Balet je prilično mlada umjetnost. Stara je nešto više od četiri stotine godina, iako ples od davnina ukrašava ljudski život. Balet je rođen u sjevernoj Italiji tokom renesanse. Talijanski prinčevi su voljeli raskošne dvorske svečanosti, u kojima je igra zauzimala važno mjesto. Seoski plesovi nisu bili prikladni za dvorske dame i gospodu. Njihovo odelo, kao i dvorane u kojima su plesali, nije dozvoljavalo neorganizovano kretanje. Specijalni učitelji - plesni majstori - pokušali su da zavedu red u dvorskim plesovima. Oni su unaprijed uvježbavali pojedinačne figure i plesne pokrete sa plemićima i vodili grupe plesača. Postepeno je ples postajao sve teatralniji.
Termin „balet“ pojavio se krajem 16. veka (od italijanskog balletto - plesati). Ali tada to nije značilo nastup, već samo prenošenje plesne epizode određeno raspoloženje. Takvi "baleti" obično su se sastojali od blago međusobno povezanih "izlaza" likova - najčešće heroja Grčki mitovi. Nakon takvih "izlazaka" počeo je opći ples - "veliki balet".
Prva baletska predstava bila je Kraljičin komedijski balet, postavljen 1581. godine u Francuskoj. Italijanski koreograf Baltazarini di Belgioioso. U Francuskoj se dogodio dalji razvoj baleta. Najprije su to bili baleti pod maskama, a potom pompezni melodramski baleti sa viteškim i fantastičnim zapletima, gdje su plesne epizode zamijenjene vokalnim arijama i recitacijom poezije. Nemojte se iznenaditi, u to vrijeme balet nije bio samo plesna predstava.
Za vreme vladavine Luja XIV dvorske baletske predstave dostigle su poseban sjaj. Sam Luis je voleo da učestvuje u baletima, a svoj čuveni nadimak "Kralj Sunca" dobio je nakon što je izveo ulogu Sunca u "Baletu noći".
Godine 1661. osnovao je Kraljevsku akademiju za muziku i ples, koja je uključivala 13 vodećih plesnih majstora. Njihova odgovornost je bila očuvanje plesne tradicije. Direktor akademije, kraljevski učitelj plesa Pierre Beauchamp, identificirao je pet glavnih pozicija klasični ples.
Ubrzo je otvorena Pariska opera, a isti Beauchamp je imenovan za koreografa. Pod njegovim vodstvom formirana je baletska trupa. U početku su ga činili samo muškarci. Žene su se pojavile na sceni Pariške opere tek 1681. godine.
Pozorište je postavljalo opere i balete kompozitora Lulija i komedije i balete dramskog pisca Molijera. U početku su u njima sudjelovali dvorjani, a predstave se gotovo nisu razlikovale od dvorskih. Plesale su se već spomenute spore menuete, gavote i pavane. Maske, teške haljine i visoke potpetice sprečavale su žene da izvode složene pokrete. Stoga su se muški plesovi tada odlikovali većom gracioznošću i elegancijom.
Sredinom 18. vijeka balet je stekao veliku popularnost u Evropi. Svi aristokratski dvorovi Evrope nastojali su da oponašaju luksuz francuskog kraljevskog dvora. Otvorene opere u gradovima. Brojni plesači i učitelji plesa lako su našli posao.
Ubrzo su, pod uticajem mode, ženski baletski kostimi postali mnogo lakši i slobodniji, a ispod su se videle linije tela. Plesačice su napustile cipele s visokom potpeticom, zamijenivši ih laganim cipelama bez potpetice. Postalo je manje glomazno musko odelo: uske pantalone do koljena i čarape omogućile su da se vidi figura plesačice.
Svaka inovacija činila je ples sadržajnijim, a plesnu tehniku višom. Balet se postepeno odvaja od opere i pretvara u nezavisna umetnost.
Iako je francuska baletska škola bila poznata po svojoj gracioznosti i plastičnosti, odlikovala se određenom hladnoćom i formalnošću izvođenja. Stoga su koreografi i umjetnici tražili druga sredstva izražavanja.
Krajem 18. veka rađa se novi pravac u umetnosti - romantizam, koji je snažno uticao na balet. U romantičnom baletu, plesačica je stajala na špicama. Maria Taglioni je prva to učinila, potpuno promijenivši dosadašnje ideje o baletu. U baletu La Sylphide pojavila se kao krhko stvorenje s onoga svijeta. Uspjeh je bio zapanjujući.
U to vrijeme pojavilo se mnogo divnih baleta, ali je, nažalost, postao romantični balet zadnji period procvat plesne umjetnosti na Zapadu. Od druge polovine 19. veka balet se, izgubivši nekadašnji značaj, pretvorio u dodatak operi. Tek 30-ih godina 20. veka, pod uticajem ruskog baleta, počinje oživljavanje ove umetničke forme u Evropi.
U Rusiji je prva baletska predstava - "Balet Orfeja i Euridike" - postavljena 8. februara 1673. na dvoru cara Alekseja Mihajloviča. Svečani i spori plesovi sastojali su se od promjene gracioznih poza, naklona i pokreta, naizmjenično s pjevanjem i govorom. Nije imao značajniju ulogu u razvoju scenskog plesa. Bila je to samo još jedna kraljevska "zabava" koja je privlačila ljude svojom neobičnošću i novitetom.
Samo četvrt veka kasnije, zahvaljujući reformama Petra I, muzika i ples ušli su u svakodnevni život ruskog društva. U plemićke obrazovne ustanove uvedena je obavezna plesna obuka. Na dvoru su počeli da nastupaju muzičari, operski umetnici i baletske trupe uvezene iz inostranstva.
Godine 1738. otvorena je prva baletska škola u Rusiji, a tri godine kasnije 12 dječaka i 12 djevojčica iz dvorske sluge postali su prvi profesionalni igrači u Rusiji. Isprva su nastupali u baletima stranih majstora kao figure (kako su se zvali korpi), a kasnije i u glavnim ulogama. Timofej Bublikov, divan plesač tog vremena, zablistao je ne samo u Sankt Peterburgu, već i u Beču.
Početkom 19. veka dospela je ruska baletska umetnost kreativna zrelost. Ruski plesači su unijeli izražajnost i duhovnost u ples. Osjećajući to vrlo precizno, A.S. Puškin je nazvao ples svog suvremenika Avdotje Istomine „dušom ispunjenim“.
Balet je u to vrijeme zauzimao povlašteni položaj među ostalim vrstama pozorišne umjetnosti. Vlasti su mu platile velika pažnja, obezbijedio državne subvencije. Moskovske i peterburške baletske trupe nastupale su u dobro opremljenim pozorištima, a maturanti pozorišnih škola svake godine su se pridruživali osoblju plesača, muzičara i dekoratera.
Arthur Saint Leon
U istoriji našeg baletskog pozorišta često susrećemo imena stranih majstora koji su odigrali značajnu ulogu u razvoju ruskog baleta. Prije svega, to su Charles Didelot, Arthur Saint-Leon i Marius Petipa. Oni su pomogli u stvaranju ruske baletske škole. Ali talentovani ruski umjetnici su također dali priliku da otkriju talente svojih učitelja. To je uvijek privlačilo najveće koreografe Evrope u Moskvu i Sankt Peterburg. Nigdje na svijetu nisu mogli sresti tako veliku, talentovanu i dobro obučenu trupu kao u Rusiji.
IN sredinom 19 veka realizam je došao u rusku književnost i umetnost. Koreografi su grozničavo, ali bezuspješno, pokušavali stvoriti realistične predstave. Nisu uzeli u obzir da je balet konvencionalna umjetnost i da se baletski realizam bitno razlikuje od realizma u slikarstvu i književnosti. Počela je kriza baletske umjetnosti.
Nova etapa u istoriji ruskog baleta započela je kada je veliki ruski kompozitor P. Čajkovski prvi komponovao muziku za balet. Bilo je to Labuđe jezero. Prije toga, baletsku muziku nisu shvatali ozbiljno. Ona je razmatrana inferiorne vrste muzičko stvaralaštvo, samo pratnja plesu.
Zahvaljujući Čajkovskom, baletska muzika je uz operu i simfonijsku muziku postala ozbiljna umetnost. Ranije je muzika u potpunosti zavisila od plesa, sada je ples morao da se potčini muzici. Bila su potrebna nova izražajna sredstva i novi pristup kreiranju performansa.
Dalji razvoj ruskog baleta povezan je s imenom moskovskog koreografa A. Gorskog, koji je, napuštajući zastarjele tehnike pantomime, u baletskoj izvedbi koristio moderne tehnike režije. Pridajući veliku važnost slikovitom dizajnu performansa, privukao je na rad najbolje umjetnike.
Ali pravi reformator baletske umjetnosti je Mihail Fokin, koji se pobunio protiv tradicionalne konstrukcije baletske predstave. Tvrdio je da tema predstave, njena muzika i doba u kojem se radnja odvija zahtijevaju različite plesne pokrete i svaki put drugačiji plesni obrazac. Prilikom postavljanja baleta „Egipatske noći“, Fokin je bio inspirisan poezijom V. Brjusova i drevnim egipatskim crtežima, a slike baleta „Petruška“ inspirisane su poezijom A. Bloka. U baletu Dafnis i Kloa napustio je ples na špicama i oživeo drevne freske slobodnim, fleksibilnim pokretima. Njegova Chopiniana oživjela je atmosferu romantičnog baleta. Fokin je napisao da „sanja o stvaranju baletske drame od baletske zabave, a od plesa na razumljivom govornom jeziku“. I uspio je
Anna Pavlova
Godine 1908. počele su godišnje predstave ruskih baletskih igrača u Parizu u organizaciji pozorišne ličnosti S. P. Djagiljeva. Imena plesača iz Rusije - Vaslava Nižinskog, Tamare Karsavine, Adolfa Bolma - postala su poznata širom sveta. Ali prvo u ovom redu je ime neuporedive Ane Pavlove.
Pavlova - lirska, krhka, sa izduženim linijama tijela, ogromnim očima - evocirala je gravure na kojima su prikazane romantične balerine. Njene heroine su prenosile čisto ruski san o skladnom, produhovljenom životu ili čežnju i tugu zbog nečega neostvarenog. "Umirući labud" kreirao odlična balerina Pavlova, je poetski simbol ruskog baleta na početku 20. veka.
Tada se, pod uticajem veštine ruskih umetnika, zapadni balet uzdrmao i našao drugi vetar.
Nakon Oktobarske revolucije 1917. godine, mnoge baletske pozorišne ličnosti su napustile Rusiju, ali uprkos tome, škola ruskog baleta je opstala. Patos kretanja ka novom životu, revolucionarne teme i što je najvažnije prostor za kreativno eksperimentisanje inspirisali su baletne majstore. Pred njima je bio zadatak: približiti koreografsku umjetnost narodu, učiniti je vitalnijom i dostupnijom.
Tako je nastao žanr dramskog baleta. To su bile predstave, obično zasnovane na zapletima poznatih književnih djela, koja su građena po zakonima dramskog izvođenja. Sadržaj je predstavljen kroz pantomimu i figurativni ples. Sredinom 20. veka dramski balet je bio u krizi. Koreografi su nastojali da očuvaju ovaj žanr baleta, pojačavajući zabavu izvođenja uz pomoć scenskih efekata, ali, nažalost, uzalud.
19. vek je bio period velikih promena u društvu, a to se odrazilo i na balet, sa pomeranjem od aristokratske moći percepcije koja je ranije dominirala, ka romantičnom baletu.
Romantizam je bio reakcija na formalna ograničenja i mehaniku industrijalizacije. Mudrost tog doba navela je koreografe da stvaraju romantične balete koji su bili lagani, prozračni i slobodni, što je trebalo da bude kontrast redukcionističkoj nauci koja je, po Poeovim rečima, "izvukla drijade iz šume". Ovi naizgled nestvarni baleti predstavili su žene kao delikatna, eterična, prozračna stvorenja koja se bez poteškoća mogu podići i izgledaju kao da gotovo lebde u zraku. Balerine su počele da nose kostime pastelne boje, sa suknjama koje lebde oko njenih nogu. Scenariji su bili na temu strašnih narodnih duhova.
Balerine Geneviève Gosselin, Maria Taglioni i Fanny Elssler eksperimentisale su sa novim tehnikama kao što je ples prstima, što je dalo povećanu visinu kao idealnu scensku figuru. Profesionalni libretisti pisali su priče za balete. Učitelji poput Carla Blasisa opisali su baletnu tehniku u osnovnoj formi koja se i danas koristi. Pointe cipele su izmišljene za podršku plesu prstima.
Godine 1832. Filipo Taglioni (1777-1871), otac Marije Taglioni, koreografirao je za nju balet La Sylphide. Maria Taglioni je plesala ulogu Sylphide, natprirodnog bića koje je volio tjelesni čovjek i koji ga je nehotice uništio. Koreografija je koristila ples prstiju kako bi naglasila natprirodnu svjetlinu i nesadržajnost. La Sylphide je izazvala mnoge promjene u baletima tog doba u temi, stilu, tehnici i kostimima. U La Sylphideu, Maria Taglioni je nosila odijelo u obliku zvona sa steznikom od kitove kosti. Na osnovu toga, 50 godina kasnije, dizajnirana je romantična baletska suknja.
La Sylphide je započela romantični period, jedan je od najvažnijih baleta i jedan je od starijih baleta koji se i danas izvode.
Romantična era je manje-više započela produkcijom Giselle, ou Les Wilis (ili jednostavno Giselle - Giselle) u Pariskoj operi 1841. godine, u koreografiji Jean Coralli i Jules Perrot (1810-1892). Muziku je komponovao Adolphe Adam. Ulogu Giselle tumačila je Carlotta Grisi (1819-1899), nova balerina iz Italije. Giselle je prikazala kontrast između ljudskog i natprirodnog svijeta, au drugom činu sablasni duhovi, zvani wilita, bili su obučeni u bijele suknje popularne u La Sylphide. Međutim, romantični balet nije bio ograničen samo na natprirodna bića.
Godine 1845. Jules Perrot je postavio Pas de Quatre u Teatru Njenog Veličanstva u Londonu.
Kako se relativno nova vještina plesa na prstima poboljšavala, plesačice su postale sve istaknutije tokom romantične ere. Samo nekoliko muškaraca je tada bilo istaknuto u baletu. Neki od njih bili su Jules Perrot, koreograf Pas de Quatrea, Lucien Petipa (1815-1898) koji je znao biti virtuozan partner, Arthur Saint Léon (1821-1870) koji je bio ne samo odličan plesač, već i odličan violončelist.
U Rusiji i Danskoj, međutim, muškarci su trenirani uz žene, dok su balet u ovim zemljama podržavali monarhijski sudovi. Danac koji je ostavio najznačajniji trag u baletu bio je Auguste Bournonville. Nakon studija u Danskoj i Parizu, nakon plesa u Pariskoj operi, August Bournonville se vratio u Dansku. Tamo je 1836. postavio svoju verziju La Sylphide, sa novom koreografijom i nova muzika; Šesnaestogodišnja Lucille Grahn igrala je ulogu Sylphide.
Balet u Rusiji
Dok je Francuska bila uspješna u ranom baletu, druge zemlje i kulture su ubrzo prilagodile umjetničku formu za sebe, prije svega Rusija. Rusija ima priznatu tradiciju baleta, a ruski balet igra istaknutu ulogu u istoriji ove zemlje.
Nakon 1850. balet je počeo da nestaje u Parizu. Balet je i dalje bio popularan, ali se uglavnom gledao kao predstava u kojoj su bile lepe žene. U Londonu je balet praktično nestao sa pozornica operskih kuća i preselio se na scenu.
No, u Rusiji i Danskoj balet je procvjetao zahvaljujući majstorima Augustu Bournonvilleu, Julesu Perrotu, Arthuru Saint-Léonu, Enricu Cecchettiju i Marijusu Petipi (1818-1910) (bratu Luciena Petipa). Krajem 19. vijeka orijentalizam je bio u modi. Kolonijalna politika pružila je znanje o azijskim i afričkim kulturama, ali je bila iskrivljena greškom i maštom. Istok se često doživljavao kao daleko mjesto gdje je sve moguće, kao da je raskošno, egzotično i dekadentno.
Pre toga, Francuska je uvozila mnoge talente iz Italije nekoliko vekova. Isto tako, Rusija je uvozila plesače iz Francuske. Prethodno su ruski plesači nastupali pred publikom u Sankt Peterburgu. Jedna od najistaknutijih plesačica bila je Marija Danilova, koja je bila odlična plesačica na prstima i ostala upamćena kao „ruski Taglioni“. Umrla je sa 17 godina 1810.
Godine 1842. Kristijan Johanson (1817-1903) pratio je Mariju Taglioni u Rusiju i tamo ostao, a kasnije je postao jedan od najistaknutijih učitelja u Rusiji.
Žizel je prvi put izvedena u Rusiji godinu dana nakon premijere u Parizu, sa Elenom Andrejanovom (1819-1857) u ulozi Žizele. Plesala je sa Kristijanom Johansonom i Mariusom Petipom, dvema najvažnijim figurama ruskog baleta.
Godine 1848. Fanny Elssler i Jules Perrot su došli u Rusiju. Perrot je tamo ostao 10 godina kao direktor Carskog ruskog baleta u Sankt Peterburgu (sada Baletska kompanija Marijinski teatar).
Godine 1852., Lev Ivanov (1834-1901), prvi inovator rođen u Rusiji, diplomirao je na Carskoj baletskoj školi (danas Akademija ruskog baleta Vaganova).
Godine 1859. Arthur Saint-Leon je postao direktor Carskog ruskog baleta u Sankt Peterburgu (sada Marijinski balet) umjesto Julesa Perrota.
Marius Petipa je i dalje bio vodeći igrač baleta iz Sankt Peterburga 1862. godine kada je stvorio svoj prvi balet sa više činova, Faraonova kći, za Carsko carsko pozorište. Bila je to nevjerovatna fantazija s egipatskim temama, s mumijama koje oživljavaju i zmijama otrovnicama. Ovaj balet je doveo do drugih baleta i možda do onoga što se danas smatra klasičnim baletom.
Godine 1869. Marius Petipa je postao glavni direktor Carskog ruskog baleta u Sankt Peterburgu (sada Marijinski balet) umjesto Arthura Saint-Leona i bio je njegov diktator narednih 30 godina. Petipa je stvorio mnoge balete od jednog čina i nekoliko činova za produkciju na carskim pozornicama Rusije. Godine 1869. odlazi u Moskvu i tamo postavlja balet Don Kihot za Boljšoj teatar u Moskvi.
Potom se Arthur Saint-Leon vratio u Pariz i postavio Coppelia, posljednji veliki balet Pariske opere. Francusko-pruski rat i opsada Pariza doveli su do smrti baleta u zapadnoj Evropi.
Godine 1877. Petipa je stvorio balet La Bayadère za Boljšoj teatar u Sankt Peterburgu.
Godine 1877. nastala je prva produkcija Labuđeg jezera, baleta toliko popularnog da je njegov naslov reprezentacija klasičnog baleta. Labudovo jezero, sa prvom muzikom Petra Iljiča Čajkovskog, bilo je prvo od velike trojke ruskog baleta. Prvobitno stvoreno od strane Austrijanca Wenzela Reisingera (1827-1892), Labuđe jezero su preradili mnogi, među njima Joseph Hansen (1842-1907) i Petipa 1895.
1880-ih Petipa je postavio dva baleta u Rusiji koji su bili veoma uspešni u Parizu. Prva je bila Giselle, druga Coppélia u izvedbi Saint-Léona (prvobitna produkcija je bila 1870.).
Petipa je 1889. godine stvorio balet Amulet.
Godine 1890. Enrico Cecchetti (1850-1928) postao je plesač i direktor Carske baletske škole. Rođen je u Rimu, oba roditelja su mu bili plesači i učio je kod njih. Studirao je i kod Giovannija Leprija, učenika Carla Blasisa.
Godine 1890. Petipa je odabrao italijansku balerinu Carlottu Brianza (1867-1930) za ulogu u novom baletu Uspavana ljepotica. Ovaj balet je drugi u tri velika i jedan od glavnih klasičnih baleta.
Godine 1892. (iako godina ostaje otvoreno pitanje za povjesničare), Petipa, dizajner Ivan Vsevolzhsky i drugi režiser Lev Ivanov stvorili su balet Orašar. Ovo je treći balet od velike trojke. Zasnovan je na zaslađenom francuskom prepričavanju priče E. T. A. Hoffmanna. Orašar je izuzetno popularan u stotinama različitih verzija kao božićni balet. Orašar je premijerno izveden u Marijinskom teatru 18. decembra (6. decembra prema julijanskom kalendaru koji se tada koristio u Rusiji) 1892. godine.
Petipa je najpoznatiji po svom zajednički rad sa Petrom Iljičem Čajkovskim. Petipa je koristio muziku Čajkovskog za svoje plesove u Orašar (1892), Uspavana lepotica (1890) i završnu adaptaciju Labuđeg jezera (1895, sa Levom Ivanovim). Sva ova djela zasnovana su na evropskom folkloru.
Devedesetih godina 18. veka balet je prestao da bude velika umetnost u zapadnoj Evropi i nije postojao u Americi. Trojica muškaraca, svi iz Rusije, ali ne svi Rusi, pojavila su se na sceni otprilike u isto vreme i izazvala novo interesovanje za balet širom Evrope i Amerike: Enriko Čeketi, Sergej Djagiljev (1872-1929) i Agripina Vaganova (1879-1951) .
Klasična tutu se počela pojavljivati u to vrijeme. Sastojao se od kratka suknja, podržan slojevima krinolina ili tila, i omogućio je nogama izvođenje akrobatskih trikova.
Godine 1895. Petipa je prepravio Labuđe jezero kako bi uključio važne koreografske dodatke. Jedan od dodataka bio je 32 okreta foueta.
Godine 1898. Petipa je postavio svoj posljednji balet koristeći sve preostale mogućnosti. Rajmonda je bio balet u tri čina na muziku Aleksandra Glazunova. Po stilu sličan baletima Čajkovskog, Rajmonda je bila veoma teška za izvođenje jer je imala široku paletu plesova, više nego što se može videti iz grafičke linije predstave.
Početkom 20. veka ljudi su počeli da se zamaraju idejama i principima Petipinih baleta i tražili su sveže ideje. Ruski balet je već bio poznatiji od francuskog i mnogi ruski plesači su imali međunarodnu slavu. Verovatno najistaknutija balerina tog vremena bila je Ana Pavlova (1881-1931), poznata po izvođenju Umirućeg labuda (1907).
Godine 1907. Mihail Fokin je počeo da pokušava da promeni pravila o kostimima u Carskom pozorištu. Smatrao je da je izgled otvorenog kišobrana, način na koji su se žene tada oblačile, dosadan i nepristojan. U mom baletu grčki stil Eunice, natjerao je plesačice da izgledaju bosi. Tada je bilo protivno pravilima Carskog pozorišta biti bos, pa su se na cipelama plesača slikali prsti. Osim toga, koristio je ozbiljnu muziku umjesto plesne muzike.
Godine 1909. Sergej Djagiljev je vratio balet u Pariz, otvarajući svoju kompaniju Ballets Russes. Među igračima Baleta Russes bili su najbolji mladi ruski igrači - Ana Pavlova, Tamara Krasavina, Adolf Bolm (1884-1951), Vaslav Nižinski (1889-1950), Vera Karali. Balet Russes otvoren je u Parizu 19. maja 1909. i odmah je postigao uspjeh. Posebno divljenje zaslužuju muški plesači, među kojima je i Vaslav Nižinski, jer su dobri igrači Togla praktično nestali u Parizu. Nakon Ruske revolucije 1917. godine, kompaniju su činili emigranti iz Rusije. Revolucija je lišila Djagiljeva mogućnosti da se vrati u Rusiju.
Ballets Russes su nastupali uglavnom u zapadnoj Evropi, ali povremeno u Sjevernoj i Južnoj Americi. Sergej Djagiljev je 20 godina bio direktor svih baleta u zapadnoj Evropi i Americi.
Nakon jedne sezone sa Ballets Russes, Anna Pavlova je osnovala sopstvenu kompaniju, koja je bila sa sedištem u Londonu i mnogo je putovala po svetu, posećujući mesta gde Ballets Russes nisu dolazili. Anna Pavlova je posjetila mnoge gradove u SAD-u, uključujući i male. Nije osnovala baletsku školu ili kompaniju u Sjedinjenim Državama, ali je svojim nastupima ohrabrila mnoge djevojke da se bave plesom.
Ballets Russes je započeo snažnim ruskim ikonskim djelima. Međutim, prvi prikazan balet bio je Le Pavillon d'Armide, koji je imao jaku Francuski uticaj. Le Pavillon d'Armide je izveden iu Sankt Peterburgu iu Parizu, a na njemu je nastupio Vaslav Nižinski, poznat kao jedan od najboljih skakača svih vremena. Ballets Russes je takođe u Parizu predstavio balet koji je ranije bio poznat kao Chopiniana, pošto je sva muzika pripadala Šopenu. Ali preimenovan je u Les Sylphides za francusku publiku. Nije bio isti kao La Sylphide, ali je dobio slično ime jer je pariska publika La Sylphide nedugo prije vidjela.
Djagiljev i kompozitor Igor Stravinski udružili su svoje talente kako bi stvorili balete Žar ptica i peršun zasnovane na ruskom folkloru. U narednih nekoliko godina, Ballets Russes je izveo nekoliko baleta koji su tako postali poznati, među kojima su Šeherezada (1910), Žar ptica (1910), Petruška (Petroucha) (1911).
Mihail Fokin je započeo svoju karijeru u Sankt Peterburgu, a zatim se preselio u Pariz i radio sa Djagiljevom u Ballets Russes.
Enrico Cecchetti bio je jedan od izvođača Petruške, svirajući pantomimu budući da je već bio u ne baš dobrom fizička spremnost. Enrico Cecchetti postao je poznat po ulogama vatrene vile Carbossea i plave ptice u Petipinoj produkciji Uspavana ljepotica iz 1890. godine. Kasnije je postao poznat kao tvorac Cecchettijevog načina podučavanja baleta.
Godine 1913. Nižinski je stvorio novi balet Le Sacre du Printemps ( Rusko ime Sveto proleće, iako je doslovni prevod sa francuskog „Posveta proleća“). Ovo je bilo najkontroverznije djelo Ballets Russes. Ovaj balet je izveden uz muziku pod nazivom Stravinski. Moderna baletska muzika i tema ljudske žrtve impresioniraju publiku. Mnogi u SAD-u Čarolija proljeća povezuju sa sekvencom dinosaurusa iz Fantazije Walta Disneyja.
Posljednja važna predstava Ballets Russes u Parizu bila je 1921. i 1922. godine, kada je Djagiljev ponovo postavio Petipinu verziju Uspavane ljepotice iz 1890. godine. Njegova emisija za četiri mjeseca nije vratila finansijsku investiciju i zapravo je bila neuspješna. Međutim, Trnoružica je vratila interesovanje publike za večernji balet.
Godine 1933., nakon smrti Djagileva, René Blum i drugi osnivaju Balet Russe u Monte Karlu i nastavljaju da nastavljaju baletsku tradiciju. Bluma su kasnije u Aušvicu ubili nacisti.
Nakon ruske revolucije, balet u Rusiji je sačuvao Anatolij Lunačarski, prvi narodni komesar obrazovanja. Poslije Lunačarskog, povjerenici su dozvolili balet ako je bio svijetao i uzvišen.
Ruski balet je nastavio svoj razvoj tokom sovjetske ere. Nakon revolucije u zemlji je ostao mali broj talentovanih ljudi, ali to je bilo dovoljno za stvaranje nove generacije. Nakon stagnacije 1920-ih, sredinom 1930-ih na sceni se pojavila nova generacija plesača i koreografa.
Tridesetih godina prošlog veka, u Sankt Peterburgu (tada Lenjingradu), Agripina Vaganova je bila umjetnički direktor onoga što se ranije zvalo Carski ruski balet i počeo da ostavlja tragove svog delovanja. Godine 1935. baletska družina je preimenovana u Balet Kirov (danas Balet Mariinsky). Kao umjetnički direktor, Vaganova je nastupala vladinim propisima i promijenio kraj Labuđeg jezera iz tragičnog u uzvišen.
Vaganova je zahtijevala tehničko savršenstvo i preciznost plesa, bila je učenica Petipa i Cecchettija, a prethodno je vodila Carsku baletsku školu, preimenovanu u Lenjingradski državni koreografski institut, koji je obučavao plesače za Balet Mariinsky. 1957., šest godina nakon Vaganove smrti, vlada je preimenovala Lenjingradski državni koreografski institut u Akademiju ruskog baleta. A. Ya. Kada je baletska kompanija Marijinskog teatra počela da putuje u zapadna evropa, Vaganova je već umrla. Vaganova metoda podučavanja baleta poznata je iz njene knjige “Osnove klasične igre”, koja je prevedena na različite jezike.
Balet je bio popularan u javnosti. I moskovska baletska družina Boljšoj teatar i Petrogradska baletska kompanija Marijinskog teatra. Ideološki pritisak doveo je do stvaranja socrealističkih baleta, od kojih većina nije impresionirala javnost i kasnije su isključeni sa repertoara obje kompanije.
Međutim, neka djela ovog doba bila su zapažena. Među njima su Romeo i Julija Sergeja Prokofjeva i Leonida Lavrovskog. Balet Flames of Paris, iako ima sve karakterne osobine umjetnost socijalističkog realizma, prvi je aktivno koristio kor de balet u izvedbi. Uspešna je bila i baletska verzija Bahčisarajske fontane prema pesmi Aleksandra Puškina uz muziku Borisa Asafjeva i koreografiju Rostislava Zaharova.
Čuveni balet Pepeljuga sa muzikom Prokofjeva takođe je proizvod sovjetskog baleta. Tokom sovjetske ere, ove produkcije su bile uglavnom nepoznate izvan Sovjetskog Saveza, a kasnije i u Istočnom bloku. Nakon raspada Sovjetskog Saveza postali su poznatiji.
Nakon što se Ballets Russes pojavio u Francuskoj, balet je stekao veći uticaj, posebno u Sjedinjenim Državama.
Godine 1910. osnovana je prva baletska kompanija u Americi, Chicago Opera Ballet.
Godine 1929. pojavila se Koncertna grupa Aleksandra Doroti, koja je kasnije postala Atlanta Civic Ballet.
Godine 1933. Adolph Bolm je osnovao balet San Franciska.
Iz Pariza, nakon nesuglasica sa Djagilevom, Fokine se preselio u Švedsku, a potom u SAD i konačno se nastanio u New Yorku. Vjerovao je da je tradicionalni balet nešto više od lijepe atletske predstave. Fokinu to nije bilo dovoljno. Osim tehničkog umijeća, zahtijevao je dramatičnost, ekspresivnost i istoričnost. Prema njegovom mišljenju, koreograf bi trebao istražiti doba u kojem se balet postavlja i njegovu kulturu, te napustiti tradicionalnu tutu u korist nošnje primjerene tom dobu.
Fokin je režirao Šeherezadu i Kleopatru. Takođe je redizajnirao Peršun i Žar pticu. Jedno od njegovih najpoznatijih djela je Umirući labud u izvedbi Ane Pavlove. Pored svog talenta kao balerine, Pavlova je imala i pozorišnu sposobnost da odgovara Fokinovoj viziji baleta kao drame.
Mladi plesač i koreograf u Ballets Russes bio je Georgij Melitonovič Balančivadze (1904-1983), čije je ime kasnije promijenjeno u francusko kao George Balanchine. Postavio je nekoliko djela u Ballets Russes, od kojih je najpoznatiji Apollon Musagete (kasnije Apolon) (1928.), klasično delo neoklasicizam. Bio je to jednočinki balet u grčkom stilu. Nakon Djagiljeve smrti, Balanchivadze je napustio Ballets Russes, putovao sam kratko vrijeme, da bi na kraju postao šef kompanije Ballets 1933, koja se, međutim, ubrzo zatvorila. Lincoln Kirstein (1907-1995) pozvao je Balanchivadzea u Ameriku. Kirstein nije znala gotovo ništa o baletima, a Balanchivadze o Americi, osim da se tamo pojavljuju žene koje izgledaju kao Ginger Rogers. Balanchivadze je odlučio prihvatiti ponudu i osnovao balet u Americi. Tada je Kirstein počeo da nabraja balete koje bi volio da vidi u Americi, a prva stavka na listi bila je Pocahontas.
Godine 1933. ili 1934. Kirstein i Balanchivadze su osnovali Školu američkog baleta u Hartfordu u Konnetikutu, koja je iste godine izvela svoju prvu predstavu, novu predstavu pod nazivom Serenada. Balanchivadze je razvio uzornu tehniku u SAD-u, osnivajući školu u Čikagu. Godine 1934. Škola američkog baleta preselila se u New York, što je bilo važnije. Balanchivadze je prilagodio balet novim medijima, filmovima i televiziji. Kao plodan radnik, Balanchivadze je prepravio klasike Labuđe jezero i Uspavana ljepotica i kreirao nove balete. Kreirao je originalne interpretacije Šekspirovih drama - Romea i Julije, Radosnog udovca i Sana letnje noći. U baletu Dragulji, Balanchivadze je prekinuo tradiciju priče i dramatizirao temu umjesto grafičkog prikaza.
Barbara Karinska, emigrantkinja iz Rusije, bila je sposobna krojačica i sarađivala je sa Balančivadzeom. Ulogu kostimografije uzdigla je iz sporedne uloge u važan dio baletske predstave. Uvela je pristrani porub i pojednostavila klasičnu baletsku suknju, dajući plesačima dodatnu slobodu kretanja. Sa skrupuloznom pažnjom na detalje, ukrašavala je suknje perlama, vezom i aplikacijama.
Zahvaljujući Balanchivadzeu, balet je došao u Ameriku. Sada je, dijelom zahvaljujući Balanchivadzeu, balet postao jedna od najočuvanijih igara na svijetu. U Americi postoji popularna zabluda da je balet došao iz Rusije.
Povezane informacije.
Koreografi 19. veka .
Balet (francuski balet, od talijanskog ballo - ples) - vrsta izvedbene umjetnosti; performans čiji je sadržaj oličen u muzičkim i koreografskim slikama. Najčešće se balet zasniva na određenoj radnji, dramskom konceptu, libretu, ali postoje i baleti bez zapleta. Glavne vrste plesa u baletu su klasični ples i karakterni ples. Važnu ulogu ovdje igra pantomima, uz pomoć koje glumci prenose osjećaje likova, njihov "razgovor" jedni s drugima i suštinu onoga što se događa. Moderni balet također naširoko koristi elemente gimnastike i akrobacije. Balet zahtijeva izdržljivost i izdržljivost od svake osobe koja se njime bavi.
Rođenje baleta
Balet je nastao u Italiji u 16. veku. Isprva, kao plesna scena ujedinjena jednom akcijom ili raspoloženjem, epizoda u muzički nastup, opera Pozajmljen iz Italije, dvorski balet je u Francuskoj procvjetao kao veličanstveni ceremonijalni spektakl. Treba razmotriti početak ere baleta u Francuskoj i širom svijeta 15. oktobra 1581. Prvi balet se zvao "Kraljičin komedijski balet" (ili "Cerce"), u koreografiji Italijana Baltazarinija.
Muzička osnova prvih baleta bile su narodne i dvorske igre, koje su bile dio antičke svite. U drugoj polovini 17. vijeka javljaju se novi pozorišni žanrovi, poput komedija-baleta, opere-baleta, u kojima je značajno mjesto pridato baletskoj muzici, te se pokušava dramatizovati. No, balet je postao samostalan oblik scenske umjetnosti tek u drugoj polovini 18. stoljeća zahvaljujući reformama koje je izvršio francuski koreograf Jean Georges Nover. Na osnovu estetike francuskog prosvjetiteljstva kreirao je predstave u kojima se sadržaj otkriva u dramatično ekspresivnim plastičnim slikama, te uspostavio aktivnu ulogu muzike kao „programa koji određuje pokrete i postupke plesača“.
Koreograf- autor i reditelj baleta, igara, koreografskih brojeva, plesnih scena u operi i opereti, direktor baletske trupe. Koreograf postavlja koreografske scene i plesove, kreira sistem pokreta u prostoru pozornice ili plesnog podija, određuje šminku i kostime likova, bira scenografiju i rasvjetu. On sve to podređuje glavnoj ideji, tako da plesni spektakl predstavlja skladnu cjelinu. Priprema za nastup ili ples odvija se tokom proba. Završna faza rada je predstavljanje predstave u prisustvu gledatelja ili snimanje ako se radnja odvija u kinu ili na televiziji.
Poznati koreografi 19. veka
Charles Didelot - jedan od prvih reformatora baleta
Charles (Carl) Louis Didelot(Didelot), francuski koreograf, baletan, pedagog. Jedan od istaknutih plesača i koreografa s kraja 18. i početka 19. stoljeća. Godine 1801. pozvan je kao igrač i koreograf u Sankt Peterburg, gdje je službovao do 1831. (sa pauzom, 1811-1816) i postavio više od 40 baleta. Didelot je nastojao produbiti dramski sadržaj baleta i pojačati emocionalnu i psihološku ekspresivnost slika. Godine 1823. Didelot je postavio za balet (ranije opera i drama)" Kavkaski zatvorenik„Puškin. Od 1804. bio je na čelu Sankt Peterburga dramska škola(studenti - M. I. Danilova, A. I. Istomina, itd.)
Njegov debi dogodio se 22. maja 1788. godine. Na londonskoj sceni postavio je dva jednočinka - "Gospoda milost" i "Ričard Lavlje Srce". Uspjeh je bio toliki da je s nadobudnim koreografom potpisan ugovor na nekoliko sezona. London je okupljao sve više svježih snaga i pružao platformu za eksperimente. Didelotu slavu donijeli su mu baleti: “Ljubav male Pegi”, “Karavan na odmoru”, “Osvećena ljubav”, “Flora i Zefir”, “Srećni brodolom”, “Acis i Galatea” - ukupno jedanaest baleta u pet godina.
Septembra 1801. dolazi u Rusiju sa suprugom i malim sinom. Pozvan je u Sankt Peterburg – a da li je mogao znati da će upravo ovdje ostvariti sve svoje planove, pa i one najfantastičnije?
U početku je zauzeo skromno mjesto u baletskoj trupi, ali je ubrzo stekao takvo ime da je pretekao i Walberga i drugog francuskog koreografa Charlesa Le Pica. Prvi plesač, glavni koreograf, učitelj plesa u baletskoj trupi i u školi - nije li ovo karijera? Ali Didelot je bio vezan za ruke i noge ugovorom s direkcijom carskih pozorišta, u kojem je direktno stajalo da “talentovi gospodina Charlesa Louisa Dideloa... pripadaju isključivo carskoj direkciji”. Bio je obavezan da izvodi sve prve uloge u baletima, trenira soliste, komponuje balete i divertismane, prati trupu gde god je poslata i da bude zadovoljan kostimima koji su mu dali. Ali u trupi i u školi bio je autokratski majstor.
Njegov debi ide Ruska pozornica dogodio se 1802. godine - bio je to balet „Apolon i Dafna“, koji je otvorio čitav ciklus „Anakreontičkih baleta“, koji su ušli u modu još u osamnaestom veku. Nastali su u duhu poezije starogrčki pesnik Anakreont - veselo, pomalo neozbiljno, o ljubavnim podvalama olimpijskih bogova, uz učešće zefira, nimfi, kupida, fauna i drugih fantastičnih likova. Šta je novo doneo Didelot u ovaj žanr?
Ako su ranije Venera i Mars bili "prikazani" u zlatom izvezenim kaftanima i haljinama s karikama, i što je najvažnije, u cipelama s visokom potpeticom, Didelot je ove kostime bacio u đubre. Bez perika, ukosnica, čvrsto vezanih korzeta, teških cipela s kopčama - kostim bi trebao biti lagan i bestežinski, a najbolje od svega ako je tunika u stilu antike. A ispod tunike nosite hulahopke u boji mesa. Ruke, ramena i vrat ostali su goli, kosa je bila vezana u grčki čvor ili olabavljena i ukrašena cvijećem.
Reforma kostima bila je direktno povezana sa promjenama u koreografskoj tehnici. Scenski ples je konačno prestao da bude složeniji oblik salonskog plesa i dobio je obilježja modernog klasičnog plesa sa jasnoćom i jasnoćom linija tijela, većom amplitudom pokreta ruku, tijela i posebno nogu, poletom, što je dovelo do većeg sloboda kretanja. Transformacije u tehnici plesa neminovno su dovele do promena u sistemu obuke, koje je Didelot napravio dok je bio na čelu trupe i baletske škole.
Muški ples bio je prepun visokih i snažnih skokova, okretanja na podu i u zraku te raznih dizanja. Ženski ples je tehnički bio mnogo manje složen - vrijeme špica još nije došlo. Neki umjetnici pokušavali su stajati ne samo na visokim prstima, već i na samom vrhu prstiju. Ali posebne baletne cipele tek treba da budu izmišljene. Plesačica je morala da imitira lijepa slika ili statua, najveća pažnja bila je posvećena njenim rukama. Podrške dueta su takođe bile veoma skromne - plesač je samo povremeno podržavao svoju partnerku, ponekad je podigao do nivoa grudi i nikada je nije bacio u vazduh. Cijeli virtuozni teret pao je na solo muški ples.
Glavna tema elegantnih i poetičnih anakreontičkih baleta bila je ljubav. Ali afektivne i teške konvencije osamnaestog veka zamenjene su klasičnom jasnoćom sadržaja i forme. Na sceni su vladala živa ljudska iskustva. A let duše odgovarao je pravim letovima iznad pozornice.
Didelot se prvi put podigao i uz pomoć istegnute žice natjerao ga da preleti kor de balet i scenografiju izvođača uloge Zephyra u baletu „Zefir i Flora“. Tada su operateri pozornice, opčinjeni njegovim idejama, počeli da razvijaju sisteme od blokova i užadi. Kao rezultat toga, čitave grupe izvođača su letjele na binu i van nje. U baletu Kupidon i Psiha Venera je stigla vazdušnim putem u kočijama koje su vukle živi beli golubovi.
Didelot se osjećao kao vlasnik pozorišta, i to se odrazilo na sve. Prilikom naručivanja muzike kompozitoru je postavio najstrože granice - prvo je odredio sve epizode scenarija, zatim je došao na broj taktova, tempa, orkestracije, a kada su pojedini fragmenti već nekako bili povezani u jedinstvenu cjelinu, Didelot je naredio da se naprave rezovi. Ovaj utilitaristički pogled na ulogu muzike u baletu bio je uobičajen problem u pozorištima ranog devetnaestog veka. Ali ono što je zanimljivo jeste da su žestoke svađe između Didelota i kompozitora Katerina Kavosa dovele do rađanja dobrih nastupa.
Bio je veoma strog učitelj, pa je čak mogao i da tuče neopreznog učenika štapom. Za njega su govorili: lak na nozi i težak na ruci. Najviše su dobili oni koje je smatrao najtalentovanijima. Ali na čudan način, to nije umanjilo entuzijazam - Didelot je znao kako da zarazi baletsku mladost svojom strašću. Veliku pažnju posvetio je glumi - u njegovim produkcijama su uvijek bile male uloge za djecu, a djeca su se dobro nosila sa zadacima.
Ali 1811. Didelot je napustio Sankt Peterburg. Kao razlog naveden je “ozbiljna bolest”. Ovaj razlog nije spriječio koreografa da ode u London i tamo radi do 1816. godine. U Kraljevskom pozorištu postavio je balete „Drvena noga“, „Zefir i Flora“, „Alina, kraljica Golkonde“ i mnoge druge, uključujući i divertisman „Ljuljaška“, koji je uključivao ruske, tatarske, poljske i ciganske plesove.
U ljeto 1816. Didelot se vratio u Rusiju, au avgustu je održana premijera njegovog novog baleta Acis i Galatea. Avdotja Istomina, koja je upravo završila baletsku školu, debitovala je u ulozi Galatee.
Didelot je postavio mnoge balete - mitološke balete, balete iz bajke, sa vilama i magijom, komične balete ("na španski" i "na škotski"), dramske balete - predstave u pet činova sa velikim scenama pantomime. Ali bez obzira na koji se balet Didelot okrenuo, trudio se da prikaže žive likove i sudbine. Doveo je ruski balet do neviđene visine i formirao mnoge ruske koreografske ličnosti: Danilova, Istomin, Telešova, Zubova, Lihutina, Golc, Didije i drugi pevali su balete Dideloa i njegovih učenika.
Korijeni ruskog baleta, kao i svake vrste umjetnosti, leže u plesnom folkloru. Najvjerovatnije su to bili kultni plesovi (sve vrste kola) i igrani plesovi („Pere-dance“, „Kuma, gdje sam bio“ itd.). Ruski balet ne samo da je sačuvao sve estetske kanone, već je postao i trendseter u svijetu baleta.
Porijeklo
IN Kievan Rus na prelazu iz 8. u 9. vek poceli su da se pojavljuju prvi plesaci, profesionalci u svojoj oblasti - bufoni... Posle nekog vremena, kada je Moskva postala prestonica, buffanovi vise nisu bili neminovno muskarci.
U 15.-16. veku, veseli prizori kumera sa licima skrivenim maskama, takozvanih „maškara“, zadivljivali su i iznenađivali posetioce stranca.
U 17. veku istoriju ruskog baleta obeležilo je otvaranje Kremljskog pozorišta. Prema ustaljenoj tradiciji, svaka predstava u ovom pozorištu se uvek završavala intersenima (posebnim predstavama baleta). Ova takozvana predjela izvodili su muškarci obučeni u pompeznu odjeću. Glumci su demonstrirali nekoliko elemenata balskog plesa.
Kraljevska zabava
Prvom baletskom predstavom u punoj veličini u Rusiji smatra se predstava izvedena 8. februara 1673. godine. Ovaj značajan događaj zbio se na dvoru cara Alekseja Mihajloviča i nazvan je „Balet Orfeja i Euridike“. Istorija ruskog baleta opisuje ga kao promenu ceremonijalnih poza, spore plesove, naklone i prelaze. Između njih glumci su govorili naučene riječi ili pjevali. Sve ovo malo je ličilo na pravu pozorišnu predstavu. Bila je to samo kraljevska zabava, mamljiva svojom opskurnošću.
U međuvremenu, I. Gregory, organizator pozorišta, poziva Nikolu Limu da organizuje kurseve pozorišnih veština za kraljevsko pozorište. Najprije je 10 djece plemenitih meštana, a potom 20, uspješno završilo školovanje i prikazalo caru balet „Orfej“ u francuskom stilu.
Zadatak je postavljen
Tek posle četvrt veka Petar I je krenuo u reformu kulturni život Rusija, unosi muziku i ples u život ruskog društva. Odlučuje da umjetnost usađuje u elitne slojeve stanovnika Sankt Peterburga. Da bi to postigao, Petar I zatvara moskovsko pozorište Alekseja Mihajloviča i izdaje revolucionarni dekret. Ovaj dekret skupština obavezao je sve državne institucije da predaju ballroom dancing V obavezno. Ove reforme su položaj plesnog majstora učinile nedostižno visokim. Upravo ovim upravnicima skupština balet duguje pojavu inovacija u baletskim plesnim pokretima koje su stizale iz inostranstva u vidu elemenata iz nacionalnih slovenskih igara.
Autorka V. Krasovskaya („Istorija ruskog baleta“ - Lenjingradska umjetnost, 1978.) smatra da su zahvaljujući energiji i bezbjednosti Petra I, nastupi baletskih trupa, muzičara i operskih umjetnika pozvanih iz inostranstva počeli da se održavaju u dvoranama. .
Početkom 1738. godine u zemlji je organizovana škola baletske umjetnosti, koja je zapravo postala prva. Istorija ruskog baleta ukratko govori o ovom periodu. Završnici škole radili su u baletskim grupama stranih pozorišta kao tzv. figuranti (corps de ballet actors). I tek mnogo kasnije im je dozvoljeno da se pridruže glavnim strankama.
Prva stručna obuka
Cradle modernog baleta Istoričari veruju da je u toj Zemlji radio čuveni Jean Baptiste Lange, koji je sa svojim učenicima priredio tri dvorske baletske predstave. Kao što pokazuje istorija ruskog baleta, one su postale praktično prve baletske predstave koje su bile u skladu sa svim zakonima i normama Kraljevske akademije igre u glavnom gradu Francuske.
Kadeti plemićkog korpusa učestvovali su u akademskoj, lirskoj, polukarakterističnoj, a istovremeno i komičnoj baletnoj predstavi trupe Fessano iz Italije.
Elizabete I, kako ne bi izgubili pripremljene baletani, otvara plesnu školu njenog veličanstva, čiji je prvi prijem bilo 12 djece pučana.
I do kraja 1742. godine, carica je potpisala dekret kojim se naređuje osnivanje baletske trupe ruskih plesača. Tu su se pojavile prve ruske zvijezde - profesionalni baletni igrači: Aksinya Baskakova i Afanasy Toporkov.
Prekidanje mrtve tačke
Smrt Baptiste Landea unosi zabunu u koreografski posao u zemlji. Predstave u režiji Fessana postaju monotone i dosadne burleske. Ovakve produkcije ne privlače publiku.
Istorija ruskog baleta ukratko opisuje taj period. U ovom trenutku u Evropi se postavlja pitanje reforme koreografskog posla. Rousseau i Saint-Mars zahtijevaju da se balerini oslobode svoje pompezne odjeće i maski i perika. Didro snažno preporučuje promjenu priča baletskih predstava. U međuvremenu, John Weaver, ne čekajući opšte promjene, priređuje plesnu predstavu s dobro osmišljenom radnjom, a Georges Nover piše legendarna “Pisma o plesu”.
Ruski balet ne zaostaje mnogo. Pojava Hilferdinga je dokaz za to. Ovaj njemački stručnjak uspostavio je scenske koreografske predstave u Sankt Peterburgu. U Parizu su se baletne predstave pojavile tek 15 godina kasnije. Hilferdingu je pomagao Leopold Paradiso. Već 50-ih godina 18. vijeka stvaraju samostalne baletske predstave.
Početak dramskih produkcija
Prva drama u ruskom baletu pripada A.P. Sumarokovu. Promovirao je pohvalne plesne predstave i komponovao je književnu osnovu za baletske predstave „Utočište vrline“ i „Nove lovorike“.
Gasparo Angiolini, koreograf po pozivu cara, pojačavajući blistavost slovenskih narodnih pesama, postavio je baletsku predstavu „Zabava o Božiću“. Katarina II je visoko pohvalila nastup. Godine 1779. kompletna Zakonodavna komisija odobrila je balet, za koji je muzika pisana na osnovu slovenskog folklora.
Nakon tako ogromnog uspjeha, Angilini je prešao na zabavne pozorišne predstave koje su satirirale aktuelna pitanja. Bili su to panegirici koji su izazvali pometnju: “Trijumfuje Rusija” (hvaljen je poraz turske vojske kod Kagula i Large), “Novi Argonauti” (slavna oda floti Ruskog carstva) i “Razum pobjede” ( Postavljeno je pitanje koje brine sve o potrebi vakcinacije protiv velikih boginja).
Nešto ranije postavljena je prva herojska baletska predstava “Semira”. Od tog trenutka koreografi su počeli da obraćaju veliku pažnju na ekspresivnost baletske igre. Jer plesači mogu istovremeno biti angažovani u zabavnim operskim predstavama nedržavnih pozorišta, iu pseudo-ruskim operskim predstavama, za koje je libreto komponovala sama carica.
Do nove 1778. godine u Sankt Peterburgu (kao što pokazuje istorija ruskog baleta, knjige slikovito opisuju ovaj jedinstveni događaj) publiku očekuju dva pozorišta: komercijalno „Slobodno pozorište“ i dvorsko.
Prve grupe kmetova
U drugoj polovini 18. veka, ovladavanje veštinom plesa postalo je moderno. A već početkom 1773. godine, pod paskom Leopolda Paradisa, u glavnom gradu je otvoren prvi obrazovni centar na bazi Sirotišta, koje je kasnije postalo prvo javno pozorište. Prvi prijem obuhvatio je 60 djece. Yu Bakhrushin u svojim knjigama govori o prvim koreografskim predstavama koje je postavio čuveni Cosimo Meddox.
Povijest ruskog baleta, koju je detaljno proučavao i opisao, u potpunosti otkriva ovaj period plesne umjetnosti. Medox, sa grupom mladih plesača obučenih u Rusiji, nastupao je komične opere, koreografske predstave posvećene stvarni događaji(na primjer, “Zauzimanje Očakova”) i divertissementi.
U tom kontekstu, kmetsko pozorište počelo se naglo razvijati. U poslednjoj deceniji 18. veka već su bile poznate velike grupe glumaca kmetova. Takve grupe imali su Zorich, Golovkina, Apraksin, Šeremetjev, Potemkin i drugi zemljoposjednici.
Isti period obilježen je razvojem i uprizorivanjem ženske plesne tehnike i scenske dekoracije za predstave. Pojavljuje se nova tradicija navedite scenu radnje na sceni, upišite scenografiju realističan stil, primenite igru polusenke i svetlosti.
Proslava ruskog baleta
Istorija ruskog baleta 19. i 20. veka je bogata i raznolika. Početkom 19. veka baletska umetnost dostiže zrelost koju publika ceni. Ruske balerine unose prozračnost, plemenitost i ekspresivnost u svoju koreografiju. To vrlo prikladno primjećuje A. S. Puškin, opisujući ljepotu plesnih pokreta svog suvremenika, zvijezde baletske scene, Istomine: „let ispunjen dušom“ (fraza je postala sinonim za balet). Njeni izrazi lica i prefinjenost plesnih pokreta izazivali su divljenje. Većina gledalaca je otišla
Anastasia Likhutina, Ekaterina Teleshova i Maria Danilova nisu bile ništa manje lepe.
Baletske predstave postaju sve popularnije. Balet, kao umjetnost, postaje privilegovana, a za to se izdvajaju državne subvencije.
Do 60-ih godina prošlog vijeka, kulturna elita je bila prigrljena novonastalim pokretom „realizma“. U rusko pozorište dolazi kriza. Što se tiče koreografskih predstava, to je bilo izraženo u primitivizmu priče koja je prilagođena specifičnom plesu. Balerine koje su postigle savršenstvo nude se da plešu u realističnim predstavama.
Izlazi istorija stvaranja ruskog baleta nova runda. Preporod je započeo Petrom Čajkovskim, koji je prvi napisao muziku za koreografsku produkciju. Po prvi put u istoriji baleta, muzika je postala važna kao i ples. I čak se našao u rangu sa operskom muzikom i simfonijskim kompozicijama. Ako je prije Čajkovskog glazba pisana za plesne elemente, sada je baletski glumac, plastičnošću, pokretom i gracioznošću, nastojao prenijeti muzičko raspoloženje i emociju, pomažući gledaocu da razotkrije zaplet koji je kompozitor prepisao u note. Svijet se još uvijek divi čuvenom Labuđem jezeru.
Koreograf A. Gorsky uneo je elemente moderne režije u svoje predstave i počeo da posvećuje veliku pažnju umetničkom uokvirivanju scene, smatrajući da gledalac treba da bude potpuno uronjen u ono što se dešava na sceni. Zabranio je upotrebu elemenata pantomime. M. Fokin je radikalno preokrenuo situaciju. Oživio je romantični balet i učinio govor tijela u plesu razumljivim i govornim. Prema Fokinu, svaka scenska produkcija treba da bude jedinstvena. To je muzička pratnja, stil i plesni obrazac trebaju biti specifični samo za određenu izvedbu. U prvim godinama 20. veka rasprodate su njegove predstave „Egipatske noći“, „Umirući labud“, „San letnje noći“, „Acis i Galatea“ i druge.
1908. P. poziva Fokina da postane glavni režiser pariskih „Ruskih godišnjih doba“. Zahvaljujući ovom pozivu, Fokin postaje svjetski poznat. I ruski balerinci su svake godine počeli trijumfalno nastupati u glavnom gradu Francuske. Istorija ruskog baleta veliča igrače ruske trupe, čija imena zna ceo svet: Adolf Bolm, Tamara Karsavina, Vaslav Nižinski, itd. I to u vreme propadanja evropskog baleta!
Djagiljev je rizikovao i pobedio. Okupio je trupu mladih i talentovanih baletskih glumaca i dao im slobodu djelovanja. Dozvolio nam je da djelujemo izvan poznatih okvira koje je postavio poznati, ali već prilično ostarjeli Petipa.
Sloboda djelovanja dala je plesačima priliku da otkriju i izraze sebe. Pored ovih revolucionarnih inovacija, Djagiljev je privukao dekoracija njegovi najpoznatiji savremeni umetnici (J. Cocteau, A. Derain, P. Picasso) i kompozitori (C. Debissy, M. Ravel, I. Stravinski). Sada je svaka baletna produkcija postala remek djelo.
Nakon Oktobarske revolucije, mnogi plesači i koreografi napustili su buntovnu Rusiju. Ali jezgro je ostalo. Ruski balet postepeno postaje sve bliži narodu. Stranice istorije tokom perioda formiranja videle su mnogo...
Nakon sredine 20. veka, igrači i koreografi nove generacije vraćaju na scenu zaboravljenu plesnu minijaturu, simfoniju i jednočinki balet. Broj studija i pozorišta počeo je da se stalno povećava.
"Trijumfator", balerina, baletska kritičarka
Čuvena ruska plesačica Vera Mihajlovna Krasovskaja rođena je u Ruskom carstvu 11. septembra 1915. godine. Nakon srednje škole, upisala je i uspješno diplomirala na Lenjingradskoj koreografskoj školi 1933. godine. Studirala je kod čuvene Vaganove Agripine. Od tog vremena do 1941. Krasovskaja je služila u Pozorištu. Kirov. Zauzeta je baletima akademskog repertoara.
Godine 1951. Vera Mihajlovna je diplomirala na postdiplomskim studijama u Lenjingradu. Pozorišni institut njima. A. Ostrovsky, nakon osnovne obuke na Fakultetu za pozorišne studije.
Školu profesionalizma koju je Krasovskaya primila prvo u klasi Agripine Vaganove, zatim u baletnim predstavama Marijinskog teatra, zajedno sa enciklopedijskom bazom znanja, aristokracijom, kulturnim tradicijama i zadivljujućim poznavanjem jezika (francuskog i engleskog), dozvoljeno je da postane sjajan i definitivno najveći kritičar baletske umetnosti.
Godine 1998 sretne vijesti proširio se širom pozorišnog sveta. Nagradu Trijumf primila je Vera Mihajlovna Krasovskaja. Istorija ruskog baleta, o kojoj je kao istoričar umetnosti i kritičarka pričala u knjigama (neke od njih prevedene na strane jezike) i člancima (više od 300), učinila je Veru Mihajlovnu laureatom Russian Prize"Trijumf". Ova nagrada priznaje izvrsnost u umjetnosti i književnosti.
1999. godine preminula je Vera Mihajlovna Krasovskaja.
Epilog
Povijest ruskog baleta sa zahvalnošću čuva imena majstora plesne umjetnosti koji su dali kolosalan doprinos formiranju ruske koreografije. To su poznati C. Didelot, M. Petipa, A. Saint-Leon, S. Diaghilev, M. Fomin i mnogi drugi. A talenat ruskih umjetnika privlačio je i privlači i danas velika količina gledaoci u različite zemlje mir.
Do danas se ruske baletske trupe smatraju najboljim na svijetu.
Posljedica Francuske buržoaske revolucije bila je otpuštanje nepouzdanih stranaca iz državne službe. Kao rezultat toga, ruski balet je mogao da se osloni na svoje osoblje, od kojih je prvi 1786. bio Ivan Walberkh, koji je vodio baletsku školu u Sankt Peterburgu.
Sentimentalizam u baletima I. Walbercha
Fasciniran Karamzinovim sentimentalizmom, Walberg je debitovao 1795. godine baletom Sretno pokajanje. Na osnovu mitoloških zapleta postavio je “moralne balete” koji su trebali probuditi moralna osjećanja. Ovaj koreograf je obratio pažnju na realističnu radnju i kostim. Njegov rad je obustavljen kada je Pavle I naredio da se muški plesači pošalju da služe u vojsci. Međutim, 1799. godine postavio je inovativni balet “New Werther” zasnovan na životu modernog društva.
Didelotovi plesni nastupi - formiranje nacionalnog repertoara
Predstave u stilu carstva francuskog koreografa Dideloa, koji je radio u Rusiji 1801-1811, bile su po ukusu ruskih dvorjana. Njegovi anakreontski baleti „Apolon i Dafna“, „Zefir i Flora“, „Pastir i Hamadrijada“, „Amor i Psiha“ zadivili su svojom gracioznošću (plesači su nastupali u sandalama) i čuvenim grupnim letovima, koje je obezbedila jednostavna scena. mehanika.
Kao rezultat rada ovih koreografa, do 1805. godine nacionalni baletski repertoar. Uskoro slijedi Otadžbinski rat 1812. postala je razlogom za pojavu patriotskih divertismana, u kojima je E.I. blistao u ruskim plesovima. Kolosova. Početkom 19. vijeka pojavili su se baleti zasnovani na zapletima.
Formiranje ruske škole klasičnog plesa
Zahvaljujući radu Didelota, koji je shvatio potrebu za reformom scenskog plesa i smatrao ga glavnim dijelom dramske radnje, formiranje Ruska škola klasičnog plesa.
Didelot je 1808. godine stavio Danilovu na špic. Tehnika prstiju dovela je balerine u glavne uloge.
Među tadašnjim igračima pantomime, ističu se Istomina, kome je A.S. Puškin.
Moskovska baletska škola se fokusirala na produkciju solista, dok je peterburška škola trenirala kor de balet.
Baletski kostim počeo je koristiti ženski steznik u boji, muški bambette i tuniku. Muškarci su počeli da koriste kopnenu i vazdušnu podršku. Balerine su plesale u satenskim baletskim cipelama sa prošivenim prstima. Karakterni plesovi izvodi se u antilop ili kožnim čizmama s potpeticom. Godine 1825. u Moskvi je otvoren Boljšoj Petrovski teatar.
Romantični balet 19. veka u Rusiji
Italijanski koreograf Taglioni želeo je da od svoje ćerke Marije napravi slavnu balerinu, uprkos njenim slabim sposobnostima. Da bi to učinio, modificirao je produkcije, komplikujući ih tehnički i stvarajući romantičnom pravcu. Zvijezda M. Taglionija zasjala je u baletu La Sylphide na muziku Schneizhofera. Godine 1837. ovaj balet je viđen u pozorištu Sankt Peterburga. Paralelno s Taglionijem, E. Sankovskaya je u Moskvi plesala dio La Sylphide. Gledaoci su ih stalno upoređivali, što je doprinosilo napretku umjetnosti. Prethodno prikazane “Fenella” i “La Bayadère in Love” ne mogu se porediti sa ovim djelom. Vrhunac romantičnog baleta bila je Adanova Žizel, koja je osvojila Sankt Peterburg 1842. godine. Njegov tvorac, J. Perrault, ubrzo je počeo da upravlja peterburškom baletskom trupom i postavio „Esmeraldu“, u kojoj je razvio „efikasan“ ples koji pokreće radnju.
Ovaj balet na muziku Pugnija zasnovan na radnji V. Huga otvorio je novu eru baletske umetnosti. Socijalno-realistička orijentacija dodatno je osnažena u sljedećem Perraultovom djelu, baletu „Katarina, razbojnička kći“. Dalje carska cenzura spriječio Perraulta da postavi takve balete. “Rat žena, ili Amazonija 19. stoljeća” izazvao je kritike vlasti nakon “Katarine”. Koreograf je morao da pređe na zabavne teme („Najada i ribar“, „Ovobna žena“, „Marko bomba“, „Kantante“). Međutim, na kraju svoje karijere, Perrault se ozbiljno bavio - postavio je Fausta i Corsair-a.
Izvođači realističkih baleta
Strast Fani Elsler prema španskim narodnim plesovima i njena sposobnost da stvori sliku na sceni doveli su balerinu do svjetske slave. Njena turneja 1848. imala je ogroman uspeh u Rusiji. Moskovska publika joj je aplaudirala za Lizu iz “Uzaludne predostrožnosti” i Olgu u “Ruskom siročetu”. Pod vodstvom N. Peškova (učenika Lobanova), Elsler je učio ruski ples, što je dalo novi zamah razvoj narodne scenske igre. Izvanredna ruska plesačica E. Andrijanova, koja je svojevremeno studirala tehniku u klasi svog oca M. Taglionija, radila je u istom stilu. Nakon Elslerove turneje, počela je da pleše i modifikovane narodne igre („Saltarello“, „Lezginka“ itd.). Njene uloge u "Paquiti" i "Bakhchisarai fontani" njeni su savremenici doživljavali dvosmisleno, ali su ostavile značajan trag u istoriji. Dugim turnejama po pokrajinama i inostranstvu, Andrijanova je promovisala novu koreografsku umetnost.
