Rozwój sztuki zdobniczej i użytkowej przyczyniły się do udoskonalenia technologii rzemiosła i produkcji manufakturowej, powstania przemysłu artystycznego (produkcja gobelinów, szkła artystycznego, fajansu, obróbki kamienia, produkcji jedwabiu i sukna), wytwarzania przedmiotów modnych, dóbr luksusowych, odkryć i rozwój złóż miedzi, cyny, srebra, kamienia kolorowego, wysokiej jakości glin.

Rola Akademii Nauk w „rozkwicie wolnej sztuki i manufaktur”, odzwierciedlającej nowe zainteresowania nauk przyrodniczych i technicznych w sztuce dekoracyjnej i użytkowej, jest znacząca. W pierwszej połowie XVIII w. w manufakturach artystycznych pojawiły się nowe formy kształcenia i szkolenia rzemieślników; W Rosji powstają organizacje cechowe rzemieślników, co nie neguje powszechnego wykorzystania zagranicznych rzemieślników w różnych dziedzinach sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

W sztuce dekoracyjnej i użytkowej (elementy wyposażenia wnętrz, meble, dekoracje) moda aktywnie dyktuje styl. W rezultacie pojawiają się nowe typy obiektów i aktualizują się koncepcje estetyczne w sztuce dekoracyjnej i użytkowej. W sztuce dekoracyjnej i użytkowej połowy XVIII wieku istniała tendencja do syntezy sztuk, w których architektura, rzeźba, malarstwo i rzemiosło użytkowe zostały połączone w dekoracyjny zespół.

W rezultacie sztuka wyposażenia wnętrz staje się szczególnym rodzajem działalności artystycznej w twórczości architektów XVIII wieku. Ten rodzaj działalności artystycznej determinuje pojawienie się nowych typów pomieszczeń (biura, pokoje frontowe, sypialnie, pokoje dzienne, „sale obrazowe”) i ich treść przedmiotową (Pałac Letni, Pałac A.D. Mienszykowa, Wielki Pałac Peterhof, Monplaisir).

Wszystko to przyczynia się do rozwoju meblarstwa, pojawiają się nowe rodzaje i formy mebli, materiały i sposoby ich zdobienia. Wpływ mebli angielskich i holenderskich jest tu bardzo silny. Pod wpływem Europy w Rosji rozwijał się nawet styl barokowy i rokokowy w meblach.

Meble klasycystyczne mają charakterystyczny charakter i kształt. Motywy antyczne w dużej mierze odnaleźć można w kształtach i dekoracjach mebli. W połowie XVIII wieku architekci brali udział w rozwoju nowych typów mebli, w Rosji pojawiła się sztuka meblowa i designerskie meble (Brenna, Lwów, Cameron, Woronikhin). W drugiej połowie XVIII w. pojawiły się pierwsze warsztaty meblowe (warsztat G. Gambsa i I. Otta). Ten okres w sztuce meblarskiej charakteryzuje się stylem Jakubowym. W drugiej połowie XVIII w. zmieniły się materiały w sztuce meblarskiej: pojawił się tu mahoń, złocone drewno, topola, brzoza karelska; Tkaniny i hafty są coraz częściej wykorzystywane w produkcji mebli.

Ceramika i fajans zajmują szczególne miejsce w sztuce zdobniczej i użytkowej. Dzieje się tak początkowo w związku z ekspansją importu wyrobów ceramicznych z Anglii i Holandii. Jednak wkrótce w Moskwie pojawiła się pierwsza prywatna manufaktura A. Grebenszczikowa, produkująca rosyjski szlachetny fajans. Później ukształtował się styl ceremonialnych naczyń pałacowych z matowym grawerem i rozpowszechniła się moda na kryształy jako element wyposażenia wnętrz. Wiąże się to z otwarciem pierwszej prywatnej fabryki szkła i kryształów Malcowa w dzielnicy Mozhaisk.

W XVIII wieku, w związku z rosnącą popularnością sztuki dekoracyjnej, użytkowej i dekoracji pomieszczeń, znacznie wzrosło zużycie szkła, z którego wykonywano różnorodne lustra i oprawy oświetleniowe.

Rzeźba i malarstwo drugiej połowy XVIII wieku.

Odegrał znaczącą rolę w rozwoju malarstwa w XVIII wieku kreacja Włodzimierz Łukicz Borowikowski. Mimo że artysta nie był oficjalnie wpisany na listę studentów Akademii, niewątpliwie korzystał z rad jej nauczycieli, a przede wszystkim Lewickiego. Wrodzony talent i żelazny upór młodego artysty sprawiły, że wkrótce Borovikovsky stał się jednym z pierwszych mistrzów końca XVIII wieku. Stworzył serię znakomitych portretów swoich współczesnych, m.in. G. Derzhavina, V. Arsenyevy, M. Lopukhiny, O. Filippovej i wielu innych. Ciągłe zainteresowanie emocjonalnymi przeżyciami człowieka, podkreślony liryzm i kontemplacja, podsycone mgłą sentymentalizmu, tak charakterystyczną dla epoki, są charakterystyczne dla większości dzieł Borovikowskiego. Artysta nigdy nie podążał drogą zewnętrznej, powierzchownej charakteryzacji obrazu, nieustannie starając się oddać najsubtelniejsze ruchy duchowe portretowanych osób.

W jego twórczości dominuje portret kameralny. Borovikovsky stara się potwierdzić poczucie własnej wartości i czystość moralną człowieka (portret „Lizynki i Dashinki”, portret E.N. Arsenyevy itp.). Na przełomie XVIII i XIX w. Borowikowskiego pociągały silne, energiczne osobowości, skupiał się na obywatelstwie, szlachetności i godności portretowanych. Wygląd jego modeli staje się bardziej powściągliwy, tło krajobrazu zastępuje się obrazami wnętrz (portrety A.A. Dolgorukowa, M.I. Dołgoruki itp.).

Borovikovsky jest także uznanym mistrzem miniatur portretowych. W zbiorach Muzeum Rosyjskiego znajdują się dzieła należące do jego pędzla - portrety A.A. Menelasa, V.V. Kapnista, N.I. Lwowa i innych. Artysta często wykorzystywał cynę jako podstawę swoich miniatur.

Rosyjskie malarstwo portretowe XVIII wieku osiąga swój prawdziwy szczyt kreatywności D.G.Levitsky . Już w jednym ze swoich wczesnych dzieł - portrecie architekta A. Kokorinowa - Lewicki wykazał się wybitnymi zdolnościami malarza. Portret wielkiego francuskiego filozofa materialistycznego D. Diderota, namalowany przez Lewickiego w Petersburgu w 1773 r., oraz stworzony przez artystę cykl portretów studentek Instytutu Smolnego wyróżniają się wysokimi walorami artystycznymi. Wizerunki tych dziewcząt naznaczone są szczerością i ciepłem, a wyjątkowość każdej z nich jest mistrzowsko oddana.

Portrety z kolejnych lat – Lwowa, ojca artysty, Bakuninów, Anny Dawii i wielu innych arcydzieł Lewickiego – są wyraźnym dowodem jego błyskotliwego talentu.

Lewicki stworzył obszerną galerię portretów swoich współczesnych, utrwalając szerzej i całkowicie, jak nikt inny, żywe wizerunki ludzi epoki. Sztuka Lewickiego zamyka historię rozwoju rosyjskiego malarstwa portretowego w XVIII wieku. Należy jednak zaznaczyć, że istnieją pewne historycznie zdeterminowane ograniczenia jego twórczości: podobnie jak inni wybitni artyści swoich czasów, Lewicki nie potrafił odzwierciedlić społecznych sprzeczności rzeczywistości. Przedstawiane przez artystę osoby, zgodnie z panującymi wyobrażeniami estetycznymi, zawsze nieco pozują, sprawiają wrażenie, jakby starały się pokazać widzowi w „najprzyjemniejszym” świetle. Jednak w wielu swoich pracach artysta osiąga niesamowitą prostotę i witalność.

Dziedzictwo Levitsky'ego jest ogromne i wciąż wywołuje u widzów natychmiastową przyjemność estetyczną. Profesjonalna doskonałość jego dzieł i ich realistyczna orientacja stawiają artystę na jednym z najbardziej zaszczytnych miejsc w całej historii sztuki rosyjskiej.

Do najsłynniejszych dzieł D. G. Levitsky'ego należą: „Portret E. A. Woroncowej”, „Portret architekta A. F. Kokorinowa”, „Portret N. A. Lwowa”, „Portret M. A. Dyakowej”, „Portret Ursuli Mniszech”, „Portret córki Agashy w stroju rosyjskim” itp.

W dziedzinie portretu rosyjscy artyści drugiej połowy XVIII wieku również powiedzieli swoje nowe słowo. Uderzająca jest ostrość cech psychologicznych charakteryzujących wiele portretów tego czasu - pędzel najlepszych rosyjskich mistrzów coraz bardziej skłania się ku prawdziwemu przedstawieniu wizerunku osoby. Znamienne, że w tym czasie powstały portrety nie tylko szlachty i „władców tego świata”, ale także szeregu postępowych osobistości publicznych. Portretom tym brakuje całkowicie przepychu i zewnętrznego połysku; Artyści zwracają uwagę na oddanie wewnętrznej treści człowieka, na ukazanie siły jego umysłu, szlachetności myśli i dążeń.

Rozwój portretu rosyjskiego znalazł swój wyraz w dzieła F. Rokotowa.

Fiodor Stepanowicz Rokotow- jeden z najlepszych rosyjskich malarzy portretowych. Otrzymawszy wykształcenie artystyczne pod kierunkiem L.-J. Le Lorrain i hrabia Pietro Rotari pracowali na wzór tego ostatniego, ale bardziej niż on zagłębiali się w naturę i byli sumienni w wykonaniu. W 1762 roku został przyjęty jako adiunkt do nowo powstałego Petersburga. Akademii Sztuk Pięknych za podarowany jej obraz „Wenus” oraz za portret cesarza Piotra III.

Portrety tego artysty wyróżniają się subtelnym kunsztem malarskim. Rokotow nadaje intymnej duchowości obrazu, szczególnie w portretach kobiecych, wielką wyrazistość i siłę. Wysoce techniczna doskonałość twórczości artysty - pod względem charakteru rysunku i warsztatu malarskiego można z nim porównać tylko Lewickiego. Portrety stworzone przez Rokotova wyróżniają się wyrafinowaniem projektu i elegancją koloru.

Do najsłynniejszych dzieł Rokotowa należą: „Portret nieznanej kobiety w różowej sukience”, „Portret A.I. Woroncowa”, „Portret G.G. Orłowa w zbroi”, „Portret koronacyjny Katarzyny II”, „Portret A.P. Struyskiej” , „Portret poety V.I. Majkowa”, „Portret Surovtsevy” itp.

W drugiej połowie XVIII w. zaczął się rozwijać w malarstwie rosyjskim gatunek codzienny. Jednak malarstwo gatunkowe było uważane przez kierownictwo Akademii Sztuk i uprzywilejowane warstwy społeczeństwa za coś podłego, niegodnego pędzla artysty. Mimo to po wojnie chłopskiej pod wodzą E. Pugaczowa zarówno w literaturze, teatrze i muzyce, jak i malarstwie lat 1770-1780. zaczęło pojawiać się zainteresowanie chłopstwem, jego sposobem życia i sposobem życia. Często były to sentymentalne obrazy sielskich pasterzy i pastereczek, niemające nic wspólnego z prawdziwym chłopskim życiem. Jednak zdarzały się wyjątki.

Jednym z pierwszych w malarstwie rosyjskim, który rozwinął motyw chłopski, był poddany księcia G. A. Potiomkina Michaił Szybanow . Namalował obrazy „Chłopski obiad”, „Świętowanie umowy ślubnej” itp. Na obrazach Szibanowa nie ma potępienia pańszczyzny, jednak w tych obrazach nie ma idealizacji życia chłopskiego. Artystę wyróżnia wiedza i zrozumienie życia i charakteru rosyjskiego chłopa.

Temat chłopski znalazł odzwierciedlenie w twórczości artysty I. M. Tankova (1739–1799), autora obrazu „Wakacje na wsi” i I. A. Ermeneva (1746–po 1792), którzy namalowali akwarele „Chłopski obiad”, „ Żebracy Śpiewacy” i inne). Po raz pierwszy w historii sztuki rosyjskiej artysta przekazał ponure aspekty życia ludzi, nędzę biedy.

W drugiej połowie XVIII w. rozpoczyna się prawdziwy rozkwit rosyjskiej rzeźby. Rozwijała się ona powoli, lecz rosyjska myśl pedagogiczna i rosyjski klasycyzm były największymi bodźcami dla rozwoju sztuki wielkich idei obywatelskich i wielkoskalowych problemów, co przesądziło o zainteresowaniu rzeźbą w tym okresie. Shubin, Gordeev, Kozłowski, Szczedrin, Prokofiew, Martos - każdy był bystrą indywidualnością i pozostawił swój ślad w sztuce. Wszystkich jednak łączyły wspólne zasady twórcze, których nauczyli się od profesora Nicolasa Gilleta, który w latach 1758–1777 kierował klasą rzeźby w Akademii, ogólne idee obywatelstwa i patriotyzmu oraz wzniosłe ideały starożytności.

Poszukiwanie piękna ogólnego nie wyklucza pełnej głębi zrozumienia ludzkiego charakteru, chęci przekazania jego wszechstronności. Pragnienie to jest wyczuwalne w monumentalnej rzeźbie dekoracyjnej i rzeźbie sztalugowej drugiej połowy stulecia, ale szczególnie w gatunku portretu.

Jego najwyższe osiągnięcia kojarzone są przede wszystkim z kreatywnością Fedot Iwanowicz Szubin (1740-1805), rodak Łomonosowa, który przybył do Petersburga już jako artysta, który opanował zawiłości rzeźbienia w kościach. Pierwszą pracą Shubina w jego ojczyźnie jest popiersie A.M. Golicyn już świadczy o pełnej dojrzałości mistrza. Całą wszechstronność cech modelu ujawnia się, gdy przyjrzymy się mu dookoła, choć niewątpliwie istnieje główny punkt widzenia na rzeźbę.

Shubin pracował nie tylko jako portrecista, ale także jako dekorator. Wykonał 58 owalnych marmurowych portretów historycznych dla Pałacu Chesme (znajdującego się w Izbie Zbrojowni), rzeźby dla Pałacu Marmurowego i dla Peterhofu, pomnik Katarzyny II – ustawodawcy (1789-1790). Nie ma wątpliwości, że Szubin jest największym fenomenem rosyjskiej kultury artystycznej XVIII wieku. Francuski rzeźbiarz Etienne-Maurice Falconet współpracował w Rosji z krajowymi mistrzami, którzy w pomniku Piotra I na Placu Senackim w Petersburgu wyrazili swoje zrozumienie osobowości Piotra i jej historycznej roli w losach Rosji.

Fiodor Fiodorowicz Szczedrin(1751-1825). Przeszedł przez te same etapy szkolenia w Akademii i emeryturę we Włoszech i Francji, co Shubin. „Marsjasz” wykonany przez niego w 1776 roku jest pełen gwałtownego ruchu i postawy tragicznej. Jak wszyscy rzeźbiarze epoki klasycyzmu, Szczedrina fascynują starożytne obrazy („Śpiący Endymion”, „Wenus”), ukazujące szczególnie poetycki wgląd w ich świat.

Zaktualizowana wystawa

„Sztuka dekoracyjna i użytkowa Rosji w XVIII - pierwszej tercji XIX wieku”

W ramach obchodów 35-lecia Ogólnorosyjskie Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej otworzyło zaktualizowaną stałą wystawę „Sztuka dekoracyjna i stosowana Rosji w XVIII - pierwszej tercji XIX wieku”.

„Piotr Wielki rzucił wyzwanie Rosji, a ona odpowiedziała mu Puszkinem” – brzmi slogan A.N. Herzen najtrafniej określa znaczenie i granice epoki, której poświęcona jest ekspozycja tych sal. Prezentowane tu obiekty są żywymi kamieniami milowymi, które wyznaczyły powstanie i rozkwit kultury rosyjskiej na łonie europejskiej tradycji kulturowej New Age. Uchwycą zmiany w sposobie życia i kierunkach artystycznych, przemiany dawnych i pojawienie się nowych form przedmiotowych, technik, a nawet rodzajów sztuki zdobniczej i użytkowej.

Projekt nowej wystawy opiera się na zasadzie ukazania eksponatów jako unikalnych obiektów artystycznych, które łączono w bloki tematyczne, stylistyczne i typologiczne. Rozwiązanie to pozwala ocenić znaczenie każdego przedmiotu z punktu widzenia czasu, stylu, rozwoju określonego rodzaju sztuki zdobniczej i użytkowej, a także skupia uwagę na jego artystycznej wartości.

Scenariusz inspekcji budowany jest w oparciu o przestrzenne rozwiązanie wystawy, nie tylko merytorycznie (pod względem typologii, tematu, stylu i chronologii), ale także wizualnie – od czasów Piotra Wielkiego po biedermeier.

Tematyką przewodnią nowej wystawy są: „Wiek przemian: przełom XVII-XVIII w.”, na który składają się tzw. „prymitywiści XVIII w.”, którzy przełożyli realia czasów nowożytnych na formy Sztuka tradycyjna; „Klasyka rosyjskiego XVIII wieku”, reprezentująca epokę od Piotra do Pawła w wysokich przykładach sztuki dworskiej, a także „Imperium Rosyjskie” i „W pokojach”, ukazujące dwa oblicza rosyjskiej kultury pierwszej tercji XIX wiek – genialny styl imperialny i kształtowanie się kultury życia prywatnego, skorelowane ze zjawiskiem niemieckiego biedermeieru. Jednocześnie wystawa umożliwia oglądanie dzieł w zwykłym rzędzie - według rodzaju sztuki, z wyróżnieniem mebli, metalu artystycznego, szkła, porcelany, ceramiki, sztuki kamieniarskiej, kości i koralików.

Na szczególną uwagę zasługują tak unikatowe obiekty sakralne jak Krzyż Relikwiarzowy i Panagia, które pochodzą z XVII wieku. Wykonywano je kosztowną wówczas techniką – filigranową emalią. Do najwcześniejszych eksponatów zaliczają się skrzynie z metalowymi ramami i ozdobnymi wykończeniami, kałamarze i przybory z mosiądzu uralskiego z XVII – początków XVIII wieku. Uderzającym przykładem ceremonialnej reprezentacyjnej metalowej zastawy stołowej do nakrycia stołu są mosiężne kubki z fabryki Demidov na Uralu.

Następnie przy użyciu różnych technik wykonano elementy do serwowania na stół i tace. Przykładowo dwa szklane, ciemnoniebieskie kielichy z monogramami „EML” i „WGS”, wyprodukowane przez Cesarską Fabrykę Szkła, są rzadkim przykładem wyrobów malowanych z przełomu XVIII i XIX wieku. Łacińskie monogramy na kubkach należą do posła szwedzkiego do Rosji w 1793 r. Wernera Gottloba von Schwenira – „WGS” – i jego matki Ebbe Marii Lagerbring – „EML”. Kubki były przechowywane przez ponad dwa stulecia w zamku Skarhult w Skåne (Szwecja) i stanowiły rodzinny skarb.

Na wystawie można zobaczyć unikalne przykłady rosyjskiego wyposażenia pałacowego z XVIII-XIX w., wśród których na szczególną uwagę zasługują stoły szachowe i karciane wykonane techniką intarsji. Wśród eksponatów mebli typowych dla pierwszej połowy XIX wieku na uwagę zasługują dwie rzadkie gatunkowo szafy w stylu jakobińskim. Do tego samego okresu należą także dwa krzesła zaprojektowane przez Osipa Iwanowicza Bove. Interesujące są także zegar kominkowy „Minin i Pozharsky” wykonany przez paryskiego bronzera Pierre-Philippe Thomire oraz reprodukcja w formacie wewnętrznym słynnego pomnika Iwana Martosa stojącego na Placu Czerwonym.

Szczególne miejsce na wystawie zajmuje gobelin „Na ratunek rybakom”, który powstał we Flandrii w nieznanej manufakturze w drugiej połowie XVII – początkach XVIII wieku. Do VMDPNI wstąpiła w 1999 roku ze zbiorami Muzeum Sztuki Ludowej im. ST Morozowa. Temat gobelinu został zapożyczony z Biblii: pośrodku kompozycji przedstawiony jest jeden z cudów - „Chodzenie po wodach”. Renowację kraty przeprowadzono w kilku etapach – częściowo odrestaurowali ją specjaliści z Muzeum Sztuki Ludowej. ST Morozowa, a już w 2014 roku wyspecjalizowani konserwatorzy Ogólnorosyjskiego Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej przeprowadzili całkowitą renowację. Tym samym krata znalazła nowe życie i będzie prezentowana na wystawie po raz pierwszy.

W odpowiednich działach tematycznych prezentowane są oprawy oświetleniowe ze szkła i kryształu, elementy wyposażenia wnętrz z porcelany i brązu z końca XVIII-XIX w. Każdy eksponat jest referencyjnym przykładem określonego stylu, oddaje ducha tamtych czasów i reprezentuje możliwości umiejętności artystycznych i technicznych.

Takie rozwiązanie przestrzenne ekspozycji pozwala muzeum w najbardziej efektywny i ciekawy sposób organizować wycieczki i programy specjalne. Najciekawsze i najbardziej znaczące eksponaty zostaną zaprezentowane z rozbudowanymi adnotacjami, a także wsparciem kodami QR, dzięki którym zwiedzający będą mogli uzyskać bardziej szczegółowe informacje. Ekspozycja wyposażona jest w nowoczesny system sprzętu oświetleniowego. Dzięki wysokiej interaktywności nowa wystawa zapowiada się ożywiona i ciekawsza, a także będzie sprzyjać twórczemu dialogowi ze zwiedzającymi, zwłaszcza z dziećmi i młodzieżą.

Skrzynia ślubna. Włochy. XVII wiek

Grupa rzeźbiarska „Zima”. Z cyklu „Cztery pory roku”. Niemcy. Miśnia

Przedmioty serwisowe. Francja. Zerwać. 1780-1784. Porcelana miękka, malowanie. Zamrażarka

Sala sztuki francuskiej XVIII-XIX wieku

Gabinet. Augsburgu. XVII wiek Drewno, rzeźba, biały metal, złocenie, 196x135x61

Biuro-cylinder. Rosja. Koniec XVIII wieku.

Wazon. Rosja. Pierwsza ćwierć XIX wieku. Szkło, malowanie złotem. Wysokość 35,5

Zamrażarka. Rosja. Cesarska Fabryka Porcelany. Pierwsza ćwierć XIX wieku. Porcelana, malowanie. Wysokość 40

Zbiory sztuki dekoracyjnej i użytkowej kojarzone są także z nazwiskiem A.P. Bogolyubova, który na otwarcie muzeum podarował 40 sztuk dawnej porcelany, głównie saskiej. Różne przybory i meble liczyły wówczas 92 pozycje. W 1897 r., po śmierci Bogolubowa, do jego testamentu wpłynęła kolejna grupa rzeczy, do których zaliczały się meble, szkło, brąz i sztućce.

Zbiory Bogolubowa, zwłaszcza porcelany, zostały znacznie uzupełnione w pierwszych latach porewolucyjnych z Funduszu Państwowego Muzeum, który otrzymał wszystkie znacjonalizowane dzieła sztuki. W 1970 r. muzeum otrzymało próbki porcelany rosyjskiej i zachodnioeuropejskiej (ponad 300 egzemplarzy), przekazane przez słynnego okulistę z Saratowa O. A. Gordeevę.

Historia tej subtelnej i wykwintnej sztuki sięga wieków wstecz. Porcelana powstała na przełomie VII i VIII wieku w Chinach. W Europie dowiedzieli się o tym już w XIII wieku. Słynny wenecki podróżnik Marco Polo przywiózł ze Wschodu kilka porcelanowych naczyń. Europę ogarnęła „porcelana gorączka”, wszyscy chcieli mieć produkty wykonane z tego białego błyszczącego materiału, pomalowane na jasne, nie blaknące kolory. Istnieją informacje, że gdy przedmioty wykonane z porcelany uległy zniszczeniu, mimo to nadal je przechowywano, często odłamki oprawiano w metale szlachetne i noszono jako biżuterię. Porcelanę ceniono nie tylko ze względu na piękno, ale także ze względu na jej niewidziane dotąd właściwości. Szkliwiona powierzchnia porcelany nie była narażona na działanie czynników chemicznych i była nieprzenikniona. Powstały legendy o porcelanie. Tajemnicę jego produkcji udało się rozwikłać dopiero na początku XVIII wieku. Ale po drodze odkryto wiele nowych materiałów, które wyglądem przypominały produkty chińskich rzemieślników. Tak pojawiło się szkło mleczne w Wenecji, ceramika hiszpańsko-mauretańska, a fajans w Anglii i Holandii.

Pierwszym w Europie, który pozyskał porcelanę był I.F. Betger, który w pobliżu Miśni w Saksonii odkrył złoża białej glinki (kaolinu). Odkryto tajemnicę produkcji porcelany, z którą Europa zmagała się od wieków. Wkrótce porcelana manufaktury miśnieńskiej stała się znana w całej Europie. A teraz produkty tej rośliny są popularne wśród miłośników sztuki.

W zbiorach naszego muzeum porcelana miśnieńska jest prezentowana bardzo dobrze i kompleksowo. Należą do nich przedmioty przekazane przez Bogolubowa, porcelana z kolekcji O. A. Gordeevy i inne eksponaty.

Największym zainteresowaniem cieszy się porcelana miśnieńska z XVIII wieku. Epokę tę uważa się za klasyczny okres w rozwoju europejskiej porcelany. W tym czasie mistrz stara się podkreślić biel i delikatność porcelany, serwując materiał z uwzględnieniem jego naturalnych właściwości.

Miśnia – pierwsza europejska produkcja porcelany – słynie szczególnie z małych elementów plastikowych. W obrazach pań, panów, kompozycjach alegorycznych i pastoralnych ze szczególną siłą objawiła się jedna z cech stylu rokoko - iluzja ciągłego, płynnego przepływu linii. Z rozwojem sztuki plastycznej w Miśni kojarzone są nazwiska Johanna Joachima Kaendlera i Petera Reinickego. Ich prace łączyły w sobie elementy rzeźby oraz samej sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Fantazja konturów i piękno koloru charakteryzują rzeźby wykonane z ich modeli.

Dwie alegoryczne postacie z cyklu „Cztery pory roku” – „Zima” i „Wiosna”, wykonane według modeli Johanna Joachima Kaendlera, ujawniają charakterystyczne cechy stylu rokoko w porcelanie. Pory roku są reprezentowane na wizerunkach starożytnych bogów siedzących na chmurach. Zimę uosabiają Saturn i Hebe, wiosnę Mars i Flora. Grupy rzeźbiarskie ozdobione są drobno wykonanymi formowanymi kwiatami pomalowanymi na jasne kolory, z których słynęła fabryka w Miśni w XVIII wieku.

Wysoka jakość artystyczna wyróżnia niewielką kolekcję wyrobów berlińskiego zakładu. Są to głównie artykuły do ​​nakrycia stołu i dekoracji wnętrz. „Kubek do przewozu” pomalowany jest na wzór motywów A. Watteau w kolorze najdelikatniejszego fioletu, co było chwałą tej produkcji. Korpusy czajników, dzbanków do kawy i wazonów ozdobnych zdobione są popularnymi w XVIII wieku wzorami sielskimi i roślinnymi.

Grupę wyrobów z fabryki wiedeńskiej reprezentuje wiek XVIII – początek XIX, kiedy to porcelana europejska nabrała cech nowego stylu – stylu Empire. Dbając o większą dekoracyjność, wiedeńscy mistrzowie dali własną wersję malarstwa. Kopie obrazów mistrzów renesansu umieszczano najczęściej w lustrze talerzy w bogatej, ozdobnej złotej ramie.

Każdy kraj podążał własną drogą ku porcelanie, rozwijając zarówno specjalną technologię, jak i szczególny charakter zdobnictwa, czasem w ramach tego samego stylu. W całej Europie słynęły dania francuskie z kolorowym tłem: turkusowym, różowym, niebieskim, malowane w medaliony oprawione w złocone ozdoby. Taka porcelana powstała w manufakturze Sevres, głównej produkcji porcelany we Francji.

Dokładnie tak malowana jest niebieska maszyna do lodów, taca i przybornik do przypraw, które były częścią serwisu należącego do księcia Jusupowa. Produkcja tej usługi trwała wiele lat i została udekorowana przez czołowych malarzy porcelany. Maszynę do lodów namalował Vincent Jr., autor obrazu przedstawiającego słynną kameę, zamówionego przez Katarzynę II z Sèvres i obecnie przechowywanego w Ermitażu. Serwis Jusupowa został wykonany z „miękkiej porcelany”. Specyficzne właściwości tego materiału nie mogły być bardziej spójne ze stylem rokoko z jego typowymi miękkimi konturami i falistymi liniami. Specyfika masy Sevres zdeterminowała także charakter obrazu: żaden inny materiał ceramiczny nie daje tak dźwięcznych, głębokich tonów o wielu odcieniach.

W Rosji porcelana została po raz pierwszy wyprodukowana w połowie XVIII wieku przez D.I. Winogradowa w Cesarskiej Fabryce Porcelany (IFZ) w Petersburgu. W zbiorach muzeum rosyjską porcelanę reprezentują wyroby wielu prywatnych przedsiębiorstw. Muzeum może poszczycić się wspaniałymi przykładami fabryk IPP, Gardnera, Popowa, Korniłowa, Gulina, Safronowa, które mają swój niepowtarzalny urok.

Znane są osiągnięcia rosyjskich mistrzów w stylu klasycyzmu początku XIX wieku, czyli stylu empire. Znakomitymi przykładami jest rosyjska porcelana mieszcząca się w tym stylu, a także w innych gałęziach sztuki użytkowej.

Styl Empire inspirowany był antykiem. W motywach zdobniczych dominują wieńce laurowe, lwy, gryfy, atrybuty militarne itp. Formy ujawniają solidność brył i ich statyczność. Zgodnie z prawami tego stylu, rzemieślnicy IFZ wykonali wazon będący ozdobą stołu w postaci dwóch klasycznych figur podtrzymujących owalną misę. Biały kolor figur wykonanych z biskwitu (nieszkliwionej porcelany) kontrastuje z niebieskim odcieniem i złoceniem podstawy. Ewidentne jest zamiłowanie stylu Empire do jasności i kontrastu kolorów. Inny wazon to także grupa rzeźbiarska: Wenus kładzie na Kupidyna kołczan ze strzałami. Takie wazony robiono do dużych zestawów ceremonialnych lub rocznicowych i umieszczano je na środku uroczystego stołu.

Cechy tego samego stylu widoczne są w maszynce do lodów na trzech lwich łapach, ciemnej barwie, przypominającej stary brąz. Jego kolor pięknie komponował się z połyskiem złoceń.

Produkty prywatnych fabryk są bardziej oryginalne. Można mówić o porcelanie kapłańskiej, Gardnera lub Safronowa. Fabryki te reprezentowane są nie przez obiekty unikalne, jak IFZ, ale przez tzw. zwykłe naczynia związane z życiem określonej klasy. Łatwo odgadnąć przynależność społeczną tzw. „karczmowych” jasno zdobionych czajników, ozdobionych prostymi malowidłami kwiatowymi, powstałymi w fabryce Popowa w latach 30.–1850.

Źródłem, z którego rzemieślnicy czerpali formy naczyń i motywy malarskie, jest tradycyjna rosyjska sztuka ludowa. Ścieżka ta będzie najbardziej owocna w dobie zbliżającego się interstylu, w dużej mierze zabezpieczy rosyjskie prywatne fabryki w tym trudnym czasie przed utratą „ceramiki”, nieuniknioną w epoce eklektyzmu. W dzbanku do kawy fabryki Korniłowa, namalowany na białym tle w drobne złote listki i różyczki, w jasnych kolorach. W zielonych filiżankach wykonanych przez rzemieślników z kapłańskiej fabryki nie zatracono najważniejszej rzeczy: równowagi formy i przeznaczenia funkcjonalnego obiektu.

Kolekcja radzieckiej porcelany jest stosunkowo niewielka. Reprezentuje ją porcelana propagandowa, która w latach 20. była jednym ze środków propagandy rewolucyjnej.

Naczynia i filiżanki malowane według rysunków S. Czechonina i N. Altmana, rzeźby N. Danki, talerze A. Szczekatichiny-Potockiej z rewolucyjnymi hasłami i emblematami młodego państwa radzieckiego - przemówiła ta pierwsza porcelana Ziemi Sowietów język swoich czasów. Był wystawiany w specjalnych gablotach w Moskwie na Kuznetskim Moście i w Piotrogrodzie na Newskim. „Ta porcelana była wieścią ze wspaniałej przyszłości, o którą kraj radziecki toczył straszliwe bitwy z głodem, zniszczeniami i interwencjami” – napisał E. Ya Danko, artysta i historiograf Fabryki Łomonosowa (dawniej Cesarskiej Fabryki Porcelany). , w jej wspomnieniach.

Wyroby szklane przechowywane w Muzeum A.N. Radishcheva przybyły w taki sam sposób jak porcelana: w 1897 r., zgodnie z wolą A.P. Bogolyubova, za pośrednictwem Funduszu Państwowego Muzeum, ze zbiorów prywatnych.

Niewielką, ale interesującą kolekcję szkła rosyjskiego z przełomu XVIII i XIX w. przekazała muzeum w 1973 r. E.P. Razumowa.

Rosyjskie huty szkła, publiczne i prywatne, pojawiły się na początku XVIII wieku w Moskwie i Petersburgu, niedaleko Smoleńska i Kaługi. Rośnie popyt na przedmioty szklane. Rośnie także liczba fabryk. Słynna roślina Maltsev pojawiła się na rzece Gus pod Włodzimierzem, a roślina Bakhmetyev pod Penzą we wsi Nikolskoye.

Najwcześniejsze dzieła XVIII-wiecznego przemysłu szklarskiego znajdujące się w naszej kolekcji to wyroby pochodzące z prywatnych fabryk. To przede wszystkim adamaszek z zielonego szkła z prostym motywem roślinnym i napisem: „Naczynie to zostało wykonane w fabryce Gavril w 726 roku…” Jest to wczesny przykład rosyjskiej zwykłej zastawy stołowej, która była wytwarzana w dużych ilościach; nie oszczędzano jej ani nie dbano o nią. Zamiast zgubionego i uszkodzonego kupili nowy. Dlatego niewiele takich potraw przetrwało. Shtof jest również interesujący, ponieważ jest przedmiotem popisowym. Wskazuje datę i miejsce produkcji. Wiadomo, że w 1724 r. w okręgu moskiewskim założono fabrykę Gawriłowa i Loginowa. Brak bliższych informacji na temat tej produkcji. Nasz adamaszek daje wyobrażenie o charakterze produktów mało znanej firmy.

Szkło w Rosji praktycznie nie było oznakowane. Dopiero od lat 20. XIX w. (od czasów Mikołaja I) Cesarska Fabryka Szkła zaczęła stemplować swoje wyroby. Obecność marki nie jest oczywiście jedynym sposobem na określenie miejsca i czasu produkcji konkretnego przedmiotu. Godnymi uwagi zabytkami szklarstwa są kielichy z XVIII wieku, wysokie, stożkowate, często z wieczkami, ozdobione rzeźbionymi herbami panujących osób lub monogramami. Benzle oprawiano w pędy i loki roślin, które nazywano „rocaille”. Wzdłuż górnej części misek, w pobliżu brzegu, wzór grawerowanych i polerowanych „dołków” z ramionami. Słupki na nogi wykonano w formie tralki z „jabłkami”, które czasami zawieszano na słupku po pięć sztuk. Grawerowanie na tych przedmiotach było płytkie i rozległe. Te cechy odróżniają puchary rosyjskie od przechowywanych w muzeum pucharów Czech i Niemiec.

Podobno liczne kolorowe kieliszki, karafki i butelki produkowano w prywatnych fabrykach. Kolorowe szkło było bardzo popularne w Rosji. W przeciwieństwie do Europy Zachodniej, naczynia wykonywano tu z litego, kolorowego szkła, które pojawiało się w dużych ilościach w połowie XVIII wieku. Wynika to z udanych eksperymentów M. Łomonosowa.

Pod koniec XVIII - na początku XIX wieku pojawiły się wysokie fasetowane karafki z korkami o różnych kształtach, kieliszki wzniesione na cienkich nóżkach, eleganckie kieliszki z błyszczącymi krawędziami - eleganckie naczynia, które służyły do ​​ozdabiania świątecznych stołów i przyborów. Naczynia fasetowane wykonane są ze szkła bezbarwnego z dodatkiem ołowiu, który nadaje im szczególny połysk. Nazywa się go kryształem i jest szlifowany tak zwaną „ostrzem diamentu”. Technika ta jest nadal stosowana w produkcji szkła.

Druga połowa XIX wieku to czas wzmożonego zainteresowania sztuką zdobniczą i użytkową, zwłaszcza w jej historii. Kolekcjonowanie antyków staje się coraz popularniejsze. To nie przypadek, że w tym samym czasie wzrosło zainteresowanie meblami antycznymi. Kolekcjonerzy gromadzą rzeźbione, złocone meble z XVIII wieku, intarsjowane komody, szafki, włoskie i niemieckie skrzynie ślubne oraz masywne dębowe i orzechowe szafki z Niemiec z XVII wieku. Podobne pozycje znajdowały się w zbiorach Bogolubowa.

Szał na antyczne meble powoduje, że podróbki zalewają sklepy z antykami. Jedna po drugiej powstają warsztaty w Paryżu, Wenecji, Petersburgu, produkujące meble antyczne, czasem nie do odróżnienia od oryginału - drewno jest tak gładko wypolerowane, że proporcje jego elementów konstrukcyjnych są tak wiernie zachowane.

Najwcześniejsze meble znajdujące się w zbiorach muzealnych pochodzą z XVI-XVII wieku. Są to meble z Niemiec, Francji, Włoch, Holandii, zebrane przez A.P. Bogolyubova. Oczywiście nasza kolekcja mebli z tamtego okresu nie daje powodów do mówienia o istniejącym wnętrzu, pozwala jednak na przedstawienie cech narodowych dzieł sztuki meblarskiej z różnych krajów w dość szerokich ramach chronologicznych.

Meble nie są trwałe, materiałem do ich produkcji jest drewno, które łatwo poddaje się różnym wpływom. Wiele z nich zginęło zarówno w wyniku klęsk żywiołowych, jak i wojen, a także z powodów związanych z wpływem mody. Meble to przedmiot konsumencki. Oznacza to, że z czasem ulega zużyciu i należy go wymienić na nowy. Zachowały się małe meble z domów zwykłych ludzi. Niemniej jednak w obiektach naszej kolekcji można prześledzić główne etapy historii sztuki meblarskiej w niektórych krajach Europy.

We Włoszech XVI wieku wykonano krzesło z litego drewna z rzeźbionym oparciem, skrzynię ślubną, wykonanie weneckie i ołtarz. Do wykonania tego mebla wykorzystano brązowy orzech, materiał charakterystyczny dla Włoch, który pozwala rzemieślnikowi osiągnąć wspaniały efekt artystyczny. Motywy rzeźbiarskie zaczerpnięto z dziedzictwa sztuki starożytnej. W skrzyni ślubnej, oczywiście florenckiej, zaskakuje rzadka jedność formy i zdobnictwa, która wyróżniała włoskich producentów mebli z XVI - początków XVII wieku.

Meble tej epoki w swojej konstruktywnej logice przypominają konstrukcje architektoniczne. Ołtarz zaprojektowano w formie portalu z kolumnami oplecionymi winoroślą, z podium w niszy na figurę Matki Bożej – te elementy architektoniczne są niezwykle charakterystyczne dla mebli z XVI-XVII wieku. Jest to szczególnie odczuwalne w przypadku mebli skrzyniowych produkowanych na południu Niemiec. Szafa zamienia się w coś w rodzaju dwupiętrowego budynku, którego każde piętro jest oddzielone gzymsem. Kondygnacje zdobią kolumny lub pilastry. Drzwi szaf przypominają portale lub okna zwieńczone listwami lub frontonami. Wszystkie te detale architektoniczne wzmocnione klejem stanowią tak naprawdę dekorację ukrywającą konstrukcję szafki, składającej się z dwóch skrzyń. Wrażenie to potęgują składane uchwyty skrzyni na bocznych fasadach. Dokładnie tak zaprojektowano szafkę, ozdobioną węzełkiem (narośl na drewnie, wada drewna nadająca bogatą, piękną fakturę). Szafy koniecznie były wyposażone w półki, a ubrania przechowywano w nich złożone. Mogą również służyć do przechowywania różnych przyborów kuchennych.

Za tradycyjny dla Niemiec XVI-XVII w. można uznać także kształt składanego krzesła, tzw. krzesła kurulnego. Dla starożytnych był to symbol władzy. Tylko siedzenie na takim krześle mogło wymierzyć sprawiedliwość i odwet. Takie krzesło było zwykle noszone przez konsulów, starszych dowódców wojskowych i dyktatorów. Gładko zakrzywione nóżki, wykonane z kilku wąskich desek, są skrzyżowane i połączone poprzeczkami dla zwiększenia wytrzymałości, a wyjmowana deska włożona w górną część krzesła jako przekładka tworzy oparcie.

Od XVI wieku w Niemczech pojawiła się wyjątkowa forma krzesła, która rozpowszechniła się w sztuce meblarskiej tego kraju w XVII wieku – tzw. krzesło chłopskie. W naszym muzeum znajduje się także cała seria podobnych wyrobów z różnymi wersjami tego samego zdobienia. Prototypem takiego krzesła był początkowo po prostu pień drzewa, oczyszczony z gałęzi i wzmocniony w celu zapewnienia stabilności na trzech nogach. A dla wygodnych mieszkań miejskich wykonano krzesła z czterema nogami - przykłady wysokiego kunsztu. Dekorowana jest jedynie deska, która służy jako tył. Może być wykonany nie tylko z orzecha włoskiego, ale także z dębu i sosny. To zależy od tego, gdzie przedmiot został wykonany. W rzeźbieniu z reguły stosuje się groteskowe motywy zdobnicze, które często za pomocą wyobraźni mistrza przekształcają się w baśniowy wzór.

Wiek XVII wnosi wiele nowości do sztuki meblarskiej. Wynika to przede wszystkim z przemian społecznych w Europie, które doprowadziły do ​​zmiany pozycji trzeciej władzy. Dochodząc do władzy, kultywuje skromność, prostotę i świętość rodzinnego ogniska domowego. Holenderskie meble cieszą się dużym zainteresowaniem i są eksportowane do wszystkich krajów. Na drugim biegunie znajduje się Francja, w której sztuce triumfuje wspaniały, uroczysty styl.

W naszej kolekcji mebli znajduje się tylko jeden egzemplarz typowy dla ceremonialnego wystroju pałacu z XVII wieku. Jest to tzw. szafka – szafka posiadająca wiele szuflad, przegródek i wysuwaną deskę. Został wykonany przez rzemieślników z miasta Augsburg, ozdobiony na fasadzie metalowymi nakładkami z wizerunkami zwierząt i skręconymi złoconymi kolumnami. Deska wykonana jest z cennego drewna.

Urzędy takie pojawiły się w XVI wieku. Ich ojczyzną jest Hiszpania. Pierwsze szafki były trumnami na podstawie. W XVII wieku były to już duże szafki, które stały się częścią dekoracji pomieszczenia, zwanego szafką. W szafach przechowywano medale, listy i biżuterię.

Większość kolekcji mebli rosyjskich, obejmująca dzieła z XVIII-XIX w., powstała albo w małych prywatnych warsztatach, albo przez meblarzy z majątków szlacheckich. Rzemieślnicy wprowadzili do swoich dzieł różne gusta artystyczne, całą zgromadzoną wiedzę i umiejętności, techniki obróbki drewna, wykończenia i dekoracji. Znalazły one swoje odzwierciedlenie przede wszystkim w ówczesnych formach mebli domowych, na które duży wpływ miała sztuka ludowa. Przejawiało się to nie tylko w formach i wystroju, ale w wyborze i obróbce drewna. Już pod koniec XVIII wieku ulubionymi materiałami stały się brzoza karelska i topola. Są używane tylko w Rosji.

Każdy kraj w sztuce meblarskiej był albo przodkiem określonego stylu, jak np. Włochy w okresie renesansu, albo kolebką słynnego producenta mebli, takiego jak T. Chippendale w Anglii czy J. Jacob we Francji.

Meble rosyjskie reprezentowane są głównie przez wyposażenie wnętrz szlacheckich z pierwszej tercji XIX wieku. Była to jedna z najwspanialszych epok w historii sztuki dekoracyjnej i użytkowej w Rosji, a zwłaszcza mebli. W sztuce pierwszych dekad XIX wieku dominował styl Empire, który wywodzi się z Francji i stał się własnością całej Europy. Rosja stworzyła własną, oryginalną wersję tego stylu, w której stała się wyrazicielką wysokich i postępowych idei. Dekoracyjność charakterystyczna dla stylu Empire, dążenie do monumentalności i uogólnienia form determinowały wybór materiału w meblach i charakter jego interakcji z formą i wystrojem. Głównymi materiałami używanymi przez rosyjskich producentów mebli będzie mahoń i brzoza karelska, które pokochali za piękną fakturę drewna.

Meble przechowywane w naszym muzeum zostały wykonane głównie rękami rzemieślników pańszczyźnianych i reprezentują tę wersję stylu empire, która była szeroko stosowana w życiu rosyjskiej szlachty. To prostsze niż meble pałacowe. Meble te trafiły do ​​muzeum po Wielkiej Socjalistycznej Rewolucji Październikowej z okolicznych osiedli i kamienic i mają wartość nie tylko artystyczną, ale także historyczną.

Szczególnie różnorodne są meble do siedzenia. Dwa sparowane fotele z ażurowymi rzeźbionymi oparciami ozdobionymi złoconymi lirami są przykładem rosyjskiego wyposażenia domowego z pierwszej ćwierci XIX wieku. Istnieją formy niemal pozbawione dekoracji, fornirowane złotą brzozą karelską z czarnymi oczami.

W tym czasie we wnętrzu szlacheckiej posiadłości pojawiło się kolejne pomieszczenie, tzw. pokój sofowy, którego nieodzownym dodatkiem była kanapa. Zwykle są to miękkie, prostokątne sofy, których szczyty oparć i łokci są fornirowane brzozą karelską lub mahoniem, który stał się powszechny w tamtych latach. We wnętrzu sofę połączono z fotelami i stolikiem przed sofą. Takie wariacje znajdują się również na naszej wystawie i wskazują na ukształtowane już wnętrza w epoce cesarstwa. Meble te różnią się od mebli frontowych: jest mniej złoceń, zamiast brązu stosuje się drewno złocone na gesso i zachowana jest jedna z tradycyjnych metod obróbki drewna, tak ukochana przez rosyjskich rzemieślników - rzeźbienie.

Działalność kolekcjonerska muzeum jest kontynuowana. W ostatnich latach zbiory sztuki zdobniczej i użytkowej uzupełniono ciekawymi eksponatami, z których najlepsze znalazły swoje miejsce na wystawie.

Styl połowy stulecia wpływa także na sztukę i rzemiosło. Wyroby z porcelany, na przykład serwis „Własny” Elżbiety Pietrownej, i inne materiały charakteryzują się krzywoliniowymi formami, a także bogatą dekoracją formowaną, nawiązującą wzornictwem do muszli i elastycznych pędów roślin. Fantazyjne sylwetki przedmiotów organicznie łączą się z jasnymi kolorami, dużą ilością złoceń i połyskiem lustrzanych powierzchni, dopełniając świąteczny obraz wnętrza.

Malarstwo z pierwszej połowy XVIII wieku

Od czasów Piotra Wielkiego malarstwo przeszło ogromne zmiany. Kształtuje się sztuka malarstwa sztalugowego z jego cechami semantycznymi i kompozycyjnymi. Perspektywa odwrócona jest zastępowana przez bezpośrednie i powiązane z nią oddanie głębi przestrzeni. Najważniejszą cechą jest przedstawienie sylwetki zgodnie z zasadami poprawności anatomicznej. Pojawiają się nowe sposoby przenoszenia głośności. Najważniejszą cechą jest światłocień, który zastąpił konwencjonalnie symboliczną linię konturową. Sama technika malarstwa olejnego, z charakterystyczną dla niej specyficzną techniką i systemem relacji kolorystycznych, zdecydowanie, choć nie od razu, wchodzi do użytku artystycznego. Zwiększa się poczucie tekstury. Artystka zyskuje umiejętność oddania specyficznych właściwości miękkiego aksamitu, surowego gronostajowego futra, ciężkiego złotego brokatu i delikatnej koronki. W obrazie fabularnym można prześledzić nowe zasady łączenia postaci. Przedstawienie nagiego ciała to zadanie nowe i trudne. Sama struktura malarstwa staje się bardziej rozgałęziona. Od początków XVIII w. w sztuce świeckiej uprawiane są różnego rodzaju dzieła sztalugowe, malarstwo monumentalne w formie paneli i abażurów oraz pismo miniaturowe. Portret obejmuje wszystkie znane odmiany - frontowe, komorowe, zwykłe i kostiumowe, podwójne i sparowane. Artyści poruszają tematy alegoryczne i mitologiczne. Obecność tych cech, choć ujawniona początkowo w formie kompromisowej, pozwala mówić o powstaniu nowego typu malarstwa.

Pierwsze kroki w kierunku rozwoju portretu wiążą się z działalnością warsztatu malarskiego Izby Zbrojowni. Prace mistrzów rosyjskich i zagranicznych mają charakter parsuna. Ze wszystkich opcji typologicznych parsuna preferuje portret ceremonialny i występuje w tym charakterze w kilku odmianach. Wśród nich najbardziej archaiczna jest „teza-portret”. Łączy w sobie obrazy portretowe i liczne objaśniające napisy w konwencjonalnej przestrzeni ikon. Można też mówić o „portrecie apoteozy”. Są to obrazy portretowe symbolizujące wyczyny wojskowe Piotra I. Powszechne są także zwykłe pełnometrażowe portrety Piotra, Mienszykowa, Szeremietiewa i na koniach.

Przestrzeń traktowana jest wszędzie bardzo stereotypowo, a ogólny układ obiektów służy raczej jako symboliczne oznaczenie rzeczywistych relacji przestrzennych. Problem przestrzeni wewnętrznej i zewnętrznej rozwiązano równie umownie pod względem znaczenia i skali. Parsuna odbiega nieco od bogactwa barw charakterystycznego dla XVII-wiecznego malarstwa ikonowego. Jednak staranne wykonanie zdobnictwa szat i różnych detali nadaje płótnom podwyższony walor dekoracyjny.

Mistrz nie opanował jeszcze w pełni nowych zasad przekazywania objętości, łącząc zdecydowanie wypukłe pomalowane twarze i płaskie wzorzyste ubrania. Duży rozmiar płócien, ich imponujący duch, bogactwo wyposażenia i ekspozycja biżuterii mają zilustrować społeczne znaczenie tego, co jest przedstawiane. Obraz jest autonomiczny, skupiony na sobie i obojętny na innych. Malarstwo, które nie dojrzało jeszcze do oddania jednostki, na swój sposób stara się dostrzec cechy właściwe danej postaci. Jednakże to, co ogólne i to, co indywidualne, nie zostało jeszcze stopione w organiczną jedność, a specyficzne właściwości ledwo pojawiają się pod połączoną maską typizującą.

Linia Parsuna, istniejąca stosunkowo krótko, głównie w latach 80., a szczególnie w latach 90. XVII w., napotkała później bardzo silny napływ dzieł cudzoziemców i artystów emerytów, którzy praktycznie ją zastąpili. Jednocześnie nie należy sądzić, że okazało się to przypadkowym epizodem w ogólnym procesie rozwoju portretu rosyjskiego. Po wypchnięciu z głównych pozycji Parsuna nadal istniała. Ponadto jego cechy pojawiły się w twórczości wielu zaawansowanych artystów jako dowód niepełnego przejścia od pisma średniowiecznego do nowego sposobu. W tym charakterze można go znaleźć w pracach I. Nikitina, I. Wiszniakowa i A. Antropowa.

Ślady parsunizmu odnajdujemy także w drugiej połowie XVIII w., zwłaszcza w twórczości chłopów pańszczyźnianych czy artystów prowincjonalnych, którzy samodzielnie doszli do nowej sztuki, z reguły zaczynając od malarstwa ikon. Zauważmy, że parunizm jako zjawisko artystyczne istnieje nie tylko w szkole rosyjskiej, ale także na Ukrainie i w Polsce. Występuje także w Bułgarii, Jugosławii, a nawet w krajach Bliskiego Wschodu, czyli tam, gdzie malarstwo, w podobnej sytuacji historycznej, przeżywa zasadniczo podobne wprowadzenie do sztuki czasów nowożytnych i sztuki świeckiej.

Ekspozycja znajduje się na drugim piętrze budynku południowego zespołu historyczno-architektonicznego z XVIII-XIX w. „Podwórko dla koni”. Wprowadza zwiedzających muzeum w szeroką gamę eksponatów reprezentujących tradycyjną rosyjską sztukę i rzemiosło. Są to dzieła światowej sławy ośrodków obróbki drewna i kości, malowania lakierami na papierze-mache i metalu, wiodących rzemiosł zabawkarskich z gliny, a także drukowane i haftowane złotem szaliki wykonane przez rosyjskich rzemieślników, wyroby szklane, porcelanowe i fajansowe.

Ośrodki te są skupione w Moskwie, Włodzimierzu, Wołogdzie, Iwanowie, Niżnym Nowogrodzie i innych regionach. Kolekcję zapoczątkowano w latach dwudziestych XX wieku, kiedy to nieliczne dzieła twórców ludowych, należące do znacjonalizowanych skarbów Ławry Trójcy-Sergiusza, uzupełniono eksponatami z Muzeum Regionalnego i Muzeum Optina Pustyn. W 1941 r. bogate zbiory Muzeum Ludowego Rzemiosła Artystycznego (MNHR) zostały przeniesione do Muzeum Siergijewa Posada (wówczas Zagorskiego). Składało się z około czterdziestu tysięcy eksponatów, w tym szereg unikatowych dzieł rzemiosła ludowego i dzieł o charakterze eksperymentalnym, wykonanych przez mistrzów różnych ośrodków artystycznych w warsztatach utworzonych w Moskiewskiej Republice Ludowej. Od lat pięćdziesiątych muzeum rozpoczęło celowe, systematyczne pozyskiwanie kolekcji tradycyjnej rosyjskiej sztuki zdobniczej i użytkowej, a twórczość ta stała się jednym z priorytetowych obszarów jego działalności.

Znaczące miejsce w salach wystawowych zajmują dzieła rzemieślników ludowych i artystów regionu Siergijew Posad. Szczególną sławę miastu przyniosły zabawki. Wykonywano je z drewna - rzeźbione, toczone, stolarskie; wykonane z papier-mache i mastyksu - z ruchem i dźwiękiem. W muzeum prezentowane są lalki wyrzeźbione z trójkątnych klinów i pomalowane - damy, husaria, pielęgniarki, słynne lalki lęgowe, popularne w drugiej połowie XIX - na początku XX wieku. zestaw zabawek architektonicznych, w tym „Ławra Trójcy-Sergius”.

Produkcja zabawek we wsi jest nierozerwalnie związana z rzemiosłem zabawkarskim Siergijewa Posada. Bogorodskoe. Kolekcja muzealna rzeźbionej sztuki plastycznej w Bogorodsku obejmuje zabawki, rzeźby, kompozycje rzeźbiarskie i liczy około czterech tysięcy eksponatów. Bardzo interesujące są dzieła XIX wieku: „Generał Skobelev na koniu” - P.F. Bardenkova, „Przewodnik z niedźwiedziem” – D.I. Puchkowa; zabawne, wielopostaciowe kompozycje o tematyce rosyjskiej baśni ludowej i nowej sowieckiej rzeczywistości, powstałe w latach 30. XX wieku. (prace A.F. Balaeva, N.E. Eroshkina, V.T. Polinova, A.G. Shishkina).

Muzeum posiada bogatą kolekcję dzieł od końca XIX wieku do początków. XX wiek warsztaty zabawek edukacyjnych oraz warsztaty plastyczno-stolarskie Siergijewa Posada i Abramcewa. Są to pudełka, szkatułki, meble wykonane według próbek opracowanych przez znanych artystów S.V. Malyutin, ED Polenova, Ap. M. Wasnetsow, N.D. Bartram, Vl.I. Sokołowa i innych. Praca warsztatu Abramtsevo, prowadzonego przez E.D. Polenova, miał bezpośredni wpływ na powstanie i rozwój rzemiosła rzeźbiarskiego w drewnie Abramcewo-Kudrinsk z charakterystycznym płaskorzeźbionym wzorem roślinnym. Jednym z założycieli łowiska był V.P. Wornoskow. W muzeum znajduje się kilka dzieł mistrza, m.in. naczynia dekoracyjne z początku XX w. oraz portal „Straż Graniczna” z 1937 r.

Oprócz rzemiosła drzewnego w Rosji rozpowszechniła się ceramika, obok naczyń rzeźbiono zwykle zabawki. Sztuka ta ma swoje korzenie w pogaństwie, kiedy to małe gliniane figurki, uczestniczące w magicznych rytuałach, pełniły rolę unikalnych obiektów kultu. Muzeum prezentuje zbiory zabawek Kargopola (obwód archangielski), Filimonowskiej (obwód Tula), Abashevskaya (obwód Penza), Skopińskiej (obwód riazański). Dużym zainteresowaniem cieszy się zabawka Dymkowa (rejon kirowski) z przełomu XIX i XX w. Są to prace nieznanych autorów i A.A. Mezrina: pielęgniarki, panowie, pary tańczące itp. Cenną część kolekcji Dymkowa stanowią prace z lat 30. XX wieku. Wśród dzieł drugiej połowy XX wieku. Wielofigurowa kompozycja „Wesele” wykonana przez grupę rzemieślników z Dymkowa pod przewodnictwem E.I. wyróżnia się rozrywkowym charakterem. Koss-Denshina.

Drewno było jednym z najpopularniejszych materiałów w Rosji, a rzemiosło służące do jego artystycznej obróbki istniało w różnych regionach. Wraz z Siergijewem Posadem muzeum najpełniej prezentuje rzemiosło regionu Niżnego Nowogrodu - Khokhloma i Gorodets. Lekkie drewniane misy Khokhloma, bratiny, lizawki solne, pomalowane w jasne wzory kwiatowe i przypominające drogocenne złote naczynia, były powszechnie znane już w XIX wieku. Ich produkcją tradycyjnie zajmowali się chłopi w szeregu wiosek położonych na terenie nowoczesnego powiatu Kverninsky w obwodzie niżnym nowogrodzie. Wśród eksponatów znajdujących się w zbiorach muzealnych znajdują się próbki naczyń chłopskich z XIX wieku. oraz meble z lat 30. XX w. z niezwykłym obrazem dla „Khokhlomy” na biało-srebrnych tłach.

Rzemiosło Gorodets zaczęło nabierać kształtu pod koniec XVIII wieku, kiedy chłopi z kilku małych wiosek położonych w pobliżu dużej wioski handlowej Gorodets zaczęli produkować na sprzedaż spody do kołowrotków. Kobiety siadały na nich podczas pracy, zabezpieczając wysoki grzebień lnianym lub wełnianym kablem w specjalnym otworze. Niemniej jednak starano się, aby spód był piękny: był powodem do dumy gospodyni, był ceniony i pielęgnowany, a po pracy zawieszany był na ścianie jako dekoracja domu. W dekoracji Dońca zastosowano bardzo rzadką w rosyjskiej sztuce ludowej technikę inkrustacji kawałkami ciemnego dębu bagiennego. XIX wieku przeszli od rzeźbienia z intarsjami do malarstwa; bujne „róże”, jeźdźcy, sceny picia herbaty i uroczystości przedstawiano szybkimi, malowniczymi pociągnięciami. W latach dwudziestych XX wieku zniknęło zapotrzebowanie na pączki, a artyści z Gorodca zaczęli szeroko wykorzystywać swoje umiejętności malarskie do ozdabiania innych przedmiotów: pudełek, szkatułek, paneli dekoracyjnych, zabawek.

Kolekcja muzeum w Gorodcu pozwala nie tylko prześledzić główne etapy rozwoju tego ośrodka od końca XVIII do końca XX wieku, ale także daje wyobrażenie o twórczości niemal wszystkich mistrzów który pozostawił wyraźny ślad w jego historii. W kolekcji znajdują się dzieła uznawane za „klasyczne” przykłady sztuki Gorodets: Donets A.V. i L.V. Melnikovs, G.L. Polyakov, V.K. Smirnov, panel: I.K. Mazin, ekran: I.K. Lebiediew i D.I. Kryukova i inni.
Rosyjskie lakiery artystyczne są znane na całym świecie. Zbiory muzealne pozwalają odzwierciedlić ich historię i przybliżyć Państwu wszystkie ważniejsze ośrodki malarstwa lakowego. W muzeum prezentowane są malowane metalowe tace z Niżnego Tagila i Zhostowa (obwód moskiewski), przedmioty „lakierowane” wykonane z papier-mache z XIX–XX wieku. wieś pod Moskwą Fedoskino, a także centra obwodów iwanowskiego i włodzimierskiego: Palech, Choluj i Mstera, gdzie sztuka miniatur lakowych rozwinęła się dopiero w czasach sowieckich i opierała się na ustalonych tradycjach malowania ikon. Od lat trzydziestych XIX wieku w warsztacie O.F. Wiszniakow, znajdujący się we wsi Zhostovo, wraz z wyrobami z papieru-mache, zaczął wytwarzać metalowe tace. Stopniowo rybołówstwo zyskiwało niezależne znaczenie. Przy dekorowaniu tac zaczęto preferować kompozycje kwiatowe pomalowane bogatymi, malowniczymi pociągnięciami.

Szczególnie cenny jest zbiór miniatur lakowych Palecha z lat 1920-1930, w którym znajdują się dzieła o bardzo wysokim poziomie artystycznym. Wśród nich znajdują się prace artystów wchodzących w skład utworzonego w 1924 roku „Palekh Artel of Ancient Painting”: A.V. Kotukhina, I.V. Markicheva, I.M. Bakanova, I.P. Vakurova, I.I. Zubkovej i innych, w tym wirtuozowskie dzieła założyciela malarstwa lakowego w Palechu, I.I. Golikowa.

Historia ośrodków pod Moskwą (wieś Fedoskino i wieś Zhostovo) sięga końca XVIII wieku, kiedy kupiec P.I. Korobov zorganizował we wsi przedsiębiorstwo zajmujące się produkcją wyrobów lakierniczych z papier-mache. Danilkov, położony w pobliżu wsi. Fedoskino. Wkrótce rybołówstwo rozprzestrzeniło się po całej okolicy. W zbiorach muzealnych prezentowane są dzieła fabryki Łukutina (następców P.I. Korobowa) oraz drobnych przedsiębiorstw chłopskich we wsiach Ostaszkowo, Zhostovo, Sorokino i innych znajdujących się w wołoście Trójcy Obwodu Moskiewskiego. Najstarsze dzieła znajdujące się w zbiorze pochodzą z połowy XIX wieku. Wyroby tych warsztatów są jednolite stylistycznie: pudełka, szkatułki, papierośnice, portfele i tabakierki wykonane z papier-mache ozdobione są malowniczymi, realistycznie zinterpretowanymi miniaturami z wyraźnym motywem narodowym. Tradycyjne obrazy „trojek”, „podwieczorków”, sceny z życia chłopskiego są z reguły darmowymi kopiami obrazów sztalugowych i grafik rosyjskich artystów.
Poczesne miejsce na wystawie zajmuje kolekcja rosyjskich szali i szali. Są to chusty haftowane „złotymi” nićmi i innymi wyrobami rzemieślników z Tweru i Niżnego Nowogrodu oraz eleganckie szale drukowane czołowych przedsiębiorstw moskiewskich i rejonu moskiewskiego XIX – początków XX wieku. Największym i obecnie jedynym producentem wełnianych szali i szali z nadrukiem w Rosji jest Pawłowski Posad pod Moskwą, gdzie ich produkcję opanowano na początku lat 60. XIX wieku w fabryce należącej do kupców Ya.I. Labzin i V.I. Gryaznow. Produkcja szali była niemal w całości ręczna. Wzory nanoszono na tkaninę za pomocą rzeźbionych desek, „kwiatków” i „manierów”. Ulubionym motywem we wzorach pawłowskich szali i tac Zhostovo były wizerunki kwiatów. Wśród eksponatów muzeum znajdują się szale Pavlovo Posad z różnych czasów. Są to szaliki legendarnego XIX-wiecznego rysownika. S.V. Postigova „Podkowa” i „Rozwód” oraz dzieła naszych współczesnych E.P. Regunova, K.S. Zinowiewa, I.P. Dadonova i inni.

Rzemiosło artystyczne stanowi znaczącą część kultury narodowej Rosji. Prace prezentowane w muzeum świadczą o wielkim talencie rosyjskich mistrzów, subtelnym guście artystycznym i oryginalności ich talentu.

Kość jest materiałem bardzo atrakcyjnym dla rosyjskich rzemieślników, zróżnicowanym pod względem walorów dekoracyjnych i możliwości technicznych. Już w XVII wieku. Tradycje sztuki rzeźbienia w kościach zaczęły się rozwijać na obszarze osadniczym Chołmogory w prowincji Archangielsk. Rzemieślnicy z Chołmogorów, obok stępu (zwykłej kości zwierzęcej), używali kości morsa, rzadziej mamuta, z których wyrobów szczególnie ceniono. Najpopularniejszym wyrobem były grzebienie, pudełka, szkatułki i szkatułki, ozdobione najdoskonalszymi wzorami roślinnymi, wizerunkami zwierząt i ptaków, wykonanymi ażurowymi rzeźbami i rycinami. W drugiej połowie XIX - początkach XX wieku. Rzeźbienie w kościach praktykowano w klasztorze Trójcy-Sergiusza i Siergijewie Posadzie, o czym świadczy prezentowana na wystawie charakterystyczna ikona „Trójcy” z 1869 r., wykonana przez Iwana Iljina (mnicha Jonasza) oraz niewielka ikona z kości słoniowej przedstawiająca Sergiusza z Radoneża przez miejscowych mistrz I.Z. Chruszczowa.

Rozwinięte tu tradycje miniaturowej rzeźby w kościach i drewnie wpłynęły na powstanie w drugiej połowie lat czterdziestych XX wieku rzeźbiarstwa kostnego w mieście Chotkowo, niedaleko Siergijewa Posada. Oryginalność tego ośrodka przejawiała się w stosowaniu różnych technik obróbki kości, łączeniu kości z drewnem i powszechnym stosowaniu stępu. Cechy te zostały szczególnie wyraźnie ucieleśnione w pracach z lat pięćdziesiątych XX wieku, w szczególności w pudełku V.E. Loginov „Michurin”, którego wstawki kostne są mistrzowsko wykonane przy użyciu oryginalnej techniki wieloaspektowego reliefu. Ekspozycja muzealna jest także okazją do zapoznania się z dziełami tradycyjnego rzemiosła artystycznej obróbki kości, które rozwinęło się na wschodzie Rosji: Tiumeń (Tobolsk), Jakucja, Czukotka. Tożsamość każdego z nich opiera się na tradycjach etnicznych i artystycznych miejscowej ludności.

Przez lata swojego istnienia muzeum zgromadziło bogatą kolekcję rosyjskiego szkła i porcelany. Tego rodzaju sztuka użytkowa szybko rozwinęła się w Rosji w XVIII-XIX wieku. W salach muzeum można zobaczyć wyroby z ówczesnych fabryk, zróżnicowane pod względem przeznaczenia, formy, techniki i stylu: cesarskie fabryki porcelany i szkła w Petersburgu, prywatne fabryki porcelany Gardnera, Popowa, Kuzniecowa, Korniłowa, szkło fabryki - Malcow, Bachmetew itp. Wśród eksponatów znajdują się najrzadsze przykłady rosyjskiego szkła i ceramiki, takie jak np. Grawerowane szklane kielichy z XVIII wieku. lub wyroby z majoliki wykonane w jednej z pierwszych fabryk ceramicznych w Rosji, otwartej w 1724 roku w Moskwie przez kupca A.K. Grebenszczekow. W muzeum znajduje się wspaniała kolekcja rzeźb porcelanowych, w tym różne rzeźby gatunkowe i cała seria „Narody Rosji”, która w XIX wieku. został kilkakrotnie wznowiony w fabrykach Gardnera i Kuzniecowa pod Moskwą.
Kolekcję szkła i porcelany z okresu sowieckiego i poradzieckiego reprezentują głównie dzieła z lat 60.-80. XX wieku, wykonane przez czołowych rzemieślników i artystów z największych fabryk w Rosji. W historii porcelany krajowej wiodącą pozycję zawsze zajmowała Leningradzka Fabryka Porcelany im. M.V. Łomonosowa (dawniej Imperial) i dwie fabryki pod Moskwą: fabryka porcelany Dmitrovsky (dawniej Gardner) i fabryka porcelany Dulevo nazwana na cześć gazety „Prawda” (dawniej Kuznetsovsky). Przedsiębiorstwa te reprezentują dwie oryginalne i prężne szkoły, posiadające własny styl, wysoką kulturę pracy z materiałami i bogate tradycje. Różnica między obiema szkołami porcelany polega na tym, że odziedziczyły one odmienne warstwy historyczne kultury rosyjskiej: moskiewska kierowała się tradycją ludową, leningradzka – wysoce profesjonalną sztuką XVIII–XIX w., która nastąpiła wraz z rozwojem ogólnoeuropejskim .

W zbiorach muzealnych znajdują się znakomite i uroczyste dzieła artystów z Petersburga (Leningradu), wyróżniające się subtelnym gustem artystycznym i klasycznym wyczuciem proporcji: A.V. Worobiewski, A.A. Jackiewicz, V.M. Gorodecki, N.P. Slavina, I.S. Olewskoj; Zgodne w formie i malarstwie z ludzkim rozumieniem piękna, jasne, podtrzymujące życie dzieła artystów regionu moskiewskiego: P.V. Leonowa. VC. Yasnetsova, N.N. Ropova i in.Na wystawie można zapoznać się także z kolekcją szkła i kryształu z drugiej połowy XX wieku. Formy zastawy stołowej, wazony i komplety dekoracyjne, kompozycje wolumetryczno-przestrzenne, tworzywa szklane zostały wykonane różnymi technikami i technologiami przez czołowych artystów najstarszych hut szkła w Rosji. Jest to zakład w mieście Gus-Chrustalny, obwód włodzimierski (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, V.A. Filatov, V.S. Muratov); fabryka szkła „Czerwony Maj” w obwodzie wyszniewołockim obwodu twerskiego (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya); Fabryka Kryształów Diatkowo (M.V. Grabar, V.V. Soyver, V.Ya. Shevchenko).

Dumą kolekcji muzealnej jest dość znacząca kolekcja Leningradzkiej Fabryki Szkła Artystycznego, której działalność związana jest z twórczością takich mistrzów sztuki użytkowej jak L.O. Jurgen, A.A. Astvatsaturyan, A.M. Ostroumov, E.V. Yanovskaya, Kh.M. Pyld, BA Eremin, Yu.M. Byakow. Większość dzieł szkła i porcelany to egzemplarze unikatowe, powstałe na potrzeby najważniejszych wystaw międzynarodowych lub krajowych. Tym samym muzealny zbiór tradycyjnej rosyjskiej sztuki zdobniczej i użytkowej pod względem różnorodności, kompletności reprezentacji poszczególnych ośrodków oraz wysokiego poziomu artystycznego znajdujących się w nim dzieł można zaliczyć do najlepszych w kraju. Tworzące ją dzieła świadczą o wielkim talencie rosyjskich mistrzów, subtelnym guście artystycznym i oryginalności ich talentu.