Žanrovi slikarstva su se pojavili, stekli popularnost, izblijedili, pojavili su se novi, a podtipovi su se počeli razlikovati unutar postojećih. Ovaj proces neće stati sve dok osoba postoji i pokušava uhvatiti svijet oko sebe, bilo da se radi o prirodi, zgradama ili drugim ljudima.

Ranije (sve do 19. veka) postojala je podela slikarskih žanrova na takozvane „visoke” žanrove (francuski grand genre) i „niske” žanrove (francuski petit genre). Ova podjela je nastala u 17. vijeku. i zasnivao se na tome koji su predmet i radnja prikazani. S tim u vezi, visoki žanrovi su uključivali: bitke, alegorijski, religiozni i mitološki, a niži žanrovi su portret, pejzaž, mrtva priroda, animalizam.

Podjela na žanrove je prilično proizvoljna, jer elementi dva ili više žanrova mogu biti prisutni na slici istovremeno.

Animalizam ili animalistički žanr

Animalizam ili animalistički žanr (od latinskog animal - životinja) je žanr u kojem je glavni motiv slika životinje. Možemo reći da je ovo jedan od najstarijih žanrova, jer... crteži i figure ptica i životinja bili su prisutni u životu primitivnih ljudi. Na primjer, na poznatoj slici I.I. Šiškinovo "Jutro u borovoj šumi", prirodu prikazuje sam umjetnik, a medvjede prikazuje potpuno drugačiji umjetnik, specijaliziran za prikazivanje životinja.

I.I. Šiškin "Jutro u borovoj šumi"

Kako se može razlikovati podvrsta? Hipski žanr(od grčkog hippos - konj) - žanr u kojem je središte slike slika konja.

NE. Sverčkov "Konj u štali"

Portret

Portret (od francuske reči portret) je slika na kojoj je centralna slika osobe ili grupe ljudi. Portret prenosi ne samo vanjsku sličnost, već odražava i unutrašnji svijet i prenosi osjećaje umjetnika prema osobi čiji portret slika.

I.E. Repin Portret Nikole II

Žanr portreta se deli na pojedinac(slika jedne osobe), grupa(slika više ljudi), po prirodi slike - do ulaznih vrata kada je osoba prikazana u puna visina na istaknutoj arhitektonskoj ili pejzažnoj pozadini i komora, kada je osoba prikazana do grudi ili do struka na neutralnoj pozadini. Grupa portreta, ujedinjena nekom karakteristikom, čini ansambl, odnosno galeriju portreta. Primjer bi bili portreti članova kraljevske porodice.

Posebno se izdvaja auto portret, u kojoj umjetnik prikazuje samog sebe.

K. Bryullov Autoportret

Portret je jedan od najstarijih žanrova - prvi portreti (skulpturalni) bili su prisutni već u starom Egiptu. Takav je portret djelovao kao dio kulta o zagrobnom životu i bio je "dvojnik" osobe.

Scenery

Pejzaž (od francuskog paysage - zemlja, oblast) je žanr u kome je centralna slika slika prirode - reke, šume, polja, more, planine. U pejzažu je glavna poenta, naravno, radnja, ali nije ništa manje važno prenijeti pokret i život. okolna priroda. S jedne strane, priroda je lijepa i izaziva divljenje, ali s druge strane, to je prilično teško prikazati na slici.

C. Monet “Polje maka u Argenteuil”

Podvrsta pejzaža je morski pejzaž ili marina(od francuskog marine, talijanskog marina, od latinskog marinus - more) - slika pomorske bitke, mora ili drugih događaja koji se odvijaju na moru. Istaknuti predstavnik marinista je K.A. Aivazovsky. Važno je napomenuti da je umjetnik mnoge detalje ove slike napisao po sjećanju.

I.I. Aivazovski "Deveti talas"

Međutim, umjetnici često nastoje slikati more iz života, na primjer, W. Turner za njegovu sliku „Mećava. Parobrod na ulazu u luku daje signal za pomoć nakon ulaska u plitku vodu”, proveo je 4 sata vezan za kapetanski most broda koji je plovio u oluji.

W. Turner “Blizzard. Parobrod na ulazu u luku daje signal za pomoć nakon ulaska u plitku vodu."

Vodeni element je također prikazan u riječnom pejzažu.

Odvojeno dodijeliti gradski pejzaž, u kojoj su glavni predmet slike gradske ulice i zgrade. Vrsta urbanog pejzaža je Veduta– slika gradskog pejzaža u vidu panorame, pri čemu su razmere i proporcije svakako zadržane.

A. Canaletto “Piazza San Marco”

Postoje i druge vrste pejzaža - ruralni, industrijski i arhitektonski. IN arhitektonsko slikarstvo Glavna tema je slika arhitektonskog pejzaža, tj. zgrade, građevine; uključuje slike interijera ( unutrašnja dekoracija prostorije). Ponekad Enterijer(od francuskog intérieur - unutrašnji) izdvaja se kao zaseban žanr. U arhitektonskom slikarstvu izdvaja se još jedan žanr — Capriccio(od italijanskog capriccio, hir, hir) - arhitektonski fantastični pejzaž.

Mrtva priroda

Mrtva priroda (od francuskog nature morte - mrtva priroda) je žanr posvećen prikazivanju neživih predmeta koji su smješteni u zajedničko okruženje i čine grupu. Mrtva priroda se javlja u 15-16. veku, ali se kao zaseban žanr pojavljuje u 17. veku.

Unatoč činjenici da se riječ "mrtva priroda" prevodi kao mrtva priroda, na slikama se nalaze buketi cvijeća, voća, ribe, divljači, jela - sve izgleda "kao živo", tj. kao prava stvar. Od trenutka nastanka do danas mrtva priroda je važan žanr u slikarstvu.

K. Monet “Vaza sa cvijećem”

Kao zasebnu podvrstu možemo izdvojiti Vanitas(od latinskog Vanitas - taština, taština) je slikarski žanr u kojem središnje mjesto na slici zauzima ljudska lubanja, čija je slika namijenjena da podsjeti na taštinu i slabost ljudskog života.

Slika F. de Champagnea predstavlja tri simbola krhkosti postojanja - Život, Smrt, Vrijeme kroz slike lale, lobanje, pješčanog sata.

Istorijski žanr

Istorijski žanr je žanr u kojem slike prikazuju važne događaje i društveno značajne pojave prošlosti ili sadašnjosti. Važno je napomenuti da se slika može posvetiti ne samo stvarnim događajima, već i događajima iz mitologije ili, na primjer, opisanim u Bibliji. Ovaj žanr je veoma važan za istoriju kao priču pojedinim narodima kako države tako i čovječanstva u cjelini. U slikama je istorijski žanr neodvojiv od drugih vrsta žanrova - portreta, pejzaža, žanra bitke.

I.E. Repin „Kozaci pišu pismo turskom sultanu» K. Bryullov “Posljednji dan Pompeja”

Battle žanr

Žanr bitke (od francuskog bataille - bitka) je žanr u kojem slike prikazuju kulminaciju bitke, vojne operacije, trenutak pobjede, scene iz vojnog života. Bojno slikarstvo karakteriše prikaz velikog broja ljudi na slici.

AA. Deineka "Odbrana Sevastopolja"

Religijski žanr

Religiozni žanr je žanr u kojem je glavna priča na slikama biblijska (prizori iz Biblije i Jevanđelja). Tema se odnosi na religiju i ikonopis, razlika između njih je u tome što slike vjerskog sadržaja ne učestvuju u vjerskim službama, a za ikonu je to osnovna namjena. Ikonografija prevedeno sa grčkog. znači "molitvena slika". Ovaj žanr je bio ograničen strogim okvirima i zakonima slikarstva, jer nije zamišljeno da odražava stvarnost, već da prenese ideju ​​Božjeg principa, u kojem umjetnici traže ideal. U Rusiji ikonopis dostiže vrhunac u 12.-16. veku. Najpoznatija imena ikonopisaca su Teofan Grk (freske), Andrej Rubljov, Dionisije.

A. Rubljov “Trojstvo”

Kako se ističe prelazna faza od ikonopisa ka portretu Parsuna(iskrivljeno od latinskog persona - osoba, osoba).

Parsun Ivana Groznog. autor nepoznat

Svakodnevni žanr

Slike prikazuju scene iz svakodnevnog života. Često umjetnik piše o onim trenucima u životu čiji je savremenik. Karakteristike ovog žanra su realizam slika i jednostavnost radnje. Slika može odražavati običaje, tradiciju i strukturu svakodnevnog života određenog naroda.

Slikarstvo u domaćinstvu uključuje poznate slike kao što su „Teglenice na Volgi“ I. Repina, „Trojka“ V. Perova, „Nejednak brak“ V. Pukireva.

I. Repin “Teglenice na Volgi”

Epsko-mitološki žanr

Epsko-mitološki žanr. Reč mit dolazi iz grčkog. "mythos", što znači tradicija. Slike prikazuju događaje iz legendi, epova, predanja, starogrčkih mitova, antičkih priča, zapleta folklornih djela.

P. Veronese "Apolon i Marsija"

Alegorijski žanr

Alegorijski žanr (od grčkog allegoria - alegorija). Slike su naslikane na način da imaju skriveno značenje. Nesadržajne ideje i koncepti, nevidljivi oku (moć, dobro, zlo, ljubav), prenose se kroz slike životinja, ljudi i drugih živih bića s takvim svojstvenim karakteristikama koje imaju simboliku već fiksiranu u glavama ljudi i pomažu da se razumjeti opći smisao djela.

L. Giordano “Ljubav i poroci razoružavaju pravdu”

Pastoral (od francuskog pastorale - pastoralni, seoski)

Žanr slikarstva koji veliča i poetizira jednostavan i miran seoski život.

F. Boucher “Jesenska pastorala”

Karikatura (od italijanskog caricare - pretjerivati)

Žanr u kojem se pri stvaranju slike namjerno koristi komični efekat preuveličavanjem i izoštravanjem osobina, ponašanja, odjeće itd. Svrha karikature je da uvrijedi, za razliku od npr. karikature (iz francuskog naboja) , čija je svrha jednostavno ismijavanje. Usko povezani s pojmom "karikatura" su pojmovi poput popularne štampe i groteske.

Nag (od francuskog nu - gol, razodjeven)

Žanr u kojem slike prikazuju nago ljudsko tijelo najčešće je ženski.

Tizian Vecellio "Venera iz Urbina"

Prevara, ili trompe l'oeil (od franc. trompe-l'œil - optička iluzija)

žanr, karakterne osobine koji - specijalni potezi, stvarajući optičku iluziju i omogućavajući zamagljivanje granice između stvarnosti i slike, tj. pogrešan utisak da je objekat trodimenzionalan kada je dvodimenzionalan. Ponekad se blende izdvaja kao podvrsta mrtve prirode, ali ponekad se ljudi prikazuju iu ovom žanru.

Per Borrell del Caso "Bežeći od kritike"

Da biste upotpunili percepciju mamaca, preporučljivo je razmotriti ih u originalu, jer reprodukcija ne može u potpunosti prenijeti učinak koji je umjetnik prikazao.

Jacopo de Barberi "Jarebica i gvozdene rukavice"

Tematska slika

Mešavina tradicionalnih žanrova slikarstva (domaće, istorijsko, bojno, pejzažno, itd.). Na drugi način, ovaj žanr se naziva kompozicija figure, a njegove karakteristične karakteristike su: glavna uloga osoba koju igra, nužno je prikazano prisustvo radnje i društveno značajne ideje, odnosi (sukob interesa/likova) i psihološki akcenti.

V. Surikov “Boyaryna Morozova”

Ako mislite da su svi veliki umjetnici u prošlosti, onda nemate pojma koliko griješite. U ovom članku ćete naučiti o najpoznatijim i najtalentovanijim umjetnicima našeg vremena. I, vjerujte, njihova djela će vam ostati u sjećanju ništa manje od djela maestra iz prošlih vremena.

Wojciech Babski

Wojciech Babski je savremeni poljski umjetnik. Završio je studije na Šleskom politehničkom institutu, ali se povezao sa. IN U poslednje vreme privlači uglavnom žene. Fokusira se na izražavanje emocija, nastoji postići što veći učinak jednostavnim sredstvima.

Voli boje, ali često koristi nijanse crne i sive kako bi postigao najbolji utisak. Ne plašite se eksperimentisanja sa različitim novim tehnikama. U posljednje vrijeme sve je popularniji u inostranstvu, uglavnom u Velikoj Britaniji, gdje uspješno prodaje svoja djela koja se već nalaze u mnogim privatnim kolekcijama. Osim umjetnosti, zanimaju ga kosmologija i filozofija. Sluša jazz. Trenutno živi i radi u Katowicama.

Warren Chang

Warren Chang je savremeni američki umjetnik. Rođen 1957. godine i odrastao u Montereyu u Kaliforniji, diplomirao je sa odlikom na Art Center College of Design u Pasadeni 1981. godine, gdje je dobio BFA. U naredne dvije decenije radio je kao ilustrator za različite kompanije u Kaliforniji i New Yorku prije nego što je započeo karijeru profesionalnog umjetnika 2009. godine.

Njegove realistične slike mogu se podijeliti u dvije glavne kategorije: biografske unutrašnje slike i slike koje prikazuju ljude na djelu. Njegovo interesovanje za ovaj stil slikanja datira još od rada umetnika iz 16. veka Johanesa Vermera, a proteže se na subjekte, autoportrete, portrete članova porodice, prijatelja, studenata, enterijere studija, učionice i domove. Njegov cilj je da realistične slike stvaraju raspoloženje i emocije kroz manipulaciju svjetlom i korištenje prigušenih boja.

Chang je postao poznat nakon prelaska na tradicionalnu likovnu umjetnost. U proteklih 12 godina stekao je brojne nagrade i priznanja, od kojih je najprestižnija Master Signature od Uljnih slikara Amerike, najveće zajednice slikanja ulja u Sjedinjenim Državama. Samo jedna osoba od 50 ima priliku da dobije ovu nagradu. Voren trenutno živi u Montereyu i radi u svom studiju, a takođe predaje (poznat kao talentovani učitelj) na Akademiji umetnosti u San Francisku.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni je italijanski umjetnik. Rođen u Blairu, 15. oktobra 1955. godine. Diplomirao je scenografiju na Institutu za umjetnost u Spoletu. Kao umjetnik, samouk je, jer je samostalno „sagradio kuću znanja“ na temeljima postavljenim u školi. Počeo je slikati uljem sa 19 godina. Trenutno živi i radi u Umbriji.

Brunijeve rane slike su ukorijenjene u nadrealizmu, ali s vremenom se počinje fokusirati na blizinu lirskog romantizma i simbolizma, pojačavajući ovu kombinaciju izuzetnom sofisticiranošću i čistoćom svojih likova. Animirani i neživi objekti dobijaju jednako dostojanstvo i izgledaju gotovo hiperrealistično, ali se u isto vrijeme ne skrivaju iza zavjese, već vam omogućavaju da vidite suštinu svoje duše. Svestranost i sofisticiranost, senzualnost i usamljenost, promišljenost i plodnost duh su Aurelija Brunija, hranjenog sjajem umjetnosti i harmonijom muzike.

Aleksander Balos

Alkasander Balos je savremeni poljski umjetnik specijaliziran za slikarstvo ulja. Rođen 1970. u Glivicama, Poljska, ali od 1989. živi i radi u SAD-u, u mjestu Shasta, Kalifornija.

U djetinjstvu je učio umjetnost pod vodstvom oca Jana, samoukog umjetnika i vajara, pa je od malih nogu umjetničko djelovanje dobilo punu podršku oba roditelja. Godine 1989, u dobi od osamnaest godina, Balos je napustio Poljsku i otišao u Sjedinjene Države, gdje je njegova učiteljica i honorarna umjetnica Kathy Gaggliardi ohrabrila Alkasandera da se upiše. umetnička škola. Balos je potom dobio punu stipendiju na Univerzitetu Milwaukee, Wisconsin, gdje je studirao slikarstvo kod profesora filozofije Harryja Rosina.

Nakon što je 1995. godine diplomirao, Balos se preselio u Čikago da bi pohađao školu vizualna umjetnostčije su metode zasnovane na kreativnosti Jacques-Louis David. Figurativni realizam i portret činili su većinu Balosovog rada 90-ih i ranih 2000-ih. Danas Balos koristi ljudsku figuru kako bi istakao karakteristike i nedostatke ljudske egzistencije, ne nudeći nikakva rješenja.

Predmetne kompozicije njegovih slika zamišljene su da ih posmatrač samostalno tumači, tek tada slike dobijaju svoje pravo vremensko i subjektivno značenje. Godine 2005. umjetnik se preselio u Sjevernu Kaliforniju, od tada se tematika njegovog rada značajno proširila i sada uključuje slobodnije slikarske metode, uključujući apstrakciju i različite multimedijalne stilove koji pomažu u izražavanju ideja i ideala postojanja kroz slikarstvo.

Alyssa Monks

Alyssa Monks je savremena američka umjetnica. Rođen 1977. u Ridgewoodu, New Jersey. Slikarstvo sam počeo da se zanimam još kao dete. Studirala je na The New School u New Yorku i Montclair State University, a diplomirala je na Bostonskom koledžu 1999. godine sa diplomom. Istovremeno je studirala slikarstvo na Akademiji Lorenzo de Mediči u Firenci.

Zatim je nastavila studije na master studijama na Akademiji umetnosti u Njujorku, na odseku figurativne umetnosti, diplomirala 2001. Diplomirala je na koledžu Fullerton 2006. Neko vrijeme je predavala na univerzitetima i obrazovnim institucijama širom zemlje, predavajući slikarstvo na Akademiji umjetnosti u New Yorku, kao i na Montclair State University i Lyme Academy of Art College.

“Koristeći filtere poput stakla, vinila, vode i pare, iskrivljujem ljudsko tijelo. Ovi filteri vam omogućavaju da kreirate velike površine apstraktni dizajn, sa ostrvima boja koji proviruju kroz delove ljudskog tela.

Moje slike mijenjaju moderni pogled na već ustaljene, tradicionalne poze i gestove kupaćih žena. Mogli bi ti puno reći pažljivom gledaocu o takvim naizgled samorazumljivim stvarima kao što su prednosti plivanja, plesa i tako dalje. Moji se likovi pritiskaju na staklo na prozoru tuš kabine, izobličujući vlastita tijela, shvaćajući da time utiču na ozloglašeni muški pogled na golu ženu. Debeli slojevi boje se miješaju da imitiraju staklo, paru, vodu i meso izdaleka. Međutim, izbliza, nevjerovatna fizička svojstva uljane boje postaju očigledna. Eksperimentirajući sa slojevima boje i boja, pronalazim tačku u kojoj apstraktni potezi kistom postaju nešto drugo.

Kada sam tek počeo da slikam ljudsko telo, odmah sam bio fasciniran, pa čak i opsednut njime i verovao sam da svoje slike moram da učinim što realnijim. Realizam sam „ispovedao“ sve dok nije počeo da se raspliće i otkriva kontradiktornosti u sebi. Sada istražujem mogućnosti i potencijal stila slikarstva u kojem se susreću reprezentativno slikarstvo i apstrakcija – ako oba stila mogu koegzistirati u istom trenutku, to ću i učiniti.”

Antonio Finelli

Italijanski umjetnik – “ Time Observer” – Antonio Finelli rođen je 23. februara 1985. godine. Trenutno živi i radi u Italiji između Rima i Campobassa. Radovi su mu izlagani u nekoliko galerija u Italiji i inostranstvu: Rimu, Firenci, Novari, Đenovi, Palermu, Istanbulu, Ankari, Njujorku, a nalaze se iu privatnim i javnim kolekcijama.

Crteži olovkom" Time Observer“Antonio Finelli nas vodi na vječno putovanje kroz unutrašnji svijet ljudske temporalnosti i prateće skrupulozne analize ovoga svijeta, čiji je glavni element prolazak kroz vrijeme i tragovi koje ostavlja na koži.

Finelli slika portrete ljudi bilo koje dobi, pola i nacionalnosti, čiji izrazi lica ukazuju na prolazak kroz vrijeme, a umjetnik se nada da će na telima svojih likova pronaći dokaze nemilosrdnosti vremena. Antonio svoje radove definiše po jednom, uobičajeno ime: “Autoportret”, jer u svojim crtežima olovkom ne samo da prikazuje osobu, već omogućava gledaocu da sagleda stvarne rezultate protoka vremena unutar osobe.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni je 37-godišnja italijanska umjetnica, kćerka diplomate. Ima troje djece. Dvanaest godina je živela u Rimu, a tri godine u Engleskoj i Francuskoj. Diplomirala je istoriju umjetnosti na Umjetničkoj školi BD. Tada je dobila diplomu restauratorice umjetnosti. Prije nego što je pronašla svoj poziv i potpuno se posvetila slikarstvu, radila je kao novinarka, koloristkinja, dizajnerica i glumica.

Flaminijina strast za slikanjem nastala je u detinjstvu. Njen glavni medij je ulje jer voli da se “coiffer la pate” i igra sa materijalom. Sličnu tehniku ​​prepoznala je u djelima umjetnika Pascal Torua. Flaminia je inspirisana velikim majstorima slikarstva kao što su Balthus, Hopper i François Legrand, kao i raznim umetnički pokreti: ulična umjetnost, kineski realizam, nadrealizam i renesansni realizam. Njen omiljeni umetnik je Caravaggio. Njen san je otkriti terapeutsku moć umjetnosti.

Denis Chernov

Denis Černov je talentovani ukrajinski umetnik, rođen 1978. godine u Sambiru, oblast Lavov, Ukrajina. Nakon što je 1998. godine završio umjetničku školu u Harkovu, ostao je u Harkovu, gdje trenutno živi i radi. Studirao je i na Harkovskoj državnoj akademiji za dizajn i umjetnost, odsjek grafičke umjetnosti, diplomirao 2004.

Redovno učestvuje u umjetničke izložbe, trenutno ih je više od šezdeset, kako u Ukrajini, tako iu inostranstvu. Većina radova Denisa Černova čuva se u privatnim kolekcijama u Ukrajini, Rusiji, Italiji, Engleskoj, Španiji, Grčkoj, Francuskoj, SAD, Kanadi i Japanu. Neka dela su prodata na Christie's.

Denis radi u širokom spektru grafičkih i slikarskih tehnika. Crteži olovkom jedna su od njegovih najomiljenijih metoda slikanja, lista njegovih tema crteži olovkom je takođe veoma raznolik, slika pejzaže, portrete, aktove, žanrovske kompozicije, ilustracije knjiga, književne i istorijske rekonstrukcije i fantazije.

Kineski umjetnik i fotograf Dong Hong-Oai rođen je 1929., a umro je 2004. u 75. godini. Iza sebe je ostavio nevjerovatna djela nastala u stilu piktorijalizma - nevjerovatne fotografije slične djelima tradicionalnog kineskog slikarstva.

Dong Hong-Oai je rođen 1929. godine u Guangdžouu, provincija Guangdong, Kina. Napustio je zemlju sa sedam godina nakon neočekivane smrti roditelja.

Kao najmlađi od 24 djece, Dong je otišao da živi u kineskoj zajednici u Saigonu u Vijetnamu. Kasnije je nekoliko puta posjetio Kinu, ali nikada više nije živio u toj zemlji.

Po dolasku u Saigon, Dong je postao šegrt u kineskom imigrantskom fotografskom studiju. Tamo je naučio osnove fotografije. Zaljubio se i u fotografisanje prirode, što je često radio nekom od kamera iz studija. Godine 1950., u dobi od 21 godine, upisao se na Vijetnamski nacionalni univerzitet umjetnosti.

1979. otvorena je krvava granica između Socijalističke Republike Vijetnam i Narodne Republike Kine. Vijetnamska vlada započela je represivnu politiku protiv etničkih Kineza koji žive u zemlji. Kao rezultat toga, Dong je postao jedan od miliona "ljudi iz čamca" koji su pobjegli iz Vijetnama kasnih 70-ih i ranih 80-ih.

Sa 50 godina, ne govoreći engleski i nemaju porodicu ili prijatelje u Sjedinjenim Državama, Dong je stigao u San Francisco. Čak je mogao kupiti i malu prostoriju za razvijanje fotografija.

Prodavajući svoje fotografije na lokalnim uličnim sajmovima, Dong je mogao zaraditi dovoljno novca da se povremeno vraća u Kinu da fotografiše.

Štaviše, imao je priliku da neko vrijeme studira pod vodstvom Long Chin-Sana na Tajvanu.

Long Chin-San, koji je umro 1995. godine u dobi od 104 godine, razvio je stil fotografije zasnovan na tradicionalnim kineskim prikazima prirode.

Vekovima su kineski umetnici stvarali veličanstvene monohromatske pejzaže koristeći jednostavne četke i mastilo.

Ove slike nisu trebale tačno da oslikavaju prirodu, trebalo je da prenesu emocionalnu atmosferu prirode. IN poslednjih godina Tokom carstva Song i ranog carstva Yuan, umjetnici su počeli kombinirati tri različite umjetničke forme na jednom platnu... poeziju, kaligrafiju i slikarstvo.

Vjerovalo se da je ova sinteza oblika omogućila umjetniku da se u potpunosti izrazi.

Long Chin-San, rođen 1891. godine, proučavao je upravo ovu klasičnu tradiciju u slikarstvu. U nekom trenutku svoje duge karijere, Luhn je počeo eksperimentirati s prenošenjem impresionističkog stila umjetnosti u fotografiju.

Zadržavajući slojevit pristup mjerilu, razvio je metodu slojevitosti negativa koja je odgovarala tri nivoa udaljenosti. Lung je podučio Donga ovoj metodi.

U pokušaju da još više imitira tradicionalni kineski stil, Dong je fotografijama dodao kaligrafiju.

Dongovi novi radovi, zasnovani na drevnim kineskim slikama, počeli su da privlače kritičku pažnju 1990-ih.

Više nije morao da prodaje svoje fotografije na uličnim sajmovima; sada ga je zastupao agent, a njegov rad je počeo da se prodaje u galerijama širom Sjedinjenih Država, Evrope i Azije.

Više nije morao da zavisi od pojedinačnih klijenata; njegov rad su sada tražili ne samo privatni kolekcionari umjetnina, već i korporativni kupci i muzeji. Imao je oko 60 godina kada je prvi put u životu postigao određeni nivo finansijskog uspeha.

Piktorijalizam je pokret u fotografiji koji se pojavio oko 1885. nakon opsežne prezentacije procesa fotografiranja na mokrim štamparskim pločama. Pokret je dostigao vrhunac na samom početku 20. veka, a period opadanja nastupio je 1914. godine, nakon pojave i širenja modernizma.

Termini "piktorijalizam" i "piktorijalist" ušli su u široku upotrebu nakon 1900. godine.

Piktorijalizam se bavi idejom da umetnička fotografija treba da imitira slikarstvo i gravuru tog veka.

Većina ovih fotografija bila je u crno-bijelim ili sepija tonovima. Među korištenim tehnikama su: nestabilan fokus, specijalni filteri i premazivanje sočiva, kao i egzotični procesi štampe.

Cilj ovakvih tehnika bio je da se postigne „lični izraz autora“.

Uprkos ovom cilju samoizražavanja, najbolje od ovih fotografija išle su paralelno sa impresionističkim stilom, a ne u korak sa modernim slikarstvom.

Gledajući unatrag, može se uočiti i bliska paralela između kompozicije i likovnog subjekta slika i fotografija piktorijalističkog žanra.

Tvoje nago telo treba da pripada samo onome ko voli tvoju golu dušu.

Charlie Chaplin

"Prelepe ženske noge okrenule su više od jedne stranice istorije", kažu Francuzi. I u pravu su: na kraju krajeva, ne govorimo samo o razmerama države. U ličnoj istoriji izvanrednog Španca Francisca Joséa de Goye y Lucientesu, upravo se to dogodilo. Umjetnikovi savremenici koji su znali za njegovu ljubav i nepostojanost, uvjeravali su: sve se promijenilo kada je maestro upoznao prelijepu vojvotkinju Mariju Tereziju Cayetanu del Pilar de Albu, nasljednicu drevne aristokratske porodice. Neki su joj se divili nezemaljsku lepotu, nazvala je kraljicom Madrida, uporedila je sa Venerom, uveravajući: „Svi su je želeli.“ Španci! "Kada je hodala ulicom, svi su gledali kroz prozore, čak su i deca napuštala svoje igre da je gledaju. Svaka dlaka na njenom telu je budila želju", ponovio im je francuski putnik. Drugi su bili ljubomorni na njenu lepotu i bogatstvo, psujući nju zbog slobode morala. Ali vojvotkinja je radije ne obraća pažnju na sva ta uzbuđenja. Ona je sama birala prijatelje i neprijatelje, posebno ljubavnike, nimalo se ne stideći prisustvom muža. Očigledno, njen muž nije dao poseban značajženine ljubavne veze. Stoga je svoju novu strast prema dvorskom slikaru smatrala običnim hirom. Inače, par je zajednički pokroviteljstvovao Goyu, jer je pored olujnog lični život bavio se filantropijom i dobrotvornim radom. Kroz umjetnost Cayetane upoznali smo Francisca.

Njihova veza izdržala je test vremena i tešku bolest umjetnika, koja je rezultirala gubitkom sluha. Naslikao je njene portrete, uhvativši svoju voljenu ženu različitim uglovima i outfits. Jedna od njih je "Vojvotkinja od Albe u crnom" - prema nekima, jasan dokaz njihove bliske veze. Činjenica je da je nakon restauracije slike, izvršene šezdesetih godina dvadesetog vijeka, na prstenovima ljepotice otkrivena gravura s imenima Alba i Goya. Vojvotkinjin graciozan prst pokazuje na pesak, gde je vidljiv elokventan natpis: „Samo Goja“. Smatra se da je autor ovu sliku držao kod kuće “za ličnu upotrebu” i da je nikada nije izlagao. Kao i sama Alba, dvije druge, još pikantnije, rođene su nakon smrti njenog zakonitog muža. Postoji mišljenje da je, nakon što je sahranila muža, „ožalošćena“ udovica otišla na jedno od svojih imanja u Andaluziji da bude tužna. A kako se uopće ne bi osjećala usamljeno, pozvala je Goyu da joj se pridruži. Tada su napisane “Makha Naked” i “Makha Dressed”. (Mahami je u to vrijeme bilo ime za sve koketno odjevene djevojke iz nižih slojeva društva.)

Francisco Goya. Auto portret.

Istina, činjenica da je osoba prikazana na oba platna sama šokantna vojvotkinja još uvijek je pod sumnjom među mnogima. Smatra se da je veličanstvena dama u golišavom stilu jedna od ljubavnica premijera kraljice Marije Lujze, Manuela Godoja: „Mahovi“ su završili u njegovoj kolekciji 1808. godine. Drugi izvori tvrde da je ova slika kolektivna, a tek treći ne sumnjaju da je Gojina muza Cayetana, koju je naslikao golu kako bi ga iznervirao kada je shvatio da je Alba strastvena prema nekom drugom. Bilo kako bilo, prikazivanje aktova u Španiji iz 18. veka moglo bi bilo koga drugog koštati života: nakon što je 1813. otkrila platna, moralna policija, koju je predstavljala uvek budna inkvizicija, odmah ih je nazvala „opscenim“. Autor, koji se pojavio na sudu, poslat je u zatvor, ali nikada nije otkrio ime svog modela. Ko zna kakva bi mu sudbina bila da nije zagovora visokog mecene...

Alba bi, naravno, cijenila njegov hrabri čin, ali do tada je i sama već mnogo godina bila na drugom svijetu. Cayetanina smrt, neočekivana za sve, a posebno za Goju, šokirala je Madrid. Vojvotkinja je pronađena u svojoj palati Buena Vista u ljeto 1802. godine nakon veličanstvenog prijema održanog dan ranije u čast zaruka njene mlade nećakinje (Alba nije imala vlastite djece). Francisco je bio među gostima. Čuo je Cayetanu kako govori o bojama, priča o najotrovnijim od njih, kako se šali o smrti. A ujutru su glasine proširile tužne vijesti. Tada su se svi koji su lično poznavali vojvotkinju setili njenih reči da želi da umre mlada i lepa, onako kako ju je Gojina magična četka uhvatila.

Nakon toga, grad se dugo raspravljao o uzrocima Albine smrti. Pretpostavljalo se da je otrovana: avaj, ova žena je imala mnogo neprijatelja. Rekli su i da je sama uzela otrov. Ali za Goju ovo više nije bilo važno. Svoju veličanstvenu voljenu nadživeo je skoro četvrt veka, ponevši sa sobom tajnu "Makhe". Čak ni Albini potomci to nisu uspjeli riješiti. Da bi očistili Cayetanino ime, sproveli su istraživanje, nadajući se da će veličinom kostiju dokazati da je druga dama prikazana na platnu. Ali tokom "operacije" ispostavilo se samo da je vojvotkinjina grobnica više puta otvarana tokom Napoleonove kampanje, pa je takvo ispitivanje apsolutno besmisleno...

Oni koji su prihvatili Dalijeve oduševljene priče o njegovoj muzi, kraljici, boginji - Gali, nazivali su je očaravajućom i neshvatljivom. Oni manje lakovjerni i danas je smatraju grabežljivom Valkirom koja je osvojila genija. Postoji samo jedna činjenica koja ne ostavlja sumnju: misterija koja je okruživala život ove žene nikada nije riješena.

Salvador Dali "Atomska Leda", 1947–1949 Dalí teatar-muzej, Figueres, Španija

Otkako ju je umjetnik Salvador Dali prvi put vidio 1929. godine, u njegovoj ličnoj istoriji je započela nova era pod nazivom Gala. Mnogo godina kasnije maestro je utiske tog dana opisao u jednoj od autobiografski romani. Međutim, riječi ispisane tipografskim fontom na bijelim listovima knjiga objavljenih u hiljadama primjeraka nisu dočarale ni stoti dio strasti koje su tog sunčanog dana bjesnile u njegovoj duši: „Prišao sam prozoru koji je gledao na plaža. Ona je već bila tamo... Gala, Eluardova žena. Bila je to ona! Prepoznao sam je po golim leđima. Njeno telo je bilo nežno, kao dete. Linija ramena bila je gotovo savršeno zaobljena, a mišići struka, spolja krhki, bili su atletski napeti, kao kod tinejdžera. Ali oblina donjeg dijela leđa bila je zaista ženstvena. Graciozna kombinacija vitkog, energičnog torza, osinog struka i nježnih bokova učinili su je još poželjnijom.” Ni decenijama kasnije nije se umorio ponavljati samoj Gali da je ona njegovo božanstvo, Galatea, Gradiva, Sveta Jelena... A ako pojmovi svetosti i bezgrešnosti nisu ni na koji način povezani sa Salvadorovom voljenom, ime Helena je bilo direktno povezano njoj. Činjenica je da je tako nazvana pri rođenju. Ali, kako kaže porodična legenda, više puta se prepričavala u biografijama Elene Dyakonove - buduće Madame Dali - od djetinjstva djevojčica je više voljela da se zove... Galina.

Ovako se predstavila nadobudnom francuskom pjesniku Paulu Eluardu kada ih je slučajnost spojila u jednom od švicarskih ljetovališta. “Oh, Gala!” - kao da je uzviknuo, skraćujući ime i izgovarajući ga na francuski način sa naglaskom na drugom slogu. Njegovom laganom rukom svi su je počeli zvati upravo tako - "trijumf, praznik", kako zvuči Gala u prijevodu. Nakon četiri godine prepiske i rijetkih susreta, oni su se, protivno želji Paulovih roditelja, vjenčali i čak rodili kćer Cecile. Ali, kao što znate, slobodni moral, koji čini osnovu porodičnih odnosa, nije najbolji način za spas braka. Prošle su još četiri godine, a u životu para Eluard pojavio se umjetnik Max Ernest, koji se nastanio u kući para kao Galin službeni ljubavnik. Kažu da niko od njih nije pokušao da sakrije ljubavni trougao. A onda je upoznala Dalija.

"Dečače moj, nikada se više nećemo rastati", jednostavno je rekao Gala Eluard i zauvek ušao u njegov život. "Zahvaljujući svojoj ljubavi bez premca, izlečila me je od... ludila", rekao je, skandirajući ime i izgled svoje voljene na sve načine - u prozi, poeziji, slikarstvu, skulpturi. Razlika od deset godina - prema zvaničnoj verziji ona je rođena 1894., a on 1904. - nije im smetala. Ova žena je za njega postala majka, supruga, ljubavnica - alfa i omega, bez koje umjetnik više nije mogao zamisliti svoje postojanje. “Gala sam ja”, uvjeravao je sebe i ljude oko sebe, vidjevši svoj odraz u njoj, a djelo je potpisao kao “Gala - Salvador Dali”. Teško je reći u čemu je bila tajna njene magične moći nad ovim čovjekom: vjerovatno, on sam nikada nije pokušao analizirati, uronjen u osjećaj, kao u beskrajnom moru. Kao što je nemoguće shvatiti ko je ona zapravo i odakle dolazi: podaci koji su do sada navedeni u svim referentnim knjigama nedavno su dovedeni u pitanje od strane istraživača - i za to ima razloga. Ali da li je to zaista toliko važno? Uostalom, Gala je mit koji je stvorila Dalijeva mašta i njena vlastita želja da ga sačuva.

Gala je moja jedina muza, moj genije i moj život, bez Gala sam ništa.

Salvador Dali

Na jednom od desetina njenih portreta, rađenih u golišavom stilu, umjetnik je svoju voljenu prikazao kao mitsku heroinu koja udiše u priču drevnu poput svijeta. novo značenje. Tako je nastala njegova "Atomska Leda".

Prema legendi, Leda, ćerka kralja Testija, bila je udata za vladara Sparte, Tindareja. Opčinjen njenom lepotom, Zevs je zaveo ženu, prišavši joj u liku... Labuda. Rodila je blizance Kastora i Polidevku i ćerku - prelepa Elena, poznata kao Helena od Troje. Čarobnjak Dali je ovim poređenjem podsjetio druge na nezemaljski šarm svoje voljene Gala-Elene: sam Salvador ni na minut nije sumnjao u ekskluzivnost njenih vanjskih podataka, smatrajući svoju ženu najljepšom među smrtnicima. Vjerovatno je zbog toga ovaj n-ti Gala portret rađen u skladu sa „božanskom proporcijom“ Fra Luce Pacciolija, a neke proračune za sliku na zahtjev majstora napravio je matematičar Matila Ghika. Za razliku od onih koji su vjerovali da su egzaktne nauke izvan umjetničkog konteksta, Dali je bio siguran: svaki značajan posao umjetnost mora biti zasnovana na kompoziciji, a time i na proračunu. Vrijedi napomenuti da je skrupulozno provjerio ne samo odnos objekata na platnu, već i unutrašnji sadržaj crteža, prikazujući strast u skladu sa modernom teorijom... "beskontaktnosti" unutaratomske fizike. Njegova Leda ne dotiče Labuda, ne počiva na sedištu koje lebdi u vazduhu: sve lebdi nad morem, što ne dodiruje obalu... „Atomska Leda“ je završena 1949. godine, podižući Gala, prema Daliju, do nivoa "boginje moje metafizike" Nakon toga, nikada nije propustio priliku da objavi njenu izuzetnu ulogu u svom životu.

Međutim, u kasnijim godinama njihova veza je zahladnjela. Gala je odlučila da se nastani odvojeno, te joj je dao dvorac u španskom selu Pubol, koji se nije usudio posjetiti bez prethodne pismene dozvole svoje supruge. A u godini kada je umrla, Dali je takođe preminuo: iako je nakon njenog odlaska ostao na Zemlji sedam duge godine, postojanje je izgubilo smisao, jer je proslava njegovog života završena.

Karl Brjulov "Bathsheba" 1832. Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Priča o zamršenosti sudbine šarmantne Batšebe vekovima je privlačila pažnju istoričara, pesnika, pa čak i astronoma: u njenu čast je nazvan asteroid. Na ovaj ili onaj način, upravo su njene izvanredne vanjske karakteristike postale uzrok svih njenih tuga i radosti. Neki su optužili Bat-Šebu za neprikladno ponašanje, drugi su smatrali da je jedini zločin ove žene to što je bila neprihvatljivo lijepa.

I počela je ova priča, koja je potpuno promenila život junakinje, oko devetsto godina pre nove ere... „Jedne večeri, kralj David, ustajući iz kreveta, prošetao je krovom kraljevske kuće i video... ženu kako se kupa; a ta žena je bila veoma lepa. I David je poslao da sazna ko je ova žena. A oni mu rekoše: Ovo je Bat-Šeba, kći Eliamova, žena Urije Hetita. David je poslao sluge da je uzmu; i došla je k njemu...” - ovako Knjiga nad knjigama opisuje trenutak kada su se sreli. Očigledno, vest da je osoba koja mu se sviđa udata za njegovog komandanta nije uznemirila kralja. Kakva su osećanja obuzimala samu Bat-Šebu, istorija ćuti. Da bi eliminisao njenog muža, David je naredio „da se Urija postavi tamo gde će biti najjača bitka, i povući se od njega, tako da će biti poražen i umreti“. Ne pre rečeno nego učinjeno. Ubrzo je ambasador obavijestio Davida da je njegova volja ispunjena. To znači da ga ništa drugo ne sprečava da uzme Bat-Šebu za svoju zakonitu ženu.

Nakon termina, rodila je sina za kralja. Razboriti vladar je sve proračunao, pažljivo krčeći put ka bračnoj sreći. Nije uzeo u obzir samo jedno: kršenje zapovesti je povlačilo za sobom kaznu. On i njegova voljena su u potpunosti odgovarali za svoje grijehe - njihov prvenac je živio samo nekoliko dana. Drugi nasljednik para bio je Solomon, čije ime je povezano sa mnogim mitovima i legendama. Ali to je sasvim druga priča.

Slikari su takođe obratili pažnju na radnju i na svaki mogući način odigrali sudbonosni trenutak za ženu. Među njima je i “ Veliki Charles“, kako su Brjulova zvali njegovi savremenici. Istina, majstora “svjetlosti i zraka” nije privukla toliko biblijska pripovijest koliko prilika da pokaže svoj “ukrasni dar”. Osvetljena silueta, voda pod njenim ljupkim stopalima, jedva primetan vilin konjic sa prozirnim krilima kraj njene ruke... „Mramornu belinu kože ističe lik crne služavke, dodajući u sliku blagi ukus erotike ”, pišu o njoj likovni kritičari. I pamte senzualnost...

Postoji pretpostavka da je model za ovu sliku, koja je ostala nedovršena, bio prelepa duso umjetnica Julija Samoilova, šokantna grofica, o kojoj nema manje legendi nego o učesnicima ovog istorijskog epa. „Boj se nje, Karl! Ova žena nije kao ostale. Ona mijenja ne samo svoju lojalnost, već i palate u kojima živi. Ali ja se slažem, a i vi ćete se složiti, da možete poludjeti od nje”, kažu da je princ Gagarin, u čijoj se kući dogodilo poznanstvo, upozorio Brjulova: ima posla s vatrom. Međutim, plamen Julije Pavlovne, koji je spalio srca drugih, u slučaju Karla pokazao se životvornim. Tokom godina, podržavali su jedno drugo, ostajući, između ostalog, bliski prijatelji. „Volim te više nego što mogu da objasnim, grlim te i biću ti duhovno odan do groba. Julia Samoilova” - takve je poruke ekscentrični milioner poslao “dragom Brishki” iz različite zemlje tamo gde je on sam bio u tom trenutku. I dao je vječnosti izgled svoje voljene, obdarivši je crtama najljepših žena na svojim brojnim platnima. Možda je samo Samoilova uspjela obuzdati maestrov oštar, ljut temperament - za njega, čini se, nije bilo drugih zakona. „Iza pojave mladog helenskog boga krio se kosmos u kome su se mešali neprijateljski principi i ili izbijali u vulkan strasti ili su tekli slatkim sjajem. Bio je sav strastven, ništa nije radio mirno, kao obični ljudi. Kada su strasti uzavrele u njemu, njihova eksplozija je bila strašna, a ko je stajao bliže dobijao je više”, pisao je savremenik o Brjulovu. Sam Karl nije mario šta govore o njegovom karakteru, jer je njegov talenat bio nesumnjiv.

Inače, gospođa Samoilova jedna je od rijetkih koja ga je podržala u trenutku očaja, kada se, nakon apsurdnog braka, četrdesetogodišnji umjetnik našao u centru pažnje i neljubazne radoznalosti svih. Njegova supruga bila je osamnaestogodišnja Emilia Timm, kćerka riškog burgomastera. „Strasno sam se zaljubio... Mladini roditelji, posebno moj otac, odmah su skovali plan da me oženi sa njom... Devojka je igrala ulogu ljubavnika toliko vešto da nisam ni slutio prevaru...” kasnije rečeno. A onda su me „u javnosti oklevetali...“ Pravi razlog „svađe“ sa mojom novom ženom bila je prljava priča u koju je ona umešana. “Osjećao sam tako snažno svoju nesreću, svoju sramotu, uništenje mojih nada u kućnu sreću... da sam se bojao da ću izgubiti razum”, napisao je o posljedicama braka koji je trajao samo nekoliko mjeseci. U tom trenutku Julija se učini da još jednom otrgne „Bričku“ iz njenih tmurnih misli i uvuče je u vrtlog balova i maskenbala koje je grof Slavjanka priredio na svom voljenom imanju. Kasnije je prodala "Slavjanku" i krenula u susret novoj ljubavi i novim avanturama. Brjulov se takođe nije dugo zadržao u svojoj domovini: Poljskoj, Engleskoj, Belgiji, Španiji, Italiji - mnogo je putovao i slikao, slikao, slikao... Prilikom drugog putovanja umro je - u gradu Manziana kod Rima.

Julija je nadživjela Karla za dvadeset i tri godine, sahranila dva muža - bivšu ženu grofa Nikolaja Samojlova i mlada pevačica Peri. “Očevici koji su je viđali u ovom periodu njenog života rekli su da joj je udovičko tugovanje jako pristajalo, naglašavajući njenu ljepotu, ali ga je iskoristila na vrlo originalan način. Samoilova je djecu posjela na najduži šor turobne haljine, a ona je sama... kotrljala djecu smijući se od oduševljenja po parketu sa ogledalom svojih palata.” Nešto kasnije se ponovo udala.

Nepoznato je šta je legendarna ljepotica Batšeba, čije ime prevodi kao "kći zakletve", obećala nebo ili ljude, ali možemo s povjerenjem reći: Julija Samoilova je, u mladosti, obećala sebi da neće klonuti duhom i zadržao ga.

Rembrandt Harmens van Rijn “Danae” 1636 Ermitaž, Sankt Peterburg

Vekovima je drevna grčka lepotica Danae privlačila pažnju umetnika. Ni Holanđanin Rembrandt van Rijn nije ostao po strani, dajući mitskoj princezi crte dviju svojih omiljenih žena.

Ova priča je počela od davnina, kada drevnih grčkih bogova U svemu su bili slični ljudima i lako su komunicirali s njima, a ponekad i započinjali romantične veze. Istina, često su je, uživajući u slastima zemaljskog šarmera, ostavljali na milost i nemilost, vraćajući se na vrh Olimpa, kako bi, okruženi božanskim prijateljima, zauvijek zaboravili na svoju prolaznu zaljubljenost. Upravo se to dogodilo Danai, kćeri argivskog kralja Akrizija.

Nakon toga, najtalentovaniji muškarci smatrali su svojom dužnošću da ispričaju svijetu o usponima i padovima njenog života: dramaturzi Eshil, Sofokle, Euripid posvetili su joj drame i tragedije, a čak ju je i Homer spomenuo u Ilijadi. A Tizian, Correggio, Tintoretto, Klimt i drugi slikari prikazali su je na svojim platnima. I nije iznenađujuće: nemoguće je biti ravnodušan prema sudbini djevojke koja je postala žrtva sudbine. Činjenica je da je jednog dana proročište predskazalo smrt njenog oca od ruke njegovog unuka - sina kojeg će Danae roditi. Da bi se zaštitio, Akrizije je sve uzeo pod strogu kontrolu: naredio je da se njegova kćerka zatvori u tamnicu i dodijelio joj služavku. Razboriti kralj je uzeo u obzir sve, osim jedne stvari - da se u nju neće zaljubiti običan smrtnik, već sam Zevs, glavni od olimpijskih bogova, za kojeg su se sve prepreke ispostavile kao ništa. Poprimio je oblik zlatnog tuša i ušao u prostoriju kroz malu rupu... Trenutak njegove posjete bio je najatraktivniji za umjetnike u ovoj zamršenoj priči. Posledica susreta Zevsa i Danaje bio je Persejev sin, čija je tajna rođenja ubrzo otkrivena: deda Akrisije je čuo plač koji je dopirao iz podzemnih odaja... Zatim je naredio da svoju ćerku i bebu stave u bure i bace u njih. otvoreno more... Ali to mu nije pomoglo da izbjegne predviđanje: Persej je odrastao, vratio se u domovinu i, učestvujući u takmičenju u bacanju diska, slučajno ih je pogodio u Akriziju... "Sudbina..." - uzdahnuo je svedoci onoga što se desilo. Kad bi samo znali da sudbina same "Danae", rođene Rembrantovim kistom, ne bi bila ništa manje dramatična!..

Portret Rembrandta Harmensa van Rijna. 1648

“Koja od slika u vašoj kolekciji je najvrednija?” Kažu da je to pitanje posetilac postavio čuvaru jedne od sala Ermitaža ujutru 15. juna 1985. godine. “Danae” od Rembranta”, odgovorila je žena, pokazujući na platno na kojem je prikazana luksuzna gola dama. Kada je i kako muškarac izvukao flašu i poprskao tečnost na sliku, ona nije znala: sve se dogodilo iznenada. Zaposleni koji su dotrčali da čuju vrisak vidjeli su samo mjehur boje i promijenili boju: ispostavilo se da je tečnost sumporna kiselina. Osim toga, napadač je uspio dva puta da ubode sliku nožem... Činjenica da je četrdesetosmogodišnji stanovnik Litvanije Bronius Maigis kasnije prepoznat kao psihički nestabilan i poslat na liječenje nije ublažila težinu njegovog zločina. „Kada sam ga prvi put video tokom restauracije, nisam mogao da zadržim suze“, priznao je direktor Ermitaža Mihail Pjotrovski. - Uglavnom zato što je to bio drugačiji „Danae“. Iako je nakon restauracije, koja je trajala dvanaest godina, platno vraćeno u muzej, 27 posto slike moralo je biti potpuno rekonstruirano: cijeli fragmenti napravljeni maestrovim kistom nepovratno su izgubljeni. Ali upravo je ovaj portret naslikao s posebnom ljubavlju: njegova obožavana žena, supruga Saskia, poslužila mu je kao model. Njihov brak trajao je nešto više od osam godina: rodivši mužu četvoro djece, od kojih je samo jedno preživjelo - Titus - umrla je. Nekoliko godina kasnije, Rembrandt se zaljubio u guvernantu svog sina Gertje Dirks. Pretpostavlja se da je „Danae“ dobila nove crte koje su preživjele do danas da bi joj se svidjelo: promijenilo se lice i poza, „Danae“ je nestala. glavni lik” od parcele - zlatni tuš. Ali ova okolnost otkrivena je tek sredinom dvadesetog stoljeća, kada je pomoću fluoroskopije bilo moguće pronaći više rana slika Saskia. Tako je umjetnik spojio portrete obje žene. Međutim, ovaj naklon Gertieru nije pomogao u spašavanju veze s njom: ubrzo je podnijela tužbu protiv Rembrandta, optužujući ga da je prekršio bračnu obavezu (navodno, suprotno svojim obećanjima, nije je oženio). Vjeruje se da je pravi razlog za raskid bio mladi Hendrikje Stoffels, njegova nova sluškinja i ljubavnica. Do tada su poslovi nekada uspješnog, popularnog i bogatog slikara krenuli naopako: narudžbi je bilo sve manje, njegovo bogatstvo se istopilo, a kuća prodata za dugove. “Danae” je ostala kod njega do prodaje 1656. godine, tada joj se gubi trag...

Gubitak je otkriven tek u 18. stoljeću - u kolekciji poznatog francuskog kolekcionara Pierrea Croza. Nakon njegove smrti 1740. godine, nju je, zajedno s drugim remek-djelima, naslijedio jedan od trojice nećaka poznavaoca umjetnosti. A onda je, po savjetu filozofa Denisa Didroa, nabavljena Ruska carica Katarine II, koja je u to vreme birala slike za Ermitaž.

"Bio je ekscentrik prve klase koji je prezirao svakoga... Zauzet poslom, ne bi pristao da prihvati prvog monarha na svijetu, pa bi morao otići", pisao je o Rembrantu Italijan Baldinucci, čije se ime sačuvalo u istoriji samo zahvaljujući tome što je postao biograf “ekscentričnog” Rembranta.

Amedeo Modigliani "Akt sedi na sofi" ("Lepa Rimljanka"), 1917, privatna kolekcija

Ova slika, izložena pre skoro jednog veka u pariskoj galeriji, pored ostalih Modiljanijevih radova na kojima su prikazane nage lepotice, izazvala je veliki skandal. A 2010. godine postao je jedan od najskupljih lotova na najprestižnijoj aukciji.

“Naređujem vam da odmah uklonite sve ovo smeće!” - ovim riječima komesar Rousslot je upoznao čuvenu galeristku Berthu Weil, koju je pozvao u stanicu 3. decembra 1917. "Ali ima stručnjaka koji se ne dijele s vašim mišljenjem", primijetila je Bertha, u čijoj je galeriji nekoliko prije nekoliko sati otvorena je prva izložba tridesettrogodišnjeg Amedea Modiglianija koja je već privukla veliku publiku.Glavna atrakcija za posjetioce bile su gole slike dama postavljene u izlog.Zapravo, to je ono što je Poljak Leopold Zborowski, Modijev prijatelj i otkrivač, koji je postao njegov novi umjetnički agent i inicijator ovog vernisaža, računao je na to: koliko god nag, može privući radoznalu pažnju?! Leo nije uzeo u obzir činjenicu da je u kući preko puta bila policija stanice i da bi njene stanovnike veoma zanimao razlog ovolike gužve: „Ako odmah ne izvršite moje naređenje, narediću svojim policajcima da sve zaplijene!“ - ogorčeno je viknuo komesar. A Berta je, s mukom suzdržavajući osmeh, pomislila: "Kakva idila: svaki policajac sa prelepim aktom u rukama!" Međutim, nije se usudila da raspravlja i odmah je zatvorila galeriju, a tamošnji gosti su joj pomogli da ukloni „opscene“ slike sa zidova. Bilo je tridesetak platna koje je Zborowski naručio tokom 1916-1917, ali je prošlo dosta vremena sofisticirani stručnjaci i poznavaoci slikarstva prepoznali su ih kao remek-djela i nazvali ih "trijumfom golotinje". Međutim, već tada je cijeli Pariz pričao o izložbi, a pojedini francuski i strani kolekcionari su se ozbiljno zainteresovali za rad "beskućnika". skitnica” Dodo, kako su ga zvali prijatelji.

Iako se radi poštenja, mora se reći da do tada nije bio beskućnik: u ljeto 1917. Amedeo i njegova voljena mlada umjetnica Jeanne Hebuterne, koju je upoznao neposredno prije opisanih događaja, iznajmili su mali stan - dvije prazne sobe. "Čekam jedinu koja će postati moja večna ljubav i koja mi često dolazi u snovima", priznao je umetnik jednom od svojih prijatelja. Oni koji su lično poznavali Modija rekli su da su se nakon upoznavanja Zhanne san i stvarnost spojili za Amedea. Portret u šeširu, na pozadini vrata, u žutom džemperu - bilo je više od dvadeset slika sa njenim likom za četiri godine koliko smo živeli zajedno. Sam Dodo ih je nazvao "izjavama ljubavi na platnu". "Ona je idealan model, zna da sedi kao jabuka, bez kretanja i koliko god mi treba", napisao je bratu.

Jeanne se zaljubila u Amedea kakav je bio - bučan, neobuzdan, tužan, bunovan, nemiran - i rezignirano ga je slijedila gdje god je pozvao. Baš kao što je Modi naknadno bez oklijevanja donio bilo kakvu odluku: treba li slikati tri tuceta golih čarobnica, ostajući tet-a-tet sa svakom od njih danima uzastopno? Dakle, ovako bi trebalo da bude! “Zamislite samo šta se dogodilo damama kada su ugledale zgodnog Modiljanija kako šeta Bulevarom Monparnas sa skicerom na raspolaganju, obučenog u sivo odijelo od velura sa ogradom od obojenih olovaka koja viri iz svakog džepa, sa crvenim šalom i velikom crni šešir. Ne znam nijednu ženu koja bi odbila da dođe u njegov atelje“, priseća se slikareva prijateljica Lunija Čehovska. Oni su poslužili kao modeli za šokantnu izložbu.

Kasnije se Amedeo više puta vraćao svojoj omiljenoj temi - portretima prijatelja i nasumičnih modela koji su mu pozirali u Evinim kostimima - zbog čega su mu obični ljudi zamjerali strast. Ali on tome nije pridavao nikakvu važnost, jer se i samom Modiju činilo da je očigledno da ga ne privlači površina "tjelesne strukture", već njena unutrašnja harmonija. Može li ljepota biti besramna? Inače, po tom osnovu Dodo se sukobio sa starijim genijem Augustom Renoarom, koji se kao majstor obavezao da svom mladom bratu da savjet: „Kada slikaš golu ženu, moraš... nježno, nježno pomičite kist preko platna, kao da ga milujete.” Na šta je Modiljani planuo i, oštro govoreći o starčevoj sladostrasnosti, otišao bez pozdrava.

O „jedinstvenom mlitavom iskušenju” i „erotskom sadržaju” njegovih slika govoriće kasnije, kada pevač golog mesa više ne bude živ. Nakon što su autora odnijeli u drugi svijet, zahvalni potomci konačno će pogledati djela “jadnog Dodoa” i početi ih vrednovati na milione dolara, izvodeći aukcijske bitke za pravo da plate više od konkurenata. „Sjedeća gola na sofi“ („Prelijepa Rimljanka“) također je izazvala sličnu pomutnju. Postavljena je na prodaju u New Yorku 2. novembra 2010. u čuvenom Sotheby'su i otišla u privatnu kolekciju za gotovo šezdeset i devet miliona dolara, "postavivši apsolutni rekord u cijeni". “Kao i obično, ne reklamiram ime novog vlasnika

„Zašto ne pokušate nekako da utičete na njega, pošto umire od pijanstva i progresivne tuberkuloze?“ - upitao je Hebuterne jedan od bliskih prijatelja para, shvativši koliko je Amedeo bolestan. “Modi zna da mora umrijeti. Biće bolje za njega. Čim umre, svi će shvatiti da je genije”, odgovorila je ona. Dan nakon Modiglianijeve smrti, Jeanne ga je pratila u vječnost, iskoračivši kroz prozor. A jedan od onih koji su se došli oprostiti od umjetnika i njegove muze sjetio se riječi majstora: "Sreća je lijep anđeo s tužnim licem." "Da", suvo su prenijeli mediji koji su pratili elitnu aukciju.

Pierre Auguste Renoir "Akt" 1876 ​​Državni muzej likovnih umjetnosti nazvan po A. S. Puškinu, Moskva

“Pjevač žena, golotinja, vladar kraljevstva dama” - tako je jedan od biografa nazvao umjetnika zbog njegove majstorske sposobnosti da prenese aktove na platnu. Međutim, nisu svi njegovi savremenici voljeli maestrovu omiljenu temu.

„Još nisam znao da hodam, ali sam već voleo da slikam dame“, često je ponavljao Ogist. „Ako je Renoir rekao: „Volim žene“, ova izjava nije sadržala ni najmanju zaigranu nagoveštaj u koji su ljudi počeli da stavljaju reč "ljubav" XIX vek. Žene sve savršeno razumeju. Sa njima svet postaje potpuno jednostavan. One sve dovode do prave suštine i savršeno dobro znaju da njihovo pranje nije ništa manje važno od ustava nemačkog carstva. samouveren u njihovoj blizini! Nije mu bilo teško da mi da predstavu o udobnosti i slatkoći toplog gnezda njegovog detinjstva: i sam sam odrastao u istom ljubaznom okruženju”, napisao je u svojim memoarima poznati francuski reditelj Žan Renoar o svog oca, uvjeravajući da je njegovo bogato ljubavno iskustvo dovelo njegovog oca do toga da je na kraju života stvorio svoj izvorni “koncept ljubavi”. Njegova suština se svodila na sljedeće: “Radiš gluposti dok si” Ti si mlad. Nisu bitni ako nemaš nikakvih obaveza.”

Renoir stariji je znao šta govori: i sam se prvi put oženio sa četrdeset devet godina i od tada je, prema pričama njegovih najmilijih, postao najuzorniji muž i brižni otac trojice sinova koju je rodila njegova voljena žena Alina Sherigo. Kada su se upoznali, djevojka je imala nešto više od dvadeset godina, a umjetnik se spremao da proslavi svoj četrdeseti rođendan. Zgodna krojačica Alina, koju je svakodnevno sretao u kafiću u blizini svoje kuće, pokazala se apsolutno po njegovom ukusu: svježa mlada koža, rumeni obrazi, blistave oči, lijepa kosa, raskošne usne. I iako Sherigo nije razumio slikarstvo, a sam maestro nije bio ni bogat ni zgodan, te je na zvaničnu ponudu morao čekati gotovo deset godina, to nije spriječilo ljepoticu da u njemu vidi svog budućeg muža - jednog i jedinog. I sam Renoir je u njoj pronašao ne samo odanu ženu, već i najbolji model na svijetu - često je pozirala Augusteu, priznajući: "Ništa nisam razumjela, ali mi se sviđalo da ga gledam kako piše." “Renoira su privlačile žene tipa “mačka”. Alina Sherigo je bila savršenstvo u ovom žanru”, napisao je njihov sin Jean. A mizoginik Edgar Degas, vidjevši je na jednoj od izložbi, rekao je da izgleda kao kraljica koja posjećuje lutajuće akrobate.

Model mora biti tu da me zapali, da me natjera da izmislim nešto što mi bez njega ne bi palo na pamet, da me zadrži u granicama ako se previše zanesem.

Pierre Auguste Renoir

“Žao mi je muškaraca koji osvajaju žene. Njihov posao je težak! Danonoćno dežurstvo. Poznavao sam umjetnike koji nisu stvarali ništa vrijedno pažnje: umjesto da slikaju dame, oni su ih zavodili“, jednom se „požalio“ kolegama staloženi Renoir. O vezama koje su ga povezivale u mladosti sa brojnim Paletama, Kozetama i Žoržetama radije je šutio. Ipak, upravo su oni, neopterećeni pretjeranom skrupuloznošću stanovnika Monmartra, često pozirali slikaru. Jednu od njih, Annu Leber, doveo je prijatelj u svoj atelje, a nešto kasnije je lako prepoznao poznate crte na slici „Akt na suncu“: umjetnik je izložio ovu sliku na drugoj izložbi impresionista. Neki istoričari umjetnosti vjeruju da je Anna postala model za čuveni "Akt" - zovu je i "Kupačica", a zahvaljujući njenom posebnom prikazu boja, "Biser". Ako su nagađanja stručnjaka tačna, onda se sudbina ove luksuzne žene "u suštini" pokazala nezavidnom: oboljevši od malih boginja, umrla je u naponu života i ljepote...

Međutim, 1876. godine, ni Ana ni Auguste, koji još nisu upoznali Alinu, nisu znali šta ih čeka u budućnosti. Stoga je mogao, bez stida, po ceo dan da viri u obline linija njenog tela kako bi portretu (tako se zove ovo delo) dao opipljivost. Nije ni čudo što je priznao: "Nastavljam da radim na aktovima dok ne poželim da uštinem platno."

Inače, njegove slike su tek nekoliko godina kasnije počele da se nazivaju "živopisnim simfonijama" i "remek-djelima impresionizma", među kojima je i "Akt". Na vernisažu tih godina, likovni kritičar Albert Wolff je, nakon što je vidio jedan od Renoirovih aktova, na stranicama lista Le Figaro uletio u ljutitu tiradu: „Usadite gospodinu Renoiru da žensko tijelo– ovo nije gomila raspadnutog mesa sa zelenim i ljubičastim mrljama, koje ukazuju da je leš već u punom zamahu!” Sam majstor, obdaren radosnom karakteristikom da svijet percipira svijetlim bojama, nije pridavao veliku važnost svom napadu i nastavio je pisati na način svojstven samo njemu na radost svojih obožavatelja - sadašnjih i budućih. Uostalom, osim ljubavi prema porodici, njegovom dušom je do kraja života vladala samo jedna strast - slikarstvo. Čak i kada zbog bolesti prsti nisu mogli držati kist, nastavio je slikati, vezujući ga za ruku.

“Danas sam nešto shvatio!” - kažu da je ove reči izgovorio sedamdesetosmogodišnji Renoar pre nego što je krenuo na svoje poslednje putovanje - da upozna svoju voljenu Alinu, koja je preminula četiri godine ranije.

Diego Velazquez Venera sa ogledalom (Rokeby Venera) 1647–1651 Nacionalna galerija, London

Savremenici Diega Velazqueza smatrali su ga miljenikom sudbine: umjetnik ne samo da je imao sreće u svim svojim nastojanjima, već je imao i dovoljno sreće da izbjegne vatru inkvizicije za sliku ženska golotinja. Ali njegova skandalozna slika nije uspjela izbjeći "odmazdu"...

“Gdje je slika?!” - uzviknuo je francuski romantičarski pjesnik Théophile Gautier, diveći se jednoj od slika Španca Diega Rodrigueza de Silva y Velazqueza. A papa Inocent X je primijetio: "Previše istinito." Međutim, hrabrost i sposobnost da se stvarnost ne uljepšava, koja je vremenom postala Majstorova vizit karta, nije se svidjela svima: pratnja kralja Filipa IV, koji je cijenio Dijegov božanski dar, smatrala ga je arogantnim i narcisoidnim izgonicom. Ali Velazquez, strastven prema svojoj umjetnosti, nije trošio energiju na verbalne rasprave, zbog čega kvaliteta njegovog rada je samo koristila, a njegovo obrazovanje je izazvalo divljenje obožavatelja. Na primjer, jedan od biografa, Antonio Palomino, napisao je da se Diego još u mladosti „počeo proučavati belles lettres a u poznavanju jezika i filozofije nadmašio je mnoge ljude svog vremena.” Već prvi portret, za koji je kralja uvjerio moćni dvorjanin i rodom iz Seville, vojvoda de Olivares, toliko se dopao vladaru da je pozvao dvadesetčetvorogodišnjeg Velazqueza da postane dvorski umjetnik. I on je, naravno, pristao. Ubrzo se to uspostavilo između njih prijateljskim odnosima. Slikar i teoretičar umjetnosti Francisco Pacheco, čiji je učenik Diego bio u mladosti, kasnije je napisao da se „ispostavilo da je veliki monarh bio iznenađujuće velikodušan i podržavao Velazqueza. Umjetnikov atelje nalazio se u kraljevskim stanovima, gdje je postavljena fotelja za Njegovo Veličanstvo. Kralj, koji je imao ključ, dolazio je ovamo skoro svaki dan da nadgleda radove.” Istorija šuti o tome kako je Pacheco reagovao na činjenicu da je njegov talentovani štićenik dugo počeo da napušta porodicu, odlazeći u druge zemlje kao dvorjanin. Iako se vrlo malo zna o Velazquezovoj supruzi Huani Mirandi - neosporna je samo činjenica da je ona bila Pachecova kćer. Huana je svom mužu dala kćerke Francisca i Ignaciju. Inače, Francisca je ponovila majčinu sudbinu - udala se i za očevog omiljenog učenika, Huana Batistu del Maza. Istina, Diego je, očigledno, mnogo manje učestvovao u životima svojih najmilijih nego u državnim poslovima.

„Odlično obrazovan i lepo vaspitan čovek sa osećajem sopstvene vrednosti“, rekao je o njemu venecijanski umetnik i pisac Marko Boskini. Takav poslanik bio je odličan predstavnik španskog dvora van domovine. Iako je Filip nevoljko pustio svog ljubimca, Velazquez je više puta imao priliku da ode na duga putovanja u inostranstvo. Prvi put je otišao na put u Italiju 1629. i otkrio s divljenjem cijeli svijet Italijansko slikarstvo. Drugo putovanje u ovu zemlju trajalo je od 1648. do 1650. godine: u ime Filipa, Diego se bavio odabirom umjetničkih djela za kraljevsku kolekciju. Vjeruje se da je s ovim putovanjem povezana pojava jedne od najpoznatijih i najčudnijih Velázquezovih slika: stvaranje “besramnog” remek-djela navodno je inspirisano slikama velikih Italijana Michelangela, Tiziana, Giorgionea, Tintoretta, koji su sa njihova urođena hrabrost, uhvatila je užitke golih mitskih ljepota.

“Venera i Kupidon”, “Venera sa ogledalom”, “Venera Rokbi” - kako god se to platno zvalo vekovima! Ali njegova jedinstvenost nije samo u umijeću autora: to je jedini preživjeli Velazquezov akt. Kao što je poznato, veliki inkvizitori, čija su okrutnost i beskompromisni odnos prema onima koji su prekršili zakone koje su uspostavili stekli tužnu slavu, smatrali su takve slobode neprihvatljivim. „Stvarajući raskošne gole figure na platnu, slikari postaju vodiči đavola, opskrbljuju ga sljedbenicima i naseljavaju kraljevstvo pakla“, rekao je jedan od gorljivih propovjednika vjere, Jose de Jesus Maria. U ovom slučaju, ljepota - sa ili bez ogledala - bila je najbolja ilustracijašta je rečeno. I Diego bi izgorio, ako ne u paklu, onda svakako na lomači, da svi učesnici "zločina" nisu tajili sve vezano za ovu sliku. Moguće je da je njegov tvorac spašen od kazne najvišim pokroviteljstvom. Pretpostavlja se da je djelo naručio jedan od najplemenitijih ljudi u Španjolskoj, a prvi spomen o njemu datira iz 1651. godine: otkriveno je prilikom inventara zbirke rođaka utjecajnog Olivaresa, markiza del Carpija. Još uvijek se vodi debata o tome koja je od dama poslužila kao model. Prema jednoj verziji, Dijegu je pozirala poznata madridska glumica i plesačica Damiana, koja je bila markizova ljubavnica, strastveni kolekcionar, poznavalac umetnosti i lepih žena. Prema drugoj pretpostavci, Italijan je njeno tijelo dao Veneri. Možda je bila Velaskezova tajna ljubavnica: kažu da se afera zaista dogodila, za šta navodno postoje dokazi. Kao i dokaz da je umetnik ubrzo nakon odlaska u Španiju dobio sina za čije je održavanje Dijego slao sredstva.

A ovo nije poslednja tajna"Venera". Ljubitelji misticizma tvrde da je svaki naredni vlasnik bankrotirao i bio primoran da sliku stavi na prodaju. Tako je lutala iz ruke u ruku sve dok se nije našla na engleskom imanju Rokbi Park, u okrugu Jorkšir, po čemu mu je i dalo jedno od imena. A 1906. godine sliku je nabavila londonska Nacionalna galerija: tamo se 10. marta 1914. dogodila sledeća priča...

Gdje je slika? Sve izgleda stvarno na vašoj slici, kao u ogledalu.

Francisco de Quevedo

U salu u kojoj se nalazilo platno ušla je neupadljiva djevojka. Približavajući se remek-djelu, zgrabila je nož iz nedra i, prije nego što su je stražari uspjeli zaustaviti, udarila je sedam puta. Tokom istrage, Meri Ričardson je ovako objasnila svoj čin: "Venera sa ogledalom" postala je predmet žudnje muškaraca. Ovi seksisti je gledaju kao pornografsku razglednicu. Žene širom svijeta su mi zahvalne što sam stao na kraj ovome!” Kasnije se ispostavilo da je gospođica Richardson bila sufražetkinja - učesnica pokreta za davanje glasačkih prava ženama. I na tako neoriginan način pokušala je da skrene pažnju javnosti na sudbinu Emeline Pankhurst, šefice ovog pokreta, koja je ponovo bila u zatvoru, gde je štrajkovala glađu.

I “Venera” je restaurirana: tri mjeseca kasnije vraćena je u galeriju. I tamo se, kao i pre nekoliko vekova, divi svom odrazu.

Edouard Manet “Olympia” 1863 Orsay muzej, Pariz

Ova slika, naslikana prije tačno 150 godina, danas se smatra remek djelom impresionizma, a mnogi kolekcionari sanjaju da je imaju u svojoj kolekciji. Međutim, njeno prvo pojavljivanje na prestižnom otvaranju u 19. veku izazvalo je jedan od najvećih skandala u istoriji umetnosti.

Vjerovatno očekujući loš prijem, Édouard Manet nije žurio da izloži svoj rad javnosti. Zaista, iste 1863. godine već se uspio istaknuti predstavivši žiriju "Doručak na travi", koji je odmah bio izopćen: njegov model optužen je za vulgarnost, nazivajući ga golom uličnom djevojkom, bestidno smještenom između dva kicoša. Sam autor je optužen za nemoral i od njega se nije očekivalo ništa vrijedno. Ali prijatelji, među kojima je bio i poznati francuski pjesnik i kritičar Charles Baudelaire, uvjerili su majstora da njegovoj novoj kreaciji neće biti premca. A pjesnik Zachary Astruc, diveći se Veneri (smatra se da je djelo napisano pod utjecajem Ticijanove “Venere iz Urbina” i prvobitno je dobilo ime po boginji ljubavi), odmah je nazvao ljepoticu Olimpija i posvetio pjesmu “Kći ostrvo." Linije s njega stavljene su ispod platna kada je dvije godine kasnije, 1865. godine, Manet konačno odlučio da ga prikaže na izložbi Pariskog salona - jednoj od najprestižnijih u Francuskoj. Ali šta je ovde počelo!..

„Čim Olimpija bude imala vremena da se probudi iz sna,

Crni glasnik s pregršt proljeća pred sobom;

To je glasnik roba koji se ne može zaboraviti,

Pretvaranje noći ljubavi u dane cvjetanja” -

prvi posetioci pročitali su natpis na slici. Ali čim su pogledali sliku, ogorčeni su se udaljili. Avaj, poetska čipka koja im je izazvala naklonost nije nimalo uticala na njihov odnos prema samom djelu. “Pralja Batignolles” (Edouardova radionica bila je u kvartu Batignolles), “znak za separe”, “odaliska s žutim trbuhom”, “prljavi trikovi” - takvi su se epiteti pokazali najblažim od svih uvrijeđenih gomila. nagrađen Olimpijom. Dalje - više: “Ova brineta je odvratno ružna, lice joj je glupo, koža joj je kao u leša”, “Ženka gorile od gume i prikazana potpuno gola”, “Ruka joj izgleda u nepristojnom grču, ” dolazili su sa svih strana. Kritičari su postali sofisticiraniji u svojoj duhovitosti, tvrdeći da “umjetnost koja je tako nisko pala nije ni vrijedna osude”. Mani se činilo da se cijeli svijet okrenuo protiv njega. Čak ni oni koji su bili dobro raspoloženi nisu mogli odoljeti da ne prokomentarišu: „Daću ti pik iz špila karata, odmah

Umjetnik Edouard Manet.

“izronila iz kupke” nazvao je njen kolega Gustave Coubret. „Ton tela je prljav, i nema modelovanja“, ponovio je pesnik Teofil Gotije. Ali umjetnik je samo slijedio primjer svog omiljenog slikara, univerzalno priznatog Diega Velazqueza, i prenio različite nijanse crne... Međutim, koloristički zadaci koje je sebi postavljao i briljantno rješavao malo su zabrinjavali javnost: glasine o tome ko je bio glavni model za njegov rad, izazvao je toliki talas sveopšteg gneva da je obezbeđenje moralo biti dodeljeno Olimpiji. Nešto kasnije, uprava izložbene hale bila je prinuđena da je podigne na visinu do koje ruke i štapovi „česte javnosti“ nisu mogli da dopru. Likovni kritičari i slikari bili su ogorčeni odstupanjem od kanona - bilo je uobičajeno da se dame u golišavom stilu prikazuju isključivo kao mitske boginje, a u Edwardovom modelu jasno se nazirala njihova suvremenica, štoviše, autor je sebi dopustio slobodnu upotrebu boja i zadirao u na estetske norme. Francusko stanovništvo brinulo je nešto drugo: činjenica je da se gradom proširila glasina, koju je publika radosno pokupila, da je Olimpiji dala svoj izgled slavna pariška kurtizana i ljubavnica cara Napoleona III, Marguerite Bellanger. Inače, sam Napoleon, poznavalac umjetnosti, iste je 1865. godine nabavio "glavnu sliku Salona" - "Rođenje Venere" majstora i akademika Alexandrea Cabanela. Kako se ispostavilo, njegov model nije zbunio cara ničim više od neozbiljne poze ili zamagljenih formi, jer je u potpunosti odgovarao zakonima žanra. Za razliku od osramoćene "Olimpije" sa svojom skandaloznom "biografijom".

Prema zvaničnoj verziji, za sliku nije pozirala Margarita, već Manetova omiljena manekenka, Quiz-Louise Meurand: nije oklijevala da se skine za "Doručak na travi" i pojavila se na drugim njegovim platnima. I drugi umjetnici su je često pozivali kao model, zahvaljujući čemu je Victorina prikazana na slikama Edgara Degasa i Norberta Gonettea. Istina, ova djevojka se nije odlikovala dobrim ponašanjem i čednošću: nije bez razloga jedan od njenih poznanika nazvao "svorotom kreacijom koja govori kao pariške uličarke". Vremenom se oprostila od svog sna da postane glumica, a potom i umjetnica (preživjelo je nekoliko njenih talentiranih radova), postala zavisna od alkohola, započela aferu sa izvjesnom Marie Pellegri, a u poznim godinama stekla papagaja , sa kojim je šetala ulicama grada, pevajući pesme uz gitaru za milostinju - za to je živela.

Ko te isklesa iz tame noći, Kakav domorodac Faust, đavo savane? Mirišeš na mošus i duvan Havane, Ponoćno dete, moj fatalni idol...

Charles Baudelaire

I ismijana, optužena za vulgarnost i bestidnost, počela je “Olimpija”. samostalan život. Nakon zatvaranja Salona, ​​proveo je skoro četvrt veka u Manetovom ateljeu, gde su mu se mogli diviti samo Edvardovi poznanici, jer muzeji, galerije i kolekcionari nisu videli njegovu umetničku vrednost i odlučno su odbijali da je otkupe. Na javno mnijenje nije utjecala obrana istaknutog umjetničkog kritičara i novinara Antonina Prusta, koji je, kao prijatelj svoje mladosti, napisao: „Edvard nikada nije uspio postati vulgaran – u njemu se osjećala vrsta. Niti uvjerenje pisca Emilea Zole, koji je u jednom od članaka objavljenih u pariskim novinama primijetio da joj je sudbina pripremila mjesto u Louvreu. Ipak, njegove reči su se obistinile, ali je lepotica morala da čeka skoro pola veka. U to vrijeme, sam autor je odavno otišao s ovog svijeta, a njegova voljena zamisao gotovo je otišla zajedno s drugim djelima američkom ljubitelju umjetnosti. Situaciju je spasio majstorov prijatelj Claude Monet: kako remek-djelo - i u to nije sumnjao - ne bi zauvijek napustilo Francusku, organizirao je pretplatu, zahvaljujući kojoj je prikupljeno dvadeset hiljada franaka. Ovaj iznos bio je dovoljan da se od Manetove udovice kupi platno i pokloni državi, koja je tolike godine odbijala takvu kupovinu. Umetnički zvaničnici su prihvatili poklon i bili primorani da ga izlože, ali ne u Luvru (kako je moguće!), već u jednoj od sala Luksemburške palate, gde je slika ostala šesnaest godina. Premještena je u Luvr tek 1907. godine. Tačno četrdeset godina kasnije, 1947. godine, kada je u Parizu otvoren Muzej impresionizma (na njegovoj osnovi je naknadno stvorena zbirka Muzeja Orsay), tu se nastanila "Olympia". I sada znalci stoje ukočeni od divljenja pred ženom koju je, po Zolinim rečima, umetnik „bacio na platno u svoj svojoj mladalačkoj lepoti”.

Rafael Santi “Fornarina” 1518–1519 Galleria Nazionale d'Arte Antica. Palazzo Barberini, Rim

Vjeruje se da ju je upravo Raphael uhvatio u liku čuvene "Sikstinske Madone". Istina, kažu da u životu Margarita Luti nije bila nimalo bezgrešna...

U vreme kada se ova žena pojavila u životu Rafaela Santija, on je već bio poznat i bogat. Umjetnički kritičari i historičari još uvijek se nisu složili oko tačnog datuma njihovog susreta, ali se predaje pismeno i usmeno prenose legende koje su tokom proteklih stoljeća dopunjene mnogim detaljima. Neki od umjetnikovih biografa tvrde da su se sreli sasvim slučajno kada je Raphael jedne večeri šetao obalom Tibera. Vrijedi napomenuti da je u tom periodu radio po nalogu Agostina Chigija, plemenitog rimskog bankara koji je pozvao uglednog slikara da oslika zidove njegove palače Farnesino. Zapleti “Tri Gracije” i “Galatea” već su ih ukrasili. A s trećim - "Apolon i Psiha" - pojavila se poteškoća: Raphael nije mogao pronaći model za sliku drevna boginja. A onda se ukazala prilika. "Našao sam je!" - uzviknuo je umetnik kada je ugledao devojku kako mu prilazi. Vjeruje se da je s tim riječima započela nova era u njegovom ličnom životu. Ispostavilo se da se mlada ljepotica zove Margherita, a bila je kćerka pekara Francesca Lutija, koji se prije mnogo godina iz malene sunčane Sijene preselio u Rim. “O, ti si divna fornarina, pekaru!” - rekao je Raphael (u prevodu sa italijanskog fornaro ili fornarino - pekar, pekar) i odmah je pozvao da pozira za buduće remek-delo. Ali Margarita se nije usudila dati pristanak bez očeve dozvole. A on je zauzvrat mladoženja Tomasove kćeri. Kao što je iskustvo pokazalo, znatna suma koju je Rafael dao ocu Lutiju imala je efekat elokventniji od bilo koje reči: primivši tri hiljade zlatnika, on je sa zadovoljstvom dozvolio svojoj devojci da služi umetnosti danonoćno. I sama Margarita-Fornarina se rado pokorila volji svojih roditelja, jer iako je bila veoma mlada (veruje se da je imala jedva sedamnaest godina), ženska intuicija je podstakla: poznati i bogati umetnik bio je zaljubljen u nju. I ubrzo se djevojka preselila u vilu (vjerovatno na Via di Porta Settimiana), koju je Raphael iznajmio posebno za nju. Od tada se, kažu, nisu rastajali. Inače, na ovoj adresi se sada nalazi hotel Relais Casa della Fornarina, na čijoj web stranici stoji da je Rafaelova voljena živjela u 16. vijeku. Istina, ne zadugo: budući da je želja da provodi vrijeme u njenom društvu ometala posao, Chigi je pozvao majstora da Margaritu smjesti pored sebe u Farnesino. Tako je i uradio.

Kupidone, zaustavi zasljepljujuće svjetlo

Dva čudesna oka koje ste poslali.

Obećavaju hladnoću ili ljetnu vrućinu,

Ali u njima nema ni male kapi saosjećanja.

Jedva sam poznavao njihov šarm,

Kako sam izgubio slobodu i mir.

Rafael Santi

Danas je teško reći šta je u ovoj priči istina, a šta fikcija, jer je prema nekim izvorima počela 1514. godine, odnosno prije skoro pola milenijuma. Takođe nema potvrde da li je ova žena prikazana na drugim slikama umetnika, na primer „Dona Valeta“. Iako u stvaranju mnogih monumentalna dela Raphaelovi učenici su učestvovali, može se pretpostaviti da je „Fornarina“, kao „ Sikstinska Madona“, napisao je lično. Verovatno je zato, stojeći ispred „Madone“ mnogo godina kasnije u holu Drezdenske umetničke galerije, ruski pesnik Vasilij Žukovski primetio: „Ljudska duša je jednom imala takvo otkrovenje, dvaput se ne može desiti“. Može se samo nagađati da je slika napisana od Margherite Luti, kako mnogi izvori kažu: u “Biografijama” koje je sastavio autoritativni renesansni biograf Giorgio Vasari, ovo ime se ne spominje. Postoji samo ova fraza: „Marcantonio je napravio još mnogo gravura za Raphaela, koje je poklonio svom studentu Bavieri, dodeljenoj ženi koju je voleo do smrti, čiji je najlepši portret, gde se čini da je živa, sada u posedu najplemenitijeg Mattea Bottija, firentinskog trgovca; Ovaj portret tretira kao relikviju, iz ljubavi prema umjetnosti i Rafaelu posebno.” I ni riječi više. Vekovima kasnije, jedan od Vasarijevih čitalaca napisao je na margini nasuprot ovih redova da se zove Margherita: dama je krštena Fornarina u 18. veku.

Ali predaja se ne može zaustaviti. “Prelijepa, kao Raphaelova Madona!” - a sada kažu oni koji žele da opišu pravu lepotu. Ali Raphaelovi savremenici su uvjeravali da se dotična šarmantna žena ne odlikuje čednošću: onih dana kada je maestro bio zauzet poslom, ona mu je lako pronašla zamjenu, provodeći vrijeme u zagrljaju nekog od njegovih učenika ili bankara. sebe. Gospodarevi sugrađani su bili uvjereni, a potom i cijeli svijet, da je Raphael umro upravo na njenim rukama od zatajenja srca. To se dogodilo 6. aprila 1520. godine, umjetnik je upravo napunio trideset sedam godina.

Malo je vjerovatno da će se znati da li je to istina ili ne. Ali pouzdano se zna da Raphael nije odgovorio na prijedlog svog prijatelja kardinala Bernarda Divizio di Bibbiene, koji ga je, prema Vazarijevim riječima, godinama tražio da oženi njegovu nećakinju. Međutim, Raphael je, „bez direktnog odbijanja da ispuni kardinalove želje, odgodio stvar. U međuvremenu se polako prepuštao ljubavnim zadovoljstvima u većoj meri nego što je trebalo, a onda se jednog dana, prešavši granice, vratio kući u teškoj groznici. Doktori su mislili da je prehlađen i neoprezno su mu iskrvarili, usled čega je jako oslabio.” Medicina je bila nemoćna.

“Fornarina” je krenula na svoje putovanje: prvi put se pominje rad koji prikazuje golu ženu prema riječima osobe koja ga je vidjela u kolekciji Sforza Santa Fiora. Na njenom levom ramenu je narukvica sa natpisom „Rafael od Urbina“, što je dovelo do poistovećivanja modela sa legendarnim ljubavnikom. Nalazi se u zbirkama Palazzo Barberini od 1642. godine. Rendgenske studije su pokazale da je ovu sliku kasnije "ispravio" Raphaelov učenik Giulio Romano.

“Rafael bi postigao briljantan uspjeh u bojanju da njegova vatrena konstitucija, koja ga je neprestano privlačila ljubavi, nije uzrokovala preranu smrt”, napisao je jedan od obožavatelja njegovog rada. “Ovdje leži veliki Raphael, za čijeg se života priroda plašila da ne bude poražena, a posle njegove smrti bojala se da umre“, stoji u natpisu uklesanom na njegovom nadgrobnom spomeniku u Panteonu.

Gustav KLIMT “Legenda” 1883. Wien Museum Karlsplatz, Beč

Gustav Klimt je poznat po svojim bizarnim prikazima golih dama: početkom dvadesetog veka njegove slike, koje karakteriše iskrena erotizam, šokirale su prefinjenu bečku javnost, a moralni čuvari su ih nazivali pornografskim.

Ali to nije uvijek bio slučaj: jedna od prvih narudžbi koje je nadobudni umjetnik dobio od izdavača Martina Gerlacha bila je da napravi ilustracije za knjigu “Alegorije i amblemi” - mladi Gustav ju je dovršio samostalno i, vjerovatno, u potpunosti u skladu sa svojim zahtjeve i ideje o ljepoti. U svakom slučaju, nema podataka o pritužbama od strane Gerlacha. Iako je u centru parcele ljepotica u golišavom stilu. Kritičari su ovu golotinju nazvali gotovo čednom. „Čak i na svojim ranim slikama, Klimt je pridavao ponosno mjesto ženi: od tada je nikada nije prestao veličati. Poslušne životinje postavljene su za ukras pred noge nevjerovatne, senzualne heroine koja njihovu poslušnost uzima zdravo za gotovo”, uživali su u vlastitoj elokvenciji. I razjasnili su da su autoru životinje potrebne samo da bi ovu prvu sladostrasnu Evu prikazao u najpovoljnijem svjetlu. Basna - ovo je naslov filma u originalu. U ruskom prevodu poznat je pod različitim nazivima: „Legenda“, „Bajka“, „Basna“. Ono što ostaje nepromijenjeno je reakcija publike kojoj je teško povjerovati da pripada kistu tog istog Gustava Klimta - šokantnog erotomana, genijalca i "perverznog dekadenta", kako su ga nazvali njegovi sugrađani. Ali od tada se mnogo toga promijenilo - uključujući i njegov umjetnički stil.

“On je sam izgledao kao nespretni običan čovjek koji ne može spojiti dvije riječi. Ali njegove ruke su bile sposobne da žene pretvore u dragocjene orhideje koje izranjaju iz dubina magičnog sna”, prisjetio se jedan od umjetnikovih prijatelja. Istina, njeno mišljenje nisu dijelili svi Klimtovi savremenici. Uostalom, upravo je “opscen” prikaz ženske golotinje izazvao jedan od najglasnijih skandala u umjetnosti. Desilo se u Beču sedam godina nakon nastanka Fabule, uoči 1900. godine, kada je mladi slikar publici, a što je najvažnije, kupcima - poštovanim profesorima Bečkog univerziteta - predstavio slike "Filozofija", „Medicina“ i „Jurisprudencija“: trebalo je da ukrase plafon glavne zgrade Hrama nauka. Gledajući slike, stručnjaci su bili šokirani “ružnoćom i golotinjom” i odmah optužili autora za “pornografiju, pretjeranu perverznost i demonstraciju trijumfa tame nad svjetlom”. O nečuvenom slučaju čak se raspravljalo i u parlamentu! Na opomene profesora umjetnosti Franza von Wyckhoffa, jedina osoba, koji je pokušao da odbrani Klimta u legendarnom predavanju "Šta je ružno?", niko ga nije obazirao. Kao rezultat toga, slike nisu bile izložene u zgradi univerziteta. Međutim, ova priča pomogla je Gustavu da donese važan zaključak: kreativna neovisnost jedini je način očuvanja originalnosti. “Dosta cenzure. Proći ću sam. Želim da budem slobodan. Želim se riješiti svih ovih gluposti koje me sputavaju i vratiti posao. Odbijam bilo kakvu državnu pomoć i naredbe. Odustajem od svega”, rekao je u intervjuu nekoliko godina kasnije. I obratio se vladi sa zahtjevom da mu se dozvoli otkup osramoćenih djela. “Svi napadi kritike me gotovo nisu dotakli u to vrijeme, a osim toga, bilo je nemoguće oduzeti sreću koju sam doživio radeći na ovim djelima. Generalno, nisam previše osjetljiv na napade. Ali postajem mnogo prijemčiviji ako shvatim da je naručilac mog rada nezadovoljan njime. Kao u slučaju kada se slike zataškavaju”, objasnio je u intervjuu bečkom novinaru. Vlada mu je udovoljila zahtjevu. Kasnije su slike završile u privatnim kolekcijama, ali su ih na kraju Drugog svjetskog rata spalile SS trupe u povlačenju u dvorcu Immerhof, gdje su se potom čuvale. Sam Klimt nije znao za ovo, jer se sve to dogodilo kada gospodar više nije bio živ.

Sva umjetnost je erotska.

Adolf Loos

Na sreću, tada, 1900-ih, reakcija javnosti nije ohladila njegov žar: oslanjao se na dame - one su mu donijele željenu slobodu. Iako želja da "hrabro slika Evu - prototip svih žena - u svim zamislivim pozama, za koju nije jabuka predmet iskušenja, već njeno tijelo", nikada nije nestala iz njega, Gustav je radije zarađivao stvarajući portrete životnih partnera bečkih magnata. Tako se pojavila čuvena „Galerija žena“, koja je Klimtu donijela ne samo novac, već i slavu: Sonya Knieps, Adele Bloch-Bauer, Serena Lederer - maestro je znao kako ugoditi prosperitetnim građanima Beča. Njihove najmilije prikazao je beskrajno šarmantnim, ali sa određenim dodirom arogancije. Nakon što je jednom dao ove osobine jednoj dami iz visokog društva, ponovio je tehniku ​​više puta. pa " femme fatales, erotika i estetika” postala Klimtova vizit karta.

Na sreću, umjetnici nisu nedostajali modeli - goli ili obučeni u luksuznu odjeću. Iako su se o njegovoj ljubaznoj prirodi stvarale legende, dvadeset sedam godina Gustavov vjerni pratilac bila je Emilia Flöge, modna dizajnerica i vlasnica modne kuće. Istina, rekli su da ih povezuje samo dirljivo prijateljstvo, a odnos para bio je isključivo platonski. Pa ipak, vjeruje se da je upravo nju i sebe uhvatio u čuvenom "Poljupcu".

Ko je inspirisao karakteristike lepotice iz Fable-a verovatno će ostati misterija - jedna od onih koje je Klimt voleo da stvara. "Svako ko želi da zna bilo šta o meni kao umetniku - a to je sve što me zanima - treba da pažljivo pogleda moje slike", savetovao je. Možda se u njima zaista kriju odgovori na sva pitanja.

Dante Gabriel Rossetti “Venera Verticordia” 1864–1868 Umjetnička galerija i muzej Russell-Cotes, Bournemouth

Dante Gabriel Rossetti postao je poznat kao jedan od osnivača prerafaelitskog bratstva, originalni pjesnik i umjetnik koji je stvorio seriju erotskih ženski portreti. I šokantnim ludorijama koje su eksplodirale puritansko društvo.

"Kada biste ga poznavali, voljeli biste ga, i on bi volio vas - svi koji su ga poznavali bili su zaneseni njime. Bio je potpuno drugačiji od drugih ljudi", rekla je Jane Burden Morris o Rossettiju, koji je dugi niz godina okupirao mesto Danteove voljene žene i modela.Ali ne samo ona...

Ova priča počela je u oktobru 1857. godine, kada su Jane i njena sestra Elizabeth otišle u londonsko pozorište Drury Lane. Tamo su je primijetili Rossetti i njegov kolega Edward Burne-Jones. Savremenici su primijetili da se Jenny - kako su je počeli zvati njeni prerafaeliti prijatelji - nije odlikovala tradicionalnom ljepotom, ali je privukla pažnju svojom različitošću od drugih. „Kakva je ovo žena! Prelepa je u svemu. Zamislite visoku, mršavu damu, u dugoj haljini od tkanine prigušeno ljubičaste boje, od prirodnog materijala, sa pramenom kovrdžave crne kose koja joj u velikim talasima pada duž slepoočnica, malim i bledim licem, velikim tamnim očima, duboko... sa gustim crnim lučnim obrvama. Visok otvoren vrat prekriven biserima, i na kraju – čisto savršenstvo”, divio se jedan od njegovih poznanika. Bila je upadljivo drugačija od „klasičnih“ sekularnih mladih dama - to je ono što je uzbudilo maštu prerafaelita, koji su izjavili da ne žele slijediti zakone akademskog slikarstva. Kažu da je Roseti, kada ju je primetio, uzviknuo: „Zadivljujući prizor! Predivno!" A onda je pozvao djevojku da pozira. Drugi umjetnici su cijenili njegov izbor i počeli su se nadmetati da pozovu Jane, rođenu Burden, na svoje sesije. Kako je na to reagovala službena muza prerafaelita Elizabeth Siddal, koja je nosila ovu titulu dugi niz godina, nije teško pretpostaviti. Uostalom, Lizzie je bila i Rossettijeva vanbračna žena: obećao je da će legitimirati njihovu vezu. Svi su znali za ovu strastvenu i bolnu romansu za oboje. Kao i to da je zaljubljeni Dante svih ovih godina bio "inspirisan" u naručju drugih manekenki. Iskustva su potkopala Siddalino loše zdravlje, koje je žrtvovala u punom smislu te riječi umjetnosti. Pričalo se da je, dok je 1852. pozirala za čuvenu sliku Džona Millea „Ofelija“, provela mnogo sati zaredom u kadi s vodom, prikazujući utopljenu Ofeliju. Desilo se to zimi, a lampa koja grije vodu se ugasila. Djevojčica se prehladila i teško se razboljela. Vjeruje se da joj je za liječenje prepisan lijek na bazi opijuma. Za Danteovu zaslugu, vredi reći da joj je održao reč, oženivši Lizi u maju 1860. A u februaru 1862. ona je otišla. Elizabeth je umrla od prevelike doze opijuma, koji je uzela da bi otupila bol: malo prije toga izgubila je dijete, a veza s Rossettijem se raspala. Nikada nije bilo moguće saznati da li je njena smrt bila samo fatalna nesreća.

Ali vrijeme je prolazilo: Jane Burden je bila u blizini. I iako je već bila supruga Williama Morrisa, njeno "nježno" prijateljstvo sa Rossettijem se nastavilo. Zakonski supružnik je bio iznad konvencija i nije se miješao u vezu. Možda ih je on sam „prorekao“? Na kraju krajeva, jedina slika koju je Morris završio je Jane u liku "kraljice Ginevre": kao što znate, ova dama je bila supruga kralja Artura, koji je, prema jednoj verziji, postao voljena njegovog viteza Lancelota. Bilo kako bilo, Jane je bila ta koja je vratila Dantea u život, probudivši u njemu želju za stvaranjem. Nekoliko godina kasnije, odlučio je da objavi svoje rane poetske kreacije. Avaj, nije bilo nacrta soneta, a onda je počinio čin o kojem je cijeli London dugo pričao: ekshumirao je i iznio na svjetlo dana nekada izgubljene rukopise. “Njegovi soneti su prožeti mističnim i erotskim sadržajem”, odgovorili su kritičari, a čitaoci su ih prihvatili sa oduševljenjem.

Život je išao dalje, a sada se Jane, kao nekada Elizabeth, pojavila na gotovo svakom platnu, zahvaljujući čemu je ušla u povijest slikarstva. Međutim, ostaje misterija da li je čuvena "Venera Verticordia" - "Venera koja okreće srca" - i dalje zadržala svoje crte. U to vrijeme Rossetti je imao još jedan omiljeni model: djevojka se zvala Alexa Wilding, iako su je svi zvali Alice. Vjeruje se da je u januaru 1868. ova slika prepisana sa Wildingovim likom, iako je umjetnikova domaćica Fanny Cornforth prvobitno pozirala za "Veneru". Je li to tako - misterija, jedna od onih koje je Rossetti ponio sa sobom. Još jedna stvar je iznenađujuća: Venus Verticordia je naziv drevnog rimskog kulta i slike božice Venere, "pretvarajući" srca ljudi "iz požude u čednost". A istoimeno djelo gotovo je jedini primjer golotinje u Rossettijevom radu. Inače, gospođica Aleksa Vajlding je i jedna od retkih Danteovih muza sa kojom maestro nije imao ljubavnu vezu.

Tizian Vecellio Venera iz Urbina 1538 Galerija Uffizi, Firenca

Venera Pudica - "Čedna Venera", "sramežljiva", "skromna" - Tizianovi suvremenici nazivali su slične slike boginje ljubavi. "Devojka koja nosi samo prsten, narukvicu i minđuše, ako se malo postidi, potpuno je svesna svoje lepote", kažu o lepotici danas. A ova priča je počela prije 475 godina.

Kada je vojvoda Gvidobaldo II della Rovere u proljeće 1538. poslao kurira u Veneciju, dobio je jasne upute: da se ne vraća bez platna naručenih od Tiziana. Iz vojvodove prepiske saznaje se da su govorili o portretu samog Guidobalda i izvjesne la donna nuda, „gole žene“. Kao što vidite, sluga se dobro nosio sa zadatkom - Guidobaldo, koji je kasnije postao vojvoda od Urbina, nabavio je platna, a gola gracioznost na slici dobila je novo ime: "Venera od Urbina".

U Veneciji - sav savršenstvo ljepote! Prvo mjesto dajem njenoj slici, čiji je zastavnik Tizian.

Diego Velazquez

U to vrijeme, Tizian Vecellio, koji je imao oko pedeset godina, dugo je bio poznat kao slavni majstor i nosio je titulu prvog umjetnika Mletačke Republike. Slavni sugrađani su se postrojili, želeći da u njegovom izvođenju poseduju svoj portret. „Umjetnik je sa zadivljujućim uvidom prikazao svoje savremenike, uhvativši najrazličitije, ponekad i kontradiktorne crte njihovih likova: samopouzdanje, ponos i dostojanstvo, sumnjičavost, licemjerje, prijevaru“, primijetili su likovni kritičari 19. stoljeća. „Kada pokušate da zamislite Ticijana, vidite srećnog čoveka, najsrećnijeg i najprosperitetnijeg koji je ikada bio među njegovom vrstom, koji je primao samo usluge i sreću sa neba... Koji je ugostio kraljeve, dužde, papu Pavla III i sve Italijanski suvereni, bombardovani narudžbinama, naveliko plaćeni, primaju penzije i vešto koriste svoju sreću. On vodi svoju kuću na veliko, oblači se veličanstveno, poziva kardinale i plemiće za svoj sto, najveći umetnici i najdarovitijih naučnika svog vremena”, pisao je o njemu francuski istoričar Hipolit Taine u početkom XIX vekovima. Ovo je vjerovatno bilo mišljenje bogatih Mlečana. Vjerovatno su se pitali zašto je ovaj miljenik sudbine imao tako malo ljubavnih veza. Zaista, za dug zivot Tizian je povezan sa samo tri ženska imena. Pa čak i tada njih dvoje, najvjerovatnije, samo da bi stvorili lijepu romantičnu priču. Pouzdano se zna: njegova jedina supruga bila je Cecilija Soldano, s kojom se oženio 1525. godine, nakon što je s njom prije vjenčanja nekoliko godina živio u „građanskom braku“. A 1530. umrla je, ostavljajući muža s djecom. Teško je reći da li je portrete Cecilije slikao stvarne ili u obliku mitskih ljepota, ali je sačuvao uspomenu na ovu ženu. Njemu, slavnom i slavnom Vecelliju, životoljublju, mudrom iskustvima pobjeda i poraza, obratio se vojvoda Gvidobaldo...

U skoro pola milenijuma koliko je prošlo od rođenja Ticijanove boginje, istoričari umetnosti su verovatno proučavali svaki potez na njenom luksuznom telu, ali nikada nisu otkrili ko je bio model. Neki vjeruju da je na platnu prikazana Guidobaldova mlada supruga Julia Varano. Drugi ne sumnjaju: maestro je pozirao... Kneževu majku Eleanor Gonzaga. U svojim pretpostavkama pozivaju se na sličnost između “Venera” i portreta Eleonore od Tiziana i činjenicu da oba platna prikazuju “istog psa sklupčanog u klupko”. Neki od njih slažu svaki element u daminom okruženju, a sve to, po njihovom mišljenju, personificira bračne spone. Buket ruža u ruci je atribut Venere, pas kod nogu simbol je odanosti, a sluškinje u blizini škrinje sa odjećom i cvijetom u otvoru prozora - za stvaranje atmosfere intimnosti i topline. Rado su rad nazvali "alegorijskim portretom slavne aristokrate - "domaće boginje", prenoseći venecijanski luksuz i senzualnost. Vjerovatno je Tizian na svom slikarstvu želio da govori o seksualnosti, kombinujući uzbudljivu erotiku sa vrlinama braka i, prije svega, vjernošću koju prikazuje pas”, tvrde oni. Drugi cinično tvrde da je na krevetu u unutrašnjosti vojvodskih odaja dama od demimonda: kurtizana. Predstavnici ove profesije u 16. veku zauzimali su visok društveni položaj i trudom slikara često ostajali u večnosti. Ali sada to nije bitno. Još jedna stvar je važna: Tizianovo djelo je rodilo talentovane sljedbenike - Albertija, Tintoretta, Veronesea. Sama „Venera iz Urbina” je 325 godina kasnije – 1863. – inspirisala svog mlađeg kolegu Eduarda Maneta da stvori neverovatnu „Olimpiju”. A ostali - čak i pet stotina godina kasnije - dive se talentu genija kojeg je poljubio Bog.

Svjetska historija likovne umjetnosti pamti mnoge nevjerojatne incidente vezane za stvaranje i kasnije avanture poznatih slika. To je zato što su za prave umjetnike život i kreativnost previše blisko povezani.

"The Scream" Edvarda Muncha

Godina stvaranja: 1893
Materijali: karton, ulje, tempera, pastel
Gdje se nalazi: Narodna galerija,

Čuvena slika “Vrisak” norveškog ekspresionističkog umjetnika Edvarda Muncha omiljena je tema rasprava među misticima širom svijeta. Neki misle da je slika predskazala strašne događaje 20. veka sa svojim ratovima, ekološkim katastrofama i holokaustom. Drugi su sigurni da slika donosi nesreću i bolest svojim prestupnicima.

Munchov vlastiti život teško se može nazvati uspješnim: izgubio je mnogo rođaka, više puta se liječio na psihijatrijskoj klinici i nikada nije bio oženjen.

Inače, umjetnik je četiri puta reproducirao sliku "Vrisak".

Vjeruje se da je ona posljedica manično-depresivne psihoze od koje je Munch patio. Ovako ili onako, prizor očajnog čovjeka velike glave, otvorenih usta i ruku na licu još uvijek šokira svakoga ko pogleda sliku.

"Veliki masturbator" Salvadora Dalija

Godina stvaranja: 1929
Materijali: ulje, platno
Gdje se nalazi: Reina Sofia Arts Center,

Šira javnost je vidjela sliku "Veliki masturbator" tek nakon smrti majstora nečuvenosti i najpoznatijeg nadrealiste Salvadora Dalija. Umjetnik ga je čuvao u vlastitoj kolekciji u Dalí teatru-muzeju u Figueresu. Vjeruje se da neobična slika može puno reći o ličnosti autora, posebno o njegovom bolnom odnosu prema seksu. Međutim, možemo samo nagađati koji se motivi zapravo kriju na slici.

Ovo je slično rješavanju rebusa: u središtu slike je ugaoni profil koji gleda dolje, sličan ili samom Daliju ili stijeni na obali katalonskog grada, au donjem dijelu glave gola žena diže se ženska figura- kopija umjetnikove ljubavnice Gale. Na slici se nalaze i skakavci, koji su kod Dalija izazvali neobjašnjiv strah, i mravi - simbol raspadanja.

"Porodica" Egona Šilea

Godina stvaranja: 1918
Materijali: ulje, platno
Gdje se nalazi: Galerija Belvedere,

Svojevremeno se prelijepa slika austrijskog umjetnika Egona Schielea zvala pornografija, a umjetnik je poslat u zatvor zbog navodnog zavođenja maloljetnika.

Po ovoj cijeni dobio je ljubav prema modelu svog učitelja. Schieleove slike su jedan od najboljih primjera ekspresionizma, dok su naturalističke i pune zastrašujućeg očaja.

Schieleovi modeli su često bili tinejdžeri i prostitutke. Osim toga, umjetnik je bio fasciniran samim sobom - njegova ostavština uključuje mnogo različitih autoportreta. Šile je naslikao platno "Porodica" tri dana pre sopstvene smrti, prikazujući svoju trudnu ženu koja je umrla od gripa i njihovo nerođeno dete. Možda je ovo daleko od najčudnijeg, ali svakako najtragičnijeg slikarevog djela.

“Portret Adele Bloh-Bauer” Gustava Klimta

Godina stvaranja: 1907
Materijali: ulje, platno
Gdje se nalazi: Nova galerija,

Povijest stvaranja čuvene slike austrijskog umjetnika Gustava Klimta "Portret Adele Bloch-Bauer" s pravom se može nazvati šokantnom. Supruga austrijskog šećernog magnata Ferdinanda Bloch-Bauera postala je umjetnikova muza i ljubavnica. Želeći da se osveti obojici, ranjeni muž je odlučio da pribegne originalna metoda: naručio je od Klimta portret svoje žene i mučio ga beskrajnim zanovijetanjem, tjerajući ga da napravi stotine skica. Na kraju, to je dovelo do toga da Klimt izgubi svoje ranije interesovanje za svoj model.

Rad na slici se nastavio nekoliko godina, a Adel je posmatrala kako osećanja njenog ljubavnika nestaju. Ferdinandov podmukli plan nikada nije otkriven. Danas se "Austrijska Mona Liza" smatra nacionalnim blagom Austrije.

“Crni supermatični kvadrat” Kazimira Maleviča

Godina stvaranja: 1915
Materijali: ulje, platno
Gdje se nalazi: Državna Tretjakovska galerija,

Prošlo je gotovo sto godina otkako je ruski avangardni umjetnik Kazimir Malevich stvorio svoju čuvenu kreaciju, a rasprave i rasprave još uvijek ne prestaju. Pojavio se 1915. godine futuristička izložba„0,10“ u „crvenom uglu“ sale namenjene ikoni, slika je šokirala publiku i zauvek proslavila umetnika. Istina, danas malo ljudi zna da su supermatične slike neobjektivne slike u kojima boja vlada mjestom, a “Crni kvadrat” zapravo nije crn i uopće nije kvadrat.

Inače, jedna od verzija istorije stvaranja platna kaže: umjetnik nije imao vremena da završi rad na slici, pa je bio prisiljen prekriti rad crnom bojom, u tom trenutku je došao njegov prijatelj u radionicu i uzviknuo: “Briljantno!”

"Postanak svijeta" Gustava Kurbea

Godina stvaranja: 1866
Materijali: ulje, platno
Gdje se nalazi: Muzej Orsay,

Slika francuskog realističkog umjetnika Gustava Courbeta dugo se smatrala izuzetno provokativnom i nije bila poznata široj javnosti više od 120 godina. Gola žena koja leži na krevetu ispruženih nogu i danas izaziva oprečne reakcije gledalaca. Iz tog razloga, u Muzeju Orsay, sliku čuva jedan od zaposlenih.

Francuski kolekcionar je 2013. godine objavio da je u jednoj od antikvarnica u Parizu naišao na dio slike na kojem se vidi glava dadilje. Stručnjaci su potvrdili pretpostavku da je Joanna Hiffernan (Joe) pozirala umjetniku. Dok je radila na slici, bila je u ljubavnoj vezi sa Kurbetovim učenikom, umetnikom Džejmsom Vislerom. Slika je izazvala njihovo razdvajanje.

"Muškarac i žena ispred gomile izmeta" Joan Miró

Godina stvaranja: 1935
Materijali: ulje, bakar
Gdje se nalazi: Fondacija Joan Miró,

Rijetki gledalac bi, kada bi pogledao sliku španjolskog umjetnika i vajara Joana Miróa, imao asocijaciju na užase građanskog rata. Ali upravo je period predratne tjeskobe 1935. godine u Španiji poslužio kao tema filma s obećavajućim naslovom “Muškarac i žena ispred gomile izmeta”. Ovo je slika predosjećaja.

Ona prikazuje apsurdni "pećinski" par koji su privučeni jedno drugom, ali ne mogu da se pomaknu. Povećani genitalije, otrovne boje, razbacane figure na tamnoj pozadini - sve je to, prema riječima umjetnika, predviđalo približavanje tragičnih događaja.

Većina slika Joan Miróa su apstraktna i nadrealna djela, a raspoloženje koje prenose je radosno.

"Vodene ljiljane" Kloda Moneta

Godina stvaranja: 1906
Materijali: ulje, platno
Gdje se nalazi: privatne kolekcije

Kultna slika francuskog impresioniste Claudea Moneta "Vodene ljiljane" ima lošu reputaciju - nije slučajno što se naziva "opasna požara". Ova serija sumnjivih slučajnosti i dalje iznenađuje mnoge skeptike. Prvi incident dogodio se upravo u umetnikovom ateljeu: Monet i njegovi prijatelji su slavili završetak slike kada je iznenada izbio mali požar.

Slika je spašena, a ubrzo su je kupili vlasnici kabarea na Monmartru, ali nepunih mesec dana kasnije i objekat je stradao od teškog požara. Sljedeća "žrtva" platna bio je pariski filantrop Oscar Schmitz, čija se kancelarija zapalila godinu dana nakon što su tamo okačeni "Lokvanji". Slika je još jednom uspjela preživjeti. Ove godine je jedan privatni kolekcionar kupio „Lokače“ za 54 miliona dolara.

"Les Demoiselles d'Avignon" Pabla Pikasa

Godina stvaranja: 1907
Materijali: ulje, platno
Gdje se nalazi: Muzej moderne umjetnosti,

„Izgleda da ste želeli da nas nahranite šlepom ili da nam date benzin za piće“, rekao je Pikasov prijatelj, umetnik Žorž Brak, o slici „Les Demoiselles d’Avignon“. Platno je zaista postalo skandalozno: javnost je obožavala umjetnikove prethodne, nježne i tužne radove, a nagli prijelaz na kubizam izazvao je otuđenje.

Ženske figure grubih muških lica i uglatih ruku i nogu bile su predaleko od graciozne „Djevojke na lopti“.

Prijatelji su okrenuli leđa Pikasu; Matisse je bio izuzetno nezadovoljan slikom. Međutim, „Les Demoiselles d’Avignon“ su odredile ne samo pravac razvoja Pikasovog dela, već i budućnost likovne umetnosti u celini. Prvobitni naziv slike bio je “Filozofski bordel”.

"Portret umetnikovog sina" Mihaila Vrubela

Godina stvaranja: 1902
Materijali: akvarel, gvaš, grafitna olovka, papir
Gdje se nalazi: Državni ruski muzej,

Sjajni ruski umjetnik s prijelaza iz 19. u 20. vijek, Mihail Vrubel, uspio je u gotovo svim vrstama likovne umjetnosti. Njegov prvorođeni Savva rođen je sa "rascjepom usne", što je umjetnika duboko uznemirilo. Vrubel je dečaka prikazao na jednom od svojih platna iskreno, ne pokušavajući da sakrije njegov urođeni deformitet.

Nježni tonovi portreta ne čine ga spokojnim - na njemu se čita šok. Sama beba je prikazana sa nevjerovatno mudrim, dječjim pogledom. Ubrzo nakon završetka slikanja, dijete je umrlo. Od tog trenutka u životu umjetnika, koji je tugovao za tragedijom, počeo je „crni“ period bolesti i ludila.

Foto: thinkstockphotos.com, flickr.com