U 17. veku uvedena je podela slikarskih žanrova na „visoke” i „niske”. Prvi je uključivao historijske, borbene i mitološke žanrove. Drugi je uključivao svjetovne žanrove slikarstva iz svakodnevnog života, na primjer, svakodnevni žanr, mrtvu prirodu, životinjsko slikarstvo, portret, akt, pejzaž.

Istorijski žanr

Istorijski žanr u slikarstvu ne prikazuje određeni predmet ili osobu, već određeni trenutak ili događaj koji se zbio u istoriji prošlih epoha. Uključen je u glavni žanrovi slikarstva u umjetnosti. Portret, bitka, svakodnevni i mitološki žanrovi često su usko isprepleteni sa istorijskim.

"Osvajanje Sibira od strane Ermaka" (1891-1895)
Vasilij Surikov

Umjetnici Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovič Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev i mnogi drugi slikali su svoje slike u istorijskom žanru.

Mitološki žanr

Priče, drevne legende i mitovi, folklor - prikaz ovih subjekata, junaka i događaja našao je svoje mjesto u mitološkom žanru slikarstva. Možda se može razlikovati na slikama bilo kojeg naroda, jer je povijest svake etničke grupe puna legendi i tradicija. Na primjer, takva radnja grčke mitologije kao što je tajna romansa boga rata Aresa i boginje ljepote Afrodite prikazana je na slici "Parnassus" italijanskog umjetnika po imenu Andrea Mantegna.

"Parnas" (1497.)
Andrea Mantegna

Mitologija u slikarstvu konačno se formirala tokom renesanse. Predstavnici ovog žanra, pored Andrea Mantegne, su Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mihajlovič Vasnetsov i drugi.

Battle žanr

Bojno slikarstvo opisuje scene iz vojnog života. Najčešće su ilustrovani različiti vojni pohodi, kao i bitke na moru i kopnu. A pošto su ove bitke često preuzete iz stvarne istorije, bitka i istorijski žanrovi ovde nalaze svoju tačku ukrštanja.

Fragment panorame "Borodinska bitka" (1912)
Franz Roubaud

Bojno slikarstvo se oblikovalo tokom italijanske renesanse u delima umetnika Mikelanđela Buonarotija, Leonarda da Vinčija, a potom Teodora Žerikoa, Fransiska Goje, Franca Aleksejeviča Ruboa, Mitrofana Borisoviča Grekova i mnogih drugih slikara.

Svakodnevni žanr

Prizori iz svakodnevnog, javnog ili privatnog života običnih ljudi, bilo da se radi o gradskom ili seljačkom životu, u slikarstvu su prikazani u svakodnevnom žanru. Kao i mnogi drugi žanrovi slikarstva, svakodnevne slike se rijetko nalaze u vlastitom obliku, postajući dio žanra portreta ili pejzaža.

"Prodavac muzičkih instrumenata" (1652.)
Karel Fabricius

Nastanak svakodnevnog slikarstva nastao je u 10. veku na istoku, a u Evropu i Rusiju se selio tek u 17.-18. veku. Jan Vermer, Karel Fabricius i Gabriel Metsu, Mihail Šibanov i Ivan Aleksejevič Ermenev su najpoznatiji umetnici svakodnevne slike u tom periodu.

Animalistički žanr

Glavni objekti animalističkog žanra su životinje i ptice, divlje i domaće, i općenito svi predstavnici životinjskog svijeta. U početku je slikarstvo životinja bilo dio žanrova kineskog slikarstva, budući da se prvi put pojavilo u Kini u 8. vijeku. U Evropi se životinjsko slikarstvo formiralo tek u doba renesanse - životinje su u to vrijeme prikazivane kao oličenje ljudskih poroka i vrlina.

"Konji na livadi" (1649.)
Paulus Potter

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp glavni su predstavnici životinjskog slikarstva u likovnoj umjetnosti.

Mrtva priroda

Žanr mrtve prirode prikazuje predmete koji okružuju osobu u životu. To su neživi objekti spojeni u jednu grupu. Takvi predmeti mogu pripadati istom rodu (na primjer, na slici su prikazani samo plodovi), ili mogu biti različiti (voće, pribor, muzički instrumenti, cvijeće itd.).

"Cvijeće u korpi, leptir i vilin konjic" (1614.)
Ambrozije Bosshart stariji

Mrtva priroda kao samostalan žanr oblikovala se u 17. vijeku. Posebno se ističu flamanska i holandska škola mrtve prirode. Predstavnici raznih stilova slikali su svoje slike u ovom žanru, od realizma do kubizma. Neke od najpoznatijih mrtvih priroda naslikali su slikari Ambrosius Bosschaert Stariji, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.

Portret

Portret je žanr slikarstva, koji je jedan od najčešćih u likovnoj umjetnosti. Svrha portreta u slikarstvu je prikazati osobu, ali ne samo njen izgled, već i prenijeti unutrašnje osjećaje i raspoloženje osobe koja se portretira.

Portreti mogu biti pojedinačni, parni, grupni, kao i autoportret, koji se ponekad izdvaja kao zaseban žanr. A najpoznatiji portret svih vremena, možda, je slika Leonarda da Vinčija pod nazivom „Portret Madame Lise del Giocondo“, svima poznata kao „Mona Liza“.

"Mona Lisa" (1503-1506)
Leonardo da Vinci

Prvi portreti pojavili su se prije više hiljada godina u starom Egiptu - to su bile slike faraona. Od tada se većina umjetnika svih vremena na ovaj ili onaj način okušala u ovom žanru. Portret i historijski žanrovi slikarstva također se mogu preklapati: slika velike istorijske ličnosti smatrat će se djelom historijskog žanra, iako će istovremeno prenijeti izgled i karakter ove osobe kao portret.

Nude

Svrha žanra akta je da prikaže nago ljudsko tijelo. Period renesanse se smatra trenutkom nastanka i razvoja ove vrste slikarstva, a glavni predmet slikarstva tada je najčešće postajalo žensko tijelo, koje je oličavalo ljepotu tog doba.

"Ruralni koncert" (1510)
Tizian

Tizian, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso najpoznatiji su umjetnici koji su slikali aktove slike.

Scenery

Glavna tema pejzažnog žanra je priroda, okruženje - grad, selo ili divljina. Prvi pejzaži pojavili su se u antičko doba kada su oslikavali palače i hramove, stvarali minijature i ikone. Pejzaž je počeo da se pojavljuje kao samostalan žanr u 16. veku i od tada je postao jedan od najpopularnijih žanrova. žanrovi slikarstva.

Prisutan je u djelima mnogih slikara, počevši od Petera Rubensa, Alekseja Kondratjeviča Savrasova, Eduarda Maneta, preko Isaka Iljiča Levitana, Pieta Mondriana, Pabla Picassa, Georgesa Braquea pa do mnogih savremenih umjetnika 21. stoljeća.

"Zlatna jesen" (1895.)
Isaac Levitan

Među pejzažnim slikama mogu se razlikovati žanrovi kao što su morski i gradski pejzaži.

Veduta

Veduta je pejzaž čija je svrha da dočara izgled urbanog područja i prenese njegovu ljepotu i ukus. Kasnije, razvojem industrije, urbani pejzaž se pretvara u industrijski pejzaž.

"Markov trg" (1730.)
Canaletto

Gradske pejzaže možete cijeniti tako što ćete se upoznati sa djelima Canaletta, Pietera Bruegela, Fjodora Jakovljeviča Aleksejeva, Sylvestera Feodosievicha Shchedrina.

Marina

Morski pejzaž, ili marina, oslikava prirodu morskog elementa, njegovu veličinu. Najpoznatiji marinski slikar na svijetu je možda Ivan Konstantinovič Ajvazovski, čija se slika "Deveti talas" može nazvati remek-djelom ruskog slikarstva. Procvat marine dogodio se istovremeno s razvojem krajolika kao takvog.

"Jedrilica u oluji" (1886.)
James Buttersworth

Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Felixovich Lagorio i Rafael Monleon Torres takođe su poznati po svojim morskim pejzažima.

Ako želite saznati još više o tome kako su nastali i razvili slikarski žanrovi u umjetnosti, pogledajte sljedeći video:

Uzmite to za sebe i recite prijateljima!

Pročitajte i na našoj web stranici:

pokazati više

Riječ "slikanje" dolazi od ruskih riječi "živi" i "pisati", što rezultira frazom "živo pismo". Slikarstvo je slika stvarnog svijeta, nacrtana improviziranim materijalima (olovke, boje, plastelin, itd.) na ravnim površinama. Možemo reći da je i projekcija stvarnog svijeta kroz prizmu umjetnikove mašte

Vrste slikanja

Ovo obiluje raznim vrstama i tehnikama prikazivanja stvarnosti, koje zavise ne samo od tehnike izvođenja umjetnikovog djela i korištenih materijala, već i od sadržaja i semantičke poruke kreativnosti. Kako bi prenio osjećaje, emocije i misli, umjetnik prije svega koristi pravila igre s bojom i svjetlom: odnos nijansi boja i igru ​​svjetla i sjenki. Zahvaljujući ovoj tajni, slike se ispostavljaju zaista žive.

Da biste postigli ovaj efekat, morate vješto koristiti šarene materijale. Stoga se u slikarstvu, čije vrste zavise od tehnike crtanja i vrste boja, mogu koristiti akvarel, ulje, tempera, pastel, gvaš, vosak, akril itd. Sve zavisi od želje umetnika.

U likovnoj umjetnosti postoje sljedeće glavne vrste slikarstva:

1. Monumentalno slikarstvo. Sam naziv ove vrste umjetnosti sugerira da će kreacija živjeti stoljećima. Ovaj tip podrazumijeva simbiozu arhitekture i likovne umjetnosti. Monumentalno slikarstvo se najčešće može vidjeti u vjerskim hramovima: to su oslikani zidovi, svodovi, lukovi i stropovi. Kada crtež i sama zgrada postanu jedno, ovakva djela imaju duboko značenje i globalnu kulturnu vrijednost. Freske češće spadaju u ovu vrstu slikarstva. U pravilu se izrađuju ne samo sa bojama, već i sa keramičkim pločicama, staklom, obojenim kamenjem, školjkom itd.

2. Štafelajno slikarstvo. Vrste takve likovne umjetnosti vrlo su česte i dostupne svakom umjetniku. Da bi se slika smatrala štafelajem, kreatoru će biti potrebno platno (štafelaj) i okvir za njega. Tako će slika biti samostalne prirode i nije bitno gdje i u kojoj arhitektonskoj strukturi se nalazi.

3. Vrste i oblici izražavanja kreativnosti su neograničeni, a ova vrsta umjetnosti može poslužiti kao dokaz. postoji hiljadama godina: to su uređenje doma, farbanje posuđa, kreiranje suvenira, farbanje tkanina, nameštaja itd. Suština kreativnosti je da predmet i dizajn na njemu postanu jedna celina. Smatra se lošim ukusom kada umjetnik na nekom objektu prikaže potpuno neprikladan dizajn.

4. podrazumeva vizuelni dizajn za pozorišne predstave, kao i za bioskop. Ova vrsta umjetnosti omogućava gledaocu da preciznije razumije i prihvati sliku predstave, performansa ili filma.

Žanrovi slikarstva

U teoriji umjetnosti također je važno razlikovati žanrove slikarstva, od kojih svaki ima svoje karakteristike:

Portret.

Mrtva priroda.

Ikonografija.

Animalizam.

Priča.

Ovo su glavne koje postoje već dugo u istoriji umetnosti. Ali napredak ne miruje. Svake godine lista žanrova raste i raste. Tako su se pojavile apstrakcija i fantazija, minimalizam itd.

- ovo je jedna od glavnih vrsta likovne umjetnosti; je umjetnički prikaz objektivnog svijeta korištenjem obojenih boja na površini. Slikarstvo se dijeli na: štafelajno, monumentalno i dekorativno.

- uglavnom predstavljaju radovi rađeni uljanim bojama na platnu (kartonu, drvenim daskama ili golom). To je najpopularnija vrsta slikanja. Upravo se ovaj tip obično primjenjuje na izraz " slikarstvo".

je tehnika slikanja na zidovima prilikom ukrašavanja zgrada i arhitektonskih elemenata u zgradama. Posebno čest u Evropi freska - monumentalno slikarstvo na mokrom malteru vodotopivim bojama. Ova tehnika crtanja poznata je još od antike. Kasnije je ova tehnika korištena u dizajnu mnogih kršćanskih vjerskih crkava i njihovih svodova.

Dekorativno slikanje — (od latinske riječi od decoro - ukrasiti) je način crtanja i primjene slika na predmete i detalje interijera, zidove, namještaj i druge ukrasne predmete. Odnosi se na dekorativnu i primijenjenu umjetnost.

Mogućnosti likovne umjetnosti posebno se jasno otkrivaju štafelajnim slikarstvom od 15. stoljeća, od masovne upotrebe uljanih boja. U njemu je dostupna posebna raznolikost sadržaja i duboko razvijene forme. Osnova likovnih likovnih sredstava su boje (mogućnosti boja), u neraskidivom jedinstvu sa chiaroscurom, i linija; boja i chiaroscuro razvijaju se i razvijaju slikarskim tehnikama sa zaokruženošću i sjajem nedostupnim drugim vrstama umjetnosti. To određuje savršenstvo volumetrijskog i prostornog modeliranja svojstvenog realističkom slikarstvu, živopisno i precizno prikazivanje stvarnosti, mogućnost realizacije zapleta koje je umjetnik zamislio (i metode građenja kompozicija) i druge vizualne prednosti.

Druga razlika u razlikama između vrsta slikanja je tehnika izvođenja prema vrstama boja. Opšti znaci nisu uvijek dovoljni da se donese odluka. Granica između slikarstva i grafike u svakom pojedinačnom slučaju: na primjer, radovi rađeni u akvarelu ili pastelu mogu pripadati oba područja, ovisno o pristupu umjetnika i zadacima koje postavlja. Iako se crteži na papiru klasificiraju kao grafike, korištenje različitih slikarskih tehnika ponekad zamagljuje razliku između slikarstva i grafike.

Mora se uzeti u obzir da je sam semantički izraz „slikanje“ riječ u ruskom jeziku. Upotrebljen je kao termin tokom formiranja likovne umetnosti u Rusiji tokom barokne ere. Upotreba riječi "slika" u to vrijeme odnosila se samo na određenu vrstu realističkog slikarstva. Ali izvorno dolazi iz crkvene tehnike slikanja ikona, koja koristi riječ „pisati“ (vezano za pisanje) jer je ova riječ prijevod značenja u grčkim tekstovima (oni su „izgubljeni u prijevodu“). Razvojem u Rusiji vlastite umjetničke škole i nasljeđivanjem evropskih akademskih znanja u oblasti umjetnosti, razvio je opseg ruske riječi „slika“, upisavši je u obrazovnu terminologiju i književni jezik. Ali u ruskom jeziku formirana je posebnost značenja glagola "pisati" u odnosu na pisanje i crtanje slika.

Žanrovi slikarstva

U toku razvoja likovne umjetnosti formiralo se nekoliko klasičnih žanrova slikarstva, koji su dobili svoja obilježja i pravila.

Portret je realističan prikaz osobe u kojem umjetnik pokušava postići sličnost s originalom. Jedan od najpopularnijih žanrova slikarstva. Većina kupaca je iskoristila talenat umjetnika da ovjekovječi svoj imidž ili, želeći da steknu sliku voljene osobe, rođaka itd. Kupci su nastojali da dobiju portretnu sličnost (ili je čak uljepšaju) ostavljajući vizualno utjelovljenje u istoriji. Portreti različitih stilova najpopularniji su dio izložbe većine umjetničkih muzeja i privatnih kolekcija. Ovaj žanr uključuje i takvu vrstu portreta kao auto portret - slika samog umjetnika, koju je on naslikao.

Scenery- jedan od popularnih slikarskih žanrova u kojem umjetnik nastoji prikazati prirodu, njenu ljepotu ili posebnost. Različite vrste prirode (raspoloženje u sezoni i vrijeme) imaju snažan emocionalni utjecaj na svakog gledatelja - to je psihološka karakteristika osobe. Želja da se iz pejzaža stekne emocionalni dojam učinila je ovaj žanr jednim od najpopularnijih u umjetničkom stvaralaštvu.

- ovaj žanr je na mnogo načina sličan pejzažu, ali ima ključnu osobinu: slike prikazuju pejzaže uz učešće arhitektonskih objekata, zgrada ili gradova. Poseban fokus su ulični pogledi na gradove koji prenose atmosferu mjesta. Drugi pravac ovog žanra je prikaz ljepote arhitekture određene zgrade - njenog izgleda ili slike njenih interijera.

- žanr u kojem je glavna tema slika istorijski događaj ili njegova interpretacija od strane umjetnika. Ono što je zanimljivo jeste da veliki broj slika na biblijsku temu pripada ovom žanru. Budući da su se u srednjem vijeku biblijske scene smatrale „povijesnim” događajima, a glavni kupci ovih slika bila je crkva. „Istorijski“ biblijski subjekti prisutni su u delima većine umetnika. Drugo rođenje istorijskog slikarstva dešava se u doba neoklasicizma, kada se umetnici okreću poznatim istorijskim temama, događajima iz antike ili nacionalnim legendama.

- odražava scene ratova i bitaka. Posebnost nije samo želja da se reflektuje istorijski događaj, već i da se gledaocu prenese emocionalno uzdizanje podviga i herojstva. Nakon toga, ovaj žanr postaje i politički, omogućavajući umjetniku da prenese gledaocu svoj pogled (svoj stav) o onome što se dešava. Sličan učinak političkog isticanja i snage umjetnikovog talenta možemo vidjeti u radu V. Vereščagina.

je žanr slikarstva sa kompozicijama od neživih predmeta, korištenjem cvijeća, proizvoda i posuđa. Ovaj žanr je jedan od najnovijih i formiran je u holandskoj slikarskoj školi. Možda je njegov izgled uzrokovan posebnošću holandske škole. Ekonomski procvat 17. vijeka u Holandiji doveo je do želje za pristupačnim luksuzom (slike) kod značajnog broja stanovništva. Ova situacija privukla je veliki broj umjetnika u Holandiju, što je izazvalo intenzivnu konkurenciju među njima. Siromašnim umjetnicima nisu bili dostupni modeli i radionice (ljudi u odgovarajućoj odjeći). Prilikom slikanja slika za prodaju koristili su improvizovana sredstva (predmete) za komponovanje slika. Ovakva situacija u istoriji holandske škole razlog je za razvoj žanrovskog slikarstva.

Žanrovsko slikarstvo — Tema slika su svakodnevne scene iz svakodnevnog života ili praznika, obično uz učešće običnih ljudi. Kao i mrtva priroda, postala je rasprostranjena među holandskim umjetnicima u 17. stoljeću. U periodu romantizma i neoklasicizma, ovaj žanr je dobio novo rođenje; slike nastoje ne toliko odraziti svakodnevni život, već ga romantizirati, unijeti određeno značenje ili moralnost u radnju.

Marina- vrsta pejzaža koja prikazuje pogled na more, obalne pejzaže s pogledom na more, izlaske i zalaske sunca na moru, brodove ili čak pomorske bitke. Iako postoji poseban žanr borbe, pomorske bitke i dalje pripadaju žanru „marina“. Razvoj i popularizacija ovog žanra može se pripisati i holandskoj školi iz 17. vijeka. Bio je popularan u Rusiji zahvaljujući radu Aivazovskog.

— karakteristika ovog žanra je stvaranje realističnih slika koje prikazuju ljepotu životinja i ptica. Jedna od zanimljivih karakteristika ovog žanra je prisustvo slika koje prikazuju nepostojeće ili mitske životinje. Zovu se umjetnici koji se specijaliziraju za slike životinja animalisti.

Istorija slikarstva

Potreba za realističnim slikama postoji od davnina, ali je imala niz nedostataka zbog nedostatka tehnologije, sistematskih škola i obrazovanja. U antičko doba češće se mogu naći primjeri primijenjenog i monumentalnog slikarstva tehnikom crtanja na gipsu. U davna vremena veća je važnost pridavana talentu izvođača; umjetnici su bili ograničeni u tehnologiji izrade boja i mogućnosti sistematskog obrazovanja. Ali već u antici su se formirala specijalizirana znanja i djela (Vitruvije), koja će biti osnova za novi procvat evropske umjetnosti u renesansi. Dekorativno slikarstvo je dobilo značajan razvoj tokom grčke i rimske antike (škola je izgubljena u srednjem veku), čiji je nivo dostignut tek posle 15. veka.

Slikarstvo rimske freske (Pompeji, 1. vek pne), primer nivoa tehnologije antičkog slikarstva:

„Mračno doba“ srednjeg vijeka, militantno kršćanstvo i inkvizicija dovode do zabrane proučavanja umjetničkog naslijeđa antike. Ogromno iskustvo antičkih majstora, znanja iz oblasti proporcija, kompozicije, arhitekture i skulpture su zabranjeni, a mnoga umjetnička blaga su uništena zbog posvećenosti drevnim božanstvima. Povratak vrijednostima umjetnosti i nauke u Evropi događa se tek tokom renesanse (ponovnog rođenja).

Umjetnici rane renesanse (preporoda) morali su sustići i oživjeti dostignuća i nivo antičkih umjetnika. Ono čemu se divimo u radovima ranorenesansnih umjetnika bio je nivo rimskih majstora. Jasan primjer gubitka višestoljetnog razvoja evropske umjetnosti (i civilizacije) tokom „mračnog doba“ srednjeg vijeka, militantnog kršćanstva i inkvizicije - razlika između ovih slika iz 14. stoljeća!

Pojava i širenje tehnologije izrade uljanih boja i tehnike slikanja njima u 15. stoljeću dovela je do razvoja štafelajnog slikarstva i posebne vrste umjetničkih proizvoda - kolor slika uljanim bojama na grundiranom platnu ili drvetu.

Slikarstvo je dobilo veliki skok u kvalitativnom razvoju tokom renesanse, uglavnom zahvaljujući radu Leona Batiste Albertija (1404-1472). Prvi je postavio osnove perspektive u slikarstvu (traktat „O slikarstvu“ iz 1436.). Evropska umjetnička škola duguje njemu (njegov rad na sistematizaciji naučnih saznanja) pojavu (oživljavanje) realističke perspektive i prirodnih proporcija u slikama umjetnika. Poznati i poznati crtež Leonarda da Vincija "Vitruvian Man"(ljudske proporcije) iz 1493. godine, posvećenu sistematizaciji Vitruvijevog antičkog znanja o proporcijama i kompoziciji, Leonardo je stvorio pola veka kasnije od Albertijeve rasprave „O slikarstvu“. A Leonardovo djelo je nastavak razvoja evropske (italijanske) umjetničke škole renesanse.

No, slikarstvo je dobilo blistav i masovni razvoj počevši od 16. i 17. stoljeća, kada je tehnika uljanog slikarstva postala široko rasprostranjena, pojavile su se različite tehnologije za izradu boja i formirale škole slikarstva. Upravo je sistem znanja i umjetničkog obrazovanja (tehnike crtanja), u kombinaciji sa potražnjom za umjetničkim djelima među aristokratijom i monarsima, doveo do brzog procvata likovne umjetnosti u Evropi (barokno razdoblje).

Neograničene finansijske mogućnosti evropskih monarhija, aristokratija i preduzetnika postale su odlično tlo za dalji razvoj slikarstva u 17.-19. veku. A slabljenje uticaja crkve i sekularnog načina života (pomnoženog razvojem protestantizma) omogućilo je rađanje mnogih tema, stilova i pokreta u slikarstvu (barok i rokoko).

U toku razvoja likovne umjetnosti umjetnici su razvili mnoge stilove i tehnike koje dovode do najvišeg nivoa realizma u njihovim radovima. Krajem 19. stoljeća (sa pojavom modernističkih pokreta) počinju zanimljive transformacije u slikarstvu. Dostupnost umjetničkog obrazovanja, masovna konkurencija i visoki zahtjevi javnosti (i kupaca) za umjetničkim vještinama stvaraju nove smjerove u metodama izražavanja. Likovna umjetnost više nije ograničena samo na nivo tehnike, umjetnici nastoje da u radove uvedu posebna značenja, načine „gledanja“ i filozofiju. Ono što često dolazi na uštrb nivoa performansi, postaje spekulacija ili metoda šokiranja. Raznolikost novonastalih stilova, živahne rasprave, pa čak i skandali izazivaju razvoj interesa za nove oblike slikarstva.

Moderne kompjuterske (digitalne) tehnologije crtanja pripadaju grafici i ne mogu se nazvati slikarstvom, iako vam mnogi kompjuterski programi i oprema omogućavaju da u potpunosti ponovite bilo koju tehniku ​​slikanja bojama.

Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja je jednostavno. Koristite obrazac ispod

Studenti, postdiplomci, mladi naučnici koji koriste bazu znanja u svom studiranju i radu biće vam veoma zahvalni.

Objavljeno na http://www.allbest.ru/

1. Slikarstvo

2. Vrste slikanja

3. Nauka o bojama

Zaključak

Bibliografija

1. Slikarstvo

Reč "slikanje" je izvedena od reči "živo" i "pisati". „Naslikati“, objašnjava Dahl, „verno i živopisno prikazati kistom ili rečima, olovkom“. Za slikara pravilno prikazati znači tačno preneti spoljašnji izgled onoga što je video i njegove najvažnije karakteristike. Bilo ih je moguće ispravno prenijeti koristeći grafička sredstva - liniju i ton. Ali nemoguće je ovim ograničenim sredstvima živopisno prenijeti višebojnost okolnog svijeta, pulsiranje života u svakom centimetru obojene površine predmeta, čar ovog života i stalno kretanje i promjenu. Slikarstvo, jedna od vrsta likovne umjetnosti, pomaže da se istinito odražavaju boje stvarnog svijeta.

Boja - glavno vizuelno i izražajno sredstvo u slikarstvu - ima ton, zasićenost i lakoću; čini se da spaja u cjelinu sve što je karakteristično za predmet: i ono što se može prikazati linijom i ono što mu je nedostupno.

Slikarstvo, kao i grafika, koristi svijetle i tamne linije, poteze i mrlje, ali za razliku od njega, ove linije, potezi i mrlje su obojeni. Oni prenose boju izvora svjetlosti kroz blještavilo i jarko osvijetljene površine, oblikuju trodimenzionalnu formu s predmetnom (lokalnom) bojom i bojom reflektovanom u okolini, uspostavljaju prostorne odnose i dubinu, te oslikavaju teksturu i materijalnost objekata.

Zadatak slikarstva nije samo da nešto prikaže, već i da otkrije unutrašnju suštinu prikazanog, da reproducira „tipične likove u tipičnim okolnostima“. Stoga je istinito likovno uopštavanje životnih pojava u osnovi osnova realističkog slikarstva.

slikanje boja nauka crtanje akvarel

2. Vrste slikanja

Monumentalno slikarstvo je posebna vrsta slika velikih razmera koje ukrašavaju zidove i plafone arhitektonskih objekata. Otkriva sadržaj glavnih društvenih pojava koje su imale pozitivan uticaj na razvoj društva, veliča ih i ovjekovječuje, pomažući u odgoju ljudi u duhu patriotizma, napretka i humanosti. Uzvišenost sadržaja monumentalnog slikarstva, značajna veličina njegovih djela i povezanost sa arhitekturom zahtijevaju velike kolorističke mase, strogu jednostavnost i lakonizam kompozicije, jasnoću kontura i općenitost plastične forme.

Dekorativno slikarstvo se koristi za ukrašavanje zgrada i interijera u obliku šarenih panela, koji s realističnim slikama stvaraju iluziju probijanja kroz zid, vizualno povećavajući veličinu prostorije, ili, naprotiv, koristeći namjerno spljoštene forme, tvrde ravnost zida i zatvorenost prostora. Uzorci, vijenci, vijenci i druge vrste dekora koje krase djela monumentalnog slikarstva i skulpture povezuju sve elemente interijera, naglašavajući njihovu ljepotu i usklađenost s arhitekturom.

Pozorišno i scensko slikanje (scenografija, kostimi, šminka, rekviziti, rađeni prema skici umjetnika) pomaže da se dodatno otkrije sadržaj predstave. Posebni pozorišni uslovi za sagledavanje kulisa zahtevaju uzimanje u obzir višestrukih tačaka gledišta publike, njihove velike udaljenosti, uticaja veštačkog osvetljenja i pozadinskog osvetljenja u boji. Scenografija daje predstavu o mjestu i vremenu radnje i aktivira gledaočevu percepciju onoga što se dešava na sceni. Pozorišni umjetnik nastoji akutno izraziti individualni karakter likova, njihov društveni status, stil epohe i još mnogo toga u skicama kostima i šminke.

Minijaturno slikarstvo se jako razvilo u srednjem vijeku, prije pronalaska tiska. Rukopisne knjige bile su ukrašene najfinijim zaglavljem, završecima i detaljnim minijaturnim ilustracijama. Ruski umjetnici prve polovine 19. stoljeća vješto su koristili tehniku ​​minijaturnog slikarstva za izradu malih (uglavnom akvarela) portreta. Čiste duboke akvarelne boje, njihove izuzetne kombinacije i izuzetna finoća pisanja izdvajaju ove portrete, pune gracioznosti i plemenitosti.

Štafelajno slikarstvo, izvedeno na mašini - štafelaju, kao materijalnu osnovu koristi drvo, karton, papir, ali najčešće platno razvučeno na nosilima. Štafelajna slika, kao samostalno djelo, može prikazati apsolutno sve: činjenično i izmišljeno umjetnika, nežive predmete i ljude, modernost i povijest - jednom riječju, život u svim njegovim manifestacijama. Za razliku od grafike, štafelajno slikarstvo ima bogatstvo boja, koje pomaže emocionalno, psihološki, višestruko i suptilno prenijeti ljepotu svijeta oko nas.

Slikarstvo se prema tehnici i načinu izvođenja dijeli na ulje, temperu, fresku, vosak, mozaik, vitraž, akvarel, gvaš i pastel. Ovi nazivi su nastali od veziva ili od načina upotrebe materijalno-tehničkih sredstava.

Slikanje uljanim bojama se radi bojom natrpanom biljnim uljima. Gusta boja se razrjeđuje kada joj se doda ulje ili posebni razrjeđivači i lakovi. Uljana boja se može koristiti na platnu, drvetu, kartonu, papiru i metalu.

Slikanje temperama se radi bojom od žumanca ili kazeina. Tempera boja se rastvara vodom i nanosi pasta ili tečnost na zid, platno, papir, drvo. U Rusiji se tempera koristila za izradu zidnih slika, ikona i šara na svakodnevnim predmetima. U današnje vrijeme tempera se koristi u slikarstvu i grafici, u dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti te u umjetničkom dizajnu.

Fresko slikarstvo ukrašava interijere u obliku monumentalnih i dekorativnih kompozicija nanesenih na vlažnu žbuku bojama na bazi vode. Freska ima prijatnu mat površinu i izdržljiva je u zatvorenim uslovima.

Slikarstvo voskom (enkaustikom) koristili su umjetnici starog Egipta, o čemu svjedoče čuveni „Fajumski portreti“ (1. vek nove ere). Vezivo u enkaustičkom slikarstvu je izbijeljeni vosak. Voštane boje nanose se u rastopljenom stanju na zagrijanu podlogu, nakon čega se spaljuju.

Mozaik slika, ili mozaik, sastavlja se od pojedinačnih komada smalte ili obojenog kamena i učvršćuje na poseban cementni prajmer. Prozirna smalta, umetnuta u zemlju pod različitim uglovima, reflektuje ili prelama svetlost, uzrokujući da boja blista i svetluca. Mozaik ploče se mogu naći u podzemnoj željeznici, u interijerima pozorišta i muzeja itd. Slikarstvo vitraža je djelo dekorativne umjetnosti namijenjeno ukrašavanju prozorskih otvora u bilo kojem arhitektonskom objektu. Vitraji su napravljeni od komada obojenog stakla koji se drže zajedno čvrstim metalnim okvirom. Svjetlosni tok, probijajući se kroz obojenu površinu vitraža, iscrtava dekorativno spektakularne, višebojne šare na podu i zidovima unutrašnjosti.

3. Nauka o bojama

Nauka o bojama je nauka o boji, uključujući znanje o prirodi boje, primarnim, kompozitnim i komplementarnim bojama, osnovnim karakteristikama boja, kontrastima boja, mešanju boja, boji, harmoniji boja, jeziku boja i kulturi boja.

Boja je jedno od "svojstava objekata u materijalnom svijetu, percipira se kao svjesni vizualni osjećaj. Ovu ili onu boju osoba "dodjeljuje" objektima u "procesu svoje" vizualne percepcije. Percepcija boje može djelomično promjene "ovisno o" psihofiziološkom stanju posmatrača, na primjer, pojačavaju se u "opasnim situacijama", smanjuju se s umorom.

U „ogromnoj većini slučajeva, osjet boje nastaje kao rezultat izlaganja oka strujama elektromagnetnog zračenja iz raspona valnih duljina u kojem ovo zračenje percipira oko (vidljivi raspon - valne duljine od 380 do 760 nm). Ponekad se senzacija boje javlja bez uticaja toka zračenja na „oko“ – pritiskom na „očnu jabučicu, šokom, električnom stimulacijom, itd., a takođe i kroz „mentalno druženje“ sa drugima. Osjeti - zvuk, toplina itd. D., i „kao rezultat rada mašte. Različite senzacije boja uzrokuju različito obojeni predmeti, njihova različito osvijetljena područja, kao i izvori svjetlosti i osvjetljenje koje stvaraju. Istovremeno, percepcije boja mogu se razlikovati (čak i kod istog relativnog spektralnog sastava tokova zračenja) ovisno o tome da li "zračenje oka iz "izvora svjetlosti ili iz "ne-samosvjetlećih objekata. U "ljudskom jeziku, međutim, isti termini se koriste za označavanje boje ove dvije različite vrste objekata. Najveći dio objekata koji izazivaju osjećaj boja su ne-samosvjetleća tijela, koja samo reflektiraju ili prenose svjetlost koju emituju izvori. U opštem slučaju, boju objekta određuju sledeći faktori: njegova boja i svojstva njegove površine; optička svojstva izvora svjetlosti i „medija kroz koji se svjetlost širi; svojstva vizualnog analizatora i „osobine još uvijek nedovoljno proučenog psihofiziološkog procesa obrade vizualnih utisaka u moždanim centrima.

Osnovni pojmovi u nauci o bojama.

Akromatske boje se razlikuju jedna od druge samo na jedan način - svjetlost (svijetlo siva ili tamno siva). Hromatske boje, osim razlike u svjetlini, karakteriziraju još dvije glavne karakteristike - nijansa i zasićenost.

Nijansa je ona koja je definirana riječima "crvena", "žuta" itd. i koja najviše razlikuje jednu boju od druge. Ali crvena može biti čisto crvena ili s primjesom akromatskog, na primjer, sive. U isto vrijeme, i dalje će ostati crvena - primjesa sive neće promijeniti ton boje. Ako uzmete sivu iste svjetline, onda se svjetlina nove "mješane" crvene neće promijeniti. Međutim, boja će i dalje postati drugačija: promijenit će se njena treća karakteristika - zasićenost. Zbog primjesa ahromatske, hromatska boja je postala manje zasićena.

Dakle, sve kromatske boje karakteriziraju tri parametra - svjetlina, nijansa i zasićenost.

Hromatske boje se konvencionalno dijele na tople i hladne. Topli dio spektra je žuto-crveni dio spektra, a hladni dio je plavo-plavi dio. Ove grupe boja dobile su nazive toplih i hladnih: neke - po asocijaciji na boju sunca i vatre, druge - po asocijaciji na boju neba, vode i leda. Ljubičasta i zelena boja zauzimaju srednju poziciju iu različitim specifičnim slučajevima, ovisno o kombinaciji, mogu se klasificirati na tople ili hladne.

Ako se spektralni pojas, gdje se sve susjedne boje, postepeno mijenjajući, pretvaraju jedna u drugu, uzme i savije u prsten, tada se ovaj prsten neće zatvoriti, jer, kao što je već napomenuto, između ekstremnih boja - crvene i ljubičaste - postoji nedostatak prelaznih - crveno-ljubičaste (ljubičaste).

Ako ih dodate, krug će se zatvoriti. Ovaj krug boja će nam pomoći da razumijemo mnogo o bojama.

4. Gvaš tehnika. Tehnika akvarela

Tehnika slikanja akvarelom

Nekada su se akvareli slikali na pergamentu izbijeljene kože, na tankim pločama od slonovače, koje se i danas koriste za minijature, na izbijeljenim platnenim tkaninama, a mnogo kasnije i na papiru. Danas se akvareli slikaju uglavnom samo na papiru.

Antički papir izrađivan je od lanenih vlakana iz 14. stoljeća i bio je vrlo dobrog kvaliteta. Počevši od 17. stoljeća za njegovu proizvodnju se počeo koristiti pamuk, koji je bio znatno inferiorniji od lana, a kvalitet papira je od tog vremena počeo opadati.

Danas se proizvodi veliki broj vrsta papira. Izrađuje se ne samo od pamuka i lana, već i od materijala koji se ranije nisu koristili u ove svrhe: crnogorično drvo, slama. Ali najvredniji materijali i dalje ostaju lan i pamuk. Pored biljnih vlakana, mnoge vrste papira uključuju: gips, špart, kredu, kaolin, hidrogen glinicu, olovno bijelu, a također i plave boje za prikrivanje njegove žute boje: ultramarin i prusko plavo.

Papirna pulpa se dimenzionira sa brašnom, škrobom, životinjskim ljepilom, želatinom (posljednja 2 su uvijek u kombinaciji sa stipsom) i kolofonijom. U stara vremena koristili su isključivo pastu od brašna, najpogodniji materijal za te svrhe. Danas se sve više koristi želatina. Papir zalijepljen želatinom brzo cvjeta i postaje mrlja pod utjecajem vlage. U proizvodnji papira koriste se mnoge hemikalije, čiji tragovi često ostaju u gotovom papiru i ne utiču najbolje na mastilo koje ga prekriva.

Za akvarel je potreban jako dobar papir. Papir od drveta i slame brzo postaje smeđi i crn na svjetlu, te je stoga potpuno neprikladan za slikanje akvarelom. Pamučni papir nema ovo negativno svojstvo, ali se teško pere i struže, a boja se na njega ne nanosi ravnomjerno.

Jedini prikladan papir za slikanje akvarelom je laneni papir koji ima besprijekornu bjelinu. Ne bi trebalo da brzo apsorbuje vodu i ne bi trebalo da sadrži nečistoće hemikalija koje se koriste u njegovoj proizvodnji. Na takvom papiru boja leži glatko i postaje sjajna, može se isprati i strugati.

Na površini papira često postoje tragovi masnoće, što onemogućuje ravnomjerno širenje boje. Stoga prije upotrebe papir treba oprati destilovanom vodom i nekoliko kapi amonijaka. Požutjeli dobar laneni papir može se lako izbijeliti ako se pere vodikovim peroksidom.

Složenost akvarelnog slikarstva približava se temperi, pa čak i freskama. Tokom dugog perioda postojanja ove tehnologije, spontano su se pojavile tehnike i metode koje olakšavaju rad. Budući da se svaki papir, kada se navlaži, savija i prekriva valovima, što ometa slikanje, kako bi se to izbjeglo, uobičajeno je da se papir razvuče na karton, dasku, a također se koristi i „gumica“.

Slikanje čistim akvarelom

Čistim akvarelom se može smatrati samo onaj u kojem se koriste svi resursi ove tehnike: prozirnost boja, proziran bijeli ton papira, lakoća i istovremeno jačina i svjetlina boja. U čistoj tehnici akvarela bijela je potpuno neprihvatljiva, a sam papir igra svoju ulogu. Zbog toga je potrebno pažljivo očuvati njegovu bjelinu na mjestima koja su dodijeljena istaknutim dijelovima itd., budući da se snimljena područja papira ne mogu obnoviti bijelom bojom, koja se uvijek razlikuje od tona papira. Postoji niz tehnika za ublažavanje ove teškoće. Jedan od njih je struganje snimljenih područja papira posebnim strugačem (“grattoire”) ili nožem. Ova operacija se može izvesti samo na suhom papiru dobrog kvaliteta.

Druga metoda je nanošenje tečnog rastvora gume u benzinu na područja koja treba sačuvati. Kada se osuši, guma se lako može ukloniti sa površine papira gumicom.

Akvarelne boje, nanesene u tankim slojevima, nakon sušenja mijenjaju se na otprilike jednu trećinu svoje prvobitne čvrstoće i to se mora uzeti u obzir. Tokom rada, kako bi se lakše spojile susedne boje, korisno je navlažiti papir odozdo. Francuzi ovu metodu rada nazivaju “travailler dans l"eau” (rad u vodi).

Da biste usporili sušenje boja, možete koristiti aqualent ili akvarel. U iste svrhe vodi se za razrjeđivanje boja dodaje med ili glicerin. Međutim, velike količine ovih supstanci mogu imati štetan učinak na akvarele. U idealnom slučaju, bolje je napraviti crtež akvarelom odvojeno, a zatim ga prenijeti kako ne biste pokvarili površinu papira. Masni papir otežava nanošenje boje.

Akvarelne boje mogu imati i uslužnu ulogu, na primjer u podslikavanju uljanih boja. Na adhezivne i emulzione prajmere akvarel boja se nanosi glatko i dobro, i to u tako tankom sloju da nimalo ne mijenja teksturu prajmera i ne ometa naknadno slikanje uljanim bojama.

Gouache painting.

Ova drevna metoda slikanja, koja predstavlja jednu od varijanti akvarela, prvi put je razvijena u djelima umjetnika Paola Pina (1548). Slikanje gvašom po izgledu je slično slikarstvu rađenom gumiarabik temperom, ali je sloj boje labaviji. Gvašu nedostaje prozirnost, jer se njegove boje nanose u debljem sloju nego u čistom akvarelu, a osim toga, miješaju se s bijelom. Slikanje gvašom se radi ili posebnim bojama, ili se rad izvodi metodom gvaša pomoću običnih akvarelnih boja s dodatkom bijele boje. U oba slučaja, impasto pisanje nije prihvatljivo, jer debeli sloj gvaša lako puca kada se osuši.

Materijali za akvarelne tehnike slikanja

Palete i četke.

Palete za akvarel boje izrađuju se od bijelog porculana ili zemljanog posuđa i imaju glatku, sjajnu površinu. U tu svrhu služi i metal presvučen bijelim emajlom. Plastične palete su takođe uobičajene. Kako biste spriječili da masna površina plastične palete skuplja boju u lokve, možete je lagano utrljati sokom od bijelog luka kako biste je odmastili.

Četke za akvarelno slikanje pogodne su samo za meku i elastičnu kosu. Četkica treba da bude mekana i elastična u isto vreme. To su kistovi kolinski, vjeverica i tvorovi. Četkica treba da ima okrugli oblik, a kada se navlaži, poprimi oblik konusa sa potpuno oštrim krajem.

Ploče i gumice.

Prilikom lijepljenja papira na dasku treba saviti rubove lista 2-3 cm u smjeru suprotnom od njegove prednje strane tako da izgleda kao korito za papir. Zatim prednju stranu na kojoj će slika biti oslikana treba navlažiti vodom, a presavijene ivice ostaviti suhe. Ne biste trebali navlažiti vodom stranu koja će biti uz ploču, jer ljepilo može iscuriti kroz vodu na suprotnu stranu i zalijepiti list za tabletu, što će otežati skidanje gotovog rada sa ploče. Savijene ivice se iznutra namažu pšeničnom pastom, češće PVA ljepilom, a papir se stavlja na dasku, a rubovi se lijepe na njene strane. Ne treba dozvoliti da vazduh uđe ispod papira, inače će se iskriviti prilikom sušenja. Takođe, mokri papir ne treba previše rastezati, jer kada se osuši on se sam od sebe rasteže, a talasi nestaju sami; Ali previše rastegnuti mokri papir može popucati. Potrebno je pažljivo zalijepiti rubove na tabletu bez pravljenja praznina. U suprotnom će se na tim mjestima formirati talas. Za male radove koriste se gumice za brisanje, koje dolaze u dvije vrste. Jedna od njih je obična daska koja je umetnuta u drveni okvir. Papir se postavlja na dasku i savija na rubovima, nakon čega se ploča ubacuje u okvir. Ne morate koristiti bilo kakvo ljepilo.

Drugi tip se sastoji od dva drvena okvira koji se uklapaju u jedan, poput obruča za vez. Papir se stavlja na manji okvir i pritiska veći.

Očuvanje akvarelnih radova.

Tanki slojevi akvarel boje lako obezboje, a vezivo ih ne štiti dobro. Većina prozirnih boja nije postojana sama po sebi.

Međutim, privlače svojom ljepotom, pa je umjetnicima teško odvojiti se od njih. Akvarel se boji svjetlosti. Na svjetlu boje blijede, a papir gubi bjelinu. Vodene boje treba čuvati u prostorijama sa umjerenim svjetlom i suvim zrakom. Čuvanje vodenih boja u jako osvijetljenim prostorijama je čisto varvarstvo. Čuvaju se ispod stakla (slika ne smije dodirivati ​​staklo), pri čemu su s prednje strane u određenoj mjeri zaštićene od vanjskih utjecaja, a iznutra ostaju nezaštićene.

Za bolje očuvanje akvarela predložene su metode koje je teško implementirati u praksi.

Jedan od njih je postavljanje akvarela između dvije zatvorene čaše.

Ovo zaista štiti boje koje brzo blede, ali boje koje crne će pocrniti još brže.

Također se predlaže ispumpavanje zraka iz prostora između dvije zatvorene čaše, naravno, ova metoda će dati najbolji rezultat, ali je teško implementirati u praksi.

Ponekad se akvareli premazuju bijelim šelak lakom pomoću alkohola ili vode. Lak zapravo štiti akvarele od vlage i daje bojama svjetlinu, ali akvareli premazani lakom poprimaju neobičan izgled.

5. Crtanje grupe predmeta iz života. Mrtva priroda u boji

Crtanje iz života razvija vještine zapažanja i razvija vještine crtanja kod djeteta. Uostalom, crtajući predmete različitih veličina, boja i oblika iz života, dijete vježba građenje kompozicija.

Možete crtati iz života olovkom, flomasterom i bojama.

Prva faza crtanja iz života je postavljanje subjekta za crtanje.

Da bi bilo zgodnije crtati, objekt mora biti postavljen ispred vas na udaljenosti od tri njegove veličine.

Druga faza je skiciranje ovih opštih oblika predmeta na listu papira, odnosno njihovo pravilno postavljanje.

Treća faza je senčenje prikazanog objekta. Za umjetnike se ova faza naziva razrada. Kada prekrivate pozadinu i predmet bojom, ne zaboravite na sjenu.

Crtanje iz života treba započeti jednostavnim predmetima. Pokušajmo nacrtati kutiju iz života. Uzmimo pravougaonu kutiju i stavimo je na sto direktno ispred nas.

Da vidimo koliko strana vidimo - jednu stranu ili i poklopac? Nacrtajmo kutiju onako kako je vidimo odakle se nalazimo.

Sada završimo crtanje tako što ćemo kutiju "vezati" trakom.

Prilikom crtanja iz života, s vremena na vrijeme potrebno je provjeriti tačnost slike, udaljavajući se od crteža za 2-3 metra.

Mrtva priroda u boji.

Mrtva priroda se smatra jednim od najtežih žanrova. Međutim, isto se može čuti i za sve druge žanrove, ali nema sumnje da je mrtva priroda najkreativniji žanr. Da biste snimali ili slikali mrtve prirode, potrebna vam je inspiracija. Jer, za razliku od drugih, u mrtvoj prirodi u početku nema predmeta za fotografisanje. Jednostavno rečeno, nema se šta snimati ili crtati dok sami ne smislite zaplet u svojoj mašti, a zatim ga stvorite u stvarnosti. Potrebno je odabrati "učesnike", napraviti kompoziciju od njih, razmisliti o opcijama osvjetljenja i postaviti svjetlo, uzimajući u obzir takve nijanse kao što su okruženje u kojem se kompozicija nalazi, interakcija objekata jedni s drugima i okruženje , njihovu kompatibilnost u boji, teksturi, veličini i, pa, puno više. One. Proces stvaranja mrtve prirode uključuje ne samo fotografiju kao takvu, već i stvaranje radnje. Stoga se žanr mrtve prirode može sa sigurnošću nazvati kreativnošću na kvadrat.

Zaključak

U zaključku, rezimiramo gore navedeno:

Slikarstvo se dijeli na monumentalno, dekorativno, pozorišno i dekorativno, minijaturno i štafelajno.

Slikarstvo se prema tehnici i načinu izvođenja dijeli na ulje, temperu, fresku, vosak, mozaik, vitraž, akvarel, gvaš i pastel.

U modernom slikarstvu postoje sljedeći žanrovi: portret, historijski, mitološki, borbeni, svakodnevni, pejzažni, mrtva priroda, animalistički žanr.

Istorijsko slikarstvo je slika određenih istorijskih trenutaka, kao i javnih ličnosti prošlosti.

Battle painting ima za cilj snimanje bitaka, bitaka i ratova. Mitološko slikarstvo prikazuje događaje opisane u mitovima, epovima i legendama.

Svakodnevno (žanrovsko) slikarstvo je prikaz prizora stvarnog života, njegovih stvarnosti i atributa.

Pejzažno (pejzažno) slikarstvo je slika prirodne prirode ili bilo kojeg područja.

Portret je umjetnički prikaz osobe. Posebna vrsta portreta je autoportret.

Mrtva priroda je slika različitih neživih predmeta, na primjer, voća, cvijeća, kućnih potrepština, posuđa, smještenih u stvarnom svakodnevnom okruženju i kompozicijski organiziranih u jednu grupu.

Bibliografija

1. Batrakova SP Umetnik 20. veka. i jezik slikarstva. M., 1996.

2. Whipper B.R. Uvod u historijski studij umjetnosti. M., Likovna umjetnost, 1985

3. Zapadna umjetnost 20. stoljeća. Klasično naslijeđe i modernost. M, 1992.

4. Istorija strane umetnosti. M., Likovna umjetnost, 1984

5. Istorija svjetske umjetnosti. 3. izdanje, Izdavačka kuća "Akademija", M., 1998.

6. Od konstruktivizma do nadrealizma. M., 1996.

7. Polyakov V.V. Istorija svjetske umjetnosti. Likovna umjetnost i arhitektura 20. stoljeća. M., 1993.

8. Sadokhin A.P. Kulturologija: teorija i istorija kulture: Udžbenik. -- M.: Eksmo, 2007.

9. Savremena zapadnjačka umjetnost. XX vijek: problemi i trendovi. M., 1982.

10. Suzdalev P. O žanrovima slikarstva. // Kreativnost, 2004, br. 2, 3. str. 45-49.

Objavljeno na Allbest.ru

...

Slični dokumenti

Kratak pregled istorije enkaustičkog slikarstva. Razmatranje karakteristika ove slikarske tehnike u egipatskoj, grčkoj i rimskoj antičkoj umjetnosti. Enkaustička umjetnost u modernom svijetu. Upotreba električne energije za razvoj monumentalnog i štafelajnog voštanog slikarstva.

sažetak, dodan 22.01.2015


Proučavanje karakteristika Khokhloma, dekorativno slikanje na drvenim proizvodima. Palekh je vrsta ruske narodne minijaturne slike na papir-maše lakiranom posuđu. Dekorativno ulje na metalnim tacnama. Izvođenje bojenja Gorodets.

prezentacija, dodano 29.11.2016


Studija predstavnika italijanske slikarske škole. Karakteristike karakteristika glavnih vrsta likovne umjetnosti: štafelajne i primijenjene grafike, skulpture, arhitekture i fotografije. Proučavanje tehnika i tehnika rada sa uljanim bojama.

kurs, dodan 15.02.2012


Analiza istorijskih aspekata nastanka i razvoja minijaturnog slikarstva laka u Rusiji. Glavne teme lovačkog žanra. Faze rada na stvaranju kompozicije na temu "Lov na patke". Izrada tehnološke sekvence za farbanje kutije.

disertacije, dodato 29.07.2012


Istorija razvoja akvarela u Evropi i Rusiji. Materijali, oprema i alati akvarelnog slikarstva, karakteristike njegovih glavnih tehnika: rad „mokro“, tehnika „A La Prima“, jednoslojni akvarel „suvi“, višeslojni akvarel (glazura).

sažetak, dodan 06.09.2014


Proučavanje istorijskog razvoja i formiranja graviranja. Osobine dizajnerskih tehnika i metoda tiska sredinom 18. stoljeća. Opisi monumentalnih, štafelajnih i dekorativnih gravura. Analiza kreativnosti ruskih gravera M. Makhaeva, I. Sokolova.

test, dodano 09.11.2014


Formiranje vještina životnog crtanja. Učenje tehnike slikanja javorovog jesenjeg lista „mokrim“ akvarelima. Faze rada u boji. Opšte pretraživanje i doradu kompozicije. Razrada glavnih volumena oblika objekta. Rad na detaljima.

izrada lekcija, dodano 11.06.2016


Proučavanje karakteristika razvoja kineskog slikarstva dinastije Song. Karakteristike slikarstva perioda sjeverne i južne pjesme. Odraz ideoloških principa Chan budizma na pejzažno slikarstvo ovog perioda. Uticaj konfucijanskog učenja na slikarstvo pjesama.

kurs, dodato 27.05.2015


Određivanje obilježja renesanse. Razmatranje karakteristika slikarstva, arhitekture i skulpture date epohe, glavni autori. Proučavanje novog pogleda na muškarca, ženu u umjetnosti, razvijanje moći misli i interesovanja za ljudsko tijelo.

sažetak, dodan 04.02.2015


Rafael Santi i njegovi kreativni poduhvati. Koncept monumentalnog slikarstva kao žanra likovne umjetnosti. Komparativna analiza djela monumentalnog slikarstva Raphaela Santija. Metode slikanja na primjeru fresaka „Spor oko pričešća“ i „Atinska škola“.

Uvod…………………………………………………………………………………………….3

1.Slikarstvo kao oblik umjetnosti………………………………………………………….4

2. Vrsta likovne umjetnosti – grafika………………………………4

3. Drevni oblik umjetnosti - skulptura……………………6

4.Arhitektura - umjetnost projektovanja i građenja…………………………………7

5. Glavni pravci i tehnike savremene umjetnosti…………..9

6. Kinetička umjetnost………………………………………………………..14

Zaključak……………………………………………………………………….16

Spisak referenci………………………………………………………………………17

Uvod

Pojam „umjetnosti“ je umjetničko stvaralaštvo općenito: književnost, arhitektura, skulptura, slikarstvo, grafika, dekorativna i primijenjena umjetnost, muzika, ples, pozorište, kino i druge vrste ljudske djelatnosti, kombinovane kao umjetnički i figurativni oblici odraza stvarnost.

U istoriji estetike suština umetnosti tumačena je kao imitacija (mimesis), čulni izraz nadčulnog i sl.

Estetika umetnost posmatra kao oblik društvene svesti, specifičnu vrstu duhovne i praktične asimilacije sveta, kao organsko jedinstvo stvaranja, znanja, uvažavanja i ljudske komunikacije, u užem smislu – likovna umetnost, visok stepen veštine, majstorstvo u bilo kojoj oblasti ljudske aktivnosti.

Glavne vrste umjetnosti: slikarstvo, grafika, skulptura, arhitektura, književnost, kino, pozorište.

Razmotrimo osnovne koncepte nekih vrsta, trendova i tehnika moderne likovne umjetnosti.

1. Slikarstvo kao umjetnička forma

Slikarstvo je vrlo drevna umjetnost, koja je evoluirala tokom mnogo stoljeća od slika na stijenama do najnovijih trendova u slikarstvu u 11. stoljeću. Slikarstvo ima širok spektar mogućnosti za realizaciju ideja od realizma do apstrakcionizma. Tokom njegovog razvoja akumulirano je ogromno duhovno blago.

Krajem XIX-XX vijeka. razvoj slikarstva postaje posebno složen i kontradiktoran. Razni realistički i modernistički pokreti stiču svoje pravo na postojanje.

Pojavljuje se apstraktno slikarstvo (avangarda, apstraktna umjetnost, andergraund) koje je označilo odbacivanje figurativnosti i aktivnog izražavanja ličnog stava umjetnika prema svijetu, emocionalnosti i konvencionalnosti boje, preuveličavanja i geometrizacije oblika, dekorativnosti i asocijativnost kompozicionih rješenja.

U 20. veku Nastavljena je potraga za novim bojama i tehničkim sredstvima za stvaranje slika, što je nesumnjivo dovelo do pojave novih stilova u slikarstvu, ali ulje ulje i dalje ostaje jedna od najomiljenijih tehnika umjetnika.

2. Vrsta likovne umjetnosti - grafika

Grafika (od gr. grapho - pišem, crtam) je vrsta likovne umjetnosti koja se povezuje sa slikama na ravni. Grafika objedinjuje crtež, kao samostalnu oblast, i razne vrste štampane grafike: drvorez (drvorez), metalorez (bakorez), litografiju, linorez, gravuru na kartonu itd.

Crtež je klasifikovan kao jedinstvena grafika jer je svaki crtež jedinstven. Radovi štampane grafike mogu se reproducirati (replicirati) u više ekvivalentnih primjeraka - otisaka. Svaki otisak je original, a ne kopija djela.

Crtež je osnova svih vrsta grafike i drugih vrsta likovne umjetnosti. U pravilu se grafička slika izrađuje na listu papira. Ponekad su umjetniku potrebna samo vrlo jednostavna sredstva - grafitna olovka ili hemijska olovka - da bi napravio grafički crtež. U drugim slučajevima koristi složene uređaje za stvaranje svojih radova: štamparsku presu, litografsko kamenje, rezače za linoleum ili drvo i još mnogo toga.

Termin "grafika" prvobitno se koristio samo za pisanje i kaligrafiju. Umjetnost pisanja bila je povezana s grafikom od davnina. Novo značenje i shvatanje dobija krajem 19. - početkom 20. veka, kada se grafika definiše kao samostalna umetnička forma.

Jezik grafike i njena glavna izražajna sredstva su linija, potez, kontura, tačka i ton. Bijeli list papira aktivno sudjeluje u stvaranju cjelokupnog dojma grafičkog djela. Možete postići izražajan dizajn čak i ako koristite samo crnu boju. Zbog toga se grafika često naziva umjetnošću crno-bijelog. Međutim, to ne isključuje upotrebu boje u grafici.

Granice između grafike i slikarstva su vrlo fluidne, na primjer, tehnika akvarela, pastela, a ponekad i gvaša svrstava se u jednu ili drugu vrstu umjetnosti, ovisno o tome u kojoj mjeri se koristi boja, šta preovlađuje u radu - a linija ili tačka, koja je njena svrha.

Jedna od karakterističnih karakteristika grafike je poseban odnos prikazanog objekta prema prostoru. Čisto bijela pozadina lista, koja nije zauzeta slikama, pa čak i pozadina papira koja se pojavljuje ispod šarenog sloja, konvencionalno se doživljavaju kao prostor. To se posebno jasno vidi u grafici knjige, kada se slika postavljena na praznu stranicu percipira u prostoru enterijera, ulice, pejzaža u skladu sa tekstom, a ne na snježnom polju.

Umjetničke izražajne prednosti grafike leže u njenom lakonizmu, kapacitetu slike, koncentraciji i strogom odabiru grafičkih sredstava. Nešto potcenjivanja, konvencionalna oznaka objekta, kao da je nagovještaj, čine posebnu vrijednost grafičke slike; dizajnirani su za aktivan rad mašte gledatelja.

U tom smislu, ne samo pažljivo nacrtani grafički listovi, već i brze skice, skice iz prirode, skice kompozicije imaju samostalnu umjetničku vrijednost.

Grafike su dostupne u različitim žanrovima (portret, pejzaž, mrtva priroda, istorijski žanr, itd.) i imaju gotovo neograničene mogućnosti za prikaz i figurativno tumačenje svijeta.

.3. Drevni oblik umjetnosti - skulptura

Skulptura je jedan od najstarijih oblika umjetnosti. Skulptura (lat. sculptura, od sculpo - rezati, rezbariti, skulptura, plastika) je vrsta likovne umjetnosti čija djela imaju materijalni trodimenzionalni volumen. Sama djela (kipovi, biste, reljefi i sl.) nazivaju se i skulpturom.

Skulptura je podijeljena u dvije vrste: okrugla, slobodno postavljena u realnom prostoru, i reljefna (bas-reljef i visoki reljef), u kojoj se trodimenzionalne slike nalaze na ravni. Po svojoj namjeni, skulptura može biti štafelajna, monumentalna, monumentalno-dekorativna. Posebno se izdvaja skulptura malih formi. Po žanru, skulptura se dijeli na portretnu, svakodnevnu (žanrovsku), animalističku, istorijsku i druge. Pejzaži i mrtve prirode mogu se rekreirati pomoću skulpturalnih sredstava. Ali glavni predmet za vajara je osoba, koja se može oličiti u različitim oblicima (glava, bista, statua, skulpturalna grupa).

Tehnologija izrade skulptura je obično složena i višestepena, te uključuje dosta fizičkog rada. Kipar izrezuje ili izrezuje svoj rad od čvrstog materijala (kamena, drveta, itd.) uklanjanjem viška mase. Drugi proces stvaranja volumena dodavanjem plastične mase (plastelin, glina, vosak, itd.) naziva se modeliranje (plastika). Skulpture također stvaraju svoje radove odljevkom od tvari koje mogu prijeći iz tekućeg u čvrsto stanje (razni materijali, gips, beton, plastika, itd.). Neotopljeni metal koji se koristi za izradu skulpture obrađuje se kovanjem, utiskivanjem, zavarivanjem i rezanjem.

U 20. veku Pojavljuju se nove mogućnosti za razvoj skulpture. Tako se u apstraktnoj skulpturi koriste netradicionalne metode i materijali (žica, figure na naduvavanje, ogledala, itd.). Umjetnici mnogih modernističkih pokreta svakodnevne predmete proglašavaju djelima skulpture.

Boja, koja se dugo koristila u skulpturi (antika, srednji vijek, renesansa), aktivno se koristi za poboljšanje umjetničke ekspresivnosti današnje štafelajne skulpture. Okretanje polikromiji u skulpturi ili njeno napuštanje, vraćanje prirodnoj boji materijala (kamen, drvo, bronca, itd.) povezani su s općim smjerom razvoja umjetnosti u datoj zemlji i datoj eri.