Izum monokorda
Guido d'Arezzo uči biskupa Teobalda kako svira monokord. Minijatura iz kodeksa iz 11. stoljećaWikimedia Commons
Pronalazak instrumenta za precizno konstruisanje muzičkih intervala pripisuje se Pitagori. Njegov princip rada prvi je opisao Euklid vek i po kasnije, ali sve do renesanse, monokord je ostao glavno oruđe teoretičara. Sastojao se od jedne strune s pokretnom stezaljkom, koja se kretala po donjoj osi, paralelno sa tetivom, cijelom svojom dužinom u skladu sa skalom podjele označenom na bazi. Instrument često nije imao ni rezonator. Za razliku od drugih antičkih muzičkih instrumenata, nikada se nije čuo u hramovima ili trgovima. Međutim, on je bio taj koji je bio predodređen da odigra sudbonosnu ulogu u istoriji muzike.
Činjenica je da su uz pomoć ovog jednostavnog uređaja Pitagorejci prvi uspostavili matematičke osnove muzičke harmonije. Prema Grcima, muzička harmonija bio je dio univerzalnog sklada svijeta, koji se zasniva na brojevima. Pomoću ovog uređaja izračunati su matematički odnosi muzičkih intervala u prirodnoj skali Prirodne građe i razvijena je teorija muzičkih modusa Momak — centralni koncept učenja o harmoniji, muzička ljestvica zasnovana na sistemu intervala koji postoje u jednom ili drugom sistemu (prirodni, čisti, temperirani). Dijatonski modusi se zasnivaju na specifičnoj alternaciji tonova ili polutonova i imaju sedam stepeni, ustanovljenih u početku kao rezultat upotrebe intervala prirodnog niza (vidi prethodnu fusnotu). Opseg ili modni modul modernih modova je interval oktave, odnosno kada dođemo do zvuka koji je u omjeru 1:2 u odnosu na početni zvuk moda, dolazimo do njegove granice. U praksi se to može provjeriti korištenjem, na primjer, samo bijelih tipki klavirske klavijature. Odsviravanjem niza od sedam zvukova sa bilo koje bijele tipke, počevši svaki put od sljedećeg, dobijamo sedam tipova dijatonskih ljestvica, u kojima se tonovi i polutonovi smjenjuju različitim redoslijedom. Osmi stav će nas vratiti na prvobitnu kombinaciju tonova ili polutonova. Ovaj sistem je prvi izveo i opisao Ptolomej. Zvuk kojim počinjemo da sviramo svaku od sekvenci od sedam koraka smatra se (barem u ruskoj muzikologiji) osnovom modusa, odnosno njegovim osnovnim tonom.
Opseg, ili modul, ne mora nužno biti jednak oktavi. Pored dijatonskih, postoje i kromatski (sastoje se od jednakih polutonova), cijeli ton (koji se sastoji od jednakih cijelih tonova), oktoton (sastoji se od ravnomerna smena“ton – poluton”) i drugi, koji su plod kompozitorskih izuma ili kompozitorskih pozajmljenica iz folklorne prakse, koja se dogodila tek u drugoj polovini 19. - 20. stoljeća. Podjela oktave na jednake polutonove (hromatska ljestvica) leži u osnovi funkcionalne harmonije i tonaliteta 18.-20. stoljeća, ravnopravnog temperamenta, a također omogućava komponovanje muzike izvan tonaliteta (vidi dolje Dodekafonija).
.
1027
Pojava prototipa moderne linearne notacije
Guidonova ruka iz italijanske liturgijske zbirke. Codex 1450-1499
Gospođa. Coll. 1468. Centar za posebne zbirke Kislak / rijetke knjige i rukopisi / Univerzitet Pennsylvania
Stvaranje prototipa moderne linearne notacije i solmizacije (solfege) od strane italijanskog naučnika, kompozitora i učitelja Guida d'Arezza bio je prvenstveno korak ka otklanjanju jaza između teorije i prakse tog vremena. Linearna notacija bila je veliki korak naprijed u poređenju sa starijom, takozvanom nelinearnom notacijom Nenominalna notacija- vrsta vokalne note u kojoj je glavni element notnog zapisa neuroma. Nevma može odgovarati jednoj noti ili skupu nota različitih visina koje formiraju melodijsku frazu. Tačnu visinu i ritmičko značenje nevme (za razliku od školskog petolinijskog zapisa) po pravilu je nemoguće odrediti., koji se u Evropi koristi od 9. veka. Novi sistem snimanja dopunjen je posebnim mnemoničkim sistemom zvanim Guidon ruka, gdje je redosljed zvukova određivan zglobovima i vrhovima prstiju. Po prvi put su se glasovi odvojili od slogova pjevanog teksta i dobili univerzalna imena, preuzeta, međutim, i iz početnih slogova himne sv. Muzički trening, dakle, stajao na naučnoj osnovi. To je dramatično pojednostavljeno, čime je stavljena tačka na usmeno prenošenje kolosalnih količina informacija.
Također je potrebno pojasniti da je Guido otkrio samo sam princip: ostalo je još šest stoljeća prije stvaranja muzičkih simbola u obliku na koji smo navikli. A Gvido je imao samo šest imena nota - sedmo je dodato kasnije Bila je to nota B, koja je upotpunila ljestvicu do cijelog opsega oktave; u Gvidovo vrijeme korišten je šestostepeni sistem..
1481
Po prvi put je korišćena štamparska mašina za reprodukciju notnih zapisa
Stranice iz zbirke “Sto slatkih pjesama” Ottaviana Petruccija. Venecija, 1501
Museo internazionale e Biblioteca della musica di Bologna
To je učinio Italijan Ottaviano Scotto, koji je štampao misal Misal- liturgijska knjiga Rimokatoličke crkve koja sadrži sekvence mise s popratnim tekstovima. od drvenih dasaka. Tačno 20 godina kasnije, 1501., njegov sunarodnik Ottaviano Petrucci (1466-1539) prvi je koristio font za štampanje muzike i dobio od Mletačke Republike 20-godišnji monopol na njihovu
izdanje Ime Ottaviana Petruccija u naše vrijeme dobila je najveća internetska muzička biblioteka (po analogiji s Gutenbergovim projektom).. Petručijeva prva muzička publikacija bila je zbirka "Harmonice musices odhecaton" ("Sto slatkoglasnih pjesama"), u kojoj su objavljene svjetovne polifone kompozicije. izuzetnih kompozitora tog vremena - Obrecht, Okegem, Despres, Tinctoris i drugi. Sve do pronalaska snimanja i radija, muzička štampa je postala glavno i gotovo jedino sredstvo za distribuciju muzike u Evropi.
1580-90s
Izum jednakog temperamenta
Od vremena Pitagore () muzika je koristila prirodnu
formiranje Prirodne građe- sistem zasnovan na nizu tzv. prizvuka. Prizvuci se dobijaju dijeljenjem zvučnog tijela, kao što je žica, na jednake dijelove u omjeru 1:2 (formira se prizvuk koji zvuči u intervalu oktave od osnovnog tona), 3:2 (sljedeći prizvuk, zvuče u intervalu kvinte od prethodnog prizvuka) itd. Rezultat je serija koja je harmonična sa osnovnim tonom. Na osnovu ovih intervala gradi se dijatonska ljestvica. Međutim, samo oni intervali koji su u direktnoj vezi sa odabranim osnovnim tonom će u ovom štimovanju zvučati akustički čisto. Ostali intervali dijatonske ljestvice zvučat će neuštimano.. Međutim, ljudski sluh je konstruisan tako da u uslovima polifonije (kada neke intervale uzimaju pevači ili pevač i instrument zajedno) ili pri prelasku sa jednog tonala na drugi, neke kombinacije doživljavamo kao lažne. Uostalom, svi intervali u skladu će imati različiti omjeri frekvencije, a najmanji - poluton, odnosno mala sekunda - čak tri: 15:16, 128:135, 24:25.. Za vreme vladavine vokalne jednoglasne muzike, sva ova preračunavanja uglavnom su ostala na papiru, ali sa dodatkom orgulja u hor, što je zahtevalo precizno ugađanje, počeli su prvi problemi. Sa razvojem instrumentalne muzike tokom renesanse, laž je postala nepodnošljiva. Izmišljene su različite metode za ispravljanje "greške prirode" - posebno, mijenjanjem širine glavnih intervala. Ova širina je jednostavno prosječena na određenu prihvatljivu vrijednost. Tako je nastao koncept temperamenta, što u prijevodu s latinskog znači „smiren“.
Nije se mislilo toliko na smirivanje koliko na smanjenje broja otkucaja u disonancijama koje su neugodne za uho („kao da jezivi vuk zavija“ uobičajena je metafora muzički majstori Renesansa), koliko i smirivanje ljudskog sluha. Odabran je referentni interval, najčešće kvinta Quint , a za različite kvinte (ukupno ih je dvanaest) izračunat je njihov odnos sa optimalnim brojem otkucaja, a zatim su svi ostali intervali prilagođeni ovom sistemu. Podešivači i dalje rade otprilike ovim redoslijedom. Međutim, u kasno XVII vijeka, nekoliko istaknutih naučnika odmah je postavilo pitanje stvaranja sistema u kojem bi svi intervali bili percipirani uho kao jednaki jedni drugima, počevši od najmanjeg - polutona (odnosno 1/12 oktave). Nemoguće je sa sigurnošću reći ko je bio autor formule za izračunavanje ujednačenog temperamenta, jer je nalazimo kod različitih autora.
Kao i kod drugih izuma dizajniranih da objedine određenu muzičku tehnologiju, jednak temperament dao je snažan podsticaj kompozitorima koji su počeli da koriste sistem jednakih polutonova kako bi postigli najviše smele kombinacije zvuka. S druge strane, jednak temperament izazvao je opravdane zamjerke izvođača, prije svega gudača, koji su s pravom tvrdili da prirodna privlačnost tonova u štimu s jednakim temperamentom jedni drugima u melodijama zvuče lošije i suvoće.
Prema novijim podacima, Bach je koristio i različite sisteme neujednačenog temperamenta. Međutim, svi dizajni muzičkih instrumenata počinju od sredine XVIII vijek građeni su uzimajući u obzir ujednačen temperament, osim gudala, čiji se dizajn, u principu, ne može prilagoditi ovom sistemu. Poslednji „prirodni“ instrumenti simfonijskog orkestra ostali su limeni (ponegde sve do početka dvadesetog veka), ali im dalje unapređenje strukture takođe nije ostavilo šansu. Samo u vokalnoj muzici (svugdje u folkloru, a ponekad i u crkvi) opstala je prirodna struktura.
1560-ih
Instrumenti porodice violina
Strings gudački instrumenti iz rasprave Atanazija Kirchera “Musurgia universalis”. 1650
Bibliothèque nationale et universitaire de Strasbourg
Suprotno nedavno raširenom vjerovanju, violina nije bila proizvod spontanog poboljšanja i hibridizacije već postojećih gudačkih instrumenata (raznih viola, fidel ili rebec), već je bila svjestan izum fundamentalno novog instrumenta koji je odgovarao najnovijem (od strane sredinom 16. veka) podaci iz oblasti fizike i akustike . Četiri žice štimovane u kvinte Quint- muzički interval širine pet koraka., omogućio je brzo i praktično ujednačavanje položaja prstiju na dasci. U poređenju sa violinom, violina je imala mnogo snažniji i bogatiji zvuk.
Kao što je slučaj sa sličnim izumima, i ovaj je imao nekoliko autora odjednom Vjerovatno Micheli Pellegrino, Nicolo Fontana i Andrea Amati., a razvoj i unapređenje violinske konstrukcije u 17. vijeku doveli su do pojave u prvoj polovini 18. stoljeća čuvenih instrumenata Stradivarija i Gvarnerija. Instrumenti porodice viola dobili su moćan konkurentski klan, borba protiv kojeg je izgubljena baš na vrijeme za eru Guarneri (druga četvrtina 18. stoljeća). Čitava familija violina nastala je odjednom kao cjelina, čiji je početni sastav bio sljedeći: sopran violina, alt, tenor, bas. Raspon instrumenata približno je odgovarao dometima pjevajući glasovi- apsolutna dominacija vokalne muzike i prateće uloge instrumenata u 16. veku je još uvek bila surova realnost. Kasnije je tenor ispao iz ovog kompleta, ali se pojavio kontrabas, koji je sto godina kasnije stvorio Michele Todini Istina, ovaj izum je bio zaboravljen sve do formiranja klasičnog orkestra (1750-ih).. Za razliku od mnogih drugih instrumenata, instrumenti familije violina nisu pretrpjeli gotovo nikakve promjene u dizajnu (osim dizajna gudala, kao i drugih sitnica poput oblika mosta ili zamjene gut žica čeličnim žicama u 20. veka).
1709
Pronalazak klavira
Veliki klavir Bartolomea Kristoforija. Firenca, 1720
Zbirka muzičkih instrumenata Crosby Brown, 1889. Metropolitan Museumčl
Bartolomeo Kristofori izume klavir, suštinski menjajući dizajn čembala, poznatog još od 15. veka. U čembalu, kada se tipka pritisne na žicu, posebno pero ga je dodirnulo, što je onemogućilo kontrolu jačine zvuka i dužine. Jedino izražajno sredstvo čembalista bila je artikulacija Artikulacija- povezana ili odvojena proizvodnja zvukova, sitne promjene tempa unutar takta ili čak jednog takta., kao i primjena veliki iznos melodijski ukrasi (melizme), dizajnirani prvenstveno za produžavanje ili naglašavanje određenog zvuka (na primjer, trel). Kako bi se diverzificirala dinamika i karakter zvuka, povezani su i drugi setovi žica kojima se upravlja s druge klavijature (kao na orguljama). U Cristoforijevom instrumentu, struna je udarana čekićem čija je snaga zavisila od sile pritiska na tipku. Zbog toga je dobio naziv „čembalo sa tihim i glasnim zvukom“ (na italijanskom di piano e forte, odakle dolazi moderno ime klavir). Vibracije žice mogu biti prigušene prigušivačem (prigušivačem), ili se mogu ostaviti da zvuče pritiskom na pedalu ili otpuštanjem. Poboljšanja u mehanici i rezonantnom dijelu počela su se pojavljivati već u prvoj deceniji postojanja novog proizvoda, a do 1858. ovaj instrument je dobio svoj moderan izgled. Za to vrijeme klavir je postao najpopularniji instrument, što je i dalje, iako gubi tlo pod nogama električnom klaviru.
1722
Pojava funkcionalne harmonije
"Traktat o harmoniji sveden na njene prirodne principe" Jean Philippe Rameau. 1722
Bibliotheque Nationale de France
U početku je evropska profesionalna muzika bila monofona i modalna, odnosno zasnovana na jednom ili drugom modusu Svako može dobiti osnovnu predstavu o modusima korištenim u srednjem vijeku (oni se ponekad nazivaju i crkvenim modovima) sviranjem niza od sedam zvukova u nizu sa svake od sedam bijelih tipki oktave., sa jednom osnovom koja zvuči samo na početku i na kraju kompozicije. Sa razvojem polifone muzike, samostalne linije glasova počele su da formiraju akorde, ali akord se dugo nije percipirao odvojeno od glasovnih linija, što je prilično teško razumeti savremenom slušaocu, koji je navikao da muziku doživljava kao niz. od akorda. (Bilo je potrebno čitav 17. vek da se odaberu stabilne, efektne i nezaboravne progresije akorda.) Štaviše, četiri od šest najčešće korišćenih modusa jednostavno su nestala iz opticaja i promenila imena. Sada je za nas glavni i sporedni.
Francuski kompozitor i teoretičar barokne ere, Jean Philippe Rameau, u svojoj je „Traktat o harmoniji svedenoj na njene prirodne principe“ uveo hijerarhiju koraka koji su ostali u upotrebi modusa. Prva tri akorda iz ovog sistema su tonika Tonik- prvi stepen smjera odn molska skala, njegov glavni stub., subdominantna Subdominantna- četvrti stepen moda u odnosu na toniku, jedan od glavnih stepena modno-harmonijskog niza, koji se nalazi jedan ton niže od dominantnog. i dominantan Dominantno- peti stepen modusa u odnosu na toniku, jednu od glavnih faza muzičke serije.- "tri thieves akorda", poznati svakom gitaristi koji se okuša u zadnjoj uličici. (U Rameauova galantna vremena nazivali su ih sistemom „trostrukih proporcija“.) Rameau opravdava koncept tonaliteta kao „sistema hijerarhijski centralizovanih funkcionalnih odnosa, gde tonika prožima čitavu harmonijsku strukturu“. Osim toga, akordi su, prema Rameauu, sada morali biti postavljeni na strogo određena mjesta. Tako je uspostavljena nova muzička sintaksa u kojoj je zaustavljanje na dominanti značilo nešto poput zareza u složena rečenica, a zaustavljanje na toniku je period. Lokalizacija područja toničkih, dominantnih ili drugih funkcija postaje sastavna i prepoznatljiva karakteristika većih podjela oblika. Svi oblici klasike bez izuzetka Glavni predstavnici su Haydn, Mozart, Beethoven. a romantičari - od Chopinovog malog uvoda do Brucknerove kolosalne simfonije - bili su zasnovani na suprotnosti funkcija bliže tonici i udaljenije od nje. U 19. veku, proliferacija principa „trostruke proporcije“ na druge stepene skale dovela je do težeg sistema, zamagljivanja granica dura i mola (na primer, kod Wagnera) i stvaranja izuzetno proširene sintaktičke strukture kolosalne složenosti (na primjer, kod Bramsa). Impresionist Claude Debussy počeo je da se divi pojedinačnim prekrasnim akordima, rasipajući ih u čitave grupe po svim orkestarskim grupama ili klavirskim registrima, a ekscentrični kompozitor i pijanista Erik Satie otišao je još dalje, kršeći sva pravila harmonije iz principa. IN poslednja trecina U 20. veku masovna muzika pod uticajem bluza i folklora vraća se na modalnu osnovu, a trenutno se Rameauov izum zapravo koristi samo u obrazovnoj praksi i za stilizacije.
1815
Pronalazak metronoma
Metronom Johanna Nepomuka Mälzela
Musikinstrumenten-Museum des Staatlichen Instituts für Musikforschung – Preußischer Kulturbesitz / Oliver Schuh
Njemački mehaničar, pijanista i učitelj Johann Nepomuk Mälzel dobio je patent za svoj izum 5. decembra. Njegov dizajn metronoma stekao je posebnu popularnost, iako je početkom 19. stoljeća Maelzel imao mnogo konkurenata, jer je ideja o "muzičkom hronometru" bila u zraku. Ovaj izum nije služio samo u obrazovne svrhe, potičući apsolutno izjednačene taktove ili čitave taktove, već je imao za cilj da zabilježi volju autora u pogledu tempa kompozicije koja se izvodi. Prije pronalaska metronoma, kompozitor je naznačivao samo karakter (veseo, živahan, širok), a približni tempo ovisio je o trajanju taktova. Dakle, alegro (tj. „zabava“) u tri osmine trebalo je da se igra brže nego u tri četvrtine., ali do 1815. tempo je sve više ovisio o individualnim, pa čak i regionalnim preferencijama, a da ne spominjemo akustiku prostorije. Beethoven je bio vatreni promotor novog izuma, posvećenog Mälzelu kanon "Ta-ta-ta" i imitirao zvuk metronoma drugi stav Osme simfonije. Međutim, metronomske indikacije su mali dio cjelokupnog kataloga Beethovenovih djela, a različiti izvori daju različite metronomske brojeve. Još jedan zaljubljenik u metronomske brojeve bio je Igor Stravinski, ali njegove vlastite snimke istih djela, napravljene u različite godine(1925-1965) također pokazuju potpuno različite brojeve. Štaviše, kako pokazuje istorija snimanja performansa, tempo izvođenja istih simfonija Beethovena (a još više Mendelsona, Šumana i drugih romantičara) menjao se svakih 20 godina pod uticajem mode, novih mogućnosti za akustiku koncerta. dvorane, snimanje zvuka i tako dalje. Ali metronom se ne može smatrati beskorisnim izumom: ovo je najbolji dokaz za to Muzičko vrijeme, kao i svaka druga, prilično je uslovna i subjektivna kategorija.
1877-1900
Izumi u oblasti mehaničkog snimanja
(1877 - izum fonografa, 1898 - gramofon, 1900 - mehanički klavir)
Akustičko istraživanje 1860-ih prirodno je kulminiralo pronalaskom mašine koja je omogućila ne samo primanje vizuelna slika zvuk, ali ga i reprodukovati. Danas, u eri elektronske revolucije, može se tvrditi da su se i jedno i drugo pokazalo podjednako važnim za muziku budućnosti, ali se ispostavilo da je sposobnost reprodukcije snimljenog zvuka, kao i njegovog repliciranja. biti jednak nastojanju da se izmisli muzički zapis. Muzički list izgubio monopol na pravo da bude jedini nosilac muzičkih informacija.
Thomas Edison pored fonografa. 1877
Kongresna biblioteka
Francuski pjesnik i izumitelj amater Charles Cros najavio je 1877. izum palefona, na čiju ideju je došao dok je radio na stvaranju animacije u boji. Kro nije patentirao ovaj uređaj, ali je Edison patentirao svoj mjesec dana kasnije uz napis “poboljšanje instrumenta za kontrolu i reprodukciju zvukova”. (Industrijski uzorci stvarno funkcionalnih fonografa, koji snimaju zvuk na cilindričnim voštanim valjcima, pojavili su se samo deset godina nakon pojave eksperimentalnog modela u kojem se igla, stvarajući zvučne vibracije u membrani pričvršćenoj za nju, kretala gore-dolje Edisonov pomoćnik Emil Berliner okrenuo je sistem za 45 stepeni: njegova je igla oscilirala levo-desno..)
Američki izumitelj Emil Berliner nazvao je svoj uređaj gramofon i pokrenuo njegovu industrijsku proizvodnju u Velikoj Britaniji 1898. godine. Paradoksalno, u početku se nije smatralo da ploče i fonografi snimaju proces individualnog muzičkog izvođenja – katalozi i izdavačke kuće sadržavali su samo naziv djela i sastav instrumenata. Kvalitet je bio takav da je ovo objašnjenje možda bilo potrebno.. Samo je tonski inženjer i producent kompanije Gramofon Fred Gaisberg smislio da snimi snimke vrhunskih pjevača i instrumentalista. Prve snimateljske zvijezde bili su Caruso, Chaliapin, Battistini i Melba. Godine 1910. ukupan tiraž ploče sa snimkom Caniovog arioza iz Leoncavallove opere Pagliacci u izvedbi Carusa dostigao je milionski tiraž.
Emil Berliner sa modelom prvog gramofona koji je izumeo. Fotografija 1910-1929
Kongresna biblioteka
Gramofon je revolucionirao društvenu funkciju muzike, istisnuvši svira domaća muzika zajedno sa klavirom, mehaničkim klavirom koji se pojavio 1900. godine. Mehaničko snimanje uzbudilo je umove pronalazača, koji su razumno odlučili da, budući da ploča može reproducirati snimljeni zvuk, to znači da se zvuk može na njoj ugravirati sopstveni izum. Ovu ideju je već 1907. godine pojavio ruski futurist Nikolaj Kulbin, ali je ostvarena tek 20 godina kasnije na osnovu optičkog snimanja. Ponavljanja ove ideje mogla su se naći u avangardnim časopisima sve do 1926. godine, kada je ideja o “oslikanom zvuku” bila u zraku. Muzika za mehanički klavir, koja se ne može izvoditi ni na čemu drugom, počela je da se stvara već 1910-ih: najviše poznati primjer — "mehanički balet" Man Ray i George Antheil za filmsku projekciju, ansambl klavira i noise instrumenata, 1924.
1923
Izum dodekafonije
S lijeva na desno: Otto Klemperer, Arnold Schoenberg, Anton Webern, Hermann Scherchen. Donaueschingen, Njemačka, 1924
Arnold Schönberg centar
Nakon kolapsa, kompozitori su počeli tražiti načine za stvaranje nove tonske organizacije koja bi mogla izdržati haos zvukova. Neki kompozitori su se okrenuli harmoniji viših tonova prirodne serije (na primjer, Scriabin), ali im je jednak temperament spriječio da ove eksperimente dovedu do kraja, a izlazak preko njegovih granica u to vrijeme pokazalo se preuranjenim. Mnogi kompozitori su pokušali da se vrate modalitetu i počeli da stvaraju nove modove zasnovane na numeričkim obrascima (Messiaen) ili posmatranju narodnih modusa (Bartok).. Austrijski kompozitori počeli su graditi na najvažnijim klasičnim principima, kao što su jedinstvo materijala, mogućnost njegove varijacije i njegovog ponavljanja - tokom deset godina, Arnold Schoenberg i njegovi učenici, Anton Webern i Alban Berg, pažljivo su razvijali principi rada sa najelementarnijim delovima muzičkog govora: motivom, intervalom, akordom. Usput su bili primorani da obrate pažnju na bitnu ulogu drugih akustičkih parametara muzike, koji su se ranije smatrali jednostavno dekorativnim: prvenstveno tembra i dinamike. Uz svu njihovu sofisticiranost, principi ove takozvane atonalne muzike (oni su je sami definisali kao ekstratonalnu) bili su previše krhki i nisu dozvoljavali stvaranje velikih kontrasta (sa izuzetkom vokalne muzike). Potreban je bio nekakav totalni sistem koji bi zamijenio funkcionalni tonalitet, ali bi bio fleksibilniji i sveobuhvatniji. I takav sistem je pronađen.
"Muzička misao" Arnolda Schoenberga. Rukopis 1921-1926
Koristi se uz dozvolu Belmont Music Publishers i Arnold Schoenberg Centra
Prioritet u otkrivanju dodekafonije i dalje je sporan, jer se nekoliko kompozitora u svijetu nezavisno bavilo potragom za takvim sistemom. različite zemlje. Ali samo je Schoenberg uspio izgraditi harmoničan i dosljedan sistem od 12 tonova, u kojem je svaki sljedeći ton povezan samo s prethodnim. To znači potpunu eliminaciju koncepta fondacije i centra, odnosno formiranje horizontalno organizirane organizacije (poput interneta ili tajna društva, gde svaki učesnik poznaje samo članove svoje ćelije) sistema. Niz ovih tonova naziva se serija (Schoenberg je napisao "serije"). Unutar serije ni jedan zvuk se ne ponavlja. Broj 12 (na grčkom "dodeka") odgovara broju polutonova u oktavi, a samim tim i zvukovima kromatske ljestvice Hromatska skala- uzlazni ili silazni melodijski pokret u polutonovima.. Serija od 12 zvukova postaje glavni građevinski materijal dodekafonska muzika. Naravno, dok se u prezentaciji ne pojavi svih 12 zvukova jedan za drugim u datom nizu, nijedan od njih se ne može ponoviti, inače će to biti početak povratka u prethodni haos. Serija nije ni melodija (iako može dobiti svoj oblik), ni akord (iako se može uzeti u dijelovima ili u cjelini u isto vrijeme), već zvučno polje, odnosno potpuno novo stanje zvučne materije. Nijedan od zvukova u seriji, uključujući početni i završni, nije težište, kao u modalnoj ili tonskoj muzici. Uostalom, svi zvuci serije povezani su samo jedan s drugim.
Tabela redova Trećeg gudačkog kvarteta, op. 30, Arnold Schoenberg. 1927
Arnold Schönberg, 3. Streichquartett za 2 violine, violu i violončelo op. trideset
Autorsko pravo 1927. od Universal Edition A.G., Wien/PH 228
www.universaledition.com
Serija ima još nekoliko važnih svojstava. Prvo, njihov oblik ostaje isti pri čitanju u zrcalnoj slici, kada čitate unazad, a takođe i u zrcalnoj slici unazad. Schoenberg je ovu igru posudio od autora renesanse, koji su u potpunosti iskoristili takve transformacije melodije korala, u čijem nizu zvukova nije bilo moguće mijenjati, jer je bila posvećena papskim autoritetom. Drugo, broj epizoda je samo formalno iscrpan Broj kombinacija od 12 zvukova se izražava kao 12! (faktor 12), odnosno 479.001.600.. „Obezbedio sam Nemačka muzika prioritet za narednih 200 godina”, napisao je Schoenberg o svom otkriću u pismu jednom od svojih dopisnika.
Arnold Schoenberg. Fotografija Schlosser & Wenisch. Prag, 1924
Arnold Schönberg centar
Šenbergove nade su se, međutim, samo djelimično opravdale. Gotovo svi kompozitori su u jednom ili drugom trenutku direktno koristili dodekafonsku metodu u njenom čistom obliku, ali rijetko je ovaj princip postao dominantan. Klasična dodekafonija je prilično suva i monotona, nosi neizbrisiv trag svoje epohe i stila (uglavnom ekspresionizma) i sada je njeno „izdanje iz 1923.“ staromodno.
U Sovjetskom Savezu, dodekafonija je, uprkos naporima Nikolaja Roslavetsa, koji je radio u istom pravcu 1910-ih i 20-ih godina da je promoviše, zabranjena kao tehnika i pretvorena u prljavu reč koja je označavala svaku muziku koja je nadilazila neoklasični kanon. .
Ovaj članak ispituje samo one izume koji su važni za istoriju razvoja muzike, a koji se na ovaj ili onaj način nalaze u granicama evropske profesionalne pisane tradicije upotrebe akustičnih muzičkih instrumenata. Stoga će historija elektroakustične muzike, koja se zasniva na fundamentalno novim idejama o snimanju zvuka i izvorima njegovog nastanka, ostati izvan okvira ovog pregleda. Istovremeno, elektroakustična muzika je na ovaj ili onaj način zasnovana na znanju i izumima koji su nastali u predelektričnoj eri.
12. novembra 1833. godine rođen je čuveni ruski hemičar, lekar i kompozitor Aleksandar Borodin. Dječak koji se smatrao kmetom po pravu rođenja i nije mogao primiti više obrazovanje, uspeo je da postane profesor, akademik i član osnivač rus hemijsko društvo.
Kmet od sopstvenog oca
Aleksandar Porfirjevič Borodin rođen je iz vanbračne veze između 62-godišnjeg princa i 25-godišnje kćerke vojnika. Dječakov otac, Luka Stepanovič Gedianov, dolazio je iz aristokratske gruzijske porodice, tako da nije mogao prepoznati dijete. Novorođenče je zabilježeno kao sin Porfirija Ivanoviča Borodina (Gedianovljevog kmeta) i njegove supruge Tatjane Grigorijevne - tako da je dječak dobio tuđe prezime i patronim.
Do 8. godine dijete je formalno bilo kmet vlastitog oca, ali prije smrti princ mu je ipak dao slobodu i čak je kupio četverospratnu kuću za Avdotju Konstantinovu Antonovu, majku njegovog "vanbračnog" sina. Tamo je sa sinom živjela mlada žena, koja je tada već bila udata za nekog drugog, ali je dječaka morala upoznati sa svima koje je poznavala kao nećaka.
Dijete je odrastalo mirno, fleksibilno i vrlo radoznalo.
A. P. Borodin. Portret Ilje Repina (1888.) Fotografija: Commons.wikimedia.org
Uči, uči i uči opet
Pošto sin kmeta nije imao pravo da uđe u gimnaziju, dječak je učio kod kuće. Već tada je postalo jasno da je Saša zainteresovan za muziku - sa 9 godina napisao je polku Helen, savladao flautu, klavir, a kasnije i violončelo.
Kada mu je bilo desetak godina, dijete se zainteresiralo za hemiju. Nešto kasnije, Aleksandar je upisan u treći ceh trgovaca Novotorzhskoe - tako je dobio zakonsko pravo da završi srednju školu i uđe u višu obrazovnu ustanovu. Nakon što je položio ispite, mladić je postao volonter-student na Medicinsko-hirurškoj akademiji u Sankt Peterburgu.
Učenika je najviše zanimala hemija. Na trećoj godini Borodin se obratio svom učitelju, profesoru Zininu (organski hemičar i akademik Sankt Peterburške akademije nauka) sa molbom da studira u akademskoj laboratoriji. Sve to vrijeme student je studirao muziku uporedo sa studijama.
Medicina ili muzika?
Nakon diplomiranja, mladi doktor je radio kao specijalizant u Drugoj vojnoj kopnenoj bolnici (gdje je upoznao oficira Musorgskog koji je bio na liječenju), odbranio doktorsku disertaciju, usavršavao se na Univerzitetu u Hajdelbergu u Njemačkoj, učestvovao na međunarodnom kongresu. hemičara u Karlsruheu zajedno sa profesorom Zinenkom i njegovim prijateljem Mendeljejevim... Ali muzika je i dalje zaokupljala Borodina. U njegovom stanu u Hajdelbergu (njemačkom gradu u kojem je mladi specijalista svojevremeno živio i studirao) nalazio se klavir, a naučnik je često svirao za svoje goste.
A 1861. hemičar je upoznao Ekaterinu Protopopovu, mladu pijanistu koja je došla u Evropu na lečenje. Ali ubrzo se zdravlje djevojčice još više pogoršalo (patila je od kronične bronhopulmonalne bolesti), a liječnici su joj savjetovali da ode u Italiju - naučnik ju je pratio kao mladoženja.
Osnivači Ruskog hemijskog društva. 1868. Fotografija: Commons.wikimedia.org
"Knez Igor" i benzoil fluorid
U svoju domovinu, gde se naučnik i muzičar vratio sa svojim buduca zena, Borodin je istovremeno gradio naučne i muzička karijera. Nije bilo dovoljno novca, pa je morao mnogo da radi, ali je našao vremena i za kreativnost. Borodin se pridružio krugu Milije Balakireva (kasnije je dobio ime "Moćna šačica") i krugu Beljajevskog.
Borodin je autor više od 40 dela iz hemije i mnogih muzičkih dela, od kojih je najpoznatija opera „Knez Igor“. Muzičar je na poslednjoj kompoziciji radio 18 godina, ali nikada nije imao vremena da je završi - nakon Borodinove smrti, njegovo delo su završila još dva kompozitora: Nikolaj Rimski-Korsakov i Aleksandar Glazunov. Opera je doživjela ogroman uspjeh (postavljena je 1890. godine na sceni Marijinskog teatra) i još uvijek se smatra jednim od remek-djela ruske operske umjetnosti.
Ali Borodin je postao poznat ne samo po svom "Knezu Igoru" - nazivaju ga osnivačem ruskog epskog simfonizma.
U hemiji poznati kompozitor također je napravio nekoliko otkrića: na primjer, izumio je metodu za proizvodnju ugljikovodika supstituiranih bromom djelovanjem broma na srebrne soli kiselina (tzv. Borodin-Hunsdieckerova reakcija) i dobio organofluorno jedinjenje (benzoil fluorid).
Uprkos činjenici da je lik posvetio značajan dio svog života hemiji (čak je bio i jedan od osnivača Ruskog hemijskog društva), muzika mu je ipak donijela najveću slavu. Sada Državni kvartet nosi ime Borodin, kao i nekoliko muzičkih škola i ulica u različitim gradovima Rusija.
Sam naučnik i kompozitor je rekao: "Sve što nemamo dugujemo samo sebi."
Među ruskim naučnicima 19. veka postoji veoma neobična i izuzetna figura - Aleksandar Borodin (1833 - 1887). Osoba sa neobično raznolikim darovima (hemičar, kompozitor i dirigent, učitelj, javna ličnost, pisac). Ali, što je najvažnije, cijeli je život nastojao da ne odustane ni od jedne njezine strane, ma koliko ga pokušavali nagovoriti da odabere specijalizaciju.
Fokusiraćemo se na njegove dve najpoznatije strane: hemičar i muzičar. Većina obrazovanih ljudi druga polovina 19. veka, koji su imali raznolika interesovanja, bili su povezani sa radovima poznatog ruskog hemičara A.P. Borodin sa predivnom muzikom kompozitora A.P. Borodin. Za njih su to bila dva različiti ljudi. Međutim, za one koji su blisko poznavali A.P. Borodina, upadljiva je činjenica da su se sva njegova dostignuća i kao muzičar i kao hemičar vremenski poklopila. Ideje koje je Borodin razvio u odnosu na jednu oblast prelivale su se u drugu i aktivirale rad u njoj. On je to razumio bolje od drugih i, očigledno, to je bio glavni razlog njegove nevoljkosti da se odrekne bilo kojeg aspekta svog talenta. Zahvaljujući interakciji različitih aspekata talenta, Borodin je stvorio temelje organofluorne hemije, „Herojske“ simfonije i „Kneza Igora“. I nepoznato je koje je od ovih dostignuća pokrenulo.
Vrlo rano je razvio interesovanje za hemiju. Njegov prijatelj iz djetinjstva M. Shchiglev prisjetio se da je “ne samo njegova soba, već gotovo cijeli stan bio ispunjen teglama, retortama i svim vrstama kemijskih lijekova svuda su stajale tegle s raznim kristalnim otopinama”. Kao student, Nikolaj Zinin mu je postao učitelj. Nikolaj Nikolajevič je visoko cijenio sposobnosti Borodina hemičara i smatrao ga svojim nasljednikom, ali u isto vrijeme nije odobravao njegovu strast prema muzici. Borodin je usavršavao svoje naučno obrazovanje u inostranstvu. Tu je formiran „Hajdelberški krug“ u koji su bili uključeni D. Mendeljejev, I. Sečenov, E. Junge, A. Maikov, S. Eševski i drugi. Kao hemičar A.P. Borodin je radio tokom formiranja ruske hemijske škole. Bio je saradnik „majstora kofera“ Dmitrija Mendeljejeva i Aleksandra Butlerova. Glavna oblast naučno istraživanje Borodin je bio organofluorna sinteza. Sintetizirao je benzoil fluorid. Ova supstanca je kasnije omogućila stvaranje freona, koji se široko koristi u frižiderima, i fluoroplastike, plastike koja se vrlo široko koristi, posebno u izgradnji umjetnih srčanih zalistaka, koji produžavaju živote mnogih ljudi. Osim toga, sproveo je niz istraživanja čije rezultate koristimo i danas.
Živeći samo 54 godine, Borodin je objavio više od 40 djela, od kojih su mnoga sama po sebi mogla proslaviti ovog izvanrednog čovjeka. Bio je među inicijatorima i osnivačima Ruskog hemijskog društva, radio u Društvu ruskih lekara, u Društvu za očuvanje javnog zdravlja itd. Njegov muzički talenat razvijao se paralelno sa hemijskim. Sa istim prijateljem iz djetinjstva - Mišom Ščiglevom - sve simfonije L. van Beethovena, J. Haydna, F. Mendelssohna odsvirane su u četiri ruke. U isto vrijeme, kao dijete, bavio se muzičkom kompozicijom. Njegovo prvo ozbiljno priznanje u ovoj oblasti bio je poziv da se pridruži udruženju muzičara „Moćna šačica“ (osim Borodina – to je Mili Balakirev, Caesar Cui, Modest Musorgski, Nikolaj Rimski-Korsakov), koji je odigrao značajnu ulogu u formiranju ruske klasične muzičke tradicije (njenog „sanktpeterburškog“ ogranka). Borodinu je ulazak u „Moćnu šaku“ omogućio da dostigne taj nivo profesionalizma, zahvaljujući kojem je njegov dar oličen u muzičkim remek-delima koje je stvorio. Međutim, kao i Zinin, Mili Balakirev je više puta sugerirao da se Borodin fokusira na muzička kompozicija, napuštajući hemiju (sam Balakirev je odbio da razvije svoje matematičke sposobnosti).
Borodinu je istaknuti likovni kritičar Vladimir Stasov, koji je dobro razumio glavne motive svog kompozitorskog rada, predložio ideju da se napiše opera zasnovana na radnji takvog djela kao što je „Priča o Igorova kampanja.” Koncept opere je savršeno odgovarao posebnostima stvaralaštvo kompozitora, sklonost ka epsko-epskim slikama. I Borodin je preuzeo ovaj zadatak. U ovoj napomeni ćemo se dotaknuti samo jednog aspekta njegovog pisanja. Kakvo je dostignuće postala opera "Knez Igor", vitalna uloga igra činjenica da ga je napisala osoba koja je organski spojila kvalitete izvanrednog naučnika i izvanredan muzičar. Pišući njen libreto (a Borodin ga je sam napisao) i muzički brojevi prethodilo je mnogo istraživačkog rada. Aleksandar Porfirijevič proučava mnoge izvore koji se odnose na Lay i to doba. To su hronike, istorijske priče, studije o „Riječi“. Ali on je shvatio da, da bi opera dobila karakter istinskog narativa, sve to mora biti oličeno u njenoj muzičkoj strukturi. U muzici je morala doći do autentičnosti. I bavi se proučavanjem starih melodija, tražeći u njima ono što mu je omogućilo da stvori melodijske karakteristike koje su mu bile potrebne. Najkarakterističniji u tom pogledu je broj koji se zove „Polovčevi plesovi“. Da bi ga stvorio, Alexander Borodin je morao da uradi više od pukog pisanja melodija sa orijentalnim ukusom. Morao je da se približi što je više moguće muzički materijal već nestali ljudi. On studira veliki broj muzički materijal, zapravo sprovodi muzička „arheološka iskopavanja“. I na osnovu njihovih rezultata, on sintetizira (kao što je benzoil fluorid ili druge supstance koje je stvorio) melodije koje karakteriziraju život polovskog logora u operi. O uspehu ovog istraživanja svedoči i činjenica da su „Polovci“ postali ne samo muzička karakteristika opere „Knez Igor“, već i da su stekli status samostalnog dela. Izvode se "polovci plesovi" i simfonijski orkestri, And baletske trupe. Brojni vrsni koreografi postavili su ovaj broj i kako odvojeni rad i kao dio opere, što ga je unaprijedilo kao djelo. Takav pažljiv rad na operi zahtijevao je mnogo vremena, a Aleksandar Porfirijevič je još uvijek provodio kemijska istraživanja i radio u društvenim naučnim organizacijama.
Postoji još jedna stvar koja je karakteristična za takve izvanredne figure. Njegove istraživačke i komponističke aktivnosti (da ne spominjemo njegove društvene aktivnosti) davale su malo sredstava za život. A Borodin je takođe morao da "zarađuje dodatni novac" prevodeći članke iz hemijskih časopisa, od kojih je većina bila veoma lošeg kvaliteta. Takvo opterećenje dovelo je do Borodinove smrti u 54. godini. Opera "Knez Igor", za koju je trebalo 18 godina da se napiše, nije završena. I to samo zahvaljujući njegovim prijateljima iz „Moćne šačice“, koji su dobro poznavali muzički materijal koji se priprema (veći broj brojeva opere koja je napisana već je izvođena na koncertima Ruskog muzičkog društva) i koji su pažljivo sredili njegove grube snimaka, bilo je moguće dovršiti.
Ruski mediji povjerovali su lažnoj vijesti da je James Hetfield iz Metallice postao doktor astrofizike. Međutim, neki širom svijeta poznatih muzičara zapravo imaju višu diplomu.
Internet publikacije su prenijele vijest da je vođa kultnog benda Metallica James Hetfield doktorirao astrofiziku.
Mediji su se pozvali na 7 mjeseci star članak u Nevada County Scooperu da se muzičar u starijoj dobi zainteresirao za nauku i napravio iskorak na polju „poboljšanja prerade svjetlosti i utjecaja gravitacije na Hubble prostor Teleskop.”
Čak i oni koji su daleko od teme i nisu primijetili kvaku u ovom gotovo besmislenom nizu riječi sumnjali su u iskrenost autora. Konkretno, izvor citira muzičara u kojem on navodi da nema dovoljno novca da izdržava svoju porodicu, pa je odlučio da se dodatno bavi. Mnogi su to vidjeli kao očigledan lažnjak, ali su mediji jedan za drugim ponovo objavljivali vijesti ne razmišljajući o onome što je napisano.
Međutim, u svijetu muzike zaista postoje ljudi koji imaju naučne diplome i koji su postigli uspjeh u drugim oblastima. Evo 5 najpoznatijih.
1. Brian May, gitarista Queen
Autor mnogih hitova diplomirao je na Fakultetu fizike i matematike na prestižnom Imperial College Londonu. Brian je skoro završio doktorsku tezu o infracrvenim astronomskim istraživanjima i imao je dvije naučne publikacije u astronomiji kada ga je uspjeh Queena natjerao da prekine svoju naučnu karijeru.
Međutim, kasnije se vratio u istraživačke aktivnosti i završio ono što je započeo sa diplomom na Univerzitetu Hertfordshire. 14. aprila 2008. muzičar je imenovan za rektora Univerziteta John Moores u Liverpulu i na toj funkciji je ostao do marta 2013. godine. IN ovog trenutka Brian nastavlja svoju muzičku karijeru sa Queenom i nastavlja svoj naučni rad u oblasti teorijske fizike i matematike.
2. Bruce Dickinson, vokal grupe Iron Maiden:
Dikinsonovi interesi su zaista velikih razmera. Bruce voli mačevanje. Natjecao se međunarodno (nekada je bio član Engleske omladinske olimpijske reprezentacije) i osnivač je kompanije za mačevalačku opremu Duellist.
Bruceova najveća strast je letenje avionima Boeing 757 kao dio njegovog posla kopilota britanske čarter linije Astraeus.
U intervjuu je rekao da je završio diplomu engleske književnosti na dopisnom univerzitetu i da je u proteklih nekoliko godina pohađao kurseve iz kriminologije i pravnog prava. Osim toga, Bruce je pisac, filmski scenarista i radijski voditelj.
3. Dexter Holland, pjevač grupe The Offspring
Holland je diplomirao biologiju i magistrirao molekularnu biologiju na Univerzitetu Južne Kalifornije. Osim toga, Dexter posjeduje pilotsku dozvolu, a od aprila 2009. godine je licencirani instruktor. Muzičar je za deset dana sam obleteo zemlju.
4. Kanye West
Američki reper Kanye Vest dobio je diplomu doktora umetnosti na Umetničkom institutu u Čikagu, jednom od najcenjenijih u ovoj oblasti. obrazovne institucije u SAD (titula doktora u američkom obrazovnom sistemu otprilike odgovara ruskom stepenu kandidata nauka). Istina, ispostavilo se da su kapa i haljina uglavnom čista sreća.
Kanye je jednom pohađao Univerzitet u Čikagu, gde je studirao engleski jezik i gde je njegova pokojna majka predavala, ali je napustila časove zbog njegove strasti za rep muzikom. Nikad nisam dobio “koru”. Ali oduvek sam želeo da slušam nekoliko predavanja na Umetničkom institutu, što sam više puta spomenuo u intervjuima.
„Kada sam jednom držao predavanja na Oksfordu, mislio sam da bi mi bilo lakše da se mogu nazvati doktorom umetnosti sa Instituta za umetnost u Čikagu“, jednom je primetio Vest, bilo u šali ili ozbiljno. Nakon čega je članica akademskog vijeća Instituta za umjetnost, Lisa Wainrine, zapravo predložila da se muzičaru dodijeli doktorat. “Pomislio sam, vau, ovo je fantastično! Evo glavne figure u moderne kulture, a on zaslužuje ovu titulu!”, objasnila je. Mnogi studenti su ovu nagradu smatrali samo farsom, ali posao je obavljen.
5. Vladi, “Casta”
Vladislav Leshkevich, poznatiji kao Vladi iz rep grupe “Casta”, odbranio je 2006. godine disertaciju na temu “Tržišna institucionalizacija postkrizne ekonomije: opcije i alati za lokalizaciju neizvjesnosti” i postao kandidat ekonomskih nauka. Vladi ima i muzičko obrazovanje - završio je muzičku školu sa diplomom gitare.
, .U svom eseju „Muzikofilija: priče o muzici i mozgu” (2008), poznati neurolog i psihijatar je primetio:
Univerzalna sposobnost reagovanja na muziku razlikuje ljude kao vrstu. Za ptice kažu da „pevaju“, ali muzika u svoj svojoj složenosti, sa ritmovima, harmonijom, tonovima, tembrom, da ne govorimo o melodiji, pripada samo nama. Neke životinje se mogu naučiti da udaraju u ritam, ali nikada ih ne vidimo da iznenada spontano počnu da plešu uz muziku, kao što to rade deca. Kao i jezik, muzika je ljudska osobina.
Međutim, u određenom smislu, muzika je anticipirala nastanak jezika, jer su zvuci bili primarni oblik komunikacije. U stanju smo da izrazimo emocije, ispričamo priče, inspirišemo, izazovemo simpatiju, poverenje i saosećanje uz pomoć zvukova koje ispuštamo, ali sama muzika nas uvek tera da doživimo različita stanja – od smirenosti ili uronjenja u duboku tugu do stimulacije neverovatne aktivnosti i rađanje istinske radosti. I možda je iz tog razloga muzika jedna od najinstinktivnijih i najkomunikativnijih umjetnosti. Istovremeno, muzika, kao najsenzualnija i najintuitivnija umjetnost, i dalje ostaje misteriozan fenomen, posebno sa stanovišta njenog utjecaja na mozak, na našu neurofiziologiju.
Kako muzika utiče na mozak? Po čemu se mozak muzičara razlikuje od prosječnog mozga? Šta nam može dati sviranje na muzičkim instrumentima? Kao što pokazuju brojne studije širom svijeta, poprilično. Tako su nedavno naučnici sa Stanforda otkrili da slušanje muzike pomaže mozgu da anticipira događaje i poboljšava koncentraciju. Osim toga, istraživanje terapeutskih efekata ritmičke muzike pokazalo je da ona stimulira mozak i uzrokuje da moždani valovi rezoniraju u vremenu s ritmom muzike, što zauzvrat „olakšava kretanje kada je sposobnost kretanja narušena ili uopće nije razvijena .” A nedavna studija koju su proveli finski naučnici sa Univerziteta Jyväskylä pomogla je da se otkrije da se redovno igra na bilo kom muzički instrument može "promijeniti" sklop našeg mozga i čak poboljšati njegovo funkcioniranje općenito.
Studija je zasnovana na podacima dobijenim još 2009. godine, koji su tada pokazali da dugi periodi muzičke prakse pomažu u povećanju veličine moždanih centara odgovornih za sluh i fizičku spretnost. Vjerovatnije je da će muzičari moći filtrirati zvučne smetnje i razumjeti govor u bučnim okruženjima, a neki se čak mogu pohvaliti razlikovanjem emocionalnih znakova u razgovorima (u istom bučnom okruženju). Prethodne studije su takođe pokazale da je corpus callosum, tkivo koje povezuje levu i desnu hemisferu mozga, veće kod muzičara nego kod običnih ljudi. Finski naučnici predvođeni Iballom Burunat odlučili su još jednom provjeriti stare podatke i otkriti da li ova okolnost poboljšava vezu između hemisfera mozga.
Za istraživanje su formirane dvije grupe. Prvi uključen profesionalni muzičari(klavijaturisti, violončelisti, violinisti, fagotisti i trombonisti), a u drugom su bili ljudi koji nikada nisu profesionalno svirali muzičke instrumente.
Kako bi otkrili kako slušanje muzike - ne samo njeno puštanje - utiče na hemisfere mozga, naučnici su koristili magnetnu rezonancu. Dok su subjekti bili u skenerima, tri muzička djela: pjesma Stream of Consciousness Dream Theatre (progresivni rok), Argentinski tango“Adios Nonino” Astora Pjacole i tri odlomka iz klasika – “Obred proleća” Igora Stravinskog. Istraživači su snimili reakciju mozga svakog učesnika na muziku i koristili softver za upoređivanje aktivnosti u lijevoj i desnoj hemisferi.
Kako se pokazalo, dio corpus callosum koji spaja dvije hemisfere je kod muzičara zaista veći. Istraživači su takođe otkrili da je aktivnost leve i desne hemisfere bila mnogo simetričnija u mozgu muzičara nego kod ne-muzičara. Istovremeno, klavijaturisti su pokazali najsimetričniju ravnotežu, a istraživači to pripisuju činjenici da je za sviranje klavijatura potrebno sinhronije korištenje obje ruke. Burunat naglašava:
Klavijaturisti koriste obje ruke i prste na način koji više izgleda kao ogledalo kada sviraju. Unatoč činjenici da sviranje žica također zahtijeva korištenje fine motoričke sposobnosti i koordinacije ruku, još uvijek postoji asinhronizacija između pokreta njihovih prstiju.
Muzičari u profesionalnim ansamblima pokazali su brzu reakciju na više senzornih stimulansa, što je važna vještina za uspješnu muzičku saradnju. Istraživači vjeruju da ova vještina – koja zahtijeva brzinu i efikasnost – također može zahtijevati simetričniju upotrebu obje hemisfere.
Ali, kako napominju naučnici, ono što najviše iznenađuje u vezi s tim je da se svi efekti koje sviranje instrumenata ima na mozak aktiviraju i kod muzičara jednostavnim slušanjem muzike – što znači da nije samo mozak taj koji se mijenja sa muzičko obrazovanje, ali i percepciju muzike. Čini se da se muzičarski mozgovi "preokrećuju" stvaranjem alternativnih neuronskih puteva.
Također smo uočili simetrične moždane reakcije u frontoparijetalnim regijama muzičara, koji su odgovorni za funkcioniranje zrcalnih neurona. Stoga, slušanje muzike vjerovatno aktivira neurone koji također regulišu pokret koji proizvodi te zvukove.
Prema finskim naučnicima, rezultati njihovog istraživanja uvjerljivo ukazuju da se mozak muzičara razlikuje od mozga obicna osoba: njegove hemisfere bolje komuniciraju jedna s drugom. Njihovi mozgovi su u stanju da rade sinhronije, ali naučnici još nisu spremni da kažu kakve koristi ova povećana veza daje muzičarima u drugim veštinama vezanim za ruke. Ova pitanja će svakako biti osnova za nova istraživanja. U međuvremenu, jedno je jasno: dugo sviranje muzičkog instrumenta direktno utiče na razvoj mozga, a plodovi tog uticaja su stalni i nezavisni od same situacije sviranja. Nije li ovo razlog da se bavite muzikom?
WITH puni tekst istraživanja se mogu naći.
Izvori: Plos One, New Scientist.
