Slikarstvo je jedna od drevnih umjetnosti, koja je tokom mnogih stoljeća evoluirala od paleolitskih slika na stijenama do najnovijim trendovima XX, pa čak i XXI vijek. Ova umjetnost je rođena gotovo s pojavom čovječanstva. Drevni ljudi, a da nisu ni u potpunosti shvatili sebe kao ljudi, osjećali su potrebu da svijet oko sebe prikažu na površini. Slikali su sve što su vidjeli: životinje, prirodu, scene lova. Za slikanje su koristili nešto slično bojama od prirodnih materijala. To su bile zemljane boje, ugalj, crna čađ. Četke su se pravile od životinjske dlake, ili su se jednostavno slikale prstima.

Kao rezultat promjena, pojavile su se nove vrste i žanrovi slikarstva. Nakon antičkog perioda uslijedio je period antike. Postojala je želja među slikarima i umjetnicima da reproduciraju stvarni život oko nas, kakav se čini ljudima. Želja za preciznošću prijenosa izazvala je nastanak temelja perspektive, temelja svjetlosnih i sjenčanih konstrukcija različitih slika i proučavanje toga od strane umjetnika. I oni su, prije svega, proučavali kako prikazati volumetrijski prostor na ravni zida, u fresko slikarstvu. Neka umjetnička djela, poput volumetrijskog prostora, chiaroscuro, počela su se koristiti za ukrašavanje prostorija, vjerskih centara i ukopa.

Sljedeći važan period u prošlosti slikarstva je srednji vijek. U to vrijeme slikarstvo je bilo više religiozne prirode, a pogled na svijet počeo se odražavati u umjetnosti. Kreativnost umjetnika bila je usmjerena na ikonopis i druge melodije religije. Glavne važne točke koje je umjetnik morao naglasiti nisu bile toliko tačan odraz stvarnosti, već prijenos duhovnosti čak iu najrazličitijim slike. Platna tadašnjih majstora oduševljavala su svojom ekspresivnošću kontura, koloritom i šarenilom. Srednjovjekovno slikarstvo nam se čini ravno. Svi likovi umjetnika tog vremena su na istoj liniji. I zato nam se mnoga djela čine pomalo stiliziranima.

Razdoblje sivog srednjeg vijeka zamijenjeno je više svijetli period Renesansa. Renesansa je ponovo donela prekretnicu u istorijskom razvoju ove umetnosti. Nova raspoloženja u društvu, novi pogled na svijet počeli su diktirati umjetniku: koje aspekte slikarstva potpunije i jasnije otkriti. Žanrovi slikanja kao što su portret i pejzaž postat će samostalni stilovi. Umjetnici izražavaju ljudske emocije i njihov unutrašnji svijet kroz nove načine slikanja. U 17. i 18. vijeku slikarstvo je doživjelo još značajniji razvoj. U ovom periodu katolička crkva gubi na značaju, a umjetnici u svojim djelima sve više odražavaju istinske poglede na ljude, prirodu, svakodnevnicu i svakodnevicu. U tom periodu formiraju se i žanrovi kao što su barok, rokoko, klasicizam i manirizam. Pojavljuje se romantizam, koji je kasnije zamijenjen spektakularnijim stilom - impresionizmom.

Početkom dvadesetog veka slikarstvo se dramatično promenilo i pojavio se novi pravac moderne umetnosti - apstraktno slikarstvo. Ideja ovog smjera je prenijeti slaganje između čovjeka i umjetnosti, stvoriti harmoniju u kombinacijama linija i boja. Ovo je umjetnost bez objektivnosti. Ona ne teži tačnom donošenju stvarne slike, već naprotiv, ona prenosi ono što je u umetnikovoj duši, njegove emocije. Važna uloga za ovu vrstu umjetnosti su oblici i boje. Njegova je suština prenijeti ranije poznate objekte na nov način. Ovdje se nude umjetnici apsolutnu slobodu vaše fantazije. To je dalo poticaj nastanku i razvoju savremeni trendovi kao što su avangarda, underground, apstraktna umjetnost. Od kraja dvadesetog veka do danas slikarstvo se neprestano menja. No, unatoč svim novim dostignućima i modernim tehnologijama, umjetnici i dalje ostaju vjerni klasičnoj umjetnosti - slikarstvu ulja i akvarela, stvarajući svoja remek-djela uz pomoć boja i platna.

Natalia Martynenko

Istorija likovne umjetnosti

Istorija slikarstva je beskrajni lanac koji je započeo prvim slikama. Svaki stil izrasta iz stilova koji su bili prije njega. Svaki veliki umjetnik dodaje nešto dostignućima ranijih umjetnika i utječe na kasnije umjetnike.

Možemo uživati ​​u slikanju zbog njegove ljepote. Njegove linije, oblici, boje i kompozicija (raspored dijelova) mogu privući naša osjetila i ostati u našim sjećanjima. Ali uživanje u umjetnosti raste kada saznamo kada, zašto i kako je nastala.

Na istoriju slikarstva uticali su mnogi faktori. Geografija, religija, nacionalna obilježja, istorijskih događaja, razvoj novih materijala - sve to pomaže u oblikovanju vizije umjetnika. Slikarstvo je kroz istoriju odražavalo promjenjivi svijet i naše ideje o njemu. Zauzvrat, umjetnici su obezbijedili neke od njih najbolje ploče o razvoju civilizacije, ponekad otkrivajući više od pisane riječi.

Praistorijsko slikarstvo

Stanovnici pećina bili su najraniji umjetnici. Crteži u boji životinja koji datiraju od 30.000 do 10.000 godina prije Krista pronađeni su na zidovima pećina u južnoj Francuskoj i Španiji. Mnoge od ovih slika su izuzetno dobro očuvane jer su pećine bile zapečaćene vekovima. Rani ljudi crtali divlje životinje koje su vidjeli okolo. Veoma grube ljudske figure napravljene u životne pozicije, pronađeni su u Africi i istočnoj Španiji.

Pećinski umjetnici ispunili su zidove pećine crtežima u bogatim, živim bojama. Neke od najlepših slika nalaze se u pećini Altamira, u Španiji. Jedan detalj prikazuje ranjenog bivola, koji više ne može da stoji - vjerovatno žrtvu lovca. Oslikana je crvenkasto smeđom bojom i ocrtana jednostavno, ali vješto, crnom bojom. Pigmenti koje koriste pećinski umjetnici su oker (oksidi željeza u rasponu boja od svijetlo žute do tamno narandžaste) i mangan (tamni metal). Usitnjene su u fini prah, pomiješane sa lubrikantom (moguće masnim uljem) i nanesene na površinu nekom vrstom četke. Ponekad su pigmenti bili u obliku štapića, sličnih bojicama. Masnoća pomešana sa pigmentima u prahu napravila je tečnost boje, a čestice pigmenta su se zalepile. Stanovnici pećina su pravili četke od životinjskih dlaka ili biljaka, a oštre alate od silikona (za crtanje i grebanje).

Još prije 30.000 godina ljudi su izmislili osnovne alate i materijale za slikanje. Metode i materijali su se usavršavali i usavršavali tokom narednih vekova. Ali otkrića stanovnika pećine ostaju fundamentalna za slikarstvo.

egipatsko i mezopotamsko slikarstvo (3400-332 pne)

Jedna od prvih civilizacija pojavila se u Egiptu. Mnogo se zna o njihovim životima iz pisanih zapisa i umjetnosti koje su ostavili Egipćani. Vjerovali su da tijelo treba sačuvati kako bi duša mogla živjeti nakon smrti. Velike piramide bile su složene grobnice za bogate i moćne egipatske vladare. Mnogo egipatske umjetnosti stvoreno je za piramide i grobnice kraljeva i drugih važnih ljudi. Da bi bili potpuno sigurni da će duša nastaviti postojati, umjetnici su kreirali slike mrtve osobe u kamenu. Reproducirali su i scene iz ljudskog života na zidnim slikama u grobnim komorama.

Egipatske umjetničke tehnike ostale su nepromijenjene vekovima. U jednoj metodi, akvarel boja je nanesena na glinene ili krečnjačke površine. U drugom procesu, obrisi su urezani u kamene zidove i obojeni akvarelima. Za prianjanje boje na površinu vjerovatno je korišten materijal nazvan arapska guma. Srećom, suha klima i zapečaćene grobnice spriječili su da neke od ovih akvarelnih slika budu uništene vlagom. Mnogi prizori lova sa zidova grobnica u Tebi, koji datiraju iz oko 1450. godine prije Krista, dobro su očuvani. Pokazuju kako lovci jure ptice ili ribe. Ovi predmeti se i danas mogu prepoznati jer su pažljivo i pažljivo oslikani.

Mesopotamska civilizacija, koja je trajala od 3200. do 332. godine prije Krista, nalazila se u dolini između rijeka Tigris i Eufrat na Bliskom istoku. Kuće u Mesopotamiji građene su uglavnom od gline. Kako je glina omekšana od kiše, njihove zgrade su se srušile u prašinu, uništavajući sve zidne slike koje su mogle biti vrlo zanimljive. Ono što je preživjelo je ukrašena keramika (oslikana i pečena) i šareni mozaici. Iako se mozaici ne mogu smatrati slikarstvom, oni često utiču na to.

Egejska civilizacija (3000-1100 pne)

Treća velika rana kultura bila je egejska civilizacija. Egejci su živjeli na ostrvima u blizini obale Grčke i na poluostrvu Male Azije otprilike u isto vreme kada i stari Egipćani i Mezopotamci.

1900. godine, arheolozi su započeli iskopavanje palate kralja Minosa u Knososu na ostrvu Krit. Iskopavanja su otkrila umjetnička djela naslikana oko 1500. godine prije Krista. u neobično slobodnom i gracioznom stilu tog vremena. Očigledno su Krićani bili bezbrižan narod koji voli prirodu. Među njihovim omiljenim predmetima u umjetnosti bili su morski život, životinje, cvijeće, sportske igre, masovne procesije. U Knososu i drugim egejskim palatama, slike su rađene na zidovima od vlažnog maltera pomoću boja napravljenih od mineralnih materija, peska i zemljanog okera. Boja se upijala u mokru žbuku i postala stalni dio zida. Ove slike su kasnije nazvane freskama (od italijanske riječi za "svježe" ili "nove"). Krećani su voljeli jarko žute, crvene, plave i zelene boje.

Grčko i rimsko klasično slikarstvo (1100 pne – 400 n.e.)

Stari Grci su ukrašavali zidove hramova i palata freskama. Od drevnih književni izvori i iz rimskih kopija grčka umjetnost možemo reći da su Grci slikali male slike i pravili mozaike. Imena grčkih majstora i malo o njihovim životima i djelima poznato je, iako je vrlo malo grčkog slikarstva preživjelo vijekove i posljedice ratova. Grci nisu mnogo pisali u grobnicama, pa njihova djela nisu bila zaštićena.

Oslikane vaze su sve što je danas ostalo od grčkog slikarstva. Proizvodnja grnčarije bila je velika industrija u Grčkoj, posebno u Atini. Kontejneri su bili veoma traženi, izvozili su se, kao i ulje i med, i za domaće potrebe. Najranije slikanje u vazi rađeno je u geometrijskim figurama i ornamentima (1100-700 pne). Vaze su također bile ukrašene ljudskim figurama u smeđoj glazuri na svijetloj glini. Do 6. stoljeća umjetnici vaza često su slikali crne ljudske figure na prirodnoj crvenoj glini. Detalji su oštrim alatom urezani u glinu. To je omogućilo da se crvena boja pojavi u dubini reljefa.

Crvenofiguralni stil je na kraju zamijenio crni. Odnosno, obrnuto: figure su crvene, a pozadina crna. Prednost ovog stila bila je u tome što je umjetnik mogao koristiti kist za kreiranje obrisa. Četkica daje labaviju liniju od metalnog alata koji se koristi na crnim vazama sa figurama.

Rimske zidne slike pronađene su uglavnom u vilama (seoskim kućama) u Pompejima i Herkulaneumu. 79. godine nove ere ova dva grada su potpuno zatrpana erupcijom Vezuva. Arheolozi koji su iskopali ovo područje mogli su mnogo naučiti o životu starog Rima iz ovih gradova. Gotovo svaka kuća i vila u Pompejima imale su slike na zidovima. Rimski slikari su pažljivo pripremili površinu zida nanošenjem mješavine mramorne prašine i žbuke. Polirali su površine do mermerne završnice. Mnoge od slika su kopije grčkih slika iz 4. veka pre nove ere. Graciozne poze figura oslikanih na zidovima Vile Misterija u Pompejima inspirisale su umetnike u 18. veku kada je grad otkopan.

Grci i Rimljani su takođe slikali portrete. Mali broj njih, uglavnom portreti mumija, rađen je u grčki stil egipatskih umjetnika, sačuvane su oko Aleksandrije, u sjevernom Egiptu. Osnovana u 4. veku pre nove ere od strane Aleksandra Velikog iz Grčke, Aleksandrija je postala vodeći centar grčke i rimske kulture. Portreti su naslikani tehnikom enkaustike na drvetu i postavljeni u obliku mumije nakon smrti prikazane osobe. Enkaustičke slike napravljene bojom pomešanom sa otopljenim pčelinjim voskom traju veoma dugo. Zaista, ovi portreti još uvijek izgledaju svježe, iako su snimljeni u drugom vijeku prije nove ere.

Ranokršćansko i vizantijsko slikarstvo (300-1300)

Rimsko carstvo je opadalo u 4. veku nove ere. U isto vrijeme, kršćanstvo je jačalo. Rimski car Konstantin je 313. godine zvanično priznao religiju i sam se preobratio na hrišćanstvo.

Pojava kršćanstva uvelike je utjecala na umjetnost. Umjetnici su dobili zadatak da zidove crkava ukrašavaju freskama i mozaicima. Izrađivali su panoe u crkvenim kapelama, ilustrovali i ukrašavali crkvene knjige. Pod uticajem Crkve, od umetnika se očekivalo da što jasnije prenose učenje hrišćanstva.

Rani kršćani i bizantski umjetnici nastavili su tehniku ​​mozaika koju su naučili od Grka. Mali ravni komadi obojenog stakla ili kamena postavljani su na mokri cement ili gips. Ponekad su korišteni i drugi tvrdi materijali, poput komada pečene gline ili školjki. Kod italijanskog mozaika boje su posebno duboke i pune. Italijanski umjetnici napravili su pozadinu komadima pozlaćenog stakla. Prikazivali su ljudske figure u bogatim bojama na pozadini blistavog zlata. Ukupni efekat je bio ravan, dekorativan i nerealan.

Mozaici vizantijskih umjetnika često su bili čak manje realistični i još više dekorativni od motiva ranih kršćana. "Vizantijski" je naziv dati stil umjetnost koja se razvijala okolo drevni grad Vizantija (danas Istanbul, Turska). Tehnika mozaika bila je idealno prilagođena vizantijskom ukusu za veličanstveno ukrašene crkve. Čuveni mozaici Teodore i Justinijana, napravljeni oko 547. godine nove ere, pokazuju ukus za bogatstvo. Nakit na figurama blista, a šarene dvorske haljine blistaju na pozadini blistavog zlata. Bizantski umjetnici su također koristili zlato na freskama i panelima. Zlato i drugi dragocjeni materijali korišteni su u srednjem vijeku za odvajanje duhovnih predmeta od svakodnevnog svijeta.

Srednjovjekovno slikarstvo (500-1400)

Prvi dio srednjeg vijeka, otprilike od 6. do 11. stoljeća nove ere, obično se naziva mračnim vijekom. U ovo doba nemira, umjetnost se čuvala uglavnom u manastirima. U 5. veku nove ere Varanska plemena iz sjeverne i srednje Evrope lutala su kontinentom. Stotinama godina oni su dominirali zapadnom Evropom. Ovi ljudi su stvarali umjetnost u kojoj je glavni element uzorak. Posebno su bili fascinirani strukturama isprepletenih zmajeva i ptica.

Najbolje od keltske i saksonske umjetnosti može se pronaći u rukopisima iz 7. i 8. stoljeća. Ilustracije knjiga, iluminacija i minijaturno slikarstvo, prakticirani od kasnog rimskog doba, postali su široko rasprostranjeni u srednjem vijeku. Rasvjeta je ukras teksta, velikih slova i margina. Korištene su zlatne, srebrne i svijetle boje. Minijatura je mala slika, često portret. Termin je prvobitno korišten za opisivanje ukrasnog bloka oko početnih slova u rukopisu.

Karlo Veliki, koji je krunisan za cara Svetog rimskog carstva početkom 9. veka, pokušao je da oživi klasičnu umetnost kasnog rimskog i ranokršćanskog perioda. Tokom njegove vladavine slikari minijature su imitirali klasičnu umjetnost, ali su kroz svoje subjekte prenosili i lična osjećanja.

Iz srednjeg vijeka sačuvano je vrlo malo zidnog slikarstva. Crkve izgrađene u romaničkom periodu (11.-13. vek) imale su sjajne freske, ali većina njih je nestala. U crkvama gotičkog perioda (XII-XVI stoljeće) nije bilo dovoljno prostora za zidne slike. Ilustracija knjige bio je glavno djelo gotičkog slikara.

Među najbolje ilustrovanim rukopisima bili su časovnici – zbirke kalendara, molitava i psalama. Stranica iz italijanskog rukopisa prikazuje razrađene inicijale i fino detaljnu marginalnu scenu Svetog Đorđa kako ubija zmaja. Boje su briljantne i poput dragulja, poput vitraža, a zlato svjetluca sa stranice. Graciozno suptilni listovi i cvjetni dizajni graniče s tekstom. Umjetnici su vjerovatno koristili lupe da bi napravili tako zamršen, detaljan rad.

Italija: Cimabue i Giotto

Italijanski umjetnici krajem 13. stoljeća još uvijek rade u vizantijskom stilu. Ljudske figure su bile ravne i ukrasne. Lica su retko imala izraz. Tijela su bila bestežinska i činilo se da lebde umjesto da čvrsto stoje na zemlji. U Firenci je umjetnik Cimabue (1240-1302) pokušao modernizirati neke od starih vizantijskih tehnika. Anđeli u Madonni Enthroned aktivniji su nego inače na slikama tog vremena. Njihovi gestovi i lica pokazuju malo više ljudska osećanja. Cimabue je svojim slikama dodao novi osjećaj monumentalnosti ili sjaja. Međutim, nastavio je slijediti mnoge vizantijske tradicije, kao što su zlatna pozadina i šareni raspored predmeta i figura.

Bio je to veliki firentinski umjetnik Giotto (1267-1337) koji je zapravo raskinuo s vizantijskom tradicijom. Njegova serija fresaka u kapeli Arene u Padovi ostavlja daleko iza sebe vizantijsku umjetnost. Ima prave emocije, napetosti i naturalizma u ovim scenama iz života Marije i Krista. Prisutni su svi kvaliteti ljudske topline i simpatije. Ljudi ne izgledaju potpuno nestvarni ili nebeski. Giotto je zasjenio obrise figura, a stavio je duboke sjene u nabore odjeće kako bi dao osjećaj zaobljenosti i čvrstoće.

Za svoje male ploče, Giotto je koristio čistu temperu od jaja, medij koji su usavršili Firentinci u 14. vijeku. Jasnoća i svjetlina njegovih boja sigurno su u velikoj mjeri utjecale na ljude naviknute tamne boje Vizantijski paneli. Slike tempere ostavljaju utisak da na scenu pada meka dnevna svetlost. Imaju gotovo ravan izgled, za razliku od sjaja uljanih slika. Jajčana tempera je ostala glavna boja sve dok je ulje nije gotovo u potpunosti zamijenilo u 16. stoljeću.

Slikarstvo kasnog srednjeg vijeka sjeverno od Alpa

Početkom 15. stoljeća umjetnici u sjevernoj Evropi radili su u stilu potpuno drugačijem od italijanskog slikarstva. Sjevernjački umjetnici postigli su realizam dodavanjem bezbroj detalja svojim slikama. Sva kosa je bila graciozno definisana, a svaki detalj draperije ili poda bio je precizno pozicioniran. Izum uljanog slikarstva olakšao je izradu detalja.

Flamanski umjetnik Jan van Eyck (1370-1414) dao je veliki doprinos razvoju uljanog slikarstva. Kada se koristi tempera, boje se moraju nanositi odvojeno. Ne mogu se dobro zasjeniti jer se boja brzo suši. Uljem koje se sporo suši umjetnik može postići složenije efekte. Njegovi portreti iz 1466-1530. izvedeni su u tehnici flamanskog ulja. Svi detalji, pa čak i refleksije u ogledalu su jasni i tačni. Boja je postojana i ima tvrdu površinu nalik na emajl. Grudirani drveni panel pripremljen je na isti način na koji je Giotto pripremao svoje ploče za temperu. Van Eyck je stvorio sliku sa slojevima fine boje zvane glazura. Tempera je vjerovatno korištena u izvornom podrastu i za naglaske.

Italijanska renesansa

U vrijeme kada je van Eyck radio na sjeveru, Italijani su ulazili u zlatno doba umjetnosti i književnosti. Ovaj period se naziva renesansa, što znači ponovno rođenje. Italijanski umjetnici bili su inspirirani skulpturama starih Grka i Rimljana. Italijani su željeli oživjeti duh klasične umjetnosti, koja veliča ljudsku nezavisnost i plemenitost. Renesansni umjetnici nastavili su slikati vjerske scene. Ali su i naglasili zemaljski život i dostignuća ljudi.

Firenca

Giottova dostignuća u ranom 14. vijeku označila su početak renesanse. Italijanski umjetnici 17. vijeka su ga nastavili. Masaccio (1401-1428) bio je jedan od predvodnika prve generacije renesansnih umjetnika. Živio je u Firenci, bogatom trgovačkom gradu u kojem je počela renesansna umjetnost. Do svoje smrti, kasnih dvadesetih godina, napravio je revoluciju u slikarstvu. U njegovom poznata freska“The Tribute Money” postavlja impozantne skulpturalne figure u pejzaž koji kao da se proteže daleko u daljinu. Masaccio je možda proučavao perspektivu od firentinskog arhitekte i vajara Bruneleskija (1377-1414).

Tehnika fresaka bila je veoma popularna tokom renesanse. Posebno je bio pogodan za velike murale jer su boje na fresci suhe i savršeno ravne. Slika se može posmatrati iz bilo kog ugla bez odsjaja ili refleksije. Freske su također dostupne. Obično su umjetnici imali nekoliko asistenata. Radovi su izvedeni u dijelovima jer je trebalo završiti dok je malter još bio mokar.

Masacciov puni "trodimenzionalni" stil bio je tipičan za novi progresivni pokret 15. stoljeća. Stil Fra Angelica (1400-1455) predstavlja tradicionalniji pristup, koji su koristili mnogi umjetnici rane renesanse. Manje ga je zanimala perspektiva, a više ga je zanimao dekorativni dizajn. Njegovo “Krunisanje Bogorodice” primjer je tempere u njenom najljepšem obliku. Zabavne, bogate boje postavljene na zlato i naglašene zlatom. Slika izgleda kao uvećana minijatura. Duge, uske figure imaju malo zajedničkog s Masacciom. Kompozicija je organizirana u širokim linijama kretanja koje kruže oko središnjih figura Krista i Marije.

Drugi Firentinac koji je radio u tradicionalnom stilu bio je Sandro Botticelli (1444-1515). Tečne ritmičke linije povezuju dijelove Botticellijevog proljeća. Lik proljeća, nošen zapadnim vjetrom, promiče s desne strane. Tri Gracije plešu u krugu, lepršavi nabori njihovih haljina i graciozni pokreti njihovih ruku izražavaju ritmove plesa.

Leonardo da Vinci (1452-1519) studirao je slikarstvo u Firenci. Poznat je po svojim naučnim istraživanjima i izumima, kao i po slikama. Vrlo malo njegovih slika je preživjelo, dijelom i zbog toga što je s njima često eksperimentirao Različiti putevi stvaranje i nanošenje boje umjesto korištenja isprobanih i istinitih metoda. Posljednja večera (slikana između 1495. i 1498.) rađena je u ulju, ali ju je, nažalost, Leonardo naslikao na vlažnom zidu, zbog čega je boja popucala. Ali čak iu lošem stanju (prije restauracije), slika je imala sposobnost da probudi emocije kod svakoga ko je vidi.

Jedna od karakterističnih osobina Leonardovog stila bila je njegova metoda prikazivanja svjetla i tame. Talijani su njegovo prigušeno osvetljenje nazvali "sfumato", što znači zadimljeno ili maglovito. Likovi u Bogorodici od Škrpjela prekriveni su atmosferom sfumato. Njihovi oblici i karakteristike su blago zasjenjene. Leonardo je postigao ove efekte koristeći vrlo suptilne gradacije svijetlih i tamnih tonova.

Rim

Kulminacija renesansnog slikarstva dogodila se u 16. veku. Istovremeno, centar umjetnosti i kulture preselio se iz Firence u Rim. Pod papom Sikstom IV i njegovim nasljednikom Julijem II, grad Rim je bio slavno i bogato ukrašen renesansnim umjetnicima. Neki od najambicioznijih projekata ovog perioda započeti su za vrijeme papstva Julija II. Julije je naručio velikog vajara i slikara Michelangela (1475-1564) da oslika plafon Sikstinske kapele i izrezuje skulpturu za papin grob. Julije je pozvao i slikara Rafaela (1483-1520) da pomogne u ukrašavanju Vatikana. Rafael je sa svojim pomoćnicima oslikao četiri sobe papinih stanova u Vatikanskoj palači.

Michelangelo, Firentinac po rođenju, razvio je monumentalni stil slikarstva. Likovi na njegovoj slici su toliko jaki i obimni da izgledaju kao skulpture. Sikstinski plafon, za koji je Mikelanđelu trebalo 4 godine da ga završi, sastoji se od stotina ljudskih figura iz Starog zaveta. Da bi završio ovu grandioznu fresku, Mikelanđelo je morao da leži na leđima na skeli. Zamišljeno Jeremijevo lice među prorocima koji okružuju plafon neki stručnjaci smatraju Mikelanđelovim autoportretom.

Rafael je u Firencu došao iz Urbina dok je još bio veoma mlad. U Firenci je upijao ideje Leonarda i Mikelanđela. Do trenutka kada je Raphael otišao u Rim da radi u Vatikanu, njegov stil je postao jedan od najvećih u ljepoti izvedbe. Posebno su mu bili dragi njegovi prekrasni portreti Bogorodice s Djetetom. Reproducirane su u hiljadama i mogu se vidjeti posvuda. Njegova Madonna del Granduca uspješna je zbog svoje jednostavnosti. Bezvremenski u svom miru i čistoći, nama je privlačan kao što je bio i Italijanima iz Rafaelovog doba.

Venecija

Venecija je bila glavni grad na sjeveru Italije u doba renesanse. Posjetili su ga umjetnici iz Flandrije i drugih regija koji su znali za flamanske eksperimente s uljanim bojama. To je podstaklo ranu upotrebu naftne tehnologije u italijanskom gradu. Mlečani su naučili da slikaju na čvrsto zategnutom platnu, a ne na drvenim pločama koje se obično koriste u Firenci.

Giovanni Bellini (1430-1515) bio je najveći venecijanski umjetnik 15. stoljeća. Bio je i jedan od prvih italijanskih umjetnika koji je koristio ulje na platnu. Giorgione (1478-1151) i Tizian (1488-1515), koji je najpoznatiji od svih venecijanskih umjetnika, bili su šegrti u Bellinijevom ateljeu.

Majstor uljanog slikarstva, Tizian je slikao ogromna platna u toplim, bogatim bojama. U svojim zrelim slikama žrtvovao je detalje kako bi stvorio zapanjujuće efekte, kao na primjer u Madoni iz Pezara. Koristio je velike četke za velike poteze. Njegove boje su posebno bogate jer je strpljivo stvarao glazure kontrastnih boja. Obično su se glazure nanosile na smeđu kaljenu površinu, što je slici dalo ujednačen ton.

Drugi veliki venecijanski umjetnik 16. stoljeća bio je Tintoretto (1518-1594). Za razliku od Tiziana, on je obično radio direktno na platnu bez preliminarnih skica ili obrisa. Često je izobličavao svoje forme (izvrtao ih) radi kompozicije i dramatičnosti radnje. Njegova tehnika, koja uključuje široke poteze kistom i dramatične kontraste svjetla i tame, djeluje vrlo moderno.

Umjetnik Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) bio je poznat kao El Greco ("Grk"). Rođen na ostrvu Krit, koje je okupirala venecijanska vojska, El Greka su obučavali italijanski umetnici. Kao mladić otišao je na studije u Veneciju. Kombinovani uticaj vizantijske umetnosti, koju je video oko sebe na Kritu, i italijanske renesansne umetnosti, učinio je El Grekovo delo izuzetnim.

Na svojim slikama izobličavao je prirodne forme i koristio još čudnije, nezemaljske boje od Tintoreta, kojem se divio. Kasnije se El Greco preselio u Španiju, gde je tama španske umetnosti uticala na njegov rad. U njegovoj dramatičnoj viziji Toleda, oluja bjesni nad smrtonosnom tišinom grada. Hladne plave, zelene i plavo-bijele nijanse šire hladnoću po krajoliku.

Renesansa u Flandriji i Njemačkoj

Zlatno doba slikarstva u Flandriji (danas dio Belgije i sjeverne Francuske) bilo je 15. vijek, vrijeme Van Eycka. U 16. veku, mnogi flamanski umetnici oponašali su italijanske renesansne umetnike. Međutim, neki Flamanci su nastavili flamansku tradiciju realizma. Tada se širi žanrovsko slikarstvo - scene iz Svakodnevni život, koji su ponekad bili šarmantni, a ponekad fantastični. Hijeronim Boš (1450-1515), koji je prethodio žanrovskim slikarima, imao je neobično živu maštu. Smislio je sve vrste čudnih, grotesknih stvorenja za Iskušenje sv. Anthony." Pieter Bruegel Stariji (1525-1569) također je radio u flamanskoj tradiciji, ali je svojim žanrovskim scenama dodao perspektivu i druge renesansne karakteristike.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein Mlađi (1497-1543) i Lucas Cranach Stariji (1472-1553) bili su tri od najznačajnijih njemačkih umjetnika 16. stoljeća. Učinili su mnogo da ublaže sumorni realizam ranog njemačkog slikarstva. Dürer je barem jednom posjetio Italiju, gdje je bio impresioniran slikama Giovannija Belinija i drugih sjevernih Italijana. Kroz ovo iskustvo on je njemačkom slikarstvu usadio znanje o perspektivi, osjećaj za boju i svjetlost i novo razumijevanje kompozicije. Holbein je upijao još više italijanskih dostignuća. Njegov osjetljiv crtež i sposobnost odabira samo najvažnijih detalja učinili su ga majstorskim portretistom.

Barokno slikarstvo

17. vijek je u umjetnosti poznat kao barokni period. U Italiji su umjetnici Caravaggio (1571-1610) i Annibale Carracci (1560-1609) zastupali dvije suprotne tačke gledišta. Caravaggio (pravo ime Michelangelo Merisi) je uvijek crpio inspiraciju direktno iz stvarnosti života. Jedna od njegovih glavnih briga bila je da kopira prirodu što je bliže moguće, a da je na bilo koji način ne veliča. Carracci je, s druge strane, slijedio renesansni ideal ljepote. On je studirao antička skulptura i djela Mikelanđela, Rafaela i Ticijana. Caravaggiov stil divio se mnogim umjetnicima, posebno Špancu Riberi i mladom Velazquezu. Carracci je inspirisao Nicolasa Poussin (1594-1665), poznatog francuskog slikara iz 17. vijeka.

Španija

Diego Velaskez (1599-1660), dvorski slikar španskog kralja Filipa IV, bio je jedan od najvećih španskih umetnika. Obožavalac Ticijanovog djela, bio je majstor u korištenju bogatih, harmoničnih boja. Nijedan umjetnik ne bi mogao bolje stvoriti iluziju bogatog tkiva ili ljudske kože. Portret mali princ Philippa Prospera demonstrira ovu vještinu.

Flandrija

Slike flamanskog umjetnika Petera Paula Rubensa (1577-1640) predstavljaju oličenje punog baroknog stila. Prštaju energijom, bojom i svjetlošću. Rubens je prekinuo flamansku tradiciju slikanja malih slika. Njegova platna su ogromna, ispunjena ljudskim figurama. Dobio je više narudžbi za velike slike nego što je mogao podnijeti. Stoga je često crtao samo malu skicu u boji. Njegovi pomoćnici su zatim prenijeli skicu na veliko platno i dovršili sliku pod Rubensovim vodstvom.

Holland

Dostignuća holandskog slikara Rembranta (1606-1669) su među najistaknutijim u istoriji. Imao je divan dar preciznog hvatanja i prenošenja ljudskih emocija. Kao i Tizian, dugo je radio na stvaranju višeslojnih slika. Zemljane boje - žuti oker, smeđa i smeđe-crvena - bile su mu omiljene. Njegove slike su rađene uglavnom u tamnim bojama. Važnost tamnih višeslojnih dijelova čini njegovu tehniku ​​neobičnom. Naglasak se prenosi jakim osvjetljenjem u relativno svijetlim područjima.

Jan Vermeer (1632-1675) bio je jedan iz grupe holandskih umjetnika koji su slikali skromne prizore svakodnevnog života. Bio je majstor u slikanju bilo koje teksture - satena, perzijskih tepiha, kora kruha, metala. Ukupan utisak Vermeerovog enterijera je sunčana, vesela soba ispunjena kultnim kućnim predmetima.

Slikarstvo 18. veka

U 18. veku Venecija ih je proizvela nekoliko divni umjetnici. Najpoznatiji je bio Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Ukrasio je enterijere palata i drugih zgrada veličanstvenim, šarenim freskama koje su prikazivale prizore bogatstva. Francesco Guardi (1712-1793) bio je vrlo vješt s kistom i sa samo nekoliko mrlja boje mogao je dočarati ideju male figure u čamcu. Spektakularni pogledi na Antonio Canaletto (1697-1768) slavili su prošlu slavu Venecije.

Francuska: rokoko stil

U Francuskoj je ukus za pastelne boje i zamršene dekoracije doveo do razvoja rokoko stila početkom 18. stoljeća. Jean Antoine Watteau (1684-1721), dvorski slikar kralja Luja XV, a kasnije François Boucher (1703-1770) i ​​Jean Honoré Fragonard (1732-1806) bili su povezani s trendovima rokokoa. Watteau je napisao sanjive vizije, život u kojem je sve zabavno. Stil je baziran na piknicima u parkovima i šumskim zabavama, na kojima se vesela gospoda i elegantne dame zabavljaju u prirodi.

Drugi umjetnici iz 18. stoljeća su prikazivali scene običan život srednja klasa. Poput holandskog Vermeera, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) je cijenio jednostavne domaće teme i mrtve prirode. Njegove boje su trezvene i mirne u poređenju sa Watteauom.

Engleska

U 18. veku, Britanci su prvi razvili posebnu školu slikarstva. Jezgro su uglavnom činili portretisti, pod uticajem venecijanskih renesansnih umetnika. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) i Thomas Gainsborough (1727-1788) su najpoznatiji. Reynolds, koji je putovao u Italiju, slijedio je ideale renesansnog slikarstva. Njegovi portreti, iako šarmantni i dirljivi, nisu posebno zanimljivi ni po boji ni po teksturi. Gainsborough je, s druge strane, imao talenat za briljantnost. Površine njegovih slika blistaju blistavom bojom.

Slikarstvo 19. veka

19. vijek se ponekad smatra periodom tokom kojeg je moderna umjetnost počela da se oblikuje. Jedan od važnih razloga Takozvana revolucija u umjetnosti u to vrijeme bila je pronalazak kamere, koja je natjerala umjetnike da preispitaju svrhu slikanja.

Važniji razvoj bio je široka upotreba gotovih boja. Sve do 19. stoljeća većina umjetnika ili njihovih asistenata izrađivala je svoje boje mljevenjem pigmenta. Rane komercijalne boje bile su inferiornije od ručnih boja. Umjetnici su krajem 19. stoljeća otkrili da su tamnoplave i smeđe boje ranijih slika izblijedjele u crne ili sive u roku od nekoliko godina. Ponovo su počeli da koriste čiste boje kako bi sačuvali svoj rad, a ponekad i zato što su pokušavali da preciznije reflektuju sunčevu svetlost u uličnim scenama.

Španija: Goya

Francisco Goya (1746-1828) bio je prvi veliki španski umetnik koji se pojavio od 17. veka. Kao omiljeni umetnik španskog dvora, napravio je mnoge portrete Kraljevska porodica. Kraljevski likovi su opremljeni elegantnom odjećom i finim nakitom, ali na nekim licima se ogleda samo sujeta i pohlepa. Osim portreta, Goya je slikao dramatične scene poput Trećeg maja 1808. Ova slika prikazuje pogubljenje grupe španskih pobunjenika od strane francuskih vojnika. Odvažni kontrasti svijetlih i tamnih i tmurnih boja, prošarani mrljama crvene, izazivaju tmurni užas spektakla.

Iako je Francuska bila veliki centar umjetnosti 1800-ih, engleski umjetnici pejzaža John Constable (1776-1837) i Joseph Mallord William Turner (1775-1851) dali su vrijedan doprinos slikarstvu 19. stoljeća. Oboje su bili zainteresovani za slikanje svetlosti i vazduha, dva aspekta prirode koja su umetnici 19. veka u potpunosti istražili. Pozornik je koristio metodu poznatu kao podjela ili razbijena boja. Koristio je kontrastne boje preko glavne boje pozadine. Često je koristio palet nož za čvrsto nanošenje boje. Slika "Hay Wain" proslavila ga je nakon što je prikazana u Parizu 1824. godine. To je jednostavno seoska scena košenje sijena. Oblaci lebde nad livadama prekrivenim mrljama sunčeve svjetlosti. Turnerove slike su dramatičnije od onih Constablea, koji je slikao veličanstvene prirodne znamenitosti - oluje, morske pejzaže, blistave zalaske sunca, visoke planine. Često zlatna izmaglica djelomično zaklanja objekte na njegovim slikama, čineći ih kao da lebde u beskrajnom prostoru.

Francuska

Period Napoleonove vladavine i Francuske revolucije obilježili su pojavu dvaju suprotstavljenih trendova u francuskoj umjetnosti - klasicizma i romantizma. Jacques Louis David (1748-1825) i Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) inspirirani su antičkom grčkom i rimskom umjetnošću i renesansom. Naglasili su detalje i koristili boju za stvaranje čvrstih oblika. Kao omiljeni umetnik revolucionarne vlade, David je često slikao istorijske događaje iz tog perioda. U svojim portretima, poput Madame Recamier, nastojao je postići klasičnu jednostavnost.

Théodore Guéricault (1791-1824) i romantični Eugene Delacroix (1798-1863) pobunili su se protiv Davidovog stila. Za Delacroixa, boja je bila najviše važan element u slikarstvu i nije imao strpljenja da oponaša klasične statue. Umjesto toga, divio se Rubenu i Mlečanima. Za svoje slike odabrao je šarene, egzotične teme, koje blistaju svjetlošću i pune su pokreta.

Umjetnici Barbizona također su bili dio općeg romantičarskog pokreta, koji je trajao od 1820. do 1850. godine. Radili su u blizini sela Barbizon na rubu šume Fontainebleau. Inspiraciju su pronašli u prirodi i dovršili slike u svojim ateljeima.

Drugi umjetnici eksperimentirali su sa svakodnevnim, običnim predmetima. Pejzaži Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) odražavaju njegovu ljubav prema prirodi, a njegova proučavanja ljudskog tijela pokazuju neku vrstu uravnotežene smirenosti. Gustave Courbet (1819-1877) sebe je nazvao realistom jer je prikazao svijet onakvim kakvim ga je vidio - čak i njegovu oštru, neugodnu stranu. Ograničio je svoju paletu na samo nekoliko tamnih boja. Edouard Manet (1832-1883) je također uzeo osnovu za svoje subjekte iz okolnog svijeta. Ljudi su bili šokirani njegovim šarenim kontrastima i neobičnim tehnikama. Površine njegovih slika često imaju ravnu, šarenu teksturu poteza kistom. Maneove metode primjene efekata svjetlosti na formu utjecale su na mlade umjetnike, posebno na impresioniste.

Radeći 1870-ih i 1880-ih, grupa umjetnika poznatih kao impresionisti željela je prikazati prirodu upravo onakvom kakva je bila. Otišli su mnogo dalje od Constablea, Turnera i Maneta u proučavanju efekata svjetlosti u boji. Neki od njih su se razvili naučne teorije boje. Claude Monet (1840-1926) često je slikao isti pogled drugačije vrijeme dana da pokaže kako se mijenja pod različitim svjetlosnim uvjetima. Bez obzira na temu, njegove slike se sastoje od stotina sitnih poteza kistom postavljenih jedan pored drugog, često u kontrastnim bojama. Na daljinu se potezi stapaju kako bi stvorili utisak čvrstih oblika. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) koristio je impresionističke tehnike za snimanje praznika Pariski život. U njegovom Plesu u Moulin de la Galette, ljudi u odeći jarkih boja zbili su se i veselo plesali. Renoir je naslikao cijelu sliku malim potezima. Tačke i potezi boje stvaraju teksturu na površini slike koja joj daje izgled posebna vrsta. Gomile ljudi kao da se rastvaraju u sunčevoj svjetlosti i svjetlucavim bojama.

Slikarstvo 20. veka

Brojni umjetnici su ubrzo postali nezadovoljni impresionizmom. Umjetnici kao što je Paul Cézanne (1839-1906) smatrali su da impresionizam ne opisuje čvrstoću oblika u prirodi. Cézanne je volio slikati mrtve prirode jer su mu omogućavale da se fokusira na oblik voća ili drugih predmeta i njihov raspored. Teme njegovih mrtvih priroda izgledaju solidno jer ih je sveo na jednostavne geometrijske oblike. Njegova tehnika postavljanja prskanja boje i kratkih poteza bogate boje jedan pored drugog pokazuje da je mnogo naučio od impresionista.

Vincent Van Gogh (1853-90) i Paul Gauguin (1848-1903) odgovorili su na realizam impresionista. Za razliku od impresionista, koji su rekli da prirodu posmatraju objektivno, Van Gogh je malo mario za tačnost. Često je izobličavao predmete kako bi kreativnije izrazio svoje misli. Koristio je impresionističke principe da postavi kontrastne boje jednu pored druge. Ponekad je istiskivao boju iz tubica direktno na platno, kao u "Žutom polju kukuruza".

Gauguin nije mario za šarene boje impresionista. Tečno je nanosio boju na velike, ravne površine, koje je odvajao jedno od drugog linijama ili tamnim rubovima. Raznobojni tropski narodi pružili su veliki dio njegove teme.

Sezanovu metodu stvaranja prostora pomoću jednostavnih geometrijskih oblika razvili su Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) i drugi. Njihov stil je postao poznat kao kubizam. Kubisti su slikali predmete kao da se mogu vidjeti iz više uglova odjednom, ili kao da su rastavljeni i ponovo sastavljeni na ravnom platnu. Često se pokazalo da predmeti nisu slični ničemu što postoji u prirodi. Ponekad kubisti izrezuju figure od tkanine, kartona, tapeta ili drugih materijala i lijepe ih na platno kako bi napravili kolaž. Teksture su također varirale dodavanjem pijeska ili drugih supstanci u boju.

Noviji trendovi su bili da se manje naglaska na ovu temu. Kompozicija i tehnika slike su počele da dobijaju veći naglasak.

Slika na planu objekata materijalnog i duhovnog svijeta. Jedna od glavnih vrsta likovne umjetnosti. Slikarstvo je podijeljeno na brojne vrste i žanrove. Uljano slikarstvo je rad slikan uljanim bojama Zidno slikarstvo je slikarski rad koji se izvodi direktno na posebno pripremljenoj zidanoj površini zida, plafona ili svoda zgrade. Drugi naziv je monumentalno slikarstvo. Slikarstvo temperom je glavna tehnika ikonopisa u Rusiji. Osnova tempera boje je žumance kokošje jaje, razrijeđen kvasom. U toku rada boje se nanose postepeno, u više slojeva i određenim redosledom. Od 17. veka Do danas se završni sloj ponekad radi uljanim bojama. Ikona je ispisana na posebno obrađenoj tabli.

Odlična definicija

Nepotpuna definicija ↓

Slikarstvo

Pictores i Pictura.

Umjetnost života kod Grka bila je u bliskoj vezi sa skulpturom, dijeleći s njom idealan pogled na svijet i vrlo dugo vremena bio u ovom infantilnom stanju. Prije Perzijskih ratova, činilo se da su slikari koristili jednobojnu boju kojom su crtali obrise, dok su senke označavale senčenjem. Najdrevnije mjesto ove umjetnosti u Grčkoj bio je, po svoj prilici, dorski Peloponez, uglavnom Korint i Sikion; Korintski Kleant je, kažu, bio prvi koji je nacrtao siluete, Ardik i Telefan su poboljšali linearne crteže, Kleofant je izumeo jednobojno slikarstvo (monohromiju), Kiomn od Kleona je prvi dao pokret i nagib svojim figurama i prvi koji je obratite pažnju na draperiju figura. Sve do 94. veka, kada je Atinjanin Apolodor uveo četkicu, sva Žanina umetnost se sastojala od crtanja slika pomoću olovke na dasci koja je prethodno bila premazana bojom; Same boje su nanošene u rinfuzi, a ne besprekorno pomoću sunđera. Općenito, na slikama najstarijih slikara postoje samo 4 boje ( Plin. 35, 7, 32): bijela i crna, žuta i crvena. Čak je i sam Zeuxis koristio ove jedine boje, ali ako je neko koristio veći broj boja, bio je u opasnosti da odvrati od visine umjetnosti povećanjem svoje privlačnosti. Djela ove vrste umjetnosti uključivala su dijelom zidne slike (uglavnom alfresco), a dijelom slike slikane na daskama; prvi su pisani na svježem malteru, a drugi na drvetu i ugrađeni u zidove, na primjer, hramova. Slike su slikane na daskama ljepljivim bojama; kasnije su enkaustičke slike slikane voštanim bojama, koje su mljevene suhim olovom, a zatim topljene na žaru. Periklovo doba, dakle sredina i druga polovina 5. vijeka. pne, smatra se vremenom najvećeg procvata ove umjetnosti, zajedno sa prosperitetom svih likovne umjetnosti, koji je J. poslužio kao pomoć. Ovom vremenu pripadaju i slike velikih dimenzija; pojavile su se ne samo oslikane dvorane, već i stvarne umjetničke galerije (pinakoteke). Treba spomenuti Pinena, Fidijevog brata, i Tazijana Poligiota (koji je dobio pravo građanstva u Atini 463. godine), poznatog sa slike koju su zajedno naslikali "Maratonska bitka" V?????? u Atini. Potonji je bio poznat po svojoj umjetnosti slikanja žena u providnoj odjeći; eliminisao je nepokretnost u izrazu lica pozajmljenu od Egipćana tako što je donekle otvorio usta; njegove slike su bile zaista portreti (na jednom se, recimo, lako prepoznaje Elpinika, Kimonova sestra), naslikani iz života, ali poneseni u idealan svijet. Pausanija (10, 25) ima odličan opis jednog od najomiljenijih velike slike, koji se nalazi u Leskhu ( cm.?????, Lesha) u Delfima, koji je prikazivao osvojenu i dimljenu Troju i Grke na Helespontu, natovarene plijenom i okružene zarobljenicima, u trenutku kada se spremaju za plovidbu: „Umjetnik je ovdje sasvim uspio dočarati kontrast između grupa Grka u prvom planu i razaranja Troje, čije su devastirane ulice vidljive kroz mjestimično polomljene zidove. Menelajev brod stajao je blizu obale spreman za plovidbu, u blizini se vidi Helena, krivac rata, okružena ranjenim Trojancima; u drugoj grupi grčkih vođa, Kasandra je vidljiva; gotovo svi ostaju duboko tihi, osim Neoptolema, koji još uvijek proganja i ubija Trojance. S druge strane Leše bio je prikazan ulaz u podzemni svijet, u carstvo tame sa Odisejem na obali Aherona, Tartarom sa njegovim strašnim mukama i Elisijem sa sjenama blaženih. Na prvoj od ovih slika nacrtano je više od 100 figura, na drugoj više od 80: svaka figura, prema drevnom običaju, imala je ime.". Osim toga, Polignotov otac Aglaofon i njegov unuk bili su poznati kao slikari posljednji isto ime. Potonjem su se uglavnom pripisivale dvije slike, od kojih je jedna prikazivala Alkibijada kao pobjednika na igrama. sri Cic. Brut. 18. Cic. de or. 3,7. Quint. 12, 10. Općenito, arhitektura dopunjena stanovanjem; njeni radovi su služili za ukrašavanje kako privatnih zgrada, tako i galerija i hramova. Dok je plastika brzo napredovala u svom razvoju, slikarstvo se polako razvijalo i dostiglo vrhunac savršenstva ubrzo nakon Peloponeskog rata, odnosno tek kada je plastika, nakon najvećeg procvata, počela pomalo opadati. Savremenici i sledbenici Polignota bili su: Mikon sa Egine, njegove izuzetne slike su: "antinoe", "Argonauti", "asterope", "Pelius", "tezej", "Acast" i sl.; slikao je delimično i ??????? u Atini, gdje je prikazao Bitku kod Amazonki i Bitku kod Marathona, a posebno je bio uspješan u prikazu konja; njegov sin; dalje Onat sa Egine i Dionizije iz Kolofona; samostalno je tada djelovao kao dekorativni slikar Agafarch ( cm. Agatharchus, Agatharchus), koji je također zadovoljavao zahtjeve luksuza, koji je već počeo prodirati u privatni život Grka; ali još je istaknutiji u tom pogledu gore spomenuti Apolodor, zvani skijagraf, jer mu se osim izuma kista pripisivala i umjetnost raspodjele svjetla i sjene. Njegov primus species exprimere instituit, o njemu kaže Plinije (35, 9, 36), primusque gloriam penicillo iure contulit; neque ante eum tabula ullius ostenditur, quae teneat oculos. Njegovim stopama je krenuo njegov učenik Zevksis iz Herakleje. Magna Graecia, živio ca. 397, iako je, međutim, pripadao drugoj školi, naime jonskoj, sklonoj nježnosti i pompi, za razliku od atičke škole; bio je posebno dobar u prikazivanju žensko tijelo. Dokaz za to je ono što je napisao na zahtjev Krotonaca. "Elena"(bio je postavljen u čuvenom hramu Here Lacinije), predstavlja savršenu ljepotu u obliku zemaljske žene; na isti način utjelovio je najvišu ideju čedne skromnosti u liku Penelope. Zevksis nema raznovrsne epske kompozicije, poput Polignotove, kao što na njegovim slikama nisu vidljivi izrazi različitih mentalnih stanja; njegova glavna pažnja bila je posvećena slikovitosti, vani predmet, iluzija; U poređenju sa kasnijim vremenima, nedostajala mu je umetnička i raznovrsna jukstapozicija boja. O njegovom nadmetanju sa Parrhasiusom ( cm. Parrhasius). Potonji i Timantos iz Sikiona bili su njegovi savremenici; o slikama potonjeg, između kojih "Žrtvovanje Ifigenije", gde je Agamemnona prikazao prekrivenog lica da bi izrazio veliku tugu, već se u antici iznelo mišljenje da one teraju gledaoca da nagađa više nego koliko je u njima zapravo izraženo; mašta gledaoca dopunjuje neizrečeno, ne samo zato što su ove slike oslikavale nešto idealno, već i zato što sadrže mnoštvo motiva. Glavna zasluga Sikyon škole, naprotiv, sastojala se u strogo naučnom izvođenju crteža i njegovoj najtemeljijoj jasnoći. Osnivač ove škole bio je Eupomp iz Sikiona, a njen glavni predstavnik Pamfil, koji je prvi metodički proučavao umetnost i svoje teorijsko i geometrijsko znanje primenio na crteže; Njegov učenik Melanfije se najviše istakao u svom veštom rasporedu i kompoziciji slika i mnogo je doprineo poboljšanju kolorita. On je, inače, svrstan među ona 4 slikara (Apel, Ehion, Nikomah) koji su koristili samo 4 boje. Za vreme Aleksandra Velikog, Žana je dostigla najviši stepen privlačnosti i šarma, zahvaljujući uglavnom Apelu, rodom sa ostrva Kos, Pamfilovom učeniku (356-308). Kombinovao je zasluge obe škole, pokušavajući da još dublje prodre u pravi smisao života i udahne bogatstvo i raznolikost života u svoja dela; spojio je odanost prirodi sa kreativnom snagom, što mu je priskrbilo posebnu naklonost Aleksandra; potonji je posebno hvalio njegove slike zbog njihove gracioznosti, ?????; u prvom planu imao je savršenstvo forme, a ne idealnost sadržaja. U tehnici, kako u odnosu na sam crtež, tako iu odnosu na izbor boja za spektakularne scene, bio je majstor svog zanata. U hramu Artemide Efeske naslikao je lik Aleksandra kako baca Zevsovo perje, a podignuta ruka i munja koja se pojavila na površini izazvali su najveće iznenađenje. Naslikao je i Aleksandrove generale na različitim pozicijama, ponekad odvojeno, ponekad u grupama. Njegovi uzorni radovi sa uključenim idealnim sadržajem "Artemis", okružen horom mladih žena koje se žrtvuju, i Afrodita Anadiomena koja izlazi iz mora; ova posljednja slika, prema presudi svih starih, smatrana je uzorom milosti; međutim, donji dio ove slike ostao je nedovršen, smrt je otela Apelesa na djelu, a nijedan od narednih umjetnika se nije usudio preuzeti zadatak da je završi. U početku se nalazio u Afroditinom hramu na ostrvu Kos, odakle ga je August prenio u Rim i naredio da se stavi u hram Cezara, koji je bio ubrojan među bogove. Više sikionskoj školi pripadali su: Eufranor, čija je slava bila u suptilnosti njegovog prikaza bogova i heroja; Ehion, iz čijih radova je izuzetna slika mladenaca (čija je slobodna imitacija, možda, Aldobrandijevo vjenčanje u Vatikanski muzej u Rimu) i Pauzije sa Sikiona, koji je prvi, kažu, ukrasio plafone prostorija u sobama, uglavnom likovima dječaka, cvijećem i arabeskama, a bio je poznat uglavnom po svojim cvjetnim slikama ( Plin. 35, 40 pominje prelijepu Gliceriju, vještu u pletenju vijenaca, čiju je sliku prijavio na konkurs); bio je poznat po tome što je enkaustičku metodu doveo do visokog stepena razvoja. U ovom trenutku, tj. cca. 370-330, tebanski Aristid je također procvjetao, izvanredan uglavnom po svojoj umjetnosti prikazivanja bitaka i osvajanja gradova i majstorskoj sposobnosti da svojim slikama da život i ekspresivnost, iako njegova distribucija boja nije bila naročito uspješna. Njegova slika koja prikazuje bitku Makedonaca sa Perzijancima sadržavala je do 100 figura; Tužna scena tokom razaranja grada smatrana je njegovim majstorskim radom, a posebnu pažnju privukla je glavna grupa koja prikazuje umiruću majku i bebu koja se hvata za grudi; ali ga ona odgurne iz straha da bi mogao sisati krv umjesto mlijeka. Otprilike u to vrijeme još veću slavu stekao je Protogen iz grada Kavne u Kariji, koji je do svoje 50. godine svoje postojanje potpomagao najobičnijim djelima; ali slavni Apel je to prepoznao i, cijeneći njegovu umjetnost, kupio je od njega neke slike za znatnu svotu novca, pokazujući sugrađanima njihovu nesposobnost da cijene djela Protogena i istovremeno pokušavajući u njima probuditi sumnju da on želio ih je izdati za svoje. To je pomoglo siromašnom čovjeku da se proslavi među svojim sugrađanima. Iznad njegove najbolje slike, na kojoj je prikazao Ialisu ( cm. Ialis) lovac sa psom koji dahće sa strane, radio je 7 ili čak 11 godina. Kada je Demetrije Poliorket opsjedao Rodos, nije se mogao odlučiti da napadne sa strane gdje je znao da se nalazi ova slika i zbog toga nije pobijedio. Poslao je stražare da čuvaju umjetnika, čija je radionica bila na najopasnijem mjestu izvan gradskih zidina, pa ga je čak i lično posjetio. Za vrijeme Plinija, ova slika je bila u Rimu, u hramu svijeta, ali je već za vrijeme Plutarha uništena u požaru. Njegova slika "Odmarajući satir", koju je stavio na jedan stupac, napisao je on za vrijeme opsade, kada je oružje grmjelo naokolo, a smatralo se i uzornim djelom. Glavna zasluga Protogena, kao i Apelesa, nije bila toliko u bogatstvu misli ili poetskog sadržaja, koliko u šarmantnoj umjetničkoj izvedbi, a iluzija je dovedena do najvišeg stepena; ali kod Apela je to bila posljedica njegovog prirodnog talenta, a kod Protogena je to postignuto njegovim najvećim strpljenjem i izuzetnom marljivošću. Dok su svi bili iznenađeni njegovom marljivošću i istrajnošću u njegovim delima, u delima njegovog savremenika Nikomaha, rodom iz grada Tebe, koji je živeo krajem 4. veka. pne, Aristodemov sin i učenik, bio je najviše zadivljen brzinom izvršenja u kombinaciji sa izuzetnom umjetnošću. Napisani su - "Silovanje Proserpine", u Kapitolu, u Minervinom hramu; "boginja pobjede", vožnja na četvorotočkašu, i "Skilla" u hramu boginje mira. Dalje su značajni: Teon sa ostrva Samos, koji je budio iznenađenje živošću svoje mašte i živeo u vreme makedonskih kraljeva Filipa i Aleksandra; on posjeduje: "Ludi Orest" i kifared "Thamiris", Nicias, porijeklom iz Atine (slikao životinje i bitke enkaustikom; mnoge njegove slike bile su u Rimu; jedna od najboljih je bila "Kraljevstvo senki prema Homeru"; hvalili su boju, položaj i zaokruženost figura na njegovim slikama, posebno ženskih), Antifila ( "Dječak koji potpiruje vatru", "Radionica za rad s vunom") i Ktesiloh (karikirao je rođenje Dionisa iz Zevsovog bedra). Po svoj prilici, Aetion (??????) sa svojim čuvena slika - "Vjenčanje Aleksandra i Roksane" (Cic. Brut. 18, gdje neki, međutim, čitaju Ehion; Lucian de Merc. kond. 42.imagg. 7). Od tada umjetnost počinje opadati i više se ne odlikuje gracioznošću i domišljatošću, već samo brigom u dekoraciji. Tako je Peyraijk kistom prenosio prizore iz svakodnevnog života, sa izuzetnom vještinom prikazivao obućarske radionice, brijače, kuhinje, pijace itd., što su posebno cijenili Rimljani, koji su poštovali ne toliko zamršenost kompozicije koliko ispravnost i jasnoća crteža; Tako je postao najbolji majstor pravog žanrovskog slikarstva, takozvane riparografije. Što se tiče Rimljana, treba prvenstveno istaći njihovo nerazumijevanje Umjetnička djela; Čak i zauzimanje Korinta dugo nije moglo proizvesti korisnu revoluciju u umjetnosti. Vrlo često je bilo primjera kada vojnici i generali ne samo da nisu poštovali, već su čak i uništavali dragocjena djela J. Mumije nije razumio, na primjer, kako je Atal iz Pergama mogao tako skupo cijeniti Aristidovu sliku koja prikazuje Bacchusa; Vjerujući da je u njoj skrivena neka tajna moć, poveo ju je sa sobom i smjestio u Ceresin hram. Ali ubrzo potom Rimljani su, iu ovom slučaju, sasvim jasno pokazali svoj pohlepni sistem kolosalnog gomilanja tuđeg blaga; počeli su da ukrašavaju svoje domove, trpezarije, dače itd. skupocenim slikama. Zato, generalno, možemo ukazati samo na pojedinačna imena umetnika, kao što je, na primer, Timomak iz Vizantije, čuven po svojoj sposobnosti da dirljivo prikaže obuzdane strasti, što je dokazao na svom slikarstvu. "Besni Ajaks", koji je Cezar naredio da se instalira u Rimu; Timomah je živeo u prošlom veku pre nove ere.U vreme Avgusta, Ludije je bio poznat. U međuvremenu, za vreme vladavine careva, u Rim su se preselili mnogi grčki slikari, čiji se talenat i ukus mogu razumeti po elegantnim ukrasima u čuvenim Titovim termama. Mozaici su se također razvijali na sličan način u svrhu luksuza; prvenstveno ukazuju na Coca of Pergamon, koja je na podu jedne prostorije napravila sliku bazena sa golubovima, ali najbolji rad mozaici su smatrani slikom cjeline "Ilijada" na podovima veličanstvenog broda kralja Hjerona II od Sirakuze. Naši podaci o izvorima i predmetima antičke istorije su izuzetno oskudni. Novootkriveni ostaci slika u blizini Atine na grčkim nadgrobnim spomenicima nisu posebno vrijedni, dok brojni crteži na grčkim glinenim posudama već ukazuju na izvjesnu zanatu, a zidne slike pronađene u Herkulaneumu i Pompejima ne pripadaju vremenu procvata ove umjetnosti i mogu smatrati manje ili više laganim unutrašnjim ukrasima. Općenito, čak i u slikarstvu, stari su se odlikovali izborom lijepih figura, jednostavnošću scena i kompozicija, te ispravnošću crteža, ali primjenom zakona perspektive na slikama velikih veličina, u sjenama koje su rezultirale iz određene kombinacije i fuzije boja, a uglavnom u poetskoj dubini, bili su daleko inferiorniji od najnovije umjetnosti. sri povijest umjetnosti Schnaase, Kugler´a, L?bke i drugi; posebno Brunn, Geschichte der. griech. K?nstler, II, str. 3-316 i W?rmann, die Malerei des Alterhums (u Woltmann´a Gesch. der Malerei, vol.?, 1879, str. 32-140).

Odlična definicija

Nepotpuna definicija ↓

U XVII-XVIII vijeku. Proces razvoja evropskog slikarstva postao je složeniji. Nacionalne škole formirane su u Francuskoj (J. de La Tour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Italiji (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi , F. Guardi), Španija (El Greco, D. Velazquez, F. Zurbaran, B. E. Murillo, F. Goya), Flandrija (P. P. Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Holandija ( F. Hals, Rembrandt, J. Wermeer
, J. van Ruisdael, G. Terborch, K. Fabricius), Velika Britanija (J. Reynolds, T. Gainsborough, W. Hogarth), Rusija (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky) . Slikarstvo je proklamovalo nove društvene i građanske ideale i okrenulo se detaljnijem i tačnijem prikazu pravi zivot u njegovom kretanju i raznolikosti, posebno u svakodnevnom okruženju čovjeka (pejzaž, interijer, kućni predmeti); psihološki problemi su se produbljivali, utjelovljivao se osjećaj konfliktnog odnosa između pojedinca i okolnog svijeta. U 17. veku Sistem žanrova se proširio i jasno se uobličio. U XVII-XVIII vijeku. Uz procvat monumentalnog i dekorativnog slikarstva (posebno u baroknom stilu), koje je postojalo u bliskom jedinstvu sa skulpturom i arhitekturom i stvaralo emocionalno okruženje koje je aktivno djelovalo na ljude, veliku ulogu ima štafelajno slikarstvo. Formirali su se različiti slikarski sistemi, oba imaju zajedničke stilske karakteristike (dinamično barokno slikarstvo sa karakterističnom otvorenom, spiralnom kompozicijom; slikarstvo klasicizma sa jasnim, strogim i jasnim dizajnom; rokoko slikarstvo sa igrom izuzetnih nijansi boja, svjetlosti i izblijedjelih tonovima) i ne uklapaju se ni u jedan specifičan stilski okvir. Nastojeći da reprodukuju šarenilo sveta, svetlo-vazdušno okruženje, mnogi umetnici su unapredili sistem tonsko slikarstvo. To je dovelo do individualizacije tehničkih tehnika višeslojnog uljanog slikarstva. Rast štafelajne umjetnosti, povećana potreba za djelima namijenjenim intimnoj kontemplaciji, doveli su do razvoja kamernih, suptilnih i svijetlih slikarskih tehnika - pastela, akvarela, tuša, razne vrste portret minijature.

U 19. vijeku U Evropi i Americi nastajale su nove nacionalne škole realističkog slikarstva. Proširile su se veze između slikarstva u Evropi i drugim delovima sveta, gde je iskustvo evropskog realističkog slikarstva dobilo originalnu interpretaciju, često zasnovanu na lokalnim antičkim tradicijama (u Indiji, Kini, Japanu i drugim zemljama); Na evropsko slikarstvo utjecala je umjetnost zemalja Dalekog istoka (uglavnom Japana i Kine), što se ogledalo u obnavljanju tehnika dekorativne i ritmičke organizacije slikovne ravni. U 19. vijeku slikarstvo je rješavalo složene i hitne svjetonazorske probleme i igralo aktivnu ulogu u javnom životu; dobija značaj u slikarstvu oštra kritika društvena stvarnost. Tokom celog 19. veka. u slikarstvu su se gajili i kanoni akademizma, daleko od života, i apstraktna idealizacija slika; pojavile su se tendencije naturalizma. U borbi protiv apstrakcije kasnog klasicizma i salonskog akademizma razvijalo se slikarstvo romantizma sa svojim aktivnim zanimanjem za dramatične događaje istorije i savremenosti, energijom slikovitog jezika, kontrastom svetlosti i senke, bogatstvom boja (T. Gericault, E. Delacroix u Francuskoj; F. O. Runge i K. D. Friedrich u Njemačkoj; na mnogo načina O. A. Kiprenski, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov u Rusiji). Realistic painting, na osnovu neposrednog posmatranja karakterističnih pojava stvarnosti, dolazi do potpunije, konkretnije pouzdanije, vizuelno ubedljivije slike života (J. Constable u Velikoj Britaniji; C. Corot, majstori Barbizonske škole, O. Daumier u Francuskoj; A. G. Venetsianov, P. A. Fedotov u Rusiji). Tokom uspona revolucionarnog i nacionalno-oslobodilačkog pokreta u Evropi, slikarstvo demokratskog realizma (G. Courbet, J. F. Millet u Francuskoj; M. Munkacsi u Mađarskoj, N. Grigorescu i I. Andreescu u Rumuniji, A. Menzel, V. Leibl u Njemačkoj i dr.) prikazao život i rad naroda, njihovu borbu za svoja prava i osvrnuo se na najvažnije događaje nacionalne istorije, kreirano živopisne slike obični ljudi i napredni javne ličnosti; U mnogim zemljama su se pojavile škole nacionalnog realističkog pejzaža. Usko povezan sa estetikom Rusa, odlikovao se društveno-kritičkom oštrinom revolucionarnih demokrata slike Putnika i njima bliskih umjetnika - V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin, I. I. Levitan.

Do umjetničkog oličenja okolnog svijeta u njegovoj prirodnosti i stalnoj promjenjivosti došao je početkom 1870-ih. Impresionističko slikarstvo (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas u Francuskoj), koje je ažuriralo tehniku ​​i metode organizacije slikovne površine, otkrivajući ljepotu čiste boje i teksture. efekti. U 19. vijeku u Evropi je dominiralo štafelajno uljno slikarstvo, njegova tehnika je u mnogim slučajevima dobila individualan, slobodan karakter, postepeno gubeći svojstvenu strogu sistematičnost (što je olakšano i širenjem novih fabrički proizvedenih boja); proširena paleta (stvoreni su novi pigmenti i veziva); umjesto prajmera tamne boje početkom XIX V. Bijela tla su ponovo uvedena. Monumentalno i dekorativno slikarstvo, korišćeno u 19. veku. gotovo isključivo ljepilo ili uljane boje su se raspadale. Krajem 19. - početkom 20. vijeka. Pokušava se oživjeti monumentalno slikarstvo i spajanje različitih vrsta slikarstva sa djelima dekorativne i primijenjene umjetnosti i arhitekture u jedinstven ansambl (uglavnom u umjetnosti "moderne"); Osavremenjuju se tehnička sredstva monumentalnog i dekorativnog slikarstva, a razvija se i tehnika silikatnog slikanja.

Krajem XIX - XX vijeka. razvoj slikarstva postaje posebno složen i kontradiktoran; Različiti realistički i modernistički pokreti koegzistiraju i bore se. Inspirisan idealima oktobarska revolucija 1917, naoružan metodom socijalističkog realizma, slikarstvo se intenzivno razvija u SSSR-u i dr. socijalističkih zemalja. Nove slikarske škole nastaju u zemljama Azije, Afrike, Australije i Latinske Amerike.

Realistic painting krajem XIX - XX veka. odlikuje ga želja da se svijet razumije i prikaže u svim njegovim proturječnostima, da se otkrije suština dubokih procesa koji se dešavaju u društvenoj stvarnosti, koji ponekad nemaju dovoljno vizualni izgled; refleksija i interpretacija mnogih pojava stvarnosti često dobija subjektivni, simbolički karakter. Slikarstvo 20. veka Uz vizualno vidljivu volumetrijsko-prostornu metodu prikazivanja, naširoko koristi nove (kao i one koje datiraju iz antike) konvencionalne principe tumačenja vidljivog svijeta. Već u slikarstvu postimpresionizma (P. Cezanne, W. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) i dijelom u slikarstvu „moderne“ pojavile su se crte koje su odredile karakteristike nekih pokreta 20. veka. (aktivno izražavanje ličnog stava umjetnika prema svijetu, emocionalnost i asocijativnost boje, koja ima malo veze s prirodnim koloritnim odnosima, pretjerane forme, dekorativnost). Svijet je na nov način tumačen u umjetnosti ruskih slikara s kraja 19. - početka 20. stoljeća - na slikama V. A. Serova, M. A. Vrubela, K. A. Korovina.

U 20. veku stvarnost je kontradiktorna, a često duboko subjektivno ostvarena i pretočena u slike najvećih umjetnika kapitalističkih zemalja: P. Picassa, A. Matissea, F. Légera, A. Marqueta, A. Deraina u Francuskoj; D. Rivera, J.C. Orozco, D. Siqueiros u Meksiku; R. Guttuso u Italiji; J. Bellows, R. Kent u SAD. U slikama, zidnim slikama i živopisnim panoima izraženo je istinito razumevanje tragičnih kontradiktornosti stvarnosti, često pretvarajući se u razotkrivanje deformiteta kapitalističkog sistema. Uz estetsko poimanje nove, “tehničke” ere, povezan je odraz patosa industrijalizacije života, prodor u slikarstvo geometrijskih, “mašinskih” formi, na koje se organske forme često svode, potraga za onima koje odgovaraju svjetonazoru savremeni čovek nove forme koje se mogu koristiti u dekorativnoj umjetnosti, arhitekturi i industriji. Rasprostranjen u slikarstvu, uglavnom u kapitalističkim zemljama, od početka 20. veka. primio razne modernističke pokrete, koji odražavaju opštu krizu kulture buržoaskog društva; međutim, modernističko slikarstvo posredno odražava i “bolesne” probleme našeg vremena. U slikarstvu mnogih modernističkih pokreta (fovizam, kubizam, futurizam, dadaizam i kasnije nadrealizam) pojedini manje-više lako prepoznatljivi elementi vidljivog svijeta fragmentirani su ili geometrizovani, pojavljuju se u neočekivanim, ponekad nelogičnim kombinacijama, stvarajući mnoge asocijacije. , i stapaju se sa čisto apstraktnim oblicima. Dalja evolucija mnogih od ovih pokreta dovela je do potpunog napuštanja reprezentacije, do pojave apstraktnog slikarstva (vidi Apstraktna umjetnost), što je označilo kolaps slikarstva kao sredstva reflektiranja i razumijevanja stvarnosti. Od sredine 60-ih. u zemljama zapadna evropa i Americi, slikarstvo ponekad postaje jedan od elemenata pop arta.

U 20. veku Sve je veća uloga monumentalnog i dekorativnog slikarstva, kako figurativnog (npr. revolucionarno demokratsko monumentalno slikarstvo u Meksiku) tako i nefigurativnog, obično ravnog, u skladu sa geometrizovanim oblicima moderne arhitekture.

U 20. veku Sve je veći interes za istraživanja u oblasti slikarskih tehnika (uključujući vosak i temperu; smišljaju se nove boje za monumentalno slikarstvo - silikonske, na silikonskim smolama itd.), ali i dalje prevladava uljno slikarstvo.

Multinacionalno sovjetsko slikarstvo usko je povezano sa komunističkom ideologijom, sa principima partijske pripadnosti i nacionalnosti umetnosti, predstavlja kvalitativno novu etapu u razvoju slikarstva, koju određuje trijumf metode socijalističkog realizma. U SSSR-u se slikarstvo razvija u svim saveznim i autonomnim republikama, a pojavljuju se i nove nacionalne slikarske škole. Sovjetsko slikarstvo odlikuje izoštren osjećaj za stvarnost, materijalnost svijeta i duhovno bogatstvo njegovih slika. Težnja da se dosegne socijalistička stvarnost u svoj svojoj složenosti i zaokruženosti dovela je do upotrebe mnogih žanrovskih oblika koji su ispunjeni novim sadržajem. Već od 20-ih godina. posebno značenje poprima istorijsko-revolucionarnu temu (platna M. B. Grekova, A. A. Deineke, K. S. Petrov-Vodkin, B. V. Iogansona, I. I. Brodskog, A. M. Gerasimova). Zatim se pojavljuju patriotske slike koje govore o herojskoj prošlosti Rusije, prikazuju istorijsku dramu Velikog otadžbinskog rata 1941-45, duhovnu snagu Sovjetski čovek.

Portreti igraju veliku ulogu u razvoju sovjetskog slikarstva: kolektivne slike ljudi iz naroda, učesnika revolucionarne reorganizacije života (A. E. Arkhipov, G. G. Rizhsky, itd.); psihološki portreti, prikazujući unutrašnji svijet, duhovni sastav sovjetske osobe (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin, itd.).

Tipičan način života sovjetskih ljudi ogleda se u žanrovskom slikarstvu, koje daje poetski živu sliku novih ljudi i novog načina života. Sovjetsko slikarstvo karakteriziraju velika platna prožeta patosom socijalističke izgradnje (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya, itd.). Estetska afirmacija jedinstvenih oblika života saveznih i autonomnih republika leži u osnovi nacionalnih škola koje su se razvile u sovjetskom slikarstvu (M. S. Saryan, L. Gudiashvili, S. A. Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev, itd.), koji predstavljaju komponente jedinstvene umjetničke kulture sovjetskog socijalističkog društva.

U pejzažnom slikarstvu, kao iu drugim žanrovima, nacionalne umjetničke tradicije spojene su s potragom za nečim novim, sa modernim osjećajem za prirodu. Lirska linija ruskog pejzažnog slikarstva (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin, itd.) dopunjena je razvojem industrijski pejzaž sa svojim brzim ritmovima, sa motivima preobražene prirode (B. N. Yakovlev, G. G. Nissky). Slikarstvo mrtve prirode dostiglo je visok nivo (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan).

Evoluciju društvenih funkcija slikarstva prati opšti razvoj slikovite kulture. U granicama jedne realističke metode, sovjetsko slikarstvo ostvaruje različite umjetničke forme, tehnike i individualne stilove. Široki obim izgradnje, izgradnja velikih javnih zgrada i spomen cjelina doprinijeli su razvoju monumentalne i dekorativne slikarstvo (radovi V. A. Favorskog, E. E. Lanserea, P. D. Korina), oživljavanje tehnike tempernog slikarstva, fresaka i mozaika. U 60-im - ranim 80-im. međusobni uticaj monumentalnih i štafelajno slikarstvo, pojačala se želja da se maksimalno iskoriste i obogate izražajna slikarska sredstva (vidi i Savez Sovjetskih Socijalističkih Republika i članke o republikama Sovjetskog Saveza).

Lit.: VII, tom 1-6, M., 1956-66; IRI, tom 1-13, M., 1953-69; K. Yuon, O slikarstvu, [M.-L.], 1937; D. I. Kiplik, Slikarska tehnika, M.-L., 1950; A. Kamensky, Gledaocu o slikarstvu, M., 1959; B. Slanski, Slikarska tehnika, prev. iz Češke, M., 1962; G. A. Nedoshivin, Razgovori o slikarstvu, M., 1964; B. R. Vipper, Članci o umjetnosti, M., 1970; Ward J., Istorija i metode antičkog i modernog slikarstva, v. 1-4, L., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu"est-ce que c"est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Venturi L., Slikarstvo i slikari, Cleveland, 1963; Cogniat R., Histoire de la peinture, t. 1-2, str., 1964; Barron J. N., Jezik slikarstva, Cleveland, ; Nicolaus K., DuMontov Handbuch der Gemaldekunde, Köln, 1979.

Tradicionalne tehnike slikanja: , (sa jajetom), zid (kreč), ljepilo i druge vrste. Otkako je ulje na platnu postalo popularno; pojavljuju se sintetičke boje s polimernim vezivom (akril, vinil, itd.). Boje se mogu pripremiti od umjetnih.

A tehnika polucrtanja se takođe klasifikuje kao slikarstvo.

Slikanje se može izvoditi na bilo kojoj osnovi: na kamenu, gipsu, na platnu, na papiru, na koži (uključujući i na životinjskom ili ljudskom tijelu - tetovaže), na metalu, na asfaltu, betonu, staklu, keramici itd., i tako dalje.

Slikarstvo se susreće i koegzistira sa plastičnom umjetnošću, uključujući,; može učestvovati u formiranju vještačkog i prirodnog okruženja.

Slikarstvo, kao i drugi likovne umjetnosti, je iluzorno: to je imitacija trodimenzionalnog prostora u ravni, ostvarena kroz linearnost i boju. Ali njegov vizuelni i takođe aspekt (percipira gotovo beskrajne informacije u trenu) određuje izuzetno mjesto slikarstva među svim likovnim umjetnostima.

Istovremeno, razvoj umjetnosti, vizualnih metoda i sredstava izražavanja, odavno je prevazišao razumijevanje njegovih glavnih zadataka - "reprodukcije stvarnosti". Takođe kaže: „Ne kopirajte prirodu, nego učite od nje“; i ovaj princip je vodio mnoge umjetnike tokom mnogih stoljeća. Dakle, zadaci slikanja ne podrazumijevaju samo takvu organizaciju prostora na ravni, koja je vođena i ograničena rekreacijom trodimenzionalnog okruženja na njemu, štoviše, određene metode se dugo percipiraju kao „slijepe ulice“ u razvoj umjetnosti (u kontekstu razumijevanja i promišljanja adekvatnosti percepcije). Ravnost, kao i boja, ima nezavisan integritet i vrednost; zajedno diktiraju svoje uslove u sintezi oblika i na ravni kao takvoj, iu interakciji sa trodimenzionalnim vremenskim prostorom. Umjetnik se više ne može zadovoljiti skupom iluzornih tehnika („iluzionizam“), prati potrebe novog poimanja ljepote, napuštajući nebitne metode samoizražavanja i utjecaja na gledatelja, traga za novim oblicima toga, dijalektički se vraća najboljem od odbačenog i tako dolazi do razumijevanja i implementacije novih vrijednosti. Takvo razumijevanje metoda i tehničkih, izražajnih zadataka umjetnosti gajio je među ostalim teoretičarima i majstorima, a potom i samostalno razvijao sam V. A. Favorsky. Naravno, ovo nije jedini „ispravan“ put za razvoj moderne umjetnosti i slikarstva, međutim, mnoge odredbe takve vizije su vrlo uvjerljive i produktivne.

Što se tiče zablude o strogom isključenju slikarstva iz plastike, čak je i teorija „ortodoksnih“ odavno preispitana. To je ono što se kaže, ne u nekoj zamršenoj konceptualnoj studiji, već u “”: “Plastične umjetnosti se pak dijele na vizualne i nefigurativne. Prvi uključuju slikarstvo, skulpturu, grafiku, monumentalna umjetnost... Nelikovne umjetnosti uključuju arhitekturu i umjetnički dizajn... Granice između likovne i nelikovne umjetnosti nisu apsolutne...”

"Funkcije" slikanja

Kao i drugi vrste umjetnosti, slikarstvo može obavljati kognitivne, estetske, vjerske, ideološke, filozofske, društveno-obrazovne ili dokumentarne funkcije.

Međutim, glavni i primarni ekspresivni i smisleni značaj u slikarstvu je boja, koja je sama po sebi nosilac ideje (uključujući i psihološke faktore uticaja i percepcije). To vrlo uvjerljivo objašnjava i pokazuje, na primjer, teorija I. Ittena. Nije slučajno da postoji koncept kao što je „literarnost“, kada slikarstvo, iz ovog ili onog razloga, nema dovoljno plastičnih i izražajnih kvaliteta, u svoj arsenal privlači čisto narativnu, „literarnu“ komponentu.

Ipak, razvijajući se zajedno sa čovjekom i cijelim svijetom, slikarstvo je dobilo i novo tumačenje i novo razumijevanje zadataka. Dakle, u početku imati jasni znakovi samostalne plastične karakteristike (nije slučajno da je jedan od glavnih parametara koji odvajaju slikarske tehnike od grafičkih potez kistom, koji pruža širok spektar plastičnih mogućnosti - u najvećoj mjeri, naravno, do najčešćeg tipa, ali i naravno, na mnoge njegove nove tipove i tehnike, što podrazumijeva sintezu oblika). Ideja o načinima i zadacima slikarstva, kao i svih sredstava i metoda samoizražavanja, povijesti umjetnosti i kreativno okruženje- iskusili očigledan uticaj razvoja opšteg kognitivnog procesa, ali su, naravno, i sami uticali na njega, dotičući mnoge aspekte pogleda na svet i ljudske delatnosti.

Ponovno promišljanje funkcija slikarstva, kao i cjelokupnog stvaralaštva, prošlo je kroz poricanje njegove svrsishodnosti kao takve („Samo shvativši da je potpuno besmisleno možete početi stvarati,” kaže R.-M. Rilke); - kroz spoznaju da je "ovo dubok iracionalan proces" - ne slaže se samo R.-M. Rilkea i P. Kleea, kojeg je on ispravno percipirao i dobro razumio, ali i mnogi umjetnici i filozofi; Štaviše, sam njihov razvoj pripremio je novo shvaćanje umjetnosti i njenih zadataka: bilo je nemoguće uklopiti cjelinu prolaznog života, tehničke i tehnološke, te na kraju društvene i moralne transformacije u Prokrustov krevet ideološke i akademske dogme i klišeje, sveštenički izolujući umetnost od samog razvoja života, svodeći sam ovaj duboki stvaralački proces na „dobro shvaćene i odavno poznate” funkcije.

Ono što se izdvaja je slika koju stvaraju ljudi koji, u različitom stepenu, neadekvatno percipiraju okolna stvarnost, u čijim radovima nema pokušaja da se približi njenom realističkom odrazu. U nekim slučajevima takve slike stvaraju osobe s mentalnim odstupanjima od općeprihvaćene norme, pa čak i pacijenti medicinskih ustanova.

Slikovit početak u umjetnosti

Slikarstvo, slikovito, slikovito (od živog, prirodnog). Slikovni princip u likovnoj umjetnosti zasniva se na takozvanom gledanju na daljinu, ili „instalaciji udaljenog oka“, u kojoj se predmet promatra odvojeno, izdaleka (ili u mentalnoj, imaginarnoj odvojenosti). Ova postavka vida dovodi do izravnavanja vizuelne slike, baš kao što vidimo šumu na horizontu kao ravnu siluetu, bez razlikovanja pojedinačnih stabala. Umjetnici ovu percepciju nazivaju "poluokom" gledanjem (blago žmirkanje, zatvaranje kapaka). Ovo je uobičajena pozicija umjetnika: odmičući se od štafelaja, škiljeći i lagano naginjući glavu, on upoređuje sliku s prirodom. Percepcija "s pola oka" omogućava, posebno, u prvoj fazi rada, odvlačeći pažnju od volumetrijskih, konstruktivnih i materijalnih svojstava objekta, da se uspješnije i dosljednije rješavaju problemi planarnog rasporeda slike na "ravni slike". ". Koristeći daleku viziju, umjetnik stvara holistički prikaz oblika objekta na ravni. To je suština slikovnog principa u umjetnosti, bez obzira da li se u svakom konkretnom slučaju koriste koloritna sredstva ili ne. Slikovitost nije isto što i boja, to je poseban kvalitet slike koji nastaje kao rezultat gledanja na daljinu, percepcije objekta kroz njegov odnos sa okolinom – svjetlost i sjenka, refleksi, odsjaj. L. B. Alberti objasnio je kvalitete slikovitosti njihovim porijeklom „iz čitanja mjesta koje je priroda slučajno stvorila“. Kasnije su romantičari posebno isticali ulogu mašte, svojstvenu slikaru, u „nagađanju“ skrivenih slika u bizarnim šikarama, korijenju drveća, školjkama i gomilama kamenja. Dešava se da sa neobičnim uglom, osvetljenjem, klimom jednostavni oblici izgledaju misteriozno i ​​izražajno. Potpuno nezanimljiv predmet, koji ne znači ništa za svakodnevnu percepciju, zbog prostornih odnosa, može biti slikovit i time privući pažnju umjetnika. Za slikarstvo kao određenu vrstu umjetnosti i kreativna metoda koju karakteriše želja da se slikovna površina transformiše u vizuelni privid prostora, svetlo-vazdušno okruženje. Najprikladnija sredstva za to su koloristička. Dakle, slikarstvo je pretežno obojeno.

Žanrovi slikarstva

Portret

Portret je slika osobe ili grupe ljudi koji postoje ili su postojali u stvarnosti.“ Portret prikazuje spoljašnji izgled (a preko njega i unutrašnji svet) konkretne, stvarne osobe koja je postojala u prošlosti ili postoji u prisutan.”

Granice žanra portreta su vrlo fluidne, a često se sam portret može kombinovati u jednom radu sa elementima drugih žanrova.

Po prirodi slike

Scenery

Pejzaž je žanr slikarstva u kojem je glavni predmet slike netaknuta priroda, ili priroda koju je čovjek u jednom ili drugom stepenu preobrazio. Postojao je od antike, ali je u srednjem vijeku izgubio značaj i ponovo se pojavio tokom renesanse, postepeno postajući jedan od najvažnijih slikarskih žanrova.

Marina

Marina je žanr likovne umjetnosti koji prikazuje pogled na more, kao i scenu pomorske bitke ili drugih događaja koji se odvijaju na moru. To je vrsta pejzaža. Marina se kao samostalna vrsta pejzažnog slikarstva pojavila u Holandiji početkom 17. stoljeća.

Vrste likovne umjetnosti.

Slikarstvo

Slikarstvo je jedan od najstarijih oblika umjetnosti povezan s prijenosom vizualnih slika nanošenjem boja na čvrstu ili fleksibilnu podlogu. Najčešći slikarski radovi su oni koji se izvode na ravnim ili gotovo ravnim površinama, kao što su platno razvučeno na nosilima, drvo, karton, papir, obrađene zidne površine itd. U užem smislu, pojam slikarstva suprotstavlja se radovima nastalim na papir, za koji se koristi izraz - grafike.

Irina Shanko
"Mart, na obali Finskog zaliva"
platno, ulje
33/58
2011

Klasifikacija.

Slikarstvo se također može podijeliti na štafelajno i monumentalno. Ovdje je približna podjela na ove vrste, iako se gotovo svaki materijal štafelajnog slikarstva može koristiti u monumentalnom slikarstvu. Štafelajno slikarstvo uključuje “mala” djela koja se mogu postaviti na štafelaj ili na nekoliko. Monumentalno slikarstvo, čija se osnova obično ne toleriše - zid, plafon itd.

Štafelaj:

Slikanje uljem je tehnika koja koristi boje sa biljnim uljem kao glavnim vezivom. Uljane boje se sastoje od suhih pigmenata i ulja za sušenje.

Šanko Irina, "Čamci za spavanje", ulje na platnu, 50/60, 2014.

Slikanje temperom, vezivo je žumance kokošijeg jajeta.

Ova vrsta slikanja je dobila ime po nazivu boje - tempera. Riječ je zasnovana na latinskom temperare, što znači "miješati". Tehnologija proizvodnje ove boje bila je otprilike sljedeća. Pigmenti su mljeveni vodom i osušeni. Zatim su se pomešali sa jajetom, razblaženim lepkom, sirćetom, vinom ili pivom.

Tehnika slikanja temperom sastojala se od uzastopnog nanošenja više slojeva. Na pripremljenu površinu nanese se lagani sloj boje. Najprije su umjetnici ocrtali konture, prikazane okruženje, priroda, odjeća. Slike ljudi su nacrtane u završnoj fazi. Istovremeno, kod slikanja temperama bilo je veoma važno da se svaki od slojeva dobro osuši, inače bi se naredni mogli zamutiti. Na sreću, struktura boja im je omogućila da se vrlo brzo osuše. Stoga se umjetnikov rad na slici odvijao gotovo kontinuirano.

Andrej Rubljov, "Trojstvo", 1411 ili 1425-27, drvo, tempera, 142/114 cm, Državna Tretjakovska galerija, Moskva.

_____________________________________________________________________________________________________

Slikanje ljepilom, na bazi životinjskog ljepila.Tehnika u kojoj ljepilo služi kao vezivo za pigment: životinjski (riba, meso, kost, kazein) ili biljni (škrob, guma, tragakant).

Boje u farbanju ljepilom su neprozirne, neprozirne, površina za farbanje je mat. Sa visokim sadržajem ljepila u boji, površina dobiva sjaj, a boja postaje intenzivnija.

Marija sa usnulim Isusom, 1455.

_____________________________________________________________________________________________________

Enkaustično slikarstvo, slikanje voštanim bojama.

Enkaustika (od starogrčkog ἐγκαυστική - [umetnost] spaljivanja) je slikarska tehnika u kojoj je vosak vezivo za boje. Farbanje se vrši topljenim bojama (otuda i naziv).

Apostol Petar (početak VI vijeka)

_____________________________________________________________________________________________________

Monumentalno:

Freska, jedna od tehnika zidnog slikarstva koju karakteriše slikanje na mokroj žbuci.

Freska (od ital. fresco - svjež), affresco (tal. affresco) - slikanje na mokroj žbuci jedna je od tehnika zidnog slikarstva, suprotna od "A secco" (slikanje na suhom). Kada se osuši, vapno sadržano u žbuci formira tanak prozirni kalcijum film, čineći fresku izdržljivom.

Trenutno se termin „freska“ može koristiti za bilo koje zidno slikarstvo, bez obzira na njegovu tehniku ​​(secco, tempera, ulje na platnu, akrilno slikarstvo, itd.). Ponekad se temperom slikaju na već osušenoj fresci.

Rimska freska, 40-30 pne. e.

_____________________________________________________________________________________________________

A secco, za razliku od freske, je slikanje na suvom malteru.

A secco se naziva i kazeinsko i silikatno slikarstvo (Mineralno slikarstvo je tehnička vrsta monumentalnog slikarstva zasnovana na upotrebi rastvorljivog stakla kao veziva.) na osušenom malteru. Koristi se za izvođenje radova kako na unutrašnjim tako i na vanjskim površinama zgrada. Tehnika omogućava naknadno prilagođavanje temperama i pranje čistom vodom.

Leonardo da Vinci. Posljednja večera.1498

_____________________________________________________________________________________________________

Sgraphito, zidno slikarstvo, čija je suština nanošenje boje na više nivoa.

Sgraffito (tal. sgraffito) ili graffito (tal. graffito) je tehnika izrade zidnih slika čija je prednost velika izdržljivost.

Najjednostavniji slučaj dvobojnog sgraffita je nanošenje jednog sloja žbuke na zid, koji se po boji razlikuje od podloge. Ako na nekim mjestima zagrebete sloj, donji, druge boje, bit će izložen i dobit ćete dvobojni uzorak. Da bi se dobio višebojni sgraffito, na zid se nanosi nekoliko slojeva žbuke različitih boja (žbuka je obojena različitim pigmentima); žbuka se zatim struže na različite dubine kako bi se otkrio sloj željene boje.

Takve slike su vrlo radno intenzivne i teško ih je ispraviti, stoga se prilikom slikanja ovom tehnikom često koristi matrica kako bi se izbjegle greške.

Dvobojni sgrafito, Březnice, Češka Republika

_____________________________________________________________________________________________________

Akrilne, vodeno dispergirane boje.

Akrilne boje postaju tamnije kako se suše. Mogu se koristiti i kao alternativa uljanim bojama sa širokom primjenom poznate tehnike. Vrlo brzo se suše - to je njihova prednost u odnosu na druge boje. Može se nanositi ili u vrlo tekućem, razrijeđenom stanju (razrijeđen vodom), ili u stanju poput paste, zgusnut posebnim zgušnjivačima koje koriste umjetnici, dok akril ne stvara pukotine, za razliku od uljanih boja. Boja se nanosi kao ravnomjeran film, ima blagi sjaj, ne zahtijeva fiksiranje fiksativima ili lakovima i ima svojstvo stvaranja filma koji se nakon sušenja može isprati samo posebnim otapalima.

Akrilne boje i lakovi mogu se koristiti na bilo kojoj nemasnoj podlozi.

Svježa akrilna boja se lako uklanja sa predmeta vodom, ali kada se osuši potrebna su posebna otapala.

_____________________________________________________________________________________________________