine pripremnih skica iz prirode i albumskih skica, od kojih su mnogi postali samostalni radovi. Radeći na slici, Ivanov je ponovo čitao literaturu o istoriji, filozofiji, religijskim učenjima, te je nekoliko puta preispitao koncept i zaplet. U Italiji se umjetnik našao u teškoj finansijskoj situaciji. Ivanov je živio od beneficija koje je uspio dobiti od raznih institucija ili pokrovitelja. Štedio je na svakoj sitnici. Aleksandar Andrejevič je potrošio gotovo sav novac koji je uspio dobiti na održavanje ogromne radionice, kupovinu umjetničkog materijala i plaćanje modela. Nakon nekoliko pauza u radu na slici, umjetnik ju je konačno završio do 1857. godine. Ali slika „Pojavljivanje Hrista ljudima“, koju je umetnik prikazao nakon povratka u Rusiju 1857. godine, prvo u Zimskom dvorcu, a zatim na Akademiji umetnosti, primljena je prilično suzdržano.

O portretnoj umjetnosti umjetnika Ivanova A.A. O tome svedoči portret N. V. Gogolja, naslikan 1841. godine, sa kojim je slikar imao blisko prijateljstvo. Slika iz „italijanskog“ perioda slikarevog stvaralaštva „Pojava Hrista Mariji Magdaleni posle vaskrsenja“, na kojoj je radio od 1834. do 1836. godine. Ovo platno je poslano u Sankt Peterburg, gdje je dobilo pozitivne kritike. Slika je postavljena u umjetničkoj galeriji Ermitaž. Vijeće Akademije je cijenilo umjetnikov rad, koji je striktno bio u skladu s klasičnim kanonima, i dodijelio mu titulu akademika.

Autoportret, 1848. Fedotov Pavel Andrejevič (). Osnivač kritičkog realizma u ruskom slikarstvu. U svojim žanrovskim slikama izražavao je velike društvene probleme. Tokom djetinjstva studirao je u Prvom moskovskom kadetskom korpusu. Zahvaljujući svom fenomenalnom pamćenju, Pavel je dobro učio, nauka mu je lako došla. Već tada, u prvim godinama studija, Fedotov je pokazao želju za slikanjem. S vremenom je crtanje preraslo u strast. Prvi Fedotovljevi radovi odnosili su se na vojne teme. Upisuje Akademiju umjetnosti. Nije u potpunosti prihvatio sve što se učilo na Akademiji, što je odredilo formiranje njegovog vlastitog pogleda na slikarstvo, drugačijeg od zamrznutih kanona akademizma. Nakon odlaska u penziju, umjetnik stvara talentovana djela društvenog smjera, pokazujući autorovu kritičku poziciju u odnosu na stvarnost.

“Svježi gospodin”, 1846. “Probirljiva nevjesta”, 1847. Prvi rad umjetnika P.A. Fedotova, naslikan uljem - “Svježi gospodin” - datira iz 1846. Ova žanrovska slika dopala se i akademskim profesorima i demokratskim gledaocima. Godinu dana kasnije, Fedotov je naslikao još jednu sliku, "Probirljiva nevesta". Uz direktno učešće Brjulova, ove dvije slike su prihvaćene za akademsku izložbu 1847.

"Majorovo provodadžisanje", 1851. Za kasniju sliku "Majorovo provodadžisanje" Vijeće Akademije dodijelilo je Pavlu Andrejeviču titulu akademika. Portreti su zauzimali značajno mesto u Fedotovljevom stvaralaštvu, od kojih se izdvaja „Portret N. Ždanoviča“, naslikan 1849. godine. „Portret N. Ždanoviča za klavirom“, 1849

Venetsianov Aleksej Gavrilovič (), osnivač domaćeg svakodnevnog žanra (žanrovsko slikarstvo). Njegove slike poetizirale su život običnih ruskih ljudi i bile su posvećene svakodnevnom radu i životu seljaka. “Autoportret”, 1811. Rođen u Moskvi, u porodici trgovca. Studirao je u privatnom pansionu, služio je u poštanskom odjelu, a od djetinjstva je volio slikati. Bio je učenik poznatog umjetnika V.L. Borovikovsky. Godine 1811. A.G. Venetsianov je izabran za akademika Akademije umjetnosti u Sankt Peterburgu.

Godine 1818. Venetsianov je napustio državnu službu, oženio se i preselio se sa porodicom u imanje Safonkovo, koje je pripadalo njegovoj novoj ženi. Tu, daleko od gradske vreve, Aleksej Gavrilovič pronalazi glavnu temu svog rada. Venetsianov otkriva nepresušni izvor inspiracije, mnoštvo tema i slika. Ogroman doprinos Alekseja Gavriloviča Venecijanova razvoju ruskog slikarstva je stvaranje sopstvene škole, sopstvenog metoda. Od privatnih portreta seljaka, umjetnik dolazi do veličanstvenih umjetničkih kompozicija u kojima narodni život, njegova aura, nalazi svoj raznobojni izraz. Godine 1822., po prvi put je caru predstavljen rad umjetnika A.G. Venetsianova. Slikar je za to dobio hiljadu rubalja, a sam rad je postavljen u Dijamantsku sobu Zimskog dvora. Naziv slike je bio "Čišćenje cvekle". Ovo platno postalo je svojevrsna "prekretnica" u ruskom slikarstvu, pojava novog smjera u ruskoj umjetnosti svakodnevnog žanra. Upravo je Venetsianov postigao popularnost ovog stila slikanja među ljudima.

Aleksej Gavrilovič je 1820-ih naslikao nekoliko malih slika, takozvanih „seljačkih portreta“, koje prikazuju devojke sa vrčem mleka, kosom, cveklom, kukurijem, dečaka sa sekirom ili koji spava pod drvetom, starca ili starca. stara zena. „Djevojka u marami“, 1810. „Zaharka“ „Djevojka sa teglom mlijeka“, 1824. Seljanka sa kukurijem.

“Na oranicama. Proleće." 1820. Na žetvi. Ljeto. Treba napomenuti posebnost slika seljanki, karakterističnih za mnoge umjetničke slike: njihovo veličanstvo, mirno dostojanstvo, poslovni izraz lica. Prototip seljanke za sliku „Na oranici. Proleće” služila je kao supruga umetnika. Ona je mlada, vitka žena u dugoj haljini, koja vodi dva konja preko polja. Ništa manje poznata je slika „Na žetvi. Ljeto". Ovo djelo odlikuje harmonija umjetničkih slika: ljubav Venetsianova prema radnom seljačkom narodu omogućila mu je da u njemu prikaže pravu ljepotu.

Provjerimo vaša znanja: 1. Koji su umjetnički pravci koegzistirali u slikarstvu u prvoj polovini 19. stoljeća: A) klasicizam, sentimentalizam, realizam B) realizam, apstrakcionizam, sentimentalizam C) klasicizam, romantizam, realizam 2. Koji umjetnik je naslikao portret A.S. Puškina, o čemu je pesnik rekao: „Vidim sebe kao u ogledalu. Ali ovo ogledalo mi laska”: A) Kiprenski B) Tropinin D) Venecijanov 3. Koji je od umetnika prve polovine 19. veka osnivač domaćeg svakodnevnog žanra u slikarstvu: A) Brjulov B) Venecijanov D) Fedotov 4. Ko je od umetnika prve polovine 19. veka osnivač kritičkog realizma u ruskom slikarstvu: A) Tropinin B) Fedotov C) Ivanov A.A.

Odgovori: 1.B) klasicizam, romantizam, realizam 2.A) Kiprenski 3.B) Venecijanov 4.B) Fedotov 5.K.P. Brjulov “Posljednji dan Pompeja” 6. A.G. Venetsianov “Na oranicama. Proljeće" 7.P.A. Fedotov “Fresh Cavalier” 8.A.A. Ivanov „Pojavljivanje Hrista narodu“ 9.V.A. Tropinin “Čipkarica” 10. O.A. Kiprenskog „Portret A.S. Puškin"

Uvod

U prvoj polovini 19. veka pojačava se kriza feudalno-kmetskog sistema, koja je kočila formiranje kapitalističkog sistema. Slobodoljubive ideje se šire i produbljuju u progresivnim krugovima ruskog društva. Događaji Domovinskog rata, pomoć ruskih trupa u oslobađanju evropskih država od Napoleonove tiranije, pogoršali su patriotska i slobodoljubiva osjećanja. Kritikuju se svi osnovni principi feudalno-kmetske države. Postaje jasno da su nade u promjenu društvene stvarnosti kroz vladine aktivnosti prosvijećene osobe iluzorne. Dekabristički ustanak 1825. bio je prvi oružani ustanak protiv carizma. Imao je ogroman uticaj na rusku progresivnu umetničku kulturu. Ovo doba rodilo je briljantnu kreativnost A. S. Puškina, narodnu i univerzalnu, punu snova o slobodi.

Likovna umjetnost prve polovine 19. vijeka ima unutrašnju zajednicu i jedinstvo, jedinstveni šarm svijetlih i humanih ideala. Klasicizam je obogaćen novim obilježjima njegove snage se najjasnije očituju u arhitekturi, istorijskom slikarstvu, a dijelom i u skulpturi. Percepcija kulture antičkog svijeta postala je historijskija nego u 18. vijeku i demokratskija. Zajedno s klasicizmom, romantični pravac je dobio intenzivan razvoj i počeo se oblikovati nova realistička metoda.

Nakon gušenja ustanka dekabrista, autokratija je uspostavila brutalni reakcionarni režim. Njegove žrtve su A. S. Puškin, M. Yu Ljermontov, T. G. Ševčenko i mnogi drugi. Ali Nikolaj I nije mogao suzbiti nezadovoljstvo naroda i napredne društvene misli. Oslobodilačke ideje su se širile, obuhvatajući ne samo plemstvo, već i običnu inteligenciju, koja je počela igrati sve značajniju ulogu u umjetničkoj kulturi. V. G. Belinski je postao osnivač ruske revolucionarno-demokratske estetike, koja je utjecala na umjetnike. Pisao je da je umjetnost oblik nacionalne samosvijesti, te vodio ideološku borbu za stvaralaštvo koje je blisko životu i društveno vrijedno.

Ruska umjetnička kultura prve trećine 19. stoljeća oblikovala se u periodu društvenog uspona povezanog s herojskim događajima u Otadžbinskom ratu 1812. i razvojem antikmetskih i slobodarskih ideja preddekabrističkog perioda. U to vrijeme, sve vrste likovne umjetnosti i njihova sinteza dostigle su briljantan procvat.

U drugoj trećini 19. stoljeća umjetnost je zbog pojačane reakcije vlasti u velikoj mjeri izgubila ona progresivna obilježja koja su joj ranije bila karakteristična. Klasicizam se do tog vremena u suštini iscrpio. Arhitektura ovih godina krenula je putem eklekticizma - vanjske upotrebe stilova iz različitih epoha i naroda. Skulptura je izgubila na značaju svog sadržaja; Obećavajuća traganja su se pojavila samo u skulpturi malih oblika, kao iu slikarstvu i grafici, realistički principi su rasli i jačali, afirmirajući se uprkos aktivnom otporu predstavnika zvanične umjetnosti.

Klasicizam je u prvoj polovini 19. veka, u skladu sa romantičarskim trendovima, stvarao slike koje su bile uzvišene, duhovne i emocionalno uzvišene. Međutim, pozivanje na živu neposrednu percepciju prirode i uništavanje sistema takozvanih visokih i niskih žanrova već je u suprotnosti sa akademskom estetikom, zasnovanom na klasicističkim kanonima. Upravo je romantični pravac ruske umetnosti prve trećine 19. veka pripremio razvoj realizma u narednim decenijama, jer je u izvesnoj meri približavao romantičare stvarnosti, jednostavnom stvarnom životu. To je bila unutrašnja suština kompleksnog umjetničkog pokreta cijele prve polovine 19. stoljeća. Nije slučajno da se krajem ovog perioda u slikarstvu i grafici formira satirični svakodnevni žanr. Općenito, umjetnost ove etape - arhitektura, slikarstvo, grafika, skulptura, primijenjena i narodna umjetnost - izuzetan je fenomen pun originalnosti u povijesti ruske umjetničke kulture. Razvijajući progresivne tradicije prošlog veka, stvorio je mnoga veličanstvena dela velike estetske i društvene vrednosti, dajući doprinos svetskoj baštini.

Važan dokaz promjena koje su se dešavale u ruskoj umjetnosti u prvoj polovini 19. stoljeća bila je želja širokih krugova gledatelja da se upoznaju sa izložbama. Godine 1834., Northern Bee je, na primjer, izvijestila da je želja da se vidi "Posljednji dan Pompeja" K. P. Brjulova zahvatila stanovništvo Sankt Peterburga i proširila se "u svim uslovima i klasama". Ova slika je, kako su tvrdili savremenici, u velikoj meri poslužila da „našu publiku približi umetničkom svetu“.

Devetnaesto stoljeće također se odlikovalo širenjem i produbljivanjem veza između ruske umjetnosti ne samo sa životom, već i s umjetničkim tradicijama drugih naroda koji nastanjuju Rusiju. U djelima ruskih umjetnika počeli su se pojavljivati ​​motivi i slike nacionalnih predgrađa, Sibira. Nacionalni sastav studenata na ruskim umjetničkim ustanovama postao je raznolikiji. Na Akademiji umjetnosti, na Moskovskoj školi za slikarstvo, vajarstvo i arhitekturu, osnovanoj 1830-ih, studirali su porijeklom iz Ukrajine, Bjelorusije, baltičkih država, Zakavkazja i srednje Azije.

U drugoj polovini 19. i početkom 20. veka samo su pojedini majstori, a pre svega A. A. Ivanov, izazivali interesovanje za umetnički svet Rusije. Tek u godinama sovjetske vlasti umjetnost ovog perioda dobila je široko priznanje. Poslednjih decenija sovjetska istorija umetnosti posvećuje veliku pažnju proučavanju dela majstora prve polovine 19. veka, posebno u vezi sa velikim jubilarnim izložbama A. G. Venecijanova, A. A. Ivanova, O. A. Kiprenskog i 225. Akademije umjetnosti SSSR-a.

RUSKA UMETNOST 19. VEKA

Prva polovina 19. veka - doba procvata ruske umjetničke kulture, koja je dobila svjetsko priznanje. U tom periodu nastala je najveća literatura po svom značaju (A.S. Puškin, A.S. Gribojedov, I.A. Krilov, N.V. Gogolj, M.Ju. Ljermontov, V.A. Žukovski, E.A. .Baratinskij, D.V.Venevitinov.G.), muzika (M.I.I. arhitektura (A.N.Voronikhin, A.D.Zakharov, K.I.Rossi)! slikarstvo (O.A. Kiprenski, K.P. Brjulov, A.A. Ivanov, P.A. Fedotov).

Ovaj procvat svih vrsta umjetnosti uvelike je bio posljedica porasta patriotskih osjećaja ruskog naroda u ratu s Napoleonom, rasta nacionalne samosvijesti i razvoja progresivnih, oslobodilačkih ideja decembrista. Čitavo „zlatno doba“ ruske kulture obilježeno je građanskom strašću i vjerom u veliku sudbinu čovjeka.

Arhitektura

Smatra se da je u Aleksandrovsko doba ruska arhitektura dostigla svoj vrhunac. Za razliku od "Katerininog klasicizma", glavna stvar u stilu "Aleksandarovog klasicizma" bila je želja za monumentalnošću, krajnjom jednostavnošću oblika, čak i asketizmom, u skladu s dorskim redom antičke Grčke.

Za vreme vladavine Aleksandra I u Sankt Peterburgu je izgrađen značajan deo izuzetnih arhitektonskih objekata, koji su postali spomenici arhitekture ruskog klasicizma. Istovremeno, uloga Aleksandra u formiranju klasicističkog izgleda Sjeverne Palmire uspoređena je s ulogom Perikla u izgradnji atinske Akropole. Takve zgrade su Kazanska katedrala i Rudarski institut, ansambl pljuvačke Vasiljevskog ostrva sa zgradom razmene i rostralnim stubovima, kao i Admiralitet.

Kazanska katedrala, čak i na zahtjev Pavla I, trebala je po veličini i izgledu podsjećati na katedralu sv. Petar je u Rimu. To je dovelo do prisustva kolonade, koja nejasno podsjeća na kolonadu njenog rimskog prototipa: njena dva krila, zakrivljena u tlocrtu, sastoje se od sedamdeset i dva korintska stupa koji nose antablaturu s balustradom. Andrej Nikiforovič Voronih" (1759-1814), arhitekta katedrale, vođen urbanističkim principima, postavio je kolonadu na stranu severne fasade, koja je po kanonima crkve sekundarna, ali okrenuta prema Nevskom prospektu, najvažnija gradska saobraćajnica.

Voronjihin je u sastavu Kazanske katedrale razvio one principe urbanog planiranja koji su se razvili još u 18. veku. prilikom postavljanja vjerskih objekata na Nevskom prospektu. Svi su narušili “crvenu liniju” zgrade, stvarajući jaz između kuća, ali su istovremeno stvarali posebne prostorne “pauze”. To su preuzeli i drugi arhitekti koji su radili nakon Voronjihina, a Rosi ga je posebno efektno tumačio u ansamblima Mihailovskog dvorca, izgrađenog za četvrtog sina Pavla I, Mihaila, i Aleksandrijskog teatra.

Kazanska katedrala, koja ima oblik "latinskog krsta" izduženog od zapada prema istoku, krunisana je kupolom na vitkom bubnju u neoklasičnom stilu. U kompoziciji Kazanske katedrale, po prvi put u arhitekturi, skulptura je počela igrati vrlo određenu ulogu u stvaranju slike, u ovom slučaju vojnog spomenika. Tako je potkrovlje bočnih portika kolonade katedrale ukrašeno bareljefima biblijskih scena: istočni je „Mojsije koji teče iz vode iz kamena” (vajar I.P. Martos), zapadni je „Bakarna zmija ” (vajar I.P. Prokofjev). Obje priče istaknule su temu heroja koji priskače u pomoć svom narodu u teškim vremenima, što je važno za estetiku klasicizma. Na bočnim stranama ulaza u nišama nalaze se bronzane skulpture knezova Vladimira i Aleksandra Nevskog, Jovana Krstitelja i Andreja Prvozvanog, koje su takođe pomogle jačanju nacionalno-patriotske teme.

Važnost katedrale kao ratnog spomenika posebno je porasla nakon Otadžbinskog rata 1812. godine. Ispostavilo se da je svečana arhitektura samog zdanja u skladu sa patosom pobjede nad neprijateljem. Iz Kazanske katedrale, nakon svečane molitve, M.I. Kutuzov je otišao u aktivnu vojsku i doveden je ovdje u junu 1813. srce velikog komandanta. U katedrali su postavljeni zarobljeni transparenti i ključevi gradova koji su se predali ruskoj vojsci. Značajna plastična komponenta koja je upotpunila vojnu memorijalnu sliku Kazanske katedrale bili su spomenici M. I. Kutuzova i M. B. katedrale.

Istovremeno sa Kazanskom katedralom, pod vodstvom A.N. Voronihina, podignuta je zgrada Rudarskog instituta, također okružena kolonadom. Kao iu Kazanskoj katedrali, skulpture koje otkrivaju temu zemlje, bogatstva zemljinog podzemlja, bile su bitna plastična komponenta slike Rudarskog instituta i njegove svrhe.

Berza je izgrađena prema projektu Jeanne François Thomas de Thomon (1760-1813) na ražnju Vasiljevskog ostrva i postala je najvažniji orijentir u panorami grada, otvoren prema Nevi. Izdignuta na masivnoj granitnoj podlozi, građevina pravougaone osnove, okružena monumentalnom dorskom kolonadom i pokrivena dvovodnim krovom, savršeno je vidljiva sa velike udaljenosti. Učinivši izgradnju Berze „osom ravnoteže“, Tomas de Tomon je pojednostavio njeno prirodno okruženje: obala Strelke je podignuta dodavanjem zemlje i potisnuta napred za više od sto metara, obala je dobila pravilan simetričan obris, ukrašena sa granitnim zidovima i padinama do rijeke. Strogu simetriju ansambla naglašavaju dvije vertikale - rostralni stupovi koji su služili kao svjetionici. U podnožju stubova, ukrašenih metalnim slikama rostra i sidra, nalaze se alegorijske figure Volge, Dnjepra, Volhova i Neve, a ispred pedimenta Berze kompozicije „Neptun sa dve reke“ (u ispred istočne) i “Plovidba Merkurom i dvije rijeke” (ispred zapadne) ).

Četvrti grandiozni ansambl podignut u eri "Aleksandrovskog klasicizma" bio je Admiralitet, koji je postao simbol pomorske moći Rusije. Admiralitet se nalazio u blizini carske palate i igrao je ključnu ulogu u organizovanju urbanističkog ansambla na kopnenoj strani.

Rekonstrukcija već postojećeg kompleksa povjerena je arhitekti

Admiralitet. Andrej Dmitrijevič Zaharov (1761-1811). Sačuvavši toranj koji je izgradio I.K. Korobov, Zaharov ju je ogradio novim zidovima, stvarajući troslojnu kompoziciju: teška i stabilna baza sa lukom čini prvi sloj, iz kojeg raste lagana jonska kolonada sa entablaturom. skulpture - drugi nivo. Iznad kolonade uzdiže se zid sa kupolom trećeg reda, na čijem je vrhu pozlaćeni toranj od 72 metra sa slikom jedrenjaka na vrhu. Prednjici Admiraliteta ispunjeni su bareljefima. Zgradu je ukrašavala i okrugla skulptura, uklonjena na zahtjev crkvenih vlasti kada je podignuta crkva u jednoj od zgrada Admiraliteta. Glavna tema skulpturalnog ukrasa (vajar I.I. Terebenev), koncentriran na središnji toranj, bila je veličanje pomorske moći Rusije: na primjer, jedna od skulptura prikazuje Petra Velikog kako od Neptuna prima trozubac, simbol moći na moru, a žena koja je sjedila pod lovorom sa rogom izobilja i toljagom u rukama simbolizirala je Rusiju.

Izgradnjom ovih zgrada, po prvi put u arhitekturi Sankt Peterburga, pojavio se ansambl tako širokog prostornog zvuka. Sivo nebo Sankt Peterburga, horizontale nasipa, bijela dorska kolonada Burze, vertikale karmin-crvenih rostralnih stupova, pozlaćeni tornjevi tvrđave Petra i Pavla i Admiraliteta - sve je to spojeno u kompoziciju neviđenog obima, kakvih nema nigde u svetu.

Karakteristika „Aleksandrovskog klasicizma“ bio je snažan francuski uticaj, a rat s Napoleonom nije nimalo promijenio umjetničke sklonosti cara. Nakon toga, stil "Aleksandrovskog klasicizma" u ruskoj arhitekturi počeo se razvijati u stil carstva.

Empire (“empire stil”) nastao je u Francuskoj i bio je vođen umjetničkim oblicima carskog Rima.

U Rusiji je ovaj stil usvojen nakon pobjede Rusije u Otadžbinskom ratu 1812. odražavao je nove tvrdnje carskog grada, “svjetske prijestonice”. Istorijski paradoks je bio da je nacionalni ponos pobjedničkog ruskog naroda oličen u oblicima stila Napoleonovog carstva poražene Francuske. Istovremeno, u Rusiji su regulacija, simetrija i statičnost svojstvene stilu imperija kombinovani sa smelošću prostornih rešenja i obimom urbanističkog planiranja.

Dekorativni elementi stila carstva Sankt Peterburga sačinjeni su uglavnom od elemenata starorimske vojne opreme: legionarskih značaka sa orlovima, snopova kopalja, štitova, sjekira i snopova strijela. Korišteni su i elementi egipatske ornamentike i skulpture, budući da su umjetničke forme u vrijeme egipatskih faraona, francuskog diktatora i ruskih careva u suštini imale zajedničku ideologiju i stoga su međusobno djelovale prilično organski.

Posebna, “suverena” mitologija i složena imperijalna simbolika bili su, možda, glavna stvar u likovnoj umjetnosti Sankt Peterburga. Štoviše, za razliku od klasičnog dekora, kompozicija u stilu Empire izgrađena je na snažnom kontrastu čistog polja zidne površine i uskih ornamentalnih pojaseva na strogo određenim mjestima. Efekat je naglašen i koloritom karakterističnim za stil Sankt Peterburgskog carstva - blijedožuta za same zgrade i bijela za frontmente, stupove, pilastre i druge detalje arhitektonskog dekora (za razliku od boja stila Napoleonovog carstva - crvena, plava, bijela i zlatna).

Žuta boja arhitekture Empire nije bila proizvoljna. To je bila jedna od najkarakterističnijih osobina ruske vojne kulture - dio cjelokupne kulture carske Rusije. U Sankt Peterburgu je vojna kultura u velikoj mjeri odredila plansku strukturu grada, njegov ukus i ritam života. Arhitektura kasarni i pukovskih katedrala, arene i stražarske kabine, vojne parade i pukovske uniforme - sve je to ostavilo karakterističan pečat na izgled grada.

Samo osnivanje Sankt Peterburga bilo je povezano sa Sjevernim ratom. Raspored grada bio je određen njegovim vojno-strateškim značajem. Prve zgrade bile su tvrđava Petra i Pavla i Admiralitet - vojne zgrade. A kasnije su glavne arhitektonske dominante glavnog grada bile povezane s njegovim vojnim životom: katedrale Preobraženja i Trojice (arhitekt V.P. Stasov) izgrađene su kao pukovske katedrale Preobraženskog i Izmailovskog puka, katedrale Petra i Pavla i Kazan postale su ratni spomenici gdje su čuvani su zarobljeni transparenti, Rumjancevski obelisk, Aleksandrov i Česma stubovi su podignuti u znak sećanja na vojne pobede.

Već prve uspjehe u borbi za izlaz Rusije na Baltičko more obilježila je nova državna regalija - kraljevski standard, na čijem je zlatnom (žutom) polju crni dvoglavi orao u kljunovima držao karte četiri mora. i šape. Zlatna (žuta) boja je korištena kao carska boja u simbolici Svetog Rimskog Carstva. Žuta boja ruskog carskog standarda postala je boja carske garde i prešla u boju vojnih arhitektonskih objekata, kasarni, a zatim je, kao sastavni dio službenog arhitektonskog stila Carstva, postala boja glavnog grada općenito , "boja Sankt Peterburga."

Glavni eksponent ideja ruskog carstva bio je arhitekta Karl Rossi (1775-1849), koji je izgradio trinaest trgova i dvanaest ulica u centru Sankt Peterburga. Pored njegovih perspektiva, trgova, kolonada, moćnih lukova, sve ostalo izgleda kao bojažljiva stilizacija. Samo je „Rusko carstvo“ uspelo da uradi ono što je Petar Veliki nameravao - da stvori imidž carskog grada. Djelo arhitekata K.I.Rosija, V.P.Stasova, O.Montana stvorilo je veličanstvenu cjelinu centralnih trgova Sankt Peterburga, koja nosi obilježja svjetske prestonice. A prvi takav ansambl, jedan od najistaknutijih ne samo u ruskoj nego i u svjetskoj umjetnosti, bio je Dvorski trg, koji je dizajnirao K. Rossi.

Stvaranje cjeline Dvorskog trga uvelike je olakšano premještanjem ovdje najvažnijih državnih institucija - Glavnog (ili Glavnog) štaba i dva ministarstva (spoljnih poslova i finansija).

Sačuvajući postojeći krivolinijski oblik južne strane trga, Rosi je tu postavio dvije ogromne zgrade povezane lukom. Zahvaljujući elastičnom savijanju fasade, arhitektura Glavnog štaba dobila je izraženu dinamiku, koja nije bila svojstvena stilu carstva, ali je omogućila kompoziciono približavanje Glavnog štaba baroknom Zimskom dvoru. Postizanju istog cilja doprinijele su i druge tehnike: podjela fasada sjedišta na dva nivoa, poput zimskog; dekorativnost narudžbe; brojni skulpturalni detalji i zamršeni friz Glavnog štabnog luka.

Rosijeva vještina kao urbanista pokazala se s posebnim sjajem kada je dizajnirao kolosalni luk, protumačen kao trijumfalni u čast pobjede u ratu sa Francuskom. Naime, Rossi je koristio sistem od tri luka, uz pomoć kojih je efikasno riješio težak zadatak - arhitektonski dizajnirati jaku krivinu ulice. Istovremeno, junačka glavna tema pobjede izražena je snažnim letenjem dva paralelna luka.

Uveličano je prisustvom monumentalne skulpture. U podnožju luka postavljene su visokoreljefne kompozicije vojnog oklopa na postolje. Na drugom nivou luka, između stubova, nalaze se figure ratnika, koji oličavaju različite generacije ruskog naroda koji su učestvovali u Otadžbinskom ratu 1812. Zgrada je ukrašena i reljefnim slikama letećih Slava sa lovorovim vencima u rukama. . Veličanstveni završetak čitave ove trijumfalne kompozicije, pune herojskog patosa, je slika kočije Pobjede koja se ističe na pozadini neba i naizgled lebdi nad gradom. U njegovom središtu je alegorijski kip Pobjede u liku krilate žene sa državnim amblemom i lovorovim vijencem u rukama.

Rosijev rad odražavao je najvažniju osobinu zrelog ruskog klasicizma, a to je da se svaki urbanistički zadatak, ma koliko se činio beznačajnim, rješavao ne odvojeno, već u bliskoj suradnji s drugima stvoren je lanac ansambala. Paviljon, koji je podigao Rosi u Mikhailovskom vrtu, na obali Mojke, služi kao odličan primer za to: on je svojevrsni kompozicioni most između ogromnih ansambala - Mihailovskog dvorca i Marsovih polja.

Palata Mihajlovski sa velikim parkom i uslugama tipičan je primer gradskog imanja iz klasičnog doba: glavna zgrada i servisna krila bili su sa tri strane okruženi prednjim dvorištem, odvojenim od ulice ogradom. Glavna fasada je također bila odraz klasicističke tradicije: središnji ulaz je bio istaknut korintskim trijemom, simetrična krila su upotpunila rizalite, a površina zida ispred njih bila je ukrašena tročetvrtinskim stupovima, stvarajući iluziju arkade koja se proteže. sa portika. Baštenska fasada je bila drugačija, a sastojala se od dva korintska trijema sa šest stubova na vrhu sa zabatima i korintske kolonade (široka lođa).

Izgradivši palatu, Rossi je počeo da preuređuje susjedni dio grada kako bi stvorio jedinstvenu urbanističku kompoziciju povezanu sa zamkom Mihajlovski, Nevskim prospektom i Marsovim poljima. Postavljene su nove ulice, ispred palate postavljen je trg, strogog pravougaonog oblika, čiji je nastavak bilo prednje dvorište sa glavnim kompozicionim centrom čitavog arhitektonskog kompleksa - palatom Mihajlovski.

Sličan po obimu plana je i ansambl Aleksandrinskog teatra, čijem je stvaranju Rossi posvetio gotovo više truda i vremena nego bilo koje drugo svoje djelo.

Aleksandrinski teatar jedno je od najskladnijih djela Rusije. Zbog dobro odabranih proporcija, zgrada, koja je prilično velika, djeluje lagano i graciozno. Kompozicija glavne fasade pozorišta zasnovana je na motivu lođe, ukrašene kolonadom svečanog, korintskog poretka, čime se naglašava dominantna uloga objekta u čitavom arhitektonskom kompleksu. Snažan chiaroscuro nastao upotrebom ordena čini plastičnost fasada vrlo izražajnom, a zidovi gledališta, koji se poput moćne kocke izdižu iznad potkrovlja, gotovo su neupadljivi. Fasadu zgrade kruniše veličanstvena Apolonova kvadriga.

Rossi je, kao i drugi ruski arhitekti s početka 19. stoljeća, u svim svojim djelima majstorski kombinovao arhitektonske forme sa skulpturalnim i slikovnim ukrasima izvana i iznutra. Dizajnirao je lokaciju i karakter reljefa, slika, kipova, draperija i namještaja. Dekor u unutrašnjosti slijedio je isti princip, 396

isto kao i vanjski dizajn: izmjenjivanje rapporta (ponavljajući dio ornamenta - L.E.), stroga simetrija u kompoziciji, starinska priroda svih dekorativnih elemenata - lovorovi vijenci, lišće akantusa, lavlje maske, konzistentnost kombinacije boja. Važan element unutrašnjeg uređenja bilo je zidno i plafonsko slikarstvo, bilo u tehnici grisaille, oponašajući skulpturalne ukrase, ili u tehnici scagliolo, koja je intarzirana obojenim gipsom u imitaciji pompejskih zidnih slika: na bijeloj pozadini - nimfe koje plešu, lepršavi kupidoni, jarko crveni i plavi grifoni, žute i crne boje.

Jedan od najboljih primjera dizajna interijera Empire je Bijela dvorana Mihajlovskog dvorca. Mirna bjelina zidova i stupova nadoknađena je pozlatom štukaturnih vijenaca i korintskih kapitela. Iznad ulaznih vrata su bareljefi s likovima odmarajućih vakhanti, vijenci, vijenci i drugi atributi Carstva. Bogato oslikavanje stropa i gornjeg dijela zidova kombinira višebojno slikarstvo, zlatne šare i grisaille. Zlatni ton umetnutog parketa i vrata usklađuje se s plavim presvlakama pozlaćenog namještaja. Enterijer je upotpunjen visokim podnim lampama u obliku stubova, lustera, kandelabra i svećnjaka od bronce, kamena i kristala. Bronzani detalji koji su ukrašavali stolove naglašavali su duboki ton obojenog kamena radnih ploča. Uz sve svoje izvanredno bogatstvo, unutrašnju dekoraciju odlikuje osjećaj za proporciju, općenito karakterističan za stil Empire.

Kombinacija napora arhitekata, vajara, dekorativnih slikara i majstora primenjene umetnosti odredila je jedinstvenu stilsku celovitost stila Empire kao samostalnog perioda u istoriji ruske umetnosti 19. veka.

Početkom stoljeća, memorijalna skulptura, koja je bila potpuno nova za rusku umjetnost, snažno se razvila. Tvorac nadgrobnog spomenika Ruskog carstva, „pesnik prosvećene tuge“, kako su ga nazivali savremenici, bio je Ivan Petrovič Martos (oko 1754-1835). Martos je u svojim nadgrobnim spomenicima slijedio tradiciju antičkih klasika i stvarao žalobno raspoloženje uz pomoć generalizirane plastične forme, siluete i pokreta draperija, dajući svojim slikama idealno ravnodušna lica. Istovremeno, sama skulptura čuva živi ljudski osjećaj, suzdržanu emocionalnost i lirizam. Takvi su „genij smrti“, „tužni genije“, „ožalošćeni“ u njegovim čuvenim nadgrobnim spomenicima M.P.Sobakina, E.S.Kurakina, A.P. Najtipičniji za stil ruskog carstva je nadgrobni spomenik E.I. Gagarine: bronzana ženska figura koja sama stoji na okruglom postolju u antičkoj tunici, sa grčkom frizurom. Soft

tečni nabori odjeće, pokret koji pokazuje prema tlu i duboko zasjenjenje očnih duplja daju slici dramatičan ton. Pogledate li spomenik sa strane, osjećate dirljivu bespomoćnost mlade žene pred smrću, koju prenosi isključivo tačno pronađeni obris figure. Martosova omiljena slika bio je anđeo tuge sa prevrnutom bakljom u rukama kao simbolom izumrlog života.

Meki lirizam bio je svojstven i parkovnoj skulpturi koja je ukrašavala pećine, fontane, baštenske paviljone i uličice. Možda najpoetičnija od njih je skulptura bronzane fontane „Mlekarica sa razbijenim vrčem“ (vajar P. P. Sokolov) u parku Carsko selo. Izuzetna tečna silueta tužno pognute glave naslonjene na ruku, osjećaj mekoće djevojačkog tijela, svilenkast teče tkanine i na kraju sam materijal - bronza - karakteristični su za stil Empire. Za ovaj stil je također tipično da je žanrovski motiv lišen čak i sjene svakodnevice: djevojka se doživljava kao prastara nimfa, a ne kao obični drozd. A.S. Puškin posvetio je retke napisane grčkim heksametrom kipu u Carskom selu:

Devojka je ispustila urnu sa vodom i razbila je o liticu. Djevica tužno sjedi, besposlena držeći krhotinu. Čudo! voda koja teče iz razbijene urne neće presušiti; Djevojka sjedi vječno tužna nad vječnim potokom.

Oličenje patriotskih težnji tog doba bio je čuveni spomenik Mininu i Požarskom na Crvenom trgu u Moskvi, koji je pogubio Martos. Ideal nacionalnog heroja, koji je oličen u skulpturama V. I. Demut-Malinovskog, S. S. Pimenova, I. E. Terebeneva za Kazansku katedralu i Admiralitet, dobio je najuvjerljivije rješenje u spomeniku Martosu: trgovac iz Nižnjeg Novgoroda Minin. komandant knez Požarski za zaštitu otadžbine. Ali pošto je za Martosa Grčka bila ideal koji je sledio ceo život, njegove ruske slike izgleda da su rađene po starim modelima, iako pribor sadrži „ruske“ detalje, na primer, Mininovu seljačku košulju i lik Spasitelja koji nije napravljen. rukom na štitu kneza Požarskog.

Početkom 30-ih godina klasicizam kao pokret potpuno se iscrpio: uspon nacionalnog osjećaja, građanski patos služenja otadžbini u okviru feudalno-kmetske države, koja je hranila klasicizam prve četvrtine stoljeća, nije mogao da se održi nakon poraza decembrista. Upravo je to bio razlog postepene degradacije arhitekture i monumentalne skulpture u drugoj trećini 19. stoljeća.

U prvim godinama vladavine cara Nikole I nastavile su se aktivnosti K. Rossija. Mnogo je radio i arhitekta V.P. S/pasov, koji je sagradio svoje čuvene „vojne“ katedrale – Trojice, Preobraženski, trijumfalne kapije – Moskvu, na moskovskoj ispostavi, i Narvu, kao spomenik pobede ruske garde u Otadžbini. Rat 1812, gardijski pukovi Pavlovske kasarne.

Stil, koji se može nazvati "Nikolsko carstvo", postao je posljednja faza u razvoju klasicizma u ruskoj arhitekturi, sredinom 19. stoljeća. - ovo je već vrijeme krize klasicističke estetike. Eksterno, kriza se očitovala u gubitku harmonije arhitektonskih oblika, njihovoj pretjeranoj geometriji i prekompliciranju dekorativnih detalja. Jasnu predstavu o promjeni koja se dogodila u stilu ruske arhitekture sredinom 19. stoljeća daju građevine uključene u razvoj Isakovog trga u Sankt Peterburgu, među kojima je nesumnjivo glavno mjesto zauzimao Izakova katedrala, sagrađena po projektu Auguste Montferrand (1786-1858), sa stupovima s trijemima sa teškim zabatima ukrašenim visokim reljefima. Iznad katedrale se uzdiže pozlaćena kupola na visinu od 101 m, a bubanj je okružen kolonadom na čijem je vrhu balustrada sa kipovima.

Za oblaganje zidova, Montferrand je koristio svijetlosivi mramor Olonets, zamjenjujući gipsanu oblogu tople boje koja je tradicionalna za ruske klasike. Neobična je bila i upotreba granitnih stupova u kompoziciji fasada. Zrcalno poliranje njihovih debla, upotreba metala za izradu baza i kapitela - sve je to dodalo čvrste, hladne karakteristike arhitektonskoj slici.

Fasade zgrade bile su ukrašene okruglim skulpturama i visokim reljefima od metala na temu iz Svete istorije. U dekoraciji interijera pojavila se pretjerana raskoš i fragmentacija oblika, svojevrsno punjenje aviona poput tepiha. Čuveni stubovi od malahita katedrale, rađeni tehnikom „ruskog mozaika“, u kojoj je kamenje odabrano prema boji i prirodnom uzorku, dajući gotovom proizvodu dojam monolita, teško se mogu nazvati umjetnički uspješnim, jer je uzorak kamena i igra nijansi nestaju zbog velike udaljenosti na kojoj se stupovi nalaze od posmatrača. Skulptura je dosta zastupljena u unutrašnjosti katedrale, iako dominantnu ulogu u njoj imaju mozaici i slike istaknutih slikara akademskog klasicizma-K. P. Bryullov, F.A. Bruni, P.V. Kupola je oslikana prema Brjulovoj skici, Bruni je stvorio kompoziciju "Potop", "Bitka Aleksandra Nevskog sa Šveđanima".

Istovremeno, došlo je do porasta romantičnih sklonosti. Karakteristično obilježje romantizma u umjetnosti bilo je pozivanje na prošla povijesna razdoblja, što je doprinijelo formiranju novog umjetničkog pokreta “nacionalnog romantizma” koji je zahvatio Evropu nakon Napoleonovih ratova. Upravo te težnje diktiraju eksperimente K. Rossija u projektovanju drvenih kuća „u ruskom stilu“ za veterane Drugog svetskog rata u selu Glazovo, kod Pavlovska, ili „uzornih kafana“ O. Montferrana i A. I. Stackenschneidera. , koji je imitirao seljačke kuće.

U Nikolino doba, pokret “nacionalnog romantizma” bio je fokusiran na englesku gotiku i pruski helenizam. Nikolajevi lični ukusi i njegove porodične veze sa nemačkom carskom kućom bili su razlog za to. Najistaknutiji primjer ovog trenda bila je vikendica u Peterhofu, koju je sagradio A. A. Menelas kasnih 20-ih. Sva njena vanjska i unutrašnja dekoracija odgovarala je engleskoj „gotičkoj kući“. Namještaj, gotičke rezbarije na zidovima i obojeno staklo na prozorima stvarali su posebnu romantičnu atmosferu. Žukovski je posebno za Kotedž sastavio grb u duhu viteških vremena sa mačem, vijenac od ruža na štitu i motom „Za vjeru, cara i otadžbinu“.

Karakterističan primjer pruskog helenizma sa svojim krutim, geometrijski pravilnim ravnima i sitnim, frakcijskim crtežom antičkih ornamenata je zgrada novog Ermitaža, izgrađena prema projektu Leona von Klenzea.

U sporovima između „slavenofila” i „zapadnjaka” o putevima razvoja ruske nacionalne kulture, nastao je „rusko-vizantijski stil” arhitekata K. Tona i A. Gornostajeva, koji je u narednom periodu postao glavni.

Od prvih godina novog vijeka u ukusima i hobijima društva koegzistiraju različiti umjetnički pravci: s jedne strane vladao je klasicizam koji nije prepoznavao nikakva odstupanja od svog kanona, s druge, romantični porivi ka nečem slobodnijem. i pojavio se nezavisni. Razvoj romantizma u ruskom slikarstvu povezan je s modom na ruševine, masonske sakramente, viteške romane i romanse.

Izvanredan romantičarski umjetnik perioda Aleksandrovog klasicizma bio je Orest Adamovič Kiprenski (1782-1836). Nakon što je diplomirao na Akademiji umetnosti u Sankt Peterburgu u klasi istorijskog slikarstva, Kiprenski je ušao u istoriju ruske kulture kao slikar portreta. Odlika ruske umjetnosti bila je spoj klasicizma, sentimentalizma i romantizma. To je dovelo do rijetkog spoja građanske uzvišenosti slika koje je stvorio umjetnik s njihovom individualnom originalnošću i ljudskom toplinom. Bilo koji portret Kiprenskog se može posmatrati sa ovih pozicija, ali je možda najvizuelniji „Portret Evgrafa V. Davidova“. U svom herojskom razmjeru i romantičnoj inspiraciji, ovo je slika nove ere. Kao što se ovih godina služenje u vojsci iz klasnih tradicija pretvorilo u patriotsku stvar, tako je i ovaj svečani portret po nacrtu daleko od zvaničnog svečanog izgleda 18. veka.

Evgraf Davydov je rođak slavnog Denisa Davydova, koji se istakao u vojnim pohodima 1807-1808, budući heroj "Bitke naroda" kod Lajpciga, predstavljen je kao hrabar i vitez, buntovan i sanjar. On je sličan junaku „husarskih pesama“ Denisu Davidovu, koji se „zagušljivo oseća na gozbama bez volje, bez oranja“ i koji je poput Puškinovog romantičnog junaka „okačio pogrdnu liru između svoje verne sablje i sedla“. Ovaj portret u potpunosti izražava plemenitost duše ruskog čovjeka - rodoljuba spremnog da položi život za otadžbinu i nadahnutog pjesnika. Možda je upravo zbog toga tradicija da se ova slika smatra portretom “pjevača-heroja” Denisa Davidova tako jaka, jer se poklapa sa slikom legendarnog partizanskog pjesnika, koji je nacionalni ideal.

Na slici sa neverovatnom za 19. vek. harmonija boja postignuta je vještinom: plavo-crno nebo i maslinovo lišće odašili su kovrdžavu glavu i medenožućkasti ton junakovog lica, grimizni plašt blistav zlatom naglašava blistave bijele tajice sa visećim srebrnim užetom mačevog pojasa . I ne samo izgled junaka, već i boja stvara glavno raspoloženje.

U „Portretu Evgr. Davidov” Kiprenski se pojavio kao romantičar, ali ruski romantičar, odražavajući svijetlu originalnost ruske umjetnosti. To je bilo određeno posebnostima istorijskog perioda 1800-1810, činjenicom da je Rusija krenula na put oslobodilačke borbe protiv neprijatelja otadžbine, verom u pravdu, u pobedu, društvenim optimizmom, visokom građanstvom i javnošću. patos je diktirao specifičnosti ruskog romantizma.

Kiprenski je stvorio čitavu galeriju portreta heroja rata 1812. godine, demonstrirajući nevjerovatnu sposobnost modifikacije slikarskog stila, kolorističkih, svjetlosnih efekata i cjelokupne emocionalne strukture portreta u svakom slučaju.

Umjetnikovo nesumnjivo remek-djelo bio je portret A.S. Puškina, koji se smatrao najboljim od pjesnikovih životnih portreta, jer je među umjetnicima tog vremena jedino Kiprenski mogao pristupiti Puškinu u ispravnom razumijevanju najvažnijih povijesnih trendova tog doba.

O portretu su oduševljeno pisali da je ovo „živi Puškin... videvši ga živog barem jednom, odmah prepoznate njegove prodorne oči i usta, kojima nedostaje samo neprestana drhtavica“. Puškin je napisao Kiprenskom: „Vidim se kao u ogledalu...“ A značenje ovih reči, mora se verovati, mnogo je dublje nego što bi neupućena osoba mogla da zamisli. Kiprenski je bio opsednut snom o stvaranju sistema slikanja koji bi dao potpunu iluziju života, „ponašajući se kao ogledalo koje svetluca onoliko boja koliko ih ima u stvarima koje se reflektuju na njegovoj površini“. A ono što je umjetnik odrazio na površini je otisak teških misli i gorčine na plemenitoj čeli s vanjskom mirnoćom poze. Uključenost u pjesnikov duhovni svijet omogućila je Kiprenskom da stvori trajnu sliku, u skladu s besmrtnim stihovima "Spomenika":

Podigao sam sebi spomenik, ne rukotvorin, put naroda do njega neće zarasti. Popeo se više sa glavom buntovnog Aleksandrijskog stuba.

Izvanredan slikar, tvorac jedinstvenog nacionalno-romantičarskog pokreta u ruskom slikarstvu, bio je Aleksej Gavrilovič Venecijanov (1780-1847), omiljeni učenik Borovikovskog. Venetsianov je stvorio jedinstven stil, kombinujući u svojim delima tradicije kapitalnog akademizma, ruskog romantizma ranog 19. veka. i idealizacija seljačkog života. Postao je osnivač ruskog svakodnevnog žanra. Nasuprot suprotnosti između „jednostavne prirode“ i „graciozne prirode“ koja je postojala u akademskoj estetici, Venecijanov ga je, okrenuvši se prikazu seljačkog života, prikazao kao svet pun sklada, veličine i lepote. Venecijanovljev stil je uticao i na razvoj primenjene umetnosti. Njegovi crteži, koji su prikazivali "karakteristične tipove" koji nastanjuju Rusko carstvo, poslužili su kao osnova za stvaranje serije porculanskih figurica u tvornici Gardner.

Istovremeno, u zvaničnom umetničkom životu dominirao je romantizam, koji se u to vreme spajao sa akademskim klasicizmom.

U 30-40-im godinama XIX vijeka. Vodeću ulogu u likovnoj umjetnosti imalo je slikarstvo, uglavnom istorijsko slikarstvo. Njegovo karakteristično obilježje bilo je odraz događaja iz antičke istorije u tragičnim udarnim trenucima. Za razliku od istorijskog slikarstva prethodnog doba (A, P. Losenko), koje je gravitiralo nacionalnoj istoriji sa moralizirajućim temama, gde svetli početak trijumfuje nad silama zla, istorijske kompozicije K. P. Brjulova, F. A. Brunija, A. A. . Ivanova su apstraktne simboličke prirode. U pravilu su njihove slike naslikane na vjerske teme, a naglasak na slici se prenosi sa središnje figure glavnog lika na gomilu u kritičnom trenutku. Nemirne gomile, gonjene slijepom, neizbježnom sudbinom (Brjulovljev “Posljednji dan Pompeja”) ili božanskom odmazdom (Brunijeva “Bakarna zmija”), padaju pred noge proroka i podnožja idolima. Dramatičnost radnje, dinamizam kompozicije, intenzitet strasti, kontrastne boje i svjetlosni efekti - sve ove karakteristike svojstvene djelima Bryullova, Brunija i Ivanova definirale su romantično razdoblje u razvoju ruskog istorijskog slikarstva.

Vodeća uloga ovdje pripada Karlu Pavloviču Brjulovu (1799-1852), koji je u svom radu spojio romantični koncept s klasičnim kanonom slike. Brjulovljevi savremenici jednoglasno su smatrali veliko istorijsko platno "Posljednji dan Pompeja" glavnim Brjulovljevim djelom. Ideja slike bila je zasnovana na romantičnom emotivnom kontrastu između savršenstva prikazanih ljudi i neminovnosti njihove smrti: zgrade se ruše, mramorni idoli padaju, a niko, bio hrabar, lijep ili plemenit, ne može se spasiti. tokom katastrofe. Karakteristična za romantizam bila je i želja da se "vidi" i istinito prenese povijesni događaj: Bryullov je čak napravio crtež "Ulice grobnica" iz života, koji je gotovo nepromijenjen na slici. Klasicistička akademska tradicija se ovdje očitovala u izvjesnoj izvještačenosti kompozicije, koja podsjeća na pompezno operno finale, u zamjeni živih ljudi zbirkom voštanih figura s vrlo lijepim, ali mrtvim licima i istim pokretima, u čisto pozorišnoj glasnoći. , što podsjeća, prema riječima A. Benoisa, na "gorenje bengalskih svjetala i bljeskove munja." Istovremeno, Brjulov oduševljava svojom umjetnošću, virtuoznom tehnikom, kompozicionim dometom i živopisnom slikovitošću.

Brjulov je takođe bio jedan od najznačajnijih i najpopularnijih ruskih portretista svog vremena. Majstor je prvenstveno ceremonijalnih portreta u ulju, gdje je osoba predstavljena u punoj visini u svečanom okruženju, kao i odličnih portreta olovkom i akvarelom. Brjulovljevi portreti odražavaju romantični ideal lijepe i ponosne ličnosti, koja stoji iznad svog okruženja. Takva je, na primjer, “Jahačica”, izvedena u blistavim zlatno-smeđim, ružičastim i zelenkasto-smeđim tonovima, koja podsjeća na bujnu valerinu iz 18. stoljeća.

U svom punom sjaju, Brjulovljev ogroman talenat, uprkos njegovom akademskom obrazovanju, manifestovao se u dva portreta grofice Yu.P. Samojlove - sa njenom učenicom Jovaninom i malim crnim arapom i sa svojom učenicom Amacilijom u maskenbalu. Na posljednjem portretu jednostavnost kompozicije i lakonski kolorit, izgrađeni na bogatom kontrastu boja plave i crvene, daju platnu posebnu dekorativnost i istovremeno monumentalnost. Groficino prelepo hladno lice uokvireno crnim uvojcima na pozadini jarkocrvene zavese, njeno odelo kao maskenbalska kraljica, njena mlada saputnica u orijentalnom ruhu, šarolika gomila maski u zadnjem delu sale - sve doprinosi stvaranju jarke romantične slike.

Brjulov je također stvorio niz portreta koji otkrivaju pravu sliku osobe; romantični element u njima se očitovao samo u šarenilu i bogatstvu boja. Ovo je portret izdavača umjetničkih novina A.N. Strugovshchikova u crnom ogrtaču na grimiznoj pozadini, gdje su ispravno uočene kontradiktorne crte njegove ličnosti.

Bryullovovo ime postalo je simbol novog slikarskog akademizma s elementima romantike.

Još više se akademski romantizam očitovao u djelu Fjodora Antonoviča Brunija (1799-1875). Njegova "Bakarna zmija" u potpunosti pripada njenoj eri: lica se stapaju u gomilu zahvaćenu zajedničkim strahom i ropskom poslušnošću. Ritam raspodjele ljudskih figura, raspodjela svjetla i sjene kao da ponavlja ritam u kojem se emocije gomile dižu i spuštaju. Religiozna i mistična orijentacija slike odražavala je modno raspoloženje na dvoru i u krugovima visokog društva.

Najznačajniji fenomen u ruskom slikarstvu 30-50-ih godina. XIX veka - djela Aleksandra Andrejeviča Ivanova (1806-1858). Ivanov je koristio tradicionalne akademske tehnike aranžiranja slike uz pomoć voštanih manekena, te je nastojao u svemu testirati „klasicizam u naturi“, uspoređujući vlastite skice sa antičkim skulpturama, posuđujući od njih poze i pokrete. „Apolon, Čempres i Zumbul se bave muzikom i pevanjem“, „Pojava Hrista Mariji Magdaleni posle Vaskrsenja“ upila su sve crte akademskog klasicizma, ublažene romantičnom interpretacijom. Najtipičniji primer istorijskog slikarstva druge trećine 19. veka. je njegova poznata slika „Pojavljivanje Hrista narodu“, u kojoj je umetnik želeo da izrazi suštinu hrišćanstva, moralnu revoluciju koju su moralne i etičke norme ovog učenja proizvele. Tijekom svog titanskog dvadesetogodišnjeg rada, umjetnik je postajao sve uvjereniji u ograničenja tradicionalnih akademskih tehnika kompozicije, crtanja i slikanja i težio je slikanju stvarnog života, a ne izmišljanja akademskih produkcija. Skice lica za sliku su čitava nadahnuta umjetnička studija o tome kakav je čovjek u ropstvu, u nedoumici, u sljepoći fanatizma, u uvidu istine. Ovdje vidimo čovječanstvo na istorijskoj raskrsnici, na razmeđi paganstva i kršćanstva, u trenutku duhovnog uvida, prije nego što izabere svoj put, a sve to rekreira Ivanov s neponovljivom psihološkom vještinom. Dubina poimanja svojstava ljudske duše svrstava Ivanova među najveće majstore svetskog slikarstva. Ivanovljeve skice su jedinstvene i po koloritu: plave senke na ljudskom telu, siva, zagasito zelena na suncu, narandžasti i zeleni refleksi na licima - sva ta raznolikost i novost odnosa boja do kojih su dolazili samo impresionisti i do kojih su dolazili pre Ivanova. u čitavoj istoriji slikarstva uopšte nije bilo. Ali nije se usudio da svoje živopisne nalaze potpuno prenese na veliko platno, kao i figure i tipove slikane iz života.

Nisu uzalud savremenici mislili da slika liči na tapiseriju, a A. Benois je napisao da ostavlja bolan utisak, jer se čini da su pred vama dve slike - jedna naslikana na drugu, gornji se percipira kao turobni i trom paus papir sa onim ispod.

Na prvi pogled, pripadnost romantizmu "Pojavljivanja Hrista narodu" ne izgleda tako neosporna kao slike Brjulova i Brunija. Nedostaje dramatičnost radnje, dinamika radnje, razbuktale strasti, efekti boja i svjetla i sjena. U isto vrijeme, opći koncept slike, njena ideja, nesumnjivo je romantična: poziv proroka Ivana Krstitelja i propovijed o Kristu trebali su probuditi narod Judeje iz "vjekovne tišine". To je također bilo u korelaciji s idejom o mesijanskoj svrsi umjetnika i umjetnosti. Koncept „Pojavljivanje Hrista narodu“ odražavao je romantično shvatanje istorijskog procesa kao procesa moralnog usavršavanja čovečanstva. Ivanovljev talenat, koji se očitovao u prikazivanju biblijske priče, postao je preteča novog slikarstva.

A. Ivanov nije imao sledbenike u Rusiji. Bio je posljednji historijski slikar, nakon kojeg se ruska slikarska škola počela razvijati na putu „ilustrovanja stvarnosti“ i „izlaganja života“ na slikama umjetnika „prirodne škole“ i lutalica.

Prirodna škola, koja ima odlike kritičkog realizma i akutne društvene orijentacije, nastala je sredinom 19. stoljeća. u početku se pojavio u djelima N.V. Gogolja, N.A. Dostojevskog, I.A. Gončarova. Istovremeno sa novom književnošću, čiji su predstavnici težili prirodnosti, prirodnosti i prikazivanju života bez ulepšavanja”, sredinom 40-ih godina 19. veka. Pojavila se cijela generacija umjetnika - pristalica prirodne škole. A prvi među njima treba smatrati Pavla Andrejeviča Fedotova (1815-1852), čije slike predstavljaju scene iz života, gdje se tragična suština situacije krije pod okriljem svakodnevice. Ovo je neka vrsta moralne propovijedi, čija je svrha ispravljanje drugih. To su “Svježi kavalir”, “Probirljiva nevjesta”, “Doručak aristokrate”, “Majorovo provodadžisanje”.

U filmu “Majorovo provodadžisanje” bio je tipičan životni fenomen tog vremena - brak iz interesa: bogati trgovac i cijela njegova porodica sanjaju o tome da “od krpa do bogatstva” pređu udajom njegove kćeri za bankrotiranog majora. Ovdje je najizraženija umjetnost mizanscena, karakteristična za Fedotova: u centru se ljupka nevjesta otrgne iz ruku svoje majke, koja je grubo hvata za suknju da je drži u sobi, preostali likovi su ujedinjeni u grupe, od kojih svaka na svoj način „priča“ o patrijarhalnom trgovačkom životu. Izuzetna preciznost, ekspresivnost poza, gestova i izraza lica likova omogućavaju nam da na trenutak sagledamo pravi moral ove porodice. Za minut će ćerka ispraviti haljinu, majka će se ljubazno nasmejati i pokloniti, kuvarica i ukućani će nestati u zadnjim sobama. Likove je izabrao Fedotov sa nevjerovatnim poznavanjem ruskog života i predstavljaju radoznalu i dragocjenu kolekciju fizionomija karakterističnih za 40-te.

Slika je pravo slikarsko remek-djelo: njena shema boja zasnovana je na ekspresivnoj jukstapoziciji ružičaste, lila, zelenkasto-oker i žute. Svjetlucanje debele svilene tkanine, svjetlucanje stare bronze i sjaj prozirnog stakla prenijeti su izvanrednim osjećajem za materijal. U mekim linijama mladenke zabačene glave, u njenom gestu, osim afektivnosti, ima dosta ženstvenosti, naglašene prozračnošću bijele i ružičaste tkanine njenog outfita. U svemu tome, pored Fedotova satiričara, oseća se Fedotov pesnik.

Međutim, Fedotovljevim najpoetičnijim i najsavršenijim djelom smatra se njegova posljednja slika „Sidro, još sidro!“, gdje gotovo da nema dramske radnje, a tema se otkriva u pozi, u gestu, u koloritu slika.

U skučenoj kolibi, slabo osvijetljenoj umirućim kamenim blokom, nesrećni mladi oficir ispružio se na krevetu, smrtno dosadan zbog prisilnog nerada u zimskom logoru u nekom selu. Njegova jedina zabava je pudlica koja skače preko štapa. "Sidro", viče policajac psu, "još sidro!" - i nemirno, veselo stvorenje neumorno galopira za zadovoljstvo svog vlasnika.

Zaglušujuća monotonija i zagušljiva atmosfera života u zabačenom kutku majstorski su dočarani bojama: vruće-crvena kolebljiva svjetlost usamljene svijeće na mrlje grabi iz mraka naizgled mutne i nestvarne objekte, u kontrastu sa hladnim sivo-plavkastim tonovima mjesečinom obasjan pejzaž izvan prozora.

Fedotov je bio preteča kritičkog realizma u ruskom žanrovskom slikarstvu. Upravo je ova analitička metoda, otkrivajući kontradiktornosti okolnog svijeta, postala dominantna u ruskoj umjetnosti druge polovine 19. stoljeća.

Muzička kultura

Karakteristična pojava kulturnog života početka veka bila su književna i muzička okupljanja, čiji su pokretači bili istaknuti ruski pisci. Muzički skupovi A.A. Delviga su prisustvovali, zajedno sa pjesnicima A.S.Krylovom, D.V.

Muzički salon M.Yu Vilyegorskog, prosvećenog kompozitora amatera, imao je opštepriznati značaj „privilegirane“ koncertne dvorane u glavnom gradu. Najbolji ruski umjetnici i gostujuće poznate ličnosti ovdje su blistali, a strani gostujući izvođači mogli su računati na uspjeh kod publike na javnim koncertima tek nakon zatvorenih večeri sa M.Yu.

U Moskvi 1820-ih, centar muzičkog života bila je kuća A.S. Griboedova na bulevaru, gdje su se sreli kompozitori A.A.

Ali najpoznatiji je bio muzički salon Z. A. Volkonske, poznate lepotice, pevačice, književnice, koja se nastanila u Moskvi 1824. godine u blizini Tverske kapije u pravoj palati sa rimskim kipovima i pompejskim freskama. Tokom večeri, u njenoj kući su se održavala književna čitanja, koncerti, pozorišne predstave, amaterske operske predstave, živopisne slike, maskenbale i dečije predstave po Racinovim dramama. U salonu Volkonske stalno su se okupljali članovi filozofskog i književnog kruga D.V. Književnim čitanjima prisustvovali su gotovo svi poznati pjesnici: V.A. ”), pisci M.N. Zagoskin, I.S. Turgenjev, A.S. Sve vokalne poznate ličnosti koje su uspješno nastupale u Rusiji 1920-ih - Polina Viardot, Angelica Catalani - svakako su prisustvovale princezinim muzičkim večerima. U salonu Zinaide Aleksandrovne održano je čuveno muzičko veče u čast M. N. Volkonske (rođene Raevske), koja je sa suprugom odlazila u progonstvo, kojoj je prisustvovao A.S. Pushkin.

Veliki pjesnik bio je čest gost u salonu Z.A. „Vrati se“, napisala je za njim. - Velikom ruskom pesniku dolikuje da piše ili među prostranstvima stepa, ili pod senkom Kremlja; tvorac „Boris Godunov” pripada gradu kraljeva.” Kao odgovor, Puškin joj je poslao svoju pesmu "Cigani" sa čuvenom poetskom posvetom:

Među raštrkanom Moskvom, Uz zujanje vista i Bostona, Uz plesno brbljanje glasina, Ti voliš igre Apolona. Kraljice muza i ljepote, nježnom rukom držiš čarobno žezlo nadahnuća, A iznad zamišljenog obrva,

Okrunjena dvostrukim vijencem, A genije se uvija i gori. Pjevačica zarobljena tobom, Ne odbaci poniznu počast, Čuj moj glas sa osmehom, Dok nomadski katalonski Ciganin sluša u prolazu.

Muzički i književni krugovi 20-30-ih ujedinili su najbolje predstavnike ruske inteligencije i odigrali važnu ulogu u razvoju pozorišnog i muzičkog javnog života.

Kmetska pozorišta odigrala su veliku ulogu u razvoju ruskog pozorišta i formiranju izvođačkih škola u operi, drami i baletu, na čijoj su se sceni prvi put pojavili talenti P. Žemčugove, T. Granatove i mnogih drugih.

Tradicija kmetskog pozorišta postepeno je ustupila mjesto javnim gradskim državnim pozorištima, gdje se pojavila čitava plejada dramskih glumaca, kao što su E.S.

Pozorišni repertoar bio je neuobičajeno širok: uz drame A.P.Sumarokova i D.I.Fonvizina, pisca 18. stoljeća, tu su bile i patriotske tragedije V.A.Ozerova, duhovite vodvilje A.A.Shahovskog i K.Kavos, autori novog veka. Isporučeno 1807 Tragedija V. A. Ozerova "Dmitrij Donskoj" izazvala je neviđenu oluju oduševljenja. U isto vrijeme, žanrovi komedije uživali su uspjeh - komična opera, vodvilj, komedija.

Značajnu ulogu u razvoju pozorišta odigrao je vodvilj - laka komedija s pjevanjem i plesom - koji je 20-ih godina postao možda najpopularniji žanr. Uspjeh je bio povezan ne samo s naivnom "zabavom" vodvilja, već se dotakao akutnih, aktuelnih tema našeg vremena i odražavao poznate slike ruskog života. Na primjer, Kavosov vodvilj „Seljaci, ili Susret nepozvanih“, u kojem je glavni lik bila partizanska starešina Vasilisa, bio je veoma popularan tokom rata 1812. Urođene odlike vodvilja oštre satire i aktuelnosti doprinijele su razvoju realizma u ruskom pozorištu. Nije slučajno što se vodvilj smatra tlom na kojem je izrasla briljantna predstava A.S. Gribojedova "Jao od pameti".

Bilo je to početkom 19. vijeka. Visoke tradicije ruske koreografske škole počele su se oblikovati, stekavši svjetsku slavu za ruski balet. Njegov razvoj umnogome je olakšao čuveni koreograf, veliki inovator na polju magičnog poetskog baleta, Charles Didelot (1767-1837). Didelot je oduševio publiku novom, neviđenom baletskom tehnikom, posebno skokovima koji simuliraju let - balonima, kojima se ponosio kao svojim izumom, a koji je postao moguć na ruskoj sceni zahvaljujući talentu ruskih plesača A. I. Istomine i A. P. Gluškovskog. Najbolji opis Istomine umetnosti dao je A.S. Puškin u „Evgeniju Onjeginu“.

Tradicija je da rusko pozorište izvodi nacionalno karakteristične igre: ruski, ukrajinski, kozački plesovi, mazurke, mađarski, španski plesovi izvođeni su u svim baletima i divertismanima (umetnuti brojevi u dramskim, operskim, baletskim predstavama 18.-19. veka).

Živa slika pozorišnog života 1810-1820-ih naslikana je u "Eugene Onegin":

Opera je u velikoj mjeri sačuvala forme koje su se razvile u prethodnoj eri, kada su se govorni dijalozi smjenjivali s numerama pjesama. Najčešće je to bila domaća opera zasnovana na zapletu iz narodnog života koristeći narodne pjesme.

Početkom 19. vijeka. Nastali su novi operski žanrovi, koji su se dalje razvijali u radu M.I. Tu spadaju bajkovita opera i istorijsko-patriotska opera. Ruska bajka opera nastala je pod nesumnjivim uticajem romantizma 1800-ih sa svojim velikim interesovanjem za narodni život i folklor. Prvi primjer takve "magične opere" bila je opera "Rusalka" kompozitora S.I.Davydova i K.Kavosa. Osnova je uzeta iz nemačke opere „Dunavska devica“, prerađene u duhu ruskih narodnih priča.

Nijedna opera, osim „Mlinar čarobnjak“, nije imala toliki uspeh, što se objašnjava ne toliko zabavnom scenskom produkcijom sa mnogo dekorativnih efekata, koliko muzikom S. I. Davidova: fantastične scene opere su bile odlikuju se živopisnom, prozirnom orkestracijom, plesne epizode - po nacionalnom ukusu, vokalni brojevi su bili zasnovani na narodnim melodijama, ali u vidu velikih arija i ansambala.

Od patriotskih opera najznačajnija je „Ivan Susanin“ K. Kavosa. Libretista opere, poznati dramaturg A.A. Šahovskoj, fokusirao se na podvig ruskog naroda u njegovoj borbi protiv poljske intervencije u 17. veku, izazivajući direktnu vezu sa herojskom borbom protiv Napoleona u 19. veku. Ali, na osnovu tradicionalnih modela tadašnje francuske „opere spasa“, K. Kavos ju je lišio njene prave tragedije, jer joj je nedostajao suštinski momenat – ideja o herojskom podvigu glavnog junaka. . U finalu je u pomoć pritekao ruski odred, a opera je završena moralizirajućim dvostihovima.

Među najveće ličnosti ruske nacionalne kulture je Mihail Ivanovič Glinka (1804-1857), kompozitor čije je višestruko stvaralaštvo otvorilo novu eru u razvoju ruske muzike, odredilo njen budući put kako u smislu razvoja novih žanrova tako i u pogledu melodičnosti (oslanjanje na narodne pjesme).

Na stvaralaštvo ruskih kompozitora, uključujući i Glinku, veliki je utjecaj imala realistička estetika Puškina, koji je proučavanjem usmene narodne umjetnosti i narodnog govora stvorio novi klasični književni jezik. Duboko narodna po duhu i kompoziciji, njegova djela “Ruslan i Ljudmila” i “Rusalka” bila su osnova za libreto poznatih klasičnih opera Glinke i Dargomyzhskog, lirske pjesme postale su romanse.

Centralno mjesto u stvaralaštvu M. I. Glinke zauzimaju opere "Život za cara" i "Ruslan i Ljudmila", koje su odredile budući put ruske operske škole. Iz njih su se kasnije razvile dvije grane operne klasike: narodna istorijska muzička drama i bajkovito-epska opera. “Život za cara” je herojska opera u kojoj glavna uloga pripada narodu i njegovom predstavniku – rodoljubivom seljaku. Narod odlučuje o sudbini otadžbine u ključnim trenucima njene istorije, imenujući heroje sposobne za besmrtne podvige. Upravo tako je dekabristički pjesnik K.F. Ryleev prikazao junaka u jednoj od svojih „Duma“, koja je poslužila kao osnova za operu.

Stoga se Susaninova smrt doživljava kao pobjeda koja donosi sreću ljudima - umro je heroj, ali je njegova domovina spašena. Otuda i veseo završetak: opera se ne završava scenom Susaninove smrti, već slikom nacionalnog trijumfa - grandioznim horom "Živeo!" „Život za cara“ je prva ruska opera širokog simfonijskog razvoja, bez govornog dijaloga, ali sa dva narodna hora koji počinju i završavaju operu i izražavaju ideju patriotizma i herojstva ruskog naroda.

M.I. Glinka je osnivač ruske simfonijske muzike, čiji se najbolji primjeri i danas smatraju "Kamarinskaja", "Aragonska Jota", "Noć u Madridu" i "Valcer fantazija". Gotovo svi koriste narodne, pesničke ili plesne teme i rekreiraju slike stvarnosti: narodni festival u „Kamarinskoj” i narodni festival pod sparnim suncem juga u „Aragonskoj Joti”. “Kamarinskaya” nije samo slika narodne zabave, ona je istinita rekreacija osobina nacionalnog ruskog karaktera - hrabrost, širina, čak i šaljivost, humor i iskreni lirizam. Muzika je zasnovana na dve narodne pesme - svadbenoj „Zbog šume tamne šume” i plesnoj pesmi „Kamarinskaja”, koje se smenjuju, formirajući takozvani oblik dvostrukih varijacija, bliskih narodnoj muzici. Istorijski značaj „Kamarinske“ za rusku simfonijsku školu otkriva se u čuvenim rečima P. I. Čajkovskog: „Sve je to u Kamarinskoj, kao što je ceo hrast u žiru.

„Glinkine romanse, koje je komponovao tokom svog života, odražavale su ne samo razvoj njegovog stvaralaštva, već i ruske lirike uopšte. Dvadesete godine 19. veka obeležile su procvat ruske sentimentalno-lirske svakodnevne romanse, a odrazile su se i na Djelo M.I.Glinke suvremenih pjesnika, E.A.Batynsky,K.N.

Kraj 30-ih - početak 40-ih - Puškinova era u kamernom vokalnom radu M.I. Muzička struktura romansi M.I.Glinke na riječi A.S. Puškina "Ja sam ovdje, Inesilya", "Noćni Zefir", "Oganj želje gori u krvi" u potpunosti odgovara poetskim slikama Puškinovog teksta. Prekrasna romansa zasnovana na pjesmama A.S. Puškina „Sjećam se jednog divnog trenutka“, gdje se muzika u potpunosti stapa sa poezijom:

Sjećam se divnog trenutka: Pojavio si se preda mnom, Kao prolazna vizija, Kao genije čiste ljepote.

U klonulu beznadežne tuge,

U brigama bučne vreve

I sanjao sam o slatkim crtama lica.

Prošle su godine. Oluja je buntovni nalet

Raspršene stare snove

Tvoje nebeske osobine.

U pustinji, u tami zatvora

Dani su mi prolazili tiho

Bez božanstva, bez inspiracije,

Nema suza, nema života, nema ljubavi.

Dusa se probudila:

A onda si se opet pojavio,

Kao prolazna vizija

Kao genije čiste lepote.

I srce kuca u ekstazi,

I za njega su se ponovo podigli

I božanstvo i inspiracija,

I život, i suze, i ljubav.

Vokalna lirika kasnog perioda je bogata i raznolika, odražava trendove nove ere, obojena raspoloženjem Ljermontovljeve meditacije i tragične zadubljenja u sebe. Tužne intonacije čuju se u dramatičnim romansama-mopolozima „Pesma o Margariti“, „Uskoro ćeš me zaboraviti“, „Ne govori da te srce boli“. Istovremeno, među kasnim romansama M. I. Glinke postoje i one svijetle i vesele. Ovo su vakhanske pjesme za piće prema pjesmama A. S. Puškina „Zdrava čaša“ i „Pijem za Marijino zdravlje“.

Djelo M.I.Glinke, koje odražava prizore narodnog života, narodni karakter, osjećaje i doživljaje pojedinca, doprinijelo je daljem razvoju muzike na putu realizma.