Japanski klasično slikarstvo ima dugu i zanimljivu istoriju. Vizuelna umjetnost Japana predstavljena je u različitim stilovima i žanrovima, od kojih je svaki jedinstven na svoj način. Drevne oslikane figurice i geometrijski motivi pronađeni na bronzanim dotaku zvonima i krhotinama keramike datiraju iz 300. godine nove ere.

Budistička orijentacija umjetnosti

Umjetnost zidnog slikarstva bila je prilično razvijena u Japanu; u 6. stoljeću slike na temu budističke filozofije bile su posebno popularne. U to vrijeme u zemlji su se gradili veliki hramovi, a njihovi zidovi su posvuda bili ukrašeni freskama oslikanim prema scenama iz budističkih mitova i legendi. Drevni primjerci zidnih slika još se čuvaju u hramu Horyuji u blizini japanskog grada Nara. Horyuji murali prikazuju scene iz života Bude i drugih bogova. Umjetnički stil ovih fresaka je vrlo blizak vizuelni koncept, popularan u Kini za vrijeme dinastije Song.

Slikarski stil dinastije Tang stekao je posebnu popularnost sredinom perioda Nara. Freske otkrivene u grobnici Takamatsuzuka datiraju otprilike iz 7. stoljeća nove ere iz tog perioda. Umjetnička tehnika, nastala pod utjecajem dinastije Tang, kasnije je formirala osnovu slikarskog žanra kara-e. Ovaj žanr je zadržao svoju popularnost sve do pojave prvih djela u stilu Yamato-e. Većina fresaka i slika je nepoznatih autora, a danas se mnoga djela iz tog perioda čuvaju u riznici Sesoina.

Sve veći uticaj novih budističkih škola kao što je Tendai uticao je na širu versku orijentaciju vizualna umjetnost Japan u 8. i 9. veku. U 10. veku, kada je došlo do posebnog napretka japanskog budizma, žanr raigozua, pojavile su se „slike dobrodošlice“, koje su prikazivale dolazak Bude u zapadni raj. Rani primjeri raigozua, koji datiraju iz 1053. godine, mogu se vidjeti u hramu Bedo-in, koji je opstao u gradu Uji, prefektura Kjoto.

Promjena stilova

Sredinom Heian perioda zamijenjen Kineski stil Kara-e dolazi iz žanra Yamato-e, koji je dugo vremena postao jedan od najpopularnijih i najtraženijih žanrova japanskog slikarstva. Novi slikovni stil se uglavnom koristio u slikanju sklopivih paravana i kliznih vrata. Vremenom, yamato-e je takođe prešao na horizontalne emakimono svitke. Umjetnici koji su radili u žanru emaki pokušali su svojim radovima prenijeti svu emocionalnost odabrane radnje. Genji Monogatari svitak sastojao se od nekoliko epizoda nanizanih zajedno, s umjetnicima tog vremena koji su koristili brze poteze četkicom i svijetle, izražajne boje.

E-maki je jedan od najstarijih i najistaknutijih primjera otoko-e, žanra muškog portreta. Naglašeni su portreti žena poseban žanr onna-uh. Između ovih žanrova, zapravo, kao i između muškaraca i žena, vidljive su prilično značajne razlike. Onna-e stil je živopisno predstavljen u dizajnu Priče o Genđiju, gdje su glavne teme crteža romantične teme i scene iz dvorskog života. Muški stil otoko-e je prvenstveno umjetnički prikaz povijesnih bitaka i drugih važnih događaja u životu carstva.

Postala je klasična japanska umjetnička škola plodno tlo za razvoj i promociju ideja savremena umetnost Japan, u kojem je prilično jasno vidljiv utjecaj pop kulture i animea. Jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika našeg vremena može se nazvati Takashi Murakami, čiji je rad posvećen prikazivanju scena iz japanskog života. poslijeratnog perioda i koncept maksimalne fuzije likovne umjetnosti i mainstream.

Od poznatih japanskih umjetnika klasična škola možemo imenovati sledeće.

Napet Xubun

Syubun je radio početkom 15. veka, posvećujući dosta vremena proučavanju dela kineskih majstora dinastije Song, ovaj čovek je stajao na početku japanskog vizuelni žanr. Shubun se smatra osnivačem sumi-e stila, monohromatskog slikanja tušem. Uložio je mnogo napora da popularizira novi žanr, pretvarajući ga u jedno od vodećih područja japanskog slikarstva. Subunovi učenici bili su mnogi umjetnici koji su kasnije postali poznati, uključujući Sesshu i osnivača slavnog umetnička škola Kano Masanobu. Xubunu se pripisuju mnogi pejzaži, ali se njegovo najpoznatije djelo tradicionalno smatra “Čitanje u gaju bambusa”.

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin jedan je od najvećih umjetnika u povijesti japanskog slikarstva, osnivač i jedan od najsjajnijih predstavnika umjetnički stil rimpa. Korine se hrabro udaljio od tradicionalnih stereotipa u svojim djelima, formirajući vlastiti stil, čije su glavne karakteristike bile male forme i svijetli impresionizam radnje. Korin je poznat po svojoj posebnoj vještini u prikazivanju prirode i radu sa apstraktnim kolor kompozicijama. "Cvijet šljive crveno-bijeli" je jedan od najjačih poznata dela Poznate su i Ogata Korina, njegove slike "Hrizanteme", "Talasi Matsushime" i niz drugih.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku je osnivač japanske škole umjetnosti Hasegawa. Za rani period Tohakuovu kreativnost karakteriše uticaj čuvene škole japanskog slikarstva Kano, ali je s vremenom umjetnik formirao svoj jedinstveni stil. Na mnogo načina, Tohakuov rad je bio pod utjecajem djela priznatog majstora Sesshua; Hosegawa je čak sebe smatrao petim nasljednikom ovog velikog majstora. Primljena slika Hasegawe Tohakua "Pines". svjetska slava, poznata su i njegova djela “Javor”, “Borovi i cvjetnice” i druga.

Kano Eitoku (1543-1590)

Stil Kano škole je dominirao vizuelnom umjetnošću Japana oko četiri stoljeća, a Kano Eitoku je možda jedan od najpoznatijih i najistaknutijih predstavnika ove umjetničke škole. Eitoku je bio favorizovan od strane vlasti, pokroviteljstvo aristokrata i bogatih mecena nije moglo da ne doprinese jačanju njegove škole i popularnosti dela ovog, bez sumnje, veoma talentovanog umetnika. Klizni ekran Cypress sa osam panela, koji je naslikao Eitoku Kano, pravo je remek djelo i sjajan primjer opseg i moć Monoyama stila. Ništa manje zanimljivo izgledaju i druga djela majstora, kao što su "Ptice i drveće četiri godišnja doba", "Kineski lavovi", "Pustinjaci i vila" i mnogi drugi.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai – najveći majstoržanr ukiyo-e (japanski drvorez). Hokusaijev rad je dobio svjetsko priznanje, njegova slava u drugim zemljama nije uporediva s popularnošću većine azijskih umjetnika, njegov rad " Veliki talas u Kanagawi" postao je nešto poput poslovna kartica Japanska likovna umjetnost na svjetskoj umjetničkoj sceni. Na svoju ruku kreativni put Hokusai je koristio više od trideset pseudonima; nakon šezdeset, umjetnik se u potpunosti posvetio umjetnosti, a to vrijeme se smatra najplodnijim periodom njegovog stvaralaštva. Hokusaijeva djela utjecala su na rad zapadnih majstora impresionizma i postimpresionističkog perioda, uključujući djela Renoira, Moneta i Van Gogha.

Ima veoma bogatu istoriju; njegova tradicija je ogromna, sa jedinstvenom pozicijom Japana u svijetu koja uveliko utječe na dominantne stilove i tehnike japanskih umjetnika. Poznata činjenica To što je Japan bio prilično izolovan dugi niz vekova je posledica ne samo geografije, već i dominantne japanske kulturne tendencije ka izolaciji koja je obeležila istoriju zemlje. Tokom vekova onoga što bismo mogli nazvati „japanskom civilizacijom“, kultura i umetnost su se razvijale odvojeno od onih u ostatku sveta. A to je čak i primjetno u praksi japanskog slikarstva. Na primjer, Nihonga slike su među glavnim djelima japanske slikarske prakse. Zasniva se na preko hiljadu godina tradicije, a slike se obično stvaraju kistovima na Vashi (japanski papir) ili Egina (svila).

ipak, japanska umjetnost i slikarstvo su bili pod uticajem stranih umetničkih praksi. Prvo, to je bila kineska umjetnost u 16. stoljeću i Kineska umjetnost i kineska umjetnička tradicija, koja je bila posebno utjecajna u nekoliko aspekata. Od 17. vijeka uticaj je bio i na japansko slikarstvo Zapadne tradicije. Konkretno, tokom predratnog perioda, koji je trajao od 1868. do 1945. godine, japansko slikarstvo je bilo pod uticajem impresionizma i evropski romantizam. Istovremeno, novi evropski umjetnički pokreti su također bili pod značajnim utjecajem Japana umjetničke tehnike. U istoriji umetnosti ovaj uticaj se naziva „japanizam“, a posebno je značajan za impresioniste, kubiste i umetnike povezane sa modernizmom.

Duga istorija japanskog slikarstva može se posmatrati kao sinteza nekoliko tradicija koje stvaraju delove priznate japanske estetike. Prije svega, budistička umjetnost i slikarske metode, kao i religiozno slikarstvo, ostavili su značajan trag na estetiku japanskog slikarstva; slikanje pejzaža vodenim tušem u tradiciji kineskog književnog slikarstva - drugo važan element, prepoznat na mnogim poznatim japanskim slikama; slikanje životinja i biljaka, posebno ptica i cvijeća, ono je što se obično povezuje s japanskim kompozicijama, kao i pejzaži i prizori iz Svakodnevni život. Konačno, drevne ideje o lepoti iz filozofije i kulture imale su veliki uticaj na japansko slikarstvo Drevni Japan. Wabi, što znači prolazna i gruba ljepota, sabi (ljepota prirodne patine i starenja) i yugen (duboka gracioznost i suptilnost) nastavljaju da utiču na ideale u praksi japanskog slikarstva.

Konačno, ako se koncentrišemo na odabir deset najpoznatijih japanskih remek-djela, moramo spomenuti ukiyo-e, koji je jedan od najpopularnijih žanrova umjetnosti u Japanu, iako pripada grafiki. Dominirao je japanskom umjetnošću od 17. do 19. stoljeća, a umjetnici koji pripadaju ovom žanru stvarali su drvoreze i slike tema poput prelepe devojke, Kabuki glumci i sumo rvači, kao i scene iz istorije i narodne priče, putničke scene i pejzaži, flora i fauna, pa čak i erotika.

Uvek je teško napraviti listu najbolje slike iz umetničkih tradicija. Mnogi nevjerovatni radovi bit će isključeni; međutim, ova lista sadrži deset najprepoznatljivijih japanskih slika na svijetu. Ovaj članak će predstaviti samo slike nastale od 19. stoljeća do danas.

Japansko slikarstvo ima izuzetno bogatu istoriju. Tokom vekova, japanski umetnici su razvili veliki broj jedinstvenih tehnika i stilova koji su najvredniji doprinos Japana svetu umetnosti. Jedna od ovih tehnika je sumi-e. Sumi-e doslovno znači "crtanje tušem" i kombinuje kaligrafiju i slikanje tušem kako bi stvorio rijetku ljepotu kompozicija nacrtanih kistom. Ova ljepota je paradoksalna - drevna, ali moderna, jednostavna, a složena, hrabra, ali prigušena, nesumnjivo odražavajući duhovnu osnovu umjetnosti u zen budizmu. Budistički sveštenici su u Japan uveli čvrste blokove mastila i bambusove četke iz Kine u šestom veku, a tokom proteklih 14 vekova Japan je razvio bogato nasleđe slikanja tušem.

Pomaknite se prema dolje i pogledajte 10 japanskih slikarskih remek-djela

1. Katsushika Hokusai "San ribarske žene"

Jedna od najprepoznatljivijih japanskih slika je „San ribarske žene“. Napisana je 1814 poznati umetnik Hokusai. Po strogoj definiciji, ovo zadivljujuće Hokusaijevo djelo ne može se smatrati slikom, jer je riječ o drvorezu žanra ukiyo-e iz knjige Mladi borovi (Kinoe no Komatsu), koja je trotomna šunga knjiga. Kompozicija prikazuje mladog ama ronioca koji je seksualno isprepleten sa parom hobotnica. Ova slika je bila veoma uticajna u 19. i 20. veku. Rad je uticao na više pokojni umetnici kao što su Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopf i Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka “Abe no Nakamaro piše nostalgičnu pjesmu dok gleda mjesec”

Tessai Tomioka je pseudonim poznatog japanskog umjetnika i kaligrafa. Smatra se posljednjim velikim umjetnikom u tradiciji bunjinga i jednim od prvih glavni umjetnici Nihonga stil. Bunjinga je bila škola japanskog slikarstva koja je procvjetala u kasnoj Edo eri među umjetnicima koji su sebe smatrali literatima ili intelektualcima. Svaki od ovih umjetnika, uključujući Tessayu, razvio je svoj stil i tehniku, ali su svi bili veliki obožavatelji kineske umjetnosti i kulture.

3. Fujishima Takeji “Izlazak sunca nad istočnim morem”

Fujishima Takeji bio je japanski umjetnik poznat po svom radu na razvoju romantizma i impresionizma u umjetničkom pokretu joge (zapadnjački stil). kasno XIX- početak 20. veka. Godine 1905. otputovao je u Francusku, gdje je bio pod utjecajem francuskih pokreta tog vremena, posebno impresionizma, što se može vidjeti na njegovoj slici Izlazak sunca nad istočnim morem, koja je naslikana 1932. godine.

4. Kitagawa Utamaro “Deset tipova ženskih lica, kolekcija vladajućih ljepotica”

Kitagawa Utamaro je bio istaknuti japanski umjetnik koji je rođen 1753. i umro 1806. On je svakako najpoznatiji po seriji pod nazivom "Deset tipova ženska lica. Zbirka vladajućih ljepotica, teme Velika ljubav klasična poezija" (ponekad nazvana "Zaljubljene žene", koja sadrži odvojene gravure "Gola ljubav" i "Promišljena ljubav"). On je jedan od najvažnijih umjetnika koji pripadaju žanru ukiyo-e drvoreza.

5. Kawanabe Kyosai “Tigar”

Kawanabe Kyosai je bio jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika Edo perioda. Na njegovu umjetnost utjecao je rad Tohakua, slikara iz škole Kano iz 16. stoljeća koji je bio jedini umjetnik svog vremena koji je slikao ekrane u potpunosti mastilom na osjetljivoj pozadini od zlata u prahu. Iako je Kyosai poznat kao karikaturista, napisao je neke od njih poznate slike V Japanska istorija umjetnost 19. vijeka. "Tigar" je jedna od onih slika za koje je Kyosai koristio akvarel i mastilo.

6. Hiroši Jošida “Fudži sa jezera Kavaguči”

Hiroshi Yoshida je poznat kao jedna od glavnih figura Shin-hanga stila (Shin-hanga je umjetnički pokret u Japanu početkom 20. stoljeća, tokom perioda Taisho i Showa, koji je oživio tradicionalna umjetnost ukiyo-e, koji se ukorijenio u periodima Edo i Meiji (XVII - XIX vijek)). Bio je obučen u tradiciji Zapadno slikarstvo ulje, koje je pozajmljeno iz Japana tokom Meiji perioda.

7. Takashi Murakami “727”

Takashi Murakami je vjerovatno najpopularniji japanski umjetnik našeg vremena. Njegovi radovi prodaju se po astronomskim cijenama na velikim aukcijama, a njegov rad već inspirira nove generacije umjetnika ne samo u Japanu, već iu inostranstvu. Murakamijeva umjetnost uključuje niz medija i obično se opisuje kao superflat. Njegov rad je poznat po upotrebi boja, uključujući motive japanske tradicionalne i popularne kulture. Sadržaj njegovih slika često se opisuje kao "slatki", "psihedelični" ili "satirični".

8. Yayoi Kusama “Pumpkin”

Yaoi Kusama je također jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika. Ona stvara u razne tehnike, uključujući slikarstvo, kolaž, scat skulpturu, performans, umjetnost okoliša i instalaciju, od kojih većina pokazuje njen tematski interes za psihodelične boje, ponavljanje i uzorak. Jedna od najpoznatijih serija ovog velikog umjetnika je serija “Bundeva”. Prekrivena točkastim uzorkom, obična bundeva jarko žute boje predstavljena je na mrežastoj pozadini. Zajedno, svi takvi elementi čine vizuelni jezik koji je nepogrešivo veran umetnikovom stilu, a razvijan je i usavršavan decenijama mukotrpne proizvodnje i reprodukcije.

9. Tenmyoya Hisashi “Japanski duh br. 14”

Tenmyoya Hisashi je savremeni japanski umjetnik koji je poznat po svojim neo-nihonga slikama. Učestvovao je u obnovi stara tradicija Japansko slikarstvo, koje je potpuna suprotnost modernom japanskom slikarstvu. Godine 2000. kreirao je i svoju novi stil butouha, koji demonstrira jak stav do autoritativnog umetnički sistem kroz njegove slike. "Japanese Spirit No. 14" nastao je kao dio umjetnička shema„BASARA“, tumačeno u japanskoj kulturi kao buntovno ponašanje niže aristokracije tokom perioda Zaraćenih država da se onima na vlasti uskrati mogućnost da ostvare idealan životni stil oblačeći se u bujnu i luksuznu odjeću i ponašajući se iz slobodne volje, neprimjerene njihovoj društvena klasa.

10. Katsushika Hokusai “Veliki val od Kanagawe”

Konačno, Veliki talas od Kanagave je verovatno najprepoznatljivija japanska slika ikada naslikana. Ovo je zapravo najviše poznato delo umjetnost nastala u Japanu. To prikazuje ogromni talasi prijeteći čamcima uz obalu prefekture Kanagava. Iako se ponekad pogrešno smatra cunamijem, val je, kao što naziv slike sugerira, najvjerovatnije jednostavno nenormalno visok. Slika je napravljena u ukiyo-e tradiciji.

Od:  

- Pridruži nam se! Tvoje ime:

Komentar:

Umjetnost i dizajn

2643

01.02.18 09:02

Današnja umjetnička scena Japana vrlo je raznolika i provokativna: gledajući radove majstora iz Zemlje izlazećeg sunca, pomislit ćete da ste stigli na drugu planetu! Dom inovatora koji su promijenili pejzaž industrije na globalnoj razini. Evo liste od 10 savremenih japanskih umjetnika i njihovih kreacija, od nevjerovatnih stvorenja Takashija Murakamija (koji danas slavi rođendan) do živopisnog svemira Kusame.

Od futurističkih svjetova do isprekidanih sazviježđa: savremeni japanski umjetnici

Takashi Murakami: tradicionalist i klasik

Počnimo od junaka prilike! Takashi Murakami jedan je od najpoznatijih japanskih savremenih umjetnika, koji radi na slikama, velikim skulpturama i modnoj odjeći. Murakamijev stil je pod utjecajem mange i animea. Osnivač je pokreta Superflat, koji podržava japansku umjetničku tradiciju i poslijeratnu kulturu zemlje. Murakami je promovirao mnoge svoje kolege savremenike, a neke od njih ćemo upoznati i danas. “Subkulturna” djela Takashi Murakamija predstavljena su na umjetničkim tržištima mode i umjetnosti. Njegov provokativni film Moj usamljeni kauboj (1998.) prodat je u Njujorku na Sotheby's 2008. za rekordnih 15,2 miliona dolara. Murakami je sarađivao sa svjetski poznatim brendovima Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.

Tiho Ašima i njen nadrealni univerzum

Članica umjetničke produkcijske kuće Kaikai Kiki i pokreta Superflat (oba osnovao Takashi Murakami), Chicho Ashima poznata je po svojim fantastičnim gradskim pejzažima i čudnim pop stvorenjima. Umjetnik stvara nadrealne snove u kojima žive demoni, duhovi, mlade ljepotice, prikazane na pozadini neobične prirode. Njeni radovi su obično velikih razmera i štampani na papiru, koži i plastici. Ova savremena japanska umjetnica je 2006. godine učestvovala na Art on the Underground u Londonu. Napravila je 17 uzastopnih lukova za platformu - magični pejzaž postepeno se pretvarao iz dana u noć, iz urbanog u ruralno. Ovo čudo je procvjetalo na stanici metroa Gloucester Road.

Chiharu Shima i beskrajne niti

Drugi umjetnik, Chiharu Shiota, radi na velikim vizualnim instalacijama za određene znamenitosti. Rođena je u Osaki, ali sada živi u Njemačkoj - u Berlinu. Centralne teme njenog rada su zaborav i sećanje, snovi i stvarnost, prošlost i sadašnjost, kao i suočavanje sa anksioznošću. Najviše poznata dela Chiharu Shiota - neprobojne mreže crnih niti, koje pokrivaju mnoge kućne i lične predmete - poput starih stolica, Vjenčanica, spaljeni klavir. U ljeto 2014. Shiota je povezao donirane cipele i čizme (kojih je bilo više od 300) sa pramenovima crvene pređe i objesio ih na kuke. Čiharuova prva izložba u njemačkoj prijestolnici održana je tokom Berlinske sedmice umjetnosti 2016. godine i izazvala je senzaciju.

Hej Arakawa: svuda, nigdje

Hei Arakawa je inspirisan stanjima promjena, periodima nestabilnosti, elementima rizika, a njegove instalacije često simboliziraju teme prijateljstva i timskog rada. Kredo savremenog japanskog umetnika definisan je performativnim, neodređenim „svuda, ali nigde“. Njegove kreacije pojavljuju se na neočekivanim mjestima. Godine 2013. Arakawini radovi su bili izloženi na Venecijanskom bijenalu i na izložbi japanske savremene umjetnosti u Mori muzeju umjetnosti (Tokio). Instalacija Hawaiian Presence (2014) je bila zajednički projekat sa njujorškom umjetnicom Carissom Rodriguez i učestvovao na Whitney bijenalu. Takođe 2014. godine, Arakawa i njegov brat Tomu, nastupajući kao duo pod nazivom United Brothers, ponudili su posetiocima Frieze London njihov „rad“ „The This Soup Taste Ambivalent“ sa „radioaktivnim“ korenovim povrćem Fukushima daikon.

Koki Tanaka: Odnosi i ponavljanja

Koki Tanaka je 2015. godine proglašen za „Umjetnik godine“. Tanaka istražuje zajedničko iskustvo kreativnosti i mašte, potiče razmjenu između učesnika u projektu i zalaže se za nova pravila saradnje. Njegova instalacija u japanskom paviljonu na Venecijanskom bijenalu 2013. sastojala se od video zapisa objekata koji su prostor transformirali u platformu za umjetničku razmjenu. Instalacije Kokija Tanake (ne brkati s njegovim punim imenom glumca) ilustruju odnos između objekata i radnji, na primjer, video sadrži snimke jednostavnih gesta izvedenih običnim predmetima (nož koji reže povrće, pivo se sipa u čašu , otvarajući kišobran). Ne dešava se ništa značajno, osim opsesivnog ponavljanja i pažnje do najsitnijih detalja učiniti da gledalac cijeni svjetovno.

Mariko Mori i aerodinamičnim oblicima

Još jedna savremena japanska umjetnica, Mariko Mori, „dočara“ multimedijalne objekte, kombinirajući video zapise, fotografije i objekte. Karakteriziraju je minimalistička futuristička vizija i uglađene nadrealne forme. Tema koja se ponavlja u Morijevom djelu je suprotstavljanje zapadnjačke legende sa zapadnom kulturom. Godine 2010. Mariko je osnovala Fau fondaciju, obrazovnu kulturnu neprofitna organizacija, za koju je izradila seriju svojih umjetničkih instalacija u čast šest naseljenih kontinenata. Nedavno je stalna instalacija Fondacije "Prsten: Jedno s prirodom" podignuta iznad slikovitog vodopada u Resendeu blizu Rio de Janeira.

Ryoji Ikeda: sinteza zvuka i videa

Ryoji Ikeda je novi medijski umjetnik i kompozitor čiji se rad prvenstveno bavi zvukom u različitim "sirovim" stanjima, od sinusnih valova do buke koristeći frekvencije na rubu ljudskog sluha. Njegove impresivne instalacije uključuju kompjuterski generirane zvukove koji se vizualno pretvaraju u video projekcije ili digitalne uzorke. Ikedina audiovizuelna umjetnost koristi skalu, svjetlo, sjenu, jačinu zvuka, elektronske zvukove i ritam. Umjetnikov čuveni testni centar sastoji se od pet projektora koji osvjetljavaju prostor dužine 28 metara i širine 8 metara. Postavka pretvara podatke (tekst, zvukove, fotografije i filmove) u bar kodove i binarne obrasce jedinica i nula.

Tatsuo Miyajima i LED brojači

Savremeni japanski vajar i instalacijski umjetnik Tatsuo Miyajima u svojoj umjetnosti koristi električna kola, video zapise, kompjutere i druge sprave. Miyajima su inspirisani osnovnim konceptima humanističkih ideja i budističkih učenja. LED brojači u njegovim instalacijama neprekidno trepere u ponavljanju od 1 do 9, simbolizirajući putovanje od života do smrti, ali izbjegavajući konačnost koju predstavlja 0 (nula se nikada ne pojavljuje u Tatsuovom radu). Sveprisutni brojevi u mrežama, tornjevima i dijagramima izražavaju Miyajimovo zanimanje za ideje kontinuiteta, vječnosti, povezanosti i protoka vremena i prostora. Nedavno je Miyajima "Strela vremena" prikazana na inauguracionoj izložbi "Nedovršene misli vidljive u Njujorku".

Nara Yoshimoto i zla djeca

Nara Yoshimoto stvara slike, skulpture i crteže djece i pasa – subjekte koji odražavaju osjećaj dosade i frustracije iz djetinjstva i žestoku nezavisnost koja je prirodna za malu djecu. Estetika Yoshimotoovog rada podsjeća na tradicionalnu ilustracije knjiga, mješavina je nemirne napetosti i umjetnikove ljubavi prema punk rocku. Godine 2011., Muzej Azijskog društva u New Yorku bio je domaćin Yoshimotoove prve samostalne izložbe pod nazivom „Yoshitomo Nara: Ničija budala”, koja pokriva dvadesetogodišnju karijeru savremenog japanskog umjetnika. Izložbe su bile usko povezane sa globalnim omladinskim subkulturama i njihovom otuđenjem i protest.

Yayoi Kusama i prostor koji prerasta u čudne oblike

Nevjerovatno kreativna biografija Kusamin Yayoi obuhvata sedam decenija. Za to vreme, neverovatna Japanka uspela je da prouči oblasti slikarstva, grafike, kolaža, skulpture, bioskopa, graviranja, ekološke umetnosti, instalacije, kao i književnosti, mode i dizajna odeće. Kusama je razvila vrlo prepoznatljiv stil dot art koji je postao njen zaštitni znak. Iluzorne vizije prikazane u radu 88-godišnje Kusame – gdje se čini da je svijet prekriven prostranim, čudnim oblicima – rezultat su halucinacija koje je iskusila od djetinjstva. Sobe sa šarenim tačkama i „beskonačnim“ ogledalima koja odražavaju njihove klastere su prepoznatljive i ne mogu se pobrkati ni sa čim drugim.

Hariyo Marita je rođena 1945. godine u prefekturi Saitama.

Od ranog djetinjstva učila je japansko klasično crtanje kod majstora Husukija. Takođe je upoznao Hariyo Marita sa slikarskim kompozicijama koje su japanske slike učinile tako popularnim u Japanu i na Zapadu.

Godine 1960. njeni radovi su prepoznati kao najbolji na konkursu organizovanom u prefekturi.

Nakon studentskog školovanja, Hariyo je radila oko 10 godina kao dizajnerica kimona i kao rezultat toga razvila vlastiti stil, u kojem je uspjela spojiti klasičnu japansku umjetnost i vlastitu ideju ​​modernog japanskog slikarstva. Uz kimono, dizajn Hariyo Marite uključivao je i razvoj kanzashija. U skladu sa istorijskim Japanska tradicija, kombinacija kanzashi elemenata je trebala odražavati promjenu godišnjih doba i varirati od mjeseca do mjeseca.

Godine 1977. umjetnica se preselila u London i priredila samostalne izložbe svojih radova u Londonu, New Yorku, Honoluluu, Los Angelesu, Saudijska Arabija, Tokio. Ljubitelji umjetnosti zaista su voljeli njen rad.

Kasnije se Hariyo Marita preselila u Australiju, gdje joj se jako svidjela klima, koja je, prema riječima umjetnice, idealna za njen rad.

Na svojim slikama Hariyo Marita prikazuje gejše, yujo i plemenite dame Heian ere (794. - 1185.).

Plemenite dame iz Heian ere

Japanke su se mogle pokazati samo u dva slučaja: izvan zidova vlastitog doma, okružene ukućanima i/ili muževima, ili su to mogle učiniti gejše, jer Još u doba Heiana nastao je običaj prema kojem su plemenite dame morale javno pokrivati ​​lice.

Ideal ženske ljepote tog vremena u Japanu: okruglo lice, visoko čelo, bijela koža. Žene su gusto izbjeljivale svoja lica puderom oshiroi riže, koji je bilo prilično teško isprati. Prirodne obrve smatrale su se vulgarnim, brijale su se i umjesto njih na čelu su iscrtane kratke, debele crne linije. Kasnije su japanske ljepotice počele da čupaju obrve. Oči su bile obrubljene crnom ili crvenom bojom, usne su bile ofarbane crvenim ružem. Takođe, žene su mogle koristiti crnu maskaru kako bi naglasile liniju kose, koja je trebalo da se skupi na čelu u obliku trougla. To je stvorilo iluziju guste kose.

Najvažnija karakteristika ljepote Heian žene bila je njena kosa. Kosa je morala biti gusta, tamnocrna, glatka i veoma duga, ispod peta. Trebaju biti labave i ležati duž leđa u jednoj tamnoj gustoj masi. Ova frizura se zvala kurokami. Ova moda je nastala kao reakcija na uvoznu kinesku modu, gdje su frizure bile mnogo kraće i uključivale konjske repove. Prema legendi, rekorder za najdužu kosu tokom Heian perioda bila je žena sa kosom dugom 7 metara.

Gejša

Gejša je djevojka koja svoje klijente (goste, posjetioce) zabavlja japanskim plesom, pjevanjem, vođenjem čajne ceremonije i razgovorom na bilo koju temu, obično obučena u kimono i tradicionalno našminkana i frizurirana.

“Prava gejša nikada neće narušiti svoju reputaciju time što će biti dostupna muškarcima.”

Gejša je sigurno znala mnogo o primijenjenoj psihologiji. Gejša je mogla da čita misli, osećanja, emocije i još mnogo toga sa lica svog sagovornika. Ali glavna stvar, najveća stvar, ono što je gejše činilo posebnim - bile su sretne žene. I gosti i klijenti su ih takvim doživljavali. Zračile su radošću i svetlošću. Uvek je osmeh na tvom licu. Ton glasa je muzikalan i melodičan. Pokreti su glatki, kao mačka zadovoljna sobom. Misli su samo vedre, vesele, energične. Ovoj mentalnoj disciplini pridavao se veliki značaj.

Spremnost da uživate u životu u svemu i uvek. Bilo da je to jednostavno piće sakea sa klijentom ili sofisticirani razgovor uz šoljicu čaja. Bilo da je to šetnja po kiši niz ulicu. Pogled baci na pticu koja leti nebom. Uživajte u svemu. Pretvorite čak i sitnicu u prijatan događaj. To je ono što su djevojčice učili u pravim školama za gejše.

Yujo

Yujo je jedini tip Japanke čiji je kaiš vezan sprijeda. Yujo najviše kategorije zovu se tayu.

Yujo je imao svako pravo zbog svog slobodnog i ponekad tvrdoglavog raspoloženja mogla je odbiti da se bavi klijentom. Moja naklonost je morala biti zadobijena.

Radoznali svijet pripremio je za vas izbor slika Hariyo Marite na kojima je umjetnik prikazao sve ove lijepe i tako različite Japanke.

Malo je vjerovatno da će Yayoi Kusama moći da odgovori šta je činilo osnovu njene karijere kao umjetnice. Ima 87 godina, njena umjetnost je priznata u cijelom svijetu. Uskoro će biti velike izložbe njenih radova u SAD-u i Japanu, ali još nije sve ispričala svijetu. “Još uvijek je na putu. Kreiraću ovo u budućnosti", kaže Kusama. Nazivaju je najuspješnijom umjetnicom u Japanu. Osim toga, ona je i najskuplja živa umjetnica: 2014. godine njena slika “White No. 28” prodata je za 7,1 milion dolara.

Kusama živi u Tokiju i dobrovoljno boravi u duševnoj bolnici skoro četrdeset godina. Jednom dnevno ostavlja njene zidove da farba. Ustaje u tri sata ujutro, ne može da zaspi i želi da produktivno provede vrijeme na poslu. „Sada sam star, ali i dalje ću stvarati više posla I najbolji radovi. Više nego što sam radio u prošlosti. Um mi je pun slika”, kaže ona.

(Ukupno 17 fotografija)

Yayoi Kusama na izložbi svojih radova u Londonu 1985. Fotografija: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Od devet do šest, Kusama radi u svom trospratnom studiju iz udobnosti invalidskih kolica. Može hodati, ali je preslaba. Žena radi na platnu položenom na stolove ili pričvršćenom za pod. Atelje je pun novih slika, svetlih radova išaranih sitnim mrljama. Umjetnica to naziva "samoutišavanjem" - beskrajnim ponavljanjem koje prigušuje buku u njenoj glavi.

Prije dodjele umjetničkih nagrada Praemium Imperiale 2006. u Tokiju. Fotografija: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Uskoro se otvara nova galerija preko puta, a još jedan muzej njene umjetnosti gradi se sjeverno od Tokija. Osim toga, otvaraju se dvije velike izložbe njenih radova. "Yayoi Kusama: Infinity Mirrors", retrospektiva njene 65-godišnje karijere, otvorena je u Hirshhorn muzeju u Vašingtonu 23. februara i traje do 14. maja, pre nego što otputuje u Sijetl, Los Anđeles, Toronto i Klivlend. Izložba obuhvata 60 Kusaminih slika.

Njene točkice pokrivaju sve, od Louis Vuitton haljina do autobusa u njenom rodnom gradu. Kusamina djela se redovno prodaju za milione dolara i mogu se naći širom svijeta, od New Yorka do Amsterdama. Izložbe radova japanskog umjetnika toliko su popularne da su potrebne mjere za sprječavanje gužvi i nereda. Na primjer, u Hirshhornu se ulaznice za izložbu prodaju na određeno vrijeme kako bi se na neki način regulisao protok posjetitelja.

Prezentacija zajedničkog dizajna Louis Vuittona i Yayoi Kusama u New Yorku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Ali Kusami još uvijek treba vanjsko odobrenje. Na pitanje u jednom intervjuu da li je pre više decenija postigla svoj cilj da postane bogata i slavna, iznenađeno je rekla: „Kada sam bila mala, bilo mi je veoma teško da ubedim svoju majku da želim da postanem umetnica. Da li je zaista istina da sam bogat i poznat?

Kusama je rođen u Matsumotu, u planinama centralnog Japana, 1929. godine u bogatoj i konzervativnoj porodici koja se bavila prodajom sadnica. Ali to nije bio sretan dom. Njena majka je prezirala svog muža koji je varao i poslala malu Kusamu da ga špijunira. Djevojčica je viđala svog oca sa drugim ženama i to joj je dalo doživotnu odbojnost prema seksu.

Izlog butika Louis Vuitton koji je dizajnirao Kusama 2012. godine. Fotografija: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Kao dijete, počela je da doživljava vizualne i slušne halucinacije. Prvi put kada je videla bundevu, zamislila je da ona razgovara sa njom. Buduća umjetnica se nosila sa vizijama stvarajući ponavljajuće obrasce kako bi utopila misli u svojoj glavi. Već u tako mladoj dobi umjetnost je za nju postala svojevrsna terapija, koju će kasnije nazvati "umjetnička medicina".

Rad Yayoi Kusame izložen u Muzeju savremene umjetnosti Whitney 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Kusamina majka se oštro protivila želji svoje kćerke da postane umjetnica i insistirala je da djevojčica slijedi tradicionalni put. „Nije mi dozvolila da crtam. Želela je da se udam - rekla je umetnica u intervjuu. - Bacila je moj rad. Hteo sam da se bacim pod voz. Svaki dan sam se svađao sa svojom majkom i zbog toga mi je um bio oštećen.”

Godine 1948, nakon završetka rata, Kusama je otišao u Kjoto da uči tradicionalno japansko nihonga slikarstvo sa strogim pravilima. Mrzela je ovu vrstu umjetnosti.

Jedan od eksponata sa izložbe Yayoi Kusama u Muzeju savremene umetnosti Whitney 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Kada je Kusama živjela u Matsumotu, pronašla je knjigu Georgije O'Keeffe i bila je zadivljena njenim slikama. Djevojka je otišla u američku ambasadu u Tokiju kako bi u tamošnjem imeniku pronašla članak o O'Keefeu i saznala njenu adresu. Kusama joj je napisala pismo i poslala joj neke crteže, a na njeno iznenađenje, američka umetnica joj je odgovorila.

“Nisam mogao vjerovati svojoj sreći! Bila je toliko ljubazna da je odgovorila na iznenadni izliv osećanja skromne Japanke koju nikada u životu nije upoznala i za koju nikada nije ni čula”, napisala je umetnica u svojoj autobiografiji „Infinity Net”.

Yayoi Kusama u izlogu njenog Louis Vuitton butika u Njujorku 2012. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Uprkos O'Keeffeovim upozorenjima da je život mladih umjetnika u Sjedinjenim Državama veoma težak, a da ne spominjemo mlade djevojke u Japanu, Kusama je bila nezaustavljiva. Godine 1957. uspjela je dobiti pasoš i vizu. Ušivala je dolare u svoje haljine kako bi zaobišla strogu poslijeratnu valutnu kontrolu.

Prva stanica bio je Seattle, gdje je održala izložbu u maloj galeriji. Zatim je Kusama otišla u Njujork, gde je bila gorko razočarana. “Za razliku od poslijeratnog Matsumota, New York je u svakom smislu bio zlo i nasilno mjesto. Ispostavilo se da je to previše stresno za mene i ubrzo sam zaglibio u neurozu.” Da stvar bude gora, Kusama se našla u potpunom siromaštvu. Stara vrata su joj služila kao krevet, a ona je pecala riblje glave i pokvareno povrće iz kanti za otpatke da bi napravila supu.

Instalacija Infinity Mirror Room - Love Forever (“Soba sa beskonačnim ogledalima – ljubav zauvek”). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Ova teška situacija navela je Kusamu da se još više uživi u svoj posao. Počela je da stvara svoje prve slike u seriji Infinity Net, pokrivajući ogromna platna (jedno od njih je bilo visoko 10 metara) sa očaravajućim talasima malih petlji kojima se činilo da nikad nema kraja. Sama umjetnica ih je opisala na sljedeći način: "Bijele mreže koje obavijaju crne tačke tihe smrti na pozadini beznadnog mraka ništavila."

Instalacija Yayoi Kusama na otvaranju nove zgrade Muzeja savremene umetnosti Garaže u parku Gorki u Moskvi 2015. Fotografija: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Ovo opsesivno-kompulzivno ponavljanje pomoglo je otjerati neurozu, ali nije uvijek spašavalo. Kusama je stalno patila od napada psihoze i završila je u njujorškoj bolnici. Ambiciozna i odlučna, te sa zadovoljstvom prihvatajući ulogu egzotične Azijatkinje u kimonu, pridružila se krugu uticajnih ljudi u umetnosti i družila se sa priznatim umetnicima kao što su Mark Rothko i Andy Warhol. Kusama je kasnije rekla da je Vorhol oponašao njen rad.

Kusama je ubrzo stekao stepen slave i izlagao u prepunim galerijama. Osim toga, slava umjetnika postala je skandalozna.

Šezdesetih godina prošlog veka, kada je Kusama bila opsednuta točkicama, počela je da organizuje događaje u Njujorku: provocirala je ljude da se skinu goli na mestima kao što su Central Park i Bruklinski most, i oslikali njihova tijela tačkama.

Predizlaganje u Art Baselu u Hong Kongu 2013. Fotografija: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Decenijama pre pokreta Occupy Wall Street, Kusama je organizovala događaj u finansijskoj četvrti Njujorka, izjavivši da želi da "uništi muškarce sa Volstrita tačkama". Otprilike u to vrijeme počela je prekrivati ​​razne predmete - stolicu, čamac, kolica - izbočinama faličnog izgleda. „Počeo sam da stvaram penise da izlečim svoja osećanja odbojnosti prema seksu“, napisao je umetnik, opisujući kako je ovaj kreativni proces postepeno pretvorio strašno u nešto poznato.

Instalacija "Prolazi zima" u galeriji Tate u Londonu. Fotografija: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama se nikada nije udavala, iako je imala vezu nalik braku sa umetnikom Džozefom Kornellom deset godina dok je živela u Njujorku. "Nisam volela seks, a on je bio impotentan, tako da smo jedno drugom veoma odgovarali", rekla je ona u intervjuu za Art Magazin.

Kusama je postajala sve poznatija po svojim nestašlucima: ponudila je da spava s američkim predsjednikom Richardom Nixonom ako on okonča rat u Vijetnamu. „Hajde da se ukrasimo tačkama“, napisala mu je u pismu. Interes za njenu umjetnost je izblijedio, našla se u nemilosti, a problemi s novcem ponovo su počeli.

Yayoi Kusama tokom retrospektive njenog rada u Whitney Museum of Modern Art u New Yorku 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Vijesti o Kusaminim eskapadama stigle su do Japana. Počeli su je nazivati ​​"nacionalnom katastrofom", a njena majka je rekla da bi bilo bolje da joj kćerka umre od te bolesti u djetinjstvu. Početkom 1970-ih, osiromašen i propao, Kusama se vratio u Japan. Upisala se u psihijatrijsku bolnicu, gdje i danas živi, ​​i utonula u umjetnički mrak.

Godine 1989. Centar za savremenu umjetnost u New Yorku priredio je retrospektivu njenog rada. Ovo je bio početak, iako spor, oživljavanja interesovanja za Kusaminu umjetnost. Ispunila je prostoriju sa ogledalom bundevama za instalaciju koja je bila izložena na Venecijanskom bijenalu 1993. i imala veliku izložbu u MoMa u Njujorku 1998. godine. Ovdje je jednom priredila hepening.

Na izložbi Moja vječna duša vječna duša") V Nacionalni centar umjetnost u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

U proteklih nekoliko godina, Yayoi Kusama je postao međunarodni fenomen. Moderna galerija Tate u Londonu i Whitney Museum u New Yorku održali su velike retrospektive koje su privukle ogromne gomile posjetitelja, a njen kultni uzorak točkica postao je vrlo prepoznatljiv.

Na izložbi Moja vječna duša u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Umetnica ne planira da prestane da radi, ali je počela da razmišlja o svojoj smrtnosti. “Ne znam koliko dugo mogu preživjeti čak i nakon smrti. Postoji buduća generacija koja ide mojim stopama. Bila bi mi čast ako ljudi uživaju u gledanju mojih radova i ako su dirnuti mojom umjetnošću.”

Na izložbi Moja vječna duša u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Unatoč komercijalizaciji svoje umjetnosti, Kusama razmišlja o grobu u Macumotou - ne u porodičnoj kripti, ionako ga je naslijedila od roditelja - i kako ga ne pretvoriti u svetilište. „Ali još ne umirem. Mislim da ću živjeti još 20 godina”, kaže ona.

Na izložbi Moja vječna duša u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock