Post inspirowany jest programem „Co, gdzie, kiedy?” Zacznę od zagadki.
To obraz Tivadara Kostki Chontvari, nazywa się „Stary rybak”. Na pierwszy rzut oka nie ma w nim nic szczególnie niezwykłego, jak uważali także historycy sztuki, ale kiedyś zasugerowano, że przedstawia Boga i diabła. Tajemnicą jest, dlaczego narodził się taki pomysł. Pod wycięciem będzie większe zdjęcie, biografia i rozwiązanie :)

Zgadłeś? NIE? Może szczegóły dadzą odpowiedź?

Jeszcze trochę Was pomęczę opowieścią o samym artyście. Jeśli nie możesz się doczekać, leć na dół po odpowiedź.

Autoportret

Tivadar Kostka urodził się 5 lipca 1853 roku w górskiej wiosce Kisseben należącej do Austrii (obecnie Sabinov na Słowacji) – węgierski artysta samouk.

Jego ojciec Lasli Kostka był lekarzem i farmaceutą. Tivadar i jego pięciu braci dorastali w atmosferze przesiąkniętej duchem farmakologii. Przyszły artysta od dzieciństwa wiedział, że zostanie farmaceutą. Zanim jednak nim został, zmienił wiele zawodów – pracował jako sprzedawca, przez jakiś czas uczęszczał na wykłady na Wydziale Prawa, a dopiero potem studiował farmakologię.

Któregoś dnia, mając już 28 lat, będąc w aptece, chwycił za ołówek i z recepty narysował prostą scenę, którą widział z okna – przejeżdżający wózek ciągnięty przez bawoły. Czy to był początek schizofrenii, na którą cierpiał później, ale odtąd nękało go marzenie o zostaniu artystą.

Udaje się do Rzymu, następnie do Paryża, gdzie spotyka słynnego węgierskiego artystę Mihaly’ego Munkacsiego (który, notabene, również zmarł w szpitalu psychiatrycznym). A potem wraca do ojczyzny i przez czternaście lat pracuje w aptece, próbując osiągnąć niezależność finansową. Zaoszczędziwszy niewielki kapitał, wyjeżdża na studia najpierw do Monachium, a następnie do Paryża.

Studia nie przyniosły mu satysfakcji. Dlatego w 1895 roku udał się w podróż do Włoch, aby malować pejzaże. Podróżował także do Grecji, Afryki Północnej i na Bliski Wschód.
W 1900 roku zmienił nazwisko Kostka na pseudonim Chontvari.
Już w latach 1907 i 1910 odbywały się w Paryżu wystawy osobiste, które jednak nie przyniosły mu uznania. Jego obrazy nie zyskały uznania także na Węgrzech, a autor miał opinię szaleńca.

W roku 1910 zakończył się okres tworzenia. Ataki choroby stawały się coraz poważniejsze. Teraz rysował niezwykle rzadko, jedynie szkice swoich surrealistycznych wizji.
W ostatnich latach napisał książki: broszurę „Energia i sztuka, błędy człowieka cywilizowanego” oraz opracowanie „Geniusz. Kto może, a kto nie może być geniuszem.”
Artysta przez całe życie nie sprzedał ani jednego obrazu.
Ostatni duży obraz, „Jazda wzdłuż brzegu”, został namalowany w Neapolu w 1909 roku.

20 czerwca 1919 roku artysta Chontvari zmarł, jak mówią, na zapalenie stawów.
Krewni skonsultowali się z ekspertami, którzy zapewnili ich o całkowitej porażce artystycznej Tivadara jako artysty i wkrótce obrazy wystawiono na aukcję nie jako dzieła sztuki, ale jako fragmenty płótna. Przypadkowy kolekcjoner (a może to przypadek?) kupił wszystkie obrazy hurtem za skromną sumę, zadowalając swoich krótkowzrocznych (lub oszukanych) siostrzeńców.

No cóż, teraz odpowiedź :) Weź lustro i umieść je na środku obrazu, a zobaczysz te odpowiedzi :)
Boże, ze spokojnym morzem za plecami.

I diabeł z szalejącymi namiętnościami.

Prawie każde znaczące dzieło sztuki ma tajemnicę, „podwójne dno” lub sekretną historię, którą chcesz odkryć.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, „Ogród rozkoszy ziemskich”, 1500-1510.

Fragment części tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie ucichły od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku zatytułowanego „Muzyczne piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.

Naga Mona Lisa

Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna” i została namalowana przez mało znanego artystę Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „Stary rybak”. Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane jest prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane jest lewe ramię Starego Człowieka).

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.

Wydawać by się mogło, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.

Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.

Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.

Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.

Przewrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

Obraz Henriego Matisse’a „Łódź” został wystawiony w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1961 roku. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.

Obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.

Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o metodzie twórczej charakterystyczne dla Szyszkina.

Niewinna historia „Gothica”

Grant Wood, Amerykański gotyk, 1930.

Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem byliby idealni jako mieszkańcy. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Przykładowo strzelanina pokazała, że ​​we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans z Zeusem, była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent Van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie panuje opinia, że ​​Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że ​​sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Paweł Fedotow, „Swatanie majora”, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A jej kupieccy rodzice sami ubrali pannę młodą w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Liberty jest naga?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.

Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z nagimi piersiami. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.

Kwadrat niekwadratowy

Kazimierz Malewicz, „Plac Czarnej Suprematyzmu”, 1915.

Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do ​​żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor to efekt zmieszania różnych barw, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis głosi: „Bitwa Czarnych w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który miał kształt całkowicie czarnego prostokąta.

Melodramat austriackiej Mony Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń omawiał burzliwy romans Adele ze słynną artystką. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypową metodę: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że ​​jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najsłynniejszy obraz Gauguina ma jedną cechę charakterystyczną: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewy dolny róg).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559

Pieter Bruegel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płyń pod prąd”, „walenie głową o ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą rybkę”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Subiektywność sztuki

Paul Gauguin, „Bretońska wioska w śniegu”, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.

Ukryty obraz

Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901

W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, chwycił za pędzel i ożywił go. Nie miał jednak możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwą przyczynę tego stanu rzeczy.

Niedostępne Marokańczycy

Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928

Któregoś dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą propozycję – wybrania się w twórczą podróż mającą na celu przedstawienie nagich postaci orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić nagich, orientalnych kobiet w zamknięciu.

Spontaniczny wgląd

Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900

Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Portret ten uznawany jest za najlepszy wizerunek ostatniego cesarza.

Kolejny dwójka

© Fedor Reshetnikov

Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, szczyt roku szkolnego, przygnębiony idiota, który znów dostał złą ocenę. W lewym górnym rogu widać obraz „Przybył na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i tłoczyć się. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511

Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że ​​Michał Anioł rzeczywiście pozostawił po sobie pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.

„Ostatnia wieczerza” Van Gogha

Vincent Van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że ​​obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. Pośrodku obrazu stoi kelner z długimi włosami i białą tuniką przypominającą szaty Chrystusa, a wokół niego znajduje się dokładnie 12 osób odwiedzających kawiarnię. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.

Obraz pamięci Dali

Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.

O czym Munch krzyczy?

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch opowiadał o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem z dwoma przyjaciółmi ścieżką – słońce zachodziło – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, wyczerpany, oparłem się o płot – patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżący z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.” Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, że ​​pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfite ilości pyłu i popiołu rozprzestrzeniły się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego głównego obrazu. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Rafael Santi, „Szkoła ateńska”, 1511.

Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro pary Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434

W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck był tutaj”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że ​​artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że ​​artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.

Przed pojawieniem się Narodzin Wenus wizerunek nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym z europejskich malarzy, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje na fresku chrześcijański obraz: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.

Lutniarz czy lutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX w. historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (pozował mu prawdopodobnie znajomy Caravaggia, artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widać nagranie basu wers madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta nie mogłaby dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej w gardle. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.

Nieznany nikomu za życia artysta Tivadar Kostka Chontvary, sto lat po śmierci, zyskał nagle sławę dzięki obrazowi „Stary rybak”. Sam mistrz był pewien swojego mesjańskiego przeznaczenia, choć jego współcześni nazywali to schizofrenią. Teraz szukają w jego obrazach ukrytych symboli i zawoalowanych podpowiedzi. Czy oni tam są? Jednym z takich dzieł, które przeszło wszechstronną analizę, jest obraz „Stary rybak”.

Nierozpoznany artysta

W 1853 roku w węgierskiej wiosce Kisseben urodził się przyszły malarz. Los Tivadara i jego pięciu braci był przesądzony od dzieciństwa. Byli gotowi kontynuować dzieło ojca. A rodzic był farmaceutą i miał praktykę lekarską. Ale zanim zajął się farmakologią, młody człowiek zdążył ukończyć szkołę średnią, pracować jako sprzedawca i studiować na Wydziale Prawa. A po tym wszystkim zwrócił się do rodzinnego biznesu. Po przybyciu do apteki Tivadar pracował tu przez czternaście długich lat.

Któregoś dnia, gdy miał 28 lat, w normalny dzień pracy chwycił formularz recepty i ołówek i naszkicował fabułę: przejeżdżający w tym momencie obok okna wóz z zaprzęgniętymi do niego bawołami. Wcześniej nie wykazywał skłonności do rysowania, ale później napisał w swojej autobiografii, że tego dnia miał wizję, która przepowiadała losy wielkiego malarza.

Wiosną 1881 roku Tivadar Kostka otworzył aptekę w północnych Węgrzech i zaoszczędził wystarczająco dużo pieniędzy, aby podróżować do Włoch. Jak wszyscy młodzi artyści marzył o zobaczeniu arcydzieł dawnych mistrzów. Szczególnie pociągały go obrazy Rafaela. Trzeba powiedzieć, że później rozczarował się swoim idolem, nie znajdując na swoich płótnach niezbędnej żywotności i szczerości w naturze. Po Rzymie Kostka udaje się do Paryża, a potem do ojczyzny.

Chontvari (artysta przyjął ten pseudonim w 1900 r.) zaczął poważnie zajmować się malarstwem w połowie lat 90. XIX wieku. Zostawia aptekę braciom i przyjeżdża do Monachium, aby studiować malarstwo. W wielu źródłach Kostka nazywana jest samoukiem, tymczasem uczył się w szkole artystycznej swojego słynnego rodaka, odnoszącego większe sukcesy na polu sztuki, Shimona Hollosy'ego. Nauczyciel był prawie dziesięć lat młodszy od swojego ucznia.

W Monachium Chontvari tworzy kilka portretów. Ślad smutku na twarzach modelek odróżnia je od pogodniejszych prac. Portrety naturalne malował dopiero w czasie studiów, później przestał się nimi interesować. Po opuszczeniu Monachium artysta udał się do Karlsruhe, gdzie kontynuował naukę, obecnie w Kallmorgen. Biografowie artysty mówią, że żył on w tym czasie wygodnie, kupując do swoich prac najlepsze belgijskie płótna.

Ostatnie lata

Studia nie przyniosły Chontvariowi satysfakcji. Wydawało się, że rozumie prawa malarstwa tylko po to, żeby je łamać. W 1895 roku ponownie udał się do Włoch, aby pracować w plenerze w swoim ulubionym gatunku pejzażu. Artysta odwiedza nie tylko Włochy, ale także Francję, Grecję, Bliski Wschód i Liban.

W latach 1907-1910 odbyło się kilka jego wystaw osobistych w Paryżu, Budapeszcie i w kraju. Nie przynoszą mu szczególnej sławy, choć niektórzy krytycy wypowiadają się z dużą aprobatą. Na Węgrzech mówi się nawet o artyście, jakby był wariatem. Nie jest tajemnicą, że cierpiał na ataki schizofrenii, ale wciąż liczył na uznanie ze strony rodaków.

W 1910 roku choroba zaczęła się rozwijać. Ataki stawały się coraz dotkliwsze, praca była utrudniona. Chontvari już prawie nie pisze, robiąc jedynie małe szkice. Nigdy nie ukończył ani jednego dzieła, chociaż podejmował próby. W wieku sześćdziesięciu lat artysta zmarł w Budapeszcie, gdzie został pochowany.

Twórcze dziedzictwo

Tivadar Kostka Chontvari pozostawił po sobie ponad sto pięćdziesiąt obrazów i rysunków. Obraz „Stary rybak”, namalowany w 1902 roku, jest chyba najbardziej znanym ze wszystkich, „kultowym”. Większość dzieł powstała w krótkim okresie 1903-1909. To był twórczy rozkwit artysty, przebłysk geniuszu. Swoją stylistyką nawiązują do ekspresjonizmu. Jego twórczości przypisuje się także cechy symboliki, postimpresjonizmu, a nawet surrealizmu.

Pośmiertne uznanie

Po śmierci Chontvari jego dzieła przetrwały jedynie cudem. Siostra zwróciła się do rzeczoznawców, aby dowiedzieć się, ile może dostać za obrazy. Zapewniali ją, że ich wartość artystyczna jest zerowa. Wtedy kobieta rozumowała, że ​​skoro obrazy są złe, to płótna przynajmniej komuś się przydadzą. I wystawiaj je na sprzedaż hurtową. Całą pracę podjął się architekt Gedeon Gerlotsi, przebijając handlarza śmieciami. Później wystawiał obrazy w Budapeszteńskiej Szkole Sztuk Pięknych, a w 1949 wystawiał je w Belgii i Francji.

Przed śmiercią architekt przekazał swoje zbiory Zoltanowi Fülepowi, przyszłemu dyrektorowi Muzeum Csontvari. To już był sukces. Ale artysta pozostałby w swojej ojczyźnie znany tylko wąskiemu kręgowi fanów, gdyby prawie sto lat po jego śmierci jeden z pracowników muzeum nie odkrył pewnej tajemnicy, którą wciąż skrywa obraz „Stary rybak”. Od tego czasu imię Chontvari, który przez całe życie nie sprzedał ani jednego obrazu, stało się znane na całym świecie.

„Stary rybak”: opis obrazu

Prawie całą przestrzeń płótna zajmuje postać starszego mężczyzny. Burzowy wiatr rozwiewa jego włosy i stare, zniszczone ubrania. Rybak ubrany jest w czarną bluzkę, szary beret i płaszcz. Opiera się na lasce i patrzy prosto na widza. Jego twarz ma szorstką skórę i jest pokryta częstą siecią zmarszczek. W tle artysta umieścił zatokę morską. Fale rozbijają się o brzeg, a z kominów domów na brzegu wydobywa się gęsty dym. Na horyzoncie widać góry, a raczej ich sylwetki, ukryte za mleczną mgłą. W stosunku do postaci rybaka krajobraz ma charakter wtórny i pełni rolę tła.

Obraz „Stary rybak” Chontvariego utrzymany jest w powściągliwej kolorystyce, w której dominują stonowane, delikatne kolory: gołębica, szarość, piasek, odcienie brązu.

Tajemnica obrazu „Stary rybak”

Jakiego odkrycia dokonał pracownik muzeum? Zdradźmy intrygę: odkrył, że jeśli zakryjesz połowę płótna i symetrycznie odbijesz pozostałą część, otrzymasz całkowicie wykończone dzieło sztuki. Co więcej, działa to w obu przypadkach: zarówno z prawą, jak i lewą częścią obrazu. Oto tajemnica, którą obraz „Stary rybak” trzymał przez prawie sto lat. Zdjęcia zamontowanych połówek można teraz łatwo znaleźć w Internecie. Odbiciem prawej połowy jest przystojny starzec, rozjaśniony siwymi włosami, na tle tafli morza. Jeśli odbijemy lewą stronę, zobaczymy mężczyznę w spiczastym kapeluszu ze skośnymi oczami i szalejącymi falami za nim.

Interpretacja

Obraz „Stary rybak” zapoczątkował poszukiwania mistycznych wskazówek w twórczości Chontvariego. Oliwy do ognia dolał fakt, że artysta za życia często przybierał proroczy ton. Płótno to jest zwykle interpretowane jako symbol dwoistej natury człowieka: w jednym człowieku współistnieją zarówno jasna, jak i ciemna połowa, dobro i zło. Czasami nazywana jest także „Bogiem i diabłem”, co ponownie odzwierciedla jej dualizm.

Doprawdy historia sukcesu Tivadara Kostki Chontvari jest przykładem serii szczęśliwych wypadków (lub wielkiego przeznaczenia, które ukazało mu się w wizjach, kto wie?). Obraz „Stary rybak” – geniusz i szaleństwo – jak na ironię stał się jego kluczem do światowej sławy. Niestety, uznanie nie przyszło mu za życia. Ale dziś Csontváry uważany jest za jednego z najlepszych i najbardziej oryginalnych artystów na Węgrzech.

Nie zgub tego. Zapisz się i otrzymaj link do artykułu na swój e-mail.

Do niedawna nazwisko węgierskiego artysty Tivadara Kostki Csontvary’ego znało nieliczne osoby zainteresowane malarstwem, zwłaszcza ekspresjonizmem i prymitywizmem. Ostatnio wiele osób mówi o malarzu, który prawie 100 lat temu zmarł w biedzie, a także był uważany za szaleńca (niektórzy badacze jego biografii uważają, że Tivadar był chory na schizofrenię).

Faktem jest, że jeden z pracowników muzeum miejskiego w Pecu, oglądając obraz „Stary rybak” Tivadara Chontvariego, odkrył, że jeśli podzielisz płótno na pół za pomocą lustra, otrzymasz dwa różne obrazy! Ten szczegół zainteresował nie tylko wielu krytyków sztuki, ale także zwykłych ludzi. Zaczęto rozmawiać o tajemniczym mistyce dzieła i zrewidowano stosunek do twórczego dziedzictwa węgierskiego samouka. W Rosji zainteresowanie tym faktem wzrosło po emisji programu „Co? Gdzie? Gdy?" z dnia 1 października 2011 r., podczas którego widz z pytaniem o obraz „Stary rybak” przebił ekspertów.

Nierozpoznany artysta

Tivadar Kostka Csontvari urodził się w 1853 roku w małej węgierskiej wiosce Kisseben. Jego ojciec był lekarzem i farmaceutą, interesował się nauką, był zagorzałym przeciwnikiem alkoholu i tytoniu, gorąco opowiadając się za ich zakazem. Tiwadar otrzymał tutaj podstawową edukację, ale po pożarze w 1866 roku przeniósł się do krewnych swojej matki w Użgorodzie. Po ukończeniu szkoły średniej pracował jako asystent handlowca w Preszowie.

Po ojcu Laszlo młody Tivadar Csontvary odziedziczył zainteresowanie farmakologią. Dzięki temu zdobył wykształcenie farmaceutyczne na Uniwersytecie w Budapeszcie, a później studiował prawo i pracował jako urzędnik zastępcy burmistrza stolicy. W czasie studiów cieszył się szacunkiem innych studentów, został wybrany na przewodniczącego organizacji studenckiej i brał udział w strajkach 1879 roku.

Tivadar rozpoczął swoją karierę artystyczną w 1880 roku. Pewnego jesiennego dnia, pracując w aptece, wyjrzał przez okno, machinalnie wziął ołówek i formularz recepty i zaczął rysować. Nie było to coś abstrakcyjnego – był to przejeżdżający wóz, który uwieczniono na papierze. Właściciel apteki, widząc obraz, pochwalił Chontvariego, mówiąc, że dopiero dzisiaj urodził się artysta. Później, pod koniec życia, sam Tivadar w swojej autobiografii, napisanej w charakterystyczny dla siebie mistyczny i proroczy sposób, opisując to, co się wydarzyło, powiedział, że miał wizję. To właśnie zasugerowało Tivadarowi jego przeznaczenie - zostać wielkim malarzem.

Od tego czasu Tivadar Kostka zaczął podróżować, aby zapoznać się z dziełami wielkich. Podróżował do Watykanu i Paryża. Następnie wrócił na Węgry, otworzył własną aptekę i całkowicie poświęcił się pracy, aby uzyskać niezależność finansową i robić to, do czego jego zdaniem się urodził. Tivadar namalował swój pierwszy obraz w 1893 roku. Rok później wyjechał do Niemiec (Monachium, Karlsruhe, Dusseldorf) i Francji (Paryż). Jednak świeżo upieczonemu artyście szybko się to znudziło i w 1895 roku udał się w podróż do Włoch, Grecji, na Bliski Wschód i do Afryki, aby malować lokalne pejzaże. Z biegiem czasu zaczął podpisywać swoje obrazy nie nazwiskiem Kostka, ale pseudonimem Chontvari.

Tivadar Chontvari zajmował się malarstwem do 1909 roku. W tym czasie zaczęła postępować jego choroba (prawdopodobnie schizofrenia, której towarzyszyły urojenia wielkości), a rzadkie obrazy zaczęły odzwierciedlać surrealistyczne wizje. Artysta napisał także kilka alegorycznych traktatów filozoficznych. Przez całe życie Tivadar nigdy nie sprzedał żadnego ze swoich obrazów - wystawy w Paryżu nie cieszyły się szczególną popularnością, a w jego ojczyźnie prawie ich nie było. Malarz zmarł w 1919 roku, nie doczekawszy się uznania dla jego talentu.

Bóg i diabeł w filmie „Stary rybak”

Niedawno przedmiotem szczególnej uwagi krytyków sztuki był obraz Tivadara Kostki Chontvari „Stary rybak”, namalowany przez niego w 1902 roku. Odbijając na przemian lewą i prawą część obrazu, powstają dwa zupełnie różne obrazy - Bóg w łodzi na tle spokojnego jeziora lub Diabła na wulkanie i burzliwych wodach za sobą.

Po odkryciu tego faktu odmiennie podjęto decyzję o rozpoznaniu autora obrazu. Ale co Tivadar Chontvari chciał powiedzieć swoją pracą? Wielu podejrzewało związek twórczości artysty z mistycyzmem i z wielką gorliwością zaczęło zgłębiać dziedzictwo węgierskiego malarza.

Najbardziej prawdopodobną wersją idei stojącej za obrazem jest idea dualistycznej natury natury ludzkiej, którą Tivadar chciał przekazać. Człowiek całe życie spędza w ciągłej walce między dwiema zasadami: męską i żeńską, dobrem i złem, intuicyjną i logiką. To są składniki istnienia. Podobnie jak Bóg i diabeł na obrazie Chontvariego, uzupełniają się, bez jednego nie ma drugiego.

„Stary Rybak”, jako ucieleśnienie przeżytego życia i ludzkiej mądrości, za pomocą prostej techniki pokazuje, jak dobro i zło, dobro i zło, Bóg i diabeł współgrają w każdym z nas. A ich zrównoważenie jest zadaniem każdego człowieka.