Strona główna » Rosyjscy artyści

Znani rosyjscy artyści

XIV (XIV wiek) XV (XV wiek) XVII (XVII wiek) XVIII (XVIII wiek) XIX (XIX wiek) XX (XX wiek)

W pstrokatym ciągu lat odległego dzieciństwa jeden cudowny letni dzień szczególnie żywo zapadł w pamięć Władimira Aleksandrowicza Wasiliewa. „Uważam ten dzień za decydujący w moim życiu jako artysty. Po raz pierwszy doświadczyłam tego uczucia szczególnego szczęścia, pełni życia, które tak często mnie ogarnęło później, kiedy zostałam artystką, w tych chwilach, gdy zostaje się sam na sam z naturą i zawsze postrzega się ją z jakimś nowym, radosnym zadziwieniem .

Korowin Konstantin Aleksiejewicz, słynny rosyjski malarz i artysta teatralny. Studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury - na wydziale architektonicznym (1875), a następnie (od 1876) na wydziale malarstwa u I. Pryanishnikova, V. Perova, L. Savrasova! i V. Polenov. Przez kilka miesięcy (1882-83) studiował w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych. W tej szkole ukończył edukację plastyczną (1883-1886).

Kramskoj Iwan Nikołajewicz
(1837-1887)

Kramskoj Iwan Nikołajewicz, wybitny rosyjski malarz i postępowa postać artystyczna. Urodzony w Ostrogożsku w obwodzie woroneskim, w biednej rodzinie mieszczańskiej. Początkową wiedzę zdobywał w szkole okręgowej. Od dzieciństwa rysuję samodzielnie. W wieku szesnastu lat został retuszerem u charkowskiego fotografa.

Kuindzhi Arkhip Iwanowicz
(1842-1910)

sztuczna inteligencja Kuindzhi był synem biednego greckiego szewca z Mariupola, wcześnie został osierocony i wszystko w życiu musiał osiągnąć sam. Na początku lat sześćdziesiątych XIX wieku pasja do rysunku zaprowadziła go do Petersburga, gdzie dwukrotnie próbował wstąpić do Akademii Sztuk Pięknych, ale bez powodzenia. Nie było wystarczającego przygotowania, bo całe swoje doświadczenie malarskie zdobywał jako retuszer w warsztacie fotograficznym.

Kustodiew Borys Michajłowicz
(1878 - 1927)

Kustodiew Borys Michajłowicz, wybitny rosyjski malarz radziecki, grafik, artysta teatralny, rzeźbiarz. Urodzony w Astrachaniu, dzieciństwo, młodość i młodość spędził nad brzegiem Wołgi. Następnie, będąc już znanym malarzem, przez długi czas mieszkał w Derevence koło Kineshmy, zbudował tam dom-warsztat, który nazwał „terem”. Na Wołdze Kustodiew dorastał i dojrzewał jako artysta. Wiele swoich obrazów poświęcił mieszkańcom Wołgi i Wołgi. Ojczyzna dała mu głęboką wiedzę o życiu rosyjskim i ludowym, zamiłowanie do hałaśliwych, zatłoczonych jarmarków, festynów, straganów oraz tych jasnych i radosnych kolorów, które wraz z nim weszły do ​​​​malarstwa rosyjskiego.

Lagorio Lew Feliksowicz
(1827-1905)

Lagorio Lew Feliksowicz – rosyjski pejzażysta, malarz morski. Urodzony w rodzinie konsula neapolitańskiego w Teodozji. Jego nauczycielem był I.K. Aiwazowski. Od 1843 r. Lagorio studiował w Petersburgu w Akademii Sztuk Pięknych u A. I. Sauerweida i M. N. Worobiowa.

Lewitan Izaak Iljicz
(1861-1900)

Urodzony w miejscowości Kybarty na Litwie w rodzinie pracownika kolei. Studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury (1873-74) u A. Savrasova i V. Polenova. Od 1884 występował na wystawach Towarzystwa Wędrowców; od 1891 - członek Towarzystwa. Od 1898 - akademik malarstwa pejzażowego. Lewitan stworzył wiele wspaniałych, serdecznych obrazów rosyjskiej natury. W jego twórczości opracowano zasadę liryczną nieodłączną od malarstwa jego nauczyciela i mentora A. Savrasova.

Malewicz Kazimierz Siewierinowicz
(1878-1935)

Nazwisko Kazimierza Malewicza szybko zajęło należne mu miejsce w historii sztuki rosyjskiej, gdy tylko upadła oficjalna ideologia radziecka. Stało się to tym łatwiej, że wielki artysta już dawno zyskał trwałą sławę poza granicami Ojczyzny. Poświęcona mu bibliografia mogłaby zostać opublikowana jako odrębna publikacja, a dziewięć dziesiątych jej stanowią książki i artykuły w językach obcych: liczne opracowania w języku rosyjskim zaczęto wydawać pod koniec lat 80. XX wieku, kiedy odbyła się pierwsza duża wystawa Malewicza w swojej ojczyźnie po dziesięcioleciach milczenia i bluźnierstw.

Maliutin Siergiej Wasiljewicz
(1859-1937)

Przyszły artysta urodził się 22 września 1859 roku w moskiewskiej rodzinie kupieckiej. Pozostawiony przez trzy lata sierotą, wychowywał się w domu ciotki, żony drobnego urzędnika. Chłopiec został wysłany do szkoły handlowej, a następnie na kursy księgowości, po czym został przydzielony do pracy jako urzędnik w Woroneżu. Jego skłonności artystyczne ujawniły się wcześnie. Ale środowisko niewiele zrobiło, aby promować ich rozwój. Dopiero pod koniec lat 70. XIX w., kiedy wziął udział w objazdowej wystawie otwartej w Woroneżu, Maliutin po raz pierwszy zetknął się z prawdziwym malarstwem. Wieloletnie, niejasne marzenia stały się konkretne: mimo trudności podjęto decyzję o zostaniu artystą.

Niestierow Michaił Wasiljewicz
(1862- 1942)

Niestierow Michaił Wasiljewicz, wybitny rosyjski artysta radziecki. Urodzony w Ufie w rodzinie kupieckiej. Studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury (1877-86) oraz w Akademii Sztuk Pięknych u W. Perowa, I. Pryanisznikowa i P. Czistyakowa. Początkowo próbował swoich sił w gatunku codziennym: „Ofiara przyjaciół” (1881), „Egzamin w szkole wiejskiej” (1884). W 1882 roku ożenił się z Marią Martynovą, która zmarła w 1885 roku w wyniku porodu. Ta tragedia wywarła ogromny wpływ na całą późniejszą twórczość artysty. Porzucił gatunki lekkie i zwrócił się ku tematyce historycznej i religijnej.

Perow Wasilij Grigoriewicz
(1834-1882)

Jednym z twórców malarstwa realistycznego lat 60. był Wasilij Grigoriewicz Perow- następca oskarżycielskich tendencji Fiedotowa. W ekscytacji i niepokojach rosyjskiego życia znajduje grunt dla swojej twórczości, pożywkę, bez której artysta nie może istnieć. Perow odważnie i otwarcie rzuca się do bitwy, demaskując fałsz i hipokryzję rytuałów kościelnych ( „Wiejska procesja religijna na Wielkanoc”, 1861), pasożytnictwo i zepsucie księży i ​​mnichów ( „Picie herbaty w Mytishchi”, 1862; oba w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie).

Polenow Wasilij Dmitriewicz
(1844- 1927)

Urodzony w Petersburgu w artystycznej rodzinie. Matka jest artystką, ojciec znanym archeologiem i bibliografem, członkiem Akademii Nauk, koneserem i miłośnikiem sztuki. Jako dziecko uczył się muzyki. Ukończył gimnazjum w Pietrozawodsku i wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych (1863) w klasie malarstwa historycznego i jednocześnie na wydział prawa Uniwersytetu w Petersburgu. Nie porzucił jednak studiów muzycznych i przez jakiś czas śpiewał w Chórze Akademickim. Jeszcze jako student odwiedził Niemcy i Francję, podziwiając R. Wagnera i J. Offenbacha.

Repin Ilja Efimowicz
(1844-1933)

Repin Ilja Efimowicz, wybitny rosyjski artysta, przedstawiciel realizmu demokratycznego. Urodzony w Czuguewie w prowincji Charków, w rodzinie osadnika wojskowego. W wieku trzynastu lat rozpoczął naukę malarstwa w Czuguewie u artysty N. Bunakowa. Zajmował się malarstwem ikon. W 1863 przybył do Petersburga i wstąpił do Szkoły Rysunkowej Towarzystwa Zachęty Sztuk. Poznałem I. Kramskoya, który na wiele lat stał się mentorem młodego artysty.

Roerich Nikołaj Konstantinowicz
(1874- 1947)

Roerich Nikołaj Konstantinowicz, wybitny rosyjski artysta, krytyk sztuki, archeolog i osoba publiczna. Urodzony w Petersburgu. Uczył się w Petersburgu w gimnazjum Meya (1883-93). Brał lekcje rysunku u M. Mikeshina. Ukończył Wydział Prawa Uniwersytetu w Petersburgu (1893-96) i wydział malarstwa Akademii Sztuk Pięknych (1893-97) w klasie A. Kuindzhi. Ten ostatni starał się rozwijać u swoich uczniów poczucie koloru dekoracyjnego. Nie rezygnując z pracy z życia, nalegał, aby obrazy malowano z pamięci. Artysta musiał wymyślić pomysł na obraz.

Savitsky Konstantin Apollonowicz
(1844-1905)

Savitsky Konstantin Apollonovich, rosyjski malarz i malarz gatunkowy. Urodzony w Taganrogu w rodzinie lekarza wojskowego. W 1862 wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, jednak z powodu niewystarczającego przygotowania został zmuszony do opuszczenia tej uczelni i po dwóch latach intensywnej samodzielnej pracy, w 1864 roku wstąpił ponownie do Akademii. W 1871 roku otrzymał mały złoty medal za obraz „Kain i Abel”. Już w latach akademickich był związany z Art Artel I. Kramskoja, a później ze Stowarzyszeniem Objazdowych Wystaw Artystycznych i wystawiał na II wystawie objazdowej (1873). Wzbudziło to niezadowolenie ze strony administracji Akademii, która, uznając pierwszą przyczynę, która się pojawiła (niezaliczenie egzaminu w terminie ze względu na małżeństwo), wydaliła Sawickiego z Akademii (1873).

Sawrasow Aleksiej Kondratiewicz
(1830-1890)

Są obrazy, bez których nie można sobie wyobrazić sztuki rosyjskiej, tak jak nie można sobie wyobrazić literatury rosyjskiej bez „Wojny i pokoju” Tołstoja, „Eugeniusza Oniegina” Puszkina, a to nie musi być dzieło duże i złożone. Taką prawdziwą perłą rosyjskiego malarstwa pejzażowego był niewielki, skromny obraz Aleksieja Kondratjewicza Savrasowa (1830-1897) „Przybyły gawrony”. Pojawiła się na pierwszej wystawie Stowarzyszenia Wędrowców w 1871 roku.

Sierow Walentin Aleksandrowicz
(1865-1911)

Nawet za życia V. A. Serowa, a tym bardziej po jego śmierci, historycy sztuki i artyści spierali się o to, kim był Serow: ostatnim malarzem starej szkoły XIX wieku. czy przedstawiciel nowej sztuki? Najbardziej poprawną odpowiedzią na to pytanie byłoby: jedno i drugie. Serow jest tradycyjny; w historii malarstwa rosyjskiego można go nazwać synem Repina. Ale prawdziwi następcy tradycji nie poprzestają na tym, ale idą dalej i szukają. Serow szukał więcej niż inni. Nie znał uczucia satysfakcji. Zawsze był w ruchu. Stał się zatem artystą, który organicznie połączył sztukę XIX i XX wieku.

Surikow Wasilij Iwanowicz
(1848-1916)

Surikow Wasilij Iwanowicz, wybitny rosyjski malarz historyczny i malarz gatunkowy. „Syberia wychowała we mnie ideały typów historycznych”. Urodzony w Krasnojarsku w rodzinie oficera kozackiego. Jego ojciec, zapalony miłośnik muzyki, znakomicie grał na gitarze i był uważany za najlepszego śpiewaka w Krasnojarsku. Matka była doskonałą hafciarką.

Fiedotow Paweł Andriejewicz
(1815-1852)

Paweł Andriejewicz Fiedotow urodził się 22 czerwca 1815 r. w Moskwie. Mój ojciec był urzędnikiem i każdego ranka chodził do pracy. Rodzina Fiedotowów była liczna, żyli ubogo, ale nie odczuwali żadnych szczególnych potrzeb. Sąsiedzi wokół byli prostymi ludźmi - drobnymi urzędnikami, emerytowanymi oficerami wojskowymi, biednymi kupcami. Pawlusza Fiedotow szczególnie przyjaźnił się z synami kapitana Gołowaczowa, który mieszkał naprzeciwko, a jego młodsza siostra, „Luboczka o bystrych oczach”, jak ją nazywał, przyjaźniła się z Katenką Gołowaczową, jej rówieśnikiem.

Szyszkin Iwan Iwanowicz
(1832-1898)

Wejdź do sali Galerii Trietiakowskiej, gdzie wiszą obrazy Iwana Iwanowicza Szyszkina, a poczujesz, jakbyś poczuł wilgotny oddech lasu, świeży wiatr pól, zrobiło się jaśniej i słoneczniej. Na obrazach Szyszkina widzimy albo wczesny poranek w lesie po nocnej burzy, albo niekończące się połacie pól ze ścieżką biegnącą ku horyzontowi, albo tajemniczy zmierzch leśnej gęstwiny.

Yuon Konstantin Fiodorowicz
(1875-1958)

Los był łaskawy pod każdym względem K. F. Yuon. Żył długo. Miał wyjątkowo szczęśliwe małżeństwo. Ludzie wokół niego go kochali. Nigdy nie musiał zmagać się z biedą. Sukces przyszedł do niego bardzo wcześnie i zawsze mu towarzyszył. Po rewolucji zaszczyty, wysokie nagrody, tytuły, stanowiska kierownicze zdawały się go szukać same. Było mniej przeciwności losu - kilkuletnia kłótnia z ojcem (pracownikiem banku) z powodu małżeństwa Yuona z wieśniaczką i przedwczesnej śmierci jednego z jego synów.

Rosyjscy artyści

Akimow Nikołaj Pawłowicz
(1901-1968)

N. P. Akimov przybył do Petersburga bardzo młodo i niemal całe jego życie okazało się ściśle związane z tym miastem. Studiował w pracowni S. M. Seidenberga (1915-18), kilka lat później wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych, którą opuścił bez ukończenia studiów. Zajmował się grafiką książkową i udało mu się wyrobić sobie markę, ale tak naprawdę odnalazł się w scenografii. Praca w teatrze zafascynowała go tak bardzo, że pod koniec lat dwudziestych XX wieku. zajął się także reżyserią, czyniąc z niej drugi, jeśli nie pierwszy zawód: w 1933 stał na czele Leningradzkiej Sali Muzycznej, a w 1935 – słynnego Leningradzkiego Teatru Komedii, którego dyrektorem artystycznym pozostał aż do śmierci (z wyjątkiem 1949 r. -55., kiedy został zmuszony do przejścia do innego zespołu).

Niskij Gieorgij Grigoriewicz
(1903-1987)

Artysta spędził dzieciństwo na małej stacji kolejowej niedaleko Homla. Miejscowy malarz V. Zorin, który widział rysunki młodego człowieka, poradził mu, aby kontynuował naukę sztuk pięknych. Postępując zgodnie z radą, Nissky wstąpił do Homelskiej Pracowni Sztuk Pięknych imienia M. Vrubela. Jego zdolności dostrzeżono i w 1921 r. wysłano go do Moskwy na kursy przygotowawcze w Wyższych Warsztatach Artystyczno-Technicznych.W 1923 r. Nysski przeniósł się na wydział malarstwa, gdzie jego nauczycielami byli A. D. Drevin i R. R. Falk.

Pachomow Aleksiej Fiodorowicz
(1900-1973)

W obwodzie Wołogdy, w pobliżu miasta Kadników, nad brzegiem rzeki Kubeny, znajduje się wieś Varlamovo. Tam 19 września (2 października) 1900 r. Chłopce Efimii Petrovnej Pakhomowej urodził się chłopiec, któremu nadano imię Aleksiej. Jego ojciec, Fiodor Dmitriewicz, pochodził z rolników „apanaskich”, którzy w przeszłości nie znali okropności pańszczyzny. Okoliczność ta odegrała ważną rolę w sposobie życia i dominujących cechach charakteru oraz rozwinęła umiejętność zachowywania się prosto, spokojnie i z godnością.

„Możesz ufać tylko tym portretom
W którym model jest prawie niewidoczny,
Ale Artystę widać bardzo wyraźnie.”
Oskara Wilde’a.
Pierwsza połowa XIX wieku w życiu społeczeństwa rosyjskiego była początkowo dramatyczna, ale później także romantyczna. Wydarzenia wojny 1812 r., klęska armii rosyjskiej i zajęcie terytoriów przez Napoleona na początku stulecia, zwycięski marsz przez Europę i przypływ samoświadomości narodowej stały się podstawą późniejszego powstania i rozwoju zainteresowania zrozumieniem konkretnej osoby w ważnych momentach jej życia, w jego wewnętrznym świecie i doświadczeniach. Nieco wcześniej trendy te pojawiły się w Europie i dały początek sztuceromantyzm,co w Rosji nabrało swojej osobliwości: na początku stulecia było bohaterskie, kojarzone z interesować się kulturę i historię narodową, po rodzime talenty. Doprowadziło to do wybitnych osiągnięć w portrecie, które bezpośrednio związały artystę ze społeczeństwem i wybitnymi współczesnymi.
Jednym z najsłynniejszych portrecistów tamtych czasów byłOrest Kiprensky (1782-1836) , w sztuce którego nawet jeden okresodzwierciedlał zarówno cechy klasycyzmu, jak i romantyzmu.

Kiprensky wiódł burzliwe życie, w którym miał wszystko: nieślubną matkę pańszczyźnianą, wymyślone nazwisko, naukę od 6 roku życia w szkole Akademii Sztuk pod kierunkiem Lewickiego, oskarżenie o oszustwo w wieku 22 lat -stary artysta przedstawił portret swojego przybranego ojca we Włoszech (tam początkowo rozważano dzieło nieznanego arcydzieła Rubensa lub Rembrandta).

Był niezwykle przystojny i szalony z pasji, miał szalony temperament i wrażliwość, a także zyskał sławę we Włoszech i Rosji (gdzie nazywano go „Rosjaninem Van Dyckiem”). A potem wszystko się potoczyło: plotki o morderstwie jego modela, przyjęciu katolicyzmu i niepotrzebnym małżeństwie, pijaństwie, biedzie i śmierci z dala od ojczyzny.

Na jego nagrobku w Rzymie widnieje napis: „Pamięci Oresta Kiprenskiego, najsłynniejszego wśród rosyjskich artystów”. (Więcej o jego biografii można przeczytać tutaj:http://art19.info/kiprenskiy/biography.html )
Inny wybitny malarz tamtych czasów,Aleksiej Wenecjanow (1780-1847) Główne miejsce w dziele zajmowało przedstawienie pracy i życia chłopów, nieco wyidealizowane i wygładzone.

Venetsianov rozpoczął swoją przygodę ze sztuką od lekcji rysunku udzielanych mu przez „wujka” (wychowawcę), zdolnego rysownika. W tamtym czasie, jak pamiętamy, głównym gatunkiem był portret, a młody samouk, po namalowaniu portretu swojej matki, postanowił poświęcić się malarstwu, wyjechał do Petersburga i pracował jako rysownik w dział pocztowy.

Szczęśliwy przypadek uczynił go uczniem Borowikowskiego, stopniowo zyskał sławę i mógł całkowicie poświęcić się malarstwu. Wkrótce po ślubie Venetsianov kupił małą posiadłość i całkowicie zanurzył się w nowym kierunku malarstwa rosyjskiego - portretach i scenach rodzajowych z życia chłopskiego. Jednocześnie odkrył w sobie drugie powołanie - uczyć zdolne dzieci chłopskie malarstwa, a nawet sam kupował kilka, które były poddanymi. W swojej „szkole Venetsianov” wychował ponad 70 zdolnych uczniów.

„Wczesny realizm poetycki Wenecjanowa, który stał się bardzo potrzebnym etapem rozwoju malarstwa rosyjskiego, zabarwił także jego twórczość portretową, wzbogacając w ten sposób cały rosyjski portret tego okresu”.
(http://www.artprojekt.ru/gallery/russian/60.html ) Ostatnie lata jego życia były trudne: żona zmarła na cholerę, brakowało funduszy, córki nie mogły wyjść za mąż, wielu uczniów zdradziło jego ideały i malowało nieprawdopodobne wesołe sceny z życia chłopskiego i zdobione portrety. Artysta zginął w absurdalny i straszny sposób: konie w wozie uciekły, ręce zaplątały mu się w wodze i przez kilka kilometrów wyrzucone z wozu ciało pędziło za nim po kamieniach. (Szczegółową biografię artysty można przeczytać tutaj:http://art19.info/venetsianov/biography.html )
Kolejny wybitny artysta pierwszej połowy XIX wiekuAleksandra Iwanowa (1806-1858)

portret z reguły nie był najważniejszy w pracy, był to szkic pomocniczy do stworzenia dużego płótna historycznego lub historyczno-religijnego. Czy pamiętasz całą salę portretów różnej wielkości i szkiców w Galerii Trietiakowskiej, napisanych przez artystę do głównego obrazu jego życia - „Pojawienie się Chrystusa ludziom”? Niektórzy krytycy sztuki uważają, że szkice przeważyły ​​nad wartością samego obrazu, który okazał się ogromny (5,4 m x 7,5 m), budzący szacunek, malowany przez 20 lat, ale moim zdaniem nie dotykający duszy. Ale każdy szkic do niego można uznać za kompletny obraz, spójrz na tę głowę, to portret Gogola, tylko z brodą i długimi kręconymi włosami.

Od 25 roku życia aż do niemal końca życia artysta mieszkał we Włoszech, praktycznie w biedzie, a czasem nawet głodując, nie zakładając rodziny, choć żywił wielką miłość do pięknej Włoszki Vittorii Caldoni, która wolała swojego przyjaciela, artysta Łapczenko. (Jest o tym ciekawie napisane tutaj:http://nearyou.ru/ivanov/0vittoria.html .

Nie miał szczęścia do kobiet. Przez około osiem lat mieszkał z jakąś Teresą (jest o niej wzmianka w jego korespondencji), ona zawsze robiła mu sceny i nie raz go okradała. Była jeszcze inna kobieta, w której się zakochał, hrabina Apraksina, ale została wydana za kogoś innego. Wracając do Rosji, Iwanow miesiąc później zaraża się cholerą i umiera.
Szczególne miejsce w portrecie zajmuje twórczość innego rosyjskiego artysty, który często wprowadzał do swoich obrazów portretowych szczegóły gatunkowe. To jest oPaweł Fiedotow (1815-1852) ,

kariera wojskowa, kapitan gwardii, który na rozkaz Mikołaja odszedł ze służby i poświęcił się sztuceI, który przekonał się o wielkich zdolnościach „oficera rysunkowego”. I zaczął rysować jako malarz bitewny, pociągały go sceny bitew na dużą skalę, a także karykatury i karykatury swoich towarzyszy w korpusie kadetów. Fiedotow planował zakończyć służbę wojskową jeszcze przed rozkazem cara, do czego namawiał go także bajkopisarz Kryłow, który przyglądając się jego twórczości i radził mu, aby „ujawnił zło rosyjskiego życia i w ten sposób przyczynił się do jego polepszenia”. Wszyscy znacie jego słynne sceny rodzajowe, które cieszyły się dużym zainteresowaniem widza, ale w portretach dał się poznać jako artysta niezwykły, spostrzegawczy i szczery.

Czasami mógł przejść pół miasta za jakimś typem, który mu się podobał, aby lepiej zobaczyć go w ruchu, a następnie przedstawić go w jednej z zaplanowanych scen. Ze swym ordynansem żył bardzo skromnie, czasami nawet żył w biedzie, ale pomagał rodzinie – ojcu i siostrom.

Kres jego krótkiego życia był straszny – zmarł w szpitalu psychiatrycznym, na oddziale dla psychicznie chorych na zapalenie opłucnej, pochowano go tylko przez swojego wiernego ordynariusza, nie powiadomiono nawet przyjaciół. (Szczegółowy życiorys można znaleźć tutaj:http://art19.info/fedotov/biography.html ).
Genialny malarz, wspaniały portrecista, utalentowany monumentalista, znakomity akwarelista, klasycysta i romantyk – wszystkie te epitety nie są przesadzone, gdy mówimy oten artysta.

Sam Bóg nakazał mu zostać artystą, racząc urodzić się w rodzinie artysty i nauczyciela Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, Pawła Brullo. Już w wieku 10 lat wstąpił do Akademii i zadziwił nauczycieli swoim talentem i techniką, łatwością pisania i skutecznością. W 1822 r., dodając „v” do nazwiska, Bryulłow wraz z bratem wyruszyli w podróż po Europie w imieniu Towarzystwa Zachęty Artystów. Jego dzieła, napisane we Włoszech, odniosły wielki sukces i zyskały pochwałę samego Mikołaja I . Maluje na zamówienie dużą liczbę portretów, wykorzystując różnorodne techniki i style artystyczne, od baroku po realizm, wprowadzając codzienne detale i wyposażenie.

Po powrocie do ojczyzny jako znany artysta zostaje portrecistą poszukiwanym w wyższych sferach; wielu szlachciców, polityków i pisarzy uważa za zaszczyt mieć własny portret autorstwa Bryullowa.

W 1847 roku, po ciężkim przeziębieniu, pogorszył się reumatyzm Bryulłowa i pogorszyła się jego praca, ponieważ od dzieciństwa cierpiał na chorobę serca; za namową lekarzy spędził siedem miesięcy w łóżku, ale nadal pracował.

Na prośbę tych samych lekarzy w 1849 roku Bryullov przeniósł się na Maderę, a następnie do małej miejscowości pod Rzymem, namalował kilka portretów, ale było to już dla niego trudne, a w 1852 roku artysta zmarł, pozostawiając wiele niedokończonych dzieł i szkice w studiu. (Pełną biografię możesz przeczytać tutaj: (http://art19.info/brullov/biography.html ).
Stopniowo zbliżaliśmy się do połowy XIX wieku, kiedy w sztuce rosyjskiej w ogóle, a w malarstwie w szczególności, szykowały się wielkie zmiany, spowodowane zmianami sytuacji w kraju i nastrojów społecznych. „Narodziła się narodowa sztuka realistyczna, której zadaniem było odzwierciedlanie życia społeczeństwa i ludzi…” (http://art19.info/russkaja-zhivopis/articles.html). Choć nie podobają mi się takie definicje, bo uważam je za naciągane, to jestem zdania, że ​​malarstwo (i sztuka w ogóle) nie ma obowiązku „stawiać sobie zadania” odzwierciedlenia czegokolwiek, ale to nie miejsce na ta rozmowa.
Jednym z pierwszych rosyjskich artystów, który poczuł i potrafił przekazać społeczeństwu potrzebę zmian, wezwał do wglądu, zwrócił uwagę na życie ludzi, „odsłaniając”, jak to ujęli krytycy, niesprawiedliwość i ucisk, byłWasilij Perow (1834-1882) .

Jego nazwisko było początkowo pseudonimem nadanym mu przez nauczyciela gramatyki ze względu na dobrą „umiejętność posługiwania się piórem”, która później stała się jedyną. Był nieślubnym synem barona Kridenera, który wychował go w swojej rodzinie. Perow znany jest głównie ze swoich obrazów gatunkowych, z których niektóre są wyraźnie odkrywcze (na przykład „Trojka”, znana wielu z radzieckiego podręcznika „Mowa rodzima”), ale nas interesują portrety, z których wiele uważa się za arcydzieła gatunek.

„Ten portret jest nie tylko najlepszym portretem Perowa, ale także jednym z najlepszych portretów szkoły rosyjskiej w ogóle. Wyraźnie widać w nim wszystkie atuty artysty: charakter, siłę wyrazu, ogromną ulgę.” Tak opisał tę pracę Iwan Kramskoj. Perow maluje całą serię portretów rosyjskich pisarzy i muzyków, wśród nich wspaniałe portrety Turgieniewa, Rubinsteina, Ostrowskiego.

Artysta Niestierow wspaniale opowiadał o swoich portretach z tamtego okresu: „...Wyrażone tak staroświecką kolorystyką i prostymi wzorami, portrety Perowa przetrwają długo i nie wyjdą z mody, podobnie jak portrety Łukasza Cranacha i starożytne portrety rzeźbiarskie”.
Twórczość ostatnich lat jego krótkiego życia uważa się za niezbyt udaną, a samo jego życie było tragiczne: śmierć żony, strata dwójki starszych dzieci i malejąca konsumpcja. Długą, ciężką i nieuleczalną chorobę w tym czasie pogłębił dur brzuszny i zapalenie płuc, artysta zmarł w wieku 48 lat i został pochowany na cmentarzu klasztoru w Donskoju. (Więcej szczegółów tutaj:http://www.art-portrets.ru/vasiliy-perov.html )
Jednym z najwybitniejszych artystów tamtych czasów, który próbował swoich sił zarówno w gatunkach codziennych, jak i historycznych, ale zasłynął głównie dzięki portretom współczesnych, byłIwan Kramskoj (1837-1887).


Całe jego życie jest całkowitą sprzecznością: był akademikiem, a jednocześnie bojownikiem przeciwko akademizmowi, był zagorzałym wielbicielem Czernyszewskiego, ale malował portrety członków rodziny królewskiej. Artysta, zasłynąwszy z wirtuozowskiego malarstwa portretowego, uważał jednak ten rodzaj malarstwa za ciężar, obowiązek, „nie prawdziwą sztukę”, która pozwala utrzymać rodzinę, ale odrywa go od tego, co go interesuje. chciałbym robić - „poszukiwanie celu ludzkiej egzystencji i rozwiązywanie problemów społeczno-politycznych”. Problemów za pomocą malarstwa”.

A my, potomkowie, mieliśmy szczęście, że aby utrzymać poziom życia rodziny, artysta musiał przyjmować zamówienia na dużą liczbę portretów, dzięki czemu mamy okazję zobaczyć twarze wielu wybitnych ludzi tego czas.

Kramskoj poznał swoją przyszłą żonę, gdy miał 22 lata, była utrzymanką mało znanego artysty, a kiedy wyjechał za granicę, została żoną Kramskoja, urodziła mu 6 dzieci, z których dwoje przeżyło, była jego asystentką i wsparcie nie tylko w życiu codziennym, ale także w działalności prowadzonego przez męża „Artelu Artystów”.

Ostatnie lata życia artysty przyćmiła niekończąca się pogoń za zarobkiem, wymuszona, nudna praca nad portretami na zlecenie, niewykonalność chęci poświęcenia się innym tematom, zły stan zdrowia i bóle serca, które próbował stłumić morfiną. Zmarł przed ukończeniem 50. roku życia podczas pracy nad kolejnym, ostatnim portretem (doktora Rauchfusa) z powodu pękniętego tętniaka aorty, nie można było mu pomóc.
I o innym malarzu francuskiego pochodzenia i niezwykłym zygzakowatym losie,Nicolae Ge (wesoły) (1831-1894) ,

który rozpoczął swoją pracę od tematów ewangelicznych, najpierw zasłynął z obrazów o tematyce historycznej, brał czynny udział w tworzeniu Stowarzyszenia Wystaw Objazdowych z Myasojedowem, udał się na pustynię, aby zajmować się rolnictwem, zaprzyjaźnił się z Lwem Tołstojem i opuścił nas portrety wielu jego wielkich współczesnych. Ciekawostka biograficzna: Ge met Herzen we Włoszech,

namalował swój wspaniały portret i mógł go dostarczyć do Rosji tylko pod przykrywką proroka Mojżesza, ponieważ Herzen żył na wygnaniu, a portret „tego buntownika” mógł zostać zniszczony przez żandarmów na granicy. Od lat osiemdziesiątych XIX wieku Ge stał się nie tylko zwolennikiem Lwa Tołstoja, ale także jego przyjacielem,

przeżywa renesans duchowy, głosi, że uczciwą pracą trzeba żyć, a „sztuką nie można handlować”. Pod koniec życia artysta zajmował się tematem ostatnich dni Chrystusa. Powiedział: „Wstrząśnę ich mózgami w związku z cierpieniem Chrystusa”. Ale jego nowy styl, który przewidywał nadejście ekspresjonizmu, nie został zaakceptowany przez publiczność i krytykę. Nagła śmierć w wieku 63 lat przerwała poszukiwania nowych środków wyrazu, a współcześni nie rozumieli, jakiego „wielkiego przełomu dokonał artysta”.XIX wieku do bolesnej estetyki stulecia następnego.” (Anna wczoraj.

Rosyjska kultura artystyczna, której początki rozpoczęły się od klasycyzmu, nabrała potężnego brzmienia ludowego, podobnie jak wysoki klasycyzm, co znalazło odzwierciedlenie w malarstwie XIX wieku, stopniowo przechodziła od romantyzmu do realizmu w rosyjskiej sztuce pięknej. Współcześni szczególnie docenili kierunek rosyjskich artystów, w którym dominował gatunek historyczny z naciskiem na tematykę narodową.

Ale jednocześnie nie było znaczących zmian w sztuce kierunku historycznego w porównaniu z mistrzami drugiej połowy XVIII wieku i od samego początku historii portretu rosyjskiego. Wielu mistrzów często dedykowało swoje dzieła prawdziwym bohaterom starożytnej Rusi, których wyczyny zainspirowały ich do pisania obrazów historycznych. Rosyjscy malarze tamtych czasów ustalili własną zasadę opisu portretów i obrazów, rozwijając własne kierunki w przedstawianiu człowieka i natury, świadcząc o całkowicie niezależnej koncepcji figuratywnej.

Rosyjscy artyści w swoich obrazach odzwierciedlali różne ideały wzniesienia narodowego, stopniowo porzucając surowe zasady klasycyzmu narzucone przez fundacje akademickie. XIX wiek charakteryzował się dużym rozkwitem malarstwa rosyjskiego, w którym malarze rosyjscy pozostawili potomnym niezatarty ślad w historii rosyjskiej sztuki pięknej, przepojony duchem wszechstronnej refleksji nad życiem narodu.

Najwięksi badacze malarstwa rosyjskiego XIX wieku w ogóle zauważają wybitną rolę w wysokim rozkwicie twórczości wielkich rosyjskich mistrzów i sztuk pięknych. Unikalne dzieła stworzone przez krajowych mistrzów na zawsze wzbogaciły rosyjską kulturę.

Znani artyści XIX wieku

(1782-1836) Wspaniale i subtelnie malowane portrety Kiprensky'ego przyniosły mu sławę i prawdziwe uznanie wśród współczesnych. Jego prace Autoportret, A. R. Tomilova, I. V. Kusov, A. I. Korsakov 1808 Portret chłopca Chelishchev, Golitsin A. M. 1809 Portret Denisa Davydova, 1819 Dziewczyna z makowym wieńcem, najbardziej udany portret A. S. Puszkina i innych z 1827 r. Jego portrety odzwierciedlają piękno emocji, wyrafinowany wewnętrzny świat obrazów i stan umysłu. Współcześni porównywali jego twórczość z gatunkami poezji lirycznej i poetyckim poświęceniem przyjaciołom. (1791-1830) Mistrz rosyjskiego romantyzmu pejzażowego i lirycznej interpretacji natury. Na ponad czterdziestu swoich obrazach Szczedrin przedstawiał widoki Sorento. Wśród nich godne uwagi są obrazy przedstawiające dzielnicę Sorrento. Wieczór, Nowy Rzym „Zamek Świętego Anioła”, Promenada Mergellina w Neapolu, Wielki Port na wyspie Capri itp.

Całkowicie poddając się romansowi krajobrazu i naturalnemu środowisku percepcji, Szczedrin niejako rekompensuje swoimi obrazami spadek zainteresowania krajobrazem ówczesnych współplemieńców. Szczedrin doświadczył świtu swojej kreatywności i uznania.

(1776-1857) Wybitny rosyjski portrecista, potomek chłopów pańszczyźnianych. Do jego słynnych dzieł należą obrazy: Koronkarka, także Portret Puszkina A.S., rytownik E.O. Skotnikova, Stary człowiek - żebrak, wyróżniający się jasnym kolorem Portret syna, 1826 Prządka, Złotnik, prace te szczególnie przyciągnęły uwagę współczesnych. 1846 Tropinin rozwinął swój własny niezależny figuratywny styl portretowania, który charakteryzuje specyficzny moskiewski gatunek pisarski. W tym czasie Tropinin stał się centralną postacią moskiewskiej elity.

(1780-1847) Twórca gatunku chłopskiej codzienności, Jego słynny portret Żniwiarza, malarstwo > Żniwiarze, Dziewczyna w chustce, Wiosna na polach uprawnych, Chłopka z chabrami, Zacharka i inne. Szczególnie możemy podkreślić malowidło klepiska, które przyciągnęło uwagę cesarza Aleksandra I; poruszyły go żywe obrazy chłopów, zgodnie z prawdą przekazane przez autora. Kochał zwykłych ludzi, odnajdując w tym pewien liryzm, co znalazło odzwierciedlenie w jego obrazach ukazujących trudne życie chłopa. jego najlepsze dzieła powstały w latach 20. XX wieku. (1799-1852) Mistrz malarstwa historycznego. Ostatniego dnia w Pompejach panuje zamieszanie, skazani na zagładę mieszkańcy uciekają przed furią wulkanu Wezuwiusz. Obraz zrobił ogromne wrażenie na współczesnych. Po mistrzowsku maluje obrazy świeckie, Jeźdźca i portrety, wykorzystując jasne momenty kolorystyczne w kompozycji obrazu „Hrabina Yu. P. Samoilova”. Jego obrazy i portrety komponowane są z kontrastów światła i cienia. . Pod wpływem tradycyjnego akademickiego klasycyzmu Karl Bryullov nadał swoim obrazom autentyczność historyczną, ducha romantycznego i prawdę psychologiczną. (1806-1858) Znakomity mistrz gatunku historycznego. Przez około dwie dekady Iwanow pracował nad swoim głównym obrazem „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, podkreślając swoje żarliwe pragnienie przedstawienia przyjścia Jezusa Chrystusa na ziemię. Na początkowym etapie są to obrazy Apollo, Hiacynt i Cyprys 1831–1833, Pojawienie się Chrystusa Marii Magdalenie po zmartwychwstaniu w 1835 r. Podczas swojego krótkiego życia Iwanow stworzył wiele dzieł, dla każdego obrazu namalował wiele szkiców krajobrazów i portrety. Iwanow to człowiek o niezwykłej inteligencji, zawsze starający się ukazać w swoich dziełach elementy ruchów ludowych. (1815-1852) Mistrz ruchu satyrycznego, który położył podwaliny pod realizm krytyczny w gatunku codziennym. Świeży kawaler 1847 i Wybredna panna młoda 1847,

Gość Muzeum Rosyjskiego, przechodząc z wystawy malarstwa ikon do sali Piotra I, doświadcza wrażeń podobnych do tych, których doświadczył Neo w filmie „Matrix”, który wyjął czerwoną pigułkę z rąk Morfeusza. Właśnie teraz otaczały nas duchowe obrazy, jasne kolory i harmonijne linie, które tylko niejasno przypominały to, co było widoczne wokół nas, ale swoim bezcielesnym pięknem reprezentowały w naszym świecie prawo i porządek ustanowiony podczas tworzenia Wszechświata. Witamy w rzeczywistości – przekraczając próg, schodzimy w ten świat ciemnych barw i przemyślanej fizyczności, wyrzeźbionych przez światło twarzy, jakby odrywających się od czarnego tła. Przyszliśmy patrzeć, ale sami znaleźliśmy się w krzyżującym się ogniu poglądów: prawie wszystkie znajdujące się tutaj eksponaty to portrety. Od tego momentu przez całe nadchodzące stulecie portret stanie się synonimem malarstwa rosyjskiego.

Historia rosyjskiego portretu XVIII wieku jest obrazem wizualnej samoświadomości narodu, rozwijającego się w czasie procesu zdobywania przez Rosjanina „twarzy”. W epoce Piotra Wielkiego ludzie przyzwyczaili się do wyglądu jednostki osadzonej w hierarchii społecznej. Od standardu klasowego, utrwalonego w dość ograniczonym repertuarze póz i mimiki, portret przechodzi do budowania bardziej subtelnych relacji pomiędzy wyglądem a wewnętrznym światem postaci. Wraz z nadejściem sentymentalizmu życie duszy staje się wartością, znakiem osobowości, która harmonijnie łączy naturę i cywilizację. Wreszcie romantyzm i epoka 1812 roku pozwolą, prawdopodobnie po raz pierwszy w sztuce rosyjskiej, narodzić się wizerunek człowieka wewnętrznie wolnego.

Mówiąc o portrecie, musimy pamiętać o kilku rzeczach. Przede wszystkim w społeczeństwie klasowym jest przywilejem, wyznacznikiem i jednocześnie gwarantem statusu modela. W przeważającej większości przypadków bohaterami portretów byli przedstawiciele najwyższych warstw społecznych. Portret, w którym zachowane i uzgodnione zostaną niezbędne konwencje wizerunkowe (poza, kostium, otoczenie i atrybuty), automatycznie poświadczy wysoki status społeczny portretowanej osoby. Portret odzwierciedla i przekazuje standardy zachowań społecznych. Zdaje się mówić: „Przed tobą stoi szlachetny człowiek. Bądź taki jak on! Tak więc od wieków portret szlachecki przedstawia nie tylko szlachcica-aktywistę, ale także osobę, którą charakteryzuje pełna wdzięku swoboda, czyli cecha, która od dawna służy jako fizyczny wyraz szlachetności i wykształcenia, a zatem przynależy do elita.

Portret to rodzaj przemysłu. Już sama natura rynku portretów implikuje wysoki stopień unifikacji. Portrety dość wyraźnie dzielą się na ceremonialne (ceremonialne) i bardziej intymne (prywatne). One z kolei zakładają pewien zestaw formatów, póz i atrybutów, a także odpowiadający im cennik, który uwzględnia, czy artysta sam wykonał portret od początku do końca, czy też powierzył mniej odpowiedzialne obszary pracy praktykantom.

Od pierwszych kroków w starożytnym świecie portret pełnił rolę magiczną: dosłownie zastąpił ukazaną osobę i przedłużył jej istnienie po śmierci. Pamięć o tych archaicznych funkcjach towarzyszyła portretowi nawet wtedy, gdy stał się on jednym z gatunków malarstwa i rzeźby New Age. Przekazywały to zwłaszcza dzieła literackie opisujące wyobrażeniową komunikację z portretem: poetyckie „wywiady” z nim, opowieści o zakochaniu się w portrecie, a w dobie romantyzmu przerażające historie o ożywianiu obrazów. Zawsze mówią, że portret jest „jakby żywy”, „oddycha”, brakuje mu jedynie daru mowy itp. Obrazy opisywane przez poetów z reguły były wytworem ich wyobraźni. Jednak sama tradycja, utrwalona przez literaturę przez wieki, wyznaczyła sposób postrzegania portretu i przypomniała, że ​​przynależy on nie tylko do świata sztuki, ale jest bezpośrednio związany z problematyką ludzkiej egzystencji.

Klasyczna teoria sztuki nie przywiązuje dużej wagi do portretu. Gatunek ten zajmuje również odpowiednie miejsce w hierarchii akademickiej. Pod koniec XVIII w. wierzono na przykład, że „w typie portretowym... zawsze jest wykonywana tylko jedna postać i przeważnie w tej samej pozycji... Tego typu nie można... w porównaniu z historycznym…”. W tym czasie portret, kojarzony z naśladowaniem niedoskonałej natury, nie powinien był stać się zajęciem prestiżowym. Tymczasem w Rosji rozwinęła się inna sytuacja: pożądany przez społeczeństwo portret stał się jedną z najpewniejszych dróg artysty do sukcesu. Począwszy od Louisa Caravaque’a, Ivana Nikitina czy Georga Groota, tworzenie portretów było jednym z głównych zadań malarzy dworskich. Ale artysta pierwszej połowy XVIII wieku jest nadal pracownikiem wieloetapowym: poddany Szeremietiew Iwan Argunow spełnił różne zachcianki swojego właściciela i zakończył karierę gospodyni, porzucając malarstwo; Andriej Matwiejew i Iwan Wiszniakow nadzorowali architektów i dekoratorów Kancelarii z budynków; Aleksiej Antropow miał podobne obowiązki na Synodzie. Jednak za tylko jeden egzemplarz własnego portretu koronacyjnego Piotra III, zamówionego przez Senat, artysta otrzymał 400 rubli – tylko o jedną trzecią mniej niż jego roczna pensja synodalna.

Aleksiej Antropow. Portret Piotra III. 1762

Wraz z założeniem Akademii Sztuk Pięknych w 1757 roku sytuacja zaczęła się zmieniać. Wcześniej rosyjski portrecista, niczym uczeń renesansu, uczył się swojego rzemiosła w pracowni praktykującego artysty lub pobierał lekcje u odwiedzającej go gwiazdy. Czterdziestoletni Antropow poprawił swoje umiejętności pod okiem Pietro Rotari, malarza o europejskiej renomie, który przeprowadził się do Rosji. Argunow studiował u Groota i na polecenie cesarzowej sam uczył malarstwa śpiewaków, którzy „spali z głosów”, wśród których był przyszły malarz historyczny Anton Losenko. Obecnie podstawą edukacji artysty była sprawdzona przez pokolenia metoda holistyczna. W 1767 roku w Akademii powstała klasa portretu.

Mimo pozornie niskiego statusu gatunku, spośród dziewięciu studentów pierwszego roku studiów, którzy ukończyli Akademię, pięciu ukończyło studia jako portreciści, a tylko dwóch specjalizowało się w malarstwie historycznym. Portrety zajmowały ważne miejsce na wystawach akademickich i pozwoliły artyście zrobić pełnoprawną karierę - zostać „mianowanym” (czyli członkiem korespondentem), a nawet akademikiem. Pierwszy tytuł Borovikovsky otrzymał w 1794 r. za przedstawienie Katarzyny II podczas spaceru po parku Carskie Sioło, a rok później drugi za portret wielkiego księcia Konstantego Pawłowicza. Portret osoby wykonującej zawód twórczy sam w sobie mógłby symbolicznie podnieść jej status. Lewicki przedstawił architekta Kokorinowa w 1769 r. według standardów portretu męża stanu: rektor Akademii Sztuk z mieczem i luksusowym garniturem wartym roczną pensję, gestem pełnym szlachetności wskazuje na sekretarza skarbiec akademicki, pieczęć Akademii i jej plan. Cztery lata później artysta dosłownie odtworzy ten schemat na portrecie wicekanclerza księcia Golicyna.

Władimir Borowikowski. Katarzyna II na spacerze po parku Carskie Sioło. 1794Państwowa Galeria Trietiakowska

Władimir Borowikowski. Portret wielkiego księcia Konstantego Pawłowicza. 1795Państwowe Muzeum Sztuki Czuwasz

Dmitrij Lewicki. Portret A.F. Kokorinowa. 1769

Dmitrij Lewicki. Portret wicekanclerza księcia A. M. Golicyna. 1772Państwowa Galeria Trietiakowska

Druga połowa stulecia otwiera przed portrecistą alternatywę – pracę na prywatne zamówienia. Fiodor Rokotow najprawdopodobniej pochodził z pańszczyzny, ale służył jako szlachta w wydziale wojskowym. Kiedy jego kariera w Akademii Sztuk nie układała się pomyślnie, w latach 1766-1767 przeniósł się do Moskwy, a szlachta dawnej stolicy stanowiła dla artysty liczną klientelę. Na jego przykładzie możemy zorientować się, jaka jest pozycja poszukiwanego malarza. Za portret królewski namalowany z własnej inicjatywy Katarzyna przyznała Rokotowowi 500 rubli. Pierwszy historiograf sztuki rosyjskiej XVIII wieku, Jakub Sztelin, zaświadcza, że ​​już w Petersburgu artysta był „tak zręczny i sławny, że nie był w stanie sam udźwignąć wszystkich zamówionych dla niego dzieł... Miał około 50 portretów w jego mieszkaniu bardzo podobne, nic na nich nie zostało wykończone poza głową [to zapewne sugerowało udział czeladników]”. Jeśli w latach siedemdziesiątych XVIII wieku jego standardowy portret kosztował 50 rubli, to w latach osiemdziesiątych XVIII wieku wyceniono go już na sto. Pozwoliło to artyście kupić działkę za 14 000 rubli, wybudować na niej dwupiętrowy kamienny dom, zostać członkiem Klubu Angielskiego i zasłużyć na zirytowaną uwagę współczesnego: „Rokotow stał się arogancki i ważny po sławie”.

Fiodor Rokotow. Portret koronacyjny Katarzyny II. 1763 Państwowa Galeria Trietiakowska

Kontrast pomiędzy malarstwem ikonowym a portretem z XVIII wieku wyraźnie ukazuje radykalizm rewolucji Piotra Wielkiego. Ale europeizacja form wizualnych rozpoczęła się wcześniej. W XVII wieku mistrzowie Komnaty Zbrojowej i inni izografowie stworzyli hybrydę ikony i portretu - parsuna (od słowa „osoba”, które w pierwszej połowie XVIII wieku zastąpiło w Rosji słowo „portret”). Już pod koniec XVII w. Parsuna z całą mocą posługiwała się zapożyczonym od Polski i Ukrainy schematem europejskiego portu paradnego. Z portretu wyszło zadanie – pojawienie się osoby w jej roli społecznej. Ale środki wizualne pod wieloma względami pozostają ikoniczne: płaskość formy i przestrzeni, konwencjonalność struktury ciała, tekst objaśniający w obrazie, ozdobna interpretacja ubioru i atrybutów. Cechy te utrwaliły się jeszcze długo w XVIII w. w portretach szlacheckich prowincjonalnych, w portretach kupców i duchownych.

Portret cara Aleksieja Michajłowicza. Parsun autorstwa nieznanego rosyjskiego artysty. Koniec lat 70. XVII w. – początek lat 80. XVII w Państwowe Muzeum Historyczne

Emeryt Piotra Iwan Nikitin, który studiował we Włoszech, jest pierwszym rosyjskim mistrzem, który „zapomniał” o parsunie. Jego portrety są dość proste w kompozycji, posługuje się jedynie kilkoma typami ikonograficznymi, rzadko maluje dłonie i preferuje ciemną kolorystykę. Jego portrety charakteryzują się często szczególną prawdopodobieństwem, twarz interpretowana jest z wyrazistym reliefem, uznanie przeważa nad idealizacją. Kanclerz Gabriel Gołowkin to idealny obraz merytokratycznej monarchii Piotra: wydłużona piramida ujętej w świetle postaci, zwieńczonej owalną twarzą otoczoną peruką. Spokojną godność, dumę i pewność siebie przekazuje bohaterowi powściągliwa, ale naturalna poza i bezpośrednie spojrzenie witające widza. Uroczysta koszulka z napisami i wstążką niemal zlewa się z tłem, pozwalając skupić całą uwagę na twarzy. Ciemne otoczenie wypycha Gołowkina na zewnątrz, dłoń jego lewej ręki wyznacza granicę przestrzeni płótna, a filigranowy niebieski łuk porządku zdaje się przez nią przebijać, wchodząc w naszą przestrzeń. Ten obrazowy zabieg, wzmacniający iluzję obecności, pomaga jednocześnie zmniejszyć psychologiczny i społeczny dystans pomiędzy modelem a widzem, który w przedpietrowej parsunie był nie do pokonania.

Iwan Nikitin. Portret kanclerza stanu hrabiego G. I. Gołowkina. 1720 Państwowa Galeria Trietiakowska

Andriej Matwiejew, który wrócił z Holandii, stworzył swój portret z młodą żoną około 1729 roku. Jeśli zgodzić się z tą powszechnie przyjętą dzisiaj identyfikacją, to mamy przed sobą nie tylko pierwszy znany autoportret rosyjskiego malarza. Ten obraz zwykłych ludzi ukazuje nieoczekiwaną wówczas dla Rosji równowagę między mężczyznami i kobietami. Lewą ręką artysta uroczyście chwyta dłoń swego towarzysza; prawą ręką, obejmując ją opiekuńczo, kieruje ją w stronę widza. Jednak całe formalne znaczenie tych gestów dominacji i zawłaszczenia zostaje nieoczekiwanie wymazane. Na bardzo prosto zorganizowanym płótnie postać kobieca znajduje się nie tylko po prawej stronie mężczyzny, ale także zajmuje dokładnie tę samą przestrzeń obrazu co on, a głowy małżonków znajdują się ściśle wzdłuż tej samej linii, jakby zamrożone łuski na tym samym poziomie.

Andriej Matwiejew. Autoportret z żoną. Prawdopodobnie 1729 Państwowe Muzeum Rosyjskie

Portret z połowy stulecia jest w przeważającej części portretem nie osobowości, ale statusu. Typowym przykładem są małżonkowie Łobanow-Rostów, namalowany przez Iwana Argunowa (1750 i 1754). Mimo całej znajomości bohaterów, widz widzi przede wszystkim „szlachetnego szlachcica” i „łaskawą piękność”, której pozycję raz na zawsze wyznacza mundur, gronostajowy płaszcz i strój ze srebrnym haftem. Artysta połowy XVIII wieku – rosyjski i zagraniczny – niezwykle starannie przekazuje kostium i jego elementy: tkaninę, szycie, koronkę; szczegółowo opisuje biżuterię i nagrody. W portretach Argunowa ciało bohatera jest ograniczone przestrzenią, rozłożone na płaszczyźnie płótna, a tkaniny i dekoracje malowane są z taką szczegółowością, że przywodzą na myśl parsunę z jej dekoracyjnością i szczególną, powierzchowną wizją człowieka. ciało.

Iwan Argunow. Portret księcia I. I. Łobanowa-Rostowskiego. 1750Państwowe Muzeum Rosyjskie

Iwan Argunow. Portret księżniczki E. A. Łobanowej-Rostowskiej. 1754Państwowe Muzeum Rosyjskie

Dziś bardziej cenimy dzieła rosyjskiego portretu z XVIII wieku, w których konwencjonalny obraz wydaje się tracić swoją integralność, a przyzwoitość (równowaga ideału i rzeczywistości w portrecie) zostaje naruszona na rzecz prawdopodobieństwa. Stąd oczywiście bierze się urok, jaki dla współczesnego widza ma wizerunek dziesięcioletniej Sary Fermor (1749). Podwładny jej ojca w Urzędzie Budowlanym, Iwan Wiszniakow, przedstawił dziecko w obrazie dorosłej dziewczynki, wpisując delikatną postać w uroczystą kompozycję z kolumną i ciężarem kurtyny w tle. Stąd atrakcyjność takich obrazów, w których twarz pozbawiona zewnętrznego piękna wydaje się być kluczem do prawdziwego oddania charakteru: takie są portrety Antropowa dam państwowych Anastazji Izmailowej (1759) czy Anny Buturliny (1763).

Iwan Wiszniakow. Portret Sary Eleonory Fermor. 1749Państwowe Muzeum Rosyjskie

Aleksiej Antropow. Portret damy stanu A. M. Izmailova. 1759Państwowa Galeria Trietiakowska

Aleksiej Antropow. Portret AV Buturliny. 1763Państwowa Galeria Trietiakowska

W tym rzędzie znajdują się portrety pary Chripunowa autorstwa Argunowa (1757). Kozma Khripunov, starszy mężczyzna z masywnym nosem, ściska w dłoniach złożoną kartkę papieru i jakby odrywając wzrok od czytania, zatrzymuje widza ostrym spojrzeniem. Jego młoda żona trzyma w dłoniach otwartą książkę i patrzy na nas ze spokojną godnością (według ksiąg konfesjonału Feodosia Chripunowa prawdopodobnie nie ma więcej niż dwadzieścia lat: bohaterowie XVIII-wiecznych portretów często wyglądają na starszych niż ich wiek) . W przeciwieństwie do współczesnej Francji, gdzie w epoce Encyklopedii książka nie była rzadkością nawet na portrecie arystokratycznym, postacie na rosyjskich obrazach z XVIII wieku bardzo rzadko są przedstawiane jako lektury. Ubogie w atrybuty i powściągliwe w stylu portrety pary Chrypunowów w Europie zostałyby zaliczone do portretów trzeciego stanu, odzwierciedlających wartości Oświecenia. W nich – jak na przykład w portrecie doktora Leroya autorstwa Jacques’a Louisa Davida (1783) – ważny jest nie status, ale aktywność bohatera, nie dobroć wyglądu, ale rzetelnie przedstawiony charakter.

Iwan Argunow. Portret K. A. Khripunowa. 1757

Iwan Argunow. Portret Kh. M. Khripunowej. 1757Moskiewskie Muzeum-Osiedle „Ostankino”

Jacques’a Louisa Davida. Portret doktora Alphonse'a Leroya. 1783 Muzeum Fabre

Po raz pierwszy we współczesnej Rosji nazwiska Rokotowa i Lewickiego kojarzą się z ideą ściśle indywidualnego stylu, który wydaje się podporządkowywać model sobie: teraz można śmiało mówić o kobiecie „wychodzącej z płótna Rokotowa” ”, o panu „z portretu Lewickiego”. Różni się stylem i duchem, obaj malarze sprawiają, że w swoich portretach można zobaczyć nie tylko wizerunki konkretnych osób, ale także poczuć malarstwo jako takie, które wpływa na pociągnięcie pędzla, fakturę, kolor - niezależnie od tematu. Świadczy to oczywiście o stopniowej zmianie statusu artysty, jego samooceny i powstającym zainteresowaniu społecznym sztuką.

Rokotow jest pierwszym w Rosji mistrzem portretu emocjonalnego. Rozwój jego manier wiąże się z wpływem włoskiego Rotary, którego dziewczęce „głowy” powszechnie uważane są za pikantne rokokowe bibeloty. Ale Rokotow widział w nich przykład różnorodnych, subtelnych, nieuchwytnych intonacji - co wyróżnia obrazy samego rosyjskiego artysty. Z ciemnego tła swoich poprzedników Rokotow odchodzi niczym mgła na bliżej nieokreślone tło, nie tyle przybliżając postać do widza, co ją wchłaniając. Ciało ubrane w mundur lub sukienkę nabiera podrzędnego znaczenia, twarz jest teraz całkowicie dominująca. Warto przyjrzeć się bliżej temu, jak Rokotow maluje oczy: w takich rzeczach jak słynny portret Aleksandry Struyskiej (1772) źrenica jest malowana stopionymi pociągnięciami podobnych kolorów z jasnym podkreśleniem - spojrzenie traci klarowność, ale zyskuje głębię . Nieostrość otoczenia, gładkość konturu w połączeniu z rozmytym, ale intensywnym spojrzeniem bohaterów tworzą wrażenie wielowymiarowości charakteru, niemające odpowiednika w portretach rosyjskich, w których – zwłaszcza dla kobiet – emocje odgrywają rolę rola decydująca. Pod tym względem bohaterowie Rokotowa to ludzie sentymentalizmu, w którym priorytetem nie są role społeczne i ambicje, ale głębia emocjonalna i mobilność umysłowa człowieka.

Fiodor Rokotow. Portret A. P. Struyskiej. 1772 Państwowa Galeria Trietiakowska

Nie wydaje się przypadkiem, że wyrafinowany, choć pozbawiony efektów zewnętrznych styl Rokotowa ukształtował się w Moskwie wraz z tradycją życia prywatnego, nepotyzmu i przyjaźni, którą pielęgnował. W tym samym czasie w arystokratycznej i dworskiej stolicy Katarzyny, podążając za światową modą artystyczną, rozkwitł najwybitniejszy malarz Rosji XVIII wieku Dmitrij Lewicki. W twórczości pochodzącego z rodziny ukraińskiego księdza, absolwenta petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych, malarstwo rosyjskie po raz pierwszy osiągnęło poziom europejski. Został obdarzony darem tworzenia pełnokrwistych i szlachetnych obrazów, umiejętnością hipnotyzującego dokładnego przekazywania różnorodnych tekstur - tkanin, kamienia, metalu, ludzkiego ciała. Jednocześnie szereg jego dzieł wprowadziło sztukę rosyjską w kontekst zaawansowanych ruchów umysłowych epoki.

Tak więc idee podporządkowania autokracji prawu, istotne dla rosyjskiego oświecenia, ucieleśniał Lewicki w obrazie „Katarzyna II - Prawodawca w świątyni bogini sprawiedliwości” (1783). Uroczysty portret władcy zawsze ucieleśnia jego oficjalny wizerunek. Płótno Lewickiego to wyjątkowy przypadek, gdy wizerunek monarchy, w pełni spełniający kanony gatunku, jest przesłaniem społeczeństwa do władcy, przekazującym aspiracje oświeconej szlachty.

Dmitrij Lewicki. Portret Katarzyny Ustawodawcy w Świątyni Bogini Sprawiedliwości. 1783 Państwowe Muzeum Rosyjskie

Cesarzowa w wieńcu laurowym i koronie cywilnej, poświęcając swój pokój, pali maki na ołtarzu stojącym pod posągiem Temidy z napisem „dla dobra wspólnego”. Na cokole rzeźby wyrzeźbiony jest profil Solona, ​​ateńskiego prawodawcy. Orzeł cesarski siedzi na księgach praw, a w morzu otwierającym się za królową widoczna jest flota rosyjska pod flagą św. Andrzeja z laską Merkurego, znakiem handlu chronionego, czyli pokoju i dobrobytu. Oprócz edukacyjnej idei praworządności możliwe są tu także inne podteksty polityczne. Sugerowano, że płótno miało stać się centrum zespołu portretów Dumy Rycerzy Zakonu Św. Włodzimierza i stanąć w Sofii w Carskim Siole, stając się tym samym częścią aparatu ideologicznego Katarzyny.

Portret ten, którego program należy do Mikołaja Lwowa, a zamówienie Aleksandra Bezborodki, był prawdopodobnie pierwszym dziełem malarstwa rosyjskiego, które okazało się wydarzeniem publicznym. Jest to zgodne z odą Państwa Wina, która ukazała się w tym samym roku 1783. W tym samym czasie Ippolit Bogdanowicz opublikował zwrotkę do artysty, do której Lewicki, rozwijając ideologiczny program portretu, był pierwszym przypadkiem, w którym rosyjski malarz zwrócił się bezpośrednio do publiczności. Tym samym portret przejął funkcje narracyjnego płótna historycznego, które formalizuje idee ekscytujące społeczeństwo i staje się wydarzeniem dla stosunkowo szerokiej publiczności. To jeden z pierwszych symptomów nowego procesu dla Rosji: sztuka piękna przestaje służyć utylitarnym potrzebom elity (reprezentacja ambicji politycznych i osobistych, dekoracja życia, wizualizacja wiedzy itp.), a stopniowo staje się ważnym elementem kultury narodowej, organizując dialog pomiędzy różnymi częściami społeczeństwa.

Siedem płócien z serii „Smolanka”, powstałych w latach 1772–1776, przedstawia dziewięcioro uczennic Instytutu Smolnego, szlacheckich panien w różnym „wieku” (okresach studiów). To pomnik eksperymentu, który odzwierciedlał kluczowe idee europejskiego oświecenia: wychowanie nowego człowieka, zaawansowana edukacja kobiet. Wyraźnie wskazują też na stopniową zmianę podejścia do okresów życia człowieka: jeśli wcześniej dziecko na portrecie rosyjskim było z reguły przedstawiane jako mały dorosły, to kobiety Smolanki demonstrują kroki na drodze do dorastania, które było zaprezentowany po raz pierwszy w tej serii portretów – przechodzi w odrębny, niezależny etap. Dziewczyny tańczą i odgrywają role teatralne, ale zamykające cykl dwa wizerunki „starszych studentek” Glafiry Alymowej i Ekateriny Molchanovej zdają się to podsumowywać, ucieleśniając dwie hipostazy oświeconej kobiety. Alymova gra na harfie, reprezentując sztuki związane ze zmysłową naturą człowieka. Mol-cha-nova reprezentuje zasadę intelektualną. Pozuje z książką i pompą próżniową – nowoczesnym narzędziem pozwalającym zgłębiać materialną naturę świata. Z atrybutu portretu zamienia się tutaj w oznakę zaawansowanej wiedzy opartej na eksperymencie naukowym.

Dmitrij Lewicki. Portret Teodozji Rżewskiej i Nastazji Davydowej. 1771–1772Państwowe Muzeum Rosyjskie

Dmitrij Lewicki. Portret Ekateriny Nelidovej. 1773Państwowe Muzeum Rosyjskie

Dmitrij Lewicki. Portret Ekateriny Chruszczowej i Ekateriny Chowanskiej. 1773Państwowe Muzeum Rosyjskie

Dmitrij Lewicki. Portret Aleksandry Levshiny. 1775Państwowe Muzeum Rosyjskie

Dmitrij Lewicki. Portret Ekateriny Molchanovej. 1776Państwowe Muzeum Rosyjskie

Dmitrij Lewicki. Portret Glafiry Alymowej. 1776Państwowe Muzeum Rosyjskie

Dmitrij Lewicki. Portret Natalii Borszczowej. 1776Państwowe Muzeum Rosyjskie

Prace Włodzimierza Borowikowskiego, ucznia i rodaka Lewickiego, wyraźnie pokazują, że wartości sentymentalistyczne w ostatnich dziesięcioleciach XVIII wieku stały się podstawą przedstawienia osoby prywatnej. Teraz portret jest wyraźnie podzielony na przedni i prywatny. Wizerunek „diamentowego księcia” Kurakina (1801–1802), nazywany tak ze względu na zamiłowanie do biżuterii i ostentacyjny przepych, błyszczy zamierzonym luksusem. Podobnie jak wiele obrazów Goi pokazuje, że przepych malarstwa staje się jednym z ostatnich argumentów na rzecz wielkości arystokracji: same modelki nie zawsze są już w stanie przeciwstawić się patosowi dyktowanemu przez gatunek.

Władimir Borowikowski. Portret księcia A. B. Kurakina. 1801-1802 Państwowa Galeria Trietiakowska

Hybrydową cechą „ery wrażliwości” jest wizerunek Katarzyny II w Carskim Siole (patrz wyżej). Pełnometrażowy portret na tle pomnika chwały wojskowej zaprojektowany jest w sposób wyraźnie intymny: przedstawia cesarzową w szlafroku podczas samotnego spaceru alejkami parku. Katarzynie nie podobał się ten portret, ale najprawdopodobniej zasugerował Puszkinowi inscenizację spotkania Maszy Mironowej z cesarzową w „Córce kapitana”. To właśnie u Borowikowskiego krajobraz po raz pierwszy wśród rosyjskich artystów stał się stałym tłem portretu, oznaczając cały zespół idei związanych z ideami naturalności, wrażliwości, życia prywatnego i jedności pokrewnych dusz.

Natura jako projekcja przeżyć emocjonalnych jest cechą charakterystyczną kultury sentymentalizmu, wskazującą, że wewnętrzny świat człowieka staje się wartością bezwarunkową. To prawda, że ​​​​w wielu dziełach Borowikowskiego „zaangażowanie bohatera w naturę” przybiera charakter banału, wskazując, że wrażliwość i naturalność stały się modą. Jest to szczególnie widoczne w mistrzowsko wykonanych portretach kobiecych, podążających za ideałem młodej „naturalnej” urody i odtwarzających pozy i atrybuty modelki. Z drugiej strony ta rama portretu pasterskiego umożliwiła włączenie do bohaterów poddanych. Takimi są na przykład „Lizynka i Daszinka” (1794) - dziewczęta lwowskie z podwórza, które patronowały malarzowi, z wyglądu niemal nie do odróżnienia od młodych szlachcianek.

Władimir Borowikowski. Lizynka i Dasza. 1794 Państwowa Galeria Trietiakowska

Jeśli w osobie Lewickiego i Borowikowskiego malarstwo rosyjskie wpisywało się w współczesne trendy artystyczne, wówczas kolejne pokolenie rosyjskich portrecistów rozwiązało nowy problem: ich sztuka w końcu nawiązała dialog z wielkim malarstwem Europy XVI-XVII wieku , którego tradycja była przed Piotrowa, Rosji Rosyjskiej nie było. Warunkiem było utworzenie już w epoce Katarzyny kolekcji Ermitażu o wyjątkowej jakości, a także długie wyjazdy zagraniczne młodych artystów, którzy pomyślnie ukończyli Akademię. Karl Bryullov skonstruował własny wizerunek w oparciu o wzory „starego mistrza”, a jednocześnie odtworzył na ziemi rosyjskiej świetność ceremonialnego portretu Vandycka z jego symfonicznym luksusem koloru („Jeździec”, 1831; portret sióstr Sziszmariewów , 1839).

Orest Kiprensky. Portret ojca artysty Adama Karlovicha Schwalbe. Państwowe Muzeum Rosyjskie z 1804 r

W portrecie Puszkina (1827) dialog z tradycją budowany jest na poziomie ikonografii, wciąż zrozumiałej dla Europejczyka przełomu XVIII i XIX wieku. Ręce poety skrzyżowane na piersi i wzrok skierowany w przestrzeń są echem personifikacji melancholii – temperamentu, który od czasów renesansu uważany był za przejaw geniuszu.

Orest Kiprensky. Portret A. S. Puszkina. 1827 Państwowa Galeria Trietiakowska

Pokolenie 1812 roku stało się zbiorowym bohaterem twórczości Kiprenskiego. Portrety te wyróżniają się swobodnym „zachowaniem” bohaterów, niespotykanym w sztuce rosyjskiej. Porównanie „formalnego” portretu pułkownika Evgrafa Davydova (1809) z serią graficznych portretów uczestników Wojny Ojczyźnianej 1812-1814 (Aleksiej Lanski, Michaił Łanski, Aleksiej Tomiłow, Efim Chaplits, Piotr Olenin i inni, wszyscy 1813) ma charakter orientacyjny. Pierwsza różnicuje typ portretu szlacheckiego charakterystycznego dla Europy XVIII i początków XIX wieku. Poza Davydova nie tylko ukazuje bezstronną swobodę, ale ikonograficznie uszlachetnia postać, nawiązując bowiem do słynnego „Odpoczywającego Satyra” Praksytelesa: doskonałość klasycznego posągu gwarantuje godność bohatera płótna. Ale zmysłowy spokój cielesny satyra to tylko druga strona jego zwierzęcej natury, a Kiprensky doskonale wykorzystuje tę pamięć pierwowzoru (jednocześnie symboliczną i plastyczną), tworząc obraz bohatera pogrążonego w zrelaksowanym spokoju , ale może się wyprostować jak sprężyna. Każdy z ołówkowych portretów młodych „weteranów” także w pewnym stopniu podlega jakiejś kliszy portretowej, jednak razem wykazują niespotykaną dotąd swobodę graficzną i różnorodność rozwiązań formalnych: skrętów ciała, pochyleń głowy, gestów, spojrzeń. W każdym indywidualnym przypadku artysta wychodził nie od z góry ustalonych ról, ale od ujawnionej mu osobowości. Ta swoboda postaci, w połączeniu z demonstracyjną łatwością wykonania, stanowią widoczne ucieleśnienie wewnętrznej „samodzielności” pokolenia – poczucia wolności niespotykanego dotychczas w historii Rosji.

Majestatyczne i różnorodne malarstwo rosyjskie zawsze zachwyca niestałością i doskonałością form artystycznych. Jest to cecha dzieł znanych mistrzów sztuki. Zawsze zadziwiali nas niezwykłym podejściem do pracy, pełnym szacunku podejściem do uczuć i wrażeń każdego człowieka. Być może dlatego rosyjscy artyści tak często przedstawiali kompozycje portretowe, które żywo łączyły emocjonalne obrazy i epicko spokojne motywy. Nic dziwnego, że Maksym Gorki powiedział kiedyś, że artysta jest sercem swojego kraju, głosem całej epoki. Rzeczywiście, majestatyczne i eleganckie obrazy rosyjskich artystów żywo oddają inspirację swoich czasów. Podobnie jak aspiracje słynnego autora Antona Czechowa, wielu starało się wprowadzić do rosyjskiego malarstwa niepowtarzalny smak swojego ludu, a także nieugaszone marzenie o pięknie. Trudno nie docenić niezwykłych obrazów tych mistrzów majestatycznej sztuki, ponieważ pod ich pędzlami rodziły się naprawdę niezwykłe dzieła różnych gatunków. Malarstwo akademickie, portret, malarstwo historyczne, pejzaż, dzieła romantyzmu, modernizmu czy symboliki – wszystkie one wciąż przynoszą radość i inspirację swoim widzom. Każdy znajdzie w nich coś więcej niż kolorowe kolory, wdzięczne linie i niepowtarzalne gatunki światowej sztuki. Być może taka obfitość form i obrazów, którymi zaskakuje malarstwo rosyjskie, wiąże się z ogromnym potencjałem otaczającego ich świata. Lewitan powiedział także, że każda nuta bujnej natury kryje w sobie majestatyczną i niezwykłą paletę barw. Przy takim początku dla pędzla artysty pojawia się wspaniała przestrzeń. Dlatego wszystkie rosyjskie obrazy wyróżniają się wyjątkową surowością i atrakcyjnym pięknem, od którego tak trudno się oderwać.

Malarstwo rosyjskie słusznie odróżnia się od sztuki światowej. Faktem jest, że aż do XVII wieku malarstwo rosyjskie kojarzone było wyłącznie z tematyką religijną. Sytuacja uległa zmianie wraz z dojściem do władzy reformującego się cara Piotra Wielkiego. Dzięki jego reformom rosyjscy mistrzowie zaczęli zajmować się malarstwem świeckim, a malarstwo ikonowe wyodrębniło się jako odrębny kierunek. Wiek XVII to czas twórczości takich artystów jak Szymon Uszakow i Józef Władimirow. Następnie w rosyjskim świecie sztuki pojawił się portret i szybko stał się popularny. W XVIII wieku pojawili się pierwsi artyści, którzy przeszli od portretu do malarstwa pejzażowego. Zauważalna jest wyraźna sympatia artystów do zimowych panoram. Wiek XVIII zapisał się także w pamięci z pojawieniem się malarstwa codziennego. W XIX wieku w Rosji popularność zyskały trzy ruchy: romantyzm, realizm i klasycyzm. Tak jak poprzednio, rosyjscy artyści nadal zwracali się ku gatunkowi portretów. Wtedy pojawiły się światowej sławy portrety i autoportrety O. Kiprensky'ego i V. Tropinina. W drugiej połowie XIX wieku artyści coraz częściej przedstawiali zwykłych Rosjan w ich uciskanym państwie. Realizm staje się centralnym kierunkiem malarstwa tego okresu. Wtedy właśnie pojawili się artyści wędrowni, przedstawiający tylko prawdziwe, prawdziwe życie. Cóż, wiek XX to oczywiście awangarda. Artyści tamtych czasów wywarli znaczący wpływ zarówno na swoich zwolenników w Rosji, jak i na całym świecie. Ich obrazy stały się prekursorami sztuki abstrakcyjnej. Malarstwo rosyjskie to ogromny, wspaniały świat utalentowanych artystów, którzy swoimi dziełami wychwalali Rosję.