Postoje umjetnička djela koja kao da pogađaju gledaoca preko glave, zapanjujuća i nevjerovatna. Drugi vas uvlače u razmišljanje i potragu za slojevima značenja i tajne simbolike. Neke slike obavijene su tajnama i mističnim misterijama, dok druge iznenađuju previsokim cijenama.

Pažljivo smo pregledali sva najveća dostignuća u svjetskom slikarstvu i od njih odabrali dva tuceta najčudnijih slika. Salvador Dali, čija djela u potpunosti spadaju u format ovog materijala i koji prvi padaju na pamet, nisu namjerno uključeni u ovu zbirku.

Jasno je da je „čudnost“ prilično subjektivan pojam i svako ima svoje nevjerovatne slike koje se izdvajaju od ostalih umjetničkih djela. Bit će nam drago ako ih podijelite u komentarima i ispričate nam nešto o njima.

"Vrisak"

Edvard Munch. 1893, karton, ulje, tempera, pastel.
Nacionalna galerija, Oslo.

"Vrisak" se smatra znamenitim događajem ekspresionizma i jednim od najvažnijih poznate slike u svijetu.

Postoje dva tumačenja prikazanog: sam junak je obuzet užasom i tiho vrišti, pritišćući ruke uz uši; ili junak zatvara uši od vapaja svijeta i prirode koji ga okružuje. Munch je napisao četiri verzije “Vriska”, a postoji verzija da je ova slika plod manično-depresivne psihoze od koje je umjetnik patio. Nakon tretmana na klinici, Munch se nije vratio radu na platnu.

“Šetao sam stazom sa dva prijatelja. Sunce je zalazilo - odjednom je nebo postalo krvavo crveno, zastao sam, osjećajući se iscrpljeno, i naslonio se na ogradu - pogledao sam krv i plamen nad plavičasto-crnim fjordom i gradom. Moji prijatelji su krenuli dalje, a ja sam stajao, drhteći od uzbuđenja, osjećajući beskrajni vrisak koji prodire prirodu”, rekao je Edvard Munch o istoriji nastanka slike.

„Odakle smo došli? Ko smo mi? Gdje idemo?"

Paul Gauguin. 1897-1898, ulje na platnu.
Muzej likovnih umjetnosti, Boston.

Prema samom Gauguinu, sliku treba čitati s desna na lijevo – tri glavne grupe figura ilustruju pitanja postavljena u naslovu.

Tri žene sa djetetom predstavljaju početak života; srednja grupa simbolizira svakodnevno postojanje zrelosti; u poslednjoj grupi, prema umetnikovom planu, “ stara zena, približava se smrti, čini se pomirenom i predanom svojim mislima“, kod njenih nogu „čudna bijela ptica... predstavlja uzaludnost riječi“.

Duboko filozofsku sliku postimpresioniste Paula Gauguina naslikao je na Tahitiju, gdje je pobjegao iz Pariza. Po završetku posla, čak je poželeo da izvrši samoubistvo: „Verujem da je ova slika superiornija od svih mojih prethodnih i da nikada neću stvoriti nešto bolje ili čak slično.“ Poživio je još pet godina, i tako se dogodilo.

"Gernika"

Pablo Picasso. 1937, ulje na platnu.
Muzej kraljice Sofije, Madrid.

Guernica prikazuje scene smrti, nasilja, brutalnosti, patnje i bespomoćnosti, ne navodeći njihove neposredne uzroke, ali su očigledni. Priča se da je 1940. Pablo Picasso pozvan u Gestapo u Pariz. Razgovor je odmah prešao na sliku. "Jesi li ti ovo uradio?" - "Ne, ti si to uradio."

Ogromna freska "Guernica", koju je Picasso naslikao 1937. godine, priča priču o napadu dobrovoljačke jedinice Luftwaffea na grad Gerniku, usljed kojeg je šestohiljadni grad potpuno uništen. Slika je naslikana bukvalno za mesec dana - prvih dana rada na slici Pikaso je radio 10-12 sati, a već na prvim skicama se videlo glavna ideja. Ovo je jedan od najbolje ilustracije noćna mora fašizma, kao i ljudska okrutnost i tuga.

"Portret bračnog para Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, drvo, ulje.
London National Gallery, London.

Čuvena slika u potpunosti je ispunjena simbolima, alegorijama i raznim referencama – sve do potpisa „Jan van Eyck je bio ovdje“, koji je sliku pretvorio ne samo u umjetničko djelo, već u istorijski dokument, potvrđujući realnost događaja na kojem je umjetnik bio prisutan.

Portret, navodno Giovannija di Nicolaa Arnolfinija i njegove supruge, jedno je od najsloženijih djela zapadne škole sjevernorenesansnog slikarstva.

U Rusiji je tokom proteklih nekoliko godina slika stekla veliku popularnost zbog Arnolfinijeve portretne sličnosti sa Vladimirom Putinom.

"Demon sjedi"

Mikhail Vrubel. 1890, ulje na platnu.
Država Tretjakovska galerija, Moskva.

"Ruke mu se odupiru"

Bill Stoneham. 1972.

Ovaj rad se, naravno, ne može svrstati među remek-djela svjetskog slikarstva, ali činjenica da je čudan je činjenica.

Postoje legende oko slike sa dječakom, lutkom i rukama pritisnutim na staklo. Od “ljudi umiru zbog ove slike” do “djeca na njoj su živa”. Slika izgleda zaista jezivo, što izaziva mnogo strahova i nagađanja kod ljudi sa slabom psihom.

Umjetnik je uvjerio da slika sebe prikazuje u dobi od pet godina, da su vrata prikaz linije razdvajanja između stvarnom svijetu i svijet snova, a lutka je vodič koji može voditi dječaka kroz ovaj svijet. Ruke predstavljaju alternativni životi ili mogućnosti.

Slika je postala poznata u februaru 2000. godine kada je stavljena na prodaju na eBayu sa pozadinskom pričom da je slika "ukleta". “Hands Resist Him” je za 1025 dolara kupila Kim Smith, koja je tada jednostavno bila preplavljena pismima jezive priče i zahteva da se slika spali.

Svijet je pun kreativni ljudi i svaki dan se pojavljuju stotine novih slika, pišu nove pjesme. Naravno, u svijetu umjetnosti ima pogrešnih koraka, ali postoje remek-djela pravih majstora koja jednostavno oduzimaju dah! Danas ćemo vam pokazati njihov rad.

Olovka proširena stvarnost

Fotograf Ben Heine nastavio je raditi na svom projektu, koji je mješavina crteži olovkom i fotografije. Prvo, on pravi rukom skicu olovkom na papiru. Zatim fotografira crtež na pozadini stvarnog objekta i dorađuje rezultirajuću sliku u Photoshopu, dodajući kontrast i zasićenost. Rezultat je magija!

Ilustracije Alisa Makarova

Alisa Makarova je talentovana umjetnica iz Sankt Peterburga. U doba kada se većina slika stvara pomoću kompjutera, interesovanje našeg sunarodnika za tradicionalne oblike slikanja izaziva poštovanje. Jedan od njenih najnovijih projekata je triptih “Vulpes Vulpes” u kojem možete vidjeti šarmantne vatrene crvene lisice. Ljepota, i to je sve!

Fino graviranje

Drveni umjetnici Paul Rodin i Valeria Lu najavili su stvaranje nove gravure pod nazivom "Moljac". Mukotrpan rad a vrhunsko umijeće autora ne ostavlja ravnodušnim ni najtvrdoglavije skeptike. Otisak će biti predstavljen na predstojećoj izložbi u Bruklinu 7. novembra.

Crteži hemijska olovka

Verovatno je svako bar jednom tokom predavanja, umesto da zapiše reči nastavnika, nacrtao razne figure u svesci. Nije poznato da li je umjetnica Sarah Esteje bila jedna od ovih studentica. Ali činjenica da su njeni crteži hemijskom olovkom impresivni - neosporna činjenica! Sarah je jednostavno dokazala da vam nisu potrebni posebni materijali da biste napravili nešto zaista zanimljivo.

Nadrealni svetovi Artema Čebohe

Ruski umjetnik Artem Chebokha stvara nevjerovatne svjetove u kojima postoje samo more, nebo i beskrajna harmonija. Za svoje nove radove umjetnik je odabrao vrlo poetične slike - lutalica koji putuje kroz nepoznata mjesta i kitove koji kruže u oblačnim valovima - let mašte ovog majstora jednostavno je neograničen.

Spot portreti

Neki ljudi razmišljaju o tehnici poteza kistom, drugi o kontrastu svjetla i sjene, ali umjetnik Pablo Jurado Ruiz slika tačkama! Umjetnik je razvio ideje žanra pointilizma, svojstvene autorima ere neoimpresionizma, i stvorio vlastite sopstveni stil, gdje detalji odlučuju apsolutno o svemu. Hiljade dodira papira rezultiraju realistični portreti, koji samo želite da pogledate.

Slike sa disketa

U eri kada mnoge stvari i tehnologije zastarevaju brzinom ekspresnog voza koji prolazi, prilično je uobičajeno da se riješite nepotrebnog smeća. Međutim, kako se pokazalo, nije sve tako tužno, a stari predmeti mogu se koristiti za izradu vrlo savremeni rad art. engleski umjetnik Nick Gentry je skupljao kvadratne diskete od prijatelja, uzeo teglu boje i na njima nacrtao zadivljujuće portrete. Ispalo je veoma lepo!

Na granici realizma i nadrealizma

Berlinski umjetnik Harding Meyer voli slikati portrete, ali kako ne bi postao još jedan hiperrealist, odlučio je eksperimentirati i stvorio seriju portreta na granici stvarnosti i nadrealizma. Ovi radovi nam omogućavaju da ljudsko lice posmatramo kao nešto više od „suvog portreta“, ističući njegovu osnovu – sliku. Kao rezultat ovakvih pretraga, Hardingov rad primijetila je Galerija moderne umjetnosti u Minhenu, koja će 7. novembra izložiti umjetnikov rad.

Slikanje prstima na iPadu

Mnogi savremeni umetnici eksperimentišu sa materijalima za kreiranje slika, ali Japanac Seikou Yamaoka ih je sve nadmašio koristeći svoj iPad kao platno. Jednostavno je instalirao aplikaciju ArtStudio i počeo ne samo crtati, već i reproducirati najpoznatija umjetnička djela. Štaviše, on to ne radi nekim posebnim kistovima, već prstom, što izaziva divljenje čak i kod ljudi daleko od svijeta umjetnosti.

Slikanje "drvo".

Koristeći sve, od mastila do čaja, umjetnica za drvo Mandy Tsung stvorila je zaista očaravajuće slike ispunjene strašću i energijom. Odabrala je za svoju glavnu temu misteriozna slikažene i njihov položaj u savremenom svijetu.

Hiperrealista

Svaki put kada nađete radove hiperrealističkih umjetnika, nehotice se zapitate: „Zašto oni sve to rade?“ Svaki od njih ima svoj odgovor na ovu i ponekad prilično kontradiktornu filozofiju. Ali umjetnik Dino Tomić to otvoreno kaže: "Ja samo jako volim svoju porodicu." Slikao je danonoćno i trudio se da ne promakne nijedan detalj sa portreta svojih rođaka. Za jedan takav crtež trebalo mu je najmanje 70 sati rada. Reći da su roditelji bili oduševljeni znači ništa ne reći.

Portreti vojnika

18. oktobra u Londonska galerija Galerija Opera otvorila je izložbu radova Joea Blacka pod nazivom „Načini gledanja“. Za stvaranje svojih slika, umjetnik je koristio ne samo boje, već i najviše neobičnih materijala- vijci, značke i još mnogo toga. Međutim, glavni materijal su bili... vojnici igračke! Najviše zanimljivi eksponati Izložba uključuje portrete Baracka Obame, Margaret Thatcher i Mao Zedonga.

Senzualni portreti u ulju

Korejska umjetnica Lee Rim prije nekoliko dana nije bila toliko poznata, ali njene nove slike “Girls in Paint” izazvale su širok odjek i odjek u svijetu umjetnosti. Lee kaže: " Glavna tema Moj posao su ljudske emocije i psihičko stanje. Iako živimo u različitim sredinama, u određenom trenutku osjećamo se isto kada gledamo u predmet." Možda zato, gledajući njen rad, želim da razumem ovu devojku i da uđem u njene misli.

2. Paul Gauguin „Odakle smo došli? Ko smo mi? Gdje idemo?"

897-1898, ulje na platnu. 139,1×374,6 cm
Muzej likovnih umjetnosti, Boston

Duboko filozofska slika postimpresioniste Paula Gauguina naslikana je na Tahitiju, gdje je pobjegao iz Pariza. Po završetku posla, čak je želio da izvrši samoubistvo, jer je vjerovao: “Vjerujem da ova slika ne samo da nadmašuje sve moje prethodne, već da nikada neću stvoriti nešto bolje ili čak slično.”

U ljeto kasnih 80-ih godina prošlog vijeka, mnogi Francuski umjetnici okupljeni u Pont-Avenu (Bretanja, Francuska). Okupili su se i gotovo odmah se podijelili u dvije neprijateljske grupe. U jednoj grupi su bili umjetnici koji su krenuli putem traganja i koje je ujedinio zajednički naziv „impresionisti“. Prema drugoj grupi, koju je predvodio Paul Gauguin, ovo ime je bilo uvredljivo. P. Gauguin je tada već imao manje od četrdeset godina. Okružen misterioznom aurom putnika koji je istraživao strane zemlje, imao je bogato životno iskustvo i poštovaoce i imitatore njegovog dela.

Oba tabora su podijeljena na osnovu njihovog položaja. Dok su impresionisti živjeli na tavanima ili potkrovljima, drugi umjetnici su zauzimali najbolje sobe hotela Gloanek i večerali u najvećoj i najljepšoj sali restorana, gdje pripadnici prve grupe nisu smjeli. Međutim, sukobi među frakcijama ne samo da nisu spriječili P. Gauguina u radu, već su mu donekle pomogli da shvati one osobine koje su izazvale nasilan protest. Odbacivanje analitičke metode impresionista bila je manifestacija njegovog potpunog preispitivanja zadataka slikarstva. Želja impresionista da zahvate sve što vide, sam njihov umjetnički princip - da svojim slikama daju izgled nečeg slučajno uočenog - nije odgovarao vlastoljubivoj i energičnoj prirodi P. Gauguina.

Još manje je bio zadovoljan teorijskim i umjetničkim istraživanjima J. Seurata, koji je nastojao da slikarstvo svede na hladnu, racionalnu upotrebu naučnih formula i recepata. Poentilistička tehnika J. Seurata, njegova metodična primjena boje unakrsnim potezima kista i tačkicama iritirala je Paula Gauguina svojom monotonijom.

Boravak umjetnika na Martiniqueu među prirodom, koja mu se činila luksuznim, bajkovitim tepihom, konačno je uvjerio P. Gauguina da na svojim slikama koristi samo neraspadnutu boju. Zajedno s njim, umjetnici koji su dijelili njegova razmišljanja proglasili su "Sintezu" kao svoj princip - odnosno sintetičko pojednostavljivanje linija, oblika i boja. Svrha ovog pojednostavljenja je bila da se prenese utisak maksimalnog intenziteta boje i da se izostavi sve ono što takav utisak slabi. Ova tehnika je bila osnova starog dekorativnog slikarstva fresaka i vitraža.

P. Gauguin je bio veoma zainteresovan za pitanje odnosa boje i boja. U svom slikarstvu nastojao je da izrazi ne slučajno i ne površno, već trajno i suštinsko. Za njega je zakon bio samo stvaralačka volja umjetnika, i to njegova vlastita umetnički zadatak video je u izrazu lica unutrašnja harmonija, koju je shvatio kao sintezu iskrenosti prirode i raspoloženja umjetnikove duše, uznemirene tom iskrenošću. Sam P. Gauguin je o tome govorio ovako: „Ne uzimam u obzir istinu prirode, vidljivu spolja... Ispravite ovu lažnu perspektivu, koja zbog svoje istinitosti iskrivljuje subjekt... Treba izbjegavati dinamiku. Neka sve Dišite sa sobom mir i duševni mir, izbegavajte pokretne poze... Svaki od likova treba da bude u statičkom položaju." I skratio je perspektivu svojih slika, približio je avionu, razmjestio figure u frontalnom položaju i izbjegao ramus. Zato su ljudi koje prikazuje P. Gauguin na slikama nepomični: oni su poput kipova isklesanih velikim dlijetom bez nepotrebnih detalja.

Period zrela kreativnost Gauguinovo stvaralaštvo počelo je na Tahitiju, i tu je problem umjetničke sinteze dobio svoj puni razvoj. Na Tahitiju je umjetnik napustio mnogo od onoga što je znao: u tropima su forme jasne i jasne, sjene su teške i vruće, a kontrasti su posebno oštri. Ovdje su svi zadaci koje je postavio u Pont-Avenu riješeni sami od sebe. Boje P. Gauguina postaju čiste, bez poteza kistom. Njegove tahićanske slike su impresivne orijentalni tepisi ili freske, boje u njima su tako harmonično dovedene u određeni ton.

Čini se da je rad P. Gauguina iz tog perioda (što znači prvi posjet umjetnika Tahitiju) divna bajka, koju je doživio među primitivnom, egzotičnom prirodom daleke Polinezije. U oblasti Mataye pronalazi malo selo, kupuje sebi kolibu s jedne strane koje prska okean, a s druge se vidi planina sa ogromnom pukotinom. Evropljani još nisu stigli ovamo, a P. Gauguinu se život činio stvarnim zemaljski raj. Pokorava se sporom ritmu tahićanskog života, upija svijetle boje plavo more, povremeno prekriveno zelenim valovima koji bučno udaraju o koralne grebene.

Od prvih dana umjetnik je uspostavio jednostavne, ljudske odnose sa Tahićanima. Djelo počinje sve više osvajati P. Gauguina. Pravi brojne skice i skice iz života, u svakom slučaju nastoji da na platnu, papiru ili drvetu uhvati karakteristična lica Tahićana, njihove figure i poze - u toku rada ili za vrijeme odmora. U tom periodu stvorio je svjetski poznate slike “Duh mrtvih se budi”, “Jesi li ljubomoran?”, “Razgovor”, “Tahićanske pastorale”.

Ali ako mu se 1891. put do Tahitija činio blistav (putovao je ovamo nakon nekog umetničke pobede u Francuskoj), tada je po drugi put otišao na svoje voljeno ostrvo kao bolesnik koji je izgubio većinu svojih iluzija. Sve ga je na putu iritiralo: prisilna zaustavljanja, beskorisni troškovi, neugodnosti na putu, carine, nametljivi suputnici...

Nije bio na Tahitiju samo dvije godine, a ovdje se mnogo toga promijenilo. Evropski napad uništio je prvobitni život domorodaca, sve se P. Gauguinu čini nepodnošljivom zbrkom: električno osvetljenje u Papeeteu - glavnom gradu ostrva, i nepodnošljivi vrtuljci u blizini kraljevskog zamka, i zvuci fonografa koji remete nekadašnju tišinu .

Ovaj put umjetnik se zaustavlja u području Punoauie, na zapadna obala Tahiti, na iznajmljenom placu, gradi kuću sa pogledom na more i planine. U nadi da će se čvrsto učvrstiti na ostrvu i stvoriti uslove za rad, ne štedi u uređenju doma i uskoro, kako to često biva, ostaje bez novca. P. Gauguin je računao na prijatelje koji su, pre nego što je umetnik napustio Francusku, od njega pozajmili ukupno 4.000 franaka, ali im se nije žurilo da ih vrate. Uprkos tome što im je slao brojne podsjetnike na svoju dužnost, žalio se na svoju sudbinu i izuzetno težak položaj...

Do proljeća 1896. umjetnik se nalazi u stisku najteže potrebe. Tome se dodaje i bol u slomljenoj nozi, koja postaje prekrivena čirevima i uzrokuje mu nepodnošljivu patnju, lišava sna i energije. Pomisao na uzaludnost napora u borbi za postojanje, na neuspjeh svih umetničkih planova tjera ga da sve češće razmišlja o samoubistvu. Ali čim P. Gauguin osjeti i najmanje olakšanje, umjetnikova priroda ga obuzima, a pesimizam se raspline pred radošću života i stvaralaštva.

Međutim, bili su retki trenuci, a nesreće su se nizale jedna za drugom katastrofalnom redovnošću. A najstrašnija vijest za njega bila je vijest iz Francuske o smrti njegove voljene kćeri Aline. Ne mogavši ​​da preživi gubitak, P. Gauguin je uzeo ogromnu dozu arsena i otišao u planine da ga niko ne zaustavi. Pokušaj samoubistva doveo je do toga da je noć proveo u strašnoj agoniji, bez ikakve pomoći i potpuno sam.

Umjetnik je dugo bio u potpunoj prostraciji i nije mogao držati kist u rukama. Jedina utjeha mu je bilo ogromno platno (450 x 170 cm), koje je naslikao prije pokušaja samoubistva. Sliku je nazvao "Odakle dolazimo? Ko smo mi? Kuda idemo?" a u jednom od svojih pisama napisao je: „Prije nego što sam umro, uložio sam u to svu svoju energiju, tako žalosnu strast u mojim strašnim okolnostima i viziju tako jasnu, bez ispravke, da su tragovi žurbe nestali i sav život bio vidljiv u tome."

P. Gauguin je radio na slici u strašnoj napetosti, iako je ideju za nju dugo gajio u svojoj mašti, ni sam nije znao tačno kada je ideja o ovoj slici nastala. Pojedine fragmente ovog monumentalnog djela napisao je u različite godine i u drugim radovima. Na primjer, ženska figura iz „Tahitske pastorale” se ponavlja na ovoj slici pored idola, centralna figura berača voća pronađena je na zlatnoj skici „Čovek koji bere voće sa drveta”...

Sanjajući o proširenju mogućnosti slikarstva, Paul Gauguin je nastojao da svojoj slici da karakter freske. U tu svrhu ostavlja dva gornja ugla (jedan s naslovom slike, drugi s potpisom umjetnika) žutim i neispunjenim slikom – „kao freska oštećena na uglovima i postavljena na zid od zlata“.

U proleće 1898. poslao je sliku u Pariz, a u pismu kritičaru A. Fontaineu je rekao da mu je cilj „ne da stvori složen lanac genijalnih alegorija koje bi trebalo rešiti. Naprotiv, alegorijski sadržaj slike je krajnje jednostavan – ali ne u smislu odgovora na postavljena pitanja, već u smislu same formulacije ovih pitanja.” Paul Gauguin nije namjeravao odgovarati na pitanja koja je postavio u naslovu slike, jer je vjerovao da su ona bila i da će biti najstrašnija i najslađa zagonetka za ljudsku svijest. Dakle, suština alegorija prikazanih na ovom platnu leži u čisto slikovitom utjelovljenju ove misterije skrivene u prirodi, svetom užasu besmrtnosti i misteriji postojanja.

Prilikom svoje prve posete Tahitiju, P. Gauguin je gledao na svet oduševljenim očima velikog deteta-ljudi, za koje svet još nije izgubio svoju novinu i bujnu originalnost. Njegovom djetinjasto uzvišenom pogledu otkrivale su se u prirodi druge nevidljive boje: smaragdna trava, safirno nebo, ametist sunce, rubin cvijeće i crveno zlato maorske kože. Tahićanske slike P. Gauguina ovog perioda blistaju plemenitim zlatnim sjajem, poput vitraža gotičkih katedrala, svjetlucaju kraljevskim sjajem vizantijskih mozaika i mirišu bogatim razlivanjem boja.

Usamljenost i duboki očaj koji su ga obuzeli prilikom njegove druge posjete Tahitiju natjerali su P. Gauguina da sve vidi samo u crnom. Međutim, majstorov prirodni njuh i njegovo oko kolorista nisu dozvolili umjetniku da potpuno izgubi ukus za život i njegove boje, iako je stvorio sumorno platno, naslikao ga u stanju mističnog užasa.

Dakle, šta ova slika zapravo sadrži? Poput orijentalnih rukopisa, koje treba čitati s desna na lijevo, sadržaj slike se odvija u istom smjeru: korak po korak otkriva se tok ljudski život- od nastanka do smrti, koja nosi strah od nepostojanja.

Pred posmatračem, na velikom, horizontalno razvučenom platnu, prikazana je obala šumskog potoka, u čijim se tamnim vodama ogledaju tajanstvene, neodređene sjene. Na drugoj obali je gusto, bujno tropsko rastinje, smaragdne trave, gusto zeleno grmlje, čudno plavo drveće, koje „raste kao da ne na zemlji, nego u raju“.

Stabla se čudno uvijaju i isprepliću, formirajući čipkastu mrežu kroz koju se u daljini vidi more sa bijelim grebenima obalnih valova, tamnoljubičasta planina na susjednom otoku, plavo nebo - „spektakl djevičanska priroda, što bi moglo biti raj."

Na bliskom snimku slike, na tlu, bez ikakvih biljaka, grupa ljudi nalazi se oko kamene statue božanstva. Likove ne spaja nijedan događaj ili zajednička radnja, svaki je zauzet svojim i uronjen u sebe. Mir uspavane bebe čuva veliki crni pas; "tri žene, čučeći, kao da slušaju sebe, zaleđene u iščekivanju neke neočekivane radosti. Mladić koji stoji u sredini sa obe ruke vadi plod sa drveta... Jedna figura, namerno ogromna, protivno zakonima perspektive... podiže ruku, iznenađeno gledajući dva lika koji se usuđuju razmišljati o svojoj sudbini."

Pored statue, usamljena žena, kao mehanički, ide u stranu, uronjena u stanje intenzivnog, koncentrisanog odraza. Ptica se kreće prema njoj na zemlji. Na lijevoj strani platna, dijete koje sjedi na zemlji prinosi ustima voće, mačka skuta iz činije... A gledalac se pita: "Šta sve ovo znači?"

Na prvi pogled, izgleda svakodnevni život, ali, pored direktnog značenja, svaka slika nosi i poetsku alegoriju, nagoveštaj mogućnosti figurativne interpretacije. Na primjer, motiv šumskog potoka ili izvorske vode koja izbija iz zemlje je Gauguinova omiljena metafora za izvor života, misteriozni početak postojanja. Beba koja spava predstavlja čednost u zoru ljudskog života. Mladić koji bere voće sa drveta i žene koje sjede na zemlji s desne strane utjelovljuju ideju organskog jedinstva čovjeka s prirodom, prirodnosti njegovog postojanja u njoj.

Čovek sa podignutom rukom, koji iznenađeno gleda svoje prijatelje, prvi je tračak zabrinutosti, početni impuls da se spoznaju tajne sveta i postojanja. Drugi otkrivaju drskost i patnju ljudskog uma, misteriju i tragediju duha, koji su sadržani u neminovnosti čovjekovog saznanja o svojoj smrtnoj sudbini, kratkoći zemaljskog postojanja i neminovnosti kraja.

Sam Paul Gauguin je dao mnoga objašnjenja, ali je upozorio na želju da se u njegovoj slici vide općeprihvaćeni simboli, da se slike previše jednostavno dešifriraju, a još više da se traže odgovori. Neki istoričari umetnosti veruju da je umetnikovo depresivno stanje, koje ga je dovelo do pokušaja samoubistva, bilo izraženo u strogom, lakoničnom umjetnički jezik. Napominju da je slika preopterećena sitnih detalja, koji generalni plan ne pojašnjavaju, već samo zbunjuju gledaoca. Čak ni objašnjenja u majstorovim pismima ne mogu rastjerati mističnu maglu koju je stavio u ove detalje.

Sam P. Gauguin je svoj rad smatrao duhovnim testamentom, pa je možda zato slika postala slikovna pjesma, u kojoj su određene slike pretvorene u uzvišenu ideju, a materija u duh. Radnjom platna dominira poetsko raspoloženje, bogato suptilnim nijansama i unutrašnje značenje. Međutim, raspoloženje mira i milosti već je obavijeno maglovitom tjeskobom kontakta sa tajanstvenim svijetom, rađajući osjećaj skrivene tjeskobe, bolne nerješivosti skrivenih misterija postojanja, misterije dolaska osobe na svijet. i misterija njegovog nestanka. Na slici je sreća pomračena patnjom, duhovna muka oprana je slatkoćom fizičkog postojanja - „zlatni užas, prekriven radošću“. Sve je neodvojivo, kao i u životu.

P. Gauguin namjerno ne ispravlja pogrešne proporcije, nastojeći po svaku cijenu da sačuva svoj stil skice. Posebno je cijenio tu skicirnost i nedovršenost, smatrajući da upravo to unosi živu struju u platno i daje slici posebnu poeziju koja nije svojstvena stvarima koje su dovršene i prezavršene.

Kada je u pitanju slikarstvo, mašta teži da crta pastoralne scene i veličanstvene portrete. Ali zapravo art višestruk. Dešavalo se da su kistovi velikih umjetnika proizveli vrlo kontroverzne slike koje bi rijetko ko želio okačiti u svom domu. U našem pregledu 10 najstrašnijih slika poznatih umjetnika.

1. Veliki crveni zmaj i zvijer s mora. William Blake

Vilijam Blejk je danas poznat po svojim grafikama i romantičnoj poeziji, ali je tokom svog života bio uglavnom necenjen. Blakeove gravure i ilustracije su klasici romantičnog stila, ali danas ćemo pogledati seriju akvarel slike Blake, koji prikazuje velikog crvenog zmaja iz Knjige Otkrivenja. Ova slika prikazuje velikog crvenog zmaja, oličenje đavola, koji stoji na sedmoglavoj zvijeri u moru.

2. Studija portreta Inocenta X od Velazqueza. Francis Bacon

Francis Bacon bio je jedan od najutjecajnijih umjetnika 20. stoljeća. Njegove slike, upečatljive svojom smelošću i tamom, prodaju se za milione dolara. Tokom svog života, Bacon je često slikao vlastite interpretacije portreta pape Inocentija X. U originalnom Velazquezovom djelu, papa Innocent X zamišljeno gleda s platna, a Bacon ga je prikazao kako vrišti.

3. Dante i Vergilije u paklu. Adolphe William Bouguereau

Danteov pakao, sa njegovom slikom strašno mučenje, inspirira umjetnike od objavljivanja ovog djela. Bouguereau je najpoznatiji po svom realistične slike klasične scene, ali ova slika je prikazivala krug pakla, gdje se prevaranti neprestano bore, kradući jedni drugima identitet ujedanjem.

4. Smrt Marata. Edvard Munch

Edvard Munch je najpoznatiji norveški umjetnik. Njegovo čuvena slika“Vrisak”, koji personificira melanholiju, čvrsto je ukorijenjen u svijest svake osobe koja brine o umjetnosti. Marat je bio jedan od vodećih političkih lidera Francuska revolucija. Pošto je Marat bolovao od kožne bolesti, veći dio dana provodio je u kupatilu, gdje je radio na svojim radovima. Tamo je Marata ubila Charlotte Corday. Više od jednog umjetnika prikazalo je smrt Marata, ali Munchova slika je posebno realistična i okrutna.

5. Odsječene glave. Theodore Gericault

Géricaultovo najpoznatije djelo je "Splav Meduze" - ogromna slika u romantičnom stilu. Prije nego što je stvorio velika djela, Géricault je naslikao slike za "zagrevanje" poput "Odsečene glave", za koje je koristio prave udove i odsečene glave. Sličan materijal umjetnik je uzimao iz mrtvačnica.

6. Iskušenje svetog Antuna. Matthias Grunewald

Grunewald je često slikao religiozne slike u stilu srednjeg vijeka, iako je živio u doba renesanse. Sveti Antun je prošao kroz nekoliko testova svoje vjere dok je živio u pustinji. Prema jednoj legendi, Svetog Antuna su ubili demoni koji su živeli u pećini, ali se kasnije ponovo rodio i uništio ih. Ova slika prikazuje Svetog Antuna kojeg su napali demoni.

7. Mrtva priroda maski. Emil Nolde

Emil Nolde je bio jedan od prvih ekspresionističkih umjetnika, iako su njegovu slavu ubrzo zasjenili brojni drugi ekspresionisti poput Muncha. Suština ovog pokreta je iskrivljavanje stvarnosti kako bi se prikazala subjektivna tačka gledišta. Ovu sliku je umjetnik napravio nakon istraživanja maski u Berlinskom muzeju.

8. Saturn proždire svog sina. Francisco Goya

U rimskim mitovima, koji su u velikoj mjeri zasnovani na grčka mitologija, otac bogova je proždirao vlastitu djecu da ga nikada ne zbace s trona. Goya je opisao ovaj čin ubijanja djece. Slika nije bila namijenjena javnosti, već je naslikana na zidu umjetnikove kuće zajedno s nekoliko drugih tamnih slika poznatih kao uobičajeno ime"Crna slika".

9. Judita i Holofern. Caravaggio

U Starom zavjetu postoji priča o hrabroj udovici Juditi. Judeju je napala vojska koju je predvodio general Holofern. Judita je napustila gradske zidine i uputila se u logor vojske koja je opsjedala grad. Tamo je zavela Holoferna uz pomoć svoje ljepote. Kada je komandant noću spavao pijan, Judith mu je odsjekla glavu. Ova scena je prilično popularna među umjetnicima, ali je Caravaggiova verzija posebno jeziva.

10. Bašta zemaljskih užitaka. Hieronymus Bosch

Obično se Hieronymus Bosch povezuje sa fantastičnim i religioznim slikama. "Bašta zemaljskih užitaka" je triptih. Tri panela slike prikazuju Rajski vrt i stvaranje čovječanstva, Vrt zemaljskih užitaka i Kaznu za grijehe koji se događaju u zemaljskom vrtu. Boschovi radovi su među najstrašnijim, ali i najstrašnijim prekrasni radovi u istoriji zapadne umetnosti.

Čini se da neka umjetnička djela pogađaju gledatelja preko glave, zapanjujuće i zadivljujuće. Neki vas uvlače u razmišljanje i traženje slojeva značenja, tajne simbolike. Neke slike obavijene su tajnama i mističnim misterijama, a neke iznenađuju previsokim cijenama.

Edvard Munch "The Scream"

1893, karton, ulje, tempera, pastel. 91×73,5 cm

Nacionalna galerija, Oslo

Krik se smatra značajnim ekspresionističkim događajem i jednom od najpoznatijih slika na svijetu.
“Išao sam stazom sa dva prijatelja - sunce je zalazilo - odjednom je nebo postalo krvavo crveno, zastao sam, osećajući se iscrpljeno, i naslonio se na ogradu - pogledao sam krv i plamen preko plavičasto-crnog fjorda i grad – moji prijatelji su krenuli dalje, a ja sam stajao, drhteći od uzbuđenja, osjećajući beskrajni vrisak koji prodire prirodu”, rekao je Edvard Munch o istoriji slike.
Postoje dva tumačenja prikazanog: sam junak je obuzet užasom i tiho vrišti, pritišćući ruke uz uši; ili junak zatvara uši od vapaja svijeta i prirode koji ga okružuje. Munch je napisao 4 verzije “Krika”, a postoji verzija da je ova slika plod manično-depresivne psihoze od koje je umjetnik patio. Nakon tretmana na klinici, Munch se nije vratio radu na platnu.

Paul Gauguin „Odakle dolazimo? Ko smo mi? Gdje idemo?"

1897-1898, ulje na platnu. 139,1×374,6 cm

Muzej likovnih umjetnosti, Boston

Duboko filozofsku sliku postimpresioniste Paula Gauguina naslikao je na Tahitiju, gdje je pobjegao iz Pariza. Po završetku posla, čak je poželeo da izvrši samoubistvo, jer „verujem da ova slika ne samo da nadmašuje sve moje prethodne, i da nikada neću stvoriti nešto bolje ili čak slično. Živeo je još 5 godina i eto šta se desilo.
Prema samom Gauguinu, sliku treba čitati s desna na lijevo – tri glavne grupe figura ilustruju pitanja postavljena u naslovu. Tri žene sa djetetom predstavljaju početak života; srednja grupa simbolizira svakodnevno postojanje zrelosti; u poslednjoj grupi, prema umetnikovom planu, „starica, koja se približava smrti, izgleda pomirena i predana svojim mislima“, kod njenih nogu „čudna bela ptica... predstavlja beskorisnost reči“.

Pablo Picasso "Gernika"

1937, ulje na platnu. 349×776 cm

Muzej kraljice Sofije, Madrid

Ogromna freska "Guernica", koju je Picasso naslikao 1937. godine, priča priču o napadu dobrovoljačke jedinice Luftwaffea na grad Gerniku, usljed kojeg je šestohiljadni grad potpuno uništen. Slika je naslikana bukvalno za mjesec dana - prvih dana rada na slici, Picasso je radio 10-12 sati i već na prvim skicama se mogla vidjeti glavna ideja. Ovo je jedna od najboljih ilustracija noćne more fašizma, kao i ljudske okrutnosti i tuge.
Guernica prikazuje scene smrti, nasilja, brutalnosti, patnje i bespomoćnosti, ne navodeći njihove neposredne uzroke, ali su očigledni. Priča se da je 1940. Pablo Picasso pozvan u Gestapo u Pariz. Razgovor je odmah prešao na sliku. "Jesi li ti ovo uradio?" - "Ne, ti si to uradio."

Jan van Eyck "Portret bračnog para Arnolfini"

1434, drvo, ulje. 81,8×59,7 cm

London National Gallery, London

Portret, navodno Giovannija di Nicolaa Arnolfinija i njegove supruge, jedno je od najsloženijih djela zapadne škole sjevernorenesansnog slikarstva.
Čuvena slika u potpunosti je ispunjena simbolima, alegorijama i raznim referencama – sve do natpisa “Jan van Eyck je bio ovdje”, koji ju je pretvorio ne samo u umjetničko djelo, već u istorijski dokument koji potvrđuje stvarni događaj u kojem je umjetnik je bio prisutan.
U Rusiji posljednjih godina Slika je stekla veliku popularnost zbog Arnolfinijeve portretne sličnosti sa Vladimirom Putinom.

Mihail Vrubel "Sjedeći demon"

1890, ulje na platnu. 114×211 cm

Tretjakovska galerija, Moskva

Slika Mihaila Vrubela iznenađuje likom demona. Tužni dugokosi tip nimalo ne liči na uobičajenu ljudsku ideju o tome kako bi trebao izgledati zli duh. Sam umjetnik je govorio o svojoj najpoznatijoj slici: „Demon nije toliko zao duh koliko patnički i žalosni, u isto vrijeme moćan, veličanstven duh. Ovo je slika snage ljudskog duha, unutrašnje borbe, sumnje. Tragično sklopivši ruke, Demon sedi tužnih, ogromnih očiju uperenih u daljinu, okružen cvećem. Kompozicija naglašava ograničenost demonske figure, kao da je stisnuta između gornje i donje prečke okvira.

Vasilij Vereščagin "Apoteoza rata"

1871, ulje na platnu. 127×197 cm

Državna Tretjakovska galerija, Moskva

Vereščagin je jedan od glavnih ruskih bojnih slikara, ali ratove i bitke nije slikao jer ih je volio. Naprotiv, pokušavao je ljudima prenijeti svoj negativan stav prema ratu. Jednog dana Vereščagin je, u žaru emocija, uzviknuo: „Još bojne slike Neću pisati - to je to! Ono što pišem primam previše k srcu, plačem (bukvalno) za tugom svakog ranjenog i ubijenog.” Vjerovatno je rezultat ovog uzvika bila strašna i očaravajuća slika “Apoteoza rata” koja prikazuje polje, vrane i planinu ljudskih lobanja.
Slika je napisana tako duboko i emotivno da iza svake lubanje koja leži na ovoj gomili počinješ da vidiš ljude, njihove sudbine i sudbine onih koji te ljude više nikada neće vidjeti. Sam Vereshchagin, sa tužnim sarkazmom, nazvao je platno "mrtvom prirodom" - ono prikazuje "mrtvu prirodu".
Svi detalji slike, uključujući žutu boju, simboliziraju smrt i pustoš. Jasno plavo nebo naglašava mrtvilo slike. Ideja o „Apoteozi rata“ takođe je izražena ožiljcima od sablji i rupama od metaka na lobanjama.

Grant Wood "American Gothic"

1930, ulje. 74×62 cm

Umetnički institut u Čikagu, Čikago

"American Gothic" je jedan od najpopularnijih prepoznatljive slike V Američka umjetnost XX vek, najpoznatiji umetnički mem XX i XXI veka.
Slika sa sumornim ocem i kćerkom ispunjena je detaljima koji ukazuju na strogost, puritanizam i retrogradnu prirodu prikazanih ljudi. Ljuta lica, vile na sredini slike, staromodna odjeća čak i po standardima 1930. godine, otkriveni lakat, šavovi na farmerskoj odjeći koji ponavljaju oblik vila, a time i prijetnja koja je upućena svima koji zadire. Sve te detalje možete gledati u nedogled i ježiti se od nelagode.
Zanimljivo je da su sudije takmičenja na Institutu za umjetnost u Čikagu "gotiku" doživjele kao "šaljivo valentinovo", a stanovnici Ajove su bili strašno uvrijeđeni Vudom što ih je prikazao u tako neprijatnom svjetlu.

Rene Magritte "Ljubavnici"

1928, ulje na platnu

Slika "Ljubavnici" ("Ljubavnici") postoji u dvije verzije. U jednoj se ljube muškarac i žena čije su glave umotane u belo platno, a na drugom „gledaju“ u posmatrača. Slika iznenađuje i fascinira. Sa dvije figure bez lica, Magritte je prenio ideju o sljepoći ljubavi. O sljepoći u svakom smislu: ljubavnici ne vide nikoga, mi ne vidimo njihova prava lica, a osim toga, ljubavnici su misterija čak i jedni drugima. Ali uprkos ovoj očiglednoj jasnoći, mi i dalje nastavljamo da gledamo u Magritteove ljubavnike i razmišljamo o njima.
Gotovo sve Magritteove slike su zagonetke koje se ne mogu u potpunosti riješiti, jer postavljaju pitanja o samoj suštini postojanja. Magrit uvek govori o varljivosti vidljivog, o njegovoj skrivenoj misteriji, koju obično ne primećujemo.

Marc Chagall "Walk"

1917, ulje na platnu

Državna Tretjakovska galerija

Obično izuzetno ozbiljan u svom slikarstvu, Marc Chagall je napisao divan manifest svoje sreće, ispunjen alegorijama i ljubavlju. “Walk” je autoportret sa suprugom Bellom. Njegova voljena se uzdiže u nebo i uskoro će odvući Chagalla, koji nesigurno stoji na zemlji, u let, kao da je dodiruje samo prstima svojih cipela. Chagall ima sisu u drugoj ruci - sretan je, ima i sisu u rukama (vjerovatno svoju sliku) i pitu na nebu.

Hijeronim Boš "Bašta zemaljskih užitaka"

1500-1510, drvo, ulje. 389×220 cm

Prado, Španija

“Bašta zemaljskih užitaka” najpoznatiji je triptih Hijeronimusa Boscha, koji je ime dobio po temi središnjeg dijela, posvećenog grijehu sladostrasnosti. Do danas nijedna od dostupnih interpretacija slike nije prepoznata kao jedina ispravna.
Trajni šarm i istovremeno neobičnost triptiha leži u načinu na koji umjetnik kroz mnoge detalje izražava glavnu ideju. Slika je ispunjena prozirnim figurama, fantastičnim strukturama, čudovištima, halucinacijama koje su poprimile meso, paklenim karikaturama stvarnosti, koju gleda tragajućim, izuzetno oštrim pogledom. Neki naučnici su želeli da u triptihu vide prikaz ljudskog života kroz prizmu njegove taštine i slika zemaljska ljubav, drugi - trijumf sladostrasnosti. Međutim, jednostavnost i određena odvojenost s kojom se tumače pojedini likovi, kao i naklonjeni odnos crkvenih vlasti prema ovom djelu, dovode u sumnju da bi njegov sadržaj mogao biti veličanje tjelesnih naslada.

Gustav Klimt "Tri doba žene"

1905, ulje na platnu. 180×180 cm

Nacionalna galerija moderne umjetnosti, Rim

“Tri doba žene” je i radosna i tužna. U njemu je priča o životu žene ispisana u tri figure: bezbrižnost, mir i očaj. Mlada žena je organski utkana u obrazac života, starica se izdvaja iz njega. Kontrast između stilizovane slike mlade žene i naturalističke slike starice postaje simboličko značenje: prva faza života sa sobom nosi beskrajne mogućnosti i metamorfoze, posljednja - nepromjenjivu postojanost i sukob sa stvarnošću.
Platno ne pušta, ulazi u dušu i tjera vas da razmislite o dubini umjetnikove poruke, kao i o dubini i neminovnosti života.

Egon Schiele "Porodica"

1918, ulje na platnu. 152,5×162,5 cm

Galerija Belvedere, Beč

Šile je bio Klimtov učenik, ali, kao svaki odličan učenik, nije kopirao svog učitelja, već je tražio nešto novo. Schiele je mnogo tragičniji, čudniji i zastrašujući od Gustava Klimta. U njegovim radovima ima mnogo onoga što bi se moglo nazvati pornografijom, raznih perverzija, naturalizma i istovremeno bolnog očaja.
"Porodica" je njegovo najnovije djelo, u kojem je očaj doveden do krajnosti, uprkos činjenici da je to njegova slika najmanje čudna. Naslikao ju je neposredno prije smrti, nakon što mu je trudna supruga Edith umrla od španske gripe. Umro je u 28. godini, samo tri dana nakon Edith, naslikavši nju, sebe i njihovo nerođeno dijete.

Frida Kalo "Dve Fride"

Priča težak život meksički umjetnik Frida Kalo postala je nadaleko poznata nakon izlaska filma "Frida" sa Salmom Hajek vodeća uloga. Kalo je slikala uglavnom autoportrete i to jednostavno objasnila: „Slikam sebe jer provodim mnogo vremena sama i zato što sam ja tema koju najbolje poznajem.“
Ni na jednom autoportretu se Frida Kalo ne smiješi: ozbiljno, čak i žalosno lice, spojene guste obrve, jedva primjetni brkovi iznad čvrsto stisnutih usana. Ideje njenih slika su šifrovane u detaljima, pozadini, figurama koje se pojavljuju pored Fride. Kahlova simbolika je zasnovana na nacionalnim tradicijama i usko je povezana sa indijskom mitologijom pred-Hispanskog perioda.
Na jednoj od najboljih slika - "Dvije Fride" - izrazila je muško i žensko načelo, povezano u njoj jednim krvožilnim sistemom, demonstrirajući njen integritet.

Claude Monet "Vaterloov most. efekat magle"

1899, ulje na platnu

Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg

Prilikom gledanja slike iz blizine, gledalac ne vidi ništa osim platna na kojem se nanose česti debeli potezi ulja. Čitava magija rada otkriva se kada se postepeno počnemo udaljavati od platna. Prvo se ispred nas počinju pojavljivati ​​nerazumljivi polukrugovi koji prolaze sredinom slike, zatim vidimo jasne obrise čamaca i, udaljavajući se na udaljenosti od otprilike dva metra, svi spojni radovi se oštro crtaju ispred nas i poredani u logičan lanac.

Jackson Pollock "Broj 5, 1948"

1948, lesonita, ulje. 240×120 cm

Neobičnost ove slike je u tome što je platno američkog vođe apstraktnog ekspresionizma, koje je naslikao prolivanjem boje po komadu lesonita položenog na podu, najviše skupa slika u svijetu. Godine 2006. na Sotheby's aukciji platili su 140 miliona dolara. David Giffen, filmski producent i kolekcionar, prodao ga je meksičkom finansijeru Davidu Martinezu.
„Nastavljam da se udaljavam od uobičajenih alata umetnika, kao što su štafelaj, paleta i kistovi. Više volim štapiće, lopatice, noževe i tekuću boju ili mješavinu boje sa pijeskom, razbijenim staklom ili nečim drugim. Kada sam unutar slike, nisam svjestan šta radim. Razumijevanje dolazi kasnije. Ne bojim se promjena ili uništenja slike, jer slika živi svoj život. Samo joj pomažem. Ali ako izgubim kontakt sa slikom, ona postaje prljava i neuredna. Ako ne, onda je to čista harmonija, lakoća kako uzimate i dajete.”

Joan Miró "Muškarac i žena ispred gomile izmeta"

1935, bakar, ulje, 23×32 cm

Fondacija Joan Miró, Španija

Dobro ime. I ko bi rekao da nam ova slika govori o užasima građanskih ratova.
Slika je rađena na bakarnom limu u sedmici između 15. i 22. oktobra 1935. godine. Prema Mirovim riječima, ovo je rezultat pokušaja da se prikaže tragedija Građanski rat u Španiji. Miro je rekao da je ovo slika o periodu anksioznosti. Slika prikazuje muškarca i ženu kako se pružaju da se zagrle, ali se ne miču. Uvećane genitalije i zlokobne boje opisane su kao "pune gađenja i odvratne seksualnosti".

Jacek Yerka “Erozija”

Poljski neo-nadrealista poznat je širom sveta po svom neverovatne slike, u kojoj se stvarnosti spajaju stvarajući nove. Teško je sagledati njegova izuzetno detaljna i donekle dirljiva djela jedno po jedno, ali ovo je format našeg materijala i morali smo odabrati jedan da ilustruje njegovu maštu i umijeće. Preporučujemo da ga pročitate.

Bill Stoneham "Ruke mu se odupru"

Ovaj rad se, naravno, ne može svrstati među remek-djela svjetskog slikarstva, ali činjenica da je čudan je činjenica.
Postoje legende oko slike sa dječakom, lutkom i rukama pritisnutim na staklo. Od “ljudi umiru zbog ove slike” do “djeca na njoj su živa”. Slika izgleda zaista jezivo, što izaziva mnogo strahova i nagađanja kod ljudi sa slabom psihom.
Umjetnik je insistirao na tome da je na slici on prikazan u dobi od pet godina, da vrata predstavljaju liniju razdvajanja između stvarnog svijeta i svijeta snova, a lutka je vodič koji može voditi dječaka kroz ovaj svijet. Ruke predstavljaju alternativne živote ili mogućnosti.
Slika je postala poznata u februaru 2000. godine kada je stavljena na prodaju na eBayu sa pozadinskom pričom da je slika "ukleta". “Hands Resist Him” je za 1.025 dolara kupila Kim Smith, koja je tada jednostavno bila preplavljena pismima sa jezivim pričama i zahtjevima da se slika spali.