Danas bismo vam htjeli reći nešto o tim ljudima koji su, po našem mišljenju, među najvećima neobični umetnici modernost. Oni koriste nestandardne tehnike, neobične ideje, ulažući svu svoju kreativnost i talenat u svoje jedinstvene radove.

1. Lorenzo Duran

Njegov metod stvaranja slika zasniva se na istorijskim studijama rezanja papira u Kini, Japanu, Nemačkoj i Švajcarskoj. Sakuplja lišće, pere ga, suši, presuje i pažljivo rezbari svoje slike na njima.

2. Nina Aoyama

Na prvi pogled može se činiti da ova mlada Francuskinja ne radi ništa posebno - ona jednostavno izrezuje papir. Ali ona lijepi svoje izreze na tkaninu ili staklo, a rezultat je tako lijep!

3. Claire Morgan

Britanska umjetnica Claire Morgan stvara neobične instalacije koje se smrzavaju u zraku. Radni materijal umjetnika su suhe biljke, žitarice, insekti, plišane životinje i svježe voće. Hiljade detalja za instalaciju pričvršćene su na tanku ribarsku liniju sa vrhunskom preciznošću. Vazdušne skulpture Claire Morgan posvećene su Zemlji i svom životu koji na njoj živi.

4. Mike Stilkey

Mike Stilkey stvara slike od korbova knjiga. On gradi čitav zid od knjiga i slika svoje slike na njihovim kičmama. Mike dugo vremena Sanjao sam da objavim album sa svojim slikama, ali nijedna izdavačka kuća se za to nije pozabavila. Njegovo slikarstvo nije naišlo na odjek među kritičarima. Tada je umjetnik odlučio da knjige pričaju o njegovom radu.

5. Jim Denevan

Jim crta uzorke u pijesku s neviđenom matematičkom preciznošću. Jim slika uglavnom na plažama, ali na plaži U poslednje vreme počeo je da slika u pustinjama. „Nemam toliko vremena na plaži kao u pustinji“, kaže on. “Na kraju krajeva, okean sve spere vrlo brzo.”

6. Vhils

Njegovi radovi su neobični po tome što ih zagrebe u stari gips.

7. Bruce Munro

U svom radu radi sa svjetlom. Ne tako davno, njegova instalacija drugog svjetlosnog polja otvorena je u engleskom gradu Bathu. To je polje prošarano lampama na tankim plastičnim stabljikama. Izgleda kao set za film Avatar.

8. Jason Mecier

Problem ovisnosti o drogama je akutan u cijelom svijetu. U pokušaju da skrene pažnju šire javnosti na nju, talentovanu Američki umjetnik Jason Mecier je napravio portrete zvijezda od tableta. Najzanimljivije je da je umjetnik kao materijal za svoje slike koristio samo tablete, koje se izdaju po posebnom receptu, koji nije mogao legalno nabaviti. Može se reći da je Jason počinio nezakonit čin, ali je time skrenuo pažnju na nedozvoljenu distribuciju droge.

9. Jennifer Maestre

Slikarstvo je, ako ne uzmemo u obzir realiste, uvijek bilo, jeste i biće čudno, metaforično, tražeći nove forme i sredstva izražavanja. No, postoji niz slika čija neobičnost nikoga ne može ostaviti ravnodušnim.
Čini se da neka umjetnička djela pogađaju gledatelja preko glave, zapanjujuće i zadivljujuće; neki vas uvlače u razmišljanje i traženje slojeva značenja, tajne simbolike. Neke slike obavijene su tajnama i mističnim misterijama, a neke iznenađuju previsokim cijenama.

10 najčudnijih slika na svijetu

1. Edvard Munch "The Scream"

1893, karton, ulje, tempera, pastel. 91×73,5 cm
Nacionalna galerija, Oslo

Ostavljajući mnogim ljudima vrlo neprijatan okus, pa čak i zastrašujuću sliku, “Vrisak” je možda jedna od najčudnijih slika na svijetu.

Krik se smatra značajnim ekspresionističkim događajem i jednom od najpoznatijih slika na svijetu.
“Išao sam stazom sa dva prijatelja - sunce je zalazilo - odjednom je nebo postalo krvavo crveno, zastao sam, osećajući se iscrpljeno, i naslonio se na ogradu - pogledao sam krv i plamen preko plavičasto-crnog fjorda i grad – moji prijatelji su krenuli dalje, a ja sam stajao drhteći od uzbuđenja, osjećajući beskrajni vrisak koji prodire prirodu”, rekao je Edvard Munch o istoriji slike.

2. Paul Gauguin „Odakle smo došli? Ko smo mi? Gdje idemo?"
1897-1898, ulje na platnu. 139,1×374,6 cm
Muzej likovne umjetnosti, Boston

Duboko filozofska slika postimpresioniste Paula Gauguina naslikana je na Tahitiju, gdje je pobjegao iz Pariza. Po završetku posla, čak je želio da izvrši samoubistvo, jer je vjerovao: “Vjerujem da ova slika ne samo da nadmašuje sve moje prethodne, već da nikada neću stvoriti nešto bolje ili čak slično.”

3. Pablo Picasso “Guernica”
1937, ulje na platnu. 349×776 cm
Muzej kraljice Sofije, Madrid

Ne morate biti stručnjak za umjetnost da biste vidjeli mnogo bola u ovoj nena prvi pogled čudnoj slici. Ogromna freska "Guernica", koju je Picasso naslikao 1937. godine, priča priču o napadu dobrovoljačke jedinice Luftwaffea na grad Gerniku, usljed kojeg je šestohiljadni grad potpuno uništen. Slika je naslikana bukvalno za mesec dana - prvih dana rada na slici Pikaso je radio 10-12 sati, a već na prvim skicama se videlo glavna ideja. Ovo je jedan od najbolje ilustracije noćna mora fašizma, kao i ljudska okrutnost i tuga.

4. Jan van Eyck “Portret bračnog para Arnolfini”
1434, drvo, ulje. 81,8×59,7 cm
London National Gallery, London

Slika na prvi pogled ne odaje utisak čudnog i neshvatljivog dela, ali tera gledaoce da se ukoče i zagledaju.

Portret navodno Giovannija di Nicolaa Arnolfinija i njegove supruge jedno je od najsloženijih djela zapadne škole sjevernorenesansnog slikarstva.
Čuvena slika je u potpunosti ispunjena simbolima, alegorijama i raznim referencama – sve do potpisa „Jan van Eyck je bio ovdje“, koji ju je pretvorio ne samo u umjetničko djelo, već u istorijski dokument, potvrđujući stvarni događaj na kojem je umjetnik bio prisutan.

5. Mikhail Vrubel “Demon koji sjedi”
1890, ulje na platnu. 114×211 cm
Tretjakovska galerija, Moskva

Neobičnost ove slike prvenstveno leži u na neočekivan način demon. Tužni dugokosi tip nimalo ne liči na uobičajenu ljudsku ideju o tome kako bi trebao izgledati zli duh. Sam umjetnik je govorio o svojoj najpoznatijoj slici: „Demon nije toliko zao duh koliko patnički i žalosni, u isto vrijeme moćan, veličanstven duh.

6. Vasilij Vereščagin “Apoteoza rata”
1871, ulje na platnu. 127×197 cm
Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Vereščagin je jedan od glavnih ruskih bojnih slikara, ali je slikao ratove i bitke ne zato što ih je volio. Naprotiv, pokušavao je ljudima prenijeti svoj negativan stav prema ratu. Jednog dana Vereščagin je, u žaru emocija, uzviknuo: „Još bojne slike Neću pisati - to je to! Ono što pišem primam previše k srcu, plačem (bukvalno) za tugom svakog ranjenog i ubijenog.” Vjerovatno je rezultat ovog uzvika bila strašna i neobično fascinantna slika “Apoteoza rata” koja prikazuje polje, vrane i planinu ljudskih lobanja.

7. Grant Wood "American Gothic"
1930, ulje. 74×62 cm
Umetnički institut u Čikagu, Čikago

"American Gothic" je jedan od najpoznatijih prepoznatljive slike V Američka umjetnost XX vijeka, najpoznatiji umjetnički mem XX i XXI veka. Neobičnost slike odmah upada u oči. Slika sa sumornim ocem i kćerkom ispunjena je detaljima koji ukazuju na ozbiljnost, puritanizam i retrogradnu prirodu prikazanih ljudi. Ljuta lica, vile u sredini slike, odjeća koja je staromodna čak i po standardima iz 1930. godine, otkriveni lakat, šavovi na farmerskoj odjeći koji ponavljaju oblik vila, a time i prijetnja koja je upućena svima ko zadire u njih. Sve ove detalje možete gledati beskrajno i suzdržati se od nelagode.

8. René Magritte “Ljubavnici”
1928, ulje na platnu

Slika "Ljubavnici" ("Ljubavnici") postoji u dvije verzije. U jednoj se ljube muškarac i žena čije su glave umotane u belo platno, a na drugom „gledaju“ u posmatrača. Slika iznenađuje i fascinira. Sa dvije figure bez lica, Magritte je prenio ideju o sljepoći ljubavi. O sljepoći u svakom smislu: ljubavnici ne vide nikoga, publika ne vidi njihova prava lica, a osim toga, ljubavnici su misterija čak i jedni drugima.

9. Marc Chagall “Walk”
1917, ulje na platnu
Državna Tretjakovska galerija

Obično izuzetno ozbiljan u svom slikarstvu, Marc Chagall je napisao divan manifest svoje sreće, ispunjen alegorijama i ljubavlju. “Walk” je autoportret sa suprugom Bellom. Njegova voljena se uzdiže u nebo i uskoro će odvući Chagala, koji nesigurno stoji na zemlji, u let, kao da je dodiruje samo prstima svojih cipela. Chagall ima sisu u drugoj ruci - sretan je, ima i sisu u rukama (vjerovatno svoju sliku) i pitu na nebu.

10. Hieronymus Bosch„Bašta zemaljska zadovoljstva»
1500-1510, drvo, ulje. 389×220 cm
Prado, Španija

“Bašta zemaljskih užitaka” najpoznatiji je triptih Hijeronimusa Boscha, koji je ime dobio po temi središnjeg dijela, posvećenog grijehu sladostrasnosti. Do danas nijedna od dostupnih interpretacija slike nije prepoznata kao jedina ispravna.
Trajni šarm i istovremeno neobičnost triptiha leži u načinu na koji umjetnik kroz mnoge detalje izražava glavnu ideju.

Ljudi su tako divna stvorenja, samo neka lažu, sigurno će to iskoristiti! Ali ako ga ne date, lagaće svejedno, bilo da je malo ili veliko, sebe ili nekog drugog - nije važno, glavno da nam je to u krvi. Ali među nama ima takvih varalica kojima mi obični smrtnici ne možemo parirati! Jedan od njih, Holandski umjetnik Sam Moritz Escher je priznao da je sposobnost crtanja sposobnost laganja. Ali ono što najviše iznenađuje jeste da su neki od ovih velikih lažova nadmašili sebe i prevarili samu stvarnost... O njima (tačnije o njihovim kreacijama) ćemo dalje.

Pričajmo o slikama slagalica, slikama iluzija, slikama obmana...
Dakle, možemo identificirati pet vrsta iluzija koje se nalaze u umjetničkim djelima (zapravo ih ima više... ali ovo nije naučni rad, pa neka ih bude pet):
1) Slike na kojima se naizgled ispravna perspektiva zapravo ispostavi da je nemoguća (ovo uključuje i nemoguće figure: na primjer, čuveni Penroseov trougao);
2) Dvostruke slike (slike koje sadrže objekte nevidljive na prvi pogled)
3) Naopačke slike (sadržaj slike se mijenja iz različitih uglova gledišta)
4) Anamorfoze (ove slike se moraju posmatrati iz određenog ugla ili pomoću posebnog ogledala - anamorfoskopa)
5) “Obmane”, teško je reći najistinitiji ili najobvarljiviji tip iluzija: uostalom, u njima prikazani objekti pokušavaju da se pretvaraju da su stvarnost i to ponekad vrlo uspješno.

NEVIDLJIV-VIDLJIV.

Umjetnici su dugo bili fascinirani mogućnošću prikazivanja razna svojstva isti predmet ili pojava. Dakle, počnimo naš razgovor sa slikama koje sadrže nekoliko slika (očiglednih i neočiglednih). Preživjeli dokazi vode nas na jugoistok, u Indiju i Iran. Prevođenje u umjetničke slike legende i vjerovanja svojih zemalja, od pamtivijeka, majstori su slikali slonove, konje i deve od isprepletenih figura ljudi, životinja i ptica.

Krišna (zemaljska inkarnacija Višnua, glavnog boga hinduističke religije) jaše slona sastavljenog od devet ženskih figura. Fragment freske u Džajpuru. Indija. Vrijeme kreiranja nije navedeno.

U Evropi su "dvolične" slike poznate od 15. stoljeća (pa i ranije). U početku su zagonetke bile satirične, crtane prirode, u koje su slike bile „maskirane“ kako bi autor izbjegao trenutnu odmazdu...

Karikatura reformacije. Autor nepoznat. (po mom mišljenju slika je dosta čudna, ali pripada i žanru slagalica)

...ali srećna vremena su za njih nastupila u drugoj polovini 16. veka.
Od vremena Arcimbolda, od 17. vijeka, slike dvostrukog sadržaja prestale su biti rijetke. Najbolje iluzorne slike tog vremena pripadale su njegovom peru. Gledajući Arcimboldove radove, od gledaoca su potrebni određeni psihološki napori da se apstrahuje od mrtve prirode kako bi mogao razaznati ljudsko lice u slagalici, gomili voća, povrća i kućnog pribora.
I obrnuto, samo apstrahujući od crta „lica“ počinjete da razaznajete prave sastojke portreta.

Arcimboldovi radovi, koji su postigli veliki uspjeh za života umjetnika, dugo su se smatrali samo smiješnim, pomalo vulgarnim kuriozitetima. Sve dok nadrealisti nisu vratili izblijedjeli sjaj njegovom imenu.

Rudolf II (Sveti rimski car), naslikan kao Vertumnus, rimski bog godišnjih doba, oko 1590.

Godišnja doba

Ljeto. 1573

Spring.1573


Jesen. 1573


Winter.1573

Četiri sile

Voda

zemlja

Zrak

Slike koje nestaju - sablasne siluete.
Postoji posebna dobrodošlica za stvaranje skrivene slike: kada umjetnici koriste obrise nacrtanih objekata. Po prvi put, slike sa "skrivenim siluetama" pojavile su se, očigledno, u srednjovjekovne Francuske.

Wenzel Hollar (1607-1677) - Landschafts-Kopf

O. Canu Kaplar ljubičica, siluete Bonaparte, njegove žene i sina. 1815

U 19. vijeku život i smrt postali su omiljeni motiv među umjetnicima na dvojnim slikama. Izbliza vidimo dvoje djece kako se igraju, ljubavnike za stolom u kafiću, damu ispred ogledala koja se divi svom prekrasnom odrazu, smiješni par koji se vozi u autu ili leti niz brdo na sankama. A kada se gledaju izdaleka, pretvaraju se u simbol smrti - lobanju.

Charles E. Gilbert, Alles ist eitel (1920)

Razglednica. Moja žena i moja svekrva. Početak dvadesetog veka. Rusija

Tokom proteklih stoljeća umjetnici su, naravno, proširili teme takvih djela.
Toliko je različitih tema u dvostrukim slikama! Mašta i vještina umjetnika pretvaraju mapu planete u žensku glavu, leptire u cvijet, a cvijet u pauka. Zaljubljeni parovi neočekivano se pojavljuju u pupoljku ruže ili u bradi šumskog boga - Leshyja.

Sandro del Prete

Sandro del Prete

André Martins de Barros. Bacchus

André Martins de Barros. Le clown champêtre
web stranica ovog modernog umjetnika (neki od njegovih radova su varijacije na Arcimboldovu temu: na primjer, serija slika o bibliotekaru): amdbartiste.free.fr/galerie/modern-art-e n.html

"Slika koja nestaje" čuveni El Salvador Dali - portret samog umjetnika i njegove supruge Elene Dyakove. Iz daljine - Dalijevo lice u profilu. Kako se približavamo slici, sve jasnije počinjemo da vidimo lik žene koja čita pismo.

Voltaire

Tri doba

Meksički umjetnik Octavio Ocampo privučen je klasičnim španskim motivima. Čini se da je jedan pogled na njegovu sliku dovoljan da se pogodi naslov: „Don Kihot“. Zove se zapravo Don Kihot i Sancho Panza“, jer na njemu jedan pored drugog voze dva nerazdvojna lika iz Servantesovog romana. A ako se pogleda izdaleka, dvije figure se stapaju u lice slavnog Viteza tužne slike.

Octavio Ocampo - Prijateljstvo Don Kihota


Octavio Ocampo columnas-imposibles


Shiva

Buda

Usta cvijeta


Porodica ptica

Generalova porodica

Odsutnost sirene

Ovo je verovatno sve za sada, jer se dosta toga desilo, a sigurno će biti i nastavka (zapravo, već postoji)...

Za ovaj članak koristio sam materijale.

2. Paul Gauguin „Odakle smo došli? Ko smo mi? Gdje idemo?"

897-1898, ulje na platnu. 139,1×374,6 cm
Muzej likovnih umjetnosti, Boston

Duboko filozofska slika postimpresioniste Paula Gauguina naslikana je na Tahitiju, gdje je pobjegao iz Pariza. Po završetku posla, čak je želio da izvrši samoubistvo, jer je vjerovao: “Vjerujem da ova slika ne samo da nadmašuje sve moje prethodne, već da nikada neću stvoriti nešto bolje ili čak slično.”

U ljeto kasnih 80-ih godina prošlog vijeka, mnogi Francuski umjetnici okupljeni u Pont-Avenu (Bretanja, Francuska). Okupili su se i gotovo odmah se podijelili u dvije neprijateljske grupe. Jedna grupa uključivala je umjetnike koji su krenuli putem potrage i koji su bili ujedinjeni zajedničkim imenom „impresionisti“. Prema drugoj grupi, koju je predvodio Paul Gauguin, ovo ime je bilo uvredljivo. P. Gauguin je tada već imao manje od četrdeset godina. Okružen misterioznom aurom putnika koji je istraživao strane zemlje, imao je bogato životno iskustvo i poštovaoce i imitatore njegovog dela.

Oba tabora su podijeljena na osnovu njihovog položaja. Dok su impresionisti živjeli na tavanima ili potkrovljima, drugi umjetnici su zauzimali najbolje sobe hotela Gloanek i večerali u najvećoj i najljepšoj sali restorana, gdje pripadnici prve grupe nisu smjeli. Međutim, sukobi među frakcijama ne samo da nisu spriječili P. Gauguina u radu, već su mu donekle pomogli da shvati one osobine koje su izazvale nasilan protest. Odbacivanje analitičke metode impresionista bila je manifestacija njegovog potpunog preispitivanja zadataka slikarstva. Želja impresionista da zahvate sve što vide, svoje umetnički princip- dajući njihovim slikama izgled nečeg slučajno uočenog - nije odgovaralo vlastoljubivoj i energičnoj prirodi P. Gauguina.

Još manje je bio zadovoljan teorijskim i umjetničkim istraživanjima J. Seurata, koji je nastojao da slikarstvo svede na hladnu, racionalnu upotrebu naučnih formula i recepata. Poentilistička tehnika J. Seurata, njegova metodična primjena boje unakrsnim potezima kista i tačkicama iritirala je Paula Gauguina svojom monotonijom.

Boravak umjetnika na Martiniqueu među prirodom, koja mu se činila luksuznim, bajkovitim tepihom, konačno je uvjerio P. Gauguina da na svojim slikama koristi samo neraspadnutu boju. Zajedno s njim, umjetnici koji su dijelili njegova razmišljanja proglasili su "Sintezu" kao svoj princip - odnosno sintetičko pojednostavljivanje linija, oblika i boja. Svrha ovog pojednostavljenja je bila da se prenese utisak maksimalnog intenziteta boje i da se izostavi sve ono što takav utisak slabi. Ova tehnika je bila osnova stare dekorativno slikarstvo freske i vitraža.

P. Gauguin je bio veoma zainteresovan za pitanje odnosa boje i boja. U svom slikarstvu nastojao je da izrazi ne slučajno i ne površno, već trajno i suštinsko. Za njega je zakon bio samo stvaralačka volja umjetnika, i to njegova vlastita umetnički zadatak video je u izrazu lica unutrašnja harmonija, koju je shvatio kao sintezu iskrenosti prirode i raspoloženja umjetnikove duše, uznemirene tom iskrenošću. Sam P. Gauguin je o tome govorio ovako: „Ja ne uzimam u obzir istinu prirode, vidljivu spolja... Ispravite ovu lažnu perspektivu, koja zbog svoje istinitosti iskrivljuje temu... Trebate izbjegavati sve Dišite sa sobom mir i duševni mir, izbegavajte pokretne poze... Svaki od likova treba da bude u statičkom položaju." I skratio je perspektivu svojih slika, približio je avionu, razmjestio figure u frontalnom položaju i izbjegao ramus. Zato su ljudi koje prikazuje P. Gauguin na slikama nepomični: oni su poput kipova isklesanih velikim dlijetom bez nepotrebnih detalja.

Period zrela kreativnost Gauguinovo stvaralaštvo počelo je na Tahitiju, i tu je problem umjetničke sinteze dobio svoj puni razvoj. Na Tahitiju je umjetnik napustio mnogo od onoga što je znao: u tropima su forme jasne i jasne, sjene su teške i vruće, a kontrasti su posebno oštri. Ovdje su svi zadaci koje je postavio u Pont-Avenu riješeni sami od sebe. Boje P. Gauguina postaju čiste, bez poteza kistom. Njegove tahićanske slike su impresivne orijentalni tepisi ili freske, boje u njima su tako harmonično dovedene u određeni ton.

Čini se da je rad P. Gauguina iz tog perioda (što znači prvi posjet umjetnika Tahitiju) divna bajka, koju je doživio među primitivnom, egzotičnom prirodom daleke Polinezije. U oblasti Mataye pronalazi malo selo, kupuje sebi kolibu s jedne strane koje prska okean, a s druge se vidi planina sa ogromnom pukotinom. Evropljani još nisu stigli ovamo, a P. Gauguinu se život činio stvarnim zemaljski raj. Pokorava se sporom ritmu tahićanskog života, upija svijetle boje plavo more, povremeno prekriveno zelenim valovima koji bučno udaraju o koralne grebene.

Od prvih dana umjetnik je uspostavio jednostavne, ljudske odnose sa Tahićanima. Djelo počinje sve više osvajati P. Gauguina. Pravi brojne skice i skice iz života, u svakom slučaju nastoji da na platnu, papiru ili drvu uhvati karakteristična lica Tahićana, njihove figure i poze - u toku rada ili za vrijeme odmora. U tom periodu stvara svjetski poznate poznate slike“Duh mrtvih je budan”, “O, jesi li ljubomoran?”, “Razgovor”, “Tahićanske pastorale”.

Ali ako mu se 1891. put do Tahitija činio blistav (putovao je ovamo nakon nekog umetničke pobede u Francuskoj), tada je po drugi put otišao na svoje voljeno ostrvo kao bolesnik koji je izgubio većinu svojih iluzija. Sve ga je na putu iritiralo: prisilna zaustavljanja, beskorisni troškovi, neugodnosti na putu, carine, nametljivi suputnici...

Nije bio na Tahitiju samo dvije godine, a ovdje se mnogo toga promijenilo. Evropski napad uništio je prvobitni život domorodaca, sve se P. Gauguinu čini nepodnošljivom zbrkom: električno osvetljenje u Papeeteu - glavnom gradu ostrva, i nepodnošljivi vrtuljci u blizini kraljevskog zamka, i zvuci fonografa koji remete nekadašnju tišinu .

Ovaj put umjetnik se zaustavlja u području Punoauie, na zapadna obala Tahiti, na iznajmljenom placu, gradi kuću sa pogledom na more i planine. U nadi da će se čvrsto učvrstiti na ostrvu i stvoriti uslove za rad, ne štedi u uređenju doma i uskoro, kao što je to često biva, ostaje bez novca. P. Gauguin je računao na prijatelje koji su, pre nego što je umetnik napustio Francusku, od njega pozajmili ukupno 4.000 franaka, ali im se nije žurilo da ih vrate. Uprkos tome što im je slao brojne podsjetnike na svoju dužnost, žalio se na svoju sudbinu i izuzetno težak položaj...

Do proljeća 1896. umjetnik se nalazi u stisku najteže potrebe. Tome je pridodan i bol u njegovoj slomljenoj nozi, koja postaje prekrivena čirevima i uzrokuje mu nepodnošljivu patnju, lišava sna i energije. Pomisao na uzaludnost napora u borbi za postojanje, na neuspjeh svih umetničkih planova tjera ga da sve češće razmišlja o samoubistvu. Ali čim P. Gauguin osjeti i najmanje olakšanje, umjetnikova priroda ga obuzima, a pesimizam se raspline pred radošću života i stvaralaštva.

Međutim, to su bili retki trenuci, a nesreće su se nizale jedna za drugom katastrofalnom redovnošću. A najstrašnija vijest za njega bila je vijest iz Francuske o smrti njegove voljene kćeri Aline. Ne mogavši ​​da preživi gubitak, P. Gauguin je uzeo ogromnu dozu arsena i otišao u planine da ga niko ne zaustavi. Pokušaj samoubistva doveo je do toga da je noć proveo u strašnoj agoniji, bez ikakve pomoći i potpuno sam.

Umjetnik je dugo bio u potpunoj prostraciji i nije mogao držati kist u rukama. Jedina utjeha mu je bilo ogromno platno (450 x 170 cm), koje je naslikao prije pokušaja samoubistva. Sliku je nazvao "Odakle dolazimo? Ko smo mi? Kuda idemo?" a u jednom od svojih pisama napisao je: „Prije nego što sam umro, uložio sam u to svu svoju energiju, tako žalosnu strast u mojim strašnim okolnostima i viziju tako jasnu, bez ispravke, da su tragovi žurbe nestali i sav život bio vidljiv u tome."

P. Gauguin je radio na slici u strašnoj napetosti, iako je ideju za nju dugo gajio u svojoj mašti, ni sam nije znao tačno kada je ideja o ovoj slici nastala. Pojedine fragmente ovog monumentalnog djela napisao je u različite godine i u drugim radovima. Na primjer, ženska figura iz "Tahitian Pastorals" se ponavlja na ovoj slici pored idola, centralna figura berač voća pronađen je u zlatnoj skici “Čovek koji bere voće sa drveta”...

Sanjajući o proširenju mogućnosti slikarstva, Paul Gauguin je nastojao da svojoj slici da karakter freske. U tu svrhu ostavlja dva gornja ugla (jedan s naslovom slike, drugi s potpisom umjetnika) žutim i neispunjenim slikom – „kao freska oštećena na uglovima i postavljena na zid od zlata“.

U proljeće 1898. poslao je sliku u Pariz, a u pismu kritičaru A. Fontaineu rekao je da mu je cilj „ne stvoriti složeni lanac genijalnih alegorija koje bi trebalo riješiti alegorijski sadržaj slike je krajnje jednostavan – ali ne u smislu odgovora na postavljena pitanja, već u smislu same formulacije ovih pitanja.” Paul Gauguin nije htio odgovarati na pitanja koja je postavio u naslov slike, jer je vjerovao da su ona bila i da će biti strašna i najslađa misterija za ljudska svijest. Dakle, suština alegorija prikazanih na ovom platnu leži u čisto slikovitom utjelovljenju ove misterije skrivene u prirodi, svetom užasu besmrtnosti i misteriji postojanja.

Prilikom svoje prve posete Tahitiju, P. Gauguin je gledao na svet oduševljenim očima velikog deteta-ljudi, za koje svet još nije izgubio svoju novinu i bujnu originalnost. Njegovom djetinjasto uzvišenom pogledu otkrivale su se u prirodi druge nevidljive boje: smaragdna trava, safirno nebo, ametist sunce, rubin cvijeće i crveno zlato maorske kože. Tahićanske slike P. Gauguina iz ovog perioda sijaju plemenitim zlatnim sjajem, poput vitražnih prozora gotičkih katedrala, i svjetlucaju kraljevskim sjajem Vizantijski mozaici, mirišu bogatim prelivanjem boja.

Usamljenost i duboki očaj koji su ga obuzeli prilikom njegove druge posjete Tahitiju natjerali su P. Gauguina da sve vidi samo u crnom. Međutim, prirodni njuh majstora i njegovo oko kolorista nisu dozvolili umjetniku da potpuno izgubi ukus za život i njegove boje, iako je stvorio sumorno platno, naslikao ga u stanju mističnog užasa.

Dakle, šta ova slika zapravo sadrži? Poput orijentalnih rukopisa, koje treba čitati s desna na lijevo, sadržaj slike se odvija u istom smjeru: korak po korak otkriva se tok ljudski život- od nastanka do smrti, koja nosi strah od nepostojanja.

Pred posmatračem, na velikom, horizontalno razvučenom platnu, prikazana je obala šumskog potoka, u čijim se tamnim vodama ogledaju tajanstvene, neodređene sjene. Na drugoj obali je gusto, bujno tropsko rastinje, smaragdne trave, gusto zeleno grmlje, čudno plavo drveće, koje „raste kao da ne na zemlji, nego u raju“.

Stabla se čudno uvijaju i isprepliću, formirajući čipkastu mrežu kroz koju se u daljini vidi more sa bijelim grebenima obalnih valova, tamnoljubičasta planina na susjednom otoku, plavo nebo - „spektakl djevičanska priroda, što bi moglo biti raj."

U bliskom planu je slika na tlu, bez ikakvih biljaka, koja se nalazi uokolo kamena statua božanstva grupa ljudi. Likove ne spaja nijedan događaj ili zajednička radnja, svaki je zauzet svojim i uronjen u sebe. Mir uspavane bebe čuva veliki crni pas; "tri žene, čučeći, kao da slušaju sebe, zaleđene u iščekivanju neke neočekivane radosti. Mladić koji stoji u sredini sa obe ruke vadi plod sa drveta... Jedna figura, namerno ogromna, protivno zakonima perspektive... podiže ruku, iznenađeno gledajući dva lika koji se usuđuju razmišljati o svojoj sudbini."

Pored statue, usamljena žena, kao mehanički, ide u stranu, uronjena u stanje intenzivnog, koncentrisanog odraza. Ptica se kreće prema njoj na zemlji. Na lijevoj strani platna, dijete koje sjedi na zemlji prinosi ustima voće, mačka skuta iz činije... A gledalac se pita: "Šta sve ovo znači?"

Na prvi pogled, izgleda svakodnevni život, ali, pored direktnog značenja, svaka slika nosi i poetsku alegoriju, nagoveštaj mogućnosti figurativne interpretacije. Na primjer, motiv šumskog potoka ili izvorske vode koja izbija iz zemlje je Gauguinova omiljena metafora za izvor života, misteriozni početak postojanja. Beba koja spava predstavlja čednost u zoru ljudskog života. Mladić koji bere voće sa drveta i žene koje sjede na zemlji s desne strane utjelovljuju ideju organskog jedinstva čovjeka s prirodom, prirodnosti njegovog postojanja u njoj.

Čovek sa podignutom rukom, koji iznenađeno gleda svoje prijatelje, prvi je tračak zabrinutosti, početni impuls da se spoznaju tajne sveta i postojanja. Drugi otkrivaju smjelost i patnju ljudskog uma, misteriju i tragediju duha, koji leže u neizbježnosti čovjekovog saznanja o svojoj smrtnoj sudbini, kratkoći zemaljskog postojanja i neminovnosti kraja.

Sam Paul Gauguin je dao mnoga objašnjenja, ali je upozorio na želju da se u njegovoj slici vide općeprihvaćeni simboli, da se slike previše jednostavno dešifriraju, a još više da se traže odgovori. Neki likovni kritičari smatraju da je umjetnikovo depresivno stanje, koje ga je dovelo do pokušaja samoubistva, izraženo strogim, lakoničnim umjetničkim jezikom. Napominju da je slika preopterećena sitnih detalja, koji ne pojašnjavaju opšti koncept, već samo zbunjuju gledaoca. Čak ni objašnjenja u majstorovim pismima ne mogu rastjerati mističnu maglu koju je uneo u ove detalje.

Sam P. Gauguin je svoj rad smatrao duhovnim testamentom, pa je možda zato slika postala slikovna pjesma, u kojoj su određene slike pretvorene u uzvišenu ideju, a materija u duh. Radnjom platna dominira poetsko raspoloženje, bogato suptilnim nijansama i unutrašnje značenje. Međutim, raspoloženje mira i milosti već je obavijeno maglovitom tjeskobom kontakta sa tajanstvenim svijetom, rađajući osjećaj skrivene tjeskobe, bolne nerazrješivosti skrivenih misterija postojanja, misterije dolaska čovjeka na svijet i misterija njegovog nestanka. Na slici je sreća pomračena patnjom, duhovna muka oprana je slatkoćom fizičkog postojanja - „zlatni užas, prekriven radošću“. Sve je neodvojivo, kao i u životu.

P. Gauguin namjerno ne ispravlja pogrešne proporcije, nastojeći po svaku cijenu da sačuva svoj stil skice. Posebno je cijenio tu skiciranost i nedovršenost, smatrajući da upravo to unosi živu struju u platno i daje slici posebnu poeziju koja nije svojstvena stvarima koje su dovršene i prezavršene.