Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja je jednostavno. Koristite obrazac ispod

Studenti, postdiplomci, mladi naučnici koji koriste bazu znanja u svom studiranju i radu biće vam veoma zahvalni.

Objavljeno na http://www.allbest.ru/

Petrozavodski državni konzervatorijum (akademija) nazvan po. A.K. Glazunov

Esej

Na temu: “Muzika srednjeg vijeka”

Završila: student Ilyina Yulia

Nastavnik: A.I. Tokunov

Uvod

Muzika srednjeg veka je period razvoja muzičke kulture, koji obuhvata period otprilike od 5. do 14. veka nove ere.

Srednji vek je veliko doba ljudske istorije, vreme dominacije feudalnog sistema.

Periodizacija kulture:

Rani srednji vijek - V - X vijek.

Zreli srednji vek - XI - XIV vek.

Godine 395. Rimsko Carstvo se podijelilo na dva dijela: Zapadno i Istočno. U zapadnom delu, na ruševinama Rima, u 5.-9. veku postojale su varvarske države: Ostrogoti, Vizigoti, Franci itd. U 9. veku, kao posledica propasti carstva Karla Velikog, nastale su tri države. formirana ovdje: Francuska, Njemačka, Italija. Glavni grad istočnog dijela bio je Konstantinopolj, koji je osnovao car Konstantin na mjestu grčke kolonije Vizantije - otuda i naziv države.

Tokom srednjeg veka u Evropi se javlja novi tip muzičke kulture - feudalna, koja kombinuje profesionalnu umetnost, amatersko muziciranje i folklor. Budući da crkva dominira u svim oblastima duhovnog života, osnov profesionalne muzičke umjetnosti čini djelovanje muzičara u crkvama i manastirima. Svjetovnu profesionalnu umjetnost u početku su predstavljali samo pjevači koji su stvarali i izvodili epske priče na dvoru, u plemićkim kućama, među ratnicima itd. (bardovi, skaldovi itd.). Vremenom su se razvili amaterski i poluprofesionalni oblici muziciranja viteštva: u Francuskoj - umetnost trubadura i truvera (Adam de la Hale, XIII vek), u Nemačkoj - minezingeri (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII vijeka), kao i gradskih zanatlija. U feudalnim dvorcima i gradovima kultivišu se sve vrste pjesama, žanrovi i oblici pjesama (epske, „zornice“, rondo, le, virele, balade, kancone, lauda itd.).

U svakodnevni život dolaze novi muzički instrumenti, uključujući i one koji su došli sa istoka (viola, lauta i dr.), a pojavljuju se i ansambli (nestabilnog sastava). Folklor cvjeta među seljacima. Tu su i „narodni profesionalci“: pripovjedači, putujući umjetnici sintetike (žongleri, mimici, ministranti, špilmani, šašavci). Muzika opet obavlja uglavnom primijenjene i duhovno-praktične funkcije. Kreativnost se javlja u jedinstvu sa performansom (obično u jednoj osobi).

Postepeno, iako polako, obogaćuju se sadržaj muzike, njeni žanrovi, forme i sredstva izražavanja. U zapadnoj Evropi od 6. do 7. veka. Nastajao je strogo uređen sistem jednoglasne (monodične) crkvene muzike zasnovane na dijatonskim modusima (gregorijanski pojanje), koji je kombinovao recitaciju (psalmodija) i pevanje (himne). Na prelazu iz 1. u 2. milenijum počela je da se javlja polifonija. Formiraju se novi vokalni (horski) i vokalno-instrumentalni (hor i orgulje) žanrovi: organum, motet, dirigent, zatim masa. U Francuskoj, u 12. veku, formirana je prva kompozitorska (kreativna) škola u katedrali Notre Dame (Leonin, Perotin). Na prijelazu renesanse (ars nova stil u Francuskoj i Italiji, XIV vijek) u profesionalnoj muzici monofoniju zamjenjuje polifonija, muzika počinje postepeno da se oslobađa čisto praktičnih funkcija (služba crkvenih obreda), značaj sekularnih žanrova , uključujući pjesme, povećava se u njemu (Guillaume de Masho).

Materijalna osnova srednjeg vijeka bili su feudalni odnosi. Srednjovjekovna kultura se formira u uslovima seoskog posjeda. Nakon toga, društvena osnova kulture postaje urbana sredina - građanstvo. Formiranjem država formiraju se glavne klase: sveštenstvo, plemstvo i narod.

Umjetnost srednjeg vijeka usko je povezana sa crkvom. Kršćanska doktrina je osnova filozofije, etike, estetike i cjelokupnog duhovnog života ovoga vremena. Ispunjena religioznom simbolikom, umjetnost je usmjerena od zemaljskog, prolaznog - ka duhovnom, vječnom.

Uz zvaničnu crkvenu kulturu (visoku), postojala je i svjetovna kultura (niža) – folklorna (niži društveni slojevi) i viteška (dvorska).

Glavni centri profesionalne muzike ranog srednjeg veka bili su katedrale, škole pevanja pri njima i manastiri - jedini centri obrazovanja tog vremena. Učili su grčki i latinski, aritmetiku i muziku.

Glavni centar crkvene muzike u zapadnoj Evropi tokom srednjeg veka bio je Rim. Krajem 6. - početkom 7. vijeka. Formira se glavna sorta zapadnoevropske crkvene muzike - gregorijanski koral, nazvan po papi Grguru I, koji je izvršio reformu crkvenog pojanja, okupljajući i organizujući različite crkvene napeve. Gregorijanski koral je jednoglasni katolički napjev koji kombinuje vekovne pevačke tradicije raznih bliskoistočnih i evropskih naroda (Siraca, Jevreja, Grka, Rimljana itd.). Bilo je to glatko monofono odvijanje jedne melodije koja je trebala personificirati jednu volju, usmjeravanje pažnje župljana u skladu s načelima katoličanstva. Karakter muzike je strog, bezličan. Koral je izveo hor (otuda i naziv), neke dionice solista. Dominira progresivni pokret zasnovan na dijatonskim modusima. Gregorijanski koral je dozvoljavao mnoge gradacije, u rasponu od jako spore horske psalmodije do likovanja (melizmatičnog pjevanja sloga), zahtijevajući virtuozno vokalno umijeće za izvođenje.

Gregorijanski pojanje udaljava slušaoca od stvarnosti, izaziva poniznost i vodi u kontemplaciju i mističnu odvojenost. Taj uticaj doprinosi i tekst na latinskom, koji je većini župljana nerazumljiv. Ritam pjevanja određivao je tekst. Nejasan je, neodređen, određen prirodom akcenata recitacije teksta.

Različiti tipovi gregorijanskog pjevanja okupljeni su u glavnoj službi Katoličke crkve – misi, u kojoj je ustanovljeno pet postojanih dijelova:

Kyrie eleison (Gospode pomiluj)

Glorija (slava)

Credo (vjerujem)

Sanctus (sveto)

Agnus Dei (jagnje Božje).

Vremenom, elementi narodne muzike počinju da prodiru u gregorijanski pojanje kroz himne, sekvence i trope. Ako je psalmodije izvodio profesionalni hor pjevača i sveštenstva, onda su himne isprva izvodili parohijani. Bili su umetci u službeno bogosluženje (imali su odlike narodne muzike). Ali ubrzo su himnički dijelovi mise počeli zamjenjivati ​​psalmodične, što je dovelo do pojave polifone mise.

Prve sekvence su bile podtekst za melodiju godišnjice kako bi jedan zvuk melodije imao zaseban slog. Sekvencija postaje raširen žanr (najpopularnije su “Veni, sancte spiritus”, “Dies irae”, “Stabat mater”). “Dies irae” su koristili Berlioz, List, Čajkovski, Rahmanjinov (vrlo često kao simbol smrti).

Prvi primeri polifonije potiču iz manastira - organum (kretanje u paralelnim kvintama ili kvartama), gimmel, fauburdon (paralelni šesti akordi), dirigovanje. Kompozitori: Leonin i Perotin (12-13 vek - katedrala Notr Dam).

Nosioci svjetovne narodne muzike u srednjem vijeku bili su mimici, žongleri, ministranti u Francuskoj, spilmani u zemljama nemačke kulture, hoglari u Španiji, bufoni u Rusiji. Ovi putujući umjetnici bili su univerzalni majstori: kombinirali su pjevanje, ples, sviranje na raznim instrumentima sa magijom, cirkuskom umjetnošću i pozorištem lutaka.

Druga strana sekularne kulture bila je viteška (dvorska) kultura (kultura sekularnih feudalaca). Gotovo svi plemeniti ljudi bili su vitezovi - od siromašnih ratnika do kraljeva. Formirao se poseban viteški kodeks prema kojem je vitez, uz hrabrost i hrabrost, morao imati istančane manire, biti obrazovan, velikodušan, velikodušan i vjerno služiti Lijepoj Gospi. Svi aspekti viteškog života ogledali su se u muzičkoj i poetskoj umjetnosti trubadura (Provansa - južna Francuska), trouvères (sjeverna Francuska) i minnesingera (Njemačka). Umjetnost trubadura vezuje se prvenstveno za ljubavnu liriku. Najpopularniji žanr ljubavne lirike bila je kancona (među Minnesingerima - "Jutarnje pjesme" - albumi).

Trouvères je, uveliko koristivši iskustvo trubadura, stvorio vlastite originalne žanrove: “tkačke pjesme”, “Majske pjesme”. Važna oblast muzičkih žanrova trubadura, truvera i minezingera bili su žanrovi pesme i igre: rondo, balada, virele (refrenski oblici), kao i herojski ep (francuski ep „Pesma o Rolandu“, nemački – „Pesma Nibelunga”). Pjesme krstaša bile su široko rasprostranjene među Minnesingerima.

Karakteristične odlike umjetnosti trubadura, truvera i minezingera:

Monofonija je posljedica neraskidive veze melodije sa poetskim tekstom, što proizilazi iz same suštine muzičke i poetske umjetnosti. Monofonija je odgovarala i usmjerenosti na individualizirano izražavanje vlastitih iskustava, na ličnu procjenu sadržaja iskaza (često je izraz ličnih iskustava bio uokviren prikazom slika prirode).

Uglavnom vokalne izvedbe. Uloga instrumenata nije bila značajna: svodila se na izvođenje uvoda, interludija i postludija koji uokviruju vokalnu melodiju.

O viteškoj umjetnosti još se ne može govoriti kao o profesionalnoj, ali je prvi put u uvjetima svjetovnog muziciranja stvoren snažan muzičko-poetski pravac sa razvijenim kompleksom izražajnih sredstava i relativno savršenim muzičkim spisom.

Jedno od važnih dostignuća zrelog srednjeg vijeka, počevši od 10.-11. stoljeća, bio je razvoj gradova (građanska kultura). Glavne karakteristike urbane kulture bile su anticrkvena, slobodoljubiva orijentacija, povezanost sa folklorom, te njegov smijeh i karnevalski karakter. Razvio se gotički arhitektonski stil. Formiraju se novi polifoni žanrovi: od 13.-14. do 16. vijeka. - motet (od francuskog - "reč". Motet karakteriše melodijska različitost glasova koji su istovremeno intonirali različite tekstove - često čak i na različitim jezicima), madrigal (od italijanskog - "pesma na maternjem jeziku", tj. italijanski. Tekstovi ljubavno-lirski, pastirski), caccia (od italijanskog - "lov" - vokalni komad zasnovan na tekstu koji prikazuje lov).

Putujući narodni muzičari prelaze iz nomadskog načina života u sjedilački, naseljavaju čitave gradske blokove i formiraju jedinstvene „muzičarske cehove“. Počevši od 12. veka, narodnim sviračima su se pridružili skitnici i golijari - deklasirani ljudi iz različitih klasa (školci, odbegli monasi, lutajući sveštenici). Za razliku od nepismenih žonglera - tipičnih predstavnika umjetnosti usmene tradicije - skitnice i golijari su bili pismeni: poznavali su latinski jezik i pravila klasične versifikacije, komponovali su muziku - pjesme (opseg slika je povezan sa školskom naukom i studentskim životom) i čak i složene kompozicije kao što su provodljivosti i moteti .

Univerziteti su postali značajan centar muzičke kulture. Muzika, tačnije muzička akustika, zajedno sa astronomijom, matematikom i fizikom, bila je uključena u kvadrijum, tj. ciklus od četiri discipline koje se izučavaju na univerzitetima.

Tako su u srednjovekovnom gradu postojali centri muzičke kulture različite prirode i društvene orijentacije: udruženja narodnih svirača, dvorska muzika, muzika manastira i katedrala, univerzitetska muzička praksa.

Muzička teorija srednjeg vijeka bila je usko povezana s teologijom. U nekoliko muzičko-teorijskih rasprava koje su došle do nas, na muziku se gledalo kao na „služavku crkve“. Među istaknutim raspravama ranog srednjeg veka izdvaja se 6 knjiga Avgustina „O muzici“, 5 Boetijevih „O uspostavljanju muzike“ itd. Veliko mesto u ovim raspravama dato je apstraktnim skolastičkim pitanjima, tj. doktrina kosmičke uloge muzike itd.

Srednjovjekovni sistem modusa razvili su predstavnici crkvene profesionalne muzičke umjetnosti - zato je srednjovjekovnim modusima dodijeljen naziv "crkveni modusi". Jonski i Eolski modus su postali glavni modusi.

Muzička teorija srednjeg vijeka iznijela je doktrinu o heksakordima. U svakom modusu u praksi je korišteno 6 koraka (na primjer: do, re, mi, fa, salt, la). Si je tada izbjegnut jer zajedno sa F, formirao je prelazak na povećanu kvartu, koja se smatrala veoma disonantnom i figurativno je nazvana „đavo u muzici“.

Ne-međusobno snimanje je bilo široko korišćeno. Gvido Aretinski je unapredio sistem muzičkog zapisa. Suština njegove reforme bila je sljedeća: prisustvo četiri reda, treći omjer između pojedinih redova, ključni znak (izvorno abecedni) ili bojanje linija. Uveo je i slogovne zapise za prvih šest stupnjeva modusa: ut, re, mi, fa, sol, la.

Uvedena je mensuralna notacija, gdje je svakoj noti dodijeljen određeni ritmički takt (lat. mensura - mjera, mjera). Naziv trajanja: maxima, longa, brevis, itd.

14. vijek je prijelazni period između srednjeg vijeka i renesanse. Umetnost Francuske i Italije 14. veka zvala se “Ars nova” (od latinskog – nova umetnost), a u Italiji je imala sva svojstva rane renesanse. Glavne karakteristike: odbijanje korišćenja isključivo žanrova crkvene muzike i okretanje ka sekularnim vokalno-instrumentalnim kamernim žanrovima (balada, caccia, madrigal), približavanje svakodnevnoj pesmi, upotreba raznih muzičkih instrumenata. Ars nova je suprotnost tzv. ars antiqua (lat. ars antiqua - stara umjetnost), što znači muzička umjetnost prije početka 14. vijeka. Najveći predstavnici ars nova bili su Guillaume de Machaut (14. vek, Francuska) i Francesco Landino (14. vek, Italija).

Dakle, muzička kultura srednjeg veka, uprkos relativnoj ograničenosti sredstava, predstavlja viši nivo u odnosu na muziku antičkog sveta i sadrži preduslove za veličanstven procvat muzičke umetnosti u renesansi.

muzika srednjeg veka gregorijanski trubadur

1. Osnove

Trubadurs(francuski trubaduri, od Ox. trobar - pisati poeziju) ili, kako ih često nazivaju, ministranti - to su pjesnici i pjevači srednjeg vijeka, čiji rad obuhvata period od jedanaestog do trinaestog vijeka, a počinje njegov procvat. u dvanaestom, a završava se početkom trinaestog veka. Umjetnost trubadura nastala je u južnom dijelu Francuske, a njen glavni centar je regija Provansa. Trubaduri su komponovali svoje pesme na dijalektu Ok, romanskom jeziku koji je bio rasprostranjen u Francuskoj južno od Loare, kao i u regionima Italije i Španije u blizini Francuske. Trubaduri su bili aktivni sudionici društvenog, vjerskog i političkog života društva. Proganjani su zbog kritike crkve. Albigenzijski krstaški rat 1209-1229. okončao je njihovu umjetnost. Umjetnost trubadura bila je povezana sa kreativnošću truvera. Pojavivši se u južnim regionima Francuske pod istim istorijskim uslovima kao i muzika trubadura, lirska dela truvera su imala mnogo zajedničkog sa njom. Štaviše, truvere su bile pod direktnim i veoma jakim uticajem poezije trubadura, što je bilo posledica intenzivne književne razmene.

Minnesingers- Nemački lirski pesnici i pevači koji su opevali vitešku ljubav, ljubav prema Gospi, služenje Bogu i gospodaru i krstaški rat. Tekstovi Minesingera su preživjeli do danas, na primjer u Heidelbergovom rukopisu. Riječ "Minnezang" se koristi u nekoliko značenja. U širem smislu, pojam minnesanga objedinjuje nekoliko žanrova: svjetovnu vitešku liriku, ljubavnu (na latinskom i njemačkom) poeziju vaganata i špilmana, kao i kasniju „dvorsku (dvorsku) seosku poeziju“ (njemački höfische Dorfpoesie). U užem smislu, minnesang se shvaća kao vrlo specifičan stil njemačke viteške lirike - dvorske književnosti koja je nastala pod uticajem trubadura Provanse, Francuske i Flamana.

narodna muzika(ili folklor, engleski folklor) - muzičko i poetsko stvaralaštvo naroda. Sastavni je dio folklora i istovremeno je uključen u historijski proces formiranja i razvoja kultne i svjetovne, profesionalne i masovne muzičke kulture. Na konferenciji Međunarodnog saveta narodne muzike (početke 1950-ih) narodna muzika je definisana kao proizvod muzičke tradicije, formiran u procesu usmenog prenošenja pomoću tri faktora - kontinuiteta (kontinuiteta), varijabilnosti (varijabilnosti) i selektivnosti (selektivnosti). sredine).Usmeno se ističe i pisana muzička tradicija. Od razvoja pisane muzičke tradicije postojao je stalan međusobni uticaj kultura. Dakle, narodna muzika postoji na određenoj teritoriji i u određenom istorijskom vremenu, odnosno ograničena je prostorom i vremenom, što stvara sistem muzičkih narodnih dijalekata u svakoj narodnoj muzičkoj kulturi.

gregorijanski koral(latinski cantus gregorianus; engleski gregorijanski koral, francuski chant gregorien, nemački gregorianischer Gesang, italijanski canto gregoriano), gregorijanski koral [cantus planus - tradicionalno liturgijsko pevanje Rimokatoličke crkve. Izraz „gregorijanski koral“ potiče od imena Grgur I. Veliki (papa 590-604), kojemu je srednjovjekovna tradicija pripisivala autorstvo većine napjeva rimske liturgije. U stvarnosti, Grgurova uloga je očigledno bila ograničena samo na sastavljanje liturgijske rutine, možda antifona. Reč koral u ruskom se koristi u mnogim značenjima (često u smislu četvoroglasnog aranžmana luteranskih crkvenih pesama, takođe u muzikološkim delima - u frazi „horsko skladište” [podrazumeva polifoniju]), dakle, za označavanje liturgijskih monodije katolika, preporučljivo je koristiti autentični srednjovjekovni izraz cantus planus (koji se na ruski može prevesti kao „glatko pjevanje”, „ravnomjerno pjevanje” itd.).

Prema stepenu napjeva (liturgijskog) teksta, napjevi se dijele na silabičke (1 ton po slogu teksta), neumatske (2-3 tona po slogu) i melizmatičke (neograničen broj tonova po slogu). Prvi tip uključuje recitativne uzvike, psalme i većinu službenih antifona, drugi - uglavnom introite, communio (participijalna antifona) i neke obične misne himne, treći - velike responzorije zvaničnika i misa (tj. graduali), traktate , Aleluja itd.

Vizantijska sakralna muzika. Apostol Pavle svedoči da su prvi hrišćani pevali Bogu u psalmima, himnama i duhovnim pesmama (Ef. 5,19). Dakle, muzika se oduvijek koristila u Crkvi. Crkveni istoričar Euzebije piše da su psalme i himne stvarali vjernici „od samog početka da proslavljaju Gospoda“. Uz starogrčki jezik za komponovanje himni, hrišćanski pesnici su koristili i starogrčku muziku, koja je tada bila raširena u celom prosvetljenom svetu. Veliki oci prva tri veka, kao što su sveti Ignjatije Bogonosac, sveti Justin Filosof, sveti Irinej, sveti Grigorije episkop Neokesarijski, čudotvorac, pokazivali su posebno interesovanje za psalmodiju. Posebno mesto u pevačkoj tradiciji zauzima sveti Jovan Damaskin (676-756), koji je pored pisanja lepih napeva sistematizovao crkvenu muziku. Podijelio je muziku na osam glasova: prvi, drugi, treći, četvrti, prvi plagal, drugi plagal, treći plagal (ili varis) i četvrti plagal, i uspostavio način snimanja muzike pomoću posebnih znakova. Sveti Jovan Damaskin je ograničavao neovlašćeno, svjetovno sastavljanje muzike i zagovarao jednostavnost i pobožnost u njoj.

2. Muzički instrumenti srednjovjekovne Evrope

Šalmei se pojavio u 13. veku, njegova struktura je bliska krumhornu. Radi praktičnosti, u gornjem dijelu cijevi napravljen je poseban zavoj koji se zove "pirueta" (moderni saksofon ima nešto slično). Od osam rupa za prste, jedna je bila zatvorena ventilom, što je takođe olakšalo igru. Nakon toga, ventili su počeli da se koriste na svim drvenim puhačima. Zvuk šala je oštar i zvučan, a čak i niskoregistrirane varijante instrumenta modernom slušaocu djeluju glasno i piskavo.

Uzdužne svirale različitih registara bile su veoma popularne. Zovu se uzdužne jer ih, za razliku od modernih poprečnih flauta, izvođač drži okomito, a ne horizontalno. Flaute ne koriste trske, pa zvuče tiše od ostalih duvačkih instrumenata, ali im je tembar iznenađujuće nježan i bogat nijansama. Gudački instrumenti srednjeg vijeka - rebec i fidel. Imaju od dvije do pet žica, ali gusle imaju zaobljenije tijelo, nejasno podsjećaju na krušku, dok je rebec (bliski po tembru) izduženijeg oblika. Od 11. veka Poznato je da trumshait instrument ima originalan dizajn. Ime dolazi od dvije njemačke riječi: Trumme - "cijev" i Scheit - "balvan". Truba ima dugačko, klinasto tijelo i jednu žicu. U 17. veku Dodatne rezonantne žice počele su se istezati unutar tijela. Nisu svirali gudalom, ali su pri sviranju na glavnoj žici vibrirali, a to je dodavalo dodatne nijanse tembru zvuka. Postojao je poseban stalak za tetivu, čija je jedna noga bila kraća od druge, pa postolje nije čvrsto pristajalo uz tijelo. Tokom igre, pod uticajem vibracije žice, ona je udarala u telo i tako je nastao originalan efekat „perkusijske pratnje“.

Pored gudačkih instrumenata, gudačka grupa je uključivala i trkačke instrumente - harfu i citru. Srednjovjekovna harfa je po obliku slična modernoj, ali mnogo manja po veličini. Citra je pomalo nalik harfi, ali je njena struktura složenija. Na jednoj strani drvene kutije napravljeno je malo okruglo izbočenje (u obliku pravokutne kutije). Vrat (od njemačkog Griff - "ručka") - drvena ploča za zatezanje žica - podijeljen je posebnim metalnim izbočinama - pragovima. Zahvaljujući njima, izvođač prstom precizno pogađa pravu notu. Citra ima od trideset do četrdeset žica, od kojih su četiri ili pet metalnih, a ostale su žilave. Za sviranje metalnih žica koristi se naprstak (stavljen na prst), a pramenovi se čupaju prstima. (Citra se pojavila na prijelazu iz 12. u 13. stoljeće, ali je postala posebno popularna u 15.-16. stoljeću.

3. Muzika u staroj Rusiji

Umetnost srednjeg veka uz svu svoju raznolikost, imala je neke zajedničke osobine koje su bile određene njegovim mjestom u životu, u sistemu oblika društvene svijesti, njegovom specifičnom praktičnom svrhom i prirodom ideoloških funkcija koje je obavljao. Umjetnost je, kao i srednjovjekovna nauka, moral i filozofija, stavljena u službu religije i trebala je pomoći u jačanju njenog autoriteta i moći nad svijesti ljudi, razjasniti i promovirati načela kršćanske vjere. Tako se ispostavilo da je njegova uloga primijenjena i podređena, smatrana je samo kao jedna od komponenti te razrađene, veličanstvene ritualne radnje koja je bogosluženje kršćanske crkve. Izvan liturgijskog rituala, umjetnost je prepoznata kao grešna i štetna za ljudske duše.

Crkveno pjevanje bio je čvršće povezan s kultom nego sve druge umjetnosti. Bogosluženja su se mogla obavljati bez ikona, van raskošnih prostorija hrama, u jednostavnoj i strogoj atmosferi. Sveštenici nisu morali da nose bujnu, bogato ukrašenu odeždu. Ali pjevanje je bilo sastavni dio molitvenog rituala već u najstarijim kršćanskim zajednicama, koje su odbacivale svaki luksuz i ukrase.

Dominantna uloga u pjevanju pripadala je tekstu, a melodija je samo trebala olakšati percepciju „božanskih riječi“. Taj je zahtjev odredio samu prirodu crkvenog pjevanja. Morao se izvoditi monofono, unisono i bez pratnje instrumenata. Prijem muzičkih instrumenata za učešće u bogosluženju, kao i razvoj horskog polifonije u katoličkoj crkvenoj muzici tog perioda kasnog srednjeg vijeka , predstavljalo je kršenje strogih asketskih normi kršćanske umjetnosti, koja je bila primorana da se prilagođava novim zahtjevima vremena po cijenu određenih ustupaka i kompromisa. Poznato je da su katoličke vlasti naknadno više puta postavljale pitanje vraćanja čednoj jednostavnosti gregorijanskog cantus planusa. Istočnohrišćanska crkva zadržala je tradiciju unisonog a cappella pjevanja do sredine 17. vijeka, a u nekim zemljama i duže, ali je upotreba muzičkih instrumenata u njoj ostala zabranjena do danas. Crkveno pjevanje je trebalo da se izvodi jednostavno i suzdržano, bez pretjeranog izražavanja, jer samo takvo pjevanje obožavatelja približava Bogu.

Crkva, koja je u srednjem vijeku imala monopol u oblasti prosvjetiteljstva i obrazovanja, bila je jedini vlasnik muzičkog pisanja i sredstava za poučavanje muzike. Srednjovjekovno nelinearno pisanje, čija su varijacija bili ruski transparenti, bilo je namijenjeno samo za snimanje crkvenih pjevanja. Crkveno pojanje, koje se razvijalo u okviru jednoglasne tradicije, zadržalo se u Rusiji sve do druge polovine 17. veka kao jedina vrsta pisane muzičke umetnosti zasnovana na razvijenim teorijskim postavkama i određenom broju kompozicijskih i tehničkih pravila.

Umetnost srednjeg veka karakteriše velika postojanost tradicije. Jedna od posledica toga je slab izraz ličnog, individualnog principa. Izvana, to se očituje u činjenici da je većina umjetničkih djela ostala anonimna. Tvorci ovih djela, po pravilu, ih nisu potpisivali niti su na skriveni, šifrirani način ukazivali njihovo autorstvo. Gotov, dovršen tekst nije ostao netaknut. Tokom korespondencije, mogao bi biti podložan promjenama, redukcijama ili, obrnuto, proširenju umetanjem pozajmljenih iz drugog izvora. Pisar nije bio mehanički prepisivač, već u određenoj mjeri koautor, dajući vlastitu interpretaciju napisanom, dajući svoje komentare i slobodno povezujući različite dijelove teksta. Kao rezultat toga, djelo je u suštini postalo proizvod kolektivnog stvaralaštva, a da bi se otkrio njegov izvorni temelj pod mnogim kasnijim slojevima, često su bili potrebni vrlo veliki napori.

Srednjovjekovni kompozitor bavio se ustaljenim zbirom melodijskih formula koje je povezivao i kombinovao, slijedeći određena kompozicijska pravila i propise. Formula bi takođe mogla biti cjelina, potpuna melodija. Takozvano „pjevanje na sličnom“, posebno rašireno u prvim stoljećima ruske pjevačke umjetnosti, sastojalo se u tome da su neki od napjeva prihvaćenih u crkvenoj upotrebi postali uzori za pjevanje raznih liturgijskih tekstova. Melodijska formula, koja služi kao glavna strukturna jedinica znamenog napjeva, naziva se pojanje, a sam način stvaranja melodije zasnovan na spajanju i modifikovanom ponavljanju pojedinačnih napjeva obično se definiše kao varijantni napjev.

Unatoč strogim pravilima kojih se srednjovjekovni umjetnik morao pridržavati i potrebi da se striktno pridržava kanoniziranih modela, mogućnost lične kreativnosti nije bila potpuno isključena. Ali to nije bilo izraženo u poricanju dominantnih tradicija i afirmaciji novih estetskih principa, već u ovladavanju suptilnim, detaljnim nijansama, slobodi i fleksibilnosti u korištenju općih standardnih shema. U muzici je takvo promišljanje stalnih melodijskih formula postignuto kroz intonacijske nijanse. Zamjena nekih intervala drugim, male promjene u zavoju melodijske linije, prestrojavanja i pomjeranja ritmičkih akcenata mijenjali su ekspresivnu strukturu melodije bez narušavanja njene osnovne strukture. Neke od ovih promjena su se učvrstile u praksi i dobile tradicionalni karakter. Postepeno se gomilajući, doveli su do formiranja lokalnih varijanti, škola i individualnih manira, koji su imali svoje posebne osobenosti.

4. Narodni i profesionalni iart

Hrišćanska crkva, kako na Zapadu tako i na Istoku, koja je nastojala da monopolizira sva sredstva utjecaja na ljudsku psihu i u potpunosti ih stavila u službu vlastitih ciljeva, bila je oštro neprijateljska prema tradicionalnim narodnim igrama, pjesmama i igrama, proglašavajući ih grešni, odvraćajući se od prave vjere i pobožnosti. Srednjovjekovne vjerske propovijedi i učenja pune su oštrih denuncijacija onih koji se upuštaju u te duše štetne zabave i prijete im prokletstvom i vječnim mukama na onom svijetu. Jedan od razloga ovakvog netolerantnog odnosa prema narodnoj umjetnosti bila je njena povezanost s paganskim vjerovanjima i obredima, koji su nastavili živjeti među masama stanovništva još dugo nakon usvajanja kršćanstva. U ruskoj vjerskoj i obrazovnoj literaturi pjevanje pjesama, ples i sviranje na instrumentima obično se porede sa „idolopoklonstvom“, „idolskim žrtvom“ i molitvama koje prinosi „prokleti bog“ paganizam .

Ali sve te denuncijacije i zabrane nisu mogle iskorijeniti ljubav naroda prema zavičajnoj umjetnosti. Tradicionalne vrste narodne umjetnosti nastavile su živjeti i razvijati se, široko prisutne u različitim slojevima društva. Folklor je u svojim raznovrsnim oblicima i manifestacijama zahvatio širu sferu života, a njegov udio u umjetničkim srednjovjekovne kulture bio značajniji nego u umjetničkom sistemu modernog vremena. Folklor je popunio vakuum nastao odsustvom pisanih oblika sekularnog muzičkog stvaralaštva. Narodna pjesma, umjetnost narodnih "svirača" - izvođača na muzičkim instrumentima - bila je rasprostranjena ne samo među nižim radničkim slojevima, već iu višim slojevima društva, sve do kneževskog dvora.

Pod uticajem narodnih pesama razvila se i karakteristična intonaciona struktura ruskog crkvenog pojanja, koja se vremenom udaljila od vizantijskih uzora, razvijajući svoje nacionalno originalne melodijske forme. S druge strane, u figurativnoj, poetskoj i muzičkoj strukturi ruskih narodnih pjesama mogu se pronaći tragovi utjecaja vjerskih kršćanskih pogleda i stilistike crkvene umjetnosti, kako su folkloristi više puta isticali.

Jedna od glavnih karakteristika folklora je kolektivnost. Djela narodne umjetnosti po pravilu se ne vezuju za ličnost nijednog autora i smatraju se vlasništvom, ako ne cijelog naroda, onda određene društvene grupe, korporacije (npr. zajednica. To ne isključuje učešće lične kreativnosti u njihovom kreiranju i izvođenju.

U muzici drevna Rus' nije bilo figura koje bi se mogle porediti s Palestrinom, Orlandom Lasom ili Schutzom. Nisu mogli napredovati u tadašnjim uslovima sa preovlađujućim načinom života i pogledom na svet. Značaj drevne ruske muzičke baštine određen je ne smelom smelošću pojedinih izuzetnih ličnosti, već opštim, holističkim karakterom, koji je utisnuo hrabri, strogi i suzdržani izgled ljudi koji su ga stvorili. Majstori ruskog srednjeg vijeka, ne kršeći stroge norme i ograničenja propisane kanonom, postigli su u svom radu izvanredno estetsko savršenstvo, bogatstvo i svjetlinu boja u kombinaciji s dubinom i snagom izraza. Mnogi primjeri ove umjetnosti, svojom uzvišenom i jedinstvenom ljepotom, spadaju u najveće manifestacije nacionalnog umjetničkog genija.

Izvori

https://ru.wikipedia.org/wiki/Music_of the Middle Ages

http://medmus.ru/

http://www.webkursovik.ru/kartgotrab.asp?id=-49105

http://arsl.ru/?page=27

http://www.letopis.info/themes/music/rannjaja_muziyka..

http://ivanikov.narod.ru/page/page7.html

http://www.medieval-age.ru/peacelife/art/myzykanarusi.html

Objavljeno na Allbest.ru

...

Slični dokumenti

Vokalna, instrumentalna i vokalno-instrumentalna muzika. Glavni žanrovi i muzički pravci vokalne i instrumentalne muzike. Popularnost instrumentalne muzike u doba renesanse. Pojava prvih virtuoznih izvođača.

prezentacija, dodano 29.04.2014


Narodna muzika srednjeg veka. Faze razvoja srednjovjekovne monodije 11.-13. stoljeća. Pojava novog stila - polifonije. Predstavnici narodne muzičke kulture srednjeg vijeka. Značaj časova solfeđa. Koncept ritma, ritma i metra u muzici.

sažetak, dodan 14.01.2010


Muzika antičkog doba u Grčkoj, njena uloga u javnom i privatnom životu. Žičani trzački i duvački instrumenti starih Grka. Pitagorina teorija muzike. Muzička umjetnost starog Egipta. Pojam muzičkih intervala, njihove varijante i cirkulacija.

sažetak, dodan 14.01.2010


Karakteristike ruske muzike 18. veka. Barok je doba kada su ideje o tome kakva muzika treba da bude dobile svoj oblik, te muzičke forme nisu izgubile svoju aktuelnost ni danas. Veliki predstavnici i muzička dela baroknog doba.

sažetak, dodan 14.01.2010


Muzika je zauzimala jedno od najvažnijih mesta u umetničkom sistemu Drevne Indije. Njegovo porijeklo seže u narodne i vjerske rituale. Kosmološke ideje Drevne Indije uticale su na sfere vokalne i instrumentalne muzike. Indijski muzički instrumenti.

test, dodano 15.02.2010


Poreklo rok muzike, središta njenog nastanka, muzičke i ideološke komponente. Rok muzika 60-ih, pojava hard muzike i uspon garažnog roka. Alternativna muzička kultura. Rok muzika 2000-ih i autsajderi svih vremena.

sažetak, dodan 01.09.2010


Definicija etno muzike, njenih kategorija i karakterističnih zvukova. Poznati izvođač afro-kubanskog sina i bolero muzike Ibrahim Ferrer kao primjer etno-izvođača. Popularizacija etno muzike u Rusiji. Primjeri etničkih muzičkih instrumenata.

prezentacija, dodano 25.12.2011


Rep muzika je jedan od elemenata hip-hopa, oblik rimovanih tekstova koji se ritmično recituju muzičkim instrumentima. Istorija rep muzike. Old School Rap, prvi snimci. Korijeni hip-hopa. Prodor hip-hopa u Rusiju. Ruski rep izvođači.

članak, dodan 27.04.2010


Muzika je oblik umjetnosti, njena uloga u ljudskom životu. Muzika i druge umetnosti. Vremenska i zvučna priroda muzičkih sredstava. Slike svojstvene muzici. Muzika u duhovnoj kulturi. Uticaj promenjenih uslova postojanja muzike u društvu.

sažetak, dodan 26.01.2010


Umjetnost koja odražava stvarnost u zvučnim umjetničkim slikama. Odnos muzike i godina. Utvrđivanje odnosa između karaktera i muzike. Glavni žanrovi muzike. Svestranost muzike i njen značaj u savremenom ljudskom životu.

Srednji vijek je najduža kulturna era u istoriji Zapadne Evrope. Obuhvata devet vekova - od 6. do 14. veka. To je vrijeme dominacije Katoličke crkve, koja je od prvih koraka bila pokrovitelj umjetnosti. Crkvena riječ (molitva) u različitim zemljama Evrope iu različitim društvenim slojevima bila je neraskidivo povezana s muzikom: zvučali su psalmi, himne, korali - koncentrisane, odvojene melodije, daleko od svakodnevne vreve.

Takođe, po nalogu crkve, podignuti su veličanstveni hramovi, ukrašeni skulpturama i šarenim vitražima; Zahvaljujući pokroviteljstvu crkve, arhitekti i umjetnici, kipari i pjevači posvetili su se svojoj nepodijeljeno voljenoj umjetnosti, odnosno Katolička crkva ih je finansijski podržavala. Dakle, najznačajniji dio umjetnosti općenito, a posebno muzike, bio je pod jurisdikcijom katoličke vjeroispovijesti.

Crkveno pjevanje u svim zemljama zapadne Evrope zvučalo je na strogom latinskom, a da bi još više učvrstio jedinstvo i zajednicu katoličkog svijeta, papa Grgur I, koji je stupio na prijesto početkom 4. stoljeća, sabrao je sve crkvene pjesme i propisano za obavljanje svakog od njih određeni dan po crkvenom kalendaru. Melodije koje je papa sakupio nazivale su se gregorijanskim napjevom, a tradicija pjevanja koja se temelji na njima naziva se gregorijanskim pjevanjem.

U melodijskom smislu, gregorijanski koral je orijentisan na oktoih, sistem od osam modova. Bio je to modus koji je često ostajao jedini pokazatelj kako treba izvoditi koral. Svi modovi su činili oktavu i bili su modifikacija drevnog sistema trikorda. Ladovi su imali samo numeraciju, koncepte „dorijanskog“, „lidijskog“ i tako dalje. bili isključeni. Svaki prag je predstavljao vezu dva tetrakorda.

Gregorijanski korali su idealno odgovarali njihovoj molitvenoj svrsi: ležerne melodije bile su sastavljene od neprimjetno prelivajućih motiva jedna u drugu, melodijska linija je bila ograničena u tesituri, razmaci između zvukova su bili mali, ritmički obrazac je također bio uglađen, korali su građeni na osnovu dijatonska ljestvica. Gregorijanske napjeve pjevao je jednoglasni muški hor i podučavao se takvom pjevanju prvenstveno u usmenoj tradiciji. Pisani izvori gregorijanizma su primjer nenumeričke notacije (posebni simboli postavljeni iznad latinskog teksta), međutim, ova vrsta notnog zapisa označavala je samo približnu visinu zvuka, opći smjer melodijske linije i nije doticala ritmičku stranu i stoga se smatralo teškim za čitanje. Pjevači koji su izvodili crkvene korale nisu uvijek bili obrazovani i učili su svoj zanat usmeno.

Gregorijanski koral postao je simbol ogromne ere, koja je u njemu odrazila svoje razumijevanje života i svijeta. Značenje i sadržaj korala odražavali su predstavu srednjovjekovnog čovjeka o suštini postojanja. U tom smislu, srednji vijek se često naziva „mladošću evropske kulture“, kada su, nakon pada starog Rima 476. godine, plemena varvara, Gala i Germana napala Evropu i počela obnavljati svoje živote. Njihovo vjerovanje u kršćanske svece odlikovalo je bezumje, jednostavnost, a melodije gregorijanskih napjeva bile su zasnovane na istom principu prirodnosti. Određena monotonija korala odražava ideju srednjovjekovnog čovjeka o prostoru, koji je ograničen njegovim vidnim poljem. Također, ideja vremena bila je povezana s idejom ponavljanja i nepromjenjivosti.

Gregorijanski koral, kao dominantni muzički stil, konačno je uspostavljen širom Evrope do 9. veka. Istovremeno, najveće otkriće dogodilo se u muzičkoj umetnosti, koje je uticalo na čitavu njenu kasniju istoriju: naučnik-monah, italijanski muzičar Gvido iz Areca (Aretinski) izmislio je notni zapis, koji koristimo do danas. Od sada se gregorijanski koral mogao pjevati iz nota i ušao je u novu fazu svog razvoja.

Od 7. do 9. veka pojmovi „muzika“ i „gregorijanski koral“ postojali su neodvojivo. Proučavajući melodiju korala, srednjovekovni muzičari i pevači želeli su da ih ukrase, ali menjanje crkvenog pojanja nije bilo dozvoljeno. Rešenje je pronađeno: iznad melodije korala, na jednakoj udaljenosti od svih njenih zvukova, dodat je drugi glas, koji je tačno ponavljao melodijski obrazac korala. Činilo se da je melodija zgusnuta, udvostručena. Ove prve dvoglasne kompozicije nazvane su organums, jer se donji glas u kojem je koral zvučao zvao vox principalis (glavni glas), a gornji, dodani glas se zvao vox organalis (dodatni glas). Zvuk organuma izazvao je asocijacije na akustiku hrama: bio je bučan i dubok. Nadalje, tokom 11.-13. stoljeća dvoglasnost je prerasla u troglasno (triptum) i četveroglasno.

Ritmički oblici organuma su primjer modalnog ritma. Ima ih šest: jamb (l ¡), trohej (trohej) (¡ l), daktil (¡ . l¡), anapest (l¡¡ . ), spondee (¡ . ¡ . ), tritrahijum (l l l).

Uz crkvenu umjetnost, razvojem evropskih gradova i ekonomija, u srednjem vijeku se rađa i nova umjetnost. Obični ljudi (građani gradova, seljaci) često su u svojim naseljima viđali lutajuće glumce i muzičare koji su plesali i izvodili pozorišne predstave na različite teme: o anđelima i Blaženoj Djevici Mariji ili o đavolima i paklenim mukama. Ova nova svjetovna umjetnost nije bila po ukusu asketskih službenika crkve, koji su u neozbiljnim pjesmama i nastupima nalazili đavolje mahinacije.

Procvat srednjovekovnih gradova i feudalnih zamkova, interesovanje za sekularnu umetnost koje je obuhvatilo sve slojeve, dovelo je do pojave prve profesionalne škole svetovne poezije i muzike - škole trubadura, koja je nastala na jugu Francuske u 12. veku. . Slični njemački pjesnici i muzičari zvali su se minnesingers (meistersingers), a sjevernofrancuski su se zvali trouvères. Kao autori poezije, pjesnici trubaduri su istovremeno djelovali kao kompozitori i pjevači.

Muzika trubadurskih pjesama izrasla je iz poezije i oponašala je svojom jednostavnošću, razigranošću i bezbrižnošću. U sadržaju takvih pjesama raspravljalo se o svim životnim temama: ljubavi i rastavi, dolasku proljeća i njegovim radostima, veselom životu lutajućih đaka, podvalama Fortune i njenom ćudljivom raspoloženju, itd. Ritam, jasna podjela na muzičke fraze, naglasak , periodičnost - sve su to bile tipične pesme trubadura.

Gregorijanski koral i trubadurski tekstovi su dva nezavisna pravca u srednjovjekovnoj muzici, međutim, uz svu njihovu suprotnost, mogu se uočiti zajedničke osobine: unutrašnja srodnost s riječju, sklonost glatkom, kitnjastom vokalnom izvođenju.

Vrhunac rane polifonije (polifonije) bila je škola Notre Dame. Muzičari koji su joj pripadali radili su u Parizu u katedrali Notr Dam u 12.-13. veku. Uspjeli su stvoriti takve polifone strukture, zahvaljujući kojima je muzička umjetnost postala samostalnija, manje ovisila o izgovoru latinskog teksta. Muzika se više nije doživljavala kao njegov oslonac i ukras, već je sada bila namijenjena posebno za slušanje, iako su se u crkvi i dalje izvodili organumi majstora ove škole. Na čelu škole Notre Dame bili su profesionalni kompozitori: u drugoj polovini 12. veka - Leonin, na prelazu iz 12. u 13. vek - njegov učenik Perotin.

Koncept „kompozitora“ u srednjem veku postojao je u pozadini muzičkih kultura, a sama reč je nastala od „komponovati“ – tj. kombinovati, stvoriti nešto novo od poznatih elemenata. Profesija kompozitora pojavila se tek u 12. veku (u djelima trubadura i majstora škole Notre Dame). Na primjer, pravila kompozicije koja je pronašao Leonin su jedinstvena jer je, počevši od dubokog proučavanja muzičkog materijala stvorenog prije njega, kompozitor naknadno uspio spojiti tradiciju strogog gregorijanskog pjevanja sa slobodnim normama trubadurske umjetnosti.

Već u Perotinovim organumima izmišljen je način produženja muzičke forme. Tako je muzičko tkivo podijeljeno na kratke motive izgrađene na principu sličnosti (svi predstavljaju prilično bliske verzije jedni drugima). Perotin prenosi te motive iz jednog glasa u drugi, stvarajući nešto poput motivskog lanca. Koristeći takve kombinacije i permutacije, Perotin je omogućio organumima da rastu u veličini. Zvuci gregorijanskog pjevanja, smješteni u glas cantus firmus, nalaze se na velikoj udaljenosti jedan od drugog - a to također doprinosi širenju muzičke forme. Tako je nastao novi žanr - MOTET; U pravilu se radi o troglasnoj kompoziciji koja je postala rasprostranjena u 13. stoljeću. Ljepota novog žanra bila je u istovremenom spoju različitih melodijskih linija, iako su one, zapravo, bile varijanta, duplikacija, odraz glavnog napjeva - cantus firmus. Takvi moteti su se zvali "naručeni".

Međutim, u javnosti su bili popularniji moteti, koji su, za razliku od moteta na cantus firmus, preuveličavali principe nesklada: neki od njih su čak komponovani na tekstove na različitim jezicima.

Srednjovjekovni moteti mogli su imati i duhovni i svetovni sadržaj: ljubav, satira itd.

Rana polifonija nije postojala samo kao vokalna umjetnost, već i kao instrumentalna. Za karnevale i praznike komponovana je plesna muzika, a trubadurske pjesme su bile praćene i sviranjem na instrumentima. Popularne su bile i jedinstvene instrumentalne fantazije, slične motetima.

14. vijek u zapadnoevropskoj umjetnosti naziva se „jesen” srednjeg vijeka. U Italiju je već stigla nova era - renesansa; Dante, Petrarka, Giotto - veliki majstori rane renesanse - već su stvarali. Ostatak Evrope je sumirao rezultate srednjeg veka i osetio rađanje nove teme u umetnosti – teme individualnosti.

Ulazak srednjovjekovne muzike u novu eru obilježila je pojava traktata Philippea de Vitryja “Ars Nova” – “Nova umjetnost”. U njemu su naučnik i muzičar pokušali da ocrtaju novu sliku muzički lepog. Ime ove rasprave dalo je ime čitavoj muzičkoj kulturi 14. veka. Od sada, muzika je morala da napusti jednostavne i grube zvuke i teži mekoći i šarmu zvuka: umesto praznih, hladnih harmonija Ars antiqua, propisano je da se koriste pune i melodične harmonije.

Preporučeno je ostaviti monotoni ritam (modalni) u prošlosti i koristiti novootkrivenu menzuralnu (mjernu) notaciju, kada se kratki i dugi zvukovi međusobno odnose kao 1:3 ili 1:2. Postoji mnogo takvih trajanja - maxima, longa, brevis, semibrevis; svaki od njih ima svoj obris: duži zvukovi nisu zasjenjeni, kraći su prikazani crnom bojom.

Ritam je postao fleksibilniji, raznovrsniji i može se koristiti sinkopa. Ograničenje upotrebe modusa koji nisu dijatonski crkveni načini postalo je manje strogo: mogu se koristiti izmjene, pojačanja i smanjenja muzičkih tonova.

Muzička umjetnost srednjeg vijeka. Figurativni i semantički sadržaj. Ličnosti.

Srednje godine- dug period ljudskog razvoja koji obuhvata više od hiljadu godina.

Ako se okrenemo figurativnom i emotivnom okruženju perioda „mračnog srednjeg vijeka“, kako ga često nazivaju, vidjet ćemo da je ono bilo ispunjeno intenzivnim duhovnim životom, stvaralačkim zanosom i potragom za istinom. Hrišćanska crkva imala je snažan uticaj na umove i srca. Teme, zapleti i slike Svetog pisma shvaćene su kao priča koja se odvija od stvaranja svijeta preko Hristovog dolaska do Sudnjeg dana. Zemaljski život se doživljavao kao neprekidna borba između tamnih i svijetlih sila, a arena te borbe bila je ljudska duša. Očekivanje kraja svijeta prožimalo je svjetonazor srednjovjekovnih ljudi, obojilo je umjetnost ovog razdoblja dramatičnim tonovima. U tim uslovima muzička kultura se razvijala u dva moćna sloja. S jedne strane, profesionalna crkvena muzika, koja je kroz čitav srednjovjekovni period prošla ogroman put razvoja; s druge strane, narodna muzika, koju su proganjali predstavnici „zvanične“ crkve, i svjetovna muzika, koja je kao amaterska postojala gotovo kroz cijeli srednjovjekovni period. Uprkos antagonizmu ova dva pokreta, oni su bili podvrgnuti međusobnom uticaju, a krajem ovog perioda posebno su uočljivi rezultati međuprožimanja svetovne i crkvene muzike. U smislu emocionalnog i semantičkog sadržaja, najkarakterističnije za srednjovjekovnu muziku je prevlast idealnog, duhovnog i didaktičkog principa - kako u svjetovnom tako iu crkvenom žanru.

Emocionalni i semantički sadržaj muzike hrišćanske crkve bio je usmeren na hvaljenje Božanstva, odricanje zemaljskih dobara radi nagrade nakon smrti i propovedanje asketizma. Muzika je u sebi koncentrisala ono što je asociralo na izraz „čistog“, lišenog ikakvog „telesnog“, materijalnog oblika težnje ka idealu. Uticaj muzike pojačala je akustika crkava sa visokim svodovima, reflektujući zvuk i stvarajući efekat Božanskog prisustva. Spajanje muzike sa arhitekturom posebno je došlo do izražaja sa pojavom gotičkog stila. Polifona muzika koja se do tada razvila stvorila je uzlet, slobodno uzletanje glasova, ponavljajući arhitektonske linije gotičkog hrama, stvarajući osećaj beskonačnosti prostora. Najupečatljivije primjere muzičke gotike stvorili su kompozitori katedrale Notre Dame - majstor Leonin i majstor Perotin, zvani Veliki.

Muzička umjetnost srednjeg vijeka. Žanrovi. Osobine muzičkog jezika.

Formiranje sekularnih žanrova u ovom periodu pripremano je kreativnošću lutajućih muzičara - žongleri, ministranti i špilmani, koji su bili pjevači, glumci, cirkuski izvođači i instrumentalisti, svi zajedno. Pridružili su se i žongleri, špilmani i ministranti vagante i golijade- nesretni studenti i odbjegli monasi koji su u „umjetničku” sredinu unijeli pismenost i određenu erudiciju. Narodne pjesme pjevale su se ne samo na novim nacionalnim jezicima (francuski, njemački, engleski i drugi), već i na latinskom. Putujući studenti i školarci (vagantes) često su imali veliku vještinu u latinskom verzifikovanju, što je davalo posebnu dirljivost njihovim optužujućim pjesmama usmjerenim protiv svjetovnih feudalaca i Katoličke crkve. Postepeno su putujući umjetnici počeli formirati cehove i naseljavati se u gradovima.

U istom periodu pojavio se i svojevrsni „intelektualni“ sloj – viteštvo, među kojima se (u periodima primirja) rasplamsao i interes za umjetnost. Dvorci se pretvaraju u centre viteške kulture. Sastavljao se skup pravila viteškog ponašanja, koja su zahtijevala „dvorsko“ (prefinjeno, pristojno) ponašanje. U 12. veku u Provansi, na dvorovima feudalaca, nastala je umetnost trubaduri, što je bio karakterističan izraz nove svjetovne viteške kulture koja je proklamirala kult zemaljske ljubavi, uživanja u prirodi i zemaljskih radosti. U pogledu raspona slika, muzička i poetska umjetnost trubadura poznavala je mnoge varijante, povezane uglavnom s ljubavnim tekstovima ili vojničkim, službenim pjesmama koje su odražavale odnos vazala prema svom gospodaru. Često je ljubavna lirika trubadura imala oblik feudalne službe: pjevač se prepoznao kao vazal jedne dame, koja je obično bila žena njegovog gospodara. Opjevao je njene vrline, ljepotu i plemenitost, veličao njenu dominaciju i "čamio" za nedostižnim ciljem. Naravno, u tome je bilo dosta konvencija koje je diktirao tadašnji sudski bonton. Međutim, često se iza konvencionalnih oblika viteške službe krio istinski osjećaj, živo i dojmljivo izražen u poetskim i muzičkim slikama. Umjetnost trubadura bila je na mnogo načina napredna za svoje vrijeme. Pažnja prema ličnim iskustvima umetnika i naglasak na unutrašnjem svetu voljene i pateće osobe ukazuju na to da su se trubaduri otvoreno suprotstavljali asketskim tendencijama srednjovekovne ideologije. Trubadur veliča pravu zemaljsku ljubav. On u njoj vidi “izvor i porijeklo svih dobara”.

Kreativnost se razvijala pod uticajem poezije trubadura Trouvères, koji je bio demokratskiji (većina truvera dolazila je od gradskih stanovnika) Ovdje su se razvijale iste teme, a umjetnički stil pjesama bio je sličan. U Njemačkoj vek kasnije (13. vek) formirana je škola Minnesingers, u kojima su se, češće nego među trubadurima i truverima, razvijale pjesme moralnog i poučnog sadržaja, ljubavni motivi često su dobivali vjerski prizvuk i povezivali se s kultom Djevice Marije. Emocionalnu strukturu pjesama odlikovala je veća ozbiljnost i dubina. Minesingeri su uglavnom služili na sudovima, gdje su održavali svoja takmičenja. Poznata su imena Volframa fon Ešenbaha, Valtera fon der Vogelvajdea i Tanhojzera, junaka čuvene legende. U Vagnerovoj operi zasnovanoj na ovoj legendi, centralna scena je scena pevačkog takmičenja, gde junak veliča zemaljska osećanja i zadovoljstva na svačiju zgražanje. Libreto "Tannhäusera" koji je napisao Wagner primjer je izvanrednog uvida u svjetonazor jedne epohe koja veliča moralne ideale, iluzornu ljubav i koja je u stalnoj dramatičnoj borbi sa grešnim strastima.

Crkveni žanrovi

gregorijanski koral. U ranokršćanskoj crkvi postojale su mnoge varijante crkvenih napjeva i latinskih tekstova. Pojavila se potreba za stvaranjem jedinstvenog kultnog rituala i odgovarajuće liturgijske muzike. Ovaj proces je završen na prijelazu iz 6. u 7. vijek. Papa Grgur I. Crkvene melodije, odabrane, kanonizovane, distribuirane u okviru crkvene godine, činile su službeni skup - antifonar. Koralne melodije uključene u njega postale su osnova za liturgijsko pjevanje Katoličke crkve i nazvane su gregorijanskim pjevanjem. Jednoglasno ga je izvodio hor ili ansambl muških glasova. Razvoj melodije odvija se sporo i zasniva se na varijacijama u početnoj melodiji. Slobodni ritam melodije podređen je ritmu riječi. Tekstovi su prozaični na latinskom, čiji je sam zvuk stvarao odvojenost od svega ovozemaljskog. Melodijski pokret je glatki; ako se pojave mali skokovi, oni se odmah kompenziraju kretanjem u suprotnom smjeru. Same melodije gregorijanskih napjeva dijele se u tri grupe: recitacija, gdje svaki slog teksta odgovara jednom zvuku pjevanja, psalmodija, gdje je pjevanje nekih slogova dozvoljeno, i likovanje, kada se slogovi pjevaju u složenim melodijskim obrascima, najčešće "Aleluja" ("Slava Bogu"). Od velike je važnosti, kao iu drugim oblicima umjetnosti, prostorna simbolika (u ovom slučaju „vrh“ i „dno“). Čitav stil ovog jednoglasnog pjevanja, odsustvo “pozadine” ili “zvučne perspektive” u njemu, podsjeća na princip planarne slike u srednjovjekovnom slikarstvu.
Hymn . Period stvaranja himni datira iz 6. vijeka. Himne, koje se odlikuju većom emocionalnom neposrednošću, nosile su u sebi duh svjetovne umjetnosti. Bazirane su na melodijama bliskim narodnim. Krajem 5. veka izbačeni su iz crkve, ali su vekovima postojali kao neliturgijska muzika. Njihov povratak u crkvenu upotrebu (9. vijek) bio je svojevrsni ustupak svjetovnim osjećajima vjernika. Za razliku od korala, himne su bile zasnovane na poetskim tekstovima, koji su posebno komponovani (a ne posuđeni iz svetih knjiga). Time je određena jasnija struktura melodija, kao i veća sloboda melodije, ne podređene svakoj riječi teksta.
misa. Ritual mise je evoluirao tokom mnogo vekova. Redoslijed njegovih dijelova određen je u svojim glavnim crtama do 9. stoljeća, ali je masa dobila svoj konačni oblik tek u 11. stoljeću. Proces formiranja njene muzike takođe je bio dug. Najstariji tip liturgijskog pjevanja je psalmodija; direktno vezano za sam liturgijski čin, zvučao je kroz čitavo bogosluženje, a izvodili su je svećenici i crkveni pjevači. Uvođenje himni obogatilo je muzički stil mise. U pojedinim trenucima obreda zvučali su himnični napjevi, izražavajući kolektivna osjećanja vjernika. U početku su ih pjevali sami župljani, a kasnije profesionalni crkveni hor. Emocionalni uticaj himni bio je toliko jak da su postepeno počele da potiskuju psalmodiju, zauzimajući dominantno mesto u muzici mise. U obliku himni se uobličilo pet glavnih dijelova mise (tzv. Ordinarija).
I. "Kyrie eleison"(“Gospode, smiluj se”) - molba za oprost i milost;
II. "Glorija"(“Slava”) - himna zahvalnosti tvorcu;
III. "Credo"(„Vjerujem“) je središnji dio liturgije, koji postavlja osnovne postavke kršćanske doktrine;
IV. "Sanctus"(“Sveti”) - tri puta ponovljen svečano svijetli usklik, nakon čega slijedi usklik dobrodošlice “Osana”, koji uokviruje središnju epizodu “Benedikta” („Blago onom koji dolazi”);
V. "Agnus Dei"(“Jagnje Božije”) - još jedna molba za milost upućena Hristu, koji se žrtvovao; Posljednji dio završava riječima: “Dona nobis pacem” (“Daj nam mir”).
Sekularni žanrovi

Vokalna muzika
Srednjovjekovna muzička i poetska umjetnost bila je uglavnom amaterske prirode. Pretpostavljao je dovoljan univerzalizam: ista osoba je bila kompozitor, pesnik, pevač i instrumentalista, pošto se pesma često izvodila uz lautu ili violu. Poetski tekstovi pjesama, posebno primjeri viteške umjetnosti, su od velikog interesa. Što se muzike tiče, na nju su uticali gregorijanski napjevi, muzika lutajućih muzičara, kao i muzika istočnih naroda. Često su izvođači, a ponekad i autori muzike trubadurskih pjesama, bili žongleri koji su putovali s vitezovima, prateći njihovo pjevanje i obavljajući funkcije sluge i pomoćnika. Zahvaljujući ovoj saradnji, granice između narodnog i viteškog muzičkog stvaralaštva bile su zamagljene.
Plesna muzika Područje u kojem se značaj instrumentalne muzike posebno očitovao bila je plesna muzika. Od kraja 11. veka javlja se niz muzičkih i plesnih žanrova, namenjenih isključivo izvođenju na instrumentima. Niti jedan praznik žetve, nijedno vjenčanje ili druga porodična proslava nije bila potpuna bez plesa. Plesovi su se često izvodili uz pjevanje samih plesača ili uz rog, u nekim zemljama - uz orkestar koji se sastojao od trube, bubnja, zvona i činela.
Branle Francuski narodni ples. U srednjem vijeku bio je najpopularniji u gradovima i selima. Ubrzo nakon pojavljivanja, privukao je pažnju aristokracije i postao plesni ples. Zahvaljujući jednostavnim pokretima, branli su mogli plesati svi. Njegovi učesnici se drže za ruke, formirajući zatvoreni krug, koji se može razbiti u linije, pretvarajući se u cik-cak pokrete. Postojale su mnoge varijante branle: proste, duple, vesele, konjske, peračke, branle sa bakljama itd. Na osnovu kretanja branle građene su gavot, paspier i bure, a od branle je postepeno nastajala mine.
Stella Ples su izveli hodočasnici koji su došli u manastir da se poklone kipu Device Marije. Stajala je na vrhu planine, obasjana suncem, i činilo se kao da iz nje struji neka nezemaljska svetlost. Odatle i naziv plesa (stella - od latinske zvijezde). Ljudi su plesali uglas, šokirani sjajem i čistotom Majke Božje.
Karol Bio je popularan u 12. veku. Karol je otvoren krug. Tokom nastupa kralja, plesači su pevali držeći se za ruke. Ispred plesača bila je pevačica. Refren su otpjevali svi učesnici. Ritam plesa bio je ili uglađen i spor, a zatim se ubrzao i pretvorio u trčanje.
Ples smrti Tokom kasnog srednjeg vijeka, tema smrti postala je prilično popularna u evropskoj kulturi. Epidemija kuge, koja je odnijela ogroman broj života, uticala je na odnos prema smrti. Ako je ranije to bilo izbavljenje od zemaljskih patnji, onda u 13. veku. bila je percipirana sa užasom. Smrt je bila prikazana na crtežima i gravurama kao zastrašujuće slike, a o njoj se govorilo u tekstovima pjesama. Ples se izvodi u krugu. Plesači počinju da se kreću, kao da ih vuče nepoznata sila. Postepeno ih obuzima muzika koju pušta glasnik smrti, počinju da plešu i na kraju padaju mrtvi.
Bassdance Promenadni plesovi i povorke. Bile su ceremonijalne prirode i tehnički jednostavne. Okupljeni na gozbi u svojim najboljim odjećama išli su ispred vlasnika, kao da demonstriraju sebe i svoju nošnju - to je bio smisao plesa. Plesne procesije su čvrsto postale dio dvorskog života, bez njih se nije mogao održati ni jedan festival.
Estampy (estampidas) Upareni plesovi uz instrumentalnu muziku. Ponekad su „estampi“ izvodile tri osobe: jedan muškarac koji je vodio dvije žene. Muzika je igrala veliku ulogu. Sastojao se od nekoliko dijelova i određivao je prirodu pokreta i broj otkucaja po dijelu.

trubaduri:

Guiraut Riquier 1254-1292

Guiraut Riquier je provansalski pjesnik koji se često naziva "posljednjim trubadurom". Plodan i vješt majstor (sačuvano je 48 njegovih melodija), međutim, nisu mu bile strane duhovne teme i znatno je zakomplikovao svoje vokalno pisanje, udaljavajući se od pisanja pjesama. Dugi niz godina bio je na sudu u Barseloni. Učestvovao u krstaškom ratu. Zanimljiva je i njegova pozicija u odnosu na umjetnost. Poznata je njegova prepiska sa poznatim pokroviteljem umjetnosti Alfonsom Mudrim, kraljem Kastilje i Leona. U njemu se požalio da se nepošteni ljudi, koji "ponižavaju titulu žonglera", često miješaju sa upućenim trubadurima. To je “sramotno i štetno” za predstavnike “visoke poezije i muzike, koji znaju da komponuju poeziju i stvaraju poučna i trajna dela”. Pod krinkom kraljevog odgovora, Ricoeur je predložio svoju sistematizaciju: 1) „doktori poetske umetnosti” - najbolji od trubadura, „osvetljavaju put društvu”, autori „uzornih pesama i kanona, gracioznih kratkih priča i didaktičkih dela ” u govornom jeziku; 2) trubaduri, koji za njih komponuju pesme i muziku, stvaraju plesne melodije, balade, albume i sirvente; 3) žongleri, po ukusu plemića: sviraju razne instrumente, pričaju priče i bajke, pevaju tuđe pesme i kancone; 4) buffoons (klovnovi) “pokazuju svoju nisku umjetnost na ulicama i trgovima i vode nedostojan način života.” Izvode dresirane majmune, pse i koze, demonstriraju lutke i oponašaju pjev ptica. Buffon svira instrumente ili cvili pred običnim narodom za male darove... putujući od suda do suda, bez srama, strpljivo podnosi svakakva poniženja i prezire ugodne i plemenite aktivnosti.

Riquier je, kao i mnogi trubaduri, bio zabrinut oko pitanja viteških vrlina. Velikodušnost je smatrao najvišom vrlinom. “Ni na koji način ne govorim loše o hrabrosti i inteligenciji, ali velikodušnost nadmašuje sve.”

Osjećaj gorčine i frustracije naglo se pojačao krajem 13. stoljeća, kada je slom krstaških ratova postao neizbježna stvarnost koja se nije mogla zanemariti i koja se nije mogla zanemariti. „Vreme je da prestanem da pevam!“ - u ovim stihovima (datiraju iz 1292. godine) on je izrazio svoje razočaranje katastrofalnim ishodom križarskih poduhvata Girauta Riquiera:
„Došao je čas da krenemo za vojskom – da napustimo Svetu zemlju!“ Poema „Vrijeme je da s pjesmama završim“ (1292) smatra se posljednjom trubadurskom pjesmom.

Kompozitori, muzičari

Guillaume de Machaut c. 1300 - 1377

Machaut je francuski pjesnik, muzičar i kompozitor. Služio je na dvoru češkog kralja, a od 1337. bio je kanonik Reimske katedrale. Jedan od najistaknutijih muzičara kasnog srednjeg vijeka, glavna figura francuske Ars nova. Poznat je kao višežanrovski kompozitor: do nas su stigli njegovi moteti, balade, virele, lajsi, rondoi, kanoni i drugi pjesnički (pjesnički i plesni) oblici. Njegovu muziku odlikuje istančana ekspresivnost i istančana senzualnost. Osim toga, Machaut je stvorio i prvu autorsku misu u istoriji (za krunisanje kralja Karla V u Reimsu 1364. To je prva autorska misa u istoriji muzike - kompletno i celovito delo slavnog kompozitora. U njegovoj umetnosti, važne linije koje se provlače, s jedne strane, iz muzičke i poetske kulture trubadura i truvera u njenoj drevnoj pesničkoj osnovi, sa druge strane, iz francuskih škola polifonije 12.-13. veka.

Leonin (sredina XII veka)

Leonin je izvanredan kompozitor, zajedno sa Perotinom pripada školi Notre Dame. Istorija nam je sačuvala ime ovog nekada poznatog tvorca „Velike knjige organuma“, namenjene godišnjem krugu crkvenog pojanja. Leoninovi organumi zamenili su horsko pevanje unisono sa dvoglasnim pevanjem solista. Njegovi dvoglasni organumi odlikovali su se tako pažljivim razvojem, harmonijskom „koherentnošću“ zvuka, što je bilo nemoguće bez prethodnog promišljanja i snimanja: u Leoninovoj umjetnosti više nije pjevač-improvizator, već kompozitor koji dolazi do izražaja. Leoninova glavna inovacija bilo je ritmičko snimanje, koje je omogućilo da se uspostavi jasan ritam uglavnom pokretnog gornjeg glasa. Sam karakter gornjeg glasa odlikovao se melodijskom velikodušnošću.

Perotin

Perotin, Perotinus - francuski kompozitor s kraja 12. - 1. trećine 13. vijeka. U savremenim raspravama nazivan je „majstorom Perotinom Velikim“ (ne zna se na koga se tačno mislilo, jer je postojalo nekoliko muzičara kojima se ovo ime moglo pripisati). Perotin je razvio tip polifonog pjevanja koji je nastao u djelu njegovog prethodnika Leonina, koji je također pripadao takozvanoj pariskoj, ili Notre Dame školi. Perotin je stvorio visoke primjere melizmatičnog organuma. Pisao je ne samo dvoglasna djela (kao Leonin), već i troglasna i četveroglasna djela, te je, po svemu sudeći, ritmički i teksturno zakomplikovao i obogatio polifoniju. Njegovi četvoroglasni organumi još nisu poštovali postojeće zakone polifonije (imitacija, kanon, itd.). U Perotinovom djelu razvila se tradicija višeglasnog pjevanja Katoličke crkve.

Josquin des Pres ca. 1440-1524

francusko-flamanski kompozitor. Od malih nogu je bio crkveni hor. Služio je u raznim gradovima Italije (1486-99. kao horovođa papske kapele u Rimu) i Francuske (Cambrai, Pariz). Bio je dvorski muzičar za Luja XII; dobio priznanje kao majstor ne samo kultne muzike, već i svjetovnih pjesama koje su anticipirale francusku šansonu. Posljednjih godina života bio je rektor katedrale u Condé-sur-Escautu. Josquin Despres je jedan od najvećih kompozitora renesanse, koji je imao raznolik utjecaj na kasniji razvoj zapadnoevropske umjetnosti. Kreativno sažimajući dostignuća holandske škole, stvorio je inovativna djela duhovnih i svetovnih žanrova (mise, moteti, psalmi, frottole) prožeta humanističkim svjetonazorom, podređujući visoku polifonu tehniku ​​novim umjetničkim zadacima. Melodija njegovih djela, povezana s porijeklom žanra, bogatija je i višestruka od onih ranijih holandskih majstora. „Razčišćeni“ polifoni stil Josquina Despresa, oslobođen kontrapunktnih složenosti, bio je prekretnica u istoriji horskog pisanja.

Vokalni žanrovi

Cijelu eru u cjelini karakterizira jasna prevlast vokalnih žanrova, a posebno vokalnih polifonija. Neobično složeno vladanje polifonijom u strogom stilu, istinska učenost i virtuozna tehnika koegzistirali su sa svijetlom i svježom umjetnošću svakodnevnog širenja. Instrumentalna muzika dobija izvesnu samostalnost, ali će njena direktna zavisnost od vokalnih formi i svakodnevnih izvora (ples, pesma) biti prevaziđena tek nešto kasnije. Glavni muzički žanrovi ostaju povezani sa verbalnim tekstom. Suština renesansnog humanizma ogledala se u komponovanju horskih pjesama u frotol i villanelle stilu.
Plesni žanrovi

Tokom renesanse, svakodnevni ples dobija veliki značaj. Mnoge nove plesne forme se pojavljuju u Italiji, Francuskoj, Engleskoj i Španiji. Različiti slojevi društva imaju svoje plesove, razvijaju način njihovog izvođenja i pravila ponašanja na balovima, večerima i proslavama. Plesovi renesanse složeniji su od jednostavnih branles kasnog srednjeg vijeka. Plesove s okruglim plesom i linijskim kompozicijama zamjenjuju parni (duet) plesovi, izgrađeni na složenim pokretima i figurama.
Volta - parni ples italijanskog porijekla. Njegovo ime potiče od italijanske reči voltar, što znači „okrenuti se“. Metar je trotakt, tempo umjereno brz. Glavni obrazac plesa je da gospodin brzo i oštro okreće damu koja pleše s njim u zraku. Ovo podizanje se obično radi veoma visoko. Zahtijeva veliku snagu i spretnost od gospodina, jer, unatoč oštrini i određenoj naglosti pokreta, podizanje mora biti izvedeno jasno i lijepo.
Galliard - drevni ples italijanskog porijekla, rasprostranjen u Italiji, Engleskoj, Francuskoj, Španiji i Njemačkoj. Tempo ranih galijarda je umjereno brz, metar je trotakt. Galijard se često izvodio nakon pavana, s kojim je ponekad bio tematski povezan. Galijardi 16. vek održan u melodijsko-harmoničnoj teksturi sa melodijom u gornjem glasu. Galijarske melodije bile su popularne među širokim slojevima francuskog društva. Tokom serenada, studenti iz Orleana svirali su galijardske melodije na lautnjama i gitarama. Poput zvona, galijard je imao karakter svojevrsnog plesnog dijaloga. Gospodin se kretao po hodniku sa svojom damom. Kada je muškarac izveo solo, dama je ostala na mjestu. Muški solo sastojao se od raznih složenih pokreta. Nakon toga je ponovo prišao dami i nastavio ples.
Pavana - dvorski ples 16-17 vijeka. Tempo je umjereno spor, veličine 4/4 ili 2/4. Ne postoji konsenzus u različitim izvorima o njegovom porijeklu (Italija, Španija, Francuska). Najpopularnija verzija je španjolski ples koji imitira pokrete pauna koji hoda s lijepo lepršavim repom. Bio je blizu bas plesa. Uz muziku pavana odvijale su se razne svečane povorke: ulazak vlasti u grad, ispraćaj plemenite nevjeste u crkvu. U Francuskoj i Italiji pavane je uspostavljeno kao dvorski ples. Svečani karakter pavana omogućio je dvorskom društvu da zablista elegancijom i gracioznošću svojih manira i pokreta. Narod i buržoazija nisu izveli ovaj ples. Pavane se, kao i menuet, izvodilo striktno prema činovima. Kralj i kraljica su započeli ples, zatim su u njega ušli dofin i plemenita dama, zatim prinčevi itd. Kavaliri su pavane izvodili sa mačem i ogrtačima. Dame su nosile svečane haljine sa teškim dugim pantalonama, koje je trebalo vešto kontrolisati tokom pokreta bez podizanja sa poda. Kretanje trena učinilo je pokrete lijepim, dajući pavanu pompu i svečanost. Kraljičini pratioci nosili su voz iza nje. Prije početka plesa, ljudi su trebali prošetati po sali. Na kraju plesa, parovi su ponovo prošetali dvoranom uz naklone i naklone. Ali prije nego što je stavio šešir, gospodin je morao desnu ruku staviti na zadnju stranu dame, a lijevu (koja drži šešir) na njen struk i poljubiti je u obraz. Tokom plesa, dama je oborene oči; samo je s vremena na vreme pogledala svog gospodina. Pavan se najduže očuvao u Engleskoj, gdje je bio veoma popularan.
Allemande - spori ples njemačkog porijekla u 4 takta. Spada u masovne „niske“ plesove bez preskakanja. Izvođači su stajali u parovima jedan za drugim. Broj parova nije bio ograničen. Gospodin je držao damu za ruke. Kolona se kretala po sali, a kada je stigla do kraja, učesnici su se okrenuli u mjestu (ne odvajajući ruke) i nastavili ples u suprotnom smjeru.
Kuranta - dvorski ples italijanskog porijekla. Zvono je bilo jednostavno i složeno. Prvi se sastojao od jednostavnih, klizećih koraka, izvođenih prvenstveno naprijed. Složeno zvono bilo je pantomimične prirode: tri gospodina pozvala su tri dame da učestvuju u plesu. Dame su odvedene u suprotni ugao sale i zamoljene da plešu. Dame su to odbile. Gospoda su, pošto su odbijena, otišla, ali su se onda ponovo vratila i kleknula pred damama. Tek nakon scene pantomime počelo je plesanje. Postoje različite vrste zvona italijanskog i francuskog tipa. Italijansko zvono je živahan ples u 3/4 ili 3/8 takta sa jednostavnim ritmom u melodijsko-harmoničnoj teksturi. Francuski - svečani ples ("ples manira"), glatka, ponosna povorka. Metar 3/2, umjeren tempo, prilično razvijena polifona tekstura.
Sarabande - popularni ples 16. - 17. vijeka. Izvedeno iz španjolskog ženskog plesa s kastanjetama. U početku praćeno pjevanjem. Čuveni koreograf i učitelj Carlo Blasis u jednom od svojih djela daje kratak opis sarabande: "U ovom plesu svako bira damu prema kojoj nije ravnodušan. Muzika daje signal, a dvoje ljubavnika izvode ples , plemenit, odmjeren, međutim, važnost ovog plesa ni najmanje ne ometa užitak, a skromnost mu daje još veću gracioznost; oči svakoga sa zadovoljstvom prate plesače, koji izvode razne figure, izražavajući pokretima sve faze ljubavi." U početku je tempo sarabande bio umjereno brz, kasnije (od 17. stoljeća) pojavila se spora francuska sarabanda s karakterističnim ritmičkim uzorkom: ...... U svojoj domovini sarabanda je spadala u kategoriju opscenih plesova i u 1630. zabranio je Kastiljanski savjet.
Zhiga - ples engleskog porijekla, najbrži, trotakt, pretvarajući se u trojke. U početku je džig bio ples parova, a među nautičarima se proširio kao solo, vrlo brzi ples komične prirode. Kasnije se pojavljuje u instrumentalnoj muzici kao završni dio drevne plesne svite.

Vokalni žanrovi

Odlike baroka najjasnije su se očitovale u onim žanrovima u kojima je muzika bila isprepletena s drugim umjetnostima. To su, prije svega, bile opera, oratorij i takvi žanrovi sakralne muzike kao što su strasti i kantate. Muzika u kombinaciji sa rečima, au operi - sa kostimima i scenografijom, odnosno sa elementima slikarstva, primenjene umetnosti i arhitekture, imala je za cilj da izrazi složeni duhovni svet čoveka, složene i raznovrsne događaje koje doživljava. Blizina heroja, bogova, stvarne i nestvarne radnje, sve vrste magije bile su prirodne za ukus baroka, bile su najviši izraz promjenljivosti, dinamike, transformacije; čuda nisu bila vanjski, čisto dekorativni elementi, već su činili neizostavni dio umetnički sistem.

Opera.

Operski žanr je najveću popularnost stekao u Italiji. Otvoren je veliki broj operskih kuća, koje predstavljaju neverovatan, jedinstven fenomen. Nebrojene kutije presvučene teškim somotom i parter ograđen barijerom (gdje su u to vrijeme ljudi stajali, a ne sjedili) privukli su gotovo cjelokupno stanovništvo grada tokom 3 operske sezone. Kutije su za cijelu sezonu kupovale patricijske porodice, tezge su bile krcate običnim ljudima, ponekad i besplatno - ali svi su se osjećali opušteno, u atmosferi neprekidnog slavlja. U kutijama su bili bifei, kauči i kartaški stolovi za igranje "Faraona"; svaka od njih bila je povezana sa posebnim prostorijama u kojima se pripremala hrana. Javnost je išla u susjedne lože kao da su u posjeti; Ovdje su se sklapala poznanstva, počinjale ljubavne veze, razmjenjivale najnovije vijesti, igrala se kartaška igra za velike pare, itd. A na sceni se odvijao luksuzan, opojni spektakl, osmišljen da utiče na um i osjećaje publike, da očara oči i uši. Hrabrost i hrabrost antičkih heroja, bajkovite avanture mitoloških likova pojavile su se pred zadivljenim slušaocima u svoj raskoši muzičkog i dekorativnog dizajna ostvarenog tokom skoro stoljetnog postojanja opere.

Nastala krajem 16. veka u Firenci, u krugu (“camerata”) humanističkih naučnika, pesnika i kompozitora, opera je ubrzo postala vodeći muzički žanr u Italiji. Posebno važnu ulogu u razvoju opere imao je C. Monteverdi, koji je radio u Mantovi i Veneciji. Njegova dva najpoznatija scenska dela, Orfej i Popejevo krunisanje, obeležena su zadivljujućim savršenstvom muzičke dramaturgije. Dok je Monteverdi još bio živ, u Veneciji je nastala nova operska škola, na čijem su čelu bili F. Cavalli i M. Cesti. Otvaranjem prvog javnog pozorišta, San Cassiano, u Veneciji 1637. godine, bilo je moguće da svi koji su kupili kartu mogu prisustvovati operi. Postepeno se povećava važnost spektakularnih, spolja spektakularnih trenutaka u scenskoj akciji nauštrb antičkih ideala jednostavnosti i prirodnosti koji su inspirisali pionire operskog žanra. Tehnike uprizorenja doživljavaju ogroman razvoj, što omogućava da se na sceni otelotvore najfantastičnije avanture heroja - do brodoloma, avionskih letova itd. preneo gledaoca u bajkovite palate i na more, u tajanstvene tamnice i magične bašte.

Istovremeno, u muzici opera sve se više akcenat stavlja na solistički vokalni princip, koji podređuje ostale elemente ekspresivnosti; to je naknadno neminovno dovelo do fascinacije samodovoljnom vokalnom virtuoznošću i smanjenja napetosti dramske radnje, što je često postajalo samo povod za demonstraciju fenomenalnih vokalnih sposobnosti solo pjevača. Po običaju, kastratski pjevači nastupili su kao solisti, izvodeći muške i ženske uloge. Njihov nastup spojio je snagu i blistavost muških glasova sa lakoćom i pokretljivošću ženskih. Takva upotreba visokih glasova u dijelovima hrabre i herojske prirode bila je tradicionalna u to vrijeme i nije se doživljavala kao neprirodna; rasprostranjena je ne samo u papskom Rimu, gdje je ženama bilo službeno zabranjeno da nastupaju u operi, već iu drugim gradovima Italije.

Od druge polovine 17. veka. Vodeća uloga u istoriji italijanskog muzičkog teatra pripada napuljskoj operi. Principi operske dramaturgije koje su razvili napuljski kompozitori postaju univerzalni, a napuljska opera se poistovjećuje sa nacionalnim tipom talijanske operne serije. Konzervatoriji, koji su iz sirotišta prerasli u posebne muzičke obrazovne ustanove, odigrali su veliku ulogu u razvoju napuljske operske škole. Posebnu pažnju su posvetili treninzima sa pevačima, koji su podrazumevali treninge u vazduhu, na vodi, na bučnim mestima i gde se činilo da jeka kontroliše pevačicu. Dugačak niz briljantnih virtuoznih vokala - diplomaca konzervatorijuma - pronio je slavu italijanske muzike i "lijepog pjevanja" (bel canto) po cijelom svijetu. Za napuljsku operu konzervatorijumi su predstavljali stalnu rezervu stručnog kadra i bili su ključ njene kreativne obnove. Među brojnim italijanskim operskim kompozitorima baroknog doba, najistaknutiji fenomen je delo Klaudija Monteverdija. Njegovi kasniji radovi uspostavili su osnovne principe operske dramaturgije i različite oblike operskog solo pevanja, koje je sledila većina italijanskih kompozitora 17. veka.

Pravi i jedini tvorac nacionalne engleske opere bio je Henry Purcell. Napisao je veliki broj pozorišnih djela, među kojima je jedina opera “Didona i Eneja”. "Didona i Enej" je gotovo jedina engleska opera bez govornih umetaka i dijaloga, u kojoj je dramska radnja uglazbljena od početka do kraja. Sva ostala Purcellova muzička i pozorišna djela sadrže govorne dijaloge (u naše vrijeme takva djela se nazivaju "mjuzikli").

"Opera je njeno divno stanište - zemlja transformacija; u tren oka ljudi postaju bogovi, a bogovi postaju ljudi. Tamo putnik ne treba da putuje po zemljama, jer same zemlje putuju prije njega. Da li vam je dosadno u strašnu pustinju? Trenutačno te zvuk zvižduka odnese u vrtove idile; drugi te iz pakla vodi u stan bogova; treći - i nađeš se u taboru vila. Vile opere očaravaju kao vile naše bajke, ali njihova umjetnost je prirodnija..." (Dufresny).

„Opera je predstava koliko čudna, toliko i veličanstvena, gde su oči i uši zadovoljnije nego um; gde potčinjavanje muzici izaziva smešne apsurde, gde kada se uništi grad, pevaju se arije i plešu grobovi; vide se palate Plutona i Sunca, kao i bogovi, demoni, čarobnjaci, čudovišta, vještičarenja, palače izgrađene i uništene u tren oka.Ovakve neobičnosti se tolerišu i čak im se dive, jer je opera zemlja vila “ (Voltaire, 1712).

Oratorio

Oratorijum, uključujući i duhovni, savremenici su često doživljavali kao operu bez kostima i kulisa. Međutim, u crkvama su se izvodili kultni oratoriji i strasti, pri čemu su i sam hram i sveštenička odežda služili i kao ukras i kao nošnja.

Oratorij je, prije svega, bio duhovni žanr. Sama riječ oratorio (tal. oratorio) dolazi od kasnolatinskog oratorium - "molitvena soba", i latinskog ogo - "kažem, molim se". Oratorij je nastao istovremeno sa operom i kantatom, ali u crkvi. Njena prethodnica bila je liturgijska drama. Razvoj ove crkvene akcije išao je u dva pravca. S jedne strane, postajući sve popularniji karakter, postepeno se pretvorio u komičnu predstavu. S druge strane, želja da se zadrži ozbiljnost molitvene komunikacije s Bogom sve vrijeme gurala je prema statičnom izvođenju, čak i sa najrazvijenijim i najdramatičnijim zapletom. To je u konačnici dovelo do pojave oratorija kao samostalnog, prvo čisto hramskog, a potom i koncertnog žanra.

Srednji vek je veliko doba ljudske istorije, vreme dominacije feudalnog sistema.

Periodizacija kulture:

rani srednji vek - V - X vijeka

Zreli srednji vek - XI – XIV vijeka

Godine 395. Rimsko Carstvo se podijelilo na dva dijela: Zapadno i Istočno. U zapadnom delu, na ruševinama Rima, u 5.-9. veku postojale su varvarske države: Ostrogoti, Vizigoti, Franci itd. U 9. veku, kao posledica propasti carstva Karla Velikog, nastale su tri države. formirana ovdje: Francuska, Njemačka, Italija. Glavni grad istočnog dijela bio je Konstantinopolj, koji je osnovao car Konstantin na mjestu grčke kolonije Vizantije - otuda i naziv države.

§ 1. Zapadnoevropski srednji vijek

Materijalna osnova srednjeg vijeka bili su feudalni odnosi. Srednjovjekovna kultura se formira u uslovima seosko imanje. U budućnosti, društvena osnova kulture postaje urbana sredina - građanstvo. Formiranjem država formiraju se glavne klase: sveštenstvo, plemstvo i narod.

Umjetnost srednjeg vijeka je usko povezana sa crkva . hrišćanska doktrina- osnova filozofije, etike, estetike, cjelokupnog duhovnog života ovoga vremena. Ispunjena religioznom simbolikom, umjetnost je usmjerena od zemaljskog, prolaznog - ka duhovnom, vječnom.

Zajedno sa zvanična crkva kultura (visoka) postojala sekularni kultura (osnovna) – folklor(niži društveni slojevi) i viteški(sudski).

Glavni fokusi profesionalni muzika ranog srednjeg veka - katedrale, škole pevanja pri njima, manastiri - jedini centri obrazovanja tog vremena. Učili su grčki i latinski, aritmetiku i muziku.

Glavni centar crkvene muzike u zapadnoj Evropi tokom srednjeg veka bio je Rim. Krajem 6. - početkom 7. vijeka. formira se glavni varijetet zapadnoevropske crkvene muzike - gregorijanski koral , nazvana po papi Grguru I, koji je izvršio reformu crkvenog pjevanja, sabirajući i pojednostavljujući različite crkvene napjeve. gregorijanski koral - monophonic Katoličko pjevanje, koje je spojilo vjekovne pjevačke tradicije raznih bliskoistočnih i evropskih naroda (Siraca, Jevreja, Grka, Rimljana itd.). Bilo je to glatko monofono odvijanje jedne melodije koja je trebala personificirati jednu volju, usmjeravanje pažnje župljana u skladu s načelima katoličanstva. Karakter muzike je strog, bezličan. Koral je izveo hor (otuda i naziv), a neke dionice solista. Dominira progresivni pokret zasnovan na dijatonskim modusima. Gregorijanski koral je dozvoljavao mnoge gradacije, u rasponu od veoma sporog horska psalmodija i kraj godišnjice(melizmatičko pjevanje sloga), koje zahtijeva virtuozno vokalno umijeće za izvođenje.

Gregorijanski pojanje udaljava slušaoca od stvarnosti, izaziva poniznost i vodi u kontemplaciju i mističnu odvojenost. Ovaj efekat je takođe olakšan tekstom na latinski jezik, nerazumljiva većini parohijana. Ritam pjevanja određivao je tekst. Nejasan je, neodređen, određen prirodom akcenata recitacije teksta.

Različite vrste gregorijanskog pjevanja okupljene su u glavnoj službi Katoličke crkve - masa, u kojoj je uspostavljeno pet stabilnih dijelova:

Kyrie eleison(Gospodaru imaj milosti)

Gloria(slava)

Credo(Vjerujem)

Sanctus(sveto)

Agnus Dei(jagnje Božije).

Vremenom, elementi narodne muzike počinju da prodiru u gregorijanski koral himne, sekvence i trope. Ako je psalmodije izvodio profesionalni hor pjevača i sveštenstva, onda su himne isprva izvodili parohijani. Bili su umetci u službeno bogosluženje (imali su odlike narodne muzike). Ali ubrzo su himnički dijelovi mise počeli zamjenjivati ​​psalmodične, što je dovelo do pojave polifonu masu.

Prve sekvence su bile podtekst za melodiju godišnjice kako bi jedan zvuk melodije imao zaseban slog. Slijed postaje široko rasprostranjen žanr (najpopularniji « Veni, sancte spiritus» , « Umire irae», « Stabat mater» ). “Dies irae” su koristili Berlioz, List, Čajkovski, Rahmanjinov (vrlo često kao simbol smrti).

Prvi primjeri polifonije potiču iz manastira - organum(kretanje u paralelnim kvintama ili četvrtinama), Gimel, Faubourdon(paralelni šesti akordi), kondukter. Kompozitori: Leonin i Perotin (12-13 vek - katedrala Notr Dam).

Nosači sekularni narod muzika u srednjem veku bili su mimici, žongleri, ministranti u Francuskoj, stilettos– u zemljama nemačke kulture, hoglars - u Španiji, glupani - u Rusiji. Ovi putujući umjetnici bili su univerzalni majstori: kombinirali su pjevanje, ples, sviranje na raznim instrumentima sa magijom, cirkuskom umjetnošću i pozorištem lutaka.

Druga strana sekularne kulture bio viteške (dvorske) kulture (kultura sekularnih feudalaca). Gotovo svi plemeniti ljudi bili su vitezovi - od siromašnih ratnika do kraljeva. Formirao se poseban viteški kodeks prema kojem je vitez, uz hrabrost i hrabrost, morao imati istančane manire, biti obrazovan, velikodušan, velikodušan i vjerno služiti Lijepoj Gospi. Svi aspekti viteškog života ogledaju se u muzičkoj i poetskoj umjetnosti trubaduri(Provansa - južna Francuska) , trouvères(sjeverna Francuska), Minnesingers(Njemačka). Umjetnost trubadura vezuje se prvenstveno za ljubavnu liriku. Najpopularniji žanr ljubavne lirike bio je canzone(Minesingeri imaju albume “Jutarnje pjesme”).

Trouvères su, uveliko koristeći iskustvo trubadura, stvorili vlastite originalne žanrove: “ tkanje pesama», « majske pesme" Važno područje muzičkih žanrova trubadura, truvera i minezingera bili su žanrovi pjesme i igre: rondo, balada, virele(refren forme), kao i herojski ep(francuski ep “Pesma o Rolandu”, nemački – “Pesma o Nibelunzima”). Među Minnesingerima je to bilo uobičajeno pesme krstaša.

Karakteristične odlike umjetnosti trubadura, truvera i minezingera:

Monophony- posledica je neraskidive povezanosti melodije sa poetskim tekstom, što proizilazi iz same suštine muzičke i poetske umetnosti. Monofonija je odgovarala i usmjerenosti na individualizirano izražavanje vlastitih iskustava, na ličnu procjenu sadržaja iskaza (često je izraz ličnih iskustava bio uokviren prikazom slika prirode).

Uglavnom vokalne izvedbe. Uloga instrumenata nije bila značajna: svodila se na izvođenje uvoda, interludija i postludija koji uokviruju vokalnu melodiju.

O viteškoj umjetnosti se još ne može govoriti kao o profesionalnoj, ali po prvi put u ovim uslovima sekularni muziciranja, stvoren je snažan muzičko-poetski pravac sa razvijenim kompleksom izražajnih sredstava i relativno savršenim muzičkim pisanjem.

Jedno od važnih dostignuća zreli srednji vek, počevši od X-XI vijeka, postojalo je urbani razvoj(građanska kultura) . Glavne karakteristike urbane kulture bile su anticrkvena, slobodoljubiva orijentacija, povezanost sa folklorom, te njegov smijeh i karnevalski karakter. Razvio se gotički arhitektonski stil. Formiraju se novi polifoni žanrovi: od 13.-14. do 16. vijeka. - motet(od francuskog - "riječ". Motet se obično odlikuje melodijskom različitošću glasova koji intoniraju različite tekstove u isto vrijeme - često čak i na različitim jezicima), madrigal(od italijanskog – „pesma na maternjem jeziku“, tj. italijanskom. Tekstovi su s ljubavlju lirski, pastirski), kachcha(od italijanskog - "lov" - vokalni komad zasnovan na tekstu koji prikazuje lov).

Putujući narodni muzičari prelaze iz nomadskog načina života u sjedilački, naseljavaju čitave gradske blokove i formiraju jedinstvene „muzičarske cehove“. Počevši od 12. veka, pridružuju se narodni muzičari vagante i golijade- deklasirani ljudi iz različitih klasa (učenici, odbjegli monasi, lutajući sveštenici). Za razliku od nepismenih žonglera - tipičnih predstavnika umjetnosti usmene tradicije - skitnice i golijari su bili pismeni: poznavali su latinski jezik i pravila klasične versifikacije, komponovali su muziku - pjesme (opseg slika je povezan sa školskom naukom i studentskim životom) i čak i složene kompozicije kao što su provodljivosti i moteti .

Postao je značajan centar muzičke kulture univerziteti. Muzika, tačnije muzička akustika, zajedno sa astronomijom, matematikom i fizikom, bila je uključena u kvadrijum, tj. ciklus od četiri discipline koje se izučavaju na univerzitetima.

Tako su u srednjovekovnom gradu postojali centri muzičke kulture različite prirode i društvene orijentacije: udruženja narodnih svirača, dvorska muzika, muzika manastira i katedrala, univerzitetska muzička praksa.

Muzička teorija srednjeg vijeka bio usko povezan sa teologijom. U nekoliko muzičko-teorijskih rasprava koje su došle do nas, na muziku se gledalo kao na „služavku crkve“. Među istaknutim raspravama ranog srednjeg veka izdvaja se 6 knjiga Avgustina „O muzici“, 5 Boetijevih „O uspostavljanju muzike“ itd. Veliko mesto u ovim raspravama dato je apstraktnim skolastičkim pitanjima, tj. doktrina kosmičke uloge muzike itd.

Srednjovjekovni sistem modusa razvili su predstavnici crkvene profesionalne muzičke umjetnosti - zato je srednjovjekovnim modusima dodijeljen naziv "crkveni modusi". Jonski i Eolski modus su postali glavni modusi.

Muzička teorija srednjeg vijeka iznijela je doktrinu o heksakordima. U svakom modusu u praksi je korišteno 6 koraka (na primjer: do, re, mi, fa, salt, la). Si je tada izbjegnut jer zajedno sa F, formirao je prelazak na povećanu kvartu, koja se smatrala veoma disonantnom i figurativno je nazvana „đavo u muzici“.

Ne-međusobno snimanje je bilo široko korišćeno. Guido Aretinsky poboljšao sistem notnog zapisa. Suština njegove reforme bila je sljedeća: prisustvo četiri reda, treći omjer između pojedinih redova, ključni znak (izvorno abecedni) ili bojanje linija. Također je uveo slogovne note za prvih šest stupnjeva modusa: ut, re, mi, fa, sol, la.

Uvedeno menzuralna notacija, gdje je svakoj noti dodijeljen određeni ritmički takt (lat. mensura - mjera, mjera). Naziv trajanja: maxima, longa, brevis, itd.

XIV stoljeće - prelazni period između srednjeg vijeka i renesanse. Umetnost Francuske i Italije 14. veka zvala se " Ars nova(od latinskog – nova umjetnost), a u Italiji je imao sva svojstva rane renesanse. Glavne karakteristike: odbijanje korišćenja isključivo žanrova crkvene muzike i okretanje ka sekularnim vokalno-instrumentalnim kamernim žanrovima (balada, caccia, madrigal), približavanje svakodnevnoj pesmi, upotreba raznih muzičkih instrumenata. Ars nova je suprotnost tzv. ars antiqua (lat. ars antiqua - stara umjetnost), što znači muzička umjetnost prije početka 14. vijeka. Najveći predstavnici ars nova bili su Guillaume de Machaut (14. vek, Francuska) i Francesco Landino (14. vek, Italija).

Dakle, muzička kultura srednjeg veka, uprkos relativnoj ograničenosti sredstava, predstavlja viši nivo u odnosu na muziku antičkog sveta i sadrži preduslove za veličanstven procvat muzičke umetnosti u renesansi.

Muzika srednjovjekovno doba - razvojni periodmuzičke kulture, koji pokriva vremenski period od približno V do XIV vijeka nove ere .
Tokom srednjeg vijeka u Evropi pojavljuje se novi tip muzičke kulture - feudalni , kombinujući profesionalnu umetnost, amatersko muziciranje i folklor Jer crkva dominira u svim oblastima duhovnog života, osnova profesionalne muzičke umetnosti je delatnost muzičara u hramova i manastira . Svjetovnu profesionalnu umjetnost u početku su predstavljali samo pjevači koji su stvarali i izvodili epske priče na dvoru, u plemićkim kućama, među ratnicima itd. ( bardovi, skaldovi i sl.). Vremenom se razvijaju amaterski i poluprofesionalni oblici muziciranja viteštvo: u Francuskoj - umjetnost trubadura i truvera (Adam de la Halle, XIII vijek), u Njemačkoj - minnesingeri ( Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII - XIII vijeka ), kao i gradski zanatlije U feudalnim dvorcima a u gradovima se uzgajaju sve vrste rodova,žanrovi i oblici pjesama (ep, zora, rondo, le, virele, balade, kancone, lauda itd.).
Novi dolaze u svakodnevni životmuzički instrumenti, uključujući i one koji su došli Istok (viola, lutnja itd.), nastaju ansambli (nestabilnih kompozicija). Folklor cvjeta među seljacima. Tu su i "narodni profesionalci": pripovedači , putujući sint umjetnici (žongleri, mimici, ministranti, špilmani, bufoni ). Muzika opet obavlja uglavnom primijenjene i duhovno-praktične funkcije. Kreativnost djeluje u jedinstvu saperformanse(obično jedna osoba).
I sadržajem muzike i svojom formom dominira kolektivitet ; individualni princip je podređen opštem principu, ne izdvajajući se iz njega (majstorski muzičar je najbolji predstavnik zajednice ). U svemu vlada stroga tradicionalnosti i kanoničnosti . Konsolidacija, očuvanje i distribucija tradicije i standarda.
Postepeno, iako polako, sadržaj muzike se obogaćuje, njenžanrovi, forme , izražajna sredstva. IN Zapadna Evropa od 6. do 7. veka . pojavljuje se strogo regulisan sistem jednoglasni (monodični) ) bazirana na crkvenoj muzici dijatonski modovi ( gregorijanski koral), kombinujući recitaciju (psalmodija) i pjevanje (himne ). Na prelazu iz 1. u 2. milenijum, polifonija . Formiraju se novi vokal (horski ) i vokalno-instrumentalni (hor i orgulje) žanrovi: organum, motet, provod, zatim masa. U Francuskoj u 12. veku formira se prva kompozitorsku (kreativnu) školu u Katedrala Notre Dame(Leonin, Perotin). Na prijelazu renesanse (stil ars nova u Francuskoj i Italiji, 14. vijek) u profesionalna muzikamonofonija se istiskuje polifonija , muzika počinje da se postepeno oslobađa od čisto praktičnih funkcija (služba crkve rituali ), pojačava značenje sekularni žanrovi, uključujući pjesme ( Guillaume de Machaut).

Revival.

Muzika u periodu XV-XVII vijeka.
U srednjem veku muzika je bila prerogativ Crkve, pa je većina muzičkih dela bila sveta, zasnovana na crkvenim napjevima (gregorijanski napjev), koji su deo religije od samog početka hrišćanstva. Početkom 17. stoljeća kultni napjevi, uz direktno učešće pape Grgura I, konačno su kanonizovani. Gregorijanski koral izveli su profesionalni pjevači. Nakon razvoja polifonije u crkvenoj muzici, gregorijanski koral je ostao tematska osnova višeglasnih vjerskih djela (mise, moteti i dr.).

Nakon srednjeg vijeka uslijedila je renesansa, koja je za muzičare bila era otkrića, inovacija i istraživanja, doba renesanse svih slojeva kulturnih i naučnih manifestacija života od muzike i slikarstva do astronomije i matematike.
Iako je muzika ostala uglavnom religiozna, slabljenje crkvene kontrole nad društvom otvorilo je veću slobodu kompozitorima i izvođačima da izraze svoje talente.
Sa pronalaskom štamparske mašine postalo je moguće štampati i distribuirati notne zapise i od tog trenutka je počelo ono što nazivamo klasičnom muzikom.
Tokom ovog perioda pojavili su se novi muzički instrumenti. Najpopularniji instrumenti bili su oni na kojima su ljubitelji muzike mogli lako i jednostavno svirati, bez posebnih vještina.
U to vrijeme se pojavila violina, prethodnica violine. Zahvaljujući pragovima (drvene trake preko vrata), bilo je lako svirati, a zvuk je bio tih, nežan i dobro zvučao u malim salama.
Popularni su bili i duvački instrumenti - blok flauta, flauta i rog. Najkompleksnija muzika napisana je za novostvoreno čembalo, virginel (englesko čembalo, koje se odlikuje malom veličinom) i orgulje. Istovremeno, muzičari nisu zaboravili da komponuju jednostavniju muziku koja nije zahtevala visoku izvođačku veštinu. U isto vrijeme došlo je do promjena u muzičkom pisanju: teške drvene štampe zamijenjene su pokretnim metalnim tipovima koje je izumio Italijan Ottaviano Petrucci. Objavljena muzička djela brzo su se rasprodala, a sve više ljudi počelo se baviti muzikom.
Kraj renesanse obeležio je najvažniji događaj u istoriji muzike - rođenje opere. Grupa humanista, muzičara i pjesnika okupila se u Firenci pod pokroviteljstvom svog vođe grofa Giovannija De Bardija (1534. - 1612.). Grupa se zvala "kamerata", a njeni glavni članovi bili su Đulio Kačini, Pietro Stroci, Vinćenco Galilej (otac astronoma Galilea Galileja), Điloramo Mei, Emilio de Kavalijeri i Otavio Rinučini u njegovim mlađim godinama.
Prvi dokumentovani sastanak grupe održan je 1573. godine, a najaktivnije godine rada"Florentine Camerata "bili su 1577 - 1582. Vjerovali su da je muzika "pokvarila" i nastojali su da se vrate obliku i stilu antičke Grčke, vjerujući da se muzička umjetnost može poboljšati i, shodno tome, i društvo poboljšati. Kamerata je kritikovala postojeću muziku zbog pretjerane upotrebe polifonije na račun razumljivosti teksta i gubitka poetičke komponente djela i predložio je stvaranje novog muzičkog stila u kojem bi tekst u monodijskom stilu bio praćen instrumentalnom muzikom. Njihovi eksperimenti su doveli do stvaranja nove vokalno-muzičke forme - recitativa, koji je prvi koristio Emilio de Cavalieri, a koji je kasnije bio direktno povezan s razvojem opere.
Prvi službeno priznatopera , po savremenim standardima, bila je opera "Dafna" (Dafna), prvi put predstavljena 1598. Autori "Dafne" bili su Jakopo Peri i Jakopo Korsi, libreto Otavija Rinučinija. Ova opera nije sačuvana. Prva sačuvana opera je "Euridika" (1600) istih autora - Jacopo Peri i Ottavio Rinuccini. Ova kreativna zajednica također je stvorila mnoga djela, od kojih je većina izgubljena.

Ranobarokna muzika (1600-1654)

Kreiranje italijanskog kompozitora Klaudija Monteverdija (1567-1643) njegovog recitatorskog stila i dosljedan razvoj italijanske opere može se smatrati konvencionalnom točkom prijelaza između baroknog i renesansnog doba. Početak opernih predstava u Rimu, a posebno u Veneciji, već je značio prepoznavanje i širenje novog žanra širom zemlje. Sve je to bio samo dio većeg procesa koji je zahvatio sve umjetnosti, a posebno se jasno očitovao u arhitekturi i slikarstvu.
Renesansni kompozitori obraćali su pažnju na razradu svakog dela muzičkog dela, praktično ne obraćajući pažnju na poređenje ovih delova. Zasebno, svaki dio bi mogao zvučati odlično, ali harmoničan rezultat dodavanja više je bio slučajnost nego regularnost. Pojava figuriranog basa ukazala je na značajnu promenu u muzičkom razmišljanju – naime, da je harmonija, koja je „slaganje delova u jednu celinu“, bila podjednako važna kao i sami melodijski delovi (polifonija). Polifonija i harmonija su sve više izgledali kao dvije strane iste ideje o komponovanju eufonične muzike: u komponovanju se harmonskim sekvencama pridavala ista pažnja kao i tritonovima u stvaranju disonance. Harmonično mišljenje je postojalo i kod nekih kompozitora prethodnog doba, na primjer, kod Carla Gesualda, ali je u doba baroka postalo opšteprihvaćeno.
One dijelove djela u kojima se modalitet i tonalitet ne mogu jasno razdvojiti kao mješoviti dur ili mješoviti mol označio je (kasnije je za ove pojmove uveo pojmove „monal-dur“ i „monal-mol“). Tabela pokazuje kako tonski sklad, već u ranom baroknom periodu, praktično zamjenjuje harmoniju prethodnog doba.
Italija postaje centar novog stila. Papstvo, iako zahvaćeno borbom protiv reformacije, ali je ipak posjedovalo ogromna finansijska sredstva dopunjena vojnim pohodima Habsburgovaca, tražilo je prilike za širenje katoličke vjere kroz širenje kulturnog utjecaja. Sa pompom, veličinom i složenošću arhitekture, likovne umetnosti i muzike, izgledalo je da katolicizam raspravlja sa asketskim protestantizmom. Bogate italijanske republike i kneževine takođe su se aktivno takmičile u oblasti likovne umetnosti. Jedan od važnih centara muzičke umjetnosti bila je Venecija, koja je u to vrijeme bila pod svjetovnim i crkvenim patronatom.
Značajna ličnost ranog baroka, čija je pozicija bila na strani katolicizma, suprotstavljajući se rastućem ideološkom, kulturnom i društvenom utjecaju protestantizma, bio je Giovanni Gabrieli. Njegova djela pripadaju stilu “visoke renesanse” (procvat renesanse). Međutim, neke od njegovih inovacija na polju instrumentacije (davanje vlastitih, specifičnih zadataka određenom instrumentu) jasno ukazuju da je on bio jedan od kompozitora koji je uticao na nastanak novog stila.
Jedan od zahteva koje je crkva postavila prema kompoziciji sakralne muzike bio je da tekstovi u delima sa vokalom budu čitljivi. To je zahtijevalo odmak od polifonije ka muzičkim tehnikama gdje su riječi došle do izražaja. Vokal je postao složeniji i raskošniji u odnosu na pratnju. Tako se razvila homofonija.
Monteverde Claudio(1567-1643), italijanski kompozitor. Ništa ga nije privlačilo više od razotkrivanja unutrašnjeg, duhovnog svijeta čovjeka u njegovim dramatičnim sudarima i sukobima sa vanjskim svijetom. Monteverdi je pravi začetnik konfliktne dramaturgije tragične prirode. On je pravi pevač ljudskih duša. Uporno je težio prirodnoj ekspresivnosti muzike. “Ljudski govor je gospodarica harmonije, a ne njen sluga.”
"Orfej" (1607.) - Muzika opere usmerena je na otkrivanje unutrašnjeg sveta tragičnog junaka. Njegova uloga je neobično višestruka, spaja različite emocionalne i ekspresivne tokove i žanrovske linije. On oduševljeno doziva svoje rodne šume i obale ili oplakuje gubitak svoje Euridike u bezumnim narodnim pjesmama.

Muzika zrelog baroka (1654-1707)

Period centralizacije vrhovne vlasti u Evropi se često naziva apsolutizmom. Apsolutizam je dostigao svoj vrhunac pod francuskim kraljem Lujem XIV. Za cijelu Evropu Lujev dvor je bio uzor. Uključujući muziku koja se izvodi na sudu. Povećana dostupnost muzičkih instrumenata (posebno klavijatura) dala je podsticaj razvoju kamerne muzike.
Zreli barok se razlikuje od ranog baroka po širokom širenju novog stila i povećanom razdvajanju muzičkih oblika, posebno u operi. Kao iu književnosti, mogućnost emitovanja muzičkih dela dovela je do proširene publike; intenzivirala se razmena između centara muzičke kulture.
Izvanredan predstavnik dvorskih kompozitora dvora Luja XIV Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Već u 21. godini dobio je titulu „dvorskog kompozitora instrumentalne muzike“. Lulijevo stvaralaštvo je od samog početka usko povezano s pozorištem. Nakon organizovanja dvorske kamerne muzike i kompozicije „airs de cour“, počeo je da piše baletsku muziku. I sam Luj XIV je plesao u baletima, koji su tada bili omiljena zabava dvorskog plemstva. Lully je bio odličan plesač. Imao je priliku da učestvuje u produkcijama, plešući sa kraljem. Poznat je po saradnji sa Molijerom, za čije drame je pisao muziku. Ali glavna stvar u Lullyjevom radu i dalje je bilo pisanje opera. Iznenađujuće, Lully je stvorio kompletan tip francuske opere; takozvanu lirsku tragediju u Francuskoj (francuski tragedie lyrique), a nesumnjivu stvaralačku zrelost dostigao je već u prvim godinama rada u operi. Lully je često koristio kontrast između veličanstvenog zvuka orkestarske dionice i jednostavnih recitativa i arija. Lullyjev muzički jezik nije mnogo složen, ali svakako nov: jasnoća harmonije, ritmička energija, jasnoća podjele oblika, čistoća teksture govore o pobjedi principa homofonog mišljenja. Njegovom uspjehu u velikoj mjeri doprinijela je i sposobnost odabira muzičara za orkestar i rad s njima (sam je vodio probe). Sastavni element njegovog rada bila je pažnja na harmoniju i solo instrument.
U Engleskoj je zreo barok obilježio briljantni genije Henry Purcell (1659-1695). Umro je mlad, u 36. godini, nakon što je napisao veliki broj djela i za života postao nadaleko poznat. Purcell je bio upoznat sa radom Corellija i drugih italijanskih baroknih kompozitora. Međutim, njegovi pokrovitelji i kupci bili su ljudi drugačije vrste od italijanskog i francuskog sekularnog i crkvenog plemstva, tako da su Purcellovi spisi veoma različiti od italijanske škole. Purcell je radio u širokom spektru žanrova; od jednostavnih religioznih himni do koračnice, od vokalnih dela velikog formata do scenske muzike. Njegov katalog sadrži više od 800 radova. Purcell je postao jedan od prvih kompozitora muzike na klavijaturama, čiji uticaj seže u moderno doba.
Za razliku od navedenih kompozitora, Dietrich Buxtehude (1637-1707) nije bio dvorski kompozitor. Buxtehude je radio kao orguljaš, prvo u Helsingborgu (1657-1658), zatim u Elsinoreu (1660-1668), a zatim, počevši od 1668, u crkvi sv. Marije u Lubecku. Nije zarađivao objavljujući svoja djela, već izvodeći ih, a više je volio komponovanje muzike po crkvenim tekstovima i izvođenje vlastitih orguljaških djela nego pokroviteljstvo plemstva. Nažalost, nisu sva djela ovog kompozitora sačuvana. Buxtehudeova muzika je umnogome izgrađena na razmjerima njegovih planova, bogatstvu i slobodi mašte, sklonosti patetici, dramatici i pomalo oratorskoj intonaciji. Njegov rad imao je snažan uticaj na kompozitore kao što su J. S. Bach i Telemann.

Kasnobarokna muzika (1707-1760)

Precizna granica između zrelog i kasnog baroka predmet je rasprave; nalazi se negdje između 1680. i 1720. godine. U velikoj mjeri složenost njegove definicije je posljedica činjenice da su se u različitim zemljama stilovi mijenjali asinhrono; inovacije koje su već bile prihvaćene po pravilu na jednom mestu bile su nova otkrića na drugom
Forme otkrivene u prethodnom periodu dostigle su zrelost i veliku varijabilnost; koncert, suita, sonata, concerto grosso, oratorij, opera i balet više nisu imali jasno definisana nacionalna obeležja. Općeprihvaćeni obrasci radova su svuda uspostavljeni: ponovljeni dvodijelni oblik (AABB), jednostavan trodijelni oblik (ABC) i rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Italijanski kompozitor, rođen u Veneciji. Godine 1703. zaređen je za katoličkog svećenika. Upravo tim, u to vrijeme još u razvoju instrumentalnih žanrova (barokna sonata i barokni koncert) Vivaldi je dao svoj najznačajniji doprinos. Vivaldi je komponovao više od 500 koncerata. Nekim svojim djelima dao je i programske naslove, poput čuvenih "Godišnja doba".
Domenico Scarlatti (1685-1757) bio je jedan od vodećih kompozitora i izvođača na klavijaturama svog vremena. Ali možda je najpoznatiji dvorski kompozitor George Frideric Handel (1685-1759). Rođen je u Njemačkoj, studirao je tri godine u Italiji, ali je 1711. napustio London, gdje je započeo svoju briljantnu i komercijalno uspješnu karijeru nezavisnog operskog kompozitora, ispunjavajući narudžbe plemstva. Posjedujući neumornu energiju, Hendl je prerađivao materijale drugih kompozitora i stalno prerađivao vlastite kompozicije. Na primjer, poznat je po tome što je toliko puta preradio čuveni oratorij "Mesija" da sada ne postoji verzija koja se može nazvati "autentičnom".
Nakon smrti, priznat je kao vodeći evropski kompozitor, a proučavali su ga muzičari klasičnog doba. Hendl je u svojoj muzici pomiješao bogatu tradiciju improvizacije i kontrapunkta. Umetnost muzičke dekoracije dostigla je veoma visok nivo razvoja u njegovim delima. Putovao je po čitavoj Evropi da bi proučavao muziku drugih kompozitora, pa je stoga imao veoma širok krug poznanstava među kompozitorima drugih stilova.
Johann Sebastian Bach rođen 21. marta 1685. u Ajzenahu, Nemačka. Tokom svog života komponovao je više od 1.000 dela u različitim žanrovima, osim opere. Ali za života nije postigao neki značajniji uspjeh. Mnogo puta, Bach je mijenjao jednu ne tako visoku poziciju za drugom: u Vajmaru je bio dvorski muzičar vajmarskog vojvode Johana Ernsta, zatim je postao čuvar orgulja u crkvi sv. Bonifacija u Arnstadtu, nekoliko godina kasnije prihvatio je mjesto orguljaša u crkvi sv. Blazijusa u Mühlhausenu, gdje je radio samo oko godinu dana, nakon čega se vratio u Weimar, gdje je preuzeo mjesto dvorskog orguljaša i organizatora koncerata. Na ovoj poziciji ostao je devet godina. Godine 1717., Leopold, vojvoda od Anhalt-Köthena, unajmio je Bacha za voditelja benda, i Bach je počeo živjeti i raditi u Köthenu. Godine 1723. Bach se preselio u Leipzig, gdje je ostao do svoje smrti 1750. godine. Posljednjih godina njegovog života i nakon Bachove smrti, njegova slava kao kompozitora počela je da opada: njegov stil se smatrao staromodnim u poređenju sa bujajućim klasicizmom. Bio je poznatiji i zapamćen kao izvođač, učitelj i otac mlađih Bahova, posebno Karla Filipa Emanuela, čija je muzika bila poznatija.
Tek izvedba Pasiona po Mateju od Mendelsona, 79 godina nakon smrti J. S. Bacha, oživjela je interesovanje za njegovo djelo. Sada je J. S. Bach jedan od najpopularnijih kompozitora
Klasicizam
Klasicizam je stil i pravac u umjetnosti 17. - ranog 19. stoljeća.
Ova riječ dolazi od latinskog classicus - uzoran. Klasicizam se zasnivao na vjeri u racionalnost postojanja, u činjenicu da je ljudska priroda harmonična. Svoj ideal klasici su vidjeli u antičkoj umjetnosti, koju su smatrali najvišim oblikom savršenstva.
U osamnaestom veku počinje nova etapa u razvoju društvene svesti - doba prosvetiteljstva. Stari društveni poredak se uništava; ideje poštovanja ljudskog dostojanstva, slobode i sreće dobijaju iznimnu važnost; pojedinac stiče nezavisnost i zrelost, koristi svoju inteligenciju i kritičko mišljenje. Ideale baroknog doba s njegovom pompom, pompom i svečanošću zamjenjuje novi stil života zasnovan na prirodnosti i jednostavnosti. Dolazi vrijeme idealističkih pogleda Jean-Jacquesa Rousseaua, koji pozivaju na povratak prirodi, prirodnoj vrlini i slobodi. Uz prirodu, idealizira se i antika, jer se vjerovalo da su upravo u antici ljudi uspjeli ostvariti sve ljudske težnje. Antička umjetnost naziva se klasičnom, prepoznata je kao uzorna, najistinitija, savršena, skladna i, za razliku od umjetnosti barokne ere, smatra se jednostavnom i razumljivom. Fokus je, uz druge važne aspekte, na obrazovanju, položaju običnih ljudi u društvenom poretku i genijalnosti kao ljudskom vlasništvu.

I u umjetnosti vlada razum. Želeći da naglasi visoku svrhu umjetnosti, njenu društvenu i građansku ulogu, francuski filozof i pedagog Denis Diderot napisao je: „Svako skulpturalno ili slikarsko djelo treba da izražava neko veliko pravilo života, treba da uči.

Pozorište je istovremeno bilo i udžbenik života, ali i sam život. Osim toga, u pozorištu je radnja visoko uređena i odmjerena; podeljena je na činove i scene, koji su, pak, podeljeni na pojedinačne replike likova, stvarajući ideal umetnosti tako drag 18. veku, gde je sve na svom mestu i podređeno logičnim zakonima.
Muzika klasicizma je izuzetno teatralna, čini se da kopira pozorišnu umetnost, oponaša je.
Podela klasične sonate i simfonije na velike delove - delove od kojih se u svakoj nalazi mnogo muzičkih "događaja" - slično je podeli drame na radnje i scene.
U muzici klasičnog doba često se podrazumijeva zaplet, određena radnja koja se odvija pred slušaocima na isti način kao što se pozorišna radnja odvija pred publikom.
Slušalac samo treba da uključi svoju maštu i prepozna likove klasične komedije ili tragedije u „muzičkoj odeći“.
Pozorišna umetnost takođe pomaže da se objasne velike promene u izvođenju muzike koje su se desile u 18. veku. Ranije je glavno mesto gde je muzika zvučala bio hram: u njemu se čovek nalazio ispod, u ogromnom prostoru, gde mu se činilo da muzika pomaže da podigne pogled i posveti svoje misli Bogu. Sada, u 18. veku, muzika se čuje u aristokratskom salonu, u plesnoj sali plemićkog imanja ili na gradskom trgu. Čini se da slušalac doba prosvjetiteljstva tretira muziku na osnovu imena i više ne doživljava oduševljenje i stidljivost koje je ona u njemu nadahnjivala kada je zvučala u crkvi.
Muzika više nema moćan, svečani zvuk orgulja, a uloga hora je smanjena. Muzika klasičnog stila zvuči lagano, ima mnogo manje zvukova, kao da „manje teži“ od teške, višeslojne muzike prošlosti. Zvuk orgulja i hora zamijenjen je zvukom simfonijskog orkestra; uzvišene arije ustupile su mjesto laganoj, ritmičkoj i plesnoj muzici.
Zahvaljujući bezgraničnoj vjeri u mogućnosti ljudskog uma i moć znanja, 18. vijek se počeo nazivati ​​Dobom razuma ili Dobom prosvjetiteljstva.
Procvat klasicizma započeo je 80-ih godina osamnaestog vijeka. Godine 1781. J. Haydn je stvorio nekoliko inovativnih djela, uključujući njegov Gudački kvartet op. 33; U toku je premijera opere V.A. Mocartova "Otmica iz seralja"; Objavljene su drama F. Schillera "Razbojnici" i I. Kanta "Kritika čistog razuma".

Najsjajniji predstavnici klasičnog perioda su kompozitori bečke klasične škole Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven. Njihova umjetnost oduševljava se savršenstvom kompozicione tehnike, humanističkom usmjerenošću stvaralaštva i željom, posebno uočljivom u muzici W. A. ​​Mozarta, da muzičkim sredstvima prikažu savršenu ljepotu.

Sam koncept bečke klasične škole nastao je ubrzo nakon smrti L. Beethovena. Klasičnu umjetnost odlikuje delikatan balans između osjećaja i razuma, forme i sadržaja. Muzika renesanse odražavala je duh i dah svog doba; u doba baroka, predmet prikaza u muzici bilo je ljudsko stanje; muzika klasičnog doba veliča postupke i djela čovjeka, emocije i osjećaje koje doživljava, pažljiv i holistički ljudski um.

Ludwig Van Beethoven (1770-1827)
Nemački kompozitor se često smatra najvećim kompozitorom svih vremena.
Njegovo djelo se svrstava u klasicizam i romantizam.
Za razliku od svog prethodnika Mocarta, Betoven je imao poteškoća u komponovanju. Beethovenove bilježnice pokazuju kako postepeno, korak po korak, iz nesigurnih skica nastaje grandiozna kompozicija, obilježena uvjerljivom logikom građenja i rijetkom ljepotom. Upravo je logika glavni izvor Beethovenove veličine, njegove neuporedive sposobnosti da organizira kontrastne elemente u monolitnu cjelinu. Beethoven briše tradicionalne cezure između dijelova forme, izbjegava simetriju, spaja dijelove ciklusa i razvija proširene konstrukcije od tematskih i ritmičkih motiva, koji na prvi pogled ne sadrže ništa zanimljivo. Drugim riječima, Beethoven stvara muzički prostor snagom svog uma, vlastitom voljom. On je anticipirao i stvorio one umetničke pokrete koji su postali odlučujući za muzičku umetnost 19. veka.

Romantizam.
obuhvata otprilike godine 1800-1910
Romantični kompozitori pokušali su da izraze dubinu i bogatstvo unutrašnjeg svijeta čovjeka uz pomoć muzičkih sredstava. Muzika postaje istaknutija i individualnija. Razvijaju se žanrovi pjesama, uključujući balade.
Glavni predstavnici romantizma u muzici su: Austrija - Franz Schubert ; u Njemačkoj - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; V
itd...................