Koji je baziran na plesu. Baletna predstava zasnovana je na zapletu koji se zove libreto. Pantomima igra veliku ulogu u baletu. Uz njegovu pomoć, plesači prenose svoja osjećanja i suštinu onoga što se dešava.

Vrste baleta

U početku se samo klasični ples zvao balet, ali se postepeno ovaj koncept počeo širiti na narodne plesove, moderne, karakterne i akrobatske.

Tu je i šou balet sa šarenim dekoracijama i kostimima. Osim ovoga, vrlo popularan pogled umjetnost je balet na ledu, gdje se umjesto baletskih cipela, zvanih pointe cipele, nose klizaljke, a sami umjetnici su profesionalni umjetnički klizači. Balet je divna umjetnička forma, ali zahtijeva određenu dozu izdržljivosti, dobro zdravlje, izdržljivost, snaga volje i naporan rad. Da biste demonstrirali uzdignute pokrete na sceni, morate svakodnevno vježbati u baletnoj dvorani.

Poreklo baleta

Reč "balet" potiče od latinske reči ballo, što znači "plesati". Italija se smatra rodnim mjestom ove vrste umjetnosti. Prve plesne scene pojavile su se u šesnaestom veku. Nakon nekog vremena dvorski balet je postao popularan u Francuskoj. Takva remek-djela kao što je balet „Labuđe jezero” bila su još uvijek veoma daleko, a plesovi koji se izvode u palačama nisu ličili na umjetnost koja se sada može vidjeti na sceni.

Krajem osamnaestog veka baletski kostim postaje kraći i prozračniji, a pojavljuju se i prve špic cipele - profesionalne cipele za balerine.

Počinje popularizacija koreografske umjetnosti, pojavljuju se njeni ljubitelji koji redovno posjećuju nastupe. U to vrijeme nije bilo posebnih institucija koje su se zvale baletsko pozorište, ali se velika pažnja počela poklanjati umjetnosti igre. Veliki kompozitori Ludwig van Beethoven, Leo Delibes, Minkus i drugi počinju da stvaraju romantičnu muziku za balete. Pojavljuju se prve punopravne baletske predstave.

Balet u Rusiji

U Rusiji je publika saznala šta je balet 1673. Tada je, pod carem Aleksejem Mihajlovičem, održana prva baletska predstava. Francuski koreograf-koreograf Charles-Louis Didelot imao je ogroman uticaj na ruski balet. Povezao je ples i pantomimu, pridavao je veliku važnost kor de baletu i stavljao akcenat na solo ženske uloge.

Koreograf Marius Petipa osnažio je rusku baletnu školu i danas je poznato ljubiteljima koreografske umjetnosti. Kraj devetnaestog veka u baletskim krugovima nazivaju „Petipinom erom“.

Tada je u Rusiji grmelo novo ime, koje je imalo ogroman uticaj na svet baleta. Ovo je Mihail Fokin. Postao je pravi reformator i napravio značajne promjene u nastupima. Promijenio je tradicionalnu strukturu baleta i plesnih obrazaca. Fokine je oživio romantične balete kao što je Chopiniana. Njegova muza bila je neuporediva balerina Anna Pavlova. Njen "Labud koji umire" simbol je ruskog baleta s početka dvadesetog veka.

Besmrtna predstava "Labudovo jezero"

Pjotr ​​Iljič Čajkovski je napravio pravi udar baletski svijet. Napisao je muziku za nekoliko baletskih predstava, uključujući svjetski poznati balet Labuđe jezero. Ovo umjetničko djelo čuje svaka osoba, čak i oni koji su potpuno daleko od koreografije.

Najpopularniji balet na svijetu nastao je 1876. godine. Teško je povjerovati da prve dvije predstave nisu imale popularnost i da nisu ostavile utisak na publiku. Veliki kompozitor za života nije doživeo veliki uspeh svog stvaralaštva. Tek 1895. godine na sceni je prikazan oživljeni balet u izvedbi koreografa Leva Ivanova i Mariusa Petipa. Marijinski teatar. Lev Ivanov je oživeo predstavu, prvo postavivši drugi čin, koji je uključivao legendarni ples malih labudova. Mariusu Petipi se svidjela njegova vizija zapleta i počeli su zajedno raditi na produkciji.

Nova verzija baleta "Labudovo jezero" postigla je veliki uspeh. Koreografija dva velika koreografa je klasična svako opersko i baletsko pozorište na svetu vitalnu ulogu u vašem repertoaru.

Savremeni balet

Govoreći o tome šta je balet, ne može se ne spomenuti moderna pozorišna ostvarenja koja se od klasičnog baleta razlikuju po odvažnijim kostimima i opuštenijim pokretima. Ako klasika pretpostavlja stroge i precizne pokrete, onda moderna predstavlja slobodniju plesnu interpretaciju. U modernom baletu pojavili su se novi pokreti koji su postali fleksibilniji i akrobatski. Poznavaoci baleta različito reaguju na inovativnost u koreografiji. Neki ljudi i dalje percipiraju samo klasiku i smatraju da pravu baletsku predstavu treba izvoditi samo na mjestima kao što su opera i baletsko pozorište, dok drugi smatraju da balet, npr. savremeni svet, moraju se razvijati i ne stajati na jednom mjestu.

To je prirodno i prirodno, možete prihvatiti tu činjenicu ili ne, ali to se ne može izbjeći. Moderni balet je višeznačan i višeslojan, a mnogi poznati plesači rado sudjeluju u novim produkcijama u kojima usavršavaju svoje vještine.

Budućnost baleta

Šta je balet? Mnogi kreativni ljudi to vole i razumiju pokrete. Pravi baletoman ne može zamisliti život bez plesa. Neki ljudi vjeruju da su baletske predstave stvorene samo za amatere i ne razumiju u čemu je poenta ove umetnosti. Međutim, ni jedna država na svijetu ne zamišlja kulturni život nema baleta. Ovo je vrsta izvedbene umjetnosti koja će živjeti vječno. Promijenit će se, pojavit će se nove produkcije, novi talentirani koreografi i plesači, novi znalci i samo gledaoci, ali njegova popularnost nikada neće nestati, jer ples je besmrtan.

Poslao copypaster u sri, 15/08/2007 - 01:11

Balet je prilično mlada umjetnost. Stara je nešto više od četiri stotine godina, iako ples od davnina ukrašava ljudski život.

Balet je rođen u sjevernoj Italiji tokom renesanse. Talijanski prinčevi su voljeli raskošne dvorske svečanosti, u kojima je igra zauzimala važno mjesto. Seoski plesovi nisu bili prikladni za dvorske dame i gospodu. Njihovo odelo, kao i dvorane u kojima su plesali, nije dozvoljavalo neorganizovano kretanje. Specijalni učitelji - plesni majstori - pokušali su da zavedu red u dvorskim plesovima. Oni su unaprijed uvježbavali pojedinačne figure i plesne pokrete sa plemićima i vodili grupe plesača. Postepeno je ples postajao sve teatralniji.

Pojam "balet" pojavio se u krajem XVI veka (od italijanskog baleta - plesati). Ali tada to nije značilo nastup, već samo prenošenje plesne epizode određeno raspoloženje. Takvi "baleti" obično su se sastojali od malo međusobno povezanih "izlaznih" likova - najčešće heroja Grčki mitovi. Nakon takvih "izlazaka" počeo je opći ples - "veliki balet".

Prva baletska predstava bila je Kraljičin komedijski balet, koju je 1581. godine u Francuskoj postavio italijanski koreograf Baltazarini di Belgioioso. To se dogodilo u Francuskoj dalji razvoj balet Najprije su to bili baleti pod maskama, a potom pompezni melodramski baleti sa viteškim i fantastičnim zapletima, gdje su plesne epizode zamijenjene vokalnim arijama i recitacijom poezije. Nemojte se iznenaditi, u to vrijeme balet nije bio samo plesna predstava.

Tokom vladavine Louis XIV Poseban sjaj dostigle su predstave dvorskog baleta. Sam Luis je voleo da učestvuje u baletima, a svoj čuveni nadimak "Kralj Sunca" dobio je nakon što je izveo ulogu Sunca u "Baletu noći".

Godine 1661. osnovao je Kraljevsku akademiju za muziku i ples, koja je uključivala 13 vodećih plesnih majstora. Njihova odgovornost je bila očuvanje plesne tradicije. Direktor akademije, kraljevski učitelj plesa Pierre Beauchamp, identificirao je pet glavnih pozicija klasičnog plesa.

Ubrzo je otvorena Pariska opera, a isti Beauchamp je imenovan za koreografa. Pod njegovim vodstvom formirana je baletska trupa. U početku su ga činili samo muškarci. Žene na sceni Paris Opera pojavio se tek 1681.

Pozorište je postavljalo opere i balete kompozitora Lulija i komedije i balete dramskog pisca Molijera. U početku su u njima sudjelovali dvorjani, a predstave se gotovo nisu razlikovale od dvorskih. Plesale su se već spomenute spore menuete, gavote i pavane. Maske, teške haljine i cipele visoke potpetice sprečavala žene da izvode složene pokrete. Stoga su se muški plesovi tada odlikovali većom gracioznošću i elegancijom.

Sredinom 18. vijeka balet je stekao veliku popularnost u Evropi. Svi aristokratski dvorovi Evrope nastojali su da oponašaju luksuz francuskog kraljevskog dvora. Otvoreno u gradovima opere. Brojni plesači i učitelji plesa lako su našli posao.

Ubrzo su, pod uticajem mode, ženski baletski kostimi postali mnogo lakši i slobodniji, a ispod su se videle linije tela. Plesačice su napustile cipele s visokom potpeticom, zamijenivši ih laganim cipelama bez potpetice. Muški kostim je također postao manje glomazan: uske pantalone do koljena i čarape omogućile su da se vidi figura plesača.

Svaka inovacija činila je ples sadržajnijim, a plesnu tehniku ​​višom. Balet se postepeno odvaja od opere i postaje samostalna umjetnost.

Iako je francuska baletska škola bila poznata po svojoj gracioznosti i plastičnosti, odlikovala se određenom hladnoćom i formalnošću izvođenja. Stoga su koreografi i umjetnici tražili druga sredstva izražavanja.

Krajem 18. veka rađa se novi pravac u umetnosti - romantizam, koji je snažno uticao na balet. U romantičnom baletu, plesačica je stajala na špicama. Maria Taglioni je prva to učinila, potpuno promijenivši dosadašnje ideje o baletu. U baletu La Sylphide pojavila se kao krhko stvorenje s onoga svijeta. Uspjeh je bio zapanjujući.

U to vrijeme pojavilo se mnogo divnih baleta, ali, nažalost, romantični balet postao zadnji period procvat plesne umjetnosti na Zapadu. Od drugog polovina 19. veka veka, balet se, izgubivši nekadašnji značaj, pretvorio u dodatak operi. Tek 30-ih godina 20. veka, pod uticajem ruskog baleta, počinje oživljavanje ove umetničke forme u Evropi.

U Rusiji je prva baletska predstava - "Balet Orfeja i Euridike" - postavljena 8. februara 1673. na dvoru cara Alekseja Mihajloviča. Svečani i spori plesovi sastojali su se od promjene gracioznih poza, naklona i pokreta, naizmjenično s pjevanjem i govorom. Nije imao značajniju ulogu u razvoju scenskog plesa. Bila je to samo još jedna kraljevska “zabava” koja je privlačila ljude svojom neobičnošću i novitetom.

Samo četvrt veka kasnije, zahvaljujući reformama Petra I, muzika i ples ušli su u svakodnevni život ruskog društva. U plemićke obrazovne ustanove uvedena je obavezna plesna obuka. Muzičari, operski umjetnici i baletske kompanije.

Godine 1738. otvorena je prva baletska škola u Rusiji, a tri godine kasnije 12 dječaka i 12 djevojčica iz dvorske sluge postali su prvi profesionalni igrači u Rusiji. Najprije su nastupali u baletima stranih majstora kao figure (kako su se zvali kor de baleri), a kasnije i u glavnim ulogama. Timofej Bublikov, divan plesač tog vremena, zablistao je ne samo u Sankt Peterburgu, već i u Beču.

Početkom 19. veka dospela je ruska baletska umetnost kreativna zrelost. Ruski plesači su unijeli izražajnost i duhovnost u ples. Osjećajući to vrlo precizno, A.S. Puškin je nazvao ples svog suvremenika Avdotje Istomine „dušom ispunjenim“.

Balet je u to vrijeme zauzimao privilegiranu poziciju među ostalim vrstama pozorišne umjetnosti. Vlasti su tome posvetile veliku pažnju i dale državne subvencije. Moskovske i peterburške baletske trupe nastupale su u dobro opremljenim pozorištima, a maturanti pozorišnih škola svake godine su se pridruživali osoblju plesača, muzičara i dekoratera.

Arthur Saint-Leon

U istoriji našeg baletskog pozorišta često susrećemo imena stranih majstora koji su odigrali značajnu ulogu u razvoju ruskog baleta. Prije svega, to su Charles Didelot, Arthur Saint-Leon i Marius Petipa. Oni su pomogli u stvaranju ruske baletske škole. Ali talentovani ruski umjetnici su također dali priliku da otkriju talente svojih učitelja. To je uvijek privlačilo najveće koreografe Evrope u Moskvu i Sankt Peterburg. Nigdje na svijetu nisu mogli sresti tako veliku, talentovanu i dobro obučenu trupu kao u Rusiji.

Sredinom 19. vijeka realizam dolazi u rusku književnost i umjetnost. Koreografi su grozničavo, ali bezuspješno, pokušavali stvoriti realistične predstave. Nisu uzeli u obzir da je balet konvencionalna umjetnost i da se baletski realizam bitno razlikuje od realizma u slikarstvu i književnosti. Počela je kriza baletske umjetnosti.

Nova etapa u istoriji ruskog baleta započela je kada je veliki ruski kompozitor P. Čajkovski prvi komponovao muziku za balet. Bilo je to Labuđe jezero. Prije toga, baletsku muziku nisu shvatali ozbiljno. Bila je razmatrana inferiorne vrste muzičko stvaralaštvo, samo pratnja plesu.

Zahvaljujući Čajkovskom, baletska muzika je uz operu i simfonijsku muziku postala ozbiljna umetnost. Ranije je muzika u potpunosti zavisila od plesa, sada je ples morao da se potčini muzici. Bila su potrebna nova izražajna sredstva i novi pristup kreiranju performansa.

Dalji razvoj ruskog baleta povezan je s imenom moskovskog koreografa A. Gorskog, koji je, napuštajući zastarjele tehnike pantomime, u baletskoj izvedbi koristio moderne tehnike režije. Pridajući veliku važnost slikovitom dizajnu performansa, privukao je na rad najbolje umjetnike.

Ali pravi reformator baletske umjetnosti je Mihail Fokin, koji se pobunio protiv tradicionalne konstrukcije baletske predstave. Tvrdio je da tema predstave, njena muzika i doba u kojem se radnja odvija zahtijevaju različite ideje svaki put. plesni pokreti, drugačiji plesni obrazac. Prilikom postavljanja baleta „Egipatske noći“, Fokin je bio inspirisan poezijom V. Brjusova i drevnim egipatskim crtežima, a slike baleta „Petruška“ inspirisane su poezijom A. Bloka. U baletu Dafnis i Kloa napustio je ples na špicama i oživeo drevne freske slobodnim, fleksibilnim pokretima. Njegova Chopiniana oživjela je atmosferu romantičnog baleta. Fokin je napisao da „sanja o stvaranju baletske drame od baletske zabave, a od plesa na razumljivom govornom jeziku“. I uspio je.

Anna Pavlova

Godine 1908. počele su godišnje predstave ruskih baletskih igrača u Parizu u organizaciji pozorišne ličnosti S. P. Djagiljeva. Imena plesača iz Rusije - Vaslava Nižinskog, Tamare Karsavine, Adolfa Bolma - postala su poznata širom sveta. Ali prvo u ovom redu je ime neuporedive Ane Pavlove.

Pavlova - lirska, krhka, sa izduženim linijama tijela, ogromnim očima - evocirala je gravure na kojima su prikazane romantične balerine. Njene heroine su prenosile čisto ruski san o skladnom, produhovljenom životu ili čežnju i tugu zbog nečega neostvarenog. "Umirući labud" kreirao odlična balerina Pavlova, je poetski simbol ruskog baleta s početka 20. veka.

Tada se, pod uticajem veštine ruskih umetnika, zapadni balet uzdrmao i našao drugi vetar.

Nakon Oktobarske revolucije 1917. godine mnoge baletske pozorišne ličnosti su napustile Rusiju, ali uprkos tome, škola ruskog baleta je opstala. Patos kretanja ka novom životu, revolucionarne teme i što je najvažnije prostor za kreativno eksperimentisanje inspirisali su baletne majstore. Pred njima je bio zadatak: približiti koreografsku umjetnost narodu, učiniti je vitalnijom i dostupnijom.

Tako je nastao žanr dramskog baleta. To su bile predstave, obično zasnovane na zapletima poznatih književnih djela, koja su građena po zakonima dramskog izvođenja. Sadržaj je predstavljen kroz pantomimu i figurativni ples. Sredinom 20. veka dramski balet je bio u krizi. Koreografi su nastojali da očuvaju ovaj žanr baleta, povećavajući zabavnu vrijednost predstava uz pomoć scenskih efekata, ali, nažalost, uzalud.

Krajem 1950-ih došlo je do prekretnice. Koreografi i plesači nove generacije oživeli su zaboravljene žanrove - balet u jednom činu, baletna simfonija, koreografska minijatura. A od 1970-ih nastaju nezavisne baletske trupe, nezavisne od operskih i baletskih pozorišta. Njihov broj se stalno povećava, među njima se pojavljuju studiji slobodni ples i modernog plesa.

Balet (od latinskog ballo - igram) je vrsta scenske umjetnosti čiji se sadržaj otkriva u plesnim i muzičkim slikama. Harmonično kombinuje muziku, koreografiju, slikarstvo i izvođačke umetnosti. Glavna izražajna sredstva u baletu su ples i pantomima. Počeci raznih vrsta scenskog plesa (klasični, karakteristični, groteskni) datiraju još od narodni ples. Koreografske predstave, kao i dramske, mogu se podijeliti na tragedije, komedije i melodrame. Mogu biti višečinke ili jednočinke, radnje ili bez zapleta, a mogu biti koreografska minijatura ili koncertna kompozicija.

Od svog pojavljivanja u Evropi u 16. veku. balet je stalno privlačio pažnju istaknute ličnosti pozorišnu umjetnost. Tako je francuski komičar iz 17. veka. J. B. Moliere je u svoje drame uveo baletske scene koje je nazvao komedije-baleti.

Plesove u Molijerovim komedijama-baletima i u operama-baletima J.B. Lullyja koreografirao je Pierre Beauchamp (1636. - oko 1719.). Godine 1661. vodio je Kraljevsku akademiju plesa u Parizu. Beauchamp je uspostavio pet osnovnih pozicija klasičnog plesa (početne pozicije nogu), na kojima se zasniva tehnika klasičnog plesa.

U početku su baletne predstave uključivale ples i mimiku uz vokalne izvedbe i književni tekst.

U 18. vijeku Razvoj baleta kao samostalne umjetničke forme olakšan je djelovanjem mnogih koreografa i izvođača u raznim zemljama. Francuska balerina Marie Salleu (1707-1756) zamijenila je plesačicu tešku, glomaznu odjeću lagana haljina, ne ograničavajući pokrete. Njen savremenik, engleski plesač i koreograf Džon Viver (1673-1760), prvi je počeo da postavlja balete zasnovane na zapletima i napustio je pevanje i recitovanje. Austrijski koreograf Franz Hilferding (1710-1768) uveo je u svoje predstave pouzdane slike narodnog života, stvarne karaktera, putem baleta, istinito otkrivajući svoja iskustva i smisao svojih postupaka. Francuski plesači Louis Dupre (1697-1774) i Marie Camargo (1710-1770) poboljšali su tehniku ​​plesa. Marie Camargo je postigla veću slobodu kretanja skrativši suknju i izbacivši štikle.

Veliki doprinos razvoju baleta dao je francuski koreograf Žan Žorž Nover (1727-1810). U svojim baletima „Psiha i Kupidon“, „Herkulova smrt“, „Medeja i Jason“, „Ifigenija u Tauridi“ i drugim, delovao je kao inovativni reditelj. Stvarao je predstave koje su se odlikovale logikom dramskog razvoja. Osnova njegovih produkcija bila je izražajna plesna pantomima. Veliku važnost pridavao je muzici, smatrajući da ona „treba predstavljati neku vrstu programa koji uspostavlja i predodređuje pokrete i igru ​​svakog igrača“. Nover se zalagao za prirodnost osjećaja i istinitost likova u baletu, a napustio je tradicionalne maske koje su prekrivale lica glumaca. Svoje inovativno režisersko iskustvo teorijski je potkrijepio u knjizi “Pisma o plesu i baletu” (1759), oslanjajući se na estetiku enciklopedističkih filozofa prosvjetiteljstva.

Noverovi učenici i sljedbenici bili su mnogi talentirani koreografi, uključujući Jeana Daubervala (1742-1806), autora sada popularnog baleta " Uzaludna mera predostrožnosti"; Charles Louis Didelot (1767-1837), koji je dugo radio u Rusiji i doprinio promociji ruskog baleta na jedno od prvih mjesta u Evropi.

U 19. vijeku baletsko pozorište je doživjelo i inspirisalo kreativni usponi i drama izumiranja. Godine 1832. talijanski koreograf Filippo Taglioni (1777-1871) postavio je balet La Sylphide (muzika J. Schneizhoffera), koji je označio početak ere romantizma u koreografskoj umjetnosti. Radnje romantičnih predstava govorile su o tome kako, u svojoj vječnoj želji za ljepotom i visokim duhovnim vrijednostima, čovjek dolazi u sukob sa stvarnošću oko sebe i samo u iluzornom svijetu snova može pronaći ideal i pronaći sreću. Taglioni je, razvijajući lirski pravac umjetnosti romantizma, u dramsko tkivo baleta ubacio opsežne plesne dijaloge likova, u kojima su se otkrivala njihova osjećanja i odnosi. U njegovim nastupima kor de balet je razvio i dopunio solistički dio glavni lik, koju je glumila njegova kćerka Marija Taglioni (1804-1884). Inspirisana umetnost ove talentovane balerine ušla je u istoriju baleta. Prva je uvela ples na špicama (na vrhovima prstiju), što je pojačalo ekspresivnost baletske umjetnosti.

Rad francuskog koreografa Jules Josepha Perraulta (1810-1892) personificirao je još jedan pravac baletskog romantizma - dramski. Njegovi junaci su se žestoko borili da brane svoje pravo na ljubav, slobodu i sreću. Perrault je svoje predstave obično postavljao prema zapletima poznatih književnih djela - V. Hugo, G. Heine, J. V. Goethe. Pažljivo je razvijao epizode pantomime, organski ih povezujući s plesom, i trudio se da scene mnoštva učini živahnim i emotivnim. Peraultovi baleti "Žizela" (muzika A. Adama, postavljena zajedno sa koreografom Jeanom Corallijem, (1779-1854) i "Esmeralda" (muzika C. Pugni) i danas krase repertoar mnogih baletskih trupa. Prvi izvođač Žizel je bio Carlotta Grisi (1819 -1899).

Umetnost izuzetne austrijske balerine Fani Elsler (1810-1884) povezuje se sa romantičnim baletom.

Važnu ulogu u razvoju romantičnog baleta odigrao je rad danskog koreografa Augusta Bournonvillea (1805-1879), koji je sa Kraljevskim baletom u Kopenhagenu postavio više od 50 predstava.

Počevši od sredinom 19 V. krizni fenomeni otkrivaju se u zapadnoevropskoj baletskoj umetnosti. Buržoazija ulazi u arenu društveno-političkog života u zapadnoevropskim zemljama. Njeni ukusi postaju odlučujući u umetnosti. A romantične balete sa svojim dubokim sadržajem zamjenjuju pompezni, besmisleni spektakli. Baletske trupe se raspadaju i dolazi do dugotrajnog opadanja. Oživljavanje baletske umjetnosti povezuje se s predstavama u Zapadna Evropa Ruski umjetnici - Ana Pavlova, Mihail Fokin, Tamara Karsavina, Vaslav Nižinski, Serge Lifar i drugi. Ove predstave, koje su imale veliki uspeh i nazvane su Ruska godišnja doba, organizovali su počev od 1907. godine od strane pozorišne ličnosti S. P. Djagiljeva. Ruski balet Djagiljeva doveo je do novih baletskih trupa koje su se ažurirale tradicionalnim oblicima klasični ples.

U 20. veku balet se uspješno razvija u mnogim zemljama svijeta. Izvanredni balet majstori na Zapadu su Ninette de Valois, Frederick Ashton, Margot Fonteyn (Velika Britanija), Roland Petit, Maurice Bejart, Yvette Chauvireux (Francuska), Agnes de Mille, George Balanchine, Jerome Robbins, Robert Joffrey (SAD) i mnogi drugi.

Oni doprinose razvoju baleta socijalističkih zemalja(vidi Pozorište socijalističkih zemalja Komonvelta). Tako je poznata umjetnost baletske trupe talentirane plesačice i koreografa Alisije Alonso, koja je nastala na Kubi 1948. godine. Ova trupa je 1959. godine dobila naziv Nacionalni balet Kube.

U Rusiji je razvoj baletske umjetnosti išao svojim putem. Prvi ruski koreograf bio je Ivan Ivanovič Valberh (Lesogorov) (1766-1819), čiji je rad pokrivao i književne teme i događaje. savremeni život, posebno Otadžbinski rat 1812. Zahvaljujući Walbergu, na ruskoj sceni uspostavljena je prepoznatljiva vrsta nacionalne predstave - divertisment, koji je prikazivao slike iz života ljudi.

Razvoj ruskog baleta olakšao je rad Charles Louis Didelot. Među njegovim učenicima su koreograf Adam Gluškovski (1793-1870), balerine Avdotja Istomina (1799-1848) i Ekaterina Telešova (1807-1857), koju pevaju A. S. Puškin i A. S. Gribojedov. Didelot je obogatio repertoar ruskog baletskog pozorišta predstavama u kojima je osuđivao tiraniju i otkrivao visoke moralne kvalitete običnih ljudi. Postavio je temelje Puškinovom baletu, postavljajući predstavu " Kavkaski zatvorenik, ili Sjena nevjeste" (prema Puškinovoj pjesmi).

Istaknuti predstavnik ruskog romantičnog baleta bila je balerina Ekaterina Sankovskaya (1816-1878), čiju su umjetnost visoko cijenili V. G. Belinski i A. I. Herzen.

Rusko baletsko pozorište je kreativno prerađivalo otkrića zapadnog baleta i u skladu sa njima postavljalo predstave nacionalne tradicije. Tako se na ruskoj sceni sentimentalna priča o Giselle pretvorila u pjesmu o visokom, nesebičnom osjećaju koji pobjeđuje zlo, tamu i smrt. I to je bila značajna zasluga prve izvođačice uloge Giselle u ruskom pozorištu, Elene Andreyanove (1819-1857).

Marius Petipa, koji je u Rusiju došao 1847. godine, postavio je preko 60 baleta na sceni Sankt Peterburga. U svojim predstavama baleta L. Minkusa „Don Kihot“, P. I. Čajkovskog „Uspavana lepotica“ i „Labudovo jezero“ (postavljenih zajedno sa L. I. Ivanovim), A. K. Glazunova „Rajmonda“ i dr., jedinstven stil ruske škole klasični ples, koji karakteriše oličenje sadržaja baletske predstave u savršenim akademskim formama. U Petipinim nastupima nastupili su talentovani ruski plesači - Elena Andrejanova, Pavel Gerdt, Matilda Kšesinskaja, Nikolaj i Sergej Legati, Olga Preobraženskaja, Ana Pavlova, Mihail Fokin...

U isto vrijeme kad i M. Petipa u Petrogradskom Marijinskom teatru (danas Lenjingradsko pozorište opere i baleta po imenu S. M. Kirova), na baletskim predstavama radio je divni koreograf Lev Ivanovič Ivanov (1834-1901). Među njegovim djelima su Polovtsian plesovi u operi A. P. Borodina "Knez Igor", baleti P. I. Čajkovskog "Orašar" i "Labudovo jezero" (zajedno sa M. I. Petipa), a svaki od njih svjedoči o dubokom razumijevanju majstora koreografije muzička dramaturgija djela, o njegovoj želji da sadržaj predstave izrazi u savršenim plastičnim slikama.

Kraj 19. vijeka - ovo je vrijeme inovativnih reformi P. I. Čajkovskog u baletskoj muzici, koje su podržavali i kasnije razvijali drugi kompozitori - A. K. Glazunov, I. F. Stravinski, S. S. Prokofjev. Čajkovski je smatrao da baletska predstava treba da bude strukturirana u skladu sa zakonima muzičke dramaturgije, da izražava najsloženije emocije i doživljaje ljudske duše, afirmiše uzvišenost i poeziju osećanja.

Početkom 20. veka, kada je zapadno baletsko pozorište prolazilo kroz period krize, u Rusiji je, naprotiv, baletska umetnost doživljavala kreativni uzlet. Baletske trupe Marijinskog i Boljšoj teatra uspješno djeluju u Sankt Peterburgu i Moskvi. U Sankt Peterburgu u Marijinskom teatru, igrač i koreograf Mihail Mihajlovič Fokin (1880-1942) vodi kreativno traganje u žanru jednočinka baleta u dva pravca: razvija principe scenskog uprizorenja baleta na osnovu simfonijska muzika(“Chopiniana” na muziku F. Chopena) i istovremeno razvija formu tzv. zapleta balet-drame s pouzdanim tumačenjem događaja, prikazom osjećaja i karaktera likova, njihovih odnosa (“ Egipatske noći” A. S. Arenskog, “Petruška” I. F. Stravinskog, itd.). U Moskvi, u Boljšoj teatru, Aleksandar Aleksejevič Gorski (1871-1924) postavio je svoje predstave. To je bilo vrijeme formiranja Moskovskog umjetničkog pozorišta, na čelu s K. S. Stanislavskim i Vl. I. Nemirovich-Danchenko. Potraga za inovatorima u pozorišnoj umjetnosti očarala je i zarobila mladog Gorskog. I u svojim predstavama “Don Kihot” Minkusa, “Salambo” Arendsa i drugih, nastojao je da primeni principe izvanredni majstori pozorište Produkcije Gorskog odlikovale su se istorijskom tačnošću, preciznošću dramskog razvoja i pažljivo razvijenim karakteristikama likova.

Takvi divni umjetnici kao što su Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky nastupili su u Fokinovim baletnim predstavama u predstavama Gorskog - Ekaterina Geltser, Mikhail Mordkin, Vasily Tikhomirov i drugi.

Nakon Velike oktobarske socijalističke revolucije, u sovjetskoj umjetnosti pojavio se svijetli i originalni fenomen - multinacionalno baletsko pozorište. Razvio se na osnovu ruske škole klasičnog plesa. Uz pomoć talentovanih majstora iz Moskve i Lenjingrada, shvatajući dostignuća ruske baletske škole, savladavajući njen repertoar, figure nacionalnih koreografskih scena izgradile su na ovoj osnovi originalnu zgradu svog pozorišta, kreativno koristeći nacionalne karakteristike i tradiciju umetnosti. Od 20-ih godina. Profesionalne koreografske trupe se formiraju širom sovjetske zemlje. Nacionalna baletska pozorišta su se međusobno obogaćivala kreativno iskustvo jedni druge, uključujući iskustvo ruskog baleta. Baleti K. F. Dankevicha, A. M. Balanchivadzea, K. A. Karaeva, A. P. Skultea, S. A. Balasanyana, F. Z. Yarullina i drugih nacionalnih kompozitora stekli su široku popularnost.

Među istaknutim sovjetskim koreografima koji su doprinijeli razvoju sovjetskog baleta su Fjodor Vasiljevič Lopuhov (1886-1973) i Kasyan Yaroslavich Goleizovski (1892-1970).

Sovjetsku baletnu umjetnost odlikuje dubina i višeznačnost tematskog sadržaja predstava. Razvijanje i obogaćivanje tradicije ruske plesne umjetnosti, Sovjetski majstori okrenuti se prvenstveno kreacijama klasičnih i moderna književnost- Lope de Vega, Šekspir, Balzak, Puškin, Ljermontov, Gogolj, Dostojevski, Lav Tolstoj, Čehov, Kuprin, Grin, Bulgakov, Ajtmatov... Veliki ideološki i filozofski, moralnih problema, isporučeno u najbolji radovi svjetske književnosti, ličnosti sovjetskog baleta nastoje da se ostvare na sceni sredstvima svoje umjetnosti. Tako su, na primjer, kompozitor B.V. Asafiev i koreograf R.V. Zakharov u baletu „Bahčisarajska fontana“ naglasili glavnu ideju istoimene Puškinove pjesme, koju je svojevremeno formulirao V.G kroz visoko osećanje ljubavi.” Rostislav Vladimirovič Zaharov (1907-1984) pokušao je da umjetnost igre učini sredstvom za izražavanje dubokih misli i osjećaja svojstvenih Puškinovom radu u postavljanju baleta.

Veliki interes za prikazivanje unutrašnjeg života osobe jedno je od bitnih karakterističnih svojstava sovjetskog baletskog pozorišta. I bez obzira kojem žanru je predstava pripadala - narodnom istorijskom baletskom romanu („Plamen Pariza“, kompozitor B.V. Asafiev, koreograf V.I. Vainonen), herojska tragedija („Laurencia“, A.A. Crane i V.M. Chabukiani), filozofska i psihološka drama („Romeo i Julija“, S. S. Prokofjev i L. M. Lavrovski), koreografska komedija („Mlada dama-seljanka“, B. V. Asafjev i R. V. Zaharov; „Mirandolina“, S. N. Vasilenko i V. I. Vainonen), balet-skaz, balet -legenda („Kameni cvijet“, S. S. Prokofjev i Yu. N. Grigorovič; „Ikar“, S. M. Slonimsky i V. V. Vasiliev), njeni autori su uvijek rješavali glavni zadatak - najpotpunije predstaviti gledaocu osobu u svom bogatstvu svojim mislima i osećanjima, da kroz plastične slike pokaže put razvoja svog karaktera, njegovog sticanja visokih moralnih načela.

Ovakav pristup prikazivanju junaka koreografske predstave započeo je prvim sovjetskim baletom „Crveni mak“ R. M. Glierea, postavljenim u Boljšoj teatru 1927. godine, povodom 10. godišnjice Oktobarske revolucije. Ekaterina Vasilievna Geltser (1876-1962) stvorila je sliku na baletskoj sceni moderna heroina- Kineska plesačica Tao Hoa, suptilno prenosi svoj duhovni preporod pod uticajem oktobarskih ideja. Ove ideje su u baletu personificirali mornari Sovjetski brod, čija je generalizirana herojsko-patetična slika oličena u velikom narodnom elementu plesa “Jabuka”. Tako je u “Crvenom maku” definirana još jedna odlika sovjetskog baleta - tumačenje herojske teme kao jedne od najvažnijih. Ova tema je naknadno razvijena i obogaćena djelima kao što su već nazvani „Plamen Pariza“, „Laurencia“ itd. Pažljivo osmišljena rediteljska partitura i scene gužve, a solo dijelovi svojim psihologizmom omogućili su zanimljivo otkrivanje nečijeg kreativna individualnost kako kor de baletani tako i izvođači glavnih uloga.

Krajem 60-ih godina. rad na herojskoj temi dobio je novi zamah zahvaljujući inovativnoj produkciji Jurija Nikolajeviča Grigoroviča (r. 1927) baleta „Spartak” A. I. Hačaturjana u Boljšoj teatru. Koreografu je dvosmisleno i duboko razumijevanje figurativne suštine klasičnog plesa pomoglo u stvaranju grandioznog scenskog platna, gdje su događaji antičke povijesti filozofski interpretirani iz perspektive današnje stvarnosti, u složenom preplitanju ljudskih odnosa, radnji, strasti, snažne , otkriveni su značajni likovi, au njihovim sukobima i sukobima razotkriven je krug važnih ideoloških i moralnih problema našeg vremena.

Obogaćivanje baletskog teatra modernim intonacijama, dubinski prikaz likova svojstveni su svim djelima Yu N. Grigoroviča - produkcijama klasičnih baleta P. I. Čajkovskog i A. K. Glazunova i modernih baletskih predstava („Romeo i Julija“). , „Kameni cvet” S. S. Prokofjeva, „Legenda o ljubavi” A. D. Melikova, „Angara” A. Ja. Ešpaja, „Zlatno doba” na muziku D. D. Šostakoviča.

Moderne intonacije karakteristične su za produkcije sovjetskih baleta („Generalni inspektor“, „Vitez u tigrovoj koži“, „Bojni brod Potemkin“) u izvođenju O. M. Vinogradova, glavnog koreografa Lenjingradskog pozorišta opere i baleta im. S. M. Kirov na scenama drugih gradova u našoj zemlji rađaju se zanimljivi baletni radovi.

Izvanredna vještina sovjetskih baletana poznata je u cijelom svijetu.

Balerina Marina Semenova pokazala je mogućnosti klasičnog plesa u svoj njegovoj punoći i sjaju. Stvorila je slike ponosnih, buntovnih heroina u baletima "Labudovo jezero" P. I. Čajkovskog, "Rajmond" A. K. Glazunova, "Plamen Pariza" B. V. Asafjeva.

Jedinstvena umjetnost Galine Ulanove utjelovljuje najbolje karakteristike ruskog baleta - ekspresivnost, dubina, duhovnost, klasično savršenstvo izvođenja. Slike koje je stvorila na sceni Marije („Bahčisarajska fontana” Asafjeva), Žizele („Žizela” A. Adama), Pepeljuge („Pepeljuga” S. S. Prokofjeva), Julije („Romeo i Julija” Prokofjeva) a drugi su nezaboravni.

Umjetnost Natalije Dudinske karakterizira psihološka dubina i emocionalna ekspresivnost. Bila je prva izvođačica glavnih uloga u mnogim sovjetskim baletima.

Odlike talenta Olge Lepešinske bile su optimizam i temperament, koji su se posebno snažno manifestovali u baletima „Don Kihot“ L. Minkusa, „Plamen Pariza“ Asafjeva, „Pepeljuga“ Prokofjeva i dr.

Maya Plisetskaya u svom radu kombinuje tradiciju ruske koreografske škole sa inovativnim težnjama sovjetskog baleta. Balerinina virtuozna vještina oslikana je u mnogim ulogama koje je izvodila u klasičnim i modernim baletnim predstavama. Među njenim najboljim ulogama su Odeta i Odila u “Labuđem jezeru” Čajkovskog, Karmen u “Karmen sviti” Bizea - ​​Ščedrina, Ana Karenjina u istoimenom baletu R. K. Ščedrina itd.

Ples Raise Struchkove pun je jedinstvene gracioznosti i elegancije. Njen umjetnički talenat jasno je došao do izražaja u ulogama Marije, Julije, Pepeljuge, te u bogatom koncertnom repertoaru.

Izvođačke vještine Irine Kolpakove su različite klasična ekspresivnost, lepota oblika. Umjetnost Marine Kondratieve privlači svojom duhovnošću i dubokim lirizmom.

Asaf Messerer je bio odličan izvođač uloga u klasičnim baletima.

Lirski muški ples u sovjetskoj baletskoj umjetnosti našao je svoje najživlje oličenje u stvaralaštvu Konstantina Sergejeva, u ulogama Vaslava (Bahčisarajska fontana Asafjeva), Romea (Romeo i Julija Prokofjeva) i drugih koje je koreografirao cela serija baleti - “Pepeljuga” Prokofjeva, “Put groma” Karaeva...

Herojski princip bio je svojstven umjetnosti Alekseja Ermolajeva (1910-1975), koji je igrao uloge Filipa ("Plamen Pariza"), Tibalta ("Romeo i Julija") i drugih.

Jedna od najistaknutijih ličnosti sovjetske baletske umjetnosti bio je Vakhtang Chabukiani. Potpuno je u elementu plesa, nadahnutog impulsa. U svojim predstavama "Srce planine" A. M. Balanchivadzea, "Otelo" A. D. Machavarianija i temperamentnom izvođenju glavnih uloga u ovim baletima, Chabukiani je potvrdio trijumf herojskog muškog plesa.

Kada Ekaterina Maksimova igra ulogu Kitri u Don Kihotu, njen sjajan ples izražava karakter temperamentne Španjolke. A u baletu "Spartak" A. I. Khachaturiana, ona stvara potpuno drugačiju sliku - nježnu, odanu, a potom i slomljenu ženu.

Vladimir Vasiljev u svom radu kombinuje neshvatljivu virtuoznost i suptilnu glumačku veštinu. Njegov hrabri Spartak i hrabri Ikar prelepi su u istoimenom baletu S. M. Slonimskog, od koga je započela karijera V. Vasiljeva kao koreografa.

Nataliju Bessmertnovu nazivaju "sovjetskom romantičnom balerinom" zbog nadahnutog izvođenja uloga iz klasičnog i modernog repertoara.

Nina Timofeeva, Ljudmila Semenjaka, Gabriela Komleva, Mihail Lavrovski, Maris Liepa, Nikolaj Fadeečev i mnogi drugi umetnici proslavili su školu sovjetskog baleta širom sveta.

Nadežda Pavlova, učenica Permske koreografske škole, na drugom Međunarodno takmičenje nagrađena je baletskim igračima u Moskvi najviša nagrada. Publika srdačno pozdravlja ovu balerinu koja je postala solistica Boljšoj teatar.

Tadžikistanska balerina Malika Sabirova (1942-1982) talentirano je utjelovila temu ljubavi i vjernosti u svom radu. Njene najbolje uloge su uloge u baletima “Žizela”, “Don Kihot”, “Leili i Majnun”.

Talenat Elene Gvaramadze i Vere Tsignadze procvjetao je u sunčanoj Gruziji. Kirgistanska balerina Byubyusara Beishenalieva (1926-1973) ostavila je značajan trag u umjetnosti sovjetskog baletskog pozorišta. Baletska igračica Larisa Sakhyanova, koja je sada postala učiteljica mladih plesnih majstora Burjatije, oduševila je svoju publiku izražajnošću plesa. Istaknuti predstavnici sovjetskog multinacionalnog baleta su ukrajinske plesačice Elena Potapova i Valentina Kalinovskaya. Uzbekistanske balerine Galia Izmailova i Bernard Karieva u svojim su plesovima utjelovile likove oslobođenih žena sovjetskog istoka. Poznata su imena bjeloruskih baletskih plesača Lidije Rjaženove, Ljudmile Bržozovske, Jurija Trojana, azerbejdžanske balerine Gamer Almaszade, jermenskog plesača Vilena Galstjana i mnogih drugih.

Sovjetski balet oduševljeno aplaudira publika na svim kontinentima. Izvanredan Sovjetski umjetnici i čitave baletske trupe moskovskog Boljšoj teatra i Muzičko pozorište nazvan po K. S. Stanislavskom i Vl. I. Nemirovič-Dančenko, Lenjingradsko pozorište imena S. M. Kirova, Kijevsko pozorište T. G. Ševčenka i druga sovjetska pozorišta gostuju u inostranstvu sa velikim uspehom, uvek izazivajući divljenje svojom nenadmašnom umetnošću.

U našoj zemlji se stvaraju nove samostalne koreografske trupe - baletska pozorišta, ansambli klasičnog baleta, kamernog baleta, plastične drame. To pomaže u prepoznavanju novih talenata i pomaže im da dođu u umjetnost.

Balet je žanr instrumentalne i pozorišne muzike. U prevodu sa italijanskog, reč „balet” znači „ples”. Postoje tri glavne komponente baleta: solisti, korps de balet (korps de balet je grupa igrača. Može se uporediti sa horom u operi) i orkestar. Kako je ples povezan sa pozorištem? Vrlo je jednostavno. Svaki balet je zasnovan na nekom književnom delu.

Kao u pozorišna predstava, balet ima svoj scenario, samo što se zove „libreto“. Libreto je napisan samo za balet i operu. Autor prerađuje književno delo, unosi neke izmene u njega, ali ne remeteći tok događaja i čuvajući sve likove. Kada je libreto spreman, kompozitor piše muziku i tako stvara balet. Zatim profesionalni koreografi koreografiraju plesove. Sve što ostaje je da plesači nauče svoje uloge.

U baletu, kao i u pozorištu, postoje kostimi i scenski ukrasi. Sve ovo ima za cilj da gledaocu olakša razlikovanje i prepoznavanje junaka u glumcima.

U baletu su isti glumci kao u pozorišnim predstavama i u operi, samo u operi likovi pevaju svoje monologe i dijaloge, ali u baletu se sve prenosi pokretom i plesom. Likovi komuniciraju kroz ples, pričaju gledaocu svoja iskustva, dijele svoja razmišljanja...
Stranica: 1 od 2 -

Korijeni ruskog baleta, kao i svake vrste umjetnosti, leže u plesnom folkloru. Najvjerovatnije su to bili kultni plesovi (sve vrste kola) i igrani plesovi („Pere-dance“, „Kuma, gdje sam bio“ itd.). Ruski balet ne samo da je sačuvao sve estetske kanone, već je postao i trendseter u svijetu baleta.

Porijeklo

IN Kievan Rus na prelazu iz 8. u 9. vek poceli su da se pojavljuju prvi plesaci, profesionalci u svojoj oblasti - bufoni... Posle nekog vremena, kada je Moskva postala prestonica, buffanovi vise nisu bili neminovno muskarci.

IN XV-XVI vijeka veseli prizori kumera sa licima skrivenim maskama, takozvani „maškari“, zadivili su i iznenađivali strance u poseti.

U 17. veku istoriju ruskog baleta obeležilo je otvaranje Kremljskog pozorišta. Po ustaljenoj tradiciji, svaka predstava u ovom pozorištu se uvek završavala inter-seungsom (posebnim nastupima baletskih igrača). Ova takozvana predjela izvodili su muškarci obučeni u pompeznu odjeću. Glumci su demonstrirali nekoliko elemenata balskog plesa.

Kraljevska zabava

Prvom baletskom predstavom u punoj veličini u Rusiji smatra se predstava izvedena 8. februara 1673. godine. Ovo se desilo značajan događaj na dvoru cara Alekseja Mihajloviča i zvao se „Balet Orfeja i Euridike“. Istorija ruskog baleta opisuje ga kao promenu ceremonijalnih poza, spore plesove, naklone i prelaze. Između njih glumci su govorili naučene riječi ili pjevali. Sve ovo malo je ličilo na pravu pozorišnu predstavu. Bila je to samo kraljevska zabava, mamljiva svojom mračnošću.

U međuvremenu, I. Gregory, organizator pozorišta, poziva Nikolu Limu da organizuje kurseve pozorišnih veština za kraljevsko pozorište. Najprije je 10 djece plemenitih meštana, a potom 20, uspješno završilo školovanje i prikazalo caru balet „Orfej“ u francuskom stilu.

Zadatak je postavljen

Tek nakon četvrt veka, Petar I, krenuvši u reformu kulturnog života Rusije, uveo je muziku i ples u život ruskog društva. Odlučuje da umjetnost usađuje u elitne slojeve stanovnika Sankt Peterburga. Da bi to postigao, Petar I zatvara moskovsko pozorište Alekseja Mihajloviča i izdaje revolucionarni dekret. Ovaj dekret o skupštinama obavezao je sve vladine agencije podučavati plesne plesove obavezno. Ove reforme su položaj plesnog majstora učinile nedostižno visokim. Upravo ovim upravnicima skupština balet duguje pojavu inovacija u baletskim plesnim pokretima koje su stizale iz inostranstva u vidu elemenata iz nacionalnih slovenskih igara.

Autorka V. Krasovskaya („Istorija ruskog baleta“ - Lenjingradska umjetnost, 1978.) smatra da su zahvaljujući energiji i bezbjednosti Petra I, nastupi baletskih trupa, muzičara i operskih umjetnika pozvanih iz inostranstva počeli da se održavaju u dvoranama. .

Početkom 1738. godine u zemlji je organizovana škola baletske umjetnosti, koja je zapravo postala prva. Istorija ruskog baleta ukratko govori o ovom periodu. Završnici škole radili su u baletskim grupama stranih pozorišta kao tzv. figuranti (corps de ballet actors). I tek mnogo kasnije im je dozvoljeno da se pridruže glavnim strankama.

Prva stručna obuka

Povjesničari smatraju da je Sukhuputny kolijevka modernog baleta. Tu je radio i čuveni Jean Baptiste Lange, koji je zajedno sa svojim učenicima postavio tri dvorske baletske predstave. Kao što pokazuje istorija ruskog baleta, one su postale praktično prve baletske predstave koje su bile u skladu sa svim zakonima i normama Kraljevske akademije igre u glavnom gradu Francuske.

Kadeti plemićkog korpusa učestvovali su u akademskoj, lirskoj, polukarakterističnoj, a istovremeno i komičnoj baletnoj predstavi Fessano trupe iz Italije.

Elizabete I, kako ne bi izgubili pripremljene baletani, otvara plesnu školu njenog veličanstva, čiji je prvi prijem bilo 12 djece pučana.

I do kraja 1742. godine, carica je potpisala dekret kojim se naređuje osnivanje baletske trupe ruskih plesača. Tu su se pojavile prve ruske zvijezde - profesionalni baletni igrači: Aksinya Baskakova i Afanasy Toporkov.

Prekidanje mrtve tačke

Smrt Baptiste Landea unosi zabunu u koreografski posao u zemlji. Predstave u režiji Fessana postaju monotone i dosadne burleske. Ovakve produkcije ne privlače publiku.

Istorija ruskog baleta ukratko opisuje taj period. U ovom trenutku u Evropi se postavlja pitanje reforme koreografije. Rousseau i Saint-Mars zahtijevaju da se balerini oslobode svoje pompezne odjeće i maski i perika. Didro snažno preporučuje promjenu priča baletskih predstava. U međuvremenu, John Weaver, ne čekajući opšte promjene, priređuje plesnu predstavu s dobro osmišljenom radnjom, a Georges Nover piše legendarna “Pisma o plesu”.

Ruski balet ne zaostaje mnogo. Pojava Hilferdinga je dokaz za to. Ovaj njemački stručnjak uspostavio je scenske koreografske predstave u Sankt Peterburgu. U Parizu su se baletne produkcije pojavile tek 15 godina kasnije. Hilferdingu je pomagao Leopold Paradiso. Već 50-ih godina 18. vijeka stvaraju samostalne baletske predstave.

Početak dramskih produkcija

Prva drama u ruskom baletu pripada A.P. Sumarokovu. Promovirao je pohvalne plesne predstave i komponovao je književnu osnovu za baletske predstave „Utočište vrline“ i „Nove lovorike“.

Gasparo Angiolini, koreograf po pozivu cara, pojačavajući blistavost slovenskih narodnih pesama, postavio je baletsku predstavu „Zabava o Božiću“. Katarina II je visoko pohvalila nastup. Godine 1779. Zakonodavna komisija u u punoj snazi odobrio balet, za koji je muzika pisana na osnovu slovenskog folklora.

Nakon tako kolosalnog uspjeha, Angilini je prešao na zabavu pozorišne produkcije, koji je ismijavao aktuelna pitanja. Bili su to panegirici koji su izazvali pometnju: „Trijumfuje Rusija“ (hvaljen je poraz turske vojske kod Kagula i Large), „Novi Argonauti“ (slavna oda floti Rusko carstvo) i „Razlog pobjede“ (pokrenuto je pitanje koje brine sve o potrebi vakcinacije protiv velikih boginja).

Nešto ranije postavljena je prva herojska baletska predstava “Semira”. Od tog trenutka koreografi su počeli da obraćaju veliku pažnju na ekspresivnost baletske igre. Jer plesači mogu istovremeno biti angažovani u zabavnim operskim predstavama nedržavnih pozorišta, iu pseudo-ruskim operskim predstavama, za koje je libreto komponovala sama carica.

Do nove 1778. godine u Sankt Peterburgu (kao što pokazuje istorija ruskog baleta, knjige slikovito opisuju ovaj jedinstveni događaj) publiku očekuju dva pozorišta: komercijalno „Slobodno pozorište“ i dvorsko.

Prve grupe kmetova

U drugoj polovini 18. veka, ovladavanje veštinom plesa postalo je moderno. A već početkom 1773. godine, pod paskom Leopolda Paradisa, u glavnom gradu je otvoren prvi obrazovni centar na bazi Sirotišta, koje je kasnije postalo prvo javno pozorište. Prvi prijem obuhvatio je 60 djece. Yu Bakhrushin u svojim knjigama govori o prvim koreografskim predstavama koje je postavio čuveni Cosimo Meddox.

Povijest ruskog baleta, koju je detaljno proučavao i opisao, u potpunosti otkriva ovaj period plesne umjetnosti. Medox je, sa grupom mladih plesača obučenih u Rusiji, nastupio komične opere, koreografske predstave posvećene stvarni događaji(na primjer, “Zauzimanje Očakova”) i divertissementi.

U tom kontekstu, kmetsko pozorište počelo se naglo razvijati. U poslednjoj deceniji 18. veka već su bile poznate velike grupe glumaca kmetova. Takve grupe imali su Zorich, Golovkina, Apraksin, Šeremetjev, Potemkin i drugi zemljoposjednici.

Isti period obilježen je razvojem i uprizorivanjem ženske plesne tehnike i scenske dekoracije za predstave. Pojavljuje se nova tradicija navedite scenu radnje na sceni, upišite scenografiju realističan stil, primenite igru ​​polusenke i svetlosti.

Proslava ruskog baleta

Istorija ruskog baleta 19. i 20. veka je bogata i raznolika. Početkom 19. veka baletska umetnost dostiže zrelost koju publika ceni. Ruske balerine unose prozračnost, plemenitost i ekspresivnost u svoju koreografiju. To vrlo prikladno primjećuje A. S. Puškin, opisujući ljepotu plesnih pokreta svog suvremenika, zvijezde baletske scene, Istomine: „let ispunjen dušom“ (fraza je postala sinonim za balet). Njeni izrazi lica i prefinjenost plesnih pokreta izazivali su divljenje. Većina gledalaca je otišla

Anastasia Likhutina, Ekaterina Teleshova i Maria Danilova nisu bile ništa manje lepe.

Baletske predstave postaju sve popularnije. Balet, kao umjetnost, postaje privilegovana, a za to se izdvajaju državne subvencije.

Do 60-ih godina prošlog vijeka, kulturna elita je bila prigrljena novonastalim pokretom „realizma“. U rusko pozorište dolazi kriza. Što se tiče koreografskih performansa, to je bilo izraženo u primitivizmu priče koja je prilagođena specifičnom plesu. Balerine koje su postigle savršenstvo nude se za ples u realističnim predstavama.

Istorija stvaranja ruskog baleta ulazi u novu fazu. Oživljavanje je počelo sa Petrom Čajkovskim, koji je prvi pisao muziku za koreografski nastup. Po prvi put u istoriji baleta, muzika je postala važna kao i ples. I čak se našla u rangu sa operska muzika i simfonijske kompozicije. Ako je prije Čajkovskog muzika pisana pod plesni elementi, sada baletni glumac, svojom plastičnošću, pokretom i gracioznošću, nastojao je da prenese muzičko raspoloženje i emociju, pomažući gledaocu da odgonetne radnju koju je kompozitor prepisao u note. Svijet se još uvijek divi čuvenom Labuđem jezeru.

Koreograf A. Gorsky uneo je elemente moderne režije u svoje predstave i počeo da posvećuje veliku pažnju umetničkom uokvirivanju scene, smatrajući da gledalac treba da bude potpuno uronjen u ono što se dešava na sceni. Zabranio je upotrebu elemenata pantomime. M. Fokin je radikalno preokrenuo situaciju. Oživio je romantični balet i učinio govor tijela u plesu razumljivim i govornim. Prema Fokinu, svaka scenska produkcija treba da bude jedinstvena. To je muzička pratnja, stil i plesni obrazac trebaju biti specifični samo za određenu izvedbu. Prvih godina 20. veka njegove predstave „Egipatske noći“, „Umirući labud“, „San u letnja noć", "Acis i Galatea" itd.

1908. P. poziva Fokina da postane glavni režiser pariskih „Ruskih godišnjih doba“. Zahvaljujući ovom pozivu, Fokin postaje svjetski poznat. I ruski balerinci su svake godine počeli trijumfalno nastupati u glavnom gradu Francuske. Istorija ruskog baleta veliča igrače ruske trupe, čija imena zna ceo svet: Adolf Bolm, Tamara Karsavina, Vaslav Nižinski, itd. I to u vreme propadanja evropskog baleta!

Djagiljev je rizikovao i pobedio. Okupio je trupu mladih i talentovanih baletskih glumaca i dao im slobodu djelovanja. Dozvolio nam je da djelujemo izvan poznatih okvira koje je postavio slavni, ali već prilično ostarjeli Petipa.

Sloboda djelovanja dala je plesačima priliku da otkriju i izraze sebe. Pored ovih revolucionarnih inovacija, Djagiljev je privukao dekoracija njegovi najpoznatiji savremeni umetnici (J. Cocteau, A. Derain, P. Picasso) i kompozitori (C. Debissy, M. Ravel, I. Stravinski). Sada je svaka baletna produkcija postala remek djelo.

Nakon Oktobarske revolucije, mnogi plesači i koreografi napustili su buntovnu Rusiju. Ali jezgro je ostalo. Ruski balet postepeno postaje sve bliži narodu. Stranice istorije tokom perioda formiranja videle su mnogo...

Nakon sredine 20. veka, igrači i koreografi nove generacije vraćaju na scenu zaboravljenu plesnu minijaturu, simfoniju i jednočinki balet. Broj studija i pozorišta počeo je da se stalno povećava.

"Trijumfator", balerina, baletska kritičarka

Čuvena ruska plesačica Vera Mihajlovna Krasovskaja rođena je u Ruskom carstvu 11. septembra 1915. godine. Poslije srednja škola Upisala je i uspješno završila Lenjingradsku koreografsku školu 1933. godine. Studirala je kod čuvene Vaganove Agripine. Od tog vremena do 1941. Krasovskaja je služila u Pozorištu. Kirov. Zauzeta je baletima akademskog repertoara.

Godine 1951. Vera Mihajlovna je završila postdiplomske studije na Pozorišnom institutu u Lenjingradu. A. Ostrovsky, nakon osnovne obuke na Fakultetu za pozorišne studije.

Školu profesionalizma Krasovskaya je primila prvo u klasi Agripine Vaganove, zatim u baletnim predstavama Marijinskog teatra, zajedno sa zalihom znanja enciklopedijske skale, aristokracije, kulturne tradicije i neverovatno poznavanje jezika (francuskog i engleskog), omogućilo joj je da postane briljantan i definitivno najveći baletski likovni kritičar.

Godine 1998 dobre vijesti proširio se širom pozorišnog sveta. Nagradu Trijumf primila je Vera Mihajlovna Krasovskaja. Istorija ruskog baleta, koju je opisala u knjigama (neke od njih prevedene na strane jezike) i člancima (više od 300) kao istoričarka umetnosti i kritičarka, učinila je Veru Mihajlovnu laureatom besplatne nagrade Ruski trijumf. Ova nagrada priznaje izvrsnost u umjetnosti i književnosti.

1999. godine preminula je Vera Mihajlovna Krasovskaja.

Epilog

Istorija ruskog baleta sa zahvalnošću čuva imena majstora plesne umjetnosti koji su dali kolosalan doprinos formiranju ruske koreografije. To su poznati C. Didelot, M. Petipa, A. Saint-Leon, S. Diaghilev, M. Fomin i mnogi drugi. A talenat ruskih umjetnika privlačio je i privlači i danas ogromna količina gledaoci u različitim zemljama mir.

Do danas se ruske baletske trupe smatraju najboljim na svijetu.