Niedawno natknąłem się na obraz Eugene'a Delacroix „Wolność wiodąca lud” lub „Wolność na barykadach”. Obraz został namalowany nawiązujący do ludowego buntu z 1830 roku przeciwko ostatniemu z dynastii Burbonów, Karolowi X. Jednak obraz ten jest uważany za symbol i obraz Wielkiej Rewolucji Francuskiej.

Rozważmy szczegółowo ten „symbol” Wielkiej Rewolucji Francuskiej, biorąc pod uwagę fakty dotyczące tej Rewolucji.

A więc od prawej do lewej: 1) - jasnowłosy Europejczyk o szlachetnych rysach.

2) z odstającymi uszami, bardzo podobny do Cygana, z dwoma pistoletami, krzyczy i biegnie do przodu. Cóż, nastolatki zawsze chcą się w czymś wyróżnić. Przynajmniej w grze, przynajmniej w walce, przynajmniej podczas zamieszek. Ale ma na sobie białą wstążkę oficerską, skórzaną torbę i herb. Możliwe więc, że jest to trofeum osobiste. Co oznacza, że ​​ten nastoletni chłopak już zabił.

3) i Z niesamowicie spokojna twarz, z francuską flagą w dłoni i frygijską czapką na głowie (jakbym był Francuzem) i gołą klatką piersiową. Tutaj mimowolnie przypomina się udział paryżanek (być może prostytutek) w szturmie na Bastylię. Rozpalone pobłażliwością i upadkiem prawa i porządku (tj. odurzone atmosferą wolności) kobiety z tłumu uczestników zamieszek wdały się w sprzeczkę z żołnierzami na murach twierdzy Bastylii. Zaczęli odsłaniać swoje intymne części i ofiarowywać się żołnierzom - "Po co do nas strzelać? Lepiej rzućcie broń, przyjdźcie do nas i "pokochajcie" nas! Dajemy wam naszą miłość w zamian za to, że przejdziecie na stronę zbuntowanego ludu!"Żołnierze wybrali wolną „miłość” i Bastylia upadła. O tym, że nagie tyłki i cipy z cyckami paryżanek zajęły Bastylię, a nie szturmujący tłum rewolucyjny, teraz o tym milczą, aby nie zepsuć zmitologizowanego „obrazu” „rewolucji”. (Prawie powiedziałem: „Rewolucja godności”, bo przypomniały mi się majdanki w Kijowie z flagami przedmieść.). Okazuje się, że „Wolność wiodąca lud” to zimnokrwista Semitka o swobodnym charakterze (nagie piersi) przebrana za Francuzkę.

4) spojrzenie na nagą skrzynię „Wolności”. Piersi są piękne i możliwe, że to ostatnia piękna rzecz, jaką widzi w swoim życiu.

5) - zdjęli kurtkę, buty i spodnie. „Wolność” widzi swoje miejsce przyczynowe, lecz przed nami ukrywa się pod stopą zamordowanego. Zamieszki, och, rewolucje, nie zawsze są pozbawione rabunków i rozbiórek.

6) . Twarz jest lekko oderwana. Włosy są czarne i kręcone, oczy lekko wypukłe, skrzydełka nosa uniesione. (Kto się na tym zna, ten rozumie.) Jak to się stało, że cylinder nie spadł mu podczas bitwy i nawet idealnie na nim leży? Ogólnie rzecz biorąc, ten młody „Francuz” marzy o redystrybucji majątku publicznego na swoją korzyść. Lub dla dobra swojej rodziny. Prawdopodobnie nie chce stać w sklepie, ale chce być jak Rothschild.

7) Za prawym ramieniem mieszczanina w cylindrze, w dłoni trzyma szablę i pistolet za pasem, a przez ramię szeroką białą wstążkę (wygląda, jakby zabrano ją od zabitego oficera), twarz wyraźnie południowca.

Teraz pytanie brzmi - gdzie są Francuzi, którzy są jak Europejczycy(Kaukazi) i kto w jakiś sposób dokonał Wielkiej Rewolucji Francuskiej??? A może nawet wtedy, 220 lat temu, wszyscy Francuzi byli ciemnymi „południowcami”? Dzieje się tak pomimo faktu, że Paryż nie leży na południu, ale na północy Francji. A może nie są Francuzami? A może są to ci, których w jakimkolwiek kraju nazywa się „wiecznymi rewolucjonistami”???

Gotyk nie jest stylem; Gotyk nigdy się nie skończył: budowa katedr trwała 800–900 lat, katedry zostały doszczętnie spalone i odbudowane. Katedry zostały zbombardowane i wysadzone w powietrze. I zbudowali go od nowa. Gotyk jest obrazem samoreprodukcji Europy, jej woli życia. Gotyk jest siłą miast, gdyż katedry wznoszone były decyzją gminy miejskiej i były wspólną sprawą współobywateli.

Katedry to nie tylko zabytki sakralne. Gotyk jest obrazem republiki, ponieważ katedry ucieleśniają prostotę miast i zjednoczoną wolę społeczeństwa. Gotyk to sama Europa, a dziś, kiedy spłonęła katedra Notre Dame, wydaje się, że Europa dobiegła końca.

Od 11 września 2001 roku na świecie nie wydarzyło się nic bardziej symbolicznego. Już powiedziano: cywilizacja europejska się skończyła.

Trudno nie umieścić pożaru Notre Dame w szeregu wydarzeń, które niszczą i obalają Europę. Wszystko jest takie samo: zamieszki „żółtych kamizelek”, brexit, niepokoje w Unii Europejskiej. A teraz zawaliła się iglica wielkiej gotyckiej katedry.

Nie, Europa się nie skończyła.

Gothic w zasadzie nie może zostać zniszczony: jest organizmem samoreprodukującym się. Podobnie jak republika, podobnie jak sama Europa, gotyk nigdy nie jest autentyczny - o nowo odbudowanej katedrze, jak o nowo powstałej republice, nie można powiedzieć „przeróbka” - oznacza to niezrozumienie natury katedry. Radę i Republikę buduje się codziennym wysiłkiem; zawsze umierają, aby zmartwychwstać.

Europejska idea republiki została spalona i utopiona wiele razy, ale żyje dalej.

1.

„Tratwa Meduzy”, 1819, artysta Theodore Gericault

W 1819 roku francuski artysta Theodore Gericault namalował obraz „Tratwa Meduzy”. Fabuła jest znana – wrak fregaty „Medusa”.

Wbrew dotychczasowym odczytaniom odbieram ten obraz jako symbol śmierci Rewolucji Francuskiej.

Géricault był przekonanym bonapartystą: pamiętajcie, jak jego straże kawalerii wyruszały do ​​ataku. W 1815 roku Napoleon zostaje pokonany pod Waterloo, a jego sojusznicy wysyłają go na śmiertelne wygnanie na wyspę Św. Heleny.

Tratwa na zdjęciu to Wyspa Św. Heleny; a zatopiona fregata to Cesarstwo Francuskie. Imperium Napoleona reprezentowało symbiozę postępowych praw i podbojów kolonialnych, konstytucji i przemocy, agresji, której towarzyszyło zniesienie pańszczyzny na okupowanych terenach.

Zwycięzcy napoleońskiej Francji – Prus, Wielkiej Brytanii i Rosji – w osobie „korsykańskiego potwora” stłumili nawet pamięć o Rewolucji Francuskiej, która niegdyś obaliła Stary Porządek (by użyć wyrażenia de Tocqueville'a i Taine'a). Cesarstwo francuskie zostało pokonane – ale wraz z nim zniszczono marzenie o zjednoczonej Europie z jedną konstytucją.

Tratwa zagubiona w oceanie, beznadziejne schronienie majestatycznego niegdyś planu – tak napisał Theodore Gericault. Géricault ukończył obraz w 1819 roku – od 1815 roku szukał sposobu wyrażenia rozpaczy. Nastąpiła restauracja Burbonów, wyśmiewano patos rewolucji i wyczyny starej gwardii – a teraz artysta po klęsce napisał do Waterloo:

Przyjrzyj się uważnie, zwłoki na tratwie leżą obok siebie, jak na polu bitwy.

Płótno namalowane jest z punktu widzenia przegranych, stoimy wśród trupów na tratwie wrzuconej do oceanu. Na barykadzie trupów stoi naczelny wódz, widzimy tylko jego plecy, samotny bohater macha chusteczką – to ten sam Korsykanin, który zostaje skazany na śmierć w oceanie.

Géricault napisał Requiem dla rewolucji. Francja marzyła o zjednoczeniu świata; utopia upadła. Delacroix, młodszy towarzysz Géricaulta, wspomina, jak zszokowany obrazem nauczyciela wybiegł z pracowni artysty i zaczął uciekać – uciekał przed przytłaczającymi uczuciami. Gdzie uciekł, nie wiadomo.

2.

Delacroix powszechnie nazywany jest artystą rewolucyjnym, choć nie jest to prawdą: Delacroix nie lubił rewolucji.

Nienawiść Delacroix do republiki była przekazywana genetycznie. Mówią, że artysta był biologicznym synem dyplomaty Talleyranda, który nienawidził rewolucji, a za oficjalnego ojca artysty uważano Ministra Spraw Zagranicznych Republiki Francuskiej Charlesa Delacroix, który w celu uwolnienia został zesłany na honorową emeryturę na krześle dla prawdziwego ojca swojego syna. Wierzyć w plotki jest obraźliwe, nie da się w nie nie wierzyć. Pieśniarz wolności (kto nie zna obrazu „Wolność wiodąca naród”?) to ciało i krew pozbawionego zasad kolaboranta, który przysięgał wierność jakiemukolwiek reżimowi, aby utrzymać się przy władzy – to dziwne, ale jeśli się przestudiować w płótnach Delacroix można doszukać się podobieństw z polityką Talleyranda.

„Wieża Dantego” Delacroix

Zaraz po płótnie „Tratwa Meduzy” pojawia się obraz Delacroix „Łódź Dantego”. Kolejne czółno zagubione w żywiole wody, a żywioł, podobnie jak dolny plan obrazu „Tratwa Meduzy”, jest wypełniony cierpiącymi ciałami. Dante i Wergiliusz w ósmej pieśni Piekła przepływają przez rzekę Styks, w której wiją się „źli” i „obrażeni” – przed nami ten sam stary strażnik, który leży zabity na tratwie Gericaulta. Porównaj kąty ciał - to są te same postacie. Dante/Delacroix bez współczucia unosi się nad pokonanymi, mija płonące, piekielne miasto Dit (czytaj: spalone imperium) i oddala się. „Nie są warci słów, spójrz i przechodź obok” – powiedział Florentyńczyk, ale Dante miał na myśli karczowników i filistynów, Delacroix twierdzi inaczej. Jeśli Tratwa Meduzy jest requiem dla rewolucyjnego imperium, to Łódź Dantego pozostawia Bonapartyzm w rzece zapomnienia.

W 1824 roku Delacroix napisał kolejną replikę „Tratwy” Gericaulta – „Śmierć Sardanapala”. Łóżko wschodniego tyrana unosi się na falach rozpusty i przemocy - niewolnicy zabijają konkubiny i konie w pobliżu łoża śmierci władcy, dzięki czemu król umiera wraz ze swoimi zabawkami. „Śmierć Sardanapala” to opis panowania Ludwika XVIII Burbona, naznaczonego frywolnymi zabawami. Byron zainspirował porównanie monarchii europejskiej z satrapią asyryjską: wszyscy czytali dramat Sardanapal (1821). Delacroix powtórzył myśl poety: po upadku wielkich planów jednoczących Europę rozpoczęły się panowania deprawacji.

„Śmierć Sardanapala” Delacroix

Byron marzył o poruszeniu sennej Europy: był luddytą, potępiał chciwą Wielką Brytanię, walczył w Grecji; Odwaga Byrona rozbudziła retorykę obywatelską Delacroix (oprócz „Śmierci Sardanapala” zob. płótno „Masakra na Chios”); jednak w przeciwieństwie do angielskiego romantyka Delacroix nie jest skłonny do brutalnych projektów. Podobnie jak Talleyrand artysta rozważa możliwości i wybiera złoty środek. Główne płótna przedstawiają kamienie milowe w historii politycznej Francji: od republiki po imperium; od imperium do monarchii; od monarchii do monarchii konstytucyjnej. Poniższe zdjęcie jest poświęcone temu projektowi.

3.

„Wolność wiodąca naród” Delacroix

Wielka rewolucja i wielkie imperium zniknęły w oceanie historii, nowa monarchia okazała się żałosna – też utonęła. Tak powstaje trzecia odpowiedź Delacroix na „Tratwę Meduzy” – podręcznikowy obraz „Wolność wiodąca lud”, przedstawiający paryżan na barykadzie. Obraz ten uważany jest za symbol rewolucji. Przed nami barykada z 1830 r.; władza Karola X, który zastąpił na tronie Ludwika XVIII, została obalona.

Burbonowie zostali wypędzeni! Znów widzimy tratwę unoszącą się wśród ciał – tym razem jest to barykada.

Za barykadą blask: płonie Paryż, płonie stary porządek. To takie symboliczne. Półnaga kobieta, ucieleśnienie Francji, macha sztandarem niczym nieszczęsna na tratwie Meduzy. Jej nadzieja ma adres: wiadomo, kto zastąpi Burbonów. Widz myli się co do patosu dzieła, widzimy jedynie zmianę dynastii – obalenie Burbonów, tron ​​​​przeszedł na Ludwika Filipa, reprezentującego orleańską gałąź Valois. Powstańcy na barykadzie nie walczą o władzę ludową, oni walczą o tzw. Kartę z 1814 roku za nowego króla, czyli o monarchię konstytucyjną.

Aby nie było wątpliwości co do przywiązania artysty do dynastii Valois, Delacroix w tym samym roku napisał „Bitwę pod Nancy”, wspominając wydarzenie z 1477 roku. W tej bitwie poległ Karol X Burgundzki, a pod koroną Walezjuszy przeszło ogromne Księstwo Burgundii. (Co za rym: Karol X z Burgundii i Karol X z Burbonów upadli do większej chwały Walezjuszy.) Jeśli nie weźmie się pod uwagę obrazu „Wolność wiodąca lud” w połączeniu z „Bitwą pod Nancy”, wówczas znaczenie obraz wymyka się. Przed nami niewątpliwie barykada i rewolucja, ale wyjątkowa.

Jakie są poglądy polityczne Delacroix? Powiedzą, że jest za wolnością, spójrz: Wolność prowadzi ludzi. Ale gdzie?

Inspiratorem rewolucji lipcowej 1830 r. był Adolphe Thiers, ten sam Thiers, który 40 lat później, w 1871 r., rozstrzelał Komunę Paryską. To Adolphe Thiers dał Delacroix start w życiu, pisząc recenzję Łodzi Dantego. Był to ten sam Adolphe Thiers, którego nazywano „karłowatym potworem” i ten sam „król gruszkowy” Ludwik Filip, którego socjalista Daumier narysował setki karykatur, za co został uwięziony - to w imię ich triumfu że warto półnagą Mariannę z sztandarem. „I byli wśród naszych kolumn, czasem byli sztandarami naszych sztandarów”, jak z goryczą powiedział poeta Naum Korzhavin ponad sto lat po namalowaniu przez syna Talleyranda słynnego rewolucyjnego obrazu.

Karykatura Daumiera przedstawiająca Ludwika Filipa „Król Grusz”

Powiedzą, że to wulgarne, socjologiczne podejście do sztuki, ale sam obraz mówi co innego. Nie, to jest dokładnie to, co mówi obraz - jeśli czytasz to, co jest na nim narysowane.

Czy obraz wzywa do republiki? W stronę monarchii konstytucyjnej? W stronę demokracji parlamentarnej?

Niestety, nie ma barykad „w ogóle”, tak jak nie ma „opozycji niesystemowej”.

Delacroix nie malował przypadkowych płócien. Jego zimny, czysto racjonalny mózg znajdował właściwe wskazówki w bitwach politycznych. Pracował z determinacją Kukryników i przekonaniem Deineki. Społeczeństwo utworzyło porządek; Oceniając jego żywotność, artysta chwycił za pędzel. Wielu chce widzieć w tym malarzu buntownika – ale nawet w dzisiejszych „żółtych kamizelkach” wielu widzi „buntowników”, a bolszewicy przez wiele lat nazywali siebie „jakobinami”. Zabawne jest to, że poglądy republikańskie niemal spontanicznie przekształcają się w imperialne – i odwrotnie.

Republiki powstają w wyniku oporu wobec tyranii – motyl rodzi się z gąsienicy; metamorfoza historii społecznej daje nadzieję. Ciągłe przekształcanie się republiki w imperium i z powrotem imperium w republikę, ten wzajemny mechanizm wydaje się być rodzajem perpetuum mobile historii Zachodu.

Historia polityczna Francji (a także Rosji) ukazuje ciągłe przekształcanie się imperium w republikę, a republiki w imperium. Fakt, że rewolucja 1830 r. zakończyła się nową monarchią, nie jest taki zły; Ważne, że inteligencja zaspokoiła pragnienie zmian społecznych: w końcu za monarchii powstał parlament.

Rozbudowany aparat administracyjny z rotacją co pięć lat; Przy dużej liczebności parlamentarzystów rotacja dotyczy kilkunastu osób rocznie. To jest parlament oligarchii finansowej; Wybuchają zamieszki – oburzający ludzie zostają zastrzeleni. Znajduje się tam rycina Daumiera „19 Rue Transnanen”: artysta w 1934 roku namalował rodzinę rozstrzelanych protestujących. Zamordowani mieszczanie mogli stanąć na barykadzie Delacroix, myśląc, że walczą o wolność, a tutaj leżą obok siebie, jak zwłoki na tratwie Meduzy. I zastrzelił ich ten sam gwardzista z kokardą, który stał na barykadzie obok Marianny.

4.

1830 - początek kolonizacji Algierii, Delacroix został delegowany z misją jako artysta państwowy do Algierii. Nie maluje ofiar kolonizacji, nie tworzy płótna na równi z „masakrą na Chios”, w której potępił turecką agresję na Grecję. Obrazy romantyczne poświęcone są Algierii; złość skierowana jest w stronę Turcji, główną pasją artysty jest odtąd polowanie.

Wierzę, że w lwach i tygrysach Delacroix widział Napoleona – przyjęto porównanie cesarza do tygrysa – i coś więcej niż konkretnego cesarza: siłę i moc. Drapieżniki dręczące konie (pamiętacie „Bieg wolnych koni” Géricaulta) – czy tylko mi wydaje się, że przedstawiam imperium dręczące republikę? Nie ma bardziej upolitycznionego malarstwa niż „Polowania” Delacroix – artysta zapożyczył metaforę od dyplomaty Rubensa, który poprzez „polowania” przekazał przemiany mapy politycznej. Słabi są skazani na zagładę; ale silny jest skazany na zagładę, jeśli prześladowanie jest odpowiednio zorganizowane.

„Gonitwa wolnych koni” Gericaulta

W 1840 roku polityka francuska miała na celu wsparcie egipskiego sułtana Mahmuta Alego, toczącego wojnę z Imperium Tureckim. W sojuszu z Anglią i Prusami francuski premier Thiers wzywa do wojny: musimy zająć Konstantynopol! I tak Delacroix namalował w 1840 roku gigantyczne płótno „Zdobycie Konstantynopola przez krzyżowców” – namalował dokładnie wtedy, gdy było to potrzebne.

W Luwrze widz może obejrzeć „Tratwę Meduzy”, „Łódź Dantego”, „Śmierć Sardanapala”, „Wolność wiodąca lud”, „Bitwę pod Nancy”, „Zdobycie Konstantynopola przez krzyżowców ”, „Algierskie kobiety” - a widz ma pewność, że te obrazy są powiewem wolności. W rzeczywistości świadomość widza została wszczepiona ideą wolności, prawa i równości, która była wygodna dla burżuazji finansowej XIX wieku.

Ta galeria jest przykładem propagandy ideologicznej.

Parlament lipcowy pod rządami Ludwika Filipa stał się instrumentem oligarchii. Honore Daumier namalował opuchnięte twarze złodziei parlamentarnych; Malował też okradzionych ludzi, pamiętacie ich praczki i wagony trzeciej klasy – ale na barykadzie Delacroix wydawało się, że wszyscy byli w tym samym czasie. Sam Delacroix nie był już zainteresowany zmianami społecznymi. Rewolucja, jak ją rozumiał syn Talleyranda, miała miejsce w roku 1830; wszystko inne jest niepotrzebne. Co prawda artysta maluje swój autoportret z 1837 roku na tle blasku, ale nie łudźcie się – to bynajmniej nie jest ogień rewolucji. Wyważone rozumienie sprawiedliwości stało się na przestrzeni lat popularne wśród myślicieli społecznych. Na porządku dziennym jest rejestrowanie zmian społecznych w momencie, który wydaje się postępowy, a wtedy nastąpi barbarzyństwo (porównaj chęć zatrzymania rewolucji rosyjskiej na etapie lutowym).

Nietrudno zauważyć, że każda nowa rewolucja zdaje się obalać poprzednią. Poprzednia rewolucja jawi się w odniesieniu do nowego protestu jako „stary reżim”, a nawet „imperium”.

Lipcowy parlament Ludwika Filipa przypomina dzisiejszy Parlament Europejski; w każdym razie określenie „imperium brukselskie” stało się dziś powszechne w retoryce socjalistów i nacjonalistów. Biedni, nacjonaliści, prawica i lewica buntują się przeciwko „Imperium Brukseli” – niemal mówią o nowej rewolucji. Jednak w niedawnej przeszłości projekt Wspólnej Europy sam w sobie był rewolucyjny w stosunku do imperiów totalitarnych XX wieku.

Ostatnio wydawało się, że jest to panaceum na Europę: zjednoczenie na zasadach republikańskich, socjaldemokratycznych, a nie pod butem imperium; ale metamorfoza w postrzeganiu jest rzeczą powszechną.

Symbioza republiki-imperium (motyl-gąsienica) jest charakterystyczna dla historii Europy: Cesarstwo Napoleońskie, Rosja Sowiecka, III Rzesza charakteryzują się właśnie tym, że imperium wyrosło z frazeologii republikańskiej. A teraz Brukseli przedstawiono ten sam zestaw roszczeń.

5.

Europa socjaldemokracji! Odkąd Adenauer i de Gaulle skierowali swoje gęsie pióra w totalitarne dyktatury, po raz pierwszy od siedemdziesięciu lat i na moich oczach zmienia się wasza tajemnicza mapa. Koncepcja, która powstała dzięki wysiłkom zwycięzców faszyzmu, rozprzestrzenia się i upada. Wspólna Europa pozostanie utopią, a tratwa na oceanie nie budzi współczucia.

Nie potrzebują już zjednoczonej Europy. Państwa narodowe to nowy sen.

Narodowe siły odśrodkowe i protesty państwowe nie są zbieżne w motywach, ale działają synchronicznie. Namiętności Katalończyków, Szkotów, Walijczyków, Irlandczyków; roszczenia państwowe Polski lub Węgier; polityka krajowa i wola ludu (Wielka Brytania i Francja); protesty społeczne („żółte kamizelki” i greccy demonstranci) wydają się być zjawiskami innego rzędu, jednak trudno zaprzeczyć, że działając zgodnie, wszyscy uczestniczą we wspólnej sprawie – niszczą Unię Europejską.

Zamieszki „żółtych kamizelek” nazywa się rewolucją, działania Polaków nazywa się nacjonalizmem, „Brexit” jest polityką państwa, ale w niszczeniu Unii Europejskiej współdziałają różne instrumenty.

Jeśli radykałowi w żółtej kamizelce powiesz, że współpracuje z austriackim nacjonalistą, a greckiemu działaczowi na rzecz praw człowieka, że ​​pomaga polskiemu projektowi „od morza do morza”, demonstranci nie uwierzą;

jak Mélenchon nie wierzy, że jest jednością z Marine Le Pen. Jak nazwać proces niszczenia Unii Europejskiej: rewolucją czy kontrrewolucją?

W duchu idei rewolucji amerykańskiej i francuskiej utożsamiają „naród” i „państwo”, jednak rzeczywisty bieg wydarzeń nieustannie oddziela pojęcia „ludu”, „narodu” i „państwa”. Kto dziś protestuje przeciwko zjednoczonej Europie – ludzie? naród? państwo? „Żółte kamizelki” najwyraźniej chcą zaistnieć jako „naród”, wyjście Wielkiej Brytanii z UE to krok „państwa”, a kataloński protest to gest „narodu”. Jeśli Unia Europejska jest imperium, to który z tych kroków należy nazwać „rewolucją”, a który „kontrrewolucją”? Zapytaj na ulicach Paryża czy Londynu: w imię czego konieczne jest niszczenie porozumień? Odpowiedź będzie godna barykad 1830 roku – w imię Wolności!

Wolność jest tradycyjnie rozumiana jako prawa „trzeciego stanu”, tak zwanych „wolności burżuazyjnych”. Zgodzili się uważać dzisiejszą „klasę średnią” za swego rodzaju odpowiednik „trzeciej władzy” z XVIII wieku – a klasa średnia dochodzi swoich praw wbrew obecnym urzędnikom państwowym. Na tym polega patos rewolucji: producent buntuje się przeciwko administratorowi. Coraz trudniej jednak posługiwać się hasłami „trzeciej władzy”: pojęcia „rzemiosło”, „zawód”, „zatrudnienie” są równie niejasne, jak pojęcia „właściciel” i „narzędzie pracy”. „Żółte kamizelki” mają różnorodny skład; nie jest to jednak w żadnym wypadku „stan trzeci” z 1789 r.

Dzisiejszy szef małego francuskiego przedsiębiorstwa nie jest producentem, sam zajmuje się administracją: przyjmuje i sortuje zamówienia, omija podatki, godzinami spędza przy komputerze. W siedmiu na dziesięć zatrudnianych przez niego pracowników to rodowici Afrykanie i imigranci z republik byłego bloku warszawskiego. Na barykadach dzisiejszych „żółtych kamizelek” widać wielu „amerykańskich huzarów” – tak podczas Wielkiej Rewolucji Francuskiej w 1789 r. nazywano mieszkańców Afryki, którzy korzystając z chaosu przeprowadzali represje wobec białej ludności.

Niezręcznie jest o tym mówić, ale „amerykańskich huzarów” jest dziś o rząd wielkości więcej niż w XIX wieku.

„Klasa średnia” przeżywa teraz porażkę – ale nadal klasa średnia ma wolę polityczną, aby przepchać barki z uchodźcami z wybrzeży Europy (tutaj kolejne zdjęcie Géricaulta) i zadeklarować swoje prawa nie tylko w stosunku do rządzącej klasą, ale co ważniejsze, i wobec obcokrajowców. A jak zjednoczyć nowy protest, którego celem jest rozkład stowarzyszenia? Protest narodowy, ruchy nacjonalistyczne, żądania społeczne, rewanżyzm monarchiczny i wezwanie do nowego projektu totalnego – wszystko to się ze sobą splata. Ale Wandea, która zbuntowała się przeciwko Republice, była ruchem heterogenicznym. W rzeczywistości „bunt Wendee” był buntem chłopskim skierowanym przeciwko administracji republikańskiej, a „Chuańczycy” byli rojalistami; Rebeliantów łączyło jedno – chęć zatopienia tratwy Meduza.

„Henri de La Rochejaquelin w bitwie pod Cholet” Paula-Emile’a Boutigny’ego – jeden z odcinków buntu Wandei

To, co dzisiaj widzimy, to nic innego jak Wandea XXI wieku, wielowektorowy ruch przeciwko ogólnoeuropejskiej republice. Używam terminu „Vendee” jako konkretnej definicji, jako nazwy procesu, który zmiażdży republikańską fantazję. Vendée, jest to proces trwały w historii, to antyrepublikański projekt mający na celu przekształcenie motyla w gąsienicę.

Choć brzmi to paradoksalnie, sama walka o prawa obywatelskie nie toczy się na obecnej tratwie Meduzy. Cierpiąca „klasa średnia” nie jest pozbawiona ani prawa głosu, ani wolności zgromadzeń, ani wolności słowa. Walka toczy się o coś innego – a jeśli zwrócić uwagę na fakt, że walka o wyrzeczenie się wzajemnych zobowiązań w Europie zbiegła się w czasie z wyrzeczeniem się współczucia dla obcokrajowców, to odpowiedź zabrzmi dziwnie.

Trwa walka o równe prawo do ucisku.

Prędzej czy później Wandea znajdzie swojego przywódcę, a przywódca skupia wszystkie antyrepublikańskie roszczenia w jednym imperialnym spisku.

„Ustrój” (utopia Arystotelesa) jest dobry dla wszystkich, jednak aby mogło istnieć społeczeństwo równych pod względem własności obywateli, potrzebni byli niewolnicy (według Arystotelesa: „urodzeni z niewolników”), a to miejsce niewolników jest dziś puste. Pytaniem nie jest, czy dzisiejsza klasa średnia odpowiada dawnej trzeciej sile; Bardziej przerażające pytanie brzmi: kto dokładnie zajmie miejsce proletariatu i kto zostanie wyznaczony na miejsce niewolników.

Delacroix nie namalował tej kwestii na płótnie, ale mimo to odpowiedź istnieje; historia dała to już nie raz.

A oficer nieznany nikomu,
Patrzy z pogardą, jest zimny i niemy,
W zbuntowanym tłumie panuje bezsensowne zauroczenie
I słuchając ich szalonego wycia,
Denerwuje mnie to, że nie mam tego pod ręką
Dwie baterie: rozpędź tego drania.

Prawdopodobnie tak właśnie się stanie.

Dziś spłonęła katedra, a jutro nowy tyran zmiecie republikę i zniszczy Unię Europejską. To może się zdarzyć.

Ale bądźcie pewni, historia Gothic i Republic na tym się nie zakończy. Będzie nowy Daumier, nowy Balzac, nowy Rabelais, nowy de Gaulle i nowy Viollet-le-Duc, który odbuduje Notre-Dame.

Delacroix stworzył obraz na podstawie rewolucji lipcowej 1830 r., która położyła kres reżimowi restauracji monarchii Burbonów. Po licznych szkicach przygotowawczych namalowanie obrazu zajęło mu zaledwie trzy miesiące. W liście do brata z 12 października 1830 roku Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”. Obraz ma także drugi tytuł: „Wolność wiodąca naród”. Początkowo artysta chciał po prostu odtworzyć jeden z epizodów bitew lipcowych 1830 roku. Był świadkiem bohaterskiej śmierci d'Arcole podczas zdobywania paryskiego ratusza przez rebeliantów.Na wiszącym moście w Greve pod ostrzałem pojawił się młody człowiek i wykrzyknął: „Jeśli umrę, pamiętaj, że nazywam się d'Arcole”. I naprawdę został zabity, ale udało mu się zniewolić ludzi wraz z nim.

W 1831 roku na Salonie Paryskim Francuzi po raz pierwszy zobaczyli ten obraz, poświęcony „trzem chwalebnym dniom” rewolucji lipcowej 1830 roku. Obraz wywierał na współczesnych oszałamiające wrażenie swoją siłą, demokracją i śmiałością artystycznego zamysłu. Według legendy jeden z szanowanych mieszczan wykrzyknął: „Mówisz o dyrektorze szkoły? Lepiej powiedzieć - przywódca buntu! *** Po zamknięciu Salonu rząd, przestraszony budzącym grozę i inspirującym wdziękiem, jaki emanował z obrazu, pospieszył zwrócić go autorowi. Podczas rewolucji 1848 r. ponownie wystawiono go na widok publiczny w Pałacu Luksemburskim. I znowu zwrócili go artyście. Dopiero po wystawieniu obrazu na Wystawie Światowej w Paryżu w 1855 roku trafił do Luwru. Do dziś zachowało się tu jedno z najlepszych dzieł francuskiego romantyzmu – natchniona relacja naocznego świadka i wieczny pomnik walki ludu o wolność.

Jaki język artystyczny znalazł młody francuski romantyk, aby połączyć te dwie pozornie przeciwstawne zasady – szerokie, obejmujące wszystko uogólnienie i konkretną rzeczywistość, okrutną w swojej nagości?

Paryż słynnych dni lipca 1830 r. W oddali ledwo zauważalne, ale dumnie wznoszą się wieże katedry Notre Dame – symbolu historii, kultury i ducha narodu francuskiego. Stamtąd, z zadymionego miasta, przez ruiny barykad, po zwłoki poległych towarzyszy, rebelianci uparcie i zdecydowanie idą naprzód. Każdy z nich może zginąć, ale krok buntowników jest niewzruszony – inspiruje ich wola zwycięstwa, wolności.

Ta inspirująca moc ucieleśnia się w obrazie pięknej młodej kobiety, namiętnie ją wzywającej. Swą niewyczerpaną energią, swobodą i młodzieńczą szybkością ruchu przypomina grecką boginię zwycięstwa Nike. Jej silna sylwetka ubrana jest w chitonową sukienkę, twarz o idealnych rysach, z płonącymi oczami, zwrócona jest w stronę buntowników. W jednej ręce trzyma trójkolorową flagę Francji, w drugiej pistolet. Na głowie czapka frygijska – starożytny symbol wyzwolenia z niewoli. Jej kroki są szybkie i lekkie – tak jak chodzą boginie. Jednocześnie wizerunek kobiety jest prawdziwy - jest córką narodu francuskiego. Ona jest siłą przewodnią ruchu grupy na barykadach. Z niego, jak ze źródła światła w centrum energii, emanują promienie, naładowane pragnieniem i wolą zwycięstwa. Osoby z jej najbliższego otoczenia, każdy na swój sposób, wyrażają swoje zaangażowanie w to inspirujące powołanie.

Po prawej stronie chłopiec, paryski gamen, wymachujący pistoletami. Jest najbliżej Wolności i jakby rozpalony jej entuzjazmem i radością wolnego impulsu. Swoim szybkim, chłopięco niecierpliwym ruchem wyprzedza nawet odrobinę natchnienie. To poprzednik legendarnego Gavroche’a, którego dwadzieścia lat później sportretował Victor Hugo w powieści Nędznicy: „Gavroche, pełen inspiracji, promienny, wziął na siebie zadanie wprawienia całości w ruch. Biegał tam i z powrotem, podnosił się, opadał, podnosił się znowu, hałasował, iskrzył się radością. Wydawać by się mogło, że przyszedł tu, żeby wszystkich zachęcić. Czy miał ku temu jakiś motyw? Tak, oczywiście, jego bieda. Czy miał skrzydła? Tak, oczywiście, jego wesołość. To był jakiś rodzaj wichury. Wydawało się, że wypełnia powietrze, będąc obecnym wszędzie jednocześnie... Ogromne barykady czuły to na swoich grzbietach.”**

Gavroche w malarstwie Delacroix to uosobienie młodości, „pięknego impulsu”, radosnej akceptacji jasnej idei Wolności. Dwa obrazy - Gavroche i Wolność - zdają się uzupełniać: jeden to ogień, drugi to zapalona od niego pochodnia. Heinrich Heine opowiedział, jak postać Gavroche'a wywołała żywy oddźwięk wśród paryżan. "Cholera! - wykrzyknął jakiś handlarz spożywczy. „Ci chłopcy walczyli jak giganci!” ***

Po lewej stronie student z bronią. Wcześniej postrzegano go jako autoportret artysty. Ten buntownik nie jest tak szybki jak Gavroche. Jego ruchy są bardziej powściągliwe, bardziej skoncentrowane, bardziej znaczące. Dłonie pewnie trzymają lufę pistoletu, twarz wyraża odwagę, zdecydowaną determinację, by stanąć do końca. To głęboko tragiczny obraz. Uczeń ma świadomość nieuchronności strat, jakie poniosą rebelianci, jednak ofiary go nie przerażają – wola wolności jest silniejsza. Za nim stoi równie odważny i zdeterminowany robotnik z szablą. U stóp Wolności leży ranny człowiek. Z trudem podnosi się, aby jeszcze raz spojrzeć na Wolność, aby całym sercem zobaczyć i poczuć piękno, za które umiera. Ta figura stanowi dramatyczny początek brzmienia płótna Delacroix. Jeśli obrazy Gavroche’a, Liberty’ego, studenta, robotnika – niemal symbole, ucieleśnienie nieustępliwej woli bojowników o wolność – inspirują i wzywają widza, to zraniony mężczyzna wzywa do współczucia. Człowiek żegna się z Wolnością, żegna się z życiem. Jest jeszcze impulsem, ruchem, ale już impulsem słabnącym.

Jego postać jest przejściowa. Wzrok widza, wciąż zafascynowanego i porwanego rewolucyjną determinacją powstańców, opada do podnóża barykady, pokrytej ciałami chwalebnych poległych żołnierzy. Śmierć ukazana jest przez artystę w całej nagości i oczywistości faktu. Widzimy niebieskie twarze zmarłych, ich nagie ciała: walka jest bezlitosna, a śmierć jest tym samym nieuniknionym towarzyszem buntowników, jak piękna inspiratorka Wolność.

Z okropnego widoku w dolnej krawędzi obrazu ponownie podnosimy wzrok i widzimy młodą, piękną postać - nie! życie wygrywa! Idea wolności, ucieleśniona tak wyraźnie i namacalnie, jest tak skupiona na przyszłości, że śmierć w jej imię nie jest straszna.

Artysta przedstawia jedynie niewielką grupę buntowników, żywych i umarłych. Ale obrońcy barykady wydają się niezwykle liczni. Kompozycja jest zbudowana w taki sposób, aby grupa bojowników nie była ograniczona, nie zamknięta w sobie. Jest tylko częścią niekończącej się lawiny ludzi. Artysta podaje jakby fragment grupy: rama obrazu wycina postacie po lewej, prawej i poniżej.

Zazwyczaj kolor w pracach Delacroix nabiera wysoce emocjonalnego wydźwięku i odgrywa dominującą rolę w kreowaniu efektu dramatycznego. Kolory, raz szalejące, raz blaknące, przytłumione, tworzą napiętą atmosferę. W „Wolności na barykadach” Delacroix odchodzi od tej zasady. Artysta bardzo precyzyjnie, starannie dobierając farbę i nakładając ją szerokimi pociągnięciami, artysta oddaje atmosferę bitwy.

Ale kolorystyka jest powściągliwa. Delacroix skupia uwagę na reliefowym modelowaniu formy. Wymagało tego figuratywne rozwiązanie obrazu. Przecież artysta, przedstawiając konkretne wczorajsze wydarzenie, stworzył także pomnik tego wydarzenia. Dlatego postacie są niemal rzeźbiarskie. Zatem każdy znak, będąc częścią jednej całości obrazu, stanowi jednocześnie coś zamkniętego w sobie, jest symbolem ujętym w skończoną formę. Dlatego kolor nie tylko oddziałuje emocjonalnie na uczucia widza, ale ma także znaczenie symboliczne. W brązowo-szarej przestrzeni tu i ówdzie błyska uroczysta triada czerwieni, błękitu i bieli – kolory sztandaru Rewolucji Francuskiej 1789 roku. Powtarzające się powtarzanie tych kolorów podtrzymuje potężny akord trójkolorowej flagi powiewającej nad barykadami.

Obraz Delacroix „Wolność na barykadach” to dzieło złożone i o ogromnym zasięgu. Tutaj łączy się wiarygodność bezpośrednio widzianego faktu i symbolika obrazów; realizm, sięgający brutalnego naturalizmu i idealnego piękna; szorstki, straszny i wzniosły, czysty.

Obraz „Wolność na barykadach” ugruntował zwycięstwo romantyzmu we francuskiej „bitwie pod Poitiers” i „Zabójstwie biskupa Liege”. Delacroix jest autorem obrazów nie tylko o tematyce Wielkiej Rewolucji Francuskiej, ale także kompozycji batalistycznych na tematy historii narodowej („Bitwa pod Poitiers”). Podczas swoich podróży artysta wykonał szereg szkiców z życia, na podstawie których po powrocie stworzył obrazy. Dzieła te wyróżnia nie tylko zainteresowanie egzotyczną i romantyczną kolorystyką, ale także odczuwalna oryginalność życia narodowego, mentalności i charakterów.

Podczas wykładów dla studentów pierwszego i drugiego roku pewnego dość dużego, odnoszącego sukcesy i prosperującego uniwersytetu podjąłem następujący zaawansowany manewr pedagogiczny: poprosiłem ich, aby dokładnie przyjrzeli się obrazowi Eugene’a Delacroix „Wolność na barykadach”. I powiedz mi następnego dnia: co się właściwie dzieje? Jaka jest fabuła, a także wewnętrzna sprężyna obrazu? I wreszcie, co takiego niezwykłego zauważają na zdjęciu? Wymagające wyjaśnienia - przynajmniej wersje?

Nie można powiedzieć, że kierowałem się jakimś tajnym planem wychowawczym. Po prostu wiedziałem na pewno, że ten obraz jest znany dzieciom. Naszym tematem przewodnim była ciekawość dziennikarza, umiejętność dostrzegania szczegółów. Dlaczego nie? Niech będzie Delacroix.

Cóż mogę powiedzieć? Pierwszy. Pikantny szczegół zdjęcia topless w ogóle nie wchodził w zakres dyskusji - ale w naszych latach w dużym stopniu wykorzystał tę ilustrację w podręczniku lub w Encyklopedii dla dzieci. Szczegóły stały się powszechne. Nikt specjalnie tego nie zauważył. Z wyjątkiem jednej dziewczyny, która ogólnie wykazywała się niezwykłymi talentami i wyobraźnią. Ale o tym później. Po drugie, nasze dzieci mają bystre oczy, mówię ci. Musimy o tym pamiętać.

Podam kilka wersji, które mi się podobały.

„To właśnie zauważyłem” – zaczął ożywiony chłopiec. „Tutaj więc toczy się bitwa na barykadzie, ludzie się zbierają, walczą o wolność, ale w oddali inni ludzie stoją, patrzą, nie ruszają się”. Widzowie. Mamy tutaj...

Tutaj szybko zabrał głos przedstawiciel uczelni:

Więc uspokój się: uniwersytet jest poza polityką.

Ale pomysł był już jasny.

„I oto, co zauważyłem” – głos zabrał inny uczeń. – Biedni ludzie idą za dziewczyną wolności do bitwy. Niektóre postrzępione. Bogaci tego nie potrzebują.

U nas jest odwrotnie” – ktoś powiedział, ale nawet bystre oko mentora nie dostrzegło autora uwagi.

„Ale dla mnie tak nie jest” – wtrąciła się jej przyjaciółka. - Są różne. I wydaje mi się, że Delacroix chciał swoim malarstwem powiedzieć, że każdy potrzebuje wolności. Spójrz, jest tu jeden w cylindrze i krawacie. Ten z pistoletem. Nic bezdomnego.

Tutaj dziewczyna, która od dawna wyciągała rękę, już podskoczyła.

Który w cylindrze i baczkach jest ogólnie bardzo podobny do Puszkina! Artysta Delacroix równie dobrze mógł przyjechać do Rosji, był tam jego przyjaciel Dumas, prawda? Sprawdziłem, obraz został namalowany przed śmiercią Puszkina. To równie dobrze mógłby być Puszkin!

Powiem szczerze: nie znalazłem jeszcze żadnego potwierdzenia tej wersji. Ale jest w niej coś bardzo postmodernistycznego, wręcz pelewińskiego. Lubię to.

W międzyczasie głos zabrał następujący tłumacz:

Co widzimy? „We Francji wyraźnie zachodzi restrukturyzacja” – stwierdził. „Reformy są w toku”.

Spojrzałem jeszcze raz na błyski groźnego pożaru za barykadą, na przewrócone kamienie, gruz i zwłoki na pierwszym planie. I nie mogłem się nie zgodzić: tak, reformy są w toku. Nawet je pamiętam. W innym kraju.

A artysta chce nam pokazać, że mimo poświęceń cel zostanie osiągnięty. Ale nie rozumiałam: co to za kobieta, która o coś prosi na kolanach Swobody?

Może to czyjaś matka, żeby nie zabili syna – zauważył ktoś subtelnie z górnych rzędów.

Cóż, tak, może. Ale nadal pozostaje to tajemnicą.

Zgodziłem się.

Dwóch uczniów postanowiło odpowiedzieć wspólnie.

To dziwne: martwe ciało po prawej stronie ma całkowicie uschnięte jedno ramię. Ale ten drugi nie wysechł” – powiedział pierwszy.

Szczerze mówiąc, również zapisałem tę zagadkę.

Wydało mi się dziwne, że domy w tle były tak wysokie. Czy takie domy już wtedy budowano? – zapytał kolejny uczeń.

Należy tu zaznaczyć, że dzieci niewiele wiedzą o przeszłości wykraczającej poza zakres szkolnego programu nauczania, a nawet nie tak odległej, to już zrozumiałam. Żaden z nich nie wiedział, kim był Borys Kustodiew. Fiodor Szaliapin. Nawet Wasilij Pieskow! Jeśli chodzi o domy i inne wieże, można było to wybaczyć: nie chodzili do szkoły architektonicznej. Jestem pewien, że nauczyciele nauczą cię reszty. Nie można ich zepsuć – w najlepszym tego słowa znaczeniu.

Strumień wersji powoli się kończył, a wtedy dziewczyna z pierwszego rzędu, która podczas moich audycji robiła notatki i żywo reagowała, podniosła rękę.

W tym obrazie jest wiele tajemnicy” – stwierdziła. – Ale szczerze mówiąc, nie mam jasnej odpowiedzi na jedno pytanie: dlaczego zamordowany młody człowiek leży na pierwszym planie bez spodni?

Wiadomo, że wszyscy są zajęci. Śmiech. Założenia. I przypomniałem sobie, że Edgar Allan Poe umieścił list na pierwszym planie, żeby nikt go nie znalazł.

Oczywiście klasyczną tradycją było malowanie ludzi nago. I choć Delacroix jest romantykiem, to bardzo dużo adoptował – dodałam z tego, co przeczytałam dzień wcześniej. – Ale wydaje mi się, że nie o to chodzi?

Nie sądzę” – stwierdziła dziewczyna.

Wszystko było cicho.

Jeśli wyobrazicie sobie, co działo się przed momentem przedstawionym przez artystę, to... Może się kochali? Ten młody człowiek to także ona.

Kto? – pytali najnudniejsi z publiczności.

Wolność – powiedziała dziewczyna. - A on, powiedzmy, był chorążym. Przyjechała na miejsce walk ulicznych, żeby sprawdzić, co się z nim dzieje, może nawet przyniosła mu jedzenie. A potem został zabity. Wzięła jego sztandar. I do przodu. A co, byli tacy ludzie - tam żony poszły za dekabrystami na Syberię.

Stała tak, ze swoim zdaniem, jak na barykadzie - a za nią publiczność milczała, myśląc.

I nawet przebłyski refleksji przebiegły wzdłuż tylnej ściany: zapewne przez ogromne okna przesączał się zachód słońca, dzień zbliżał się do wieczora.

Krótko mówiąc, daliśmy tej dziewczynie pierwszą prostą nagrodę w naszym zaimprowizowanym konkursie, chociaż rozumiem, że nie wszyscy nauczyciele nas zaakceptują: bez spodni nadal nie jest dobrze. A potem długo i szczerze jej oklaskiwali.

Tak, nasze dzieci są normalne! I przypominają mi kogoś.

P.S. Ponieważ nie mam jeszcze transkrypcji tego wykładu, całkiem możliwe, że kogoś zamieniłem, coś połączyłem, a nawet spekulowałem. Troszkę. Kiedy pojawi się transkrypcja, będzie można przeprowadzić kolejną pożyteczną i pouczającą czynność - porównać prawdziwość faktu z tekstem. Ale to zupełnie inna historia.

Ilustracja: Eugene Delacroix. Wolność prowadzi ludzi. 1830

Wolność prowadzi ludzi. Wolność na barykadach 1830
Płótno/olej o wymiarach 260x325 cm
Musée du Louvre, Paryż, Francja

Materiał z Wikipedii – wolnej encyklopedii:
„Wolność wiodąca naród” (francuski: La Liberté guidant le peuple), czyli „Wolność na barykadach” to obraz francuskiego artysty Eugene'a Delacroix. Uważany za jeden z kluczowych kamieni milowych między epoką oświecenia a romantyzmem.
W centrum obrazu znajduje się kobieta znana jako Marianna – symbol Republiki Francuskiej i uosobienie narodowego motto „Wolność, równość, braterstwo” (istnieje alternatywny punkt widzenia, że ​​kobieta nie jest Marianną, ale jest alegoria Republiki). Na tym obrazie Delacroix udało się połączyć wielkość starożytnej bogini i odwagę prostej kobiety z ludu. Na głowie czapka frygijska (symbol wolności podczas pierwszej rewolucji francuskiej), w prawej ręce flaga republikańskiej Francji, w lewej pistolet. Bosa i z odsłoniętymi piersiami, symbolizującymi poświęcenie Francuzów, którzy potrafią z nagą klatką piersiową wyjść naprzeciw wrogowi, przechodzi po stosie zwłok, jakby wyłaniając się z płótna bezpośrednio na widza.
Za wolnością podążają przedstawiciele różnych klas społecznych – robotnicy, burżuazja, młodzież – symbolizując jedność narodu francuskiego podczas rewolucji lipcowej. Niektórzy historycy i krytycy sztuki sugerują, że artysta przedstawił siebie w postaci mężczyzny w cylindrze, stojącego na lewo od głównego bohatera; Według innych modelem mógł być dramaturg Etienne Arago lub kustosz Luwru Frederic Villot.