Federalna agencija za obrazovanje

IRKUTSK DRŽAVNI TEHNIČKI UNIVERZITET

Katedra za ekonomiju i menadžment

Fakultet likovnih umjetnosti

Savremena umetnost u Rusiji 20-21 veka.

Završila: Kasymova K.P.

gr. ISKu 06-1

Provjerio: Prokhorenkova S.A.

Irkutsk

Uvod

1. Slikarstvo kao umjetnička forma

2. Vrsta likovne umjetnosti - grafika

4. Drevni oblik umjetnosti - skulptura

5. Arhitektura - umjetnost projektovanja i izgradnje

6. Glavni pravci i tehnike savremene umetnosti

7. Kinetička umjetnost

Primijenjena grafika uključuje čestitke, šarene kalendare, omote ploča koje je dizajnirao umjetnik i još mnogo toga. Naljepnice na raznim pakiranjima su također primijenjene ili industrijske grafike (industrijska grafika), koje imaju praktičnu svrhu, pomažu u snalaženju u velikom broju različitih proizvoda i ukrašavaju naš svakodnevni život.

Poster je raspoređen u posebnu grafičku oblast. Po pravilu, živo reaguje na važne događaje koji se dešavaju (olimpijade, takmičenja, koncerti, izložbe itd.). Uobičajeno je razlikovati nekoliko glavnih vrsta plakata: politički, sportski, ekološki, reklamni, satirični, obrazovni, pozorišni itd.

Moderan grafički dizajn uključuje ne samo fontove, već i niz ikoničnih slika, uključujući geometrijske i cvjetne.

Nova vrsta je kompjuterska grafika. Umjetnici kreiraju kompozicije od složenih linija koje se ukrštaju, volumetrijskih elemenata, uzoraka, mrlja u boji na ekranu, a zatim štampaju dobijene slike na štampaču. Sposobnost grafike da brzo reaguje na aktuelne događaje, da izrazi osećanja i misli umetnika, kao i razvoj tehnologije stvaraju uslove za nastanak novih vrsta grafike.

4. Drevni oblik umjetnosti - skulptura

Skulptura- jedan od najstarijih oblika umjetnosti. Skulptura (lat. sculptura, od sculpo - rezati, rezbariti, skulptura, plastika) je vrsta likovne umjetnosti čija djela imaju materijalni trodimenzionalni volumen. Sami ovi radovi ( statue, poprsja, reljefi i slično) nazivaju se i skulpturom.

Skulptura je podijeljena u dvije vrste: okrugla, slobodno postavljena u realnom prostoru, i reljefna (bas-reljef i visoki reljef), u kojoj se trodimenzionalne slike nalaze na ravni. Po svojoj namjeni, skulptura može biti štafelajna, monumentalna, monumentalno-dekorativna. Posebno se izdvaja skulptura malih formi. Po žanru, skulptura se dijeli na portretnu, svakodnevnu (žanrovsku), animalističku, istorijsku i druge. Pejzaži i mrtve prirode mogu se rekreirati pomoću skulpturalnih sredstava. Ali glavni predmet za vajara je osoba, koja se može oličiti u različitim oblicima (glava, bista, statua, skulpturalna grupa).

Tehnologija izrade skulptura je obično složena i višestepena, te uključuje dosta fizičkog rada. Kipar izrezuje ili izrezuje svoj rad od čvrstog materijala (kamena, drveta, itd.) uklanjanjem viška mase. Drugi proces stvaranja volumena dodavanjem plastične mase (plastelin, glina, vosak, itd.) naziva se modeliranje (plastika). Skulpture također stvaraju svoje radove odljevkom od tvari koje mogu prijeći iz tekućeg u čvrsto stanje (razni materijali, gips, beton, plastika, itd.). Neotopljeni metal koji se koristi za izradu skulpture obrađuje se kovanjem, utiskivanjem, zavarivanjem i rezanjem.

U 20. veku Pojavljuju se nove mogućnosti za razvoj skulpture. Tako se u skulpturi koriste netradicionalne metode i materijali (žica, figure na naduvavanje, ogledala, itd.). Umjetnici mnogih pokreta svakodnevne predmete proglašavaju skulpturama.

Boja, koja se dugo koristila u skulpturi (antika, srednji vijek, renesansa), aktivno se koristi za poboljšanje umjetničke ekspresivnosti današnje štafelajne skulpture. Okretanje skulpturi ili njeno napuštanje, vraćanje prirodnoj boji materijala (kamen, drvo, bronza, itd.) povezani su s općim smjerom razvoja umjetnosti u datoj zemlji i u datoj eri.

5. Arhitektura - umjetnost projektovanja i izgradnje

Arhitektura(lat. architectura, gr. archi - glavni i tektos - graditi, uspraviti) - arhitektura, umjetnost projektovanja i građenja. Arhitektura može u umjetničkim slikama izraziti čovjekove ideje o svijetu, vremenu, veličini, radosti, trijumfu, usamljenosti i mnogim drugim osjećajima. Vjerovatno zato kažu da je arhitektura zamrznuta muzika.

Postoje tri glavna tipa arhitekture: volumetrijske strukture (vjerske, javne, industrijske, stambene i druge zgrade); pejzažna arhitektura (sjenice, mostovi, fontane i stepenice za trgove, bulevare, parkove); urbanističko planiranje - stvaranje novih gradova i rekonstrukcija starih. Kompleksi zgrada i otvoreni prostori čine arhitektonske cjeline. Arhitekta mora voditi računa o ljepoti, korisnosti i snazi ​​konstrukcija koje se stvaraju, drugim riječima, estetski, konstruktivni i funkcionalni kvaliteti u arhitekturi su međusobno povezani.

U različitim povijesnim periodima korišteni su različiti građevinski materijali i tehnologije, što je značajno utjecalo na stvaranje arhitektonskih objekata.

Trenutni nivo tehnološkog razvoja, upotreba armiranog betona, stakla, plastike i drugih novih materijala omogućavaju stvaranje neobičnih oblika objekata u obliku lopte, spirale, cvijeta, školjke, uha i slično.

Glavna izražajna sredstva koja se koriste u arhitekturi su plastičnost volumena, razmera, ritam, proporcionalnost, kao i tekstura i boja površina. Arhitektonske strukture odražavaju umjetnički stil tog doba, baš kao i djela bilo koje druge umjetničke forme. Po svojoj umjetničkoj i figurativnoj strani arhitektura se razlikuje od jednostavne konstrukcije. Arhitekte stvaraju umetnički organizovan prostor za ljudski život, koji je moguće okruženje za sintezu umetnosti (ansambl). Svjetski poznate arhitektonske strukture i ansambli pamte se kao simboli zemalja i gradova (piramide u Egiptu, Akropolj u Atini, Koloseum u Rimu, Ajfelov toranj u Parizu, neboderi u Čikagu, Kremlj i Crveni trg u Moskvi itd. ).

Polihrom(od grčkog polys - brojan i chroma - boja) - višebojna boja ili višebojni materijal u arhitekturi, skulpturi, dekorativnoj umjetnosti.

Mnogobojno bojenje posebno je tipično za proizvode narodne i dekorativne umjetnosti. Polihromni ornament je popularniji od jednobojnog (jednobojnog).

Polihrom se često koristio u arhitekturi i vizuelnim umetnostima starog Egipta i antike. Različite strukture, skulpturalni reljefi, kipovi, biste mogli su biti oslikani u nekoliko jarkih boja.

Trenutno se boja sve više uključuje u skulpturu, posebno u male skulpture.

6. Glavni pravci i tehnike savremene umetnosti

Apstrakcija- jedan od glavnih načina našeg razmišljanja. Njegov rezultat je formiranje najopštijih pojmova i sudova (apstrakcija). U dekorativnoj umjetnosti, apstrakcija je proces stilizacije prirodnih oblika. U umjetničkoj djelatnosti, apstrakcija je stalno prisutna; u svom ekstremnom izrazu u likovnoj umetnosti vodi ka apstrakcionizmu, posebnom pravcu u likovnoj umetnosti 20. veka, koji karakteriše odbijanje prikazivanja stvarnih predmeta, ekstremna generalizacija ili potpuno odbacivanje forme, neobjektivne kompozicije (od linije, tačke, mrlje, ravni i sl.), eksperimenti sa bojom, spontano izražavanje umetnikovog unutrašnjeg sveta, njegove podsvesti u haotičnim, neorganizovanim apstraktnim oblicima (apstraktni ekspresionizam). Ovaj pravac uključuje slikarstvo ruskog umjetnika V. Kandinskog.

Predstavnici nekih pokreta u apstraktnoj umjetnosti stvarali su logično uređene strukture, odražavajući potragu za racionalnom organizacijom oblika u arhitekturi i dizajnu (suprematizam ruskog slikara K. Maleviča, konstruktivizam itd.) Apstraktizam je bio manje izražen u skulpturi nego u slikarstvu. . Apstrakcionizam je bio odgovor na opštu disharmoniju savremenog sveta i bio je uspešan jer je proklamovao odbacivanje svesti u umetnosti i pozivao na „prepuštanje inicijativi formama, bojama, bojama“.

Realizam(od francuskog realizma, od latinskog realis - materijal) - u umjetnosti u širem smislu, istinit, objektivan, sveobuhvatan odraz stvarnosti koristeći specifična sredstva svojstvena vrstama umjetničkog stvaralaštva.

Opšte karakteristike metode realizma su pouzdanost u reprodukciji stvarnosti. Istovremeno, realistička umjetnost ima ogromnu raznolikost načina spoznaje, generalizacije i umjetničkog odraza stvarnosti (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. Korin, itd.)

Realistička umetnost 20. veka. poprima svijetle nacionalne karakteristike i razne oblike. Realizam je suprotan fenomen modernizmu.

Avangarda- (od francuskog avant - napredan, garde - odvojenost) - koncept koji definira eksperimentalne, modernističke poduhvate u umjetnosti. U svakoj epohi u likovnoj umjetnosti nastajale su inovativne pojave, ali se pojam „avangarda“ ustalio tek početkom 20. vijeka. U to vrijeme pojavili su se trendovi kao što su fovizam, kubizam, futurizam, ekspresionizam i apstrakcionizam. Zatim, 20-ih i 30-ih godina, nadrealizam je zauzeo avangardne pozicije. 60-70-ih godina dodaju se nove varijante apstrakcionizma - različiti oblici akcionizma, rad sa objektima (pop art), konceptualna umjetnost, fotorealizam, kineticizam itd. Avangardni umjetnici svojom kreativnošću izražavaju svojevrsni protest protiv tradicionalne kulture .

U svim avangardnim pokretima, unatoč njihovoj velikoj raznolikosti, mogu se prepoznati zajedničke crte: odbacivanje normi klasične slike, formalna novina, deformacija oblika, izraza i razne razigrane transformacije. Sve to dovodi do brisanja granica između umjetnosti i stvarnosti (ready-made, instalacije, okruženje), stvarajući ideal otvorenog umjetničkog djela koje direktno zadire u okolinu. Avangardna umjetnost je osmišljena za dijalog između umjetnika i gledatelja, aktivnu interakciju čovjeka s umjetničkim djelom, sudjelovanje u kreativnosti (na primjer, kinetička umjetnost, hepening, itd.). Djela avangardnih pokreta ponekad gube svoje likovno porijeklo i izjednačavaju se sa objektima okolne stvarnosti. Moderni trendovi avangardizma usko su isprepleteni, formirajući nove oblike sintetičke umjetnosti.

Underground(engleski underground - podzemlje, tamnica) - koncept koji znači "podzemnu" kulturu, koji se suprotstavljao konvencijama i ograničenjima tradicionalne kulture. Izložbe umjetnika dotičnog pokreta često su se održavale ne u salonima i galerijama, već direktno na tlu, kao iu podzemnim prolazima ili metrou, koji se u nizu zemalja naziva underground (podzemna željeznica). Vjerovatno je i ova okolnost utjecala na to da je ovaj pravac u umjetnosti 20. stoljeća. ovo ime je ustanovljeno.

U Rusiji je koncept andergraunda postao oznaka za zajednicu umjetnika koji predstavljaju nezvaničnu umjetnost.

Nadrealizam(francuski nadrealizam - superrealizam) - pokret u književnosti i umetnosti 20. veka. razvijen 1920-ih godina. Pojavivši se u Francuskoj na inicijativu pisca A. Bretona, nadrealizam je ubrzo postao međunarodni trend. Nadrealisti su vjerovali da kreativna energija dolazi iz sfere podsvijesti, koja se manifestira tijekom spavanja, hipnoze, bolnog delirija, iznenadnih uvida, automatskih radnji (nasumično lutanje olovke po papiru itd.).

Nadrealistički umjetnici, za razliku od apstrakcionista, ne odbijaju prikazati predmete iz stvarnog života, već ih predstavljaju u haosu, namjerno lišenim logičkih odnosa. Nedostatak smisla, odbacivanje razumnog odraza stvarnosti osnovni je princip umjetnosti nadrealizma. Sam naziv smjera govori o njegovoj izolaciji od stvarnog života: “sur” na francuskom “gore”; umjetnici se nisu pretvarali da odražavaju stvarnost, već su svoje kreacije mentalno postavljali “iznad” realizma, pretvarajući obmane fantazije kao umjetnička djela. Tako se u broj nadrealističkih slika nalaze slična, neobjašnjiva djela M. Ernsta, J. Miróa, I. Tanguya, kao i predmeti koje su nadrealisti obrađivali do neprepoznatljivosti (M. Oppenheim).

Nadrealistički pokret, na čijem je čelu bio S. Dali, temeljio se na iluzornoj tačnosti reprodukcije nestvarne slike koja nastaje u podsvijesti. Njegove slike odlikuju pažljiv stil rada kistom, tačan prikaz svjetla i sjene i perspektiva, tipična za akademsko slikarstvo. Gledatelj, podlegavši ​​uvjerljivosti iluzornog slikarstva, biva uvučen u labirint obmana i nerazrješivih misterija: čvrsti predmeti se šire, gusti objekti postaju prozirni, nespojivi objekti se uvijaju i ispadaju, masivni volumeni postaju bestežinski, a sve to stvara nemoguću sliku. u stvarnosti.

Ova činjenica je poznata. Jednom na jednoj izložbi, gledalac je dugo stajao ispred dela S. Dalija, pažljivo provirujući i pokušavajući da shvati značenje. Konačno, u potpunom očaju, glasno je rekao: "Ne razumijem šta ovo znači!" Usklik gledatelja čuo je S. Dali koji je bio na izložbi. „Kako možeš da razumeš šta to znači ako ni ja sam ne razumem“, rekao je umetnik, izražavajući tako osnovni princip nadrealističke umetnosti: slikati bez razmišljanja, bez razmišljanja, napuštajući razum i logiku.

Izložbe radova nadrealista obično su bile praćene skandalima: gledaoci su bili ogorčeni apsurdnim, neshvatljivim slikama i vjerovali su da ih varaju i mistificiraju. Nadrealisti su krivili publiku, izjavljujući da zaostaju i da nisu dovoljno sazreli da sustignu rad „naprednih“ umetnika.

Opće karakteristike umjetnosti nadrealizma su fantazija apsurda, alogizam, paradoksalne kombinacije oblika, vizualna nestabilnost, promjenjivost slika. Umjetnici su se okrenuli oponašanju primitivne umjetnosti, kreativnosti djece i psihički bolesnih.

Umjetnici ovog pokreta željeli su da na svojim platnima stvore stvarnost koja ne odražava stvarnost, sugeriranu podsvijesti, ali je u praksi to rezultiralo stvaranjem patološki odbojnih slika, eklekticizma i kiča (njem. kič; jeftina, neukusna masovna proizvodnja osmišljena za spoljni efekat).

Određena otkrića nadrealista korišćena su u komercijalnim oblastima dekorativne umetnosti, na primer, optičke iluzije, koje omogućavaju da se u jednoj slici vide dve različite slike ili subjekta u zavisnosti od smera gledanja.

Radovi nadrealista izazivaju najsloženije asocijacije i mogu se u našoj percepciji poistovjetiti sa zlom. Zastrašujuće vizije i idilični snovi, nasilje, očaj - ovi osjećaji se pojavljuju u različitim oblicima u radovima nadrealista, aktivno utječući na gledatelja; apsurdnost djela nadrealizma utječe na asocijativnu maštu i psihu.

Nadrealizam je kontroverzan umjetnički fenomen. Mnogi istinski napredni kulturnjaci, shvativši da ovaj trend uništava umjetnost, kasnije su napustili nadrealističke poglede (umjetnici P. Picasso, P. Klee i drugi, pjesnici F. Lorca, P. Neruda, španski režiser L. Buñuel, koji su snimali nadrealne filmove) . Do sredine 1960-ih nadrealizam je zamijenjen novim, još upečatljivijim pravcima modernizma, ali bizarna, uglavnom ružna, besmislena djela nadrealista i dalje pune dvorane muzeja.

Modernizam(francuski modernisme, od latinskog modernus - nov, moderan) - zbirna oznaka svih najnovijih trendova, pravaca, škola i aktivnosti pojedinih majstora umjetnosti 20. stoljeća, raskidajući s tradicijom, realizmom i smatrajući eksperiment osnovom stvaralaštva. metoda (fovizam, ekspresionizam, kubizam, futurizam, apstraktna umjetnost, dadaizam, nadrealizam, pop art, op art, kinetička umjetnost, hiperrealizam, itd.). Modernizam je po značenju blizak avangardi i suprotan akademizmu. Modernizam su sovjetski likovni kritičari negativno ocijenili kao krizni fenomen u buržoaskoj kulturi. Umjetnost ima slobodu da bira svoje istorijske puteve. Kontradikcije modernizma, kao takve, moraju se posmatrati ne statički, već u istorijskoj dinamici.

Pop Art(engleski pop art, od popularne umjetnosti - popularna umjetnost) - pokret u umjetnosti zapadne Evrope i SAD-a od kasnih 1950-ih. Procvat pop arta došao je u turbulentnim 60-im godinama, kada su izbili nemiri mladih u mnogim zemljama Evrope i Amerike. Omladinski pokret nije imao jedinstven cilj - ujedinio ga je patos poricanja. Mladi su bili spremni da bace čitavu prošlu kulturu. Sve se to odražava u umjetnosti.

Posebnost pop arta je kombinacija izazova i ravnodušnosti. Sve je jednako vrijedno ili jednako neprocjenjivo, podjednako lijepo ili jednako ružno, jednako vrijedno ili nedostojno. Možda se samo reklamni biznis zasniva na istom nepristrasnom i poslovnom odnosu prema svemu na svijetu. Nije slučajno da je oglašavanje imalo veliki utjecaj na pop art, a mnogi njegovi predstavnici su radili i rade u reklamnim centrima. Kreatori reklamnih programa i emisija umeju da iseku komadiće i kombinuju u kombinaciji koja im je potrebna, prašak za veš i poznato remek delo umetnosti, pasta za zube i Bachova fuga. Pop art radi isto.

Motive masovne kulture pop art eksploatiše na različite načine. Pravi objekti se unose u sliku kroz kolaž ili fotografije, najčešće u neočekivanim ili potpuno apsurdnim kombinacijama (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). Slikarstvo može oponašati kompozicione tehnike i tehnike bilborda, a slika iz stripa može se povećati na veličinu velikog platna (R. Lichtenstein). Skulptura se može kombinovati sa lutkama. Na primjer, umjetnik K. Oldenburg stvorio je privide izložbenih modela prehrambenih proizvoda ogromne veličine od neobičnih materijala

Često ne postoji granica između skulpture i slikarstva. Djelo pop arta često ne samo da ima tri dimenzije, već ispunjava i cijelu izložbenu prostoriju. Zbog ovakvih transformacija, originalna slika predmeta masovne kulture se transformiše i percipira potpuno drugačije nego u stvarnom svakodnevnom okruženju.

Glavna kategorija pop-arta nije umjetnička slika, već njen „designation“, što rasterećenje autora od umjetnog procesa njenog stvaranja, prikazivanja nečega (M. Duchamp). Ovaj proces je uveden s ciljem da se pojam umjetnosti proširi na neumjetničke aktivnosti, „izlazak“ umjetnosti u polje masovne kulture. Pop art umjetnici su bili pokretači oblika poput hepeninga, objektnih instalacija, okruženja i drugih oblika konceptualne umjetnosti. Slični pokreti: underground, hiperrealizam, op art, readymade, itd.

Op art(engleski op art, skraćenica za optičku umjetnost - optička umjetnost) - pravac u umjetnosti 20. stoljeća, koji je postao široko rasprostranjen 1960-ih. Op art umjetnici su koristili različite vizualne iluzije, oslanjajući se na osobenosti percepcije ravnih i prostornih figura. Efekti prostornog kretanja, stapanja i lebdenja formi postignuti su uvođenjem ritmičkih ponavljanja, oštrih kontrasta boja i tonova, ukrštanja spiralnih i rešetkastih konfiguracija i uvijanja linija. U op art-u su se često koristile instalacije promjenjivih svjetlosnih i dinamičkih struktura (o čemu se dalje govori u odjeljku kinetička umjetnost). Iluzije protočnog pokreta, uzastopne promjene slika, nestabilne forme koje se neprestano preuređuju pojavljuju se u op artu samo u percepciji gledatelja. Smjer nastavlja tehničku liniju modernizma.

7. Kinetička umjetnost

Kinetička umjetnost(od gr. kinetikos - pokretanje) - pravac u modernoj umjetnosti povezan sa širokom upotrebom pokretnih struktura i drugih elemenata dinamike. Kineticizam se kao samostalan pokret formirao u drugoj polovini 1950-ih, ali su mu prethodili eksperimenti u stvaranju dinamične plastike u ruskom konstruktivizmu (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodčenko) i dadaizmu.

Ranije nam je narodna umjetnost također pokazala primjere pokretnih predmeta i igračaka, na primjer, drvene ptice sreće iz regije Arkhangelsk, mehaničke igračke koje simuliraju radne procese iz sela Bogorodskoye, itd.

U kinetičkoj umjetnosti pokret se uvodi na različite načine; neka djela dinamički transformira sam gledatelj, druga zračnim vibracijama, a treća pokreće motor ili elektromagnetne sile. Raznovrsnost korištenih materijala je beskrajna - od tradicionalnih do ultramodernih tehničkih sredstava, sve do kompjutera i lasera. Ogledala se često koriste u kinetičkim kompozicijama.

U mnogim slučajevima, iluzija pokreta se stvara promjenom osvjetljenja - ovdje se kineticizam susreće s op artom. Kinetičke tehnike se široko koriste u organizaciji izložbi, sajmova, diskoteka, te u dizajnu trgova, parkova i javnih interijera.

Kineticizam teži sintezi umjetnosti: kretanje objekta u prostoru može biti dopunjeno svjetlosnim efektima, zvukom, svjetlosnom muzikom, filmom itd.

Tutoring

Trebate pomoć u proučavanju teme?

Naši stručnjaci će savjetovati ili pružiti usluge podučavanja o temama koje vas zanimaju.
Pošaljite svoju prijavu naznačivši temu upravo sada kako biste saznali o mogućnosti dobivanja konsultacija.

Osnovni pojmovi i pojmovi na temu: Art Nouveau, modernizam, fovizam, kubizam, nadrealizam, apstraktna umjetnost, suprematizam, konstruktivizam, instalacija, eklekticizam, kino, televizija, masovna i elitna umjetnost.

Tematski plan učenja:

1. Nove vrste umjetnosti, umjetnički pokreti i stilovi.

Kratak sažetak teorijskih pitanja:

Dvadeseti vek je vek trijumfa nauke i ljudske inteligencije, vek paradoksa i preokreta. On je sumirao razvoj svjetske kulture. U ovom stoljeću kultura je prekinula veze regionalne ili nacionalne izolacije i postala internacionalna. Svjetska umjetnička kultura integrira kulturne vrijednosti gotovo svih naroda.

Karakteristična pojava dvadesetog veka bila je primetno slabljenje tih društvenih mehanizama – mehanizama kontinuiteta u kulturi. Pojedinac nastoji da postane nezavisan, neovisan o kulturnim tradicijama, običajima, utvrđenim pravilima bontona, ponašanja i komunikacije. Istovremeno se unutrašnja sloboda sve više zamjenjuje vanjskom slobodom, neovisnost duha zamjenjuje se neovisnošću tijela, što postepeno dovodi do smanjenja duhovnosti i nivoa kulture.

F. Nietzsche je dao figurativan opis umjetnosti 20. stoljeća, tvrdeći da nam je “umetnost data da ne bismo umrli od istine”.

Modernizam(novo, najnovije, moderno) - skup estetskih škola s kraja 19. i početka 20. stoljeća, koje karakterizira raskid s tradicijama realizma.

Blizu ovom konceptu avangarda. On okuplja najradikalnije varijante modernizma. Ovi pojmovi se često doživljavaju kao sinonimi. Kod nas su modernizam i avangarda bili oštro kritikovani – za razliku od „socijalističkog realizma“. Obično su se ovi koncepti tumačili kao pokazatelj krize buržoaske kulture. Međutim, ovo klasno gledište ne podnosi kritiku. Modernističke i avangardne tendencije su karakteristična karakteristika moderne umjetnosti.

Govoreći protiv normi i tradicija dotadašnje estetike, težeći inovacija po svaku cijenu, Modernizam u svojim ekstremnim manifestacijama uništava smisao umjetničkog stvaralaštva i često šokira. Ali u svojim najboljim primjerima, modernizam je značajno obogatio umjetničku kulturu čovječanstva.

Ortega y Gasset: „Novi umjetnici su stavili tabu na svaki pokušaj da se u umjetnost usadi „humanost“. Nova umjetnost najviše odbacuje ličnost. Sa svih strana dolazimo do istog – bekstva od čoveka.”

Upravo je Ortega autor najzanimljivije hipoteze o općem zakonu razvoja svjetske umjetnosti. Vjerovao je da umjetnost slijedi filozofiju menjao u zavisnosti od promene umetnikovog gledišta na svet oko sebe- od materijalno konkretne vizije svijeta, preko njegove subjektivne percepcije - do dominacije čistih ideja i apstrakcija.

Umjetnost se uvijek bori da čovječanstvo, kroz sve peripetije istorije, i dalje nosi svoje glavno dostignuće – duhovnost. Jer porazom i smrću duhovnosti i sam čovjek biva poražen i propada, nemajući više nikakve razlike od životinja. Iz ove perspektive treba da razmotrimo šta se desilo sa umetnošću dvadesetog veka.

U dvadesetom veku došlo je do odstupanja od tradicije, u izvesnom smislu do sloma tradicije u umetnosti. Ali to ne znači da su realizam i realistički principi prikazivanja ukinuti do ovog stoljeća.

Avangarda je šarolika konstelacija škola, trendova, trendova, koja zadivljuje kaskadom boja i raznolikošću slika. Utisak haosa izazvan brzom promenom ukusa. Bilo koja formula “Ako ovo nikada ranije nije urađeno, onda se mora uraditi.”

Fovizam. Jedan od prvih predstavnici Fovizam je odredio prijelaz od pripreme avangarde do same avangarde.

Glavna stvar je postići maksimalnu energiju boje.

A. Matisse- francuski umjetnik, osnivač fovizma, nastojao je da ažurira dekorativnu umjetnost, čiju jasnoću i radosni balans treba, po njegovom mišljenju, prenijeti na gledatelja.

Lagana, vesela Matisseova umjetnost. Najpoznatija Matisa dela su „Ples“ i „Muzika“ (panoe koje je naslikao 1908. po narudžbini S.I. Ščukina) za dekoraciju moskovske vile poznatog filantropa (sada preseljena u Ermitaž).

Ekspresionizam- „umetnost vikanja. Slika “Vrisak” E. Muncha. „Nikad nije bilo vremena potreseno takvim užasom, takvim smrtnim strahom. Nikada svijet nije bio tako smrtno tih. Čovek nikada nije bio tako mali. Nikada nije bio tako plašljiv. Joy nikad nije bila tako mrtva. Potreba plače, čovjek zove svoju dušu, vrijeme postaje krik potrebe. Umjetnost se pridružuje svom vapaju u tami, vapi u pomoć, poziva duh. To je ekspresionizam” (V. Turčin).

Ekspresionizam: od slikarstva do politike, od filozofije do muzike, od arhitekture do bioskopa, od pozorišta do skulpture.

Kubizam je kreativnost formi. Želja da se objekat geometrizuje, čineći njegovu formu arhitektonskom. Početak kubizma u djelima Georgesa Braquea i Pabla Picassa.

Predstavnici kubizma u Rusiji: K. Malevich, L. Popova, D. Burliuk (društva „Dijamanti”, „Magareći rep” itd.).

P. Picasso je univerzalni umjetnički genije. Španski umetnik, vajar - najveći stvaralac dvadesetog veka. 15 hiljada slika, osnivač kubizma.

“Gernika” je remek-djelo Picassovog slikarstva, slika teška za sagledavanje i analizu, gdje je stvarnost izražena jezikom složenih subjektivnih asocijacija.

Jedan od najpoznatijih Picassovih crteža je "Golub mira",

Nespojive krajnosti (realizam i modernizam) u Pikasovom delu.

Apstraktna umjetnost. Prva apstraktna slika: A. Alfons„Devojke u snegu“ – prazan papir zakačen na kartonsku tabletu. Tradicionalna apstraktna umjetnost počinje 1910. godine (pojavom prvih finih akvarela V. Kandinskog).

Postoji duboka dualnost u terminu apstraktne umjetnosti, kada postoji nagovještaj i umjetnosti i neke vrste alternative. Ovo je neobjektivna umjetnost zasnovana na apstrakciji slikovnih slika od određenih objekata. Radovi apstraktnih umjetnika su kombinacija geometrijskih oblika, kolornih mrlja i linija. Apstraktnu umjetnost karakteriziraju dva trenda: apstrakcija slika od prirode do te mjere da one prestaju odražavati stvarnost; čiste umjetničke forme koje nemaju veze sa stvarnošću.

Prvi apstraktni umjetnik je bio V. Kandinsky. Među umjetnicima i kiparima koji su razvili ovaj smjer: P. Mondrian, K. Malevich, C. Brancusi i drugi.

Nadrealizam(superrealizam) kao umetnički pravac nastao je u Francuskoj 20-ih godina XX veka. Ova kreativnost je izvan kontrole uma. Francuski pjesnik Andre Breton objavio je "Manifest nadrealizma".

Prema principima nadrealizma, umjetnik se mora osloniti na nesvjesno, povezano sa snovima, halucinacijama, zabludama i sjećanjima na djetinjstvo. A zadatak umjetnika je da uz pomoć umjetničkih sredstava postigne beskonačno i vječno. Nadrealisti svoje radove konstruišu kao nešto nelogično, paradoksalno, neočekivano, kao posebnu nestvarnost.

Najveći predstavnik nadrealizma bio je Salvador Dali.

Dali je nastojao da stvori fotografiju nesvesnog, da pouzdano uhvati svoje snove, jer je upravo taj spontani život ljudskog „ja“, nekontrolisan izvana, umetniku izgledao kao prava stvarnost. On stvara generalizirane umjetničke slike, gradi složene, strogo promišljene kompozicije "haosa" bolnih vizija.

Za ponovno stvaranje takve slike svijeta, gdje je sve razdvojeno propadanjem, potrebna je ogromna snaga trezvenog uma da bi se nekako organizirao ovaj besmisleni, apsurdni tok postojanja. "Jedina razlika između mene i lude osobe je u tome što nisam lud", rekao je jednom Dali.

Pop Art- popularna umjetnost, namijenjena masovnoj publici, lako se distribuira i masovno proizvodi, zaudara na veliki biznis. Pop art je vrsta "umetnosti izvan umetnosti". Pop art kompozicije često koriste stvarne kućne predmete (limenke, stare stvari, novine) i njihove mehaničke kopije (fotografije, lutke, isječke iz stripova). Njihova nasumična kombinacija je uzdignuta u rang umjetnosti.

Pop art umjetnike privukao je svijet masovne kulture oko njih, dizajniran za milijunsku potrošnju, kada su estetske i društvene vrijednosti bile izjednačene s potrošačkim, svakodnevnim, a često i neduhovnim vrijednostima. Uništili su hijerarhiju slika i zapleta. Podjednako bi mogli da vrednuju Leonarda da Vinčija i Mikija Mausa, slikarstvo i tehnologiju, hakerski rad i umetnost, kič i humor.

Pop art uvijek ima duh masovne privlačnosti i uključenosti. Pop art je bio prvi veliki pokret avangarde, koji se socijalizirao i usadio u društvo. Pop art je ušao u kinematografiju, reklamu, iz koje je izvorno došao, u modu, u bihevioralni tip života. To je namjerna aljkavost u odjeći, njeni različiti stilovi, upotreba reklamnih plastičnih vrećica kao vrećica itd.

Laboratorijski radovi- nije obezbeđeno.

Praktične lekcije- nije obezbeđeno.

Zadaci za samostalan rad:

1. Pripremite poruku “Različitost stilova i pokreta u umjetnosti ranog 20. stoljeća.”

2. Pripremiti fotogaleriju reprodukcija sa umjetničkim primjerima fovizma, kubizma, nadrealizma, apstrakcionizma, suprematizma.

Obrazac samostalne kontrole rada:

- usmena anketa,

Provjeravanje bilješki, poruka, foto galerija.

Pitanja za samokontrolu

Ruska likovna umjetnost je donedavno bila organski spoj nacionalnih umjetničkih kultura. Govoreći o nacionalnim školama, moglo bi se navesti glavne kvalitete svake od njih. Na primjer, ukazati na tradicionalni psihologizam ruske škole; emocionalnost i liričnost – ukrajinski; dramatičan karakter i čak, kako istraživači primjećuju, herojska tragedija - bjeloruski; visoki smisao za monumentalizam – gruzijski; vesela dekorativnost - moldavske ili jermenske škole; posebna bliskost narodnom porijeklu - litvanske, kirgiške, uzbekistanske škole; racionalno-intelektualni duh - estonska škola itd. Ali to bi, naravno, bile vrlo ograničene, jednostrane i stoga općenito netačne karakteristike. Svaka od nacionalnih škola, sa svojom složenom figurativno-stilskom specifičnošću u različitim oblicima, tehnikama i stilistikom, ostala je vjerna glavnim ljudskim idealima.

Mora se reći da uprkos svim poteškoćama istorijskog razvoja našeg društva: od građanskog rata do Velikog domovinskog rata, od gladi kasnih 1920-ih - ranih 1930-ih. do uništene poslijeratne ekonomije, od laži i laži politike totalitarne države - do "revolucije" ranih 1990-ih, u okviru strogo ograničenih sloboda "socijalističkog realizma" - uz sve to, izvanredno majstori su stvorili, priznajemo, mnoga divna umjetnička djela (a koliko bi ih još stvorili oni koji su u godinama represije potonuli u zaborav ili izgorjeli u požaru Velikog domovinskog rata!). I ovo se mora zapamtiti.

Ovdje predstavljena slika umjetničkog života odražava stanje umjetnosti prije dramatičnog perioda raspada SSSR-a. Tvorac autorovog udžbenika ne može a da ne izrazi svoj stav o daljem razvoju situacije u umetničkom životu Rusije na teritoriji njenih bivših republika. Ne možemo poreći da je nevjerovatan uspon svih umjetnosti u nacionalnim republikama SSSR-a, nastanak čitavih slojeva kulture - od pisane do vizualne - bio moguć zahvaljujući „njegujućoj“ kulturnoj ulozi ruske kulture, zahvaljujući ponekad čak i požrtvovani napori predstavnika ruske inteligencije. Nakon raspada Sovjetskog Saveza, pojedine nacionalne elite novostvorenih država na njegovom bivšem teritoriju uglavnom su pokazivale sebičnost i nezahvalnost, pokušavajući da izbrišu ulogu ruskog naroda i njegove kulture u životu svojih zemalja, a u nekim knjigama i udžbenike su čak nazivali Ruse okupatorima. Moramo priznati da komunistički projekat stvaranja jedinstvene sovjetske nacije nije bio uspješan; zapravo, samo su Rusi odgajani u idealima prijateljstva naroda, samopožrtvovanja i apstraktne „međunarodne dužnosti“. Ali nadajmo se da će „mlinovi istorije“ mleti klevetu i falsifikovanje, a vremenom i ulogu ruske kulture u 20. veku. će biti cijenjen „od hladnih finskih stena do vatrene Kolhide“. Da ne kažem da bi to iskrivilo proces razvoja umjetničke kulture u budućnosti.

Kao rezultat narušavanja i narušavanja uspostavljenih kulturnih veza među republikama, ne možemo suditi o umetničkim procesima koji se tamo trenutno odvijaju, pa možemo govoriti o umetnosti poslednje decenije 20. - početka 21. veka. i – već samo Rusija.

tzv post-sovjetska umetnost prijelom stoljeća uklapa se u vremenski okvir koji je suviše mali da bi se moglo odabrati bilo kakva imena za objektivnu (ako je moguće) istorijsku sliku. Samo će budućnost staviti sve na svoje mjesto i omogućiti istoričaru umjetnosti da izvuče prave zaključke i da pravi procjenu. Ali već je moguće ocrtati glavne probleme.

I jedan od ovih problema se tiče religiozno slikarstvo, koja se prvi put u modernoj istoriji naše države izjasnila 1990-ih godina. Tada se, u godinama naglog pada moralnog nivoa društva, starija generacija ne samo potpuno afirmisanih umjetnika, već i onih u zenitu slave, sve više okreće kršćanskim temama u štafelajnim slikama (teme Golgote ​​E. Moiseenko i A. Mylnikov, Vječna pamjat..." V. Ivanova, "Blagovještenje" (vidi umetak u boji) i "Juda" G. Koržev, "Posljednja večera" i "Nošenje krsta" od slikarica mlađe generacije N. Nesterova, u ovoj seriji može se spomenuti i ranija "Sjeverna kapela" V. Popkova). Ali glavna riječ ovdje, pokazalo se, nije pripala štafelajnim slikarima, već monumentalistima.

Rusko pravoslavno crkveno slikarstvo, koje je svoj najveći procvat doživjelo u srednjem vijeku, nastavilo je svoj razvoj u okvirima akademske umjetnosti, a na prijelazu iz 19. u 20. vek pronašlo ozbiljne istraživače, prestalo je da postoji 1917. godine. Državna politika ateizma. , zadavši snažan udarac pravoslavlju, prekinuo je i razvoj ikonopisa i gradnje hramova. Ipak, glavni ruski istoričari umetnosti (Olsufjev, Grabar, Lazarev, Alpatov itd.) su se bavili potragom za starim ikonama (tako su, na primer, pronađene Rubljovske ikone sa ikonostasa Vladimirskog Uspenja 1922. godine) i njihovu restauraciju.

Poslednja četvrtina 20. i prva decenija 21. veka. – nova stranica u razvoju pravoslavnog slikarstva u Rusiji. Godine 1989. u Moskvi je osnovana Nezavisna fondacija za preporod crkvene umjetnosti. Povodom proslave Milenijuma Krštenja Rusije, u Moskvi je organizovana izložba „Savremena ikona“, a 1997. godine, povodom 850. godišnjice Moskve, izložba „Ruska ikona na kraju 20. veka ” je organizovan, predstavljajući različite pravce u razvoju ikona, počevši od Vizantije. Posebnu pažnju privukla je grupa ikona „narodnog pokreta“, koja potiče iz narodnih slika, popularnih grafika. Pojavili su se značajni ikonopisci sa svojom školom, koji su imali uspeha u inostranstvu (na primer, ranije pomenuti arhimandrit otac Zinon). Do 2000. godine u Moskvi je već postojalo više od 30 ikonopisačkih radionica. U Sankt Peterburgu, glavne škole su ikonopisne radionice na Bogoslovskoj akademiji i Bogosloviji (na čelu sa igumanom Aleksandrom) i ikonopisno-restauratorska radionica u Aleksandro-Nevskoj lavri (rukovodilac D. Mironenko), ne računajući mnoge radionice po manastirima i salašima. U Severnoj prestonici pojavila se prva galerija modernog ikonopisa u Rusiji, „Ruska ikona“ (2003), koja je sakupila radove umetnika iz Moskve, Sankt Peterburga, Jaroslavlja, Novgoroda, Pskova, Tvera itd. Sanktpeterburška škola je generalno pokazala razne stilske trendove. Izložbe 1994, 1999, 2000, 2001 okupljao je umetnike ne samo različitih generacija i različitih stilskih pravaca, već i različitih vrsta i žanrova umetnosti: monumentaliste, umetnike raznih vrsta primenjene umetnosti, poput emajlira, i po pravilu uvek visokog profesionalnog nivoa, izvodio zajedno sa ikonopiscima.

2002. godine, pored ikona iz Sankt Peterburga, Moskve, sjeverozapada itd., u Muzeju primijenjene umjetnosti Sankt Peterburgske Državne umjetničke akademije nazvane po baronu A. L. Stieglitzu, po prvi put, ikone iz St. Predstavljeni su Petersburg, Moskva, sjeverozapad itd. freske, mozaici, kopije starih majstora i njihova vlastita djela. Izložba je jasno pokazala duboko razumijevanje umjetnika ikone, njihovo proučavanje njenog kanona i značenje hramskog prostora za nju. Ali što je najvažnije, otkrila je dva vodeća pravca u religioznoj umjetnosti: jedan - od njenog porijekla, Vizantije i drevne Rusije, drugi - od umjetnosti tzv. sinodalni period. Ovaj pravac u crkvenom slikarstvu odlikuje se privlačnošću tradicijama zapadnoevropske umjetnosti („bolonjske škole“) i domaćim akademskim tradicijama (primjer je ikonografija Borovikovskog u katedrali u Mogiljevu ili njegove ikone u kazanskoj katedrali u St. Petersburg). Od posebnog interesa među umjetnicima ovog smjera treba istaći rad V. M. Vasnetsova, M. V. Nesterova u centrima ikonopisa kao što su Palekh i Mstera, upravo zato što oni, svaki na svoj način, povezuju ove tradicije (V. Lebedev. "Jovan jevanđelista" Msterska ikona, početak 21. vijeka; vidi umetak u boji). Koji je način ispravniji? Ne postoji jasan odgovor na ovo pitanje. Ikonopisci traže svoj, moderni izraz u oba slučaja: kada se okreću drevnim ruskim izvorima, i kada traže tlo u akademizmu. Sam V. M. Vasnjecov je, nakon što je radio u kijevskoj Vladimirskoj katedrali, pisao da oseća nezadovoljstvo i da je „daleko“ od autentičnog, pa moderni ikonopisci i dalje imaju mnogo problema koje treba rešiti.

Savremeni ikonopisci i restauratori počeli su da stiču slavu u inostranstvu (npr. E. Bolšakov, Ju. Bobrov su radili na Svetoj Gori, A. Čaškin, E. Maksimov - u SAD, N. Muhin - u Srbiji). Umjetnike koji se danas bave religioznim slikarstvom karakterizira, kao što je već spomenuto, duboko razumijevanje religiozne umjetnosti, kako štafelajnih oblika, tako i monumentalnih. Za stvaranje nove ikonografije Ksenije iz Sankt Peterburga (1988.) velike zasluge pripadaju modernim majstorima; Jovan Kronštatski, slika Krštenja Rusa (ikone Oca Zinona, 1988, ili Natalije i Nikolaja Bogdanova, 2000; vidi umetak u boji), kao i Sv. Serafima Viritskog, Venijamina Petrogradskog i dr. novoupokojen na Saboru 2000. Mnogo se radi na stvaranju ikonografije „kraljevskih mučenika“, do danas nije završeno. Međutim, čak i u tradicionalnoj, davno uspostavljenoj ikonografiji, mnogi slikari pokazuju snažnu kreativnost. Dovoljno je navesti, na primjer, takvog umjetnika kao što je G. Tonkov. U njegovom "sveto trojstvo" vidi se pečat snažne drevne ruske tradicije, a majstorov ekspresivni slikovni rukopis srodan je novgorodskim i direktno volotovskim (Crkva Uspenja na Volotovskom polju) muralima, ali ga je napisao savremeni umjetnik, sa modernim razumijevanjem onoga što je prikazano.

Obnova i izgradnja novih crkava je postala široko rasprostranjena u posljednjih 15-20 godina. U skladu s tim, pitanje njihovog dekorativnog dizajna postalo je akutno. Samo u Sankt Peterburgu, od sredine 1990-ih. Obnovljeno je i izgrađeno više od 100 hramova i kapela. Primer uspešne interakcije arhitekture i potpuno novog ikonopisa, murala i mozaika pokazuje nam Sanktpeterburški Novodevički manastir Vaskrsenja na Moskovskom prospektu. I s tim u vezi, treba istaći upravo to mozaik postala je posebno tražena u izgradnji novih hramova.

Umetnost koja je u Rusiju došla iz Vizantije i doživela novo rođenje u 18. veku. trud i talenat M.V. Lomonosova i novi uspon u 19. veku. Prije svega, u zidovima Carske akademije umjetnosti, mozaik nije bio predan zaboravu u godinama sovjetske vlasti. Već smo rekli kako je 1930-ih. U vezi sa izgradnjom podzemne željeznice i drugih javnih objekata, njegove dekorativne mogućnosti, a što je najvažnije, njegov propagandni karakter, bile su naširoko korištene. U poslijeratnim godinama i kasnije, dječji vrtići i sanatoriji, bolnice, preduzeća, zidovi škola itd. bili su ukrašeni mozaicima. U Sankt Peterburgu, pored radionice mozaika Akademije umjetnosti, radili su i rade i rade diplomci Više umjetničke škole nazvane V.I. Mukhina (SPbVHPA, kojoj je s pravom vraćeno ime njenog osnivača Barona A.L. Stieglitza). veoma dobro.

Istraživači ispravno primjećuju da je iskustvo mozaika sovjetskog perioda, uz svu svoju uključenost, uvelike pomoglo mladim umjetnicima na novoj fazi njegovog razvoja, koja je započela 1990-ih, kako u načinu kucanja, tako iu razumijevanju mogućnosti materijala, i u korišćenju novih tehnologija. Ne više u Moskvi, već u metrou u Sankt Peterburgu, diplomac Akademije umetnosti, student A. A. Myljnikova, A. Bystrov, ukrašava stanicu metroa Aleksandra Nevskog scenom čuvene bitke - a ovo je posljednje djelo nastalo u Sankt Peterburgu prije raspada SSSR-a. Poslednji poredak 20. veka. za radionice mozaika Akademije umjetnosti i isti majstor je izradio mozaičke panoe za stanicu Sportivnaja (1998–1999; vidi umetak u boji) na „olimpijske teme“, u kojima je umjetnik pokazao znanje i pokazao suptilno razumijevanje antičke mitologije i antička umjetnost. Kasnije je A. Bystrov (zajedno sa E. Bystrovom i drugima) ukrašavao enterijere stanica metroa Volkovskaja, Admiraltejskaja itd. Drugi tim poznatih peterburških monumentalista: S. Repin, N. Fomin, I. Uralov, V. Sukhov - autori mozaika na stanicama metroa "Ozerki", "Dostojevskaja", "Ostrvo Krestovski", "Sennaya" itd. Ista grupa poznatih umetnika izvela je mozaike u crkvi Rođenja Bogorodice u s. Aleksandrovskoe, Lenjingradska oblast (arhitekata A. Shreter, A. Golovin, G. Uralov).

Od početka 2000-ih. primjetne su promjene u domaćem monumentalna umjetnost u smislu da država prestaje da bude njen jedini kupac, pojavljuje se privatni kupac. Što se tiče štafelajne umjetnosti posljednjih decenija, njen razvoj u ovom periodu je prilično raznolik. Mnogi umjetnici koji su ostavili trag 1970-1980-ih nastavljaju sa radom, poput istog A. Kuliniča (pogledajte njegove divne litografije u boji posvećene istoriji manastira Kirilo-Belozerski i Spaso-Kamenni (Vologdska oblast), njegove ilustracije za Gogolja, koji još čeka na objavljivanje, i njegove prekrasne živopisne slike, pune narodne mašte i humora). A ovo je samo primjer jednog umjetnika koji se proslavio još 1970-1980-ih, među onima koji plodno rade danas, serijal se može nastaviti. A koliko ih je još vrlo mladih, koji tek ulaze u stvaralački život, hrabro i slobodno, sa zanimljivim mislima - vrijeme će, nadamo se, s pravom istaknuti njihova imena.

Sada možemo izvući samo jedan zaključak. Za svu modernu domaću (figurativnu) umetnost druge polovine 20. – početka 21. veka. Posebno je karakteristično širenje utjecaja kruga ruskih tradicija - udaljavanje od avangarde kroz umjetnost prijelaza 20. u 19. stoljeće. na drevnu rusku umjetnost, a u stranom materijalu - od eksperimenata s početka prošlog stoljeća preko postimpresionizma - impresionizma - romantizma do velike umjetnosti renesanse. Drugim riječima, nastavljaju glavne tradicije koje su se razvile u umjetnosti 20. stoljeća: ruski akademizam, ruski impresionizam, ruski „sezanizam“, kao i postmodernističke fantazije na teme renesanse i čisto salonskog akademizma na prijelazu 19.–20. vijeka. Brojne izložbe posljednjih godina to savršeno ilustruju.

Istovremeno, ne može se ne primijetiti da je u nedostatku državnih ideologija evidentna tendencija podrške na najvišim nivoima pokroviteljstva iu organizaciji samih muzejskih izložbi prednost se daje prvenstveno različitim oblicima neo- avangarda. Nestankom jasnih vladinih smjernica u oblasti kulturne politike, došlo je do procesa legalizacije raznih neformalnih udruženja. “Underground” (izraz posuđen iz američke kinematografije ranih 1940-ih) ne samo da je ušao u domaći umjetnički život, već je postao gotovo elitna umjetnost, o kojoj se govori “na dah”, ali koja još uvijek zahtijeva ozbiljnu i objektivnu procjenu, kao i aktivnosti mnogih umjetničkih galerija koje su nedavno otvorene (sada samo iz nekog razloga pozvane umjetničke galerije) i mnoge različite nove umjetničke publikacije. Danas, kada su „ranije referentne tačke izblijedjele, a nekadašnji idoli zamjenjuju se novim, kada nastaje sistem odlučno novih, uglavnom imaginarnih vrijednosti, koji na svoj način odražavaju posttotalitarno razmišljanje“, to je vrlo teško, ali neophodno. . Nesumnjivo, razumijevanje procesa razvoja umjetnosti nije imuno na pogrešne proračune, greške, kontradikcije, i pitanje je vremena i objektivne kritike da se shvati sva raznolikost i složenost moderne umjetnosti, „odvajajući žito od kukolja“.

Čini se da je jedno od teških pitanja post-avangarda. U godinama sovjetske vlasti nastalo je toliko „siromašnih u mislima i primitivnih formi“ (V. Vlasov) djela socijalističkog realizma da je na toj pozadini ruska avangarda 1920-ih, posebno u očima mladih umjetnika i gledaoci, počeli da se doživljavaju (kada su, pak, postali dostupni za gledanje) kao najnaprednija (i za druge, jedina moguća) umjetnost na svijetu. Rehabilitacija imena takvih zaista velikih majstora kao što je Π. N. Filonov i K. S. Malevich su tome doprinijeli. Talentovani likovni kritičari oplakivali su njegov prekinut razvoj („Avangarda stala u bekstvu“). I svi su nekako zaboravili da je to bila sovjetska avangarda 1920-ih. bila je moćna sila koja je prva počela da uništava klasične tradicije ruske umetnosti, i to kojom silom! "Kako se usuđuješ da sebe nazivaš pjesnikom // i, sivi mali, cvrkućeš kao prepelica? // Danas // moraš // mjedenim zglobovima // zarezati svjetsku lubanju!" (V.V. Majakovski. “Oblak u pantalonama”). I „seku“! Revolucija je pružila najbogatije mogućnosti za propagiranje nihilističke umjetnosti, bez istorije, zavičaja, bez korijena. Moderna postavangarda, sa svojom agresivnošću, istim poznatim patosom destrukcije, ali i nekom vrstom dubokog nedostatka kulture, također je sekundarna i tautološka. Sve je to (ovo se, međutim, odnosi na sav svjetski postmodernizam) namjerno izgrađeno na citatima - bilo u književnosti, kinematografiji ili likovnoj umjetnosti. Ne bez razloga se veliki umjetnici često žale da živimo u eri lažnih proroka, lažnih idola, lažnih idola, a danas se jedna osoba proglašava „velikom“, sutra druga, prekosutra druga. A najbolja stvar u postavangardi ostaje ruganje i ironija, a ponekad i refleksija poznata ruskoj inteligenciji.

Istovremeno, za istraživače umjetnosti jasno je da je sve to “konceptualna umjetnost”, te op-pop društvena i druga “umjetnost”, uključujući i umjetnički dizajn, sa njihovim odlaskom od figurativnosti prema ikoničnosti, verbalnosti, uostalom, ali suštine, ništa manje politizirane i agitativne od socijalističkog realizma.

Početkom 3. milenijuma, moramo priznati da je visoka umetnost poražena od masovne umetnosti i kiča kao njenog ekstremnog izraza, sa svojim lošim ukusom, narušavanjem osećaja mere, proporcije, harmonije: nema broja. imena ovdje - od vrlo poznatih do potpuno nepoznatih. I to nije samo ruski, već i svjetski fenomen: postmodernizam označava kraj „ere klasične umjetnosti“; ideali prošlosti, kako se pravilno kaže, ismijani su, a novi nisu stvoreni. Zato postaje sve jasnije, ma koliko to tragično zvučalo, da je 20. vek vek kulturne katastrofe, čiji koreni sežu u prošlost, kada je nastala verska svest i tradicionalni način života. do sloma, a buržoazizam je dao povoda za protest samo u vidu bezbožne pobune i estetizacije poroka i zla.

Uzmimo si slobodu da citiramo riječi velikog muzičara prošlog stoljeća Georgija Sviridova (1915–1998): „Umjetnost naše