Umjetnost i dizajn
2702
01.02.18 09:02
Današnja japanska umjetnička scena je vrlo raznolika i provokativna: gledajući radove majstora iz zemlje Rising Sun, odlučićete da ste stigli na drugu planetu! Dom inovatora koji su promijenili pejzaž industrije na globalnoj razini. Evo liste od 10 savremenih japanskih umjetnika i njihovih kreacija, od nevjerovatnih stvorenja Takashija Murakamija (koji danas slavi rođendan) do živopisnog svemira Kusame.
Od futurističkih svjetova do isprekidanih sazviježđa: savremeni japanski umjetnici
Takashi Murakami: tradicionalist i klasik
Počnimo sa junakom prilike! Takashi Murakami jedan je od najpoznatijih japanskih savremenih umjetnika, koji radi na slikama, velikim skulpturama i modnoj odjeći. Murakamijev stil je pod utjecajem mange i animea. Osnivač je pokreta Superflat, koji podržava japansku umjetničku tradiciju i poslijeratnu kulturu zemlje. Murakami je promovirao mnoge svoje kolege savremenike, a neke od njih ćemo upoznati i danas. “Subkulturna” djela Takashi Murakamija predstavljena su na umjetničkim tržištima mode i umjetnosti. Njegov provokativni film Moj usamljeni kauboj (1998.) prodat je u Njujorku na Sotheby's 2008. za rekordnih 15,2 miliona dolara. Murakami je sarađivao sa svijetom poznatih brendova Marc Jacobs Louis Vuitton i Issey Miyake.
Tiho Ašima i njen nadrealni univerzum
Članica umjetničke produkcijske kuće Kaikai Kiki i pokreta Superflat (oba osnovao Takashi Murakami), Chicho Ashima poznata je po svojim fantastičnim gradskim pejzažima i čudnim pop stvorenjima. Umjetnik stvara nadrealne snove u kojima žive demoni, duhovi, mlade ljepotice, prikazane na pozadini neobične prirode. Njeni radovi su obično velikih razmera i štampani na papiru, koži i plastici. Ova savremena japanska umjetnica je 2006. godine učestvovala na Art on the Underground u Londonu. Stvorila je 17 uzastopnih lukova za platformu - magični pejzaž se postepeno pretvarao iz dnevnog u noćni, iz urbanog u ruralni. Ovo čudo je procvjetalo na stanici metroa Gloucester Road.
Chiharu Shima i beskrajne niti
Drugi umjetnik, Chiharu Shiota, radi na velikim vizualnim instalacijama za određene znamenitosti. Rođena je u Osaki, ali sada živi u Njemačkoj - u Berlinu. Centralne teme njenog rada su zaborav i sećanje, snovi i stvarnost, prošlost i sadašnjost, kao i suočavanje sa anksioznošću. Najpoznatija djela Chiharu Shiote su neprobojne mreže crnih niti koje pokrivaju razne kućne i lične predmete, kao što su stare stolice, Vjenčanica, spaljeni klavir. U ljeto 2014. Shiota je povezao donirane cipele i čizme (kojih je bilo više od 300) sa pramenovima crvene pređe i objesio ih na kuke. Čiharuova prva izložba u njemačkoj prijestolnici održana je tokom Berlinske sedmice umjetnosti 2016. godine i izazvala je senzaciju.
Hej Arakawa: svuda, nigdje
Hei Arakawa je inspirisan stanjima promjena, periodima nestabilnosti, elementima rizika, a njegove instalacije često simboliziraju teme prijateljstva i timskog rada. Kredo savremenog japanskog umetnika definisan je performativnim, neodređenim „svuda, ali nigde“. Njegove kreacije iskaču na neočekivanim mjestima. 2013. Arakawini radovi su bili izloženi na Venecijanskom bijenalu i na izložbi japanskih savremena umetnost u Mori Art Museum (Tokio). Instalacija Hawaiian Presence (2014) bila je zajednički projekat sa njujorškom umjetnicom Carissom Rodriguez i učestvovao na Whitney bijenalu. Takođe 2014. godine, Arakawa i njegov brat Tomu, nastupajući kao duo pod nazivom United Brothers, ponudili su posetiocima Frieze London njihov „rad“ „The This Soup Taste Ambivalent“ sa „radioaktivnim“ korenovim povrćem Fukushima daikon.
Koki Tanaka: Odnosi i ponavljanja
Koki Tanaka je 2015. godine proglašen za „Umjetnik godine“. Tanaka istražuje ukupno iskustvo kreativnost i maštovitost, podstiče razmjenu između učesnika u projektu i zagovara nova pravila saradnje. Njegova instalacija u japanskom paviljonu na Venecijanskom bijenalu 2013. sastojala se od video zapisa objekata koji su prostor transformirali u platformu za umjetničku razmjenu. Instalacije Kokija Tanake (ne brkati s njegovim punim imenom glumca) ilustruju odnos između objekata i radnji, na primjer, video sadrži snimke jednostavnih gesta izvedenih običnim predmetima (nož koji reže povrće, pivo se sipa u čašu , otvarajući kišobran). Ne dešava se ništa značajno, ali opsesivno ponavljanje i pažnja na najsitnije detalje čine da gledalac ceni svakodnevicu.
Mariko Mori i aerodinamičnim oblicima
Još jedna savremena japanska umjetnica, Mariko Mori, “dočara” multimedijalne objekte, kombinirajući video zapise, fotografije i objekte. Karakteriziraju je minimalistička futuristička vizija i uglađene nadrealne forme. Tema koja se ponavlja u Morijevom djelu je suprotstavljanje zapadnjačke legende sa zapadnom kulturom. Mariko je 2010. godine osnovala Fau fondaciju, obrazovnu kulturnu neprofitna organizacija, za koju je izradila seriju svojih umjetničkih instalacija u čast šest naseljenih kontinenata. Nedavno je stalna instalacija Fondacije "Prsten: Jedno s prirodom" podignuta iznad slikovitog vodopada u Resendeu blizu Rio de Janeira.
Ryoji Ikeda: sinteza zvuka i videa
Ryoji Ikeda je novi medijski umjetnik i kompozitor čiji se rad prvenstveno bavi zvukom u različitim "sirovim" stanjima, od sinusnih valova do buke koristeći frekvencije na rubu ljudskog sluha. Njegove impresivne instalacije uključuju kompjuterski generirane zvukove koji se vizualno pretvaraju u video projekcije ili digitalne uzorke. Ikedina audiovizuelna umjetnost koristi skalu, svjetlo, sjenu, jačinu zvuka, elektronske zvukove i ritam. Umjetnikov čuveni testni centar sastoji se od pet projektora koji osvjetljavaju prostor dužine 28 metara i širine 8 metara. Postavka pretvara podatke (tekst, zvukove, fotografije i filmove) u bar kodove i binarne obrasce jedinica i nula.
Tatsuo Miyajima i LED brojači
Savremeni japanski vajar i instalacijski umjetnik Tatsuo Miyajima u svojoj umjetnosti koristi električna kola, video zapise, kompjutere i druge sprave. Miyajima su inspirisani osnovnim konceptima humanističkih ideja i budističkih učenja. LED brojači u njegovim instalacijama neprekidno trepere u ponavljanju od 1 do 9, simbolizirajući putovanje od života do smrti, ali izbjegavajući konačnost koju predstavlja 0 (nula se nikada ne pojavljuje u Tatsuovom radu). Sveprisutni brojevi u mrežama, tornjevima i dijagramima izražavaju Miyajimovo zanimanje za ideje kontinuiteta, vječnosti, povezanosti i protoka vremena i prostora. Nedavno je Miyajima "Strela vremena" prikazana na inauguracionoj izložbi "Nedovršene misli vidljive u Njujorku".
Nara Yoshimoto i zla djeca
Nara Yoshimoto stvara slike, skulpture i crteže djece i pasa – subjekte koji odražavaju osjećaj dosade i frustracije iz djetinjstva i žestoku nezavisnost koja je prirodna za malu djecu. Estetika Yoshimotoovog rada podsjeća na tradicionalnu ilustracije knjiga, mješavina je nemirne napetosti i umjetnikove ljubavi prema punk rocku. Godine 2011., Muzej društva Azije u New Yorku bio je domaćin Yoshimotoove prve samostalne izložbe pod nazivom “Yoshitomo Nara: Nobody’s Fool” koja je pokrivala 20-godišnju karijeru savremenog japanskog umjetnika protest.
Yayoi Kusama i prostor koji prerasta u čudne oblike
Neverovatna kreativna biografija Yayoi Kusame traje sedam decenija. Za to vreme, neverovatna Japanka uspela je da prouči oblasti slikarstva, grafike, kolaža, skulpture, bioskopa, graviranja, ekološke umetnosti, instalacije, kao i književnosti, mode i dizajna odeće. Kusama je razvila vrlo prepoznatljiv stil dot art koji je postao njen zaštitni znak. Iluzorne vizije prikazane u radu 88-godišnje Kusame – gdje se čini da je svijet prekriven prostranim, čudnim oblicima – rezultat su halucinacija koje je iskusila od djetinjstva. Sobe sa šarenim tačkama i „beskonačnim“ ogledalima koja odražavaju njihove klastere su prepoznatljive i ne mogu se pobrkati ni sa čim drugim.
Svaka zemlja ima svoje heroje savremena umetnost, čija su imena poznata, čije izložbe privlače mnoštvo obožavatelja i znatiželjnika, a čija se djela prodaju u privatnim kolekcijama.
U ovom članku ćemo vas upoznati s najpopularnijim savremeni umetnici Japan.
Keiko Tanabe
Rođena u Kjotu, Keiko je izvojevala mnoge pobjede kao dijete. likovnih konkursa, Ali više obrazovanje Uopšte to nisam shvatio na polju umetnosti. Radila je u odjelu za međunarodne odnose japanske lokalne vladine trgovinske organizacije u Tokiju, velika advokatska firma u San Franciscu i u privatnoj konsultantskoj firmi u San Diegu, i mnogo je putovao. Počevši od 2003. godine, napustila je posao i nakon što je u San Diegu studirala osnove akvarela, posvetila se isključivo umjetnosti.
Ikenaga Yasunari
Japanski umjetnik Ikenaga Yasunari slika portrete modernih žena u antici Japanska tradicija slikanje Menso četkom, mineralnim pigmentima, čađom, tušem i platnom kao podlogom. Njegovi likovi su žene našeg vremena, ali zahvaljujući Nihonginom stilu, imate osjećaj da su nam došle od pamtivijeka.
Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki je realistički umjetnik koji je ovladao tehnika akvarela. Abe se može nazvati umjetnikom-filozofom: on u osnovi ne slika poznate znamenitosti, preferirajući subjektivne kompozicije koje odražavaju unutrašnja stanja osoba koja ih posmatra.
Hiroko Sakai
Karijera umjetnika Hiroko Sakaija započela je ranih 90-ih u gradu Fukuoka. Nakon što je diplomirala na Univerzitetu Seinan Gakuin i na francuskoj školi za dizajn interijera Nihon u dizajnu i vizualizaciji, osnovala je Atelier Yume-Tsumugi Ltd. i uspješno vodi ovaj studio 5 godina. Mnogi njeni radovi ukrašavaju bolničke predvorje, kancelarije velikih korporacija i neke opštinske zgrade u Japanu. Nakon preseljenja u Sjedinjene Države, Hiroko je počela slikati uljem.
Riusuke Fukahori
Trodimenzionalni radovi Riusukija Fukahorija podsjećaju na holograme. Napravljene su sa nekoliko slojeva akrilne boje i tečnosti prozirne smole - sve to, ne isključujući tradicionalne metode kao što su crtanje senki, omekšavanje ivica, kontrola transparentnosti, omogućava Riusukiju da kreira skulpturalne slike i daje radovima dubinu i realizam.
Natsuki Otani
Natsuki Otani je talentovani japanski ilustrator koji živi i radi u Engleskoj.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu je kao osnovu za svoju kreativnost odabrao win-win temu - crta mačke. Njegove slike su popularne u cijelom svijetu, posebno u obliku slagalica.
Tetsuya Mishima
Većina slika savremenog japanskog umjetnika Mishime rađena je u ulju. Profesionalno se bavi slikarstvom od 90-ih i ima ih nekoliko lične izložbe i veliki broj kolektivnih izložbi, japanskih i stranih.
Ima veoma bogatu istoriju; njegova tradicija je ogromna, sa jedinstvenom pozicijom Japana u svijetu koja uveliko utječe na dominantne stilove i tehnike japanskih umjetnika. Poznata činjenica To što je Japan bio prilično izolovan dugi niz vekova je posledica ne samo geografije, već i dominantne japanske kulturne tendencije ka izolaciji koja je obeležila istoriju zemlje. Tokom vekova onoga što bismo mogli nazvati „japanskom civilizacijom“, kultura i umetnost su se razvijale odvojeno od onih u ostatku sveta. A to je čak i primjetno u praksi japanskog slikarstva. Na primjer, Nihonga slike su među glavnim djelima japanske slikarske prakse. Zasniva se na preko hiljadu godina tradicije, a slike se obično stvaraju kistovima na Vashi (japanski papir) ili Egina (svila).
Međutim, japanska umjetnost i slikarstvo bili su pod utjecajem stranih umjetničke prakse. U početku je to bila kineska umjetnost u 16. stoljeću i kinesko slikarstvo i Kineska tradicija umjetnosti, koja je bila posebno utjecajna u nekoliko aspekata. Od 17. vijeka uticaj je bio i na japansko slikarstvo Zapadne tradicije. Konkretno, tokom predratnog perioda, koji je trajao od 1868. do 1945. godine, japansko slikarstvo je bilo pod uticajem impresionizma i evropski romantizam. Istovremeno, na nove evropske umjetničke pokrete također su značajno utjecale japanske umjetničke tehnike. U istoriji umetnosti ovaj uticaj se naziva „japanizam“, a posebno je značajan za impresioniste, kubiste i umetnike povezane sa modernizmom.
Duga priča Japansko slikarstvo može se posmatrati kao sinteza nekoliko tradicija koje stvaraju dijelove priznate japanske estetike. Prije svega, budističku umjetnost i slikarske tehnike, kao i religiozno slikarstvo, ostavio je značajan trag u estetici japanskog slikarstva; slikanje pejzaža vodenim tušem u kineskoj tradiciji književno slikarstvo- još jedan važan element prepoznat u mnogim poznatim japanskim slikama; slikanje životinja i biljaka, posebno ptica i cvijeća, ono je što se obično povezuje s japanskim kompozicijama, kao i pejzaži i scene iz Svakodnevni život. Konačno, antičke ideje o lepoti iz filozofije i kulture imale su veliki uticaj na japansko slikarstvo Drevni Japan. Wabi, što znači prolazna i gruba ljepota, sabi (ljepota prirodne patine i starenja) i yugen (duboka gracioznost i suptilnost) nastavljaju da utiču na ideale u praksi japanskog slikarstva.
Konačno, ako se koncentrišemo na odabir deset najpoznatijih japanskih remek-djela, moramo spomenuti ukiyo-e, koji je jedan od najpopularnijih žanrova umjetnosti u Japanu, iako pripada grafiki. Dominirao je japanskom umjetnošću od 17. do 19. stoljeća, a umjetnici koji pripadaju ovom žanru stvarali su drvoreze i slike tema poput prelepe devojke, Kabuki glumci i sumo rvači, kao i scene iz istorije i narodne priče, putničke scene i pejzaži, flora i fauna, pa čak i erotika.
Uvek je teško napraviti listu najbolje slike od umjetničke tradicije. Mnogi nevjerovatni radovi bit će isključeni; međutim, ova lista sadrži deset najprepoznatljivijih japanskih slika na svijetu. Ovaj članak će predstaviti samo slike nastale od 19. stoljeća do danas.
Japansko slikarstvo ima izuzetno bogatu istoriju. Tokom vekova, japanski umetnici su razvili veliki broj jedinstvenih tehnika i stilova koji su najvredniji doprinos Japana svetu umetnosti. Jedna od ovih tehnika je sumi-e. Sumi-e doslovno znači "crtanje tušem" i kombinuje kaligrafiju i slikanje tušem kako bi stvorio rijetku ljepotu kompozicija nacrtanih kistom. Ova ljepota je paradoksalna - drevna, ali moderna, jednostavna, a složena, hrabra, ali prigušena, nesumnjivo odražavajući duhovnu osnovu umjetnosti u zen budizmu. Budistički sveštenici su u Japan uveli čvrste blokove mastila i bambusove četke iz Kine u šestom veku, a tokom proteklih 14 vekova Japan je razvio bogato nasleđe slikanja tušem.
Pomaknite se prema dolje i pogledajte 10 japanskih slikarskih remek-djela
1. Katsushika Hokusai "San ribarske žene"
Jedna od najprepoznatljivijih japanskih slika je „San ribarske žene“. Naslikao ju je 1814. godine poznati umjetnik Hokusai. Ako slijedite stroge definicije, ovo neverovatan rad Hokusai se ne može smatrati slikom, jer je to drvorez ukiyo-e žanra iz knjige Mladi borovi (Kinoe no Komatsu), koja je trotomna knjiga šunga. Kompozicija prikazuje mladog ama ronioca koji je seksualno isprepleten sa parom hobotnica. Ova slika je bila veoma uticajna u 19. i 20. veku. Djelo je utjecalo na kasnije umjetnike kao što su Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff i Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka “Abe no Nakamaro piše nostalgičnu pjesmu dok gleda mjesec”
Tessai Tomioka je pseudonim poznatog japanskog umjetnika i kaligrafa. Smatra se posljednjim velikim umjetnikom u tradiciji bunjinga i jednim od prvih glavni umjetnici Nihonga stil. Bunjinga je bila škola japanskog slikarstva koja je procvjetala u kasnoj Edo eri među umjetnicima koji su sebe smatrali literatima ili intelektualcima. Svaki od ovih umjetnika, uključujući Tessayu, razvio je svoje sopstveni stil i tehnologije, ali svi su bili veliki obožavatelji kineske umjetnosti i kulture.
3. Fujishima Takeji “Izlazak sunca nad istočnim morem”
Fujishima Takeji bio je japanski umjetnik poznat po svom radu na razvoju romantizma i impresionizma u umjetničkom pokretu joge (zapadnjački stil) s kraja 19. i početka 20. stoljeća. Godine 1905. otputovao je u Francusku, gdje je bio pod utjecajem francuskih pokreta tog vremena, posebno impresionizma, što se može vidjeti na njegovoj slici Izlazak sunca nad istočnim morem, koja je naslikana 1932. godine.
4. Kitagawa Utamaro “Deset tipova ženskih lica, kolekcija vladajućih ljepotica”
Kitagawa Utamaro je bio istaknuti japanski umjetnik koji je rođen 1753. i umro 1806. Svakako je najpoznatiji po seriji pod nazivom “Deset tipova ženskih lica. Zbirka vladajućih ljepotica, teme Velika ljubav klasična poezija" (ponekad nazvana "Zaljubljene žene", koja sadrži odvojene gravure "Gola ljubav" i "Promišljena ljubav"). On je jedan od najvažnijih umjetnika koji pripadaju žanru ukiyo-e drvoreza.
5. Kawanabe Kyosai “Tigar”
Kawanabe Kyosai je bio jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika Edo perioda. Na njegovu umjetnost utjecao je rad Tohakua, umjetnika iz škole Kano iz 16. stoljeća koji je bio jedini umjetnik svog vremena koji je slikao ekrane u potpunosti mastilom na osjetljivoj pozadini od zlata u prahu. Iako je Kyosai poznat kao karikaturista, napisao je neke od njih poznate slike u japanskoj istoriji umetnosti 19. veka. "Tigar" je jedna od onih slika za koje je Kyosai koristio akvarel i mastilo.
6. Hiroši Jošida “Fudži sa jezera Kavaguči”
Hiroshi Yoshida je poznat kao jedna od najvećih figura Shin-hanga stila (Shin-hanga je umetnički pokret u Japanu početkom 20. veka, tokom perioda Taisho i Showa, koji su ponovo oživeli tradicionalna umjetnost ukiyo-e, koji se ukorijenio u periodima Edo i Meiji (XVII - XIX vijek)). Obučen je u tradiciji zapadno slikarstvo ulje, koje je pozajmljeno iz Japana tokom Meiji perioda.
7. Takashi Murakami “727”
Takashi Murakami je vjerovatno najpopularniji japanski umjetnik našeg vremena. Njegovi radovi prodaju se po astronomskim cijenama na velikim aukcijama, a njegov rad već inspirira nove generacije umjetnika ne samo u Japanu, već iu inostranstvu. Murakamijeva umjetnost uključuje niz medija i obično se opisuje kao superflat. Njegov rad je poznat po upotrebi boja, uključujući motive japanske tradicionalne i popularne kulture. Sadržaj njegovih slika često se opisuje kao "slatki", "psihedelični" ili "satirični".
8. Yayoi Kusama “Pumpkin”
Yaoi Kusama je također jedan od najpoznatijih Japanski umjetnici. Ona stvara u različitim medijima uključujući slikarstvo, kolaž, scat skulpturu, performans, umjetnost okoliša i instalaciju, od kojih većina pokazuje njen tematski interes za psihodelične boje, ponavljanje i uzorak. Jedna od najpoznatijih serija ovog velikog umjetnika je serija “Bundeva”. Prekrivena točkastim uzorkom, obična bundeva jarko žute boje predstavljena je na mrežastoj pozadini. Svi takvi elementi zajedno čine vizuelni jezik koji je nepogrešivo veran umetnikovom stilu, a razvijan je i usavršavan decenijama mukotrpne proizvodnje i reprodukcije.
9. Tenmoya Hisashi “Japanski duh br. 14”
Tenmyoya Hisashi je savremeni japanski umjetnik koji je poznat po svojim neo-nihonga slikama. Učestvovao je u oživljavanju stare tradicije japanskog slikarstva, što je sušta suprotnost modernom japanskom slikarstvu. Godine 2000. kreirao je i svoju novi stil butouha, koji demonstrira uporan stav autoritativnom umjetničkom sistemu kroz svoje slike. "Japanese Spirit br. 14" nastao je kao dio umjetničke sheme "BASARA", interpretirane u Japanska kultura poput buntovničkog ponašanja niže aristokracije tokom perioda Zaraćenih država da se onima na vlasti uskrati mogućnost da postignu idealan životni stil oblačeći se u raskošnu i luksuznu odjeću i djelujući iz slobodne volje koja nije u skladu s njihovom društvenom klasom.
10. Katsushika Hokusai “Veliki talas od Kanagawe”
Konačno, " Veliki talas u Kanagavi" je vjerovatno najprepoznatljivija japanska slika ikada naslikana. To je zapravo najpoznatije umjetničko djelo nastalo u Japanu. To prikazuje ogromni talasi prijeteći čamcima uz obalu prefekture Kanagava. Iako se ponekad pogrešno smatra cunamijem, val, kao što naziv slike sugerira, najvjerovatnije jednostavno ima anomalan veća visina. Slika je napravljena u ukiyo-e tradiciji.
Od:
Volite li japansko slikarstvo? Koliko znate o poznatim japanskim umjetnicima? Pogledajmo u ovom članku najpoznatije japanske umjetnike koji su stvarali svoja djela u ukiyo-e (浮世絵) stilu. Ovaj stil slikarstva razvio se iz perioda Edo. Hijeroglifi koji se koriste za pisanje ovog stila 浮世絵 doslovno znače "slike (slike) svijeta koji se mijenja" možete pročitati više o ovom smjeru slikanja
Hishikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Smatra se osnivačem ukiyo-e žanra, iako je, zapravo, tek prvi majstor čiji je život sačuvan biografske informacije. Moronobu je rođen u porodici majstora za bojenje tkanina i vezenje zlatnim i srebrnim nitima i dugo vremena bavio se porodičnim zanatom, pa je posebnost njegovog rada lepota ukrašena odeća ljepote, dajući predivan umjetnički efekat.
Nakon preseljenja u Edo, prvo je samostalno učio slikarske tehnike, a potom je studije nastavio umjetnik Kambun.
Do nas smo uglavnom došli iz Moronobuovih albuma, u kojima prikazuje istorijske i književne teme i knjige sa uzorcima kimono uzoraka. Majstor je radio i u žanru šunge, a među pojedinačnim radovima sačuvano je nekoliko lijepih žena. 
(鳥居清長, 1752-1815). Priznat krajem 18. vijeka, majstor Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) nosio je pseudonim Torii Kiyonaga, koji je preuzeo naslijeđujući Torijevu ukiyo-e školu od Torii Kiyomitsua nakon njegove smrti.
Kiyonaga je rođen u porodici knjižara Shirakoya Ishibeija. Najveću slavu donio mu je žanr bidžinge, iako je počeo sa yakusha-e. Predmeti za gravure u žanru bidžinga uzeti su iz svakodnevnog života: šetnje, svečane procesije, izleti u prirodu. Među brojnim radovima umjetnika, serija „Takmičenja modnih ljepotica iz zabavnim kvartovima“, koji prikazuje Minami, jednu od “zabavnih četvrti” na jugu Edoa, “12 portreta južnjačkih ljepotica”, “10 vrsta čajdžinica”. Posebnost majstora bila je detaljna razrada pozadinskog pogleda i korištenje tehnika prikazivanja svjetlosti i prostora koje su dolazile sa Zapada.
Kiyonaga je stekao početnu slavu 1782. nastavkom serije "Modni uzorci: modeli novi kao proljetno lišće", koju je započeo Koryusai 1770-ih za izdavača Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Na ovom izvanredan majstor na ukiyo-e su značajno uticali Torii Kiyonaga i izdavač Tsutaya Juzaburo. Kao rezultat dugogodišnje saradnje sa ovim poslednjim, objavljeni su brojni albumi, knjige sa ilustracijama i serije gravura.
Uprkos činjenici da je Utamaro uzimao teme iz života jednostavnih zanatlija i nastojao da prikaže prirodu („Knjiga insekata“), slava mu je došla kao umetnik radova posvećenih gejšama iz četvrti Yoshiwara („Yoshiwara Green Houses Yearbook ”).
Utamaro je dostigao visok nivo u izražavanju stanja uma na papiru. Po prvi put u japanskim drvorezima počeo je koristiti kompozicije poprsja.
Utamarova kreativnost je ta koja je utjecala Francuski impresionisti i doprinijelo evropskom interesovanju za japanske grafike.
(葛飾北斎, 1760-1849). Hokusaijevo pravo ime je Tokitaro. Vjerovatno najpoznatiji ukiyo-e majstor širom svijeta. Tokom svoje karijere koristio je preko trideset pseudonima. Istoričari često koriste pseudonime za periodizaciju njegovog rada.
U početku je Hokusai radio kao rezbar, čiji je rad bio ograničen umjetnikovim namjerama. Ova činjenica je teško opteretila Hokusaija i on je počeo da traži sebe kao nezavisnog umetnika.
Godine 1778. postao je šegrt u studiju Katsukawa Shunsho, koji je bio specijalizovan za yakusha-e printeve. Hokusai je bio i talentovan i veoma marljiv student, koji je uvijek pokazivao poštovanje prema učitelju, i stoga je uživao posebnu naklonost Shunshoa. Dakle, prvi samostalan rad Hokusai su bili u žanru yakusha-e u obliku diptiha i triptiha, a popularnost učenika bila je jednaka popularnosti učitelja. U to vrijeme, mladi majstor je već toliko razvio svoj talenat da se osjećao skučeno unutar jedne škole, a nakon smrti svog učitelja, Hokusai je napustio studio i proučavao smjerove drugih škola: Kano, Sotatsu (inače Koetsu), Rimpa, Toša.
Tokom ovog perioda, umetnik je doživeo značajne finansijske poteškoće. Ali istovremeno se odvija i njegovo formiranje kao majstora, koji odbija uobičajenu sliku koju je društvo zahtijevalo i traži svoj stil.
Godine 1795. svjetlo dana ugledale su ilustracije za poetsku antologiju “Keka Edo Murasaki”. Tada je Hokusai naslikao surimono slike, koje su odmah počele steći popularnost, a mnogi umjetnici su ih počeli oponašati.
Od tog perioda, Tokitaro počinje da potpisuje svoja dela imenom Hokusai, iako su neka od njegovih dela objavljena pod pseudonimima Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.
Godine 1800. majstor je sebe počeo zvati Gakejin Hokusai, što je značilo "Ludi Hokusai slikarstva".
Poznata serija ilustracija uključuje “36 pogleda na planinu Fuji”, od kojih su najznačajnije “Victory Wind”. Clear Day" ili "Red Fuji" i "The Great Wave off Kanagawa", "100 Views of Mount Fuji", objavljena u tri albuma, "Hokusai's Manga" (北斎漫画), koji se naziva "enciklopedijom japanskog naroda. " Umjetnik je u “Mangu” unio sve svoje poglede na kreativnost i filozofiju. "Manga" je najvažniji izvor za proučavanje života Japana u to doba, jer uključuje mnoge kulturni aspekti. Za umjetnikovog života objavljeno je ukupno dvanaest brojeva, a nakon njegove smrti još tri:
* 1815. - II, III
* 1817. - VI, VII
* 1849 - XIII (nakon smrti umjetnika)
Hokusaijeva umjetnost je utjecala na evropske pokrete kao što su secesija i francuski impresionizam.
(河鍋暁斎, 1831 -1889). Koristio je pseudonime Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin i studirao u školi Kano.
Za razliku od Hokusaija, Kyosai je bio prilično drzak, što je izazvalo njegov razdor sa umjetnikom Tsuboyamom Tozanom. Nakon škole sam postao nezavisni majstor, iako ju je povremeno posjećivao još pet godina. U to vrijeme je slikao kyogu, takozvane "lude slike".
Među izuzetnim graviranim radovima je Sto slika Kyosaija. Kao ilustrator, Kyosai stvara slike za kratke priče i romane u suradnji s drugim umjetnicima.
Krajem 19. vijeka Evropljani su često posjećivali Japan. Umjetnik je bio upoznat s nekima od njih, a nekoliko njegovih radova danas se nalazi u Britanskom muzeju.
(歌川広重, 1797-1858). Radio je pod pseudonimom Ando Hiroshige (安藤広重) i poznat je po suptilnom prikazivanju prirodnih motiva i prirodnih fenomena. Svoju prvu sliku, “Mount Fuji in the Snow”, koja se danas čuva u Muzeju Suntory u Tokiju, naslikao je kada je imao deset godina. Radnja ranih radova bila je zasnovana na stvarnim događajima koji su se odvijali na ulicama. Njegovi poznati ciklusi: “100 pogleda na Edo”, “36 pogleda na planinu Fudži”, “53 tokaido stanice”, “69 kimokaido stanica”, “100 poznate vrste Edo." Monet i ruski umjetnik Bilibin bili su pod velikim utjecajem “53 stanice Tokaido puta”, naslikanih nakon putovanja duž East Coast Roada, kao i “100 pogleda na Edo”. Iz serije u kate-ga žanru od 25 gravura, najpoznatiji je list „Vrapci nad snijegom prekrivenom kamelijom“.
(歌川国貞, također poznat kao Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Jedan od najistaknutijih ukiyo-e umjetnika.
Posebnu pažnju posvetio je kabuki glumcima i samom pozorištu - to je oko 60% svih radova. Poznata su i djela u žanru bidžinga i portreti sumo rvača. Poznato je da je stvorio od 20 do 25 hiljada parcela, koje su uključivale 35-40 hiljada listova. Retko se okretao pejzažima i ratnicima. Utagawa Kuniyoshi (歌川 国芳, 1798. - 1861.). Rođen u porodici farbača svile. Kunijoši je počeo da uči da crta sa deset godina dok je živeo u porodici umetnika Kuninao. Zatim je nastavio da uči kod Katsukawa Shun'eija, a sa 13 godina je ušao u radionicu Tokuyoni da uči. U prvim godinama stvari za mladog umjetnika ne idu najbolje. Ali nakon što je od izdavača Kagaya Kichibeia dobio narudžbu za pet otisaka za seriju 108 Suikoden Heroes, stvari su krenule nabolje. On kreira preostale likove u seriji, a zatim prelazi na razne druge radove, a nakon petnaest godina je u rangu sa Utagawom Hiroshigeom i Utagawom Kunisadom.
Nakon zabrane slika pozorišnih scena, glumaca, gejša i kurtizana iz 1842. godine, Kuniyoshi je napisao svoju seriju "mačka", napravio gravure iz edukativne serije za domaćice i djecu, prikazao nacionalni heroji u seriji “Tradicije, moral i pristojnost”, a krajem 1840-ih - početkom 1850-ih, nakon ublažavanja zabrana, umjetnik se vratio temi kabukija.
(渓斎英泉, 1790-1848). Poznat po svojim radovima u žanru bidžinga. Njegova najbolja djela uključuju portrete tipa okubi-e ("velike glave"), koji se smatraju primjerima umjetnosti ere Bunsei (1818-1830), kada je žanr ukiyo-e bio u opadanju. Umjetnik je naslikao mnogo lirskih i erotskih surimona, kao i ciklus pejzaža „Šezdeset devet stanica Kisokaida“, koje nije uspio dovršiti, a završio ga je Hirošige.
Novost u prikazu bidžinge leži u senzualnosti kakva do sada nije viđena kod drugih umjetnika. Iz njegovih radova možemo razumjeti modu tog vremena. Takođe je objavio biografije „Četrdeset i sedam Ronina” i napisao nekoliko drugih knjiga, uključujući „Istoriju Ukijo-e štampe” (Ukiyo-e ruiko), koja sadrži biografije umetnika. A u Bilješkama bezimenog starca opisao je sebe kao pokvarenog pijanca i bivšeg vlasnika javne kuće u Nedzuu, koja je izgorjela do temelja 1830-ih.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Pravo ime umjetnika je Hozumi Jirobei. On je pronalazač ukiyo-e polihromne štampe. Pohađao je školu Kano i studirao slikarstvo. Zatim, pod uticajem Shigenage Nišimure i Torii Kiyomitsua, štampanje na drvetu postaje njegov hobi. Od početka 18. veka rađene su grafike u dve ili tri boje, a Harunobu je počeo da slika u deset boja, koristeći tri ploče i kombinujući tri boje - žutu, plavu i crvenu.
Isticao se u prikazivanju uličnih scena i slika u žanru šunga. A od 1760-ih, bio je jedan od prvih koji je portretirao glumce Kabuki pozorišta. Njegovi radovi su uticali na E. Maneta i E. Degasa.
(小原古邨, 1877 - 1945). Njegovo pravo ime je Matao Ohara. Prikazane scene iz rusko-japanskog i kinesko-japanskog rata. Međutim, nakon što se fotografija pojavila, njegovi radovi počeli su se slabo prodavati, a on je počeo zarađivati za život predavajući u školi likovne umjetnosti u Tokiju. Godine 1926. Ernest Felloza, kustos odjela Japanska umjetnost u Bostonskom muzeju, ubedio je Ohara da se vrati slikarstvu, a umetnik je počeo da prikazuje ptice i cveće, a njegovi radovi su se dobro prodavali u inostranstvu. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Među ostalim umjetnicima isticao se po svojoj ekscentričnosti i načinu života, koji se sastojao od prijateljstva sa mnogim kulturnim i vjerske ličnosti tog vremena. Prikazivao je životinje, cvijeće i ptice u vrlo egzotičnom obliku. Bio je veoma poznat i primao je narudžbine za oslikavanje paravana i hramskih slika.
(鳥居清信, 1664-1729). Jedan od najvažnijih predstavnika rani period Ukiyo-e. Uprkos velikom uticaju svog učitelja Hišikave Monorobua, postao je osnivač yakusha-e žanra u prikazivanju postera i postera i izmislio sopstveni stil. Glumci su prikazani u posebnim pozama kao hrabri heroji i slikani 
plemenito narandžasta boja, a zlikovci su uvučeni plave boje. Da bi prikazao strast, umjetnik je izumio posebnu vrstu mimizugaki crteža - to su krivudave linije s naizmjeničnim tankim i debelim potezima i u kombinaciji s grotesknom slikom mišića udova.
Torii Kiyonobu je osnivač Torii dinastije umjetnika. Njegovi učenici su bili Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I i Torii Kiyomitsu.
Ko je vaš omiljeni ukiyo-e umjetnik?
Japanski jezik se po svojoj strukturi razlikuje od bilo kojeg evropskog jezika, što može uzrokovati određene poteškoće u učenju. Međutim, ne brinite! Posebno za vas, razvili ste kurs „“, na koji se možete prijaviti odmah!
Jednobojno slikarstvo Japana jedan je od jedinstvenih fenomena istočnjačke umjetnosti. Dosta rada i istraživanja je posvećeno tome, ali se često doživljava kao vrlo konvencionalna stvar, a ponekad čak i dekorativna. To nije tako. Duhovni svijet japanskog umjetnika je vrlo bogat, a njemu nije stalo toliko do estetske komponente koliko do duhovne. Umetnost Istoka je sinteza spoljašnjeg i unutrašnjeg, eksplicitnog i implicitnog.
U ovom postu želim da obratim pažnju ne na istoriju monohromatskog slikarstva, već na njegovu suštinu. O tome ćemo razgovarati.
ekran "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593
Ono što vidimo na monohromatskim slikama rezultat je umetnikove interakcije sa osnovnom trijadom: papir, kist, mastilo. Stoga, da biste ispravno razumjeli rad, morate razumjeti samog umjetnika i njegov stav.
"Pejzaž" Sesshu, 1398
Papir za japanskog majstora to nije lako improvizovanog materijala, koju on podređuje svom hiru, već suprotno - ovo je "brat", pa se prema tome i odnos prema njoj razvio. Papir je dio okolna priroda, prema kojem su se Japanci oduvijek odnosili s poštovanjem i nastojali da ga ne potčine, već da s njim mirno koegzistiraju. Papir je u prošlosti drvo koje je stajalo na određenom području, određeno vrijeme, "vidjela" nešto oko sebe, a ona sve to čuva. Ovako japanski umjetnik doživljava materijal. Često, prije početka rada, majstori su dugo gledali Prazan list(razmišljali su) i tek onda počeli slikati. Čak i sada, moderni japanski umjetnici koji prakticiraju tehniku Nihon-ga (tradicionalno japansko slikarstvo) pažljivo biraju papir. Kupuju ga po narudžbi iz fabrika papira. Svaki umjetnik ima određenu debljinu, propusnost vlage i teksturu (mnogi umjetnici čak sklapaju ugovor sa vlasnikom tvornice da ovaj papir ne prodaju drugim umjetnicima) - stoga se svaka slika doživljava kao nešto jedinstveno i živo.
"Čitanje u šumarku bambusa" Xubun, 1446.
Govoreći o značaju ovog materijala, vrijedi spomenuti takve poznate spomenike japanske književnosti kao što su "Bilješke uz krevet" Seija Šonagona i "Genji Monogotari" Murasakija Šikibua: i u "Bilješkama" i "Genji" možete pronaći zaplete kada dvorjani ili ljubavnici razmjenjuju poruke . Papir na kojem su ispisane ove poruke bio je odgovarajućeg doba godine, nijanse, a način pisanja teksta odgovarao je njegovoj teksturi.
"Murasaki Shikibu u hramu Ishiyama" Kyosen
Četka- druga komponenta je nastavak majstorove ruke (opet, ovo je prirodni materijal). Stoga su se i kistovi izrađivali po narudžbi, ali najčešće sam umjetnik. Odabrao je dlačice potrebne dužine, odabrao veličinu četke i najudobniju dršku. Majstor slika samo svojim kistom i ničim drugim. (Od lično iskustvo: pohađao majstorsku klasu Kineski umetnik Jiang Shilun, publika ga je zamolila da pokaže šta mogu njegovi učenici koji su prisustvovali majstorskom kursu, a svaki od njih je, uzimajući u ruke majstorovu četku, rekao da rezultat neće biti onakav kakav su očekivali, jer kist nije njihov. , nisu navikli na to i ne znaju kako da ga pravilno koriste).
Skica tušem "Fuji" od Katsushike Hokusaija
Maskara- treći važan element. Maskara se dešava različite vrste: može dati sjajni ili mat efekat nakon sušenja, možda sa dodatkom srebrnih ili oker nijansi, stoga pravi izbor maskara takođe nije nevažna.
Yamamoto Baitsu, kraj 18. - 19. vijeka.
Glavni predmeti monohromatskog slikarstva su pejzaži. Zašto u njima nema boja?
Upareni ekran "Pines", Hasegawa Tohaku
Prvo, japanskog umjetnika ne zanima sam predmet, već njegova suština, određena komponenta koja je zajednička svim živim bićima i vodi harmoniji između čovjeka i prirode. Dakle, slika je uvek nagoveštaj, ona je upućena našim čulima, a ne viziji. Potcenjivanje je podsticaj za dijalog, a samim tim i za povezivanje. Linije i mrlje su važne na slici – one se formiraju umjetnički jezik. To nije sloboda majstora, koji je ostavio smeli trag tamo gde je hteo, već je na drugom mestu, naprotiv, potcrtao - sve na slici ima svoje značenje i značaj, i nije slučajno.
Drugo, boja uvijek nosi neku vrstu emocionalne konotacije i drugačije se percipira različiti ljudi u različitim stanjima, dakle, emocionalna neutralnost omogućava gledaocu da najadekvatnije uđe u dijalog, da ga pozicionira za opažanje, kontemplaciju i razmišljanje.
Treće, ovo je interakcija yin-a i yang-a, bilo koja jednobojna slika je harmonična sa stanovišta omjera tinte i netaknute površine papira.
Zašto je većina papirnog prostora neiskorištena?
"Pejzaž" Xubun, sredina 15. vijeka.
Prvo, prazan prostor uranja gledaoca u sliku; drugo, slika se stvara kao da je na trenutak isplivala na površinu i da će nestati - to je povezano sa svjetonazorom i svjetonazorom; treće, u onim područjima gdje nema mastila dolazi do izražaja tekstura i nijansa papira (to nije uvijek vidljivo na reprodukcijama, ali u stvarnosti je to uvijek interakcija dva materijala - papira i mastila).
Sesshu, 1446
Zašto pejzaž?
"Razmatranje vodopada" Gayami, 1478
Prema japanskom svjetonazoru, priroda je savršenija od čovjeka, pa on mora učiti od nje, štititi je na svaki mogući način, a ne uništavati ili potčinjavati. Stoga se u mnogim pejzažima mogu vidjeti male slike ljudi, ali su one uvijek beznačajne, male u odnosu na sam krajolik, ili slike koliba koje se uklapaju u prostor koji ih okružuje i nisu uvijek uočljive - sve su to simboli pogled na svet.
"Godišnja doba: jesen i zima" Sesshu. "Pejzaž" Sesshu, 1481
U zaključku, želim da kažem da jednobojno japansko slikarstvo nije haotično prskano mastilo, nije hir umetnikovog unutrašnjeg ega - to je čitav sistem slika i simbola, ono je skladište filozofske misli, i što je najvažnije, način komunikacije i harmonizacije sebe i svijeta oko nas.
Evo, mislim, odgovora na glavna pitanja koja se javljaju kod gledaoca kada se suoči sa monohromatskim Japansko slikarstvo. Nadam se da će vam pomoći da to najispravnije shvatite i uočite kada se sretnete.
