W XVII wieku Holandia stała się modelowym krajem kapitalistycznym. Prowadziło rozległy handel kolonialny, posiadało potężną flotę, a przemysł stoczniowy był jedną z wiodących gałęzi przemysłu.

Historia malarstwa holenderskiego XVII wieku. doskonale ukazuje ewolucję twórczości jednego z największych portrecistów w Holandii Fransa Halsa(około 1580-1666). W latach 10-30 Hals dużo pracował w gatunku portretów grupowych. Jest to w zasadzie przedstawienie cechów strzeleckich - korporacji oficerów zajmujących się obroną i ochroną miast. Mieszczanie chcieli być uwiecznieni na płótnie, płacili określoną opłatę za prawo do przedstawienia, a artysta musiał pamiętać o tym, aby każdemu modelowi poświęcić jednakową uwagę. Ale to nie podobieństwo portretowe urzeka nas w pracach Halsa. Wyrażają ideały młodej republiki, poczucie wolności, równości i koleżeństwa. Z płócien tych lat wyglądają radośni, energiczni, przedsiębiorczy ludzie, pewni swoich umiejętności i przyszłości („Gildia Strzelców św. Adriana”, 1627 i 1633; „Gildia Strzelców św. Jerzego”, 1627). Hale zwykle przedstawia ich na przyjacielskiej uczcie, na wesołej uczcie. Duży rozmiar kompozycji, wydłużona w poziomie, szerokie, pewne pismo, intensywne, nasycone kolory (żółty, czerwony, niebieski itp.) tworzą monumentalny charakter obrazu. Artysta występuje w roli historiografa całej epoki.m

Rozkwit malarstwa pejzażowego w szkole holenderskiej datuje się na połowę XVII wieku. Największym mistrzem pejzażu realistycznego był Jacob van Ruisdael (1628/29-1682), artysta o niewyczerpanej wyobraźni. Jego prace są zazwyczaj pełne głębokiej dramatyzmu, niezależnie od tego, czy przedstawia leśne zarośla (Leśne bagna), pejzaże z wodospadami (Wodospad), czy romantyczny pejzaż z cmentarzem (Cmentarz Żydowski). Natura Ruisdaela objawia się w dynamice, w wiecznej odnowie. Nawet najprostsze motywy natury pod pędzlem artysty nabierają monumentalnego charakteru. Ruisdael ma tendencję do łączenia starannego przedstawienia z wielką integralnością żywotną z obrazem syntetycznym.

Jedynie pejzaż morski (przystań) wykonał Jan Porcellis (ok. 1584-1632). Obok realistycznego, czysto holenderskiego pejzażu istniał wówczas jeszcze inny kierunek: pejzaże o charakterze włoskim, ożywiane postaciami mitologicznymi, postaciami ludzi i zwierząt.

Holenderska martwa natura to jedna z artystycznych realizacji najważniejszego tematu sztuki holenderskiej – tematu życia prywatnego zwykłego człowieka. Temat ten jest w pełni zawarty w filmie gatunkowym. W latach 20-30 XVII w. Holendrzy stworzyli szczególny rodzaj malarstwa małych postaci. Lata 40. i 60. to okres rozkwitu malarstwa, wychwalającego spokojne, mieszczańskie życie Holandii, mierzone codziennością.

Lata 40. i 50. to czas dojrzałości twórczej. Zmieniło się nie tylko życie zewnętrzne Rembrandta, Przede wszystkim on sam się zmienił. Jest to czas formowania się jego systemu twórczego, z którego wiele stanie się przeszłością i w którym nabędzie się inne, bezcenne cechy. W tym okresie często sięga do wcześniejszych dzieł, aby przerobić je w nowy sposób. Tak było na przykład w przypadku „Danae”, który napisał już w 1636 r. Już wtedy najważniejsze zostało wyrażone na tym obrazie: zasada zmysłowa, pogańska, w pewnym stopniu „Tycjan” był w nim tylko częścią ogół w wyrażaniu złożonych przeżyć emocjonalnych, pojedynczy impuls emocjonalny. Klasyczny, piękny, ale także abstrakcyjny w swoim pięknie ideał został zastąpiony wyrazem życiowej prawdy, jasną indywidualnością fizycznego makijażu. To brzydkie ciało zostało oddane niezwykle realistycznie. Ale Rembrandt nie był usatysfakcjonowany prawdą zewnętrzną. Zwracając się do malarstwa w latach 40. artysta spotęgował swój stan emocjonalny. Część centralną z bohaterką i służącą przepisał na nowo.

Portrety zmarłego Rembrandta bardzo różnią się od portretów z lat 30., a nawet 40. XX wieku. Te niezwykle proste (w połowie długości lub obok siebie) wizerunki osób bliskich artyście w ich wewnętrznej strukturze są zawsze przenośnym wyrazem wieloaspektowej osobowości ludzkiej, uderzającej zdolnością mistrza do przekazywania niepewnych, nieuchwytnych ruchów duchowych.

Rembrandt wiedział, jak stworzyć portret biograficzny; podkreślając jedynie twarz i dłonie, wyraził całą historię życia

Sztuka Francji XVII wieku.

Sztuka francuska XV wieku. opiera się na tradycjach francuskiego renesansu. Obrazy i grafiki Fouqueta i Cloueta, rzeźby Goujona i Pilona, ​​zamki z czasów Franciszka I, pałac Fontainebleau i Luwr, poezja Ronsarda i proza ​​Rabelais, filozoficzne eksperymenty Montaigne’a, wszystko to nosi to piętno klasycystycznego pojmowania formy, ścisłej logiki, racjonalizmu, rozwiniętego poczucia łaski, - tj. która ma się w pełni urzeczywistnić w XV wieku. w filozofii Kartezjusza, w dramaturgii Corneille'a i Racine'a, w malarstwie Poussina i Lorraina.

W dziedzinie sztuk pięknych proces kształtowania się klasycyzmu nie był już tak jednolity.

W pierwszej architekturze zarysowane są cechy nowego stylu, choć nie nabierają one pełnego kształtu. W Pałacu Luksemburskim, zbudowanym dla wdowy po Henryku IV, regentce Marii Medycejskiej, przez Salomona de Brosse, wiele zaczerpnięto z gotyku i renesansu, ale fasada jest już podzielona na porządek, który byłby charakterystyczny dla klasycyzmu. „Maison-Lafitte” François Mansarta, przy całej złożoności swoich tomów, stanowi jedną całość, przejrzysty projekt, skłaniający się ku normom klasycystycznym.

W malarstwie sytuacja była bardziej skomplikowana, gdyż przeplatały się tu wpływy manieryzmu, flamandzkiego i włoskiego baroku. Na malarstwo francuskie pierwszej połowy stulecia wpływał zarówno karawagizm, jak i sztuka realistyczna Holandii. W każdym razie wpływy te można wyraźnie dostrzec w twórczości braci Lenain. W obrazach Louisa Le Naina nie ma charakteru narracyjnego ani ilustracyjnego, kompozycja jest ściśle przemyślana i statyczna, detale są szczegółowo weryfikowane i dobierane tak, aby ujawnić przede wszystkim etyczne i moralne podstawy dzieła. W obrazach Lenaina duże znaczenie ma pejzaż.

Ostatnio coraz częściej w literaturze poświęconej historii sztuki nazwę ruchu, do którego należy Louis Le Nain, określa się terminem „malarstwo świata rzeczywistego”. Twórczość artysty Georgesa de La Tour należy do tego samego kierunku. W swoich pierwszych pracach o tematyce gatunkowej Latour jawi się jako artysta bliski Caravaggio. Już we wczesnych dziełach Latoura przejawia się jedna z najważniejszych cech: niewyczerpana różnorodność jego obrazów, przepych koloru, umiejętność tworzenia monumentalnie znaczących obrazów w malarstwie gatunkowym.

Druga połowa lat 30. – 40. to czas dojrzałości twórczej Latoura. W tym okresie mniej zajmował się tematyką gatunkową i malował głównie obrazy o tematyce religijnej. Język artystyczny Latoura jest zwiastunem stylu klasycystycznego: rygor, klarowność konstrukcyjna, klarowność kompozycji, równowaga plastyczna uogólnionych form, nienaganna integralność sylwetki, statyka. Przykładem jest jedna z jego późniejszych prac „Św. Sebastian i Święte Żony” z idealnie piękną postacią Sebastiana na pierwszym planie, przypominającą antyczną rzeźbę, w której ciele – jako symbol męczeństwa – artysta przedstawia tylko jedno przebite strzałka.

Klasycyzm powstał u szczytu społecznego ożywienia narodu francuskiego i państwa francuskiego. Podstawą teorii klasycyzmu był racjonalizm, oparty na systemie filozoficznym Kartezjusza, przedmiot sztuki klasycyzmu głoszono jedynie jako piękny i wzniosły, a starożytność służyła za ideał etyczny i estetyczny. Twórca nurtu klasycystycznego w malarstwie francuskim XV wieku. został Nicolasem Poussinem. Tematyka obrazów Poussina jest różnorodna: mitologia, historia, Nowy i Stary Testament. Bohaterowie Poussina to ludzie o silnym charakterze i majestatycznych czynach, o wysokim poczuciu obowiązku wobec społeczeństwa i państwa. Społeczny cel sztuki był dla Poussina bardzo ważny. Wszystkie te cechy zawarte są w rodzącym się programie klasycyzmu. Sztuka znaczącego myślenia i czystego ducha również rozwija pewien język. Miara i porządek, równowaga kompozycyjna stają się podstawą malarskiego dzieła klasycyzmu. Gładki i wyraźny liniowy rytm oraz posągowa plastyczność doskonale oddają surowość i majestat idei i postaci. Kolorystyka opiera się na współbrzmieniu mocnych, głębokich tonów. To harmonijny świat sam w sobie, który nie wykracza poza granice malowniczej przestrzeni, jak w baroku.

Twórczość Poussina przypada na pierwszą połowę stulecia, naznaczoną rozwojem życia społecznego i artystycznego we Francji oraz aktywną walką społeczną. Stąd ogólna, postępowa orientacja jego sztuki, bogactwo jej treści. Odmienna sytuacja ukształtowała się w ostatnich dziesięcioleciach XVII w., w okresie największego umocnienia się absolutystycznego ucisku i tłumienia postępowych zjawisk myśli społecznej, kiedy centralizacja rozprzestrzeniła się na artystów zrzeszonych w Akademii Królewskiej i zmuszona swoją sztuką służyć gloryfikacji. monarchii. W tych warunkach ich sztuka utraciła swą głęboką treść społeczną, a na pierwszy plan wyszły słabe, ograniczone cechy metody klasycystycznej.

Sztuka flamandzkia XVII wieku.

Sztuka flamandzka to przede wszystkim Rubens i jeszcze raz Rubens. Chociaż w tym samym czasie we Flandrii działali inni wybitni artyści, wszyscy oni są uważani za „krąg Rubensa”, „szkołę Rubensa”, niczym planety krążące wokół słońca Rubensa.

Wiek XVII to czas powstania we Flandrii narodowej szkoły artystycznej malarstwa. Podobnie jak we Włoszech, barok stał się tutaj oficjalnym ruchem dominującym. Jednak barok flamandzki pod wieloma względami znacznie różni się od włoskiego. Barokowe formy przepełnione są tu poczuciem kipiącego życia i barwnego bogactwa świata, poczuciem spontanicznej siły wzrostu człowieka i natury. W ramach baroku cechy realistyczne rozwinęły się w większym stopniu niż we Włoszech.

Podstawa kultury artystycznej Flandrii - realizm, nacjonalizm, jasna radość, uroczyste święto - została najpełniej wyrażona w malarstwie. Malarze flamandzcy uwiecznili na swoich płótnach poetyckie, zmysłowe piękno świata i wizerunek osoby pełnej zdrowia i niewyczerpanej energii.

Zadania zdobienia zamków rodzinnych, pałaców arystokracji i kościołów katolickich przyczyniły się do powszechnego stosowania w malarstwie potężnej sztuki zdobniczej opartej na efektach kolorystycznych.

Głową flamandzkiej szkoły malarstwa był Peter Paul Rubens (1577-1640). Wszechstronnie utalentowany i znakomicie wykształcony Rubens był artystą o ogromnych możliwościach twórczych i burzliwym temperamencie. Urodzony muralista, utalentowany dyplomata, biegły w kilku językach, naukowiec i humanista, był honorowany na dworach książęcych i królewskich w Mantui, Madrycie, Paryżu i Londynie. Artysta o bujnej wyobraźni Rubens był twórcą kolosalnych, żałosnych kompozycji. Dynamika form, siła plastycznej wyobraźni, triumf zasady dekoracyjnej stanowią podstawę jego twórczości. Jednocześnie sztuka Rubensa jest zasadniczo realistyczna. Świeżość spojrzenia na życie i chęć nadania wszystkiemu ukazanemu przekonania o prawdzie stanowią istotę jego twórczości.

Flamandzkie martwe natury. W XVII wieku martwa natura została uznana za niezależny gatunek. Odzwierciedla zainteresowanie światem materialnym, które ma swoje korzenie w „malowaniu rzeczy” w sztuce holenderskiej początku XV wieku i kulcie życia prywatnego. Flamandzkie „sklepy z bydłem” zachwycają hałaśliwą radością i świąteczną dekoracyjnością. Płótna o dużych rozmiarach i jasnej kolorystyce służą jako dekoracja ścian przestronnych pałaców szlachty flamandzkiej, wychwalając piękno ziemskiej egzystencji, bogactwo życia wiejskiego, owoce ziemi, morza i rzek.

Antonis (Anton, Anthony) van Dyck flamandzki malarz i grafik, mistrz portretu dworskiego i tematyki religijnej w tym stylu barokowy.

Van Dyck wcześnie dał się poznać jako mistrz portretu i malarstwa o tematyce religijnej i mitologicznej. Z 1618 Przez 1620 g. pracował w warsztacie Rubensa. Tworzy dzieła o tematyce religijnej, często w kilku wersjach: „ Ukoronowanie koroną cierniową» « Pocałunek Judasza„Niesienie krzyża” „Św. Marcin i żebracy”, „Męczeństwo św. Sebastiana”

Jacob Jordaens ( Holandia Jacob Jordaens) ( 19 maja 1593, Antwerpia - 18 października 1678, Antwerpia) - flamandzki artysta. Od 1607 studiował u Adama van Noorta. W 1616 roku poślubił swoją córkę. Całe życie mieszkał w Południowa Holandia, dopiero w 1641 roku pracował na krótko w Anglia. Jego obrazy można znaleźć w każdym kościele w Antwerpii. Nawet po tym, jak się skontaktował kalwinizm w 1645 r. Kościół katolicki nadal zlecał mu prace. Uważa się, że Jordaens jest szczególnie po śmierci Rubensa, który wywarł na niego wielki wpływ, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli flamandzkich barokowy.

Malarstwo francuskie XIX w

lata 20 XIX wiek były dla Francji czasem kształtowania się sztuki romantycznej. Młodzi artyści wypowiedzieli prawdziwą wojnę swoim nauczycielom. Historycy nazwali ich występ „romantyczną bitwą”, a jego bohaterem był malarz Eugene Ferdinand Victor Delacroix. Delacroix – francuski malarz I harmonogram, lider romantyczny tendencje w malarstwie europejskim. Artyści romantyczni, niezależnie od kanonów, jakie obowiązywały w sztukach plastycznych poprzednich epok, chętnie sięgali po tematykę niecodzienną, kojarzoną z szaleństwem, zjawiskami nadprzyrodzonymi, przemocą czy egzotyką (czyli wychodzeniem poza „normalność”). Liderem był Delacroix we Francji tego trendu. Eugene Delacroix urodził się w miejscowości Charenton-Saint-Maurice pod Paryżem. Przyszły artysta został wcześnie osierocony. W 1815 roku został terminatorem w warsztacie Pierre'a Narcisse'a Guerina (1774-1833), u którego niedawno studiował Theodore Gericault. Współcześni Delacroix z uwagą śledzili przebieg rewolucji wyzwoleńczej w Grecji w latach 1821-1829. (od XV w. Grecja znajdowała się pod panowaniem tureckim). Delacroix wybrał być może najbardziej tragiczną stronę greckiego eposu. We wrześniu 1821 roku tureckie siły karne zniszczyły ludność cywilną Chios, greckiej wyspy na Morzu Egejskim, u wybrzeży Azji Mniejszej. Zginęło ponad czterdzieści tysięcy Greków, a około dwadzieścia tysięcy dostało się do niewoli. Odpowiedzią artysty na te wydarzenia był obraz „Masakra na Chios” (1824), na którym na pierwszym planie znajdują się postacie skazanego na zagładę Chios w kolorowych łachmanach; tłem są ciemne sylwetki uzbrojonych Turków. Większość jeńców jest obojętna na swój los, jedynie dzieci na próżno błagają rodziców, aby ich chronili.Delacroix zainteresował się nowoczesnością i w 1830 roku stworzył obraz „Wolność wiodąca lud (28 lipca 1830)”. Artysta nadał prostemu epizodowi walk ulicznych ponadczasowy, epicki wydźwięk.W 1832 roku Delacroix towarzyszył misji dyplomatycznej do Algierii i Maroka. Zaraz po powrocie do Paryża artysta zaczął malować „Algierskie kobiety w swoich komnatach” (1833). Od końca lat 20. XIX wiek malarz stworzył szereg obrazów batalistycznych poświęconych średniowiecznej historii Francji. W „Bitwie pod Nancy” (1828–1834) wojska – szare, zjednoczone masy z wielobarwnymi plamami twarzy i sztandarami – poruszają się niezdarnie po zaśnieżonej równinie pod matowym, żółtym niebem zachodzącego słońca. Eugene Delacroix był najbardziej niezależnym malarzem francuskim pierwszej połowy XIX wieku.

JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) Na początku XIX wieku. powszechnie uznanym liderem wśród artystów francuskich był Jacques Louis David – najkonsekwentniejszy przedstawiciel neoklasycyzmu w malarstwie i wrażliwy kronikarz swoich burzliwych czasów.Dawid urodził się w Paryżu w zamożnej rodzinie mieszczańskiej. W 1766 wstąpił do Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby. Cechą charakterystyczną kultury francuskiej tamtych lat była powszechna fascynacja antykiem. W 1781 roku David został przyjęty na członka Akademii Królewskiej i otrzymał prawo do udziału w jej wystawach - Salonach Luwru. Już w 1776 r. opracowano program rządowy zachęcający do tworzenia wielkich obrazów „mających ożywiać cnoty i uczucia patriotyczne”. Dawidowi zaproponowano fabułę z wczesnej historii Rzymu - wyczyn trzech braci ze szlacheckiej rodziny Horatii.Aby pracować nad obrazem „Przysięga Horatii” (1784), Dawid udał się do Rzymu. Kiedy płótno było już gotowe i artysta wystawił je publiczności, podstawą całej kompozycji jest liczba trzy: trzy łuki, trzy grupy postaci, trzy miecze, trzy ręce, chętnie sięgające po broń. W latach 1795-1799 David i jego uczniowie pracowali nad obrazem „Kobiety Sabińskie przerywające bitwę między Rzymianami a Sabinkami”. Według niego chciał „przedstawić starożytne zwyczaje z taką dokładnością, aby Grecy i Rzymianie, gdyby mieli okazję zobaczyć moje prace, nie uznali mnie za obcego ich zwyczajom”. W 1799 r. w wyniku kolejnego zamachu stanu do władzy doszedł Napoleon Bonaparte. Dawid, podobnie jak wielu byłych rewolucjonistów, z radością przyjął to wydarzenie na okazałym obrazie „Koronacja Napoleona I i cesarzowej Józefiny w katedrze Notre Dame 2 grudnia 1804 r.” (1807) David stworzył kolejny mit - przepych ołtarza i przepych strojów dworzan działają na widza nie gorzej niż nędzne meble i stare prześcieradła Marata.Po klęsce Napoleona Dawid, który kiedyś głosował w Konwencji o wyroku śmierci Ludwika XVI, został zmuszony do opuszczenia Francji. Artysta wyjechał do Brukseli (należącej wówczas do Królestwa Niderlandów), gdzie mieszkał aż do śmierci. Pracował dalej: pilnie, ale bez natchnienia, malował portrety podobnych sobie wygnańców i zajmował się tematyką starożytną.

Tymczasem jest to szczególny obszar kultury europejskiej warty bardziej szczegółowych badań, który odzwierciedla pierwotne życie mieszkańców Holandii w tamtym czasie.

Historia wyglądu

Wybitni przedstawiciele sztuki artystycznej zaczęli pojawiać się w kraju w XVII wieku. Francuscy kulturolodzy nadali im potoczną nazwę – „mały Holender”, która nie jest związana ze skalą talentu, a oznacza przywiązanie do pewnych tematów z życia codziennego, w przeciwieństwie do stylu „wielkiego” z dużymi płótnami o tematyce historycznej lub mitologicznej. Historia powstania malarstwa holenderskiego została szczegółowo opisana w XIX wieku i autorzy prac na jej temat również posługiwali się tym terminem. „Małych Holendrów” wyróżniał świecki realizm, zwrócenie się do otaczającego świata i ludzi oraz posługiwanie się bogatym w tonację malarstwem.

Główne etapy rozwoju

Historię malarstwa holenderskiego można podzielić na kilka okresów. Pierwszy trwał mniej więcej od 1620 do 1630 roku, kiedy to w sztuce narodowej ugruntował się realizm. Drugi okres malarstwa niderlandzkiego przypadł na lata 1640-1660. Jest to czas prawdziwego rozkwitu lokalnej szkoły artystycznej. Wreszcie trzeci okres, czas, w którym malarstwo holenderskie zaczęło podupadać – od 1670 roku do początków XVIII wieku.

Warto zauważyć, że w tym czasie zmieniły się ośrodki kultury. W pierwszym okresie w Haarlemie pracowali czołowi artyści, a głównym przedstawicielem była Khalsa. Następnie ośrodek przeniósł się do Amsterdamu, gdzie najważniejsze dzieła wykonali Rembrandt i Vermeer.

Sceny z życia codziennego

Wymieniając najważniejsze gatunki malarstwa holenderskiego, należy koniecznie zacząć od życia codziennego – najbardziej żywego i oryginalnego w historii. To Flamandowie odsłonili światu sceny z życia codziennego zwykłych ludzi, chłopów i mieszczan czy mieszczan. Pionierami byli Ostade i jego zwolennicy Audenrogge, Bega i Dusart. Na wczesnych obrazach Ostade'a ludzie grają w karty, kłócą się, a nawet walczą w tawernie. Każdy obraz wyróżnia się dynamicznym, nieco brutalnym charakterem. Malarstwo holenderskie tamtych czasów także opowiada o scenach spokojnych: na niektórych pracach chłopi rozmawiają przy fajce i szklance piwa, spędzają czas na jarmarku lub w gronie rodziny. Wpływ Rembrandta doprowadził do powszechnego stosowania miękkiego światłocienia w kolorze złotym. Sceny miejskie inspirowały artystów takich jak Hals, Leicester, Molenaar i Codde. W połowie XVII wieku mistrzowie przedstawiali lekarzy, naukowców w trakcie pracy, własnych warsztatów, prac domowych, czy też Każda fabuła miała mieć charakter rozrywkowy, czasem groteskowo dydaktyczny. Niektórzy mistrzowie byli skłonni do poetyzacji życia codziennego, np. Terborch przedstawiał sceny grania muzyki lub flirtu. Metsu zastosował jasne kolory, zamieniając codzienność w święto, natomiast de Hooch inspirował się prostotą życia rodzinnego, skąpanego w rozproszonym świetle dnia. Późniejsi przedstawiciele gatunku, do których zaliczają się tacy holenderscy mistrzowie malarstwa, jak Van der Werff i Van der Neer, w pogoni za eleganckim przedstawieniem, często tworzyli tematy nieco pretensjonalne.

Przyroda i krajobrazy

Ponadto malarstwo holenderskie jest szeroko reprezentowane w gatunku pejzażowym. Po raz pierwszy pojawił się w dziełach takich mistrzów z Haarlemu, jak van Goyen, de Moleyn i van Ruisdael. To oni zaczęli przedstawiać obszary wiejskie w pewnym srebrzystym świetle. W jego twórczości na pierwszy plan wysunęła się materialna jedność natury. Osobno warto wspomnieć o pejzażach morskich. Do XVII-wiecznych marinistów należeli Porsellis, de Vlieger i van de Capelle. Starali się nie tyle oddać określone sceny morskie, ile samą wodę, grę świateł na niej i na niebie.

W drugiej połowie XVII wieku w gatunku pojawiły się bardziej emocjonalne dzieła o ideach filozoficznych. Jan van Ruisdael maksymalnie odsłonił piękno holenderskiego krajobrazu, ukazując go w całej jego dramatyczności, dynamice i monumentalności. Hobbem, który preferował słoneczne krajobrazy, kontynuował swoje tradycje. Koninck malował panoramy, a van der Neer tworzył nocne pejzaże i renderował światło księżyca, wschody i zachody słońca. Wielu artystów charakteryzuje się także przedstawianiem zwierząt w pejzażach, na przykład pasących się krów i koni, a także polowań i scen z kawalerzystów. Później artyści zaczęli interesować się obcą przyrodą – zarówno van Laar, Wenix, Berchem, jak i Hackert przedstawiali Włochy skąpane w promieniach południowego słońca. Założycielem gatunku był Sanredam, którego najlepszych naśladowców można nazwać braćmi Berkheide i Janem van der Heijdenem.

Obraz wnętrz

Odrębnym gatunkiem, który wyróżniał malarstwo holenderskie w czasach jego świetności, można nazwać sceny z kościołami, pałacami i pokojami domowymi. Wnętrza pojawiały się na obrazach drugiej połowy XVII w. autorstwa mistrzów Delft – Haukgeesta, van der Vlieta i de Witte’a, którzy stali się głównymi przedstawicielami tego ruchu. Wykorzystując techniki Vermeera artyści przedstawiali sceny skąpane w słońcu, pełne emocji i wolumenu.

Malownicze potrawy i potrawy

Wreszcie kolejnym charakterystycznym gatunkiem malarstwa holenderskiego jest martwa natura, zwłaszcza przedstawianie śniadań. Jako pierwsi zajęli się nim mieszkańcy Haarlemu, Claes i Heda, którzy malowali nakryte stoły luksusowymi naczyniami. Malowniczy bałagan i szczególny przekaz przytulnego wnętrza wypełnia srebrzystoszare światło, charakterystyczne dla srebra i cyny. Artyści z Utrechtu malowali martwe natury z bujnymi kwiatami, a w Hadze artyści szczególnie dobrze radzili sobie z przedstawianiem ryb i gadów morskich. W Lejdzie narodził się filozoficzny kierunek gatunku, w którym czaszki i klepsydry współistnieją z symbolami zmysłowych przyjemności lub ziemskiej chwały, mającymi przypominać o przemijaniu czasu. Martwa natura z kuchni demokratycznej stała się znakiem rozpoznawczym szkoły artystycznej w Rotterdamie.

Główne nurty, etapy rozwoju malarstwa i malarzy ikonicznych Holandii.

Malarstwo holenderskie

Wstęp

Malarstwo holenderskie XVII wieku bywa błędnie uważane za sztukę dla mieszczaństwa, podziwiającego malarstwo flamandzkie tego okresu i nazywającego je dworskim, arystokratycznym. Nie mniej błędny jest pogląd, że artyści holenderscy zajmują się jedynie przedstawianiem najbliższego otoczenia człowieka, wykorzystując w tym celu pejzaże, miasta, morza i życie ludzi, sztuka flamandzka natomiast zajmuje się malarstwem historycznym, które w teorii sztuki uważane jest za bardziej wysublimowane gatunek muzyczny. Natomiast budynki użyteczności publicznej w Holandii, od których oczekiwano imponującego wyglądu, a także zamożni goście, niezależnie od ich przekonań religijnych i pochodzenia, wymagali obrazów o tematyce alegorycznej lub mitologicznej.

Jakikolwiek podział szkoły malarstwa holenderskiego na gałęzie flamandzkie i holenderskie do początków XVII wieku. ze względu na ciągłą wymianę twórczą pomiędzy obszarami byłoby to sztuczne. Na przykład Pieter Aertsen, urodzony w Amsterdamie, zanim w 1557 roku wrócił do rodzinnego miasta, pracował w Antwerpii, a jego uczeń i bratanek Joachim Bukelaer spędził w Antwerpii całe życie. W związku z podpisaniem unii utrechckiej i wyodrębnieniem siedmiu prowincji północnych wielu mieszkańców po latach 1579–1581. wyemigrował z północnej Holandii do protestanckiej części sztucznie podzielonego kraju.

"Rzeźnik". Artsena.

Rozwój sztuki

Impuls do samodzielnego rozwoju malarstwa holenderskiego wyszli od artystów flamandzkich. Bartholomeus Spranger, urodzony w Antwerpii i kształcony w Rzymie, stał się twórcą wirtuozowskiego, dworskiego, sztucznego stylu, który w wyniku tymczasowego pobytu Sprangera w Wiedniu i Pradze stał się „językiem” międzynarodowym. W 1583 roku malarz i teoretyk sztuki Karel van Mander sprowadził ten styl do Haarlemu. Jednym z głównych mistrzów manier z Haarlemu lub Utrechtu był Abraham Bloemaert.

Następnie Isaiah van de Velde, urodzony w Holandii w rodzinie emigrantów z Flandrii, a studiujący w kręgu malarzy skupionym wokół flamandzkich artystów Davida Vinkboonsa i Gilliesa Koninksloe, wypracował w swoich wczesnych obrazach realistyczny styl malarski, nawiązujący do Jana Bruegla Starszego, z jasną gradacją kolorystyczną planów artystycznych. Około 1630 roku w Holandii zadomowił się trend ujednolicenia przestrzeni artystycznej i łączenia kolorów z różnych warstw. Od tego czasu wieloaspektowy charakter przedstawionych rzeczy ustąpił miejsca poczuciu przestrzeni i atmosferze przewiewnej mgły, które zostały przekazane poprzez stopniowo rosnące monochromatyczne użycie koloru. Isaiah van de Velde ucieleśniał tę stylistyczną rewolucję w sztuce wraz ze swoim uczniem Janem van Goenem.

Zimowy krajobraz. Velde.

Jeden z najbardziej monumentalnych pejzaży wysokiego baroku, „Wielki Las” Jacoba van Ruisdaela, należy do kolejnego okresu rozwoju malarstwa holenderskiego. Widz nie musi już doświadczać raczej amorficznego wyglądu rozległej przestrzeni w szaro-brązowych odcieniach z kilkoma uderzającymi motywami; odtąd sprawia wrażenie stałej, energetycznie zaakcentowanej struktury.

Malarstwo rodzajowe

Holenderskie malarstwo rodzajowe, które w zasadzie trudno nazwać portretami życia codziennego, często niosącymi przesłanie moralistyczne, reprezentowane jest w Wiedniu przez dzieła wszystkich jego głównych mistrzów. Jej centrum stanowiła Lejda, gdzie Gerard Doux, pierwszy uczeń Rembrandta, założył szkołę znaną jako Leiden School of Fine Painting (fijnschilders).

Malarstwo figuratywne

Spotkanie władz spółki. Fransa Halsa.

Trzej najwięksi holenderscy mistrzowie malarstwa figuratywnego, Frans Hals, Rembrandt i Johannes Vermeer z Delft, podążali za sobą w odstępach niemal pokoleń. Hals urodził się w Antwerpii i pracował w Haarlemie głównie jako portrecista. Dla wielu stał się uosobieniem otwartego, pogodnego i spontanicznego malarza wirtuoza, zaś sztuka myśliciela Rembrandta – jak to się mówi – odsłania korzenie ludzkich losów. Jest to zarówno sprawiedliwe, jak i błędne. To, co od razu rzuca się w oczy, patrząc na portret lub portret grupowy Halsa, to umiejętność oddania w ruchu osoby przepełnionej emocjami. Aby zobrazować ulotną chwilę, Hals używa otwartych, zauważalnie nieregularnych pociągnięć, przecinających się zygzakami lub kreskowania. Daje to efekt stale połyskującej powierzchni, niczym szkic, który łączy się w jeden obraz dopiero przy oglądaniu z pewnej odległości. Po zwrocie „prezentów” Rothschilda, wyrazisty portret mężczyzny w czerni został zakupiony do kolekcji księcia Liechtensteinu i tym samym wrócił do Wiednia. Kunsthistorisches Museum posiada tylko jeden obraz Franza Halsa, portret młodego mężczyzny, który znajdował się już w kolekcji Karola VI jako jeden z nielicznych przykładów sztuki „protestanckiej” w Holandii. Portrety powstałe w późnym okresie twórczości Halsa bliższe są dziełom Rembrandta pod względem penetracji psychologicznej i braku pozowania.

Dzięki subtelnym przejściom odcieni i obszarom światłocienia światłocień Rembrandta zdaje się otaczać postacie w rezonansowej przestrzeni, w której rezyduje nastrój, atmosfera, coś nieuchwytnego, a nawet niewidzialnego. Twórczość Rembrandta w Wiedeńskiej Galerii Obrazów reprezentowana jest wyłącznie przez portrety, choć Matkę artysty i Syna artysty można uznać również za jednopostaciowe obrazy historyczne. W tzw. „Dużym Autoportrecie” z 1652 roku artysta pojawia się przed nami w brązowej bluzce, z twarzą zwróconą w trzech czwartych. Jego spojrzenie jest pewne siebie, a nawet wyzywające.

Vermeera

Niedramatyczna sztuka Vermeera, skupiona wyłącznie na kontemplacji, uznawana była za odzwierciedlenie holenderskiej klasy średniej, już niezależnej i zadowolonej z tego, co posiada. Prostota koncepcji artystycznych Vermeera jest jednak zwodnicza. Ich klarowność i spokój są wynikiem precyzyjnej analizy, obejmującej wykorzystanie najnowszych wynalazków technicznych, takich jak kamera obscura. „Alegoria malarstwa”, powstała około 1665-1666, szczytowe dzieło Vermeera pod względem pracy z kolorem, można nazwać jego najbardziej ambitnym malarstwem. Zapoczątkowany przez pochodzącego z północnej Holandii Jana van Eycka proces biernej, zdystansowanej kontemplacji nieruchomego świata, od zawsze pozostawał głównym tematem malarstwa holenderskiego i w twórczości Vermeera osiągnął alegoryczną, a zarazem prawdziwą apoteozę.

Malarstwo holenderskie