Detalji Kategorija: Likovna umjetnost i arhitektura renesanse (renesanse) Objavljeno 19.12.2016. 16:20 Pregleda: 6560

Renesansa je doba kulturnog procvata, procvat svih umjetnosti, ali ona koja je najpotpunije izražavala duh svog vremena bila je likovna umjetnost.

Renesansa ili renesansa(francuski “novi” + “rođeni”) imali su globalni značaj u kulturnoj istoriji Evrope. Renesansa je zamijenila srednji vijek i prethodila dobu prosvjetiteljstva.
Glavne karakteristike renesanse– sekularna priroda kulture, humanizam i antropocentrizam (interes za čovjeka i njegove aktivnosti). Tokom renesanse, interes za antičku kulturu je procvjetao i, takoreći, došlo je do njenog „ponovnog rođenja“.
Renesansa je nastala u Italiji - njeni prvi znakovi pojavili su se u 13.-14. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna, itd.). Ali čvrsto je uspostavljen 20-ih godina 15. vijeka, a do kraja 15. stoljeća. dostigla svoj vrhunac.
U drugim zemljama renesansa je počela mnogo kasnije. U 16. veku počinje kriza renesansnih ideja, a posljedica te krize je pojava manirizma i baroka.

Renesansni periodi

Renesansa se deli na 4 perioda:

1. Proto-renesansa (2. polovina 13. st. - 14. st.)
2. Rana renesansa (početak 15. - kraj 15. vijeka)
3. Visoka renesansa (kraj 15. - prvih 20 godina 16. vijeka)
4. Kasna renesansa (sredina 16-90-ih godina 16. stoljeća)

Pad Vizantijskog carstva odigrao je ulogu u formiranju renesanse. Bizantinci koji su se doselili u Evropu donijeli su sa sobom svoje biblioteke i umjetnička djela, nepoznata srednjovjekovnoj Evropi. Vizantija nikada nije raskinula sa antičkom kulturom.
Izgled humanizam(društveno-filozofski pokret koji je čovjeka smatrao najvišom vrijednošću) bio je povezan s odsustvom feudalnih odnosa u talijanskim gradovima-republikama.
Sekularni centri nauke i umetnosti počeli su da nastaju u gradovima, koji nisu bili pod kontrolom crkve. čije su aktivnosti bile van kontrole crkve. Sredinom 15. vijeka. Izumljena je štamparija, koja je igrala važnu ulogu u širenju novih pogleda širom Evrope.

Kratke karakteristike perioda renesanse

Proto-renesansa

Proto-renesansa je preteča renesanse. Također je usko povezana sa srednjim vijekom, sa vizantijskom, romaničkom i gotičkom tradicijom. Povezuje se s imenima Giotto, Arnolfo di Cambio, braća Pisano, Andrea Pisano.

Andrea Pisano. Bas-reljef "Stvaranje Adama". Opera del Duomo (Firenca)

Protorenesansno slikarstvo predstavljaju dvije umjetničke škole: Firenca (Cimabue, Giotto) i Siena (Duccio, Simone Martini). Centralna figura slikarstva bio je Giotto. Smatran je reformatorom slikarstva: religiozne forme je ispunio sekularnim sadržajem, napravio postupni prijelaz od ravnih slika u trodimenzionalne i reljefne, okrenuo se realizmu, uveo je u slikarstvo plastični volumen figura, a u slikarstvu prikazao interijere.

Rana renesansa

Ovo je period od 1420. do 1500. godine. Umjetnici rane renesanse Italije crpili su motive iz života i ispunjavali tradicionalne vjerske teme zemaljskim sadržajem. U skulpturi su to bili L. Giberti, Donatello, Jacopo della Quercia, porodica della Robbia, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio. U njihovom radu su se počeli razvijati samostojeći kip, slikoviti reljef, portretna bista i konjički spomenik.
U italijanskom slikarstvu 15. veka. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino i dr.) odlikuju se osjećajem za harmoničnost uređenost svijeta, pozivanje na etičke i građanske ideale humanizma, radosna percepcija ljepote i raznolikosti stvarnog svijeta.
Osnivač renesansne arhitekture u Italiji bio je Filippo Bruneleski (1377-1446), arhitekta, vajar i naučnik, jedan od tvoraca naučne teorije perspektive.

Posebno mjesto u istoriji italijanske arhitekture zauzima Leon Battista Alberti (1404-1472). Ovaj italijanski naučnik, arhitekta, pisac i muzičar rane renesanse školovao se u Padovi, studirao pravo u Bolonji, a kasnije je živeo u Firenci i Rimu. Napravio je teorijske rasprave „O kipu” (1435), „O slikarstvu” (1435–1436), „O arhitekturi” (objavljeno 1485). Branio je „narodni“ (italijanski) jezik kao književni, au svojoj etičkoj raspravi „O porodici“ (1737-1441) razvio je ideal harmonično razvijene ličnosti. U svom arhitektonskom radu Alberti je gravitirao hrabrim eksperimentalnim rješenjima. Bio je jedan od osnivača nove evropske arhitekture.

Palazzo Rucellai

Leon Battista Alberti je razvio novi tip palače sa fasadom, rustikovanom do cijele visine i podijeljenom sa tri nivoa pilastra, koji izgledaju kao strukturalna osnova građevine (Palazzo Rucellai u Firenci, sagradio B. Rossellino prema Albertijevim planovima ).
Nasuprot Palazzo nalazi se Loggia Rucellai, u kojoj su se održavali prijemi i banketi za trgovačke partnere i proslavljala vjenčanja.

Loggia Rucellai

Visoka renesansa

Ovo je vrijeme najveličanstvenijeg razvoja renesansnog stila. U Italiji je to trajalo otprilike od 1500. do 1527. Sada se centar italijanske umjetnosti iz Firence seli u Rim, zahvaljujući stupanju na papski tron Julia II, ambiciozan, hrabar, preduzimljiv čovjek, privučen svom dvoru najbolji umetnici Italija.

Rafael Santi "Portret pape Julija II"

U Rimu se grade mnoge monumentalne građevine, stvaraju veličanstvene skulpture, slikaju se freske i slike koje se i danas smatraju remek-djelima slikarstva. Antika je još uvijek visoko cijenjena i pažljivo proučavana. Ali imitacija drevnih ne ugušava nezavisnost umjetnika.
Vrhunac renesanse je djelo Leonarda da Vincija (1452-1519), Michelangela Buonarotija (1475-1564) i Raphaela Santija (1483-1520).

Kasna renesansa

U Italiji je to period od 1530-ih do 1590-ih-1620-ih. Umjetnost i kultura ovog vremena vrlo su raznolike. Neki vjeruju (na primjer, britanski naučnici) da je "Renesansa kao integralni istorijski period završila padom Rima 1527." Umjetnost kasne renesanse predstavlja vrlo složenu sliku borbe raznih pokreta. Mnogi umjetnici nisu težili proučavanju prirode i njenih zakona, već su samo spolja pokušavali da asimiliraju "način" velikih majstora: Leonarda, Raphaela i Michelangela. Ovom prilikom je stariji Mikelanđelo jednom rekao, gledajući umetnike kako kopiraju njegov „Poslednji sud”: „Ova moja umetnost će mnoge učiniti budalama”.
U južnoj Evropi trijumfovala je kontrareformacija, koja nije pozdravila nikakvu slobodnu misao, uključujući veličanje ljudskog tijela i vaskrsavanje antičkih ideala.
Poznati umjetnici ovog perioda bili su Giorgione (1477/1478-1510), Paolo Veronese (1528-1588), Caravaggio (1571-1610) i drugi. Caravaggio smatra se začetnikom baroknog stila.

Šta je renesansa. Renesansu povezujemo sa dostignućima u oblasti kulture, prvenstveno u oblasti likovne umetnosti. Pred mentalnim pogledom svakoga ko je barem malo upoznat s istorijom umjetnosti pojavljuju se skladno lijepe i veličanstvene slike koje stvaraju umjetnici: nježne madone i mudri sveci, hrabri ratnici i značajni građani. Njihove figure svečano se uzdižu na pozadini mramornih lukova i stupova iza kojih se prostiru prozirni svjetlosni pejzaži.

Umjetnost uvijek govori o svom vremenu, o ljudima koji su tada živjeli. Koji su ljudi stvorili ove slike, pune dostojanstva, unutrašnjeg mira i povjerenja u vlastitu važnost?

Termin "renesansa" prvi je upotrebio Giorgio Vasari sredinom 16. veka. u svojoj knjizi o poznatim italijanskim slikarima, vajarima i arhitektama XIII-XVI veka. Ime se pojavilo u trenutku kada se završavala sama era. Vasari je dao vrlo specifično značenje u ovaj koncept: procvat, uspon, oživljavanje umjetnosti. Kasnije se želja za preporodom svojstvena ovom periodu počela smatrati ništa manje važnom. drevne tradicije u kulturi.

Fenomen renesanse generisan je uslovima i potrebama života društva uoči Novog vremena (tj. vremena na prilazima formiranju industrijsko društvo), a okretanje antici omogućilo je pronalaženje odgovarajućih oblika za izražavanje novih ideja i osjećaja. Istorijski značaj ovog perioda leži u formiranju novog tipa ličnosti i stvaranju temelja nove kulture.

Novi trendovi u životu italijanskog društva. Da bi se lakše shvatila suština promjena koje su započele u društvenoj i duhovnoj sferi, potrebno je zamisliti kako se u srednjem vijeku gradio odnos pojedinca i društva. Tada se ljudska ličnost rastvarala u tom malom kolektivu (seljačka zajednica, viteški red, monaško bratstvo, zanatski esnaf, trgovački esnaf) za koji je čovek bio vezan okolnostima svog porekla i rođenja. On sam i svi oko njega su ga prije svega doživljavali kao, na primjer, fra (brata) - člana monaškog bratstva, a ne kao određenu osobu sa određenim imenom.

Odnosi među ljudima, norme ponašanja i njihove percepcije su detaljno razvijeni i jasno definisani. Ako se fokusiramo samo na teorijsku stranu stvari, možemo reći ovo: sveštenstvo je bilo dužno moliti se za sve laike, plemstvo je bilo dužno svakoga štititi od moguće vanjske prijetnje, a seljaci su bili dužni izdržavati i hraniti prvog i drugog imanja. U praksi je sve to, naravno, bilo daleko od teorijske idile, ali raspodjela funkcija uloga je bila upravo takva. Društvena nejednakost je bila čvrsto uspostavljena u javnoj svijesti, svaka klasa je imala svoja strogo određena prava i odgovornosti i imala je društvenu ulogu koja je striktno odgovarala njenom društvenom statusu. Rođenjem je pojedinac dodijelio određeno mjesto u strukturi društva, on je mogao promijeniti svoj položaj gotovo isključivo u okviru stepena društvene ljestvice kojoj je pripadao po poreklu.

Primjena određenoj društvenoj niši ometala je slobodan razvoj ljudske individue, ali mu je davala određene društvene garancije. Dakle, srednjovjekovno društvo je bilo usmjereno na nepromjenjivost, stabilnost kao idealno stanje. Pripadao je tipu tradicionalnih društava čiji je glavni uslov za postojanje konzervativizam, pokornost tradiciji i običajima.

Stari svjetonazor je bio usmjeren na činjenicu da je zemaljski život samo kratak vremenski period kada se čovjek priprema za glavni, vječni, onostrani život. Vječnost je potčinila prolaznu stvarnost. Nade u dobre promjene polagale su se isključivo na ovo pravi život, sa Eternity. Zemaljski svijet, ova „dolina tuge“, bila je zanimljiva samo utoliko što je bila slaba refleksija drugog, glavnog svijeta. Odnos prema čovjeku bio je dvojak – strogo je razdvojio svoj zemaljski, smrtni i grešni početak, koji je trebao biti prezren i omražen, i uzvišeni, duhovni, koji je jedini bio dostojan postojanja. Ideal je bio monah asketa koji se odrekao radosti i strepnje zemaljskog života.

Čovjek je bio dio male društvene zajednice, pa su se sve njegove aktivnosti, uključujući i kreativne, doživljavale kao rezultat kolektivnih napora. U suštini, kreativnost je bila anonimna, a naša saznanja o djelima jednog ili drugog vajara ili slikara srednjeg vijeka su nasumična i fragmentarna. Grad i zajednica gradili su katedralu, a svi njeni detalji bili su dio jedinstvene cjeline, dizajnirane za besprijekornu percepciju. Majstori arhitekte, majstori zidari, majstori rezbari, majstori slikari podizali su zidove, stvarali skulpture i vitraje, oslikavali zidove i ikone, ali gotovo niko od njih nije nastojao da ovjekovječi svoje ime za potomstvo. U idealnom slučaju, trebali su ponoviti na najbolji mogući način, reproducirati ono što je osveštano autoritetom recepta i smatrano „originalom“ koji treba oponašati.

Prvi korak ka nastanku novih trendova u životu društva bio je rast i razvoj gradova. Apeninsko poluostrvo, uklesano poput izdužene čizme u prostranstva Sredozemnog mora, zauzimalo je izuzetno povoljan položaj u srednjovekovnom svetu. Prednosti ove lokacije postale su posebno očigledne kada je ekonomski život počeo da se ubrzava na Zapadu i kada je rasla potreba za trgovinskim kontaktima sa bogatim zemljama Bliskog istoka. Od 12. veka Počeo je procvat italijanskih gradova. Poticaj brzog razvoja urbane privrede bili su krstaški ratovi: vitezovima koji su krenuli u osvajanje Svetog groba bili su potrebni brodovi da pređu more; oružje za borbu; proizvoda i raznih kućnih potrepština. Sve su to nudili italijanski zanatlije, trgovci i pomorci.

U Italiji nije bilo jake centralne vlasti, pa je svaki grad, zajedno sa okolnim selima, postao grad-državačiji je prosperitet zavisio od veštine njegovih zanatlija, agilnosti trgovaca, tj. od preduzeća i energije svih stanovnika.

Osnova privrednog života društva koje je postojalo u Itadiji u 14.-15. vijeku bile su industrija i trgovina, koncentrisane u gradovima. Sačuvan je esnafski sistem, i Ljudska prava posjedovali su samo članovi esnafa, tj. nisu svi stanovnici grada. A različite radionice su se značajno razlikovale po stepenu uticaja: na primer, u Firenci, od 21 radionice, najuticajnije su bile „radionice za starije osobe“, koje su ujedinjavale ljude najprestižnijih profesija. Članovi starijih radionica, oni „debeli“, bili su, u stvari, preduzetnici, a novosti u ekonomski život manifestirale su se pojavom elemenata (za sada samo elemenata!) nove ekonomske strukture.

Grad renesanse. Renesansna kultura je urbana kultura, ali grad koji ju je iznjedrio bio je primjetno drugačiji od srednjovjekovnog grada. Spolja se to nije previše primijetilo: isti visoki zidovi, isti haotičan raspored, ista katedrala na glavnom trgu, iste uske ulice. „Grad je rastao kao drvo: zadržao svoj oblik, ali se povećao, a gradske zidine su, poput prstenova na rezu, označavale prekretnice njegovog rasta.” Tako u Firenci u 13. veku. bilo je potrebno proširiti prsten zidova dva puta u jednom vijeku. Do sredine 14. vijeka. Prostor predviđen za urbani razvoj povećan je 8 puta. Vlada se pobrinula za izgradnju i očuvanje zidova.

Gradska kapija služila je kao tačka kontakta sa vanjskim svijetom. Stražari na kapiji prikupljali su poreze od trgovaca i seljaka koji su pristizali u grad, a štitili su grad od mogućih neprijateljskih napada. Prije ere artiljerije, zidovi sa jakim kapijama bili su prilično pouzdana odbrana od vanjskih invazija bili su dovoljni samo za hranu i vodu. Upravo je ovo ograničenje natjeralo zgrade da postanu gužve i povećaju broj spratova. Italiju karakteriše izgradnja visokih kula od strane rivalskih bogatih porodica, čije su vertikale, zajedno sa zvonicima crkava, davale gradskoj silueti izgled kamene šume. Pojava Siene, na primjer, opisana je u stihovima A. Bloka: "Proboli ste vrhove crkava i kula u nebo."

Grad je veštački organizovan prostor. Ulice i trgovi italijanskih gradova iz 13. veka. popločan kamenjem ili šljunkom. Svakodnevni život ljudi odvijao se uglavnom na ulici. Na ulici su trgovci, mjenjači i zanatlije izlagali robu, trgovali i obavljali novčane transakcije, zanatlije su često radile na ulici ili na trgu da bi razgovarale o raznim pitanjima; trg ispred katedrale na raskrsnici najavljivali su vijesti o rođenjima, bankrotima, smrtima, vjenčanjima, pogubljenjima. Život svakog stanovnika grada odvijao se pred očima njegovih komšija.

Centralni trg nije bio ukrašen samo veličanstvenom katedralom, već i skulpturama. Primjer takvog ukrasa je trg ispred Palazzo Vecchio (gradske vijećnice) u Firenci. U prednjem dijelu grada posebno je bila uočljiva jukstapozicija antičkih građevina romaničkog (u manjoj mjeri gotičkog) stila i novih renesansnih građevina. Stanovnici susjednih gradova takmičili su se jedni s drugima u ukrašavanju trgova, crkava i javnih zgrada.

U XIV-XV vijeku. U italijanskim gradovima se odvijala ubrzana gradnja, stare zgrade su rušene i zamenjene novima. Razlog tome nije uvijek bila dotrajalost zgrada - mijenjali su se ukusi, rastao je prosperitet, a ujedno i želja za pokazivanjem novih mogućnosti. Primer ove vrste je ono što je započeto u 14. veku. izgradnja nove firentinske katedrale (Duomo, poznatije kao Santa Maria del Fiori), čija je kupola bila najveća za to vrijeme na Zapadu.

Ponekad su bogate porodice ujedinjavale nekoliko starih stanova iza obnovljene fasade. Tako je arhitekta L. B. Alberti, po narudžbi porodice Rucellai, sagradio palazzo u novom ukusu, skrivajući osam kuća iza rustikovane fasade. Uličica između kuća pretvorena je u dvorište. Ova tehnika je omogućila da se stambeni prostori, skladišta i prodavnice, lođe i bašta uvrste u jedan kompleks. Glavni arhitektonski oblik sekularne urbane zgrade - palazzo - palate bogatih građana, koji je imao pravougaoni oblik sa dvorištem. Fasade palate, okrenute prema ulici, odgovarale su uslovima života koji su bili karakteristični za italijanske republičke gradove. Naglašeno gruba obrada kamena (rustovke) kojim je obložen zid donjeg sprata, debeli zidovi, mali prozori - sve je to podsjećalo da bi ovakva palača mogla poslužiti kao pouzdan zaklon tokom brojnih unutargradskih političkih sukoba.

Unutrašnjost se sastojala od niza prostorija ukrašenih zidnim slikama i prekrivenih drvenim, rezbarenim, a rjeđe i štukaturama. U posebnim prilikama zidovi su bili ukrašeni zidnim tepisima (rešetama), koji su također pomagali da se zadrži toplina u prostorijama. Prostrano Yu

sobe (strofe) i mermerne stepenice stvarale su dojam svečanog sjaja. Prozori su bili zatvoreni drvenim kapcima, ponekad prekrivenim nauljenim platnom, a kasnije (ali to je bio gotovo grešan luksuz!) - ispunjeni malim komadićima stakla umetnutim u olovni povez. Glavni uređaj za grijanje ostao je ognjište u kuhinji, kao i kamini u velikim državnim prostorijama, koji su prije ukrašavali nego grijali. Stoga su krevete pokušali osigurati baldahinom i izolovati ih od okolnog prostora teškim zavjesama. Bilo je nemoguće zagrijati cijelu prostoriju vrućim kamenom ili flašom tople vode. Po pravilu je samo glava porodice imao „svoju“ sobu, kancelariju-atelje, „mesto rada na prepisivanju rukopisa, razmišljanja, usamljenog poznavanja sveta i sebe“, a ostatak domaćinstva je živeo zajedno. . Svakodnevni život imućne porodice najčešće se odvijao u dvorištu i okolnim galerijama.

Relativno malobrojni, ali masivni i bogato izrezbareni i oslikani komadi namještaja svjedočili su o želji za udobnošću. Najčešći tipovi namještaja bili su svadbena škrinja (casone), škrinja-klupa sa naslonom, masivni ormarići ukrašeni arhitektonskim detaljima, stolovi, fotelje i taburei. Unutrašnjost je bila ukrašena ne samo zidnim slikama, već i bronzanim lampama, oslikanom keramikom (majolikom), ogledalima u rezbarenim okvirima, srebrnim i staklenim posuđem, čipkanim stolnjacima.

Mnogi arhitekti su sanjali o promjeni izgleda gradova u skladu s novim ukusima, ali to je bilo nemoguće: gradnja velikih razmjera zahtijevala su ogromna sredstva i ništa manje ovlasti za provedbu masovnog rušenja kuća. Uostalom, za to je bilo potrebno uništiti toliko kuća, toliko ljudi da se presele, ali za to nije bilo sredstava. Stoga se moralo zadovoljiti izgradnjom pojedinačnih objekata, najčešće katedrala ili palata bogatih porodica. Gradovi su se obnavljali postupno, prema potrebi i mogućnosti, bez ikakvog plana, a njihov je izgled ostao uglavnom srednjovjekovni.

Idealni renesansni gradovi pojavljivali su se gotovo isključivo na crtežima i kao pozadina slikovnih kompozicija. „Model renesansnog grada je otvoreni model. Jezgro je... slobodan prostor trga, koji se otvara kroz osmatračke otvore ulica, sa pogledom u daljinu, iza gradskih zidina... ovako su umetnici oslikavali grad, ovako su autori arhitektonski traktati to vide. Renesansni grad se idealno ne brani od otvorenog prostora negrada, naprotiv, on ga kontroliše, potčinjava ga... Arhitektonska misao renesanse... odlučno suprotstavlja grad, kao umjetničko djelo. i vješto kreiran, sa prirodnim okruženjem. Grad ne treba da se povinuje terenu, već da ga potčinjava... Srednjevekovni grad je bio okomit. Grad iz 15. vijeka idealno je zamišljen kao horizontalan...” Arhitekte koje su projektovale nove gradove vodile su računa o promjenjivim uslovima i umjesto uobičajenih zidina tvrđave predlagale su izgradnju odbrambenih objekata-utvrda oko grada.

Izgled ljudi. Promijenio se izgled ljudi, promijenio se svijet stvari kojim su se okružili. Naravno, domovi siromašnih (mala drvena zgrada ili prostorija bez prozora iza radnje) ostali su isti kao prije nekoliko stotina godina. Promjene su zahvatile imućni, imućni dio stanovništva.

Odjeća se mijenjala prema raspoloženjima i ukusima tog doba. Ukuse su sada određivale potrebe i mogućnosti civila, bogatih građana, a ne vojničkog staleža vitezova. Gornja odjeća se izrađivala od raznobojnih tkanina s često uzorcima poput brokata, somota, sukna i teške svile. Lan se počeo koristiti isključivo kao donja haljina, što je bilo vidljivo kroz vezice i proreze vanjske haljine. " Vanjska odjeća za starijeg gradskog stanovnika, čak i ako nije bio na izbornoj funkciji, ona je nužno bila dugačka, široka i davala je njegovom izgledu otisak težine i važnosti.” Odjeća mladih je bila kratka. Sastojao se od košulje, prsluka sa podignutom kragnom i uskih pantalona-čarapa, često raznobojnih, vezanih za prsluk. Ako je u 15. vijeku. prednost je data jarkim i kontrastnim bojama, tada od početka XYI vijeka. Jednobojna odjeća ukrašena krznom i lancem od plemenitog metala postaje sve modernija.

Ženska odjeća u 15. vijeku. Odlikovao se mekim oblikom i raznobojnom prirodom. Preko košulje i haljine dugih uskih rukava, visokog struka i velikog četvrtastog dekoltea, nosili su ogrtač (sikoru) koji se sastojao od tri pregrade. Stražnji panel je padao niz leđa u labavim naborima, a dvije police su drapirane po ukusu vlasnika. Ukupna silueta je podsjećala na antiku. WITH početkom XVI V. U ženskoj odjeći naglašena je horizontalna podjela. Čipka koja je uokvirila izrez i rubove rukava počela je igrati glavnu ulogu u dekoraciji haljine. Struk se spušta na svoje prirodno mjesto, izrez je povećan, rukavi su puniji, suknja punija. Odjeća je trebala naglasiti ljepotu jake, zdrave žene.

Otkriće ljudskog "ja". U životu italijanskog renesansnog društva, staro i novo koegzistiraju i prepliću se. Tipična porodica tog doba je velika porodica, koja objedinjuje nekoliko generacija i nekoliko ogranaka srodnika podređenih patrijarhalnom poglavaru, ali pored ove uobičajene hijerarhije javlja se još jedan trend vezan za buđenje lične samosvesti.

Zaista, s pojavom uslova za nastanak nove ekonomske strukture i novog društva u Italiji, promijenili su se i zahtjevi za ljudima, njihovo ponašanje, odnos prema zemaljskim poslovima i brigama. Trgovina i zanatska proizvodnja, koncentrisana u gradovima, postala je osnova ekonomskog života novog društva. Ali prije nego što se većina stanovništva koncentrirala u gradovima, prije nego što su nastale manufakture, tvornice i laboratorije, pojavili su se ljudi sposobni da ih stvore, energični ljudi koji su težili stalnim promjenama, boreći se da uspostave svoje mjesto u životu. Došlo je do oslobođenja ljudska svijest iz hipnoze Vječnosti, nakon koje se oštrije počela osjećati vrijednost trenutka, značaj brzog života, želja da se potpunije doživi punoća postojanja.

Pojavio se novi tip ličnosti, koji se odlikuje hrabrošću, energijom, žeđom za aktivnošću, oslobođen pokornosti tradicijama i pravilima, sposoban da djeluje na neobičan način. Ove ljude je najviše zanimalo različiti problemi biće. Tako se u kancelarijskim knjigama firentinskih trgovaca, među brojevima i popisima razne robe, mogu naći rasprave o sudbinama ljudi, o Bogu i o najvažnijim događajima u političkom i umjetničkom životu. Iza svega toga osećamo pojačano interesovanje za Čoveka, za njega samog.

Čovjek je na vlastitu individualnost počeo gledati kao na nešto jedinstveno i vrijedno, utoliko značajnije što ima sposobnost stalnog usavršavanja. Hipertrofirani osjećaj vlastite ličnosti u svoj svojoj posebnosti u potpunosti apsorbira renesansnog čovjeka. Otkriva sopstvenu individualnost, uranja s oduševljenjem u svoj duhovni svijet, šokiran novitetom i složenošću ovog svijeta.

Pjesnici su posebno osjetljivi na hvatanje i prenošenje raspoloženja tog doba. U lirskim sonetima Frančeska Petrarke, posvećenim lepoj Lauri, očigledno je da je njihov glavni lik sam autor, a ne predmet njegovog obožavanja. Čitalac, u suštini, ne saznaje gotovo ništa o Lauri, osim da je ona sama po sebi savršenstvo, da posjeduje zlatne kovrče i zlatni karakter. Njihova oduševljenja, njihov iskustva, njihov Petrarka je opisao patnju u svojim sonetima. Saznavši za Laurinu smrt, moj oplakivao je svoje siroče:

pevao sam o njenim zlatnim loknama,

pjevao sam o njenim očima i rukama,

Poštujući muku kao nebesko blaženstvo,

A sada je hladna prašina.

A ja, bez svjetionika, u siročestoj ljusci kroz oluju, koja mi nije nova,

Lebdim kroz život, nasumično vladam.

Treba imati na umu da se otkriće ličnog "ja" ticalo samo jedne polovine ljudske rase - muškaraca. Žene su na ovom svijetu doživljavane kao bića bez suštinske vrijednosti. Morale su da vode računa o domaćinstvu, da rađaju i odgajaju malu decu, da svojim prijatnim izgledom i manirima udovoljavaju muškarcima.

U ostvarenju ljudskog “ja” važno je prisustvo rezultata, a ne sfera aktivnosti u kojoj su postignuti – bilo da je to uspostavljeni trgovački posao, veličanstvena skulptura, dobijena bitka, pjesma ili slika vrijedna divljenja. . Znajte mnogo, čitajte mnogo, mnogo učite strani jezici, upoznati se sa djelima antičkih autora, zainteresirati se za umjetnost, razumjeti mnogo o slikarstvu i poeziji - to je postao ideal čovjeka u renesansi. High bar Zahtjevi za osobu prikazani su u eseju Baldasarea Castiglionea “O dvorjanu” (1528): “Želim da naš dvorjan bude više nego osrednje upoznat s književnošću... tako da zna ne samo latinski, već i grčki... tako da da je dobro poznavao pesnike, kao i govornike i istoričare, i... znao da piše u poeziji i prozi... Neću mi biti zadovoljan naš dvorjan ako nije i muzičar... Ima još jedan stvar kojoj pridajem veliki značaj: to je upravo sposobnost crtanja i poznavanje slikanja."

Dovoljno je navesti nekoliko imena poznatih ličnosti tog vremena da bi se shvatilo koliko su različiti bili interesi onih koji su smatrani tipičnim predstavnicima svoje epohe. Leon Batista Alberti - arhitekta, vajar, stručnjak za antiku, inženjer. Lorenco Medici - državnik, briljantan diplomata, pjesnik, poznavalac i pokrovitelj umjetnosti. Verrocchio - vajar, slikar, zlatar, matematičar. Michelangelo Buonarroti - vajar, slikar, arhitekta, pjesnik. Rafael Santi - slikar, arhitekta. Svi se oni mogu nazvati herojskim pojedincima, titanima. Istovremeno, ne treba zaboraviti da veličina karakteriše razmjer, ali ne ocjenjuje njihove aktivnosti. Titani renesanse nisu bili samo kreatori, već i dobri geniji svoje zemlje.

Uobičajene ideje o tome šta je „dozvoljeno“ a šta „nezakonito“ izgubile su smisao. Istovremeno, stara pravila međuljudskih odnosa, koja možda nisu davala apsolutnu kreativnu slobodu, ali su bila toliko važna za život u društvu, izgubila su smisao. Želja za afirmacijom poprimila je razne oblike takav stav mogao je roditi i roditi ne samo briljantne umjetnike, pjesnike, mislioce čije je djelovanje bilo usmjereno na stvaranje, već i genije destrukcije, genije podlosti. Primjer ove vrste je Uporedne karakteristike dva poznata savremenika, čiji je vrhunac aktivnosti bio na prelazu iz 15. u 16. vek.

Leonardo da Vinci (1452-1519) - osoba o kojoj je lakše reći šta nije znala nego navesti šta je znala. Čuveni slikar, vajar, arhitekta, inženjer, pjesnik, muzičar, prirodnjak, matematičar, hemičar, filozof - sve se to s pravom odnosi na Leonarda. Razvio je dizajn za avion, tenk, složene strukture za navodnjavanje i još mnogo toga. Radio je tamo gdje je bilo zgodnije pronaći pokrovitelje iz vladajuće elite, lako ih mijenjajući, a umro je u Francuskoj, gdje na njegovom nadgrobnom spomeniku piše da je “veliki francuski umjetnik”. Njegova ličnost postala je personifikacija stvaralačkog duha renesanse.

Leonardov savremenik bio je poznati kondotijer Cesare Borgia (1474-1507).Široko obrazovanje spojeno je u njemu s prirodnim talentima i neobuzdanim egoizmom. Njegova ambicija se očitovala u pokušaju stvaranja jake države u centru Italije. Ako je uspio, sanjao je o ujedinjenju cijele zemlje, bio je vješt i uspješan komandant i efikasan vladar. Da bi postigao svoj cilj, ovaj sofisticirani poznavalac i poznavalac ljepote pribjegao je mitu, obmani i ubistvu. Takve metode su mu se činile sasvim prihvatljivim da bi se postigao veliki cilj - stvaranje jake države u centru Italije. Okolnosti su sprečile Čarlsa Bordžiju da ostvari svoje planove.

Leonardo da Vinci i Cesare Borgia su savremenici, podjednako tipični za svoje prelomno doba, kada su stara pravila i norme ljudskog života izgubili smisao, a nova još nisu bila prihvaćena u društvu. Ljudska ličnost teži samopotvrđivanju, koristeći se svim sredstvima i mogućnostima. Za nju su i stare ideje o „dobrom“ i „lošem“, o „dozvoljenom“ i „nezakonitom“ izgubile smisao. “Ljudi su činili najdivlje zločine i ni na koji način se nisu kajali za njih, a to su činili zato što se tada posljednjim kriterijem ljudskog ponašanja smatrala osoba koja se osjećala izolovano.” Često je jedna osoba spojila nesebičnu predanost svojoj umjetnosti i neobuzdanu okrutnost. Takav je bio, na primjer, vajar i draguljar B. Cellini, za koga su rekli: „razbojnik vilinskih ruku“.

Individualna želja za samoizražavanjem na bilo koji način naziva se titanizam. Titani renesanse postali su personifikacija doba koje je otkrilo vrijednost čovjeka "ja", ali se zaustavio na problemu uspostavljanja određenih pravila u odnosima između nosilaca mnogo različitih „ja“.

Odnos prema kreativnoj osobi i položaju umjetnika u društvu. Došlo je do zaokreta ka onom tipu civilizacije koji uključuje aktivnu ljudsku intervenciju u životnu sredinu – ne samo samousavršavanje, već i transformaciju okoline – prirode, društva – kroz razvoj znanja i njegovu primjenu u praktičnoj sferi. Dakle, najvažnija stvar u čovjeku je prepoznata kao njegova sposobnost samoostvarenja i kreativnosti (u najširem smislu riječi). To je pak podrazumijevalo napuštanje sveobuhvatne regulative u korist priznavanja privatne inicijative. Srednjovjekovni ideal kontemplativnog života zamijenjen je novim idealom aktivnog, aktivnog života, koji omogućava da se ostave vidljivi dokazi prisutnosti čovjeka na Zemlji. Glavna svrha postojanja postaje djelatnost: izgraditi lijepu zgradu, osvojiti mnoge zemlje, izvesti skulpturu ili naslikati sliku koja će proslaviti svog tvorca, obogatiti se i ostaviti iza sebe prosperitetnu trgovačku kompaniju, osnovati novu državu, napisati pjesmu ili ostaviti brojno potomstvo - sve je to bilo u određenom smislu ekvivalentno, omogućavalo je osobi da ostavi svoj trag. Umjetnost je omogućila da se kreativni princip u čovjeku manifestira, a rezultati kreativnosti dugo su čuvali sjećanje na njega, približavajući ga besmrtnosti. Ljudi tog doba bili su uvjereni:

Kreacija može nadživjeti svog tvorca:

Stvoritelj će otići, poražen od prirode,

Međutim, slika koju je uhvatio

Vekovima će grejati srca.

Ove linije Michelangela Buonarrotija mogu se pripisati ne samo umjetničkoj kreativnosti. Želja za samoizražavanjem i patos samopotvrđivanja postali su smisao duhovnog života italijanskog društva u ovom periodu. Kreativna osoba je bila veoma visoko cijenjena i povezivana, prije svega, sa umjetnikom-kreatorom.

Tako su se umjetnici doživljavali i to nije bilo u suprotnosti sa javnim mnijenjem. Poznate su riječi koje je firentinski draguljar i vajar Benvenuto Cellini navodno rekao jednom dvorjaninu: „Možda postoji samo jedan narod poput mene na cijelom svijetu, a na svim vratima ima deset poput tebe. Legenda tvrdi da je vladar, kojem se jedan dvorjanin požalio na umjetnikovu drskost, podržao Čelinija, a ne dvorjana.

Umjetnik je mogao postati bogat, poput Perugina, dobiti plemićku titulu, kao Mantegna ili Tizian, ili postati dio užeg kruga vladara, poput Leonarda ili Raphaela, ali većina umjetnika je imala status zanatlije i smatrala se takvima. Skulptori su bili u istoj radionici sa zidarima, slikari sa farmaceutima. Prema zamislima svog vremena, umjetnici su pripadali srednjem sloju građana, tačnije nižim slojevima ovog sloja. Većina njih se smatrala ljudima srednjih prihoda koji su morali stalno da rade i traže narudžbe. D. Vasari, govori o svom kreativni put, stalno napominje da je da bi ispunio jednu narudžbu morao otići u Napulj, drugu u Veneciju, a treću u Rim. Između ovih putovanja vratio se u rodni Arezzo, gdje je imao kuću, koju je stalno opremao, uređivao i širio. Neki umjetnici su imali svoje kuće (u 15. vijeku u Firenci kuća je koštala 100-200 florina), drugi su ih iznajmljivali. Slikar je oko dvije godine slikao fresku srednje veličine i za to je dobio 15-30 florina, a u ovaj iznos su uračunati i troškovi utrošenog materijala. Skulptor je za izradu skulpture potrošio oko godinu dana i za rad je dobio oko 120 florina. U potonjem slučaju mora se uzeti u obzir skuplji potrošni materijal.

Pored novčanih plaćanja, ponekad su zanatlije dobijale i pravo da se hrane u manastiru. Sveznajući Vasari opisao je slučaj slikara Paola Učela, kojeg je opat dugo i marljivo hranio sirom sve dok se majstor nije prestao pojavljivati ​​na poslu. Nakon što se umjetnik požalio monasima da mu je dosta sira, a oni su to prijavili igumanu, ovaj je promijenio jelovnik.

Zanimljivo je uporediti podatke o materijalnom stanju dvojice vajara Donatela i Ghibertija, koji su podjednako (i visoko) cijenjeni od strane svojih suvremenika. Prvi od njih je po svom karakteru i načinu života bio neoprezan u finansijskim stvarima. Legenda svedoči da je sve svoje (poprilično) prihode stavio u torbicu okačenu pored vrata, a od tog novca su mogli uzeti svi članovi njegove radionice. Tako je 1427. godine slavni majstor Donatello iznajmio kuću za 15 florina godišnje i imao neto prihod (razlika između onoga što je dugovao i onoga što mu je bilo dužno) - 7 florina. Ekonomski Lorenzo Ghiberti iste 1427. godine imao je kuću, zemljište, bankovni račun (714 florina) i neto prihod od -185 florina.

Zanatlije su rado preuzimale razne narudžbe za ukrašavanje crkava, bogatih palača i ukrašavanje gradskih praznika. „Sadašnja hijerarhija žanrova nije postojala: umjetnički predmeti su svakako bili funkcionalni po svojoj prirodi... Iz jedne radionice dolazile su oltarne slike, oslikani škrinji, portreti, oslikani barjaci... Takva je bila umjetnička samosvijest, a može se samo nagađajte o stepenu magije jedinstva majstora sa svojim radom, za koji je sam trljao boje, sam zalijepio četkicu, sam sastavio okvir - zato nije vidio fundamentalna razlika između slike oltara i škrinje."

Konkurencija između umjetnika za pravo na unosne vladine narudžbe bila je uobičajena praksa. Najpoznatiji od ovih konkursa je konkurs za pravo izrade vrata za firentinsku krstionicu (baptisterijum), organizovan u prvim godinama 15. veka. San Giovanni je bio drag svim stanovnicima grada, jer su tu kršteni, obdareni imenom svakog od njih, odatle su svi započinjali svoj životni put. Na takmičenju su učestvovali svi poznati majstori, a pobedio je Lorenco Giberti, koji je kasnije o tome ponosno pisao u svojim Beleškama.

Još jedno poznato takmičenje održano je vek kasnije. Riječ je o narudžbi za odlikovanje vijećnice koju je firentinska senjorija dodijelila dvojici svojih najpoznatijih rivala, Leonardu da Vinčiju i Michelangelu Buonarotiju. Izložba kartona (crteža u prirodnoj veličini) majstora postala je događaj u javni život republike.

Humanizam. Mislioci srednjeg vijeka veličali su uzvišeno, duhovno načelo u čovjeku i proklinjali osnovno, tjelesno. Ljudi nove ere veličali su i dušu i tijelo u čovjeku, smatrajući ih jednako lijepim i jednako značajnim. Otuda i naziv ove ideologije – humanizam (homo- Čovjek).

Humanizam renesanse uključivao je dvije komponente: humanizam, visoku duhovnost kulture; i složeno humanističkih nauka usmjerena na proučavanje zemaljskog života čovjeka, kao što su gramatika, retorika, filologija, historija, etika, pedagogija. Humanisti su nastojali da okrenu čitav sistem znanja kako bi riješili probleme ljudskog života na zemlji. Semantička srž humanizma bila je afirmacija novog shvatanja pojedinca, sposobnog za slobodan samorazvoj. Time je otkrivena glavna tendencija istorijske perspektive razvoja modernizacije - promjena, obnova, poboljšanje.

Humanisti su formirali mali, ali uticajan društveni sloj društva, preteču buduće inteligencije. Humanistička inteligencija uključivala je predstavnike gradskog stanovništva, plemstva i klera. Svojim znanjem i interesovanjima našli su primjenu u raznim aktivnostima. Među humanistima mogu se navesti istaknuti političari, pravnici, zaposlenici magistrata, umjetnici.

U svijesti ljudi tog vremena, čovjek je bio upoređen sa smrtnim bogom. Suština renesanse je da je čovjek prepoznat kao "kruna stvaranja", a vidljivi zemaljski svijet stekao je samostalnu vrijednost i značaj. Cijeli svjetonazor tog doba bio je usmjeren na veličanje vrlina i sposobnosti čovjeka, nije slučajno dobio naziv humanizam.

Srednjovjekovni teocentrizam zamijenjen je antropocentrizmom. Čovjek, kao najsavršenija tvorevina Božja, postao je fokus pažnje filozofa i umjetnika. Antropocentrizam renesanse manifestirao se na različite načine. Tako je poređenje arhitektonskih objekata sa ljudskim tijelom, napravljeno u antici, dopunjeno u kršćanskom duhu. „Leon Batista Alberti, koji je izolovao biblijski antropomorfizam od paganskog Vitruvija, upoređujući proporcije stubova sa omjerom visine i debljine osobe... on je, slijedeći Augustina Blaženog, povezao ljudske proporcije sa parametrima Nojeve arke i Solomonov hram. Maksima „čovjek je mjera svih stvari“ imala je aritmetičko značenje za renesansu.

Talijanski humanista koji je živeo u drugoj polovini 15. veka umeo je najubedljivije da izrazi suštinu antropocentrizma. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494 ). Posjeduje esej pod naslovom “Govor o dostojanstvu čovjeka”. Sam naziv je elokventan, naglašavajući ocjenu - "ljudsko dostojanstvo". U ovoj raspravi Bog, obraćajući se čovjeku, kaže: „Postavio sam te usred svijeta da bi ti bilo lakše da svojim pogledom prodreš u svoju okolinu. Stvorio sam te kao biće ne nebesko, ali ne samo zemaljsko, ne smrtno, ali ni besmrtno, da bi ti, stran stegama, i sam postao stvaralac i konačno iskovao svoj lik.”

Čovjek se ispostavlja kao najsavršenija kreacija, savršenija čak i od nebeskih bića, budući da su oni od samog početka obdareni vlastitim vrlinama, a čovjek ih može sam razviti, a njegova hrabrost, njegova plemenitost ovisit će isključivo o njegovim ličnim kvalitetama (virtu). Evo šta je arhitekta i pisac Leon Batista Alberti napisao o ljudskim sposobnostima: „Tako sam shvatio da je u našoj moći da postignemo svaku pohvalu, u bilo kojoj vrsti hrabrosti, uz pomoć sopstvenog žara i veštine, a ne samo milost prirode i vremena..” Humanistički naučnici su tražili potvrdu svog stava prema čovjeku od filozofa drugih epoha i pronašli su slične stavove među antičkim misliocima.

Antičko naslijeđe. Navika oslanjanja na određeni autoritet natjerala je humaniste da traže potvrdu svojih stavova tamo gdje su pronalazili ideje bliske duhu - u djelima antičkih autora. „Ljubav prema starima“ postala je karakteristična osobina koja izdvaja predstavnike ovog ideološkog trenda. Ovladavanje duhovnim iskustvom antike trebalo je da doprinese formiranju moralno savršene ličnosti, a samim tim i duhovnom pročišćenju društva.

Srednji vijek nikada nije u potpunosti raskinuo s antičkom prošlošću. Italijanski humanisti su antiku gledali kao ideal. Mislioci prethodnog milenijuma izdvajali su Aristotela među antičkim piscima više su privlačili slavni govornici (Ciceron) ili istoričari (Tit Livije) i pjesnici. U spisima starih, činile su im se najvažnije misli o duhovnoj veličini, stvaralačkim mogućnostima i herojskim djelima ljudi. F. Petrarka je bio jedan od prvih koji je počeo posebno tragati za drevnim rukopisima, proučavati drevne tekstove i pozivati ​​se na antičke autore kao na najviši autoritet. Humanisti su napustili srednjovjekovni latinski jezik i pokušali pisati svoja djela na klasičnom “ciceronovskom” latinskom, što ih je natjeralo da podrede zahtjeve gramatike stvarnosti savremenog života. Klasični latinski je ujedinio svoje učene stručnjake širom Evrope, ali je odvojio njihovu „republiku učenjaka“ od onih koji nisu bili upućeni u zamršenosti latinskog.

Renesansne i kršćanske tradicije. Novi uslovi života zahtevali su napuštanje starih hrišćanskih ideala poniznosti i ravnodušnosti prema zemaljskom životu. Ovaj patos poricanja bio je vrlo uočljiv u kulturi renesanse. Istovremeno, nije bilo napuštanja hrišćanskog učenja. Ljudi renesanse i dalje su sebe smatrali dobrim katolicima. Kritika crkve i njenih vođa (posebno monaštva) bila je vrlo česta, ali to je bila kritika ljudi u crkvi, a ne hrišćanskog učenja. Štaviše, humanisti nisu kritizirali samo nemoralnost ponašanja dijela klera; Ovo je ono što je humanista Caluccio Salutati napisao svom prijatelju koji je odlučio da se zamonaši: „Ne vjeruj, o Pellegrino, da bježiš od svijeta, izbjegavaš pogled na lijepe stvari, zatvaraš se u manastir ili se povlačiš u skit. je put ka savršenstvu.”

Kršćanske ideje prilično su mirno koegzistirale u glavama ljudi s novim normama ponašanja. Među braniteljima novih ideja bile su mnoge ličnosti Katoličke crkve, uključujući najviše činove, sve do kardinala i papa. U umjetnosti, posebno u slikarstvu, religiozne teme su ostale dominantne. Što je najvažnije, renesansni ideali uključivali su kršćansku duhovnost, potpuno tuđu antici.

Savremenici su rad humanista cenili kao najveće kulturno dostignuće svog vremena, a potomci svoje visokoučene studije više znaju. Za naredne generacije njihov rad, za razliku od djela umjetnika, arhitekata i vajara, zanimljiv je kao povijesni fenomen. U međuvremenu, to su ovi pedantni stručnjaci za latinski, ovi ljubitelji rasuđivanja

0 vrlinama starih ljudi razvili su temelje novog pogleda na svijet, čovjeka, prirodu i usadili u društvo nove etičke i estetske ideale. Sve je to omogućilo da se odvoji od tradicije srednjeg vijeka i da novonastaloj kulturi dat novi izgled. Stoga je za potomstvo italijanska istorija renesanse, pre svega, istorija procvata italijanske umetnosti.

Problem prenosa prostora. Renesansu karakteriše uvažavajući, gotovo pun poštovanja odnos prema znanju i učenosti. To je upravo u značenju samog znanja u širem smislu Reč koja se tada koristila bila je „nauka“. Postojao je samo jedan način da se dođe do znanja – posmatranje, kontemplacija. Pokazalo se da je najprogresivnija grana znanja u to vrijeme znanje vezano za vizualno proučavanje vanjskog svijeta.

„Dug proces sazrevanja nauka o prirodi i životu počinje već u 13. veku. A njen početak je bila revolucija u razvoju vida povezana s napretkom optike i pronalaskom naočara... Konstrukcija linearne perspektive širila je vidno polje horizontalno i time ograničavala dominaciju vertikale, usmjerene prema nebu. Izvor informacija je bio ljudsko oko. Samo umjetnik, osoba koja je imala ne samo oštro oko, već i sposobnost da uhvati i prenese gledaocu izgled predmeta ili pojave koju gledalac ne vidi, a želio bi znati, bio je sposoban prenijeti informaciju , stvarajući vidljivu sliku bilo kojeg objekta. Otuda entuzijazam i ponos u riječima D. Vasarija, koji je napisao: „Oko, nazvano prozorom duše, glavni je put kroz koji opći osjećaj može sagledati beskrajne tvorevine prirode u najvećem bogatstvu i sjaju. ..”

Stoga ne čudi što su ljudi renesanse poštovali slikarstvo kao nauku, i to najvažniju od nauka: „O, neverovatna nauko, ti održavaš u životu smrtne lepote, činiš ih trajnijim od tvorevina prirode. , neprestano menjane vremenom, koje ih dovodi u neizbežnu starost...“ Leonardo da Vinči je na različite načine ponavljao u svojim beleškama.

Najvažnijim se u tom pogledu činio prijenos iluzije volumena objekta, njegove lokacije u prostoru, tj. sposobnost stvaranja pouzdanog crteža. Boja je igrala podređenu ulogu, služeći kao dodatni ukras. “Perspektiva je bila glavna intelektualna igra tog vremena...”

Vazari je u svojim Životima posebno istakao strast brojnih umetnika 15. veka. proučavanje linearne perspektive. Tako se slikar Paolo Uccello doslovno „fiksirao“ na probleme perspektive, posvećujući sve svoje napore ispravnoj konstrukciji prostora, učeći da prenese iluziju redukcije i izobličenja arhitektonskih detalja. Umjetnikova supruga “često je govorila da je Paolo cijele noći sjedio u njegovom ateljeu u potrazi za zakonima perspektive i da joj je, kada ga je pozvala da spava, odgovorio: “Oh, kako dobra stvar ovu perspektivu!

Faze italijanske renesanse. Kultura italijanske renesanse prošla je kroz nekoliko faza. Nazivi perioda se tradicionalno definišu po veku:

• - prijelaz iz XIII-XIV vijeka. - Ducento, proto-renesansa (pre-renesansa). Centar - Firenca;
• - XIV vek -Trecento (rana renesansa);
• - XV vek - Quattrocento (trijumf renesansne kulture). Uz Firencu, novi kulturni centri pojavljuju se u Milanu, Ferari, Mantovi, Urbinu, Riminiju;
• - XVI vijek -Cinquecento, obuhvata: visoku renesansu (prva polovina 16. veka), liderstvo u kulturnom životu prelazi na Rim, i kasnu renesansu (50-80-te godine 16. veka), kada Venecija postaje poslednji centar renesansne kulture.

Proto-renesansa. U prvim fazama renesanse glavno središte nove kulture bila je Firenca. Ikonične figure-pjesnik Dante Alighieri (1265-1321 ) i umjetnik Giotto di Bondone (1276-1337 ), oboje dolaze iz Firence, obje ličnosti su tipične za novu historijsku eru - aktivne, aktivne, energične. Samo jedan od njih, Dante je, aktivno sudjelujući u političkoj borbi, završio svoj život kao politički izgnanik, a drugi, Giotto, kao ne samo poznati umjetnik, već i arhitekta, živio je kao ugledan i uspješan građanin. (na pola). Svako u svojoj sferi stvaralaštva bio je inovator i upotpunitelj tradicije u isto vrijeme.

Ovaj drugi kvalitet više je karakterističan za Dantea. Njegovo ime je učinila besmrtnim pesmom „Božanstvena komedija“, koja govori o autorovim lutanjima po onom svetu. Ovo djelo koncentriše sve osnovne ideje srednjovjekovnog pogleda na svijet. U njemu koegzistiraju staro i novo. Radnja je prilično srednjovjekovna, ali je ispričana na nov način. Prije svega, važno je napomenuti da je Dante napustio latinski. Pesma je napisana toskanskim dijalektom. Daje se slika srednjovjekovne vertikalne slike svemira: krugovi pakla, planina Čistilišta, prostori raja, ali glavni lik je sam Dante, kojeg prati rimski pjesnik Vergilije na svojim lutanjima paklu i Čistilište, a u raju susreće „božansku Beatriče“, ženu koju je pesnik voleo sve vreme svog života. Uloga koja je u pesmi dodeljena smrtnoj ženi ukazuje na to da se autor obraća budućnosti, a ne prošlosti.

Pjesma je naseljena mnogim likovima, aktivnim, nesalomljivim, energičnim, njihova interesovanja su okrenuta zemaljskom životu, zabrinuti su za zemaljske strasti i poslove. Pred čitaocem prolaze različite sudbine, likovi, situacije, ali to su ljudi nadolazećeg doba, čiji je duh okrenut ne vječnosti, već trenutnom zanimanju „ovdje i sada“. Zlikovci i mučenici, heroji i žrtve, koji izazivaju samilost i mržnju - svi oni zadivljuju svojom vitalnošću i ljubavlju prema životu. Giant painting svemir je stvorio Dante.

Umjetnik Giotto je sebi postavio cilj oponašanja prirode, koja će postati kamen temeljac za slikare naredne ere. To se očitovalo u želji za prenošenjem volumena objekata, pribjegavanju odsječenom modeliranju figura, uvođenju pejzaža i interijera u sliku, pokušavajući organizirati sliku kao scensku platformu. Osim toga, Giotto je napustio srednjovjekovnu tradiciju ispunjavanja cijelog prostora zidova i stropova slikama koje kombiniraju različite teme. Zidovi kapela prekriveni su freskama koje su raspoređene u pojaseve, a svaki pojas je podijeljen na nekoliko izoliranih slika posvećenih posebnoj epizodi i uokvirenih ornamentalnim okvirom. Gledalac, hodajući po zidovima kapele, gleda razne epizode, kao da prelistava stranice knjige.

Giottova najpoznatija djela su zidne slike (freske) u crkvama u Asizu i Padovi. U Asizu, slika je posvećena životu

Franje Asiškog, koji je nedavno proglašen svetim. Padovanski ciklus povezan je s novozavjetnim pričama koje govore o životnoj priči Djevice Marije i Isusa Krista.

Giottova inovacija se sastojala ne samo u upotrebi novih tehničkih tehnika, ne samo u „kopiranju“ prirode (koju su njegovi neposredni sljedbenici shvatili previše doslovno - Giottesques), već u ponovnom stvaranju novog pogleda na svijet pomoću slikovnih tehnika. Slike koje je stvorio pune su snage i smirene veličine. Takve su podjednako Marija, koja svečano prihvaća vijest o svojoj izabranosti („Navještenje“), i dobrodušni sv. Franjo, veličajući jedinstvo i harmoniju svemira (“Sv. Franjo propovijeda pticama”), i Krist, koji mirno susreće izdajnički poljubac Jude (“Judin poljubac”). Dante i Giotto smatraju se majstorima koji su u italijanskoj renesansi počeli razvijati temu heroja.

Trecento. Slavu ovog perioda doneli su majstori koji su razvili lirsku temu u umetnosti. Zvočne strofe Petrarkinih soneta o prelijepoj Lauri odražavaju izuzetnu linearnost djela sijenskih umjetnika. Ovi slikari su bili pod utjecajem gotičke tradicije: šiljasti crkveni tornjevi, šiljasti lukovi, 5-oblično savijanje figura, ravnost slike i dekorativne linije odlikuju njihovu umjetnost. Najviše poznati predstavnik smatra se sijenska škola Simone Martini (1284-1344). Za njega je tipična oltarna kompozicija koja prikazuje scenu Blagovijesti, uokvirena izvrsnim pozlaćenim rezbarijama koje formiraju izdužene gotičke lukove. Zlatna pozadina pretvara cijeli prizor u fantastičnu viziju, a figure su pune dekorativne gracioznosti i hirovite gracioznosti. Eterična figura Marije hirovito se sagnula na zlatnom prijestolju, njeno nježno lice tjera nas da se setimo Blokovih stihova: „podmukle Madone žmire dugim očima“. Umjetnici ovog kruga su se razvijali lirska linija u umetnosti renesanse.

U XIV veku. Italijanski se pojavljuje književni jezik. Pisci tog vremena voljno su sastavljali smiješne priče o zemaljskim poslovima, domaćim nevoljama i avanturama ljudi. Zanimala su ih pitanja: kako bi se osoba ponašala u određenim okolnostima; Kako riječi i djela ljudi odgovaraju jedni drugima? Takve pripovetke (novele) spajale su se u zbirke koje su činile svojevrsnu „ljudsku komediju“ tog doba. Najpoznatiji od njih "Dekameron" » Giovanni Boccaccio (1313-1375 ), je enciklopedija života i običaja njegovog vremena.

Za potomstvo Frančesko Petrarka (1304-1374) - prvi lirski pjesnik modernog doba. Za svoje savremenike bio je veliki politički mislilac, filozof i majstor misli nekoliko generacija. On je zvao prvi humanista. Njegove rasprave razvile su osnovne tehnike i teme karakteristične za humanizam. Petrarka se okrenuo proučavanju antičkih autora, stalno se pozivao na njihov autoritet, počeo je pisati ispravnim („ciceronskim“) latinskim jezikom i sagledavao probleme svog vremena kroz prizmu antičke mudrosti.

U muzici su se pojavili novi trendovi u djelima majstora kao što je F. Landini. Ovaj pravac je nazvan “nova umjetnost”. U to vrijeme nastaju novi muzički oblici svjetovne muzike, poput balade i madrigala. Zalaganjem kompozitora „nove umetnosti“, melodija, harmonija i ritam spojeni su u jedinstven sistem.

Quattrocento. Ovaj period otvara delatnost tri majstora: arhitekte Filippo Brunelleschi (1377-1446 ), vajar Donatello(1386-1466 ), slikar Masaccio (1401-1428 ). Njihov rodni grad Firenca postaje priznati centar nove kulture, čija je ideološka srž veličanje čovjeka.

U Brunelleschijevim arhitektonskim projektima sve je podređeno egzaltaciji čovjeka. To se očitovalo u činjenici da su zgrade (čak i ogromne crkve) građene da se tamo čovjek ne bi činio izgubljenim i beznačajnim, kao u gotičkoj katedrali. Lagane arkade (elementi koji nisu imali analoga u antici) ukrašavaju vanjske galerije sirotišta, lagani i strogi interijeri stvaraju ozbiljno raspoloženje, veličanstvena i lagana osmerokutna kupola kruniše prostor katedrale Santa Maria della Fiore. Pročelja gradskih palata-palaca, u kojima je grubo zidanje prizemlja (rustografija) oglašeno elegantnim portalnim prozorima, pune su stroge suzdržanosti. To je utisak koji je arhitekt Filipo Bruneleski tražio.

Kipar Donato, koji je u istoriju umjetnosti ušao pod svojim nadimkom Donatello, slobodno je oživio tip zaboravljen u srednjem vijeku stojeća skulptura. Uspio je spojiti antički ideal harmonično razvijenog ljudskog tijela s kršćanskom duhovnošću i intenzivnom intelektualnošću. Slike koje je stvorio, bilo da se radi o uzbuđeno napetom proroku Habakuku (“Zukkone”), promišljenom pobjedniku Davidu, mirno usredsređenoj Marii Anunziati, strašnom Gattamelata u svojoj bestrasnoj upornosti, veličaju herojski princip u čovjeku.

Tomaso Masaccio je nastavio Giottoove reforme u slikarstvu. Njegove figure su obimne i naglašeno materijalne (“Madona s djetetom i Sveta Ana”), stoje na zemlji i ne “lebde” u zraku (“Adam i Eva protjerani iz raja”), postavljeni su u prostor koje je umjetnik uspio prenijeti tehnikama centralna perspektiva("Trojstvo").

Masacciove freske u kapeli Brancacci prikazuju apostole koji su pratili Krista na njegovim zemaljskim lutanjima. To su obični ljudi, ribari i zanatlije. Umjetnik, međutim, ne nastoji da ih obuče u dronjke kako bi naglasio njihovu jednostavnost, već izbjegava i bujnu odjeću koja bi pokazala njihovu odabranost i ekskluzivnost. Važno mu je da pokaže vanvremenski značaj onoga što se dešava.

Renesansni majstori srednje Italije nastojali su izbjeći ovakav detalj. Smatralo se da je važnije prenijeti tipično, generalizirano, a ne pojedinačno, nasumično, prenijeti veličinu osobe. Da bi to učinio, na primjer, Piero della Francesca pribjegavao je tehnikama kao što su korištenje "niskog horizonta" i upoređivanje ljudskih figura zaogrnutih širokim ogrtačima s arhitektonskim oblicima ("Kraljica od Sabe prije Solomona").

Zajedno sa ovim herojska tradicija Razvio se još jedan lirski. U njemu je dominirala dekorativnost, višebojnost (površina mnogih slika tog doba podsjeća na elegantne tepihe) i šarenilo. Likovi koje opisuju majstori ovog stila su melanholični i zamišljeni, ispunjeni nježnom tugom. Male stvari u svakodnevnom životu, hiroviti detalji čine značajan dio njihove privlačnosti. Umjetnici ovog kruga uključivali su i firentinske majstore i umjetnike drugih škola. Najpoznatiji od njih su Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Benozzo Gozzoli, Pietro Perugino, Carlo Crivelli.

Najsjajniji majstor ovog pravca bio je Firentinac Sandro Botticelli (1445-1510 ). Za mnoge je dirljiva, bolna ljepota njegovih Madona i Venera povezana s umjetnošću Quattrocenta općenito. Prefino izblijedjele boje, hirovite, ponekad tekuće, ponekad uvijene linije, svijetle figure koje klize iznad tla i ne primjećuju jedna drugu. Botticelli je jedan od najšarmantnijih umjetnika renesanse, čiji rad spaja utjecaj srednjovjekovne estetike, tečnost u novim umjetničkim tehnikama i predosjećaj krize humanističke kulture. Njegove slike sadrže mitološke, alegorijske i biblijske teme. Ove priče prenosi kist prostodušne i iskrene osobe koja se pridružila filozofskim idejama neoplatonizma.

Botticellijeva umjetnost je procvjetala na dvoru nezvaničnog vladara Firence, bankara Lorenza Medicija, koji je bio tipična društveno-politička ličnost svog vremena: lukav i snalažljiv političar, čvrst vladar, oduševljeni obožavatelj umjetnosti, dobar pesnik. On nije počinio zločine kao S. Malatesta ili C. Borgia, ali se općenito pridržavao istih principa u svojim postupcima. Karakterizirala ga je (opet u duhu vremena) želja da pokaže vanjski luksuz, raskoš i svečanost. Pod njim, Firenca je bila poznata po svojim briljantnim karnevalima, čija su obavezna komponenta bile kostimirane povorke, tokom kojih su se izvodile male pozorišne predstave na mitološke i alegorijske teme, praćene plesom, pjevanjem i recitacijom. Ove svečanosti su anticipirale razvoj pozorišne umjetnosti, čiji uspon počinje u sljedećem, 16. vijeku.

Kriza ideja humanizma. Humanizam se fokusirao na veličanje čovjeka i polagao nade da se slobodna ljudska ličnost može beskrajno poboljšati, a da će se istovremeno poboljšati životi ljudi, odnosi među njima biti ljubazni i harmonični. Prošla su dva vijeka od početka humanističkog pokreta. Spontana energija i aktivnost ljudi stvorila je mnogo - veličanstvena umjetnička djela, bogata trgovačka društva, učene rasprave i duhovite kratke priče, ali život nije bio bolji. Štaviše, pomisao na posmrtnu sudbinu odvažnih stvaralaca postajala je sve uznemirujuća. Šta može opravdati ljudsku zemaljsku aktivnost sa stanovišta zagrobnog života? Humanizam i cjelokupna kultura renesanse nisu dali odgovor na ovo pitanje. Lična sloboda, upisana na zastavu humanizma, izazvala je problem ličnog izbora između dobra i zla. Izbor nije uvijek pravljen u korist dobra. Borba za moć, uticaj i bogatstvo dovela je do stalnih krvavih sukoba. Krv je preplavila ulice, kuće, pa čak i crkve Firence, Milana, Rima, Padove i svih velikih i malih gradova-država Italije. Smisao života se svodio na postizanje konkretnih i opipljivih uspjeha i postignuća, ali u isto vrijeme nije imao neko veće opravdanje. Štaviše, „igra bez pravila“ koja je postala pravilo života nije mogla da traje predugo. Ovakva situacija je potaknula sve veću želju da se u život društva uvede element organizacije i sigurnosti. Trebalo je pronaći najviše opravdanje, najveći poticaj za mahnito ključanje ljudske energije.

Ni humanistička ideologija, usmjerena na rješavanje problema ovozemaljskog života, ni stari katolicizam, čiji je etički ideal bio upućen na čisto kontemplativni život, nisu mogli pružiti korespondenciju između promjenjivih životnih potreba i njihovog ideološkog objašnjenja. Religijska dogma morala se prilagoditi potrebama društva aktivnih, poduzetnih, nezavisnih individualista. Međutim, pokušaji crkvene reforme u Italiji, koja je bila ideološki i organizacijski centar katoličkog svijeta, bili su osuđeni na propast.

Najupečatljiviji primjer za to je pokušaj dominikanskog monaha Girolama Savonarole da izvrši ovakvu reformu u uslovima Firence. Nakon smrti briljantnog Lorenca de Medičija, Firenca je doživjela političku i ekonomsku krizu. Uostalom, sjaj Medičijevog suda bio je praćen pogoršanjem ekonomije Firence i slabljenjem njene pozicije među susjednim državama. Strogi dominikanski monah Savonarola stekao je ogroman uticaj u gradu, pozivajući na odricanje od luksuza, bavljenja ispraznim umetnostima i uspostavljanje pravde. Većina građana (uključujući umjetnike kao što su Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi) s entuzijazmom se počela boriti protiv zla, uništavajući luksuznu robu i paleći umjetnička djela. Uz napore Rimske kurije, Savonarola je svrgnut i pogubljen, a vlast oligarhije je vraćena. Ali nekadašnje, spokojno i radosno povjerenje u ideale usmjerene na veličanje savršene osobe je nestalo.

Visoka renesansa. Srž humanističke ideologije postao je subverzivni patos emancipacije i oslobođenja. Kada su njegove mogućnosti iscrpljene, kriza je bila neizbježna. Kratak period, oko tri decenije, je trenutak poslednjeg poletanja pre nego što počne rušenje celokupnog sistema ideja i raspoloženja. Središte kulturnog razvoja u to se vrijeme preselilo iz Firence, koja je gubila svoje republikanske vrline i poretke, u Rim, centar teokratske monarhije.

U umjetnosti su tri majstora najpotpunije izrazili visoku renesansu. Možemo reći, iako, naravno, donekle proizvoljno, da je najstariji od njih, Leonardo da Vinci (1452-1519 ), veličao ljudski intelekt, um koji čovjeka uzdiže iznad prirode oko sebe; najmlađi, Rafael Santi (1483-1520 ), stvorio idealno lijepe slike koje utjelovljuju harmoniju mentalne i fizičke ljepote; A Michelangelo Buonarroti (1475-1564) veličao snagu i energiju čovjeka. Svijet koji stvaraju umjetnici je stvarnost, ali pročišćen od svega malog i slučajnog.

Glavna stvar koju je Leonardo ostavio ljudima je njegova slika koja veliča ljepotu i inteligenciju čovjeka. Već prvo Leonardovo samostalno djelo, glava anđela, naslikana za "krštenje" njegovog učitelja Verrocchia, zadivila je publiku svojim promišljenim i promišljenim pogledom. Likovi umjetnika, bilo da se radi o mladoj Marii koja se igra s djetetom (“ Madonna Benoit“), prelijepa Čičilija („Dama s hermelinom“) ili apostoli i Krist u sceni „Posljednje večere“ su prije svega misleća bića. Dovoljno je prisjetiti se slike poznate kao portret Mona Lize ("La Gioconda"). Pogled mirno sedeće žene pun je takve pronicljivosti i dubine da se čini da sve vidi i razume: osećanja ljudi koji je gledaju, složenost njihovih života, beskonačnost Kosmosa. Iza nje se krije prekrasan i misteriozan pejzaž, ali ona se uzdiže iznad svega, ona je glavna stvar na ovom svijetu, ona personificira ljudsku inteligenciju.

U ličnosti i djelu Raphaela Santija posebno se u potpunosti manifestirala želja za harmonijom, unutrašnjom ravnotežom i mirnim dostojanstvom karakterističnim za talijansku renesansu. Iza sebe nije ostavio samo slike i arhitektonska djela. Njegove slike su veoma raznolike po temama, ali kada se govori o Rafaelu, na pamet prije svega padaju slike njegovih Madona. Imaju priličnu količinu sličnosti, koja se očituje u duhovnoj jasnoći, dječjoj čistoći i jasnoći unutrašnji svet. Među njima ima zamišljenih, sanjivih, koketnih, koncentrisanih, od kojih svaki utjelovljuje jedan ili drugi aspekt jedne slike - žene s dušom djeteta.

Najpoznatija Rafaelova Madona, Sikstinska Madona, ispada iz ove serije. Ovako se opisuje utisak sovjetskih vojnika koji su ga 1945. godine vidjeli kako je uklonjen iz rudnika gdje su ga sakrili nacisti: „Ništa na slici isprva ne zadržava vašu pažnju; tvoj pogled klizi, ne zaustavljajući se ni pred čim, sve do trenutka kada ne sretne drugi pogled koji ide prema tebi. Tamne, široko postavljene oči mirno i pažljivo gledaju u vas, obavijene providnom sjenom trepavica; a sad se nešto nejasno uzburkalo u tvojoj duši, tera te na oprez... Još pokušavaš da shvatiš šta je u pitanju, šta te tačno na slici alarmiralo, uzbunilo. I tvoje oči nehotice privlače njen pogled iznova i iznova... Pogled Sikstinske Madone, pomalo zamagljen tugom, pun je povjerenja u budućnost, prema kojoj s takvom veličinom i jednostavnošću nosi svog najdragocjenijeg sina.”

Sličnu percepciju slike prenose sljedeći poetski stihovi: „Kraljevstva su nestala, mora su presušila, / Citadele do temelja izgorjele, / Aona je hodala u majčinskoj tuzi / Iz prošlosti u budućnost.

U Rafaelovom djelu posebno je upečatljiva želja da se pronađe zajedničko, tipično u pojedincu. Pričao je o tome kako je morao vidjeti mnogo lijepih žena da bi naslikao Ljepotu.

Prilikom stvaranja portreta, umjetnici italijanske renesanse nisu se fokusirali na detalje koji pomažu prikazati pojedinca u osobi (oblik očiju, dužina nosa, oblik usana), već na općenito-tipično , što čini karakteristike “vrste” čovjeka.

Michelangelo Buonarroti je bio i divan pjesnik i briljantan vajar, arhitekta i slikar. Mikelanđelov dug stvaralački život obuhvata i vreme najvećeg procvata renesansne kulture; on, koji je preživio većinu titana renesanse, također je morao promatrati kolaps humanističkih ideala.

Snaga i energija kojom su prožeta njegova djela ponekad izgledaju pretjerano i neodoljivo. U radu ovog majstora, patos stvaranja, karakterističan za epohu, spojen je sa tragičnim osjećajem propasti ovog patosa. Kontrast fizičke moći i nemoći prisutan je u brojnim skulpturalnim slikama, kao što su figure “Slapovi”, “Zatvorenici”, čuvena skulptura “Noć”, kao i slike sibila i proroka na plafonu Sikstinska kapela.

Posebno tragičan utisak ostavlja slika koja prikazuje scenu Posljednjeg suda na zapadnom zidu Sikstinske kapele. Prema likovnom kritičaru, „uzdignuta ruka Hristova je ovdje izvor vrtložnog sfernog kretanja, koje se odvija oko središnjeg ovala... Svijet se pokreće, visi nad ponorom, čitav niz tijela u “Posljednjem sudu” visi nad ponorom... U izlivu ljutnje digla se ruka Hristova. Ne, on se nije ukazao ljudima kao spasitelj... a Mikelanđelo nije hteo da teši ljude... Ovaj Bog je potpuno neobičan... on je golobrad i mladalački poletan, moćan je svojom fizičkom snagom, i sve njegova snaga je data ljutnji. Ovaj Hristos ne zna za milost. Sada bi to bilo samo povlađivanje zlu."

Renesansa u Veneciji: slavlje boje. Bogata trgovačka republika postala je centar kasne renesanse. Među kulturnim centrima U Italiji je Venecija zauzimala poseban položaj. Tamo su novi trendovi prodrli mnogo kasnije, što se objašnjava snažnim konzervativnim osjećajima koji su postojali u ovoj oligarhijskoj trgovačkoj republici, koja je imala bliske odnose s Vizantijom i bila pod snažnim utjecajem “vizantijskog manira”.

Stoga se duh renesanse u umjetnosti Mlečana manifestira tek od druge polovine 15. stoljeća. u djelima nekoliko generacija umjetnika porodice Bellini.

Osim toga, venecijansko slikarstvo ima još jednu zamjetnu razliku. U likovnoj umjetnosti drugih talijanskih škola, glavna stvar je bila crtanje, sposobnost prenošenja volumena tijela i predmeta pomoću modeliranja svjetla i sjene (poznato sfumato Leonardo da Vinci), Mlečani su pridavali veliku važnost promjeni boja. Vlažna atmosfera Venecije doprinijela je da su umjetnici posvetili veliku pažnju slikovitosti svojih djela. Nije iznenađujuće da su Mlečani bili prvi talijanski umjetnici koji su se okrenuli tehnologiji ulje na platnu, razvijen u sjevernoj Evropi, u Holandiji.

Pravi procvat venecijanske škole povezan je s kreativnošću Giorgione de Castelfranco (1477-1510 ). Ovaj majstor, koji je rano umro, ostavio je nekoliko slika. Čovjek i priroda su glavna tema takvih djela kao što su “Ruralni koncert”, “Uspavana Venera”, “Gromovina”. “Postoji srećan sklad između prirode i čovjeka, što je, strogo govoreći, glavna tema slike.” U Giorgioneovom slikarstvu boja igra važnu ulogu.

Najpoznatiji predstavnik mletačke škole bio je Tizian Vecellio,čija godina rođenja nije poznata, a umro je kao veoma star čovjek 1576. godine za vrijeme epidemije kuge. Slikao je slike zasnovane na biblijskim, mitološkim i alegorijskim temama. Njegove slike imaju snažnu životnu kvalitetu, a heroine su pune snage i fizičkog zdravlja, veličanstvene i lijepe. Oltarna slika Uznesenja Marijina (Assunta) i antički motiv Bakanalije podjednako su zasićeni energijom impulsa i pokreta. I "Cezarov Denarius" ("Hristos i Juda") i "Ljubav zemaljska i nebeska" prožete su filozofskim prizvukom. Umjetnik je veličao žensku ljepotu ("Venera iz Urbina", "Danae", "Djevojka s voćem") i tragični trenutak smrti osobe ("Oplaćanje Krista", "Pogreb"). Veličanstvene i lijepe slike, skladni detalji arhitektonskih oblika, lijepe stvari koje ispunjavaju interijere, meke i tople boje slika - sve svjedoči o ljubavi prema životu svojstvenoj Tizianu.

Istu temu je stalno razvijao drugi Venecijanac, Paolo Veronese (1528-1588 ). Upravo njegove velike “Praznice” i “Proslave”, njegove alegorije u čast prosperiteta Mletačke Republike, prije svega padaju na pamet kada se čuje riječ “mletačko slikarstvo”. Veronezu nedostaje svestranost i mudrost Tiziana. Njegovo slikarstvo je više dekorativno. Nastao je, prije svega, da ukrasi palazzo venecijanske oligarhije i da ukrasi službene zgrade. Vedar temperament i iskrenost pretvorili su ovu panegiričku sliku u likujuće slavlje života.

Treba napomenuti da Mlečani češće koriste antičke predmete nego predstavnici drugih talijanskih škola.

Političke ideje. Postalo je očito da nije opravdano humanističko uvjerenje da će slobodna i svemoćna osoba postati sretna i usrećiti sve oko sebe, te je počela potraga za drugim opcijama za postizanje sreće. Kako je blijedila nada u sposobnost pojedinca da stvori uslove za srećan ili barem miran život ljudi, pažnja je prebačena na mogućnosti organizovane ljudske zajednice – države. U počecima moderne političke misli je Firentinac Niccolo Machiavelli (1469-1527 ), koji je bio državnik, istoričar, dramaturg, vojni teoretičar i filozof. Pokušao je shvatiti kako društvo treba organizirati da bi ljudi živjeli mirnije. Snažna vlast vladara je ono što bi, po njegovom mišljenju, moglo osigurati red. Neka vladar bude okrutan kao lav i lukav kao lisica, neka, čuvajući svoju moć, eliminiše sve suparnike. Neograničena i nekontrolisana moć treba da doprinese, po Makijaveliju, stvaranju velike i moćne države. U takvoj državi većina ljudi će živjeti u miru, bez straha za svoje živote i imovinu.

Makijavelijeva aktivnost svjedoči da je vrijeme „igre bez pravila“ prilično umorilo društvo, da je postojala potreba za stvaranjem sile koja bi mogla ujediniti ljude, urediti međusobne odnose, uspostaviti mir i pravdu – država se počela smatrati takvom sila.

Mjesto umjetnosti u životu društva. Kao što je već napomenuto, najcjenjenije polje djelovanja u to vrijeme bilo je umjetničko stvaralaštvo, jer se kroz jezik umjetnosti izražavala era kao cjelina. Religijska svijest je gubila svoj sveobuhvatni uticaj na život društva, a naučna saznanja su tek bila u povojima, pa se svijet sagledavao kroz umjetnost. Umjetnost je igrala ulogu koja je pripadala religiji u srednjem vijeku, a nauci u modernom društvu. Univerzum se nije doživljavao kao mehanički sistem, već kao integralni organizam. Glavno sredstvo razumijevanja okoline bilo je posmatranje, kontemplacija, bilježenje viđenog, a to se najbolje osiguravalo slikanjem. Nije slučajno što Leonardo da Vinci slikarstvo naziva naukom, štaviše, najvažnijom od nauka.

O značaju pojavljivanja izvanrednog umjetničkog djela u očima suvremenika svjedoče mnoge činjenice.

Gore su spomenuta nadmetanja između umjetnika za pravo da dobiju unosan državni nalog. Ništa manje kontroverzno nije bilo ni pitanje gdje bi trebao stajati Mikelanđelov David, a nekoliko decenija kasnije pojavio se isti problem u vezi sa instalacijom Perseja B. Čelinija. A ovo su samo neke od njih poznatih primjera ove vrste. Ovakav odnos prema nastanku novih umjetničkih kreacija namijenjenih ukrašavanju i veličanju grada bio je potpuno prirodan za urbani život renesanse. Doba je govorila o sebi jezikom umjetničkih djela. Stoga je svaki događaj u umjetničkom životu postao važan za cijelo društvo.

Teme i interpretacija tema u umjetnosti talijanske renesanse. Po prvi put u hiljadu godina postojanja kršćanske kulture, umjetnici su počeli prikazivati ​​zemaljski svijet, uzdižući ga, herojizirajući, oboženjujući. Teme umjetnosti ostale su gotovo isključivo religiozne, ali se u okviru ove tradicionalne teme interes pomjerio, relativno govoreći, na teme koje potvrđuju život.

Prvo što nam pada na pamet kada se spomene italijanska renesansa je slika Marije s Djetetom koju predstavlja mlada dama (Madona) sa dirljivo lijepim djetetom. “Madona s djetetom”, “Madona sa svecima” (tzv. “Sveti intervju”), “Sveta porodica”, “Poklonstvo mudraca”, “Božić”, “Povorka mudraca” - ovo su omiljene teme umjetnosti tog doba. Ne, i “Raspeća” i “Lamentacije” su stvorene, ali ovo nije bila glavna nota. Kupci i umjetnici, koji su svoje želje oličavali u vidljivim slikama, u tradicionalnim vjerskim temama pronalazili su nešto što nosi nadu i vjeru u svijetli početak.

Među likovima svetih legendi pojavile su se slike stvarnih ljudi, poput donatori(donatori) smješteni izvan oltarske kompozicije ili kao likovi u prepunim procesijama. Dovoljno je podsjetiti se na “Obožavanje magova” S. Botticellija, gdje su članovi porodice Medici prepoznatljivi u elegantnoj gomili vjernika i gdje je umjetnik navodno postavio autoportret. Istovremeno su se raširile samostalne portretne slike suvremenika, slikane iz života, iz sjećanja i iz opisa. Poslednjih decenija 15. veka. umjetnici su sve više počeli prikazivati ​​scene mitološke prirode. Takve slike trebale su ukrasiti prostorije palače. Scene iz savremenog života bile su uključene u religiozne ili mitološke kompozicije. Sama modernost, u svojim svakodnevnim manifestacijama, nije previše zanimala umjetnike, oni su uzvišene, idealne teme zaodjenuli u poznate, vidljive slike. Renesansni majstori nisu bili realisti u modernom smislu te riječi, oni su stvarali svijet čovjeka, očišćenog od svakodnevnog života, koristeći sredstva koja su im bila na raspolaganju.

Prateći tehnike linearne perspektive, umjetnici su na ravni stvorili iluziju trodimenzionalnog prostora ispunjenog figurama i objektima koji su djelovali trodimenzionalno. Ljudi na renesansnim slikama predstavljeni su kao veličanstveni i važni. Njihove poze i gestovi puni su ozbiljnosti i svečanosti. Uska ulica ili prostrani trg, elegantno uređena soba ili brežuljci koji se prostiru - sve služi kao kulisa za ljudske figure.

U italijanskom renesansnom slikarstvu, pejzaž ili unutrašnjost je prvenstveno okvir za ljudske figure; suptilno modeliranje svjetla i sjene stvara utisak materijalnosti, ali ne grubo teška, već elegantno prozračna (nije slučajno što je Leonardo smatrao da je idealno vrijeme za rad usred dana po oblačnom vremenu, kada je osvjetljenje mekano i difuzno); nizak horizont čini figure monumentalnim, kao da im glave dodiruju nebo, a suzdržanost njihovih poza i gestova daje im svečanost i veličanstvenost. Likovi nisu uvijek lijepi po crtama lica, ali su uvijek ispunjeni unutrašnjim značajem i važnošću, samopoštovanjem i spokojem.

Umjetnici uvijek i uvijek izbjegavaju ekstreme i nezgode. Ovako je jedan likovni kritičar opisao muzejske impresije o italijanskom renesansnom slikarstvu: „Hale italijanske umjetnosti 14.-16. stoljeća odlikuju se jednim: zanimljiva karakteristika- iznenađujuće su tihi sa obiljem posetilaca i raznih izleta... Tišina teče sa zidova, sa slika - veličanstvena tišina visokog neba, mekih brda, velika stabla. I -veliki ljudi... Ljudi su veći od neba. Svijet koji se proteže iza njih - s cestama, ruševinama, obalama rijeka, gradovima i viteškim dvorcima - vidimo kao sa visine. Opširan je, detaljan i s poštovanjem uklonjen."

U priči o izložbi kartona koje su Leonardo i Michelangelo napravili za Vijećnicu (slike nikada nije dovršio ni jedan ni drugi), vrijedi obratiti pažnju na činjenicu da se Firentincima činilo posebno važnim vidjeti kartone. Posebno su cijenili crtež koji je prenosio oblik, zapreminu prikazanih predmeta i tijela, kao i ideološki plan, koju je majstor pokušao utjeloviti. Za njih je boja u slikarstvu bila prije dodatak, naglašavajući formu koju stvara crtež. I još nešto: sudeći po sačuvanim kopijama, oba djela (posvećena su dvjema bitkama važnim za historiju grada-države Firence) trebala su postati tipična manifestacija renesansnog pristupa umjetnosti, gdje je glavna stvar bila ta osoba. Uprkos svim razlikama na kartonima Leonarda i Mikelanđela - ratnici na konjima koji se drže zajedno u jednoj kugli tokom borbe za zastavu u Leonardu ("Bitka kod Angijarija") i vojnici koji jure na oružje, uhvaćeni od strane neprijatelja dok plivaju u rijeci, u Michelangelu („Bitka kod Kašina“), - očigledan je opći pristup prikazu prikazanog, koji zahtijeva da se istakne ljudska figura, podredivši joj okolni prostor. Na kraju krajeva, to je važnije karaktera, ne scenu.

Zanimljivo je pratiti kako se mentalitet tog doba odražavao u umjetnosti upoređujući nekoliko djela posvećenih prikazu iste teme. Jedna od omiljenih priča tog vremena bila je priča o Svetom Sebastijanu, kojeg su rimski vojnici pogubili zbog svoje privrženosti kršćanstvu. Ova tema je pružila priliku da se pokaže herojstvo ljudske osobe sposobne da žrtvuje svoj život za svoja uvjerenja. Osim toga, radnja je omogućila da se okrenemo slici nagog tijela, da se ostvari humanistički ideal - skladna kombinacija lijepog izgleda i lijepe ljudske duše.

Sredinom 15. vijeka. Na ovu temu napisano je nekoliko radova. Autori su bili prilično različiti jedni od drugih majstori: Perugino, Antonello de Mesina i drugi. Gledajući njihove slike, zapanji se smirenošću i osjećajem unutrašnjeg dostojanstva koji prožima sliku lijepog golog mladića koji stoji kraj stuba ili drveta i sanjivo gleda u nebo. Iza njega leži miran ruralni krajolik ili ugodan gradski trg. Samo prisustvo strela u telu mladića govori gledaocu da je ovo scena pogubljenja. Ne oseća se bol, tragedija ili smrt. Ovi prekrasni mladići, ujedinjeni sudbinom mučenika Sebastijana, svjesni su svoje besmrtnosti, kao što su ljudi koji su živjeli u Italiji u 15. vijeku osjećali njihovu neranjivost i svemoć.

Na slici koju je naslikao umjetnik Andrea Mantegna osjeća se tragedija onoga što se događa, njegova sv. Sebastian se osjeća kao da umire. I konačno, sredinom 16. veka. Tizian Vecellio je naslikao svoju sv. Sebastian. Na ovom platnu nema detaljnog pejzaža. Mjesto radnje je samo naznačeno. Nema nasumičnih figura u pozadini, nema ratnika dželata koji ciljaju na svoje žrtve, ničega što bi gledaocu moglo reći smisao situacije, a istovremeno postoji osjećaj tragičnog kraja. Ovo nije samo smrt ljudskog bića, to je smrt cijelog svijeta, koji gori u grimiznim bljeskovima univerzalne katastrofe.

Značaj kulture italijanske renesanse. Tlo koje je rodilo kulturu italijanske renesanse uništeno je tokom 16. veka. Većina zemlje bila je podvrgnuta stranim invazijama, nova ekonomska struktura je potkopana kretanjem glavnih trgovačkih puteva u Evropi od Mediterana do Atlantika, popolanske republike potpale su pod vlast ambicioznih najamničkih kondotjera, a nalet individualističkih energija je izgubila svoje unutrašnje opravdanje i postepeno zamrla u uslovima preporoda feudalnih poredaka (refeudalizacija društva). Pokušaj stvaranja novog društva zasnovanog na emancipaciji ljudske ličnosti, na inicijativu preduzetništva, u Italiji je dugo bio prekinut. Zemlja je propadala.

Ali kulturna tradicija koju je stvorilo ovo društvo proširila se trudom talijanskih majstora po cijeloj Europi, postala standard za evropsku kulturu u cjelini i dobila daljnji život u svojoj verziji, koja je dobila naziv „visoka“, „naučna“ kultura. Preostali spomenici kulture renesanse - prekrasne građevine, kipovi, zidne slike, slike, pjesme, mudrim spisima humanista, ostale su tradicije koje su postale odlučujuće za naredna tri i po veka (do kraja 19. veka) za kulturu onih naroda koji su bili pod njenim uticajem, a taj uticaj se postepeno širio veoma široko.

Posebno je vrijedno napomenuti i istaknuti važnost likovne umjetnosti talijanske renesanse sa željom da na ravni zida ili ploče, list papira zatvorenog u okvir platna, prenese iluziju trodimenzionalnog prostora ispunjenog sa iluzornim trodimenzionalnim slikama ljudi i predmeta – što se može nazvati “Prozor Leonarda Danilova I.E. Italijanski grad iz 15. veka. Stvarnost, mit, slika. M., 2000.S. 22, 23. Vidi: Golovin V.P. Svijet umjetnika rane renesanse. M.: Izdavačka kuća Moskovskog državnog univerziteta, 2002. P. 125. Boyadzhiev G. Talijanske sveske. M., 1968. P. 104.

Lazarev V.N. Stari italijanski majstori. M., 1972. P. 362.

Bogat E. Pisma iz Ermitaža // Aurora. 1975. br. 9. str. 60.

Njegova domovina je bila Italija, koja je krajem srednjeg vijeka iznjedrila najrazvijeniju kulturu u Evropi.

Italija je po svom položaju bila direktan nasljednik antičke rimske kulture, čiji se utjecaj osjećao kroz njenu povijest. Od antike na njegov duhovni život uticala je i grčka kultura, posebno nakon pada Carigrada 1453. godine, kada se veliki broj vizantologa preselio u Italiju.

Međutim, renesansa se nije svela na jednostavno kopiranje antičkih tradicija; bio je to složeniji i dublji fenomen svjetske istorije, nov po svojim razmjerima i svjetonazoru. Rafinirana i složena kultura srednjeg vijeka nije igrala manju ulogu u svom nastanku od kulture antičkog doba, stoga je renesansa u mnogim aspektima bila izravan nastavak srednjeg vijeka.

Italija je ostala politički podijeljena na nekoliko konkurentskih država, ali su ekonomski mnoge od njih bile najrazvijenije zemlje u Evropi. Italijanske države su dugo vremena zauzimale vodeće pozicije u trgovini između Istoka i Zapada. U gradovima sjeverne Italije nastali su novi oblici industrijske proizvodnje i bankarstva, političke aktivnosti i diplomatske umjetnosti. Visok stepen ekonomskog razvoja, s jedne strane, i bogat intelektualni život, s druge strane, pretvorili su ove gradove u centre formiranja nove evropske kulture. Italijanska urbana kultura postala je leglo u kojem su preduslovi renesanse mogli postati stvarnost.

Prvi glavni grad italijanske renesanse bio je glavni grad Toskane Firenca, gdje se stvorio jedinstveni splet okolnosti koji je doprinio brzom usponu kulture. Na vrhuncu renesanse, centar renesansne umjetnosti preselio se u Rim. Pape Julije II i Lav X tada su uložili velike napore da vrate nekadašnju slavu Vječni grad, zahvaljujući čemu se zaista pretvorio u centar svjetske umjetnosti. Treći najveći centar italijanske renesanse bio je Venecija, gdje je renesansna umjetnost dobila jedinstven kolorit, određen lokalnim karakteristikama.

art

Jedna od najistaknutijih ličnosti italijanske renesanse bila je Leonardo da Vinci(1452-1519). Kombinovao je mnoge talente - slikara, vajara, arhitekte, inženjera, originalnog mislioca. Njegovo slikarstvo predstavlja jedan od vrhunaca u razvoju svjetske umjetnosti. Veliki Leonardo je svojim eksperimentalnim zapažanjima obogatio gotovo sva područja nauke svog vremena.

Jednako veliki umjetnik takmičio se s genijem Leonarda da Vincija Michelangelo(1475-1564), koji se također odlikovao raznolikošću talenata. Michelangelo je postao poznat kao vajar i arhitekta, slikar i pjesnik. Vječnu slavu donijele su mu freske Sikstinske kapele u Vatikanu, gdje je Michelangelo oslikao 600 kvadratnih metara. m scene iz Starog zavjeta. Po njegovom projektu izgrađena je grandiozna kupola katedrale Svetog Petra, koja do danas nije nadmašena ni po veličini ni po veličini. Arhitektonski izgled cijelog istorijskog centra Rima još uvijek je neraskidivo povezan s imenom Michelangelo.

Posebna je uloga u razvoju renesansnog slikarstva Sandro Botticelli(1445-1510). U istoriju svetske kulture ušao je kao tvorac suptilnih, produhovljenih slika, kombinujući uzvišenost kasnosrednjovekovnog slikarstva sa velikom pažnjom na ljudsku ličnost, koja je karakterisala savremeno doba.

Vrhunac italijanske umjetnosti tog doba je kreativnost Raphael(1483-1520). U njegovim djelima slikovni kanoni visoke renesanse dostigli su svoj vrhunac.

Venecijanska slikarska škola takođe zauzima počasno mesto u istoriji renesansne umetnosti, čiji je najistaknutiji predstavnik Tizian(1470/80-e - 1576). Tizian je sve što je naučio od svojih prethodnika doveo do savršenstva, a slobodni stil slikarstva koji je stvorio imao je veliki uticaj na kasniji razvoj svetskog slikarstva. Materijal sa sajta

Arhitektura

Arhitektura je takođe doživela pravu revoluciju tokom renesanse. Poboljšanje tehnologije gradnje omogućilo je majstorima renesanse da riješe arhitektonske probleme koji su bili nedostupni arhitektima prethodnih vremena. Osnivači novog arhitektonskog stila bili su izvanredni majstori Firenca prije svega F. Brunelleschi, koji je stvorio monumentalnu kupolu katedrale Santa Maria del Fiore. Ali glavni tip arhitektonskog objekta u ovom periodu više nije bila crkvena, već svjetovna zgrada - palazzo(dvorac). Renesansni stil u arhitekturi karakterizira monumentalnost i naglašena jednostavnost fasada i pogodnost prostranih interijera.

Rjazanska državna radiotehnička akademija

Odjeljenje za istoriju i kulturu

Disciplina studija kulture

Sažetak na temu:

"Renesansna umjetnost u Italiji"

Završeno čl. gr. 070

Boltukova A.A.

Provjereno

Kupreev A.I.

Rjazanj 2001

I Uvod……………………………………………………………………………………………..…..2

II renesansa u Italiji:

1. Periodizacija…………………………………………………………………………………………………….3

2. proto-renesansa:

Trecento:

· Nicolo Pisano kao osnivač škole skulpture……..……………………….4

· Nova riječ u slikarstvu - Pietro Cavalini……….……………………………4

· Firenca – glavni grad italijanskog umjetničkog života (Giotto di Bondone)………………………………………………………………………………… …4

3. rana renesansa:

Quattrocento………………………………………………………………………………………………….6

a) skulptura:

· Lorenzo Ghiberti………………………………………………………………………………….7

· Donatello – veliki reformator......................................................................................7

· Jacopo della Quercia…………………………………………………………….………...9

· Porodica vajara della Robia……………..………………………………………………………9

b) slikanje:

· Psihološka dubina Masacciovih slika……………………………………….9

· Paolo Učelo i njegova “fabuloznost”…………………………………………………………11

4. visoka renesansa:

a) u centralnoj Italiji:

· Djelo Leonarda da Vincija kao oličenje harmonije.………………..12

· Majstor Madona (Rafael)………………………………………………………………………13

· Mikelanđelova dela……………………………………………………………………..14

b) u Veneciji

· Mitološke i književne teme Giorgionea…………………………15

· Tizian Vecellio………………………………………………………………………...16

5. kasna renesansa:

· Kreativna individualnost Tintoretta…………………………………………………………………16

· Manirizam – posebna faza kasne renesanse…………………………………..17

III Zaključak………………………………………………………………………………………………………………..18

Spisak referenci………………………………………………………………………………………………..20

UVOD

Renesansna umjetnost je nastala na temelju humanizma (od lat. humanus - "humano") - pokret društvene misli koji je nastao u 14. veku. u Italiji, a zatim u drugoj polovini XV-XVI vijeka. proširio na druge evropske zemlje Oh. Humanizam je čovjeka i njegovo dobro proglasio najvišom vrijednošću. Humanisti su vjerovali da svaka osoba ima pravo da se slobodno razvija kao individua, ostvarujući svoje sposobnosti. Ideje humanizma bile su najslikovitije i najpotpunije utjelovljene u umjetnosti, čija je glavna tema bila lijepa, skladno razvijena osoba s neograničenim duhovnim i stvaralačkim mogućnostima.

Humanisti su bili inspirisani antikom, koja im je poslužila kao izvor znanja i uzor umjetničkog stvaralaštva. Velika prošlost, koja je u Italiji neprestano podsjećala na sebe, u to je vrijeme doživljavana kao najveće savršenstvo, dok je umjetnost srednjeg vijeka djelovala nesposobno i varvarsko. Termin „renesansa“, koji je nastao u 16. veku, značio je pojavu nove umetnosti koja je oživela klasičnu antiku i antičku kulturu. Međutim, umjetnost renesanse mnogo duguje umjetničkoj tradiciji srednjeg vijeka. Staro i novo bili su u neraskidivoj vezi i konfrontaciji.

Uz svu kontradiktornu raznolikost i bogatstvo svog porijekla, umjetnost oživljavanja je fenomen obilježen dubokom i temeljnom novinom. Postavio je temelje evropske kulture Novog doba. Sve glavne vrste umjetnosti - slikarstvo, grafika, skulptura, arhitektura - su se ogromno promijenile.

U arhitekturi su uspostavljeni kreativno revidirani principi antičkog sistema reda, a pojavile su se i nove vrste javnih zgrada. Slikarstvo je obogaćeno linearnom i vazdušnom perspektivom, poznavanjem anatomije i proporcija ljudskog tela. Zemaljski sadržaj je prodro u tradicionalne religiozne teme umjetničkih djela. Interesovanje za antičku mitologiju, istoriju, svakodnevne scene, pejzaž, portret. Uporedo sa monumentalnim zidnim slikama koje ukrašavaju arhitektonske objekte, pojavilo se slikarstvo i nastalo slikarstvo uljem.

Umjetnost se još nije u potpunosti odvojila od zanata, ali je do izražaja došla kreativna individualnost umjetnika, čija je djelatnost u to vrijeme bila izuzetno raznolika. Univerzalni talenat renesansnih majstora je zadivljujući - oni su često radili u oblasti arhitekture, skulpture, slikarstva, a svoju strast za književnošću, poezijom i filozofijom spajali su sa proučavanjem egzaktnih nauka. Koncept kreativno bogate ili „renesansne“ ličnosti kasnije je postao poznata reč.

U umjetnosti renesanse usko su se ispreplitali putevi naučnog i umjetničkog poimanja svijeta i čovjeka. Njegovo spoznajno značenje bilo je neraskidivo povezano sa uzvišenom poetskom Ljepotom u svojoj želji za prirodnošću, nije se spuštala na sitnu svakodnevicu. Umjetnost je postala univerzalna duhovna potreba.

Formiranje renesansne kulture u Italiji odvijalo se u ekonomski nezavisnim gradovima. U usponu i procvatu renesansne umjetnosti veliku ulogu odigrala je Crkva i veličanstveni dvorovi nekrunisanih vladara (vladajući bogatih porodica) - najvećih pokrovitelja i kupaca djela slikarstva, skulpture i arhitekture. Glavni centri renesansne kulture bili su prvo gradovi Firenca, Sijena, Piza, zatim Padova. Ferara, Đenova, Milano i kasnije od svih, u drugoj polovini 15. veka, bogati trgovac Venecija. U 16. veku Rim je postao prestonica italijanske renesanse. Od tada su lokalni umjetnički centri, s izuzetkom Venecije, izgubili nekadašnji značaj.

P E R I O D I S A T I O N

Zbog tranzicijske prirode renesanse, hronološki okvir ovoga istorijski period prilično teško instalirati. Periodizaciju renesanse određuje vrhunska uloga likovne umjetnosti u njenoj kulturi. Ako se baziramo na obilježjima koja će kasnije biti naznačena (humanizam, antropocentrizam, modifikacija kršćanske tradicije, oživljavanje antike), tada će hronologija izgledati ovako: uvodni period, Proto-renesansa, „Epoha Dantea i Đota“, oko 1260-1320, što se delimično poklapa sa periodom Ducenta (XII-XII vek) i Trecenta (XIII-XIV vek). Rana renesansa(Quattrocento XIV-XV st.), kada novi trendovi aktivno stupaju u interakciju s gotikom, prevazilazeći je i kreativno transformirajući je, kao i Visoko I Kasna renesansa(Cinquecento XV-XVI st.); čija je posebna faza bila manirizam.

P R O T O R E N E S S A N S

U italijanskoj kulturi 13. – 14. veka. Na pozadini još uvijek jakih bizantskih i gotičkih tradicija, počele su se pojavljivati ​​crte nove umjetnosti - buduće umjetnosti renesanse. Zato je ovaj period njene istorije nazvan protorenesansom (tj. priprema ofanzive renesanse; od grčki"protos" - "prvi").

Sličan prelazni period nije postojao ni u jednoj evropskoj zemlji. U samoj Italiji, protornesansna umjetnost postojala je samo u Toskani i Rimu.

Italijanska kultura ispreplela je obilježja starog i novog. “Posljednji pjesnik srednjeg vijeka” i prvi pjesnik nove ere, Dante Alighieri (1265-1321), stvorio je talijanski književni jezik. Ono što je Dante započeo nastavili su drugi veliki Firentinci 14. veka - Frančesko Petrarka (1304-1374), osnivač evropske lirska poezija, i Giovanni Boccaccio (1313-1375), začetnik žanra novele (kratke priče) u svjetskoj književnosti. U likovnoj umjetnosti bezlični esnafski zanat ustupa mjesto individualnoj kreativnosti. U arhitekturi, skulpturi i slikarstvu pojavljuju se veliki majstori koji su postali ponos epohe - Niccolo i Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Pietro Cavallini, Giotto di Bondone, čiji je rad u velikoj mjeri odredio dalji razvoj Italijanska umjetnost, postavljajući temelje za obnovu.

Trecento

Od druge polovine XIII - početkom XIV veka. U borbi protiv lokalnih feudalaca, firentinski građani su ojačali. Firenca je bila jedna od prvih koja se pretvorila u bogatu republiku sa ustavom usvojenim 1293. godine, sa buržoaskim načinom života koji se brzo razvijao i buržoaskom kulturom u nastajanju. Firentinska Republika postojala je skoro sto pedeset godina, gomilajući bogatstvo u trgovini vunom i svilom i postala poznata po svojim manufakturama.

Promjene u umjetnosti Italije prvenstveno su se odrazile na skulpturu. Priredili su ih skulpturalni radovi majstora Niccolo Pisano (oko 1220. – između 1278. i 1284.). Rođen je na jugu, u Apuliji, ali se radeći u Pizi toliko zbližio sa gradom da je dobio nadimak Pisano, sa kojim je ušao u istoriju italijanske umetnosti. Njegovi radovi pokazuju jasan uticaj antike. On je nesumnjivo proučavao skulpturalni dizajn kasnorimskih i ranokršćanskih sarkofaga. Šestougaona mramorna propovjedaonica (1260), koju je izradio za krstionicu u Pizi, postala je izvanredno ostvarenje renesansne skulpture i utjecala na njeno dalje formiranje. Propovjedaonica, izrađena od bijelog, ružičasto-crvenog i tamnozelenog mramora, predstavlja čitavu arhitektonsku strukturu, lako vidljivu sa svih strana. Prema srednjovjekovnoj tradiciji, na parapetima (zidovima propovjedaonice) nalaze se reljefi scena iz Kristovog života, između njih su likovi proroka i alegorijskih vrlina. Stupovi počivaju na leđima ležećih lavova. Niccolo Pisano je ovdje koristio tradicionalne teme i motive, međutim, odjel pripada novoj eri.

Niccolò je postao osnivač škole skulpture koja je trajala do sredine 14. stoljeća i proširila svoju pažnju širom Italije. Naravno, veliki dio skulpture pizanske škole još uvijek gravitira prema prošlosti. Sačuva stare alegorije i simbole. U reljefima nema prostora; figure usko ispunjavaju površinu pozadine. Ipak, Niccolove reforme su značajne. Upotreba klasične tradicije, naglasak na volumenu, materijalnosti i težini figura i predmeta, želja da se u sliku religiozne scene unesu elementi stvarnog ovozemaljskog događaja stvorili su osnovu za široku obnovu umjetnosti. U godinama 1260-1270, radionica Niccolo Pisano izvodila je brojne narudžbe u gradovima središnje Italije.

Novi trendovi prodiru i u italijansko slikarstvo. Neko vrijeme su rimski umjetnici igrali značajnu ulogu na ovom polju. Rimska škola je istakla jednog od najvećih majstora protorenesanse - Pietro Cavallini (između 1240. i 1250. - oko 1330.).

Baš kao što je Niccolò Pisano reformirao italijansku skulpturu, Cavallini je postavio temelje za novi pokret u slikarstvu. U svom radu oslanjao se na kasnoantičke i ranokršćanske spomenike, kojima je Rim još u svoje vrijeme bio bogat. Autor je mozaika (Crkva Santa Maria in Trastevere; 1291) i fresaka (Crkva Santa Cecilia in Trastevere; oko 1293). Cavallinijeva zasluga je u tome što je nastojao da prevaziđe ravnost oblika i kompozicione strukture, koje su bile svojstvene „vizantijskom” ili „grčkom” stilu koji je dominirao italijanskim slikarstvom u njegovo doba. Uveo je chiaroscuro modeliranje posuđeno od antičkih umjetnika, postižući zaokruženost i plastičnost oblika.

Međutim, od druge decenije 14. veka umetnički život u Rimu se zamrzava. Vodeća uloga u italijanskom slikarstvu prešla je na firentinsku školu.

Firenca je dva stoljeća bila prijestolnica italijanskog umjetničkog života i odredila glavni smjer razvoja njene umjetnosti.

Rođenje proto-renesansne umjetnosti u Firenci povezuje se s imenom Cenni di Peppo, nadimak Cimabue (oko 1240.-oko 1302.).

Ali najradikalniji reformator slikarstva bio je jedan od najvećih umjetnika talijanske proto-renesanse Giotto di Bondone (1266/67-1337). U svojim djelima Giotto ponekad postiže takvu snagu u sukobu kontrasta i prenošenju ljudskih osjećaja, što nam omogućava da u njemu vidimo prethodnika najvećih majstora renesanse. Radio je kao slikar, vajar i arhitekta. Ipak, njegov glavni poziv je slikarstvo. Giottovo glavno djelo je slikanje kapele Arene ili kapele Scrovegni (nazvane po kupcu) u gradu Padovi (1303-1306). Giottova kasnija djela su slike u crkvi Santa Croce u Firenci (kapela Peruzzi i kapela Bardi). U Chapel del Arena, freske su raspoređene u tri reda duž praznog zida. Unutrašnjost jednostavne jednobrodne kapele osvjetljava pet prozora na suprotnom zidu. Ispod, na slikovito imitiranoj podlozi od ružičastih i sivih kvadrata, nalazi se 14 alegorijskih figura proroka i vrlina. Iznad ulaza u kapelu nalazi se slika Strašnog suda, a na suprotnom zidu scena Blagovijesti. Giotto je povezao 38 scena iz Kristova i Marijinog života u jedinstvenu skladnu cjelinu, stvarajući veličanstven epski ciklus. Priče iz evanđelja Giotto predstavlja kao stvarne događaje. Živim jezikom govori o problemima koji se tiču ​​ljudi u svakom trenutku: o dobroti i međusobnom razumevanju („Susret Marije i Jelisavete“, „Susret Joakima i Ane na Zlatnim vratima“), prevari i izdaji („Poljubac Jude”, „Kristovo bičevanje”), o dubini tuge, krotosti, poniznosti i vječne sveprožimajuće majčinske ljubavi („Oplakavanje”). Scene su pune unutrašnje napetosti, poput „Vaskrsenja Lazara“, a ponekad i prodorne u svojoj tragediji, poput kompozicije „Nošenje krsta“.

Tretirajući jevanđeljske epizode kao događaje iz ljudskog života, Giotto ih stavlja u stvarnu situaciju, odbijajući da spoji trenutke iz različitih vremena u jednu kompoziciju. Giottove kompozicije su uvijek prostorne, iako scena na kojoj se radnja odvija obično nije duboka. Arhitektura i pejzaž na Giottovim freskama uvijek su podređeni akciji. Svaki detalj u njegovim kompozicijama usmjerava pažnju gledatelja na semantičko središte.

Giotto je postavio temelje renesansnoj umjetnosti. Iako nije bio jedini umjetnik svog vremena koji je krenuo putem reformi, njegova svrhovitost, odlučnost i hrabar raskid sa bitnim principima srednjovjekovne tradicije čine ga začetnikom nove umjetnosti.

Još jedan važan centar Italijanska umetnost kasnog 13. veka - prve polovine 14. veka bila je Sijena. Formiranje njegove umjetničke škole odvijalo se u isto vrijeme kad i firentinska, ali umjetnost ova dva najveća toskanska grada je drugačija, kao što su se razlikovali i njihov način života i kultura.

Sijena je bila dugogodišnji rival Firenci. To je dovelo do niza vojnih sukoba, koji su se završavali različitim uspjehom, ali je do kraja 13. stoljeća prednost bila na strani Firence, koja je uživala podršku Pape.

Umjetnost Siene obilježena je karakteristikama rafinirane sofisticiranosti i dekorativnosti. U Sijeni su cijenjeni francuski iluminirani rukopisi i djela umjetničkih zanata. U XIII-XIV vijeku ovdje je podignuta jedna od najelegantnijih katedrala italijanske gotike, na čijoj je fasadi radio 1284-1297. Giovanni Pisano.

RANOG ROĐENJA

U prvim decenijama 15. veka dogodila se odlučujuća prekretnica u umetnosti Italije. Pojava moćnog centra renesanse u Firenci povlači za sobom obnovu cjelokupne talijanske umjetničke kulture. Djelo Donatela, Masaccia i njihovih saradnika obilježava pobjedu renesansnog realizma, koji se bitno razlikovao od “realizma detalja” koji je bio karakterističan za umjetnost kasnog Trecenta. Radovi ovih majstora prožeti su idealima humanizma. Oni uzdižu osobu, uzdižu je iznad nivoa svakodnevnog života.

U svojoj borbi s gotičkom tradicijom umjetnici rane renesanse oslonac su tražili u antici i umjetnosti protorenesanse. Ono što su majstori proto-renesanse tražili samo intuitivno, dodirom, sada se zasniva na preciznom znanju.

Italijanska umjetnost 15. stoljeća odlikuje se velikom raznolikošću. Raznolikost uslova u kojima se formiraju lokalne škole dovodi do različitih umetničkih pokreta. Nova umjetnost, koja je trijumfovala u naprednoj Firenci početkom 15. stoljeća, nije odmah stekla priznanje i proširila se u drugim krajevima zemlje.

Dok su Bruneleschi, Masaccio i Donatello radili u Firenci, tradicije vizantijske i gotičke umjetnosti još su živjele u sjevernoj Italiji, tek postepeno zamijenjene renesansom.

Quattrocento

Od kraja 14. vijeka. Vlast u Firenci prelazi na kuću bankara Medici. Njegov šef, Cosimo de' Medici, postao je nezvanični vladar Firence. Pisci, pjesnici, naučnici, arhitekti i umjetnici hrle na dvor Kozima de Medičija (a kasnije i njegovog unuka Lorenca, zvanog Veličanstveni). Počinje doba medicinske kulture. Prvi znaci nove, građanske kulture i pojava novog, građanskog pogleda na svet posebno su se jasno ispoljili u 15. veku, u periodu Quattrocento. Ali upravo zato što proces formiranja nove kulture i novog pogleda na svet nije završen u ovom periodu (to se dogodilo kasnije, u eri konačnog raspada i sloma feudalnih odnosa), 15. vek je pun stvaralačke slobode, hrabra smelost i divljenje ljudskoj individualnosti. Ovo je zaista doba humanizma. Osim toga, ovo je doba puno vjere u neograničenu moć uma, era intelektualizma. Percepcija stvarnosti testira se iskustvom, eksperimentom i kontrolira razumom. Otuda duh reda i mjere koji je toliko karakterističan za umjetnost renesanse. Geometrija, matematika, anatomija, proučavanje proporcija ljudskog tijela od velike su važnosti za umjetnike; tada počinju pažljivo proučavati strukturu čovjeka; u 15. veku Italijanski umjetnici su također riješili problem pravolinijske perspektive, koji je već sazreo u umjetnosti Trecenta.

Antika je odigrala veliku ulogu u formiranju sekularne kulture Quattrocenta. 15. vijek pokazuje direktne veze sa renesansnom kulturom. Od 1439. godine, od vaseljenskog crkvenog sabora održanog u Firenci, na koji su stigli vizantijski car Jovan Paleolog i carigradski patrijarh u pratnji veličanstvene pratnje, a posebno nakon pada Vizantije 1453. godine, kada su mnogi naučnici koji su prebegli sa istoka pronašao utočište u Firenci, ovaj grad postaje jedan od glavnih centara u Italiji za proučavanje grčkog jezika, kao i književnosti i filozofije Ancient Greece. Platonska akademija je osnovana u Firenci. Laurentian Library sadrži bogatu zbirku antičkih rukopisa. Pa ipak, vodeća uloga u kulturnom životu Firence u prvoj polovini i sredinom 15. stoljeća nesumnjivo je pripadala umjetnosti. Pojavili su se prvi muzeji umjetnosti, ispunjeni statuama, fragmentima antičke arhitekture, mermerima, novčićima i keramikom. Stari Rim se obnavlja. Ljepota napaćenog Laokoona, prekrasnog Apolona (Belvedere) i Venere (Medicine) pojavljuje se pred začuđenom Evropom.

Skulptura

U 15. veku Italijanska skulptura je bila u procvatu. Dobio je samostalno značenje, nezavisno od arhitekture, a u njemu su se pojavili novi žanrovi. Praksa umjetničkog života počela je uključivati ​​narudžbe bogatih trgovačkih i zanatskih krugova za uređenje javnih zgrada; likovni konkursi poprimili su karakter širokih društveni događaji. Događajem koji otvara novo razdoblje u razvoju italijanske renesansne skulpture smatra se takmičenje koje je održano 1401. godine za izradu drugih sjevernih vrata Firentinske krstionice u bronzi. Među učesnicima takmičenja bili su i mladi majstori - Filippo Brunelleschi i Lorenzo Ghiberti (oko 1381-1455).

Briljantni crtač Ghiberti je pobijedio na takmičenju. Jedan od najobrazovanijih ljudi svog vremena, prvi istoričar italijanske umjetnosti, Ghiberti, u čijem je radu glavna stvar bila ravnoteža i sklad svih elemenata slike, posvetio je svoj život jednoj vrsti skulpture - reljefu. Njegova potraga je dostigla vrhunac u izradi istočnih vrata firentinske krstionice (1425-1452), koja je Michelangelo nazvao „Vrata raja“. Deset kvadratnih kompozicija od pozlaćene bronze koje ih čine prenose dubinu prostora u kojem se spajaju figure, priroda i arhitektura. Po svojoj izražajnosti podsjećaju na slike. Ghibertijeva radionica postala je prava škola za čitavu generaciju umjetnika. Mladi Donatello, budući veliki reformator italijanske skulpture, radio je u njegovoj radionici kao asistent.

Donato di Niccolo di Betto Bardi, koji je bio pozvan Donatello (oko 1386-1466), rođen u Firenci u porodici klesača vune. Radio je u Firenci, Sijeni, Rimu, Padovi. Međutim, ogromna slava nije promijenila njegov jednostavan način života. Rekli su da je nesebični Donatello na vrata svoje radionice okačio novčanik sa novcem, a njegovi prijatelji i učenici uzimali su iz novčanika koliko im je bilo potrebno.

S jedne strane, Donatello je žudio za istinom života u umjetnosti. S druge strane, on je svojim djelima dao crte uzvišenog herojstva. Ove osobine bile su vidljive već u ranim majstorovim radovima - statuama svetaca namijenjenim vanjskim nišama fasada crkve Or San Michele u Firenci i starozavjetnim prorocima firentinskog zvonika. Kipovi su bili u nišama, ali su odmah privukli pažnju svojom strogom ekspresivnošću i unutrašnja snaga slike Posebno je poznat “Sveti Đorđe” (1416) - mladi ratnik sa štitom u ruci. Ima koncentrisan, dubok pogled; čvrsto stoji na zemlji, raširenih nogu. U kipovima proroka Donatello je posebno istakao njihove karakteristične osobine, ponekad grube, neukrašene, čak i ružne, ali žive i prirodne. Donatelovi proroci Jeremija i Habakuk su integralne i duhovno bogate prirode. Njihove snažne figure skrivene su teškim naborima ogrtača. Život je izbrazdao Avvakumovo izblijedjelo lice dubokim borama, postao je potpuno ćelav, zbog čega su mu u Firenci prozvali nadimak Zuccone (Tikva).

Godine 1430. Donatello je stvorio "Davida" - prvog nude statue u italijanskoj renesansnoj skulpturi. Statua je bila namijenjena za fontanu u dvorištu Palazzo Medici. Biblijski pastir, pobjednik divovskog Golijata, jedna je od omiljenih slika renesanse. U prikazu svog mladalačkog tijela, Donatello je nesumnjivo pošao od antičkih modela, ali ih je preradio u duhu svog vremena. Zamišljen i smiren, David, sa pastirskim šeširom koji mu zaklanja lice, gazi Golijatovu glavu nogom i čini se da još nije svjestan podviga koji je postigao.

Putovanje u Rim s Brunelleschijem uvelike je proširilo Donatelove umjetničke mogućnosti, njegov rad je obogaćen novim slikama i tehnikama, na koje je utjecala antika. Počeo je novi period u radu magistra. Godine 1433. završio je mramornu propovjedaonicu Firentinske katedrale. Cijelo polje propovjedaonice zauzima veselo kolo plesača putti- nešto poput drevnih kupida i istovremeno srednjovjekovnih anđela u obliku golih dječaka, ponekad krilatih, prikazanih u pokretu. Ovo je omiljeni motiv u skulpturi italijanske renesanse, koji se kasnije proširio u umjetnosti 17.-18.

Gotovo deset godina Donatello je radio u Padovi, starom univerzitetskom gradu, jednom od centara humanističke kulture, rodnom mjestu svetog Antuna Padovanskog, duboko poštovanog u Katoličkoj crkvi. Za gradsku katedralu posvećenu Svetom Antunu, Donatello ju je završio 1446-1450. ogroman izvajani oltar sa mnogo statua i reljefa. Centralno mjesto ispod baldahina zauzimala je statua Bogorodice s Djetetom, ali s obje strane se nalazilo po šest kipova svetaca. Krajem 16. vijeka. oltar je demontiran. Do danas je preživio samo dio, a sada je teško zamisliti kako je prvobitno izgledao.

Četiri oltarna reljefa koja su nam dospjela, a koji prikazuju čudesna djela svetog Antuna, omogućavaju nam da cijenimo neobične tehnike koje je majstor koristio. Ovo je vrsta ravnog, naizgled spljoštenog reljefa. Prepune scene predstavljene su u jednom pokretu u stvarnom okruženju. U pozadini su ogromne gradske zgrade i arkade. Zahvaljujući prenosu perspektive, pojavljuje se utisak dubine prostora, kao na slikama.

U isto vrijeme, Donatello je u Padovi izradio konjičku statuu kondotjera Erasma de Narnija, rodom iz Padove koji je bio u službi Mletačke Republike. Italijani su mu dali nadimak Gattamelata (Lukava mačka). Ovo je jedan od prvih renesansnih konjičkih spomenika. Smireno dostojanstvo se provlači kroz izgled Gatamelate, obučenog u rimski oklop, sa golom glavom u rimskom stilu, što je veličanstven primjer portretne umjetnosti. Skoro osmometarski kip na visokom postamentu podjednako je izražajan sa svih strana. Spomenik je postavljen paralelno sa fasadom katedrale Sant'Antonio, što mu omogućava da se vidi ili na pozadini plavog neba, ili u spektakularnoj suprotnosti sa moćnim oblicima kupola.

Posljednjih godina u Firenci Donatello je doživio psihičku krizu, njegove slike su postajale sve dramatičnije. Stvorio je složenu i izražajnu grupu „Judita i Holofern“ (1456-1457); kip “Marije Magdalene” (1454-1455) u obliku oronule starice, iznemoglog pustinjaka u životinjskoj koži - tragični reljefi za crkvu San Lorenzo, koji su dovršili njegovi učenici.

Među najvećim vajarima prve polovine 15. veka. ne može se zanemariti Jacopo della Quercia (1374-1438) - stariji Ghibertijev i Donatelov savremenik. Njegovo djelo, bogato mnogim otkrićima, stajalo je kao odvojeno od općeg puta kojim se razvijala umjetnost renesanse. Rodom iz Sijene, Quercia je radio u Lucci. Tamo, u gradskoj katedrali, nalazi se rijedak lijepi nadgrobni spomenik mlade Ilarije del Careto, koji je izradio ovaj majstor. Godine 1408 - 1419 Quercia je kreirao skulpture za monumentalnu fontanu Fonte Gaia na Piazza Campo u Sieni. Tada je majstor živio u Bolonji, gdje su njegovo glavno djelo bili reljefi za portal crkve San Petronio (1425-1438). Izrađene od tamno sivog tvrdog lokalnog kamena, odlikuju se snažnom monumentalnošću, anticipirajući Mikelanđelove slike.

Druga generacija firentinskih kipara gravitirala je ka lirskijoj, mirnijoj, sekularnoj umjetnosti. Vodeću ulogu u njemu imala je vajarska porodica della Robbia. Glava porodice Lucca della Robbia (1399. ili 1400.-1482.), suvremenik Brunelleschija i Donatela, postao je poznat po korištenju tehnika glazure u kružnoj skulpturi i reljefu, često ih kombinirajući s arhitekturom. Tehnika glazure (majolika), poznata od antičkih vremena narodima zapadne Azije, u srednjem vijeku je prenesena na Iberijsko poluostrvo i ostrvo Majorku, po čemu je i dobila ime, a potom se proširila u Italiji. Lucca della Robbia kreirao je medaljone sa reljefima na tamnoplavoj pozadini za zgrade i oltare, vijence cvijeća i voća, biste od majolike Bogorodice, Krista i Ivana Krstitelja. Vesela, elegantna, ljubazna umjetnost ovog majstora dobila je zasluženo priznanje od njegovih suvremenika. Njegov nećak Andrea della Robbia (1435-1525) također je postigao veliko savršenstvo u tehnici majolike.

Slikarstvo

Ogromna uloga koju je Brunelleschi imao u arhitekturi rane renesanse, a Donatello u skulpturi, pripala je Masacciu u slikarstvu. Brunelleschi i Donatello bili su na svom kreativnom vrhuncu kada se Masaccio rodio. Prema Vazariju, „Masaccio je nastojao da prikaže figure sa velikom živahnošću i najvećom spontanošću, poput stvarnosti“.

Masaccio je umro mlad, ne navršivši 27 godina, a ipak je uspio napraviti toliko novih stvari u slikarstvu koje nijedan drugi majstor nije mogao u svom životu.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai, nadimak Masaccio (1401 - 1428), rođen je u gradu San Valdarno kod Firence, gdje je kao mladić otišao da uči slikarstvo. Pretpostavljalo se da mu je učitelj Masolino de Panicale, s kojim je tada sarađivao. sada su ga istraživači odbacili. Masaccio je radio u Firenci, Pizi i Rimu.

Klasičan primjer oltarske kompozicije bilo je njegovo “Trojstvo” (1427-1428), stvoreno za crkvu Santa Maria Novella u Firenci. Freska je oslikana na zidu koji ulazi duboko u kapelu, koja je izgrađena u obliku renesansne lučne niše. Slika prikazuje raspelo, likove Marije i Ivana Krstitelja. Slika Boga Oca zasjenjuje ih. U prvom planu freske prikazane su mušterije koje kleče, kao da su u samoj zgradi crkve. Na dnu freske nalazi se slika sarkofaga na kojem leži Adamov kostur. Natpis iznad sarkofaga sadrži tradicionalnu srednjovjekovnu izreku: “Bio sam jednom kao ti, i ti ćeš biti kao ja”.

Sve do 50-ih godina. XX vijek ovaj Masacciov rad u očima ljubitelja umjetnosti i naučnika povukao se u drugi plan ispred njegovog čuvenog ciklusa slika kapele Brancacci. Nakon što je freska 1952. godine premeštena na prvobitno mesto u hramu, oprana, restaurirana, a kada je otkriven njen donji deo sa sarkofagom, „Trojica“ je privukla veliku pažnju istraživača i ljubitelja umetnosti. Masacciova kreacija je izvanredna u svakom pogledu. Veličanstvena odvojenost slika ovdje je spojena sa dotad neviđenom realnošću prostora i arhitekture, sa obimom figura, ekspresivnim portretnim karakteristikama lica kupaca i sa slikom Majke Božije, zadivljujućom svojom snagom. suzdržanog osećanja.

Iste godine Masaccio (u saradnji sa Masolinom) kreira murale kapele Brancacci u crkvi Santa Maria del Carmine, nazvanu po bogatom mušteriji iz Firence.

Slikar je bio suočen sa zadatkom da konstruiše prostor koristeći linearnu i zračnu perspektivu, u njega postavi moćne figure likova, istinito oslikava njihove pokrete, poze, geste, a zatim poveže razmeru i boju figura sa prirodnom ili arhitektonskom pozadinom. . Masaccio se ne samo uspješno nosio s ovim zadatkom, već je uspio i prenijeti unutrašnju napetost i psihološku dubinu slika.

Teme slika uglavnom su posvećene istoriji apostola Petra. Najpoznatija kompozicija, „Čudo Statera“, govori o tome kako je carinik zaustavio Hrista i njegove učenike na vratima grada Kafarnauma, tražeći od njih novac za održavanje hrama. Hristos je zapovedio apostolu Petru da ulovi ribu u Genezaretskom jezeru i iz nje izvadi stater. Na lijevoj strani u pozadini gledalac vidi ovu scenu. Na desnoj strani, Peter predaje novac sakupljaču. Dakle, kompozicija povezuje tri epizode u različito vrijeme, u kojima se apostol pojavljuje tri puta. U suštinski inovativnom slikarstvu Masaccia, ova tehnika je zakašnjelo priznanje srednjovjekovnoj tradiciji slikovitog pripovijedanja već su je u to vrijeme, a prije više od jednog stoljeća, napustili. Ali to ne kvari utisak hrabre novosti koja sve odlikuje figurativna struktura slike, njegova dramaturgija, vitalno uvjerljivi, pomalo grubi likovi.

Ponekad u izražavanju snage i oštrine osjećaja, Masaccio je ispred svog vremena. Evo freske „Izgon Adama i Eve iz raja” u istoj kapeli Brancacci. Gledalac vjeruje da su Adama i Evu, koji su prekršili božansku zabranu, anđeo zapravo protjerao iz raja s mačem u rukama. Ovdje nije glavna stvar biblijski zaplet i vanjski detalji, već osjećaj bezgraničnog ljudskog očaja koji obuzima Adama, pokrivši lice rukama, i jecajuću Evu, upalih očiju i tamne rupe u ustima izobličenih vriskom.

U avgustu 1428. Masaccio je otišao u Rim ne dovršivši sliku i ubrzo je iznenada umro. Kapela Brancacci postala je mjesto hodočašća slikara koji su usvojili Masacciove tehnike. Međutim, dosta toga je kreativno; Tek sljedeće generacije mogle su cijeniti Masacciovo naslijeđe.

U djelima svog savremenika Paolo Uccella (1397-1475), koji je pripadao generaciji majstora koji su radili nakon Masacciove smrti, žudnja za elegantnom bajkovitošću ponekad je dobivala naivnu nijansu. Ova karakteristika umjetnikovog kreativnog stila postala je njegova jedinstvena vizit karta. Njegova rana mala slika “Sv. George” je šarmantna. Zeleni zmaj sa repom u obliku šrafa i šarenim krilima, kao izrezbarenim od lima, odlučno hoda na dvije noge. Nije strašan, već smiješan. Vjerovatno se i sam umjetnik nasmijao dok je stvarao ovu sliku. Ali u Uccellovom djelu, svojeglava fantazija bila je spojena sa strašću za proučavanjem perspektive. Vasari je eksperimente, crteže i skice kojima je posvetio besane noći opisao kao ekscentričnosti. U međuvremenu, Paolo Učelo je ušao u istoriju slikarstva kao jedan od onih slikara koji su prvi počeli da koriste tehniku ​​linearne perspektive na svojim platnima.

U mladosti je Učelo radio u Gibertijevoj radionici, zatim izrađivao mozaike za katedralu San Marco u Veneciji, a po povratku u Firencu upoznaje se sa Masacciovim slikama u kapeli Brancacci, koje su imale veliki uticaj na njega. Njegova fascinacija perspektivom odrazila se u Učelovom prvom djelu, portretu engleskog kondotjera Johna Hawkwooda, poznatog Italijanima kao Giovanni Acuto, koji je naslikao 1436. godine. Ogromna jednobojna (jednobojna) freska prikazuje ne živu osobu, već njegovu konjičku statuu, koju gledalac gleda odozdo prema gore.

Učelovo smelo traženje našlo je izraz u tri njegove čuvene slike, koje je naručio Kozimo de Mediči i posvećene bici dvojice firentinskih zapovednika sa trupama Sijene kod San Romana. Na Uccellovim nevjerovatnim slikama, na pozadini pejzaža igračaka, konjanici i ratnici sukobili su se u žestokoj borbi, pomiješana su koplja, štitovi i banderi. Pa ipak, bitka izgleda konvencionalno, zamrznuta u izuzetno lijepom, blistavom zlatnom ukrasu s figurama konja u crvenoj, ružičastoj, pa čak i plavoj boji.

HIGH REVIVAL

Visoka renesansa u centralnoj Italiji

Od kraja 15. veka Italija počinje da doživljava sve posledice nepovoljnog ekonomskog rivalstva sa Portugalom, Španijom i Holandijom. Sjeverni gradovi Evropa organizuje niz vojnih pohoda na Italiju, koja je rascepkana i gubi svoju moć. Ovaj težak period oživljava ideju ujedinjenja zemlje, ideju koja nije mogla a da ne uzbudi najbolje umove Italije.

Poznato je da se pojedini periodi procvata umetnosti možda ne poklapaju sa opštim razvojem društva, njegovim materijalnim i ekonomskim statusom. U teškim vremenima za Italiju, počelo je kratkotrajno zlatno doba italijanske renesanse - takozvana visoka renesansa, najviša tačka procvata italijanske umetnosti. Visoka renesansa se tako poklopila sa periodom žestoke borbe italijanskih gradova za nezavisnost. Umjetnost ovoga vremena bila je prožeta humanizmom, vjerom u stvaralačke snage čovjeka, u neograničene mogućnosti njegovih mogućnosti, u razumnu strukturu svijeta, u trijumf napretka. Problemi su došli do izražaja u umetnosti građanska dužnost, visoke moralne kvalitete, podvig, slika lijepe, skladno razvijene, snažne duhom i tijelom, junačke ličnosti koja je uspjela da se izdigne iznad nivoa svakodnevice. Potraga za takvim idealom dovela je umjetnost do sinteze, generalizacije, do otkrivanja općih obrazaca pojava, do identifikacije njihovog logičkog odnosa. Umjetnost visoke renesanse napušta pojedinosti i beznačajne detalje u ime generalizirane slike, u ime želje za harmoničnom sintezom lijepih aspekata života. To je jedna od glavnih razlika između visoke renesanse i rane.

Leonardo da Vinci (1452-1519) bio je prvi umjetnik koji je jasno utjelovio ovu razliku. Rođen je u Anchianu, blizu sela Vinci; njegov otac je bio notar koji se preselio u Firencu 1469. godine. Leonardov prvi učitelj bio je Andrea Verrocchio. Lik anđela na učiteljskoj slici „Krštenje“ već jasno pokazuje razliku u umjetničkoj percepciji svijeta prošlog i novog doba: nema frontalne ravnosti Verrocchia, najfinijeg odsječenog modeliranja volumena i izuzetne duhovnosti. slike. Istraživači datiraju "Madonu s cvijetom" ("Benois Madonna", kako su je prije zvali, po vlasnicima) u vrijeme odlaska Verrocchia iz radionice. Tokom ovog perioda, Leonardo je nesumnjivo bio pod Botičelijevim uticajem. Njegovo “Navještenje” u pogledu detalja još uvijek otkriva bliske veze s Quattrocentom, ali mirna, savršena ljepota figura Marije i Arhanđela, koloristička struktura slike i kompoziciona sređenost govore o svjetonazoru umjetnik novog doba, karakterističan za visoku renesansu.

Nakon što je napustio Milano, Leonardo je neko vrijeme radio u Firenci. Tamo se činilo da je Leonardov rad obasjan blistavim bljeskom: naslikao je portret Mona Lize, žene bogatog Firentinca Frančeska di Đokonda (oko 1503.). Portret, poznat kao La Gioconda, postao je jedno od najslavnijih djela svjetskog slikarstva.

Mali portret mlade žene, obavijen prozračnom izmaglicom, koja sedi na pozadini plavkasto-zelenog čudnog stenovitog pejzaža, pun je tako živahne i nežne zebnje da se, prema Vazariju, može videti kako puls kuca u udubini. Mona Lizinog vrata. Čini se da je sliku lako razumjeti. U međuvremenu, u opsežnoj literaturi posvećenoj La Giocondi, sudaraju se najsuprotstavljenije interpretacije slike koju je stvorio Leonardo.

U istoriji svetske umetnosti postoje dela obdarena čudnim, tajanstvenim i magičnim moćima. Teško je objasniti, nemoguće opisati. Među njima jedno od prvih mjesta zauzima slika mlade firentinske Mona Lize. Ona je, očigledno, bila izuzetna osoba snažne volje, inteligentne i integralne prirode. Leonardo je uložio u njen zadivljujući pogled uperen u posmatrača, u njen čuveni, naizgled klizeći, tajanstveni osmeh, u njen izraz lica obeležen nestabilnom promenljivošću, naboj takve intelektualne i duhovne snage da je njen imidž uzdigao na nedostižnu visinu.

Poslednjih godina svog života Leonardo da Vinči je malo radio kao umetnik. Dobivši poziv od francuskog kralja Franje I, odlazi u Francusku 1517. godine i postaje dvorski slikar. Leonardo je ubrzo umro. Na crtežu autoportreta (1510-1515), sijedobradi patrijarh dubokog, žalosnog pogleda izgledao je mnogo starije od svojih godina.

Nemoguće je zamisliti da bi Leonardo da Vinci mogao živjeti i stvarati u nekoj drugoj eri. I, ipak, njegova ličnost je prešla granice svog vremena, uzdigla se iznad njega. Leonardova kreativnost pred Vinčijem je neiscrpna. O razmjeri i jedinstvenosti njegovog talenta mogu se suditi po majstorskim crtežima, koji zauzimaju jedno od počasnih mjesta u istoriji svjetske umjetnosti. Ne samo rukopisi posvećeni egzaktnim naukama, već i radovi o teoriji umjetnosti neraskidivo su povezani sa crtežima, skicama, skicama i dijagramima Leonarda da Vincija. U čuvenom “Traktatu o slikarstvu” (1498) i drugim njegovim zapisima, velika pažnja posvećena je proučavanju ljudskog tijela, podacima o anatomiji, proporcijama, odnosu pokreta, izraza lica i emocionalnog stanja osobe. Mnogo prostora dato je problemima chiaroscura, volumetrijskog modeliranja, linearne i vazdušne perspektive.

Umetnost Leonarda da Vinčija, njegova naučna i teorijska istraživanja, posebnost njegove ličnosti prošli su kroz čitavu istoriju svetske kulture i izvršili veliki uticaj na nju.

Sa kreativnošću Raphael (1483-1520) u istoriji svjetske umjetnosti povezuje se s idejom uzvišene ljepote i sklada. Općenito je prihvaćeno da je u plejadi briljantnih majstora visoke renesanse, u kojoj je Leonardo personificirao intelekt, a Michelangelo - moć, upravo Raphael bio glavni nosilac harmonije. Naravno, u jednom ili drugom stepenu, svaki od njih je posjedovao sve ove kvalitete. Nema sumnje, međutim, da neumorna težnja za svijetlim, savršenim početkom prožima cijelo Rafaelovo djelo i čini njegov unutrašnji smisao.

Raphael je u početku studirao u Urbinu sa svojim ocem, a zatim kod lokalnog slikara Timotea Vitea. Godine 1500. preselio se u glavni grad Umbrije, Perugiu, da bi nastavio školovanje u radionici poznatog slikara, šefa umbrijske škole, Pietra Perugina. Mladi majstor je brzo nadmašio svog učitelja.

Rafaela su zvali Majstorom Madona. Raspoloženje duhovne čistoće, još pomalo naivno u jednoj od njegovih prvih malih slika - "Madonna Conestabile" (1502 -1503), dobilo je uzvišeni karakter Rafaelovog ranog perioda - "Zaruka Marije" (1504). Odvijajući se u pozadini predivne arhitekture, scena zaruka Marije i Josipa slika je uzvišene ljepote. Ova mala slika već u potpunosti pripada umjetnosti visoke renesanse. Glavni likovi, grupe djevojčica i dječaka osvajaju svojom prirodnom gracioznošću. Njihovi pokreti, poze i geste su izražajni, melodični, precizni i fleksibilni: na primjer, približavanje ruku Marije i Josipa, koji joj stavlja prsten na prst. Na slici nema ničeg suvišnog ili sporednog. Zlatni, crveni i tamnozeleni tonovi, u skladu sa mekim plavim nebom, stvaraju praznično raspoloženje.

Godine 1504. Raphael se preselio u Firencu. Ovdje je njegov rad stekao zrelost i tihu veličinu. U ciklusu Bogorodica varirao je sliku mlade majke sa Detetom Hristom i malim Jovanom Krstiteljem u pozadini pejzaža. “Madonna in Greens” (1505) je posebno dobra. Slika koristi Leonardovu piramidalnu kompoziciju, a kolorit karakteriše suptilna harmonija boja.

Rafaelovi uspjesi bili su toliko značajni da je 1508. godine pozvan na papski dvor u Rim. Umjetnik je dobio narudžbu da slika papine državne stanove, takozvane strofe (sobe) u Vatikanskoj palači. Slike vatikanskih strofa (1509. - 1517.) donijele su slavu Rafaelu i promovirale ga u vodećeg majstora ne samo Rima, već i Italije.

Kao i prije, Raphael se ponovo okrenuo svojoj omiljenoj slici Madone s Djetetom. Majstor se pripremao da stvori svoje veliko remek-djelo - „Sikstinsku Madonu“ (1515. - 1519.) za crkvu Svetog Siksta u Pjaćenci. U istoriji umetnosti, Sikstinska Madona je slika savršene lepote.

Raphael je bio divan majstor crtanja. Ovdje se jasno pokazao njegov besprijekoran, lagan, slobodan osjećaj za liniju. Dao je značajan doprinos i arhitekturi. Samo ime Raphael - božanski Sanzio - kasnije je postalo oličenje idealnog umjetnika obdarenog božanskim darom.

Sahranjen je uz velike počasti u rimskom Panteonu, gdje njegov pepeo i danas počiva.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) – najveći majstor Visoka renesansa, koji je stvorio izvanredna djela skulpture, slikarstva i arhitekture.

Michelangelo je proveo djetinjstvo u malom toskanskom gradiću Caprese u blizini Firence. Mladost i godine studija proveo je u Firenci. U umjetničkoj školi na dvoru vojvode Lorenza de Medičija otkrio je ljepotu antičke umjetnosti, a komunicirao je i s velikim predstavnicima humanističke kulture. Gotovo sva Michelangelova skulpturalna djela pripadaju Firenci. Međutim, Rim se jednako može nazvati i Mikelanđelovim gradom.

Godine 1469. došao je u Rim, gdje je ubrzo došao do slave. Najpoznatije djelo prvog rimskog perioda je Pieta (Oplaćanje Krista) (1498. - 1501.) u kapeli bazilike Svetog Petra. Na krilu Marije, premlade za tako odraslog sina, leži beživotno tijelo Kristovo. Majčina tuga je lagana i uzvišena, samo u pokretu njene lijeve ruke kao da se izlijeva duševna patnja. Bijeli mermer je poliran do sjaja. U igri svjetla i sjene, njegova površina djeluje dragocjeno.

Vrativši se u Firencu 1501. godine, Michelangelo se obavezao da stvori kolosalnu mermernu statuu Davida (1501 - 1504). Kip doseže pet i po metara visine. Ona personificira neograničenu moć čovjeka. David se upravo sprema da udari svog neprijatelja kamenom iz praćke, ali se već osjeća da je budući pobjednik, pun svijesti o svojoj fizičkoj i duhovnoj snazi. Lice junaka izražava neuništivu volju.

Michelangelo je sebe smatrao samo kiparom, što ga, međutim, nije spriječilo, pravog sina renesanse, da bude i veliki slikar i arhitekta. Najgrandioznije djelo monumentalnog slikarstva visoke renesanse je slika stropa Sikstinske kapele u Vatikanu, koju je dovršio Michelangelo 1508-1512.

Grobnica pape Julija II mogla je postati vrhunac na polju kiparstva da je Michelangelo uspio da realizuje svoj prvobitni plan: četrdeset mramornih statua trebalo je da ukrase mauzolej. Stigao nam je “Okovan rob” - snažan, zdepast mladić koji uzalud nastoji da se oslobodi svojih okova, i “Umirući rob” - prelijepi mladić koji čeka smrt kao izbavljenje od muke (oko 1513.).

Nakon pada republike u Firenci, Michelangelo se nije osjećao sigurnim. Godine 1534 napustio je rodni grad i preselio se u Rim, gde je, po nalogu pape Pavla III, naslikao čuvenu fresku „Poslednji sud” (1536 - 1541) na krajnjem zidu Sikstinske kapele. Na pozadini hladnog plavo-pepeljastog neba, mnoge figure su zahvaćene vihornim pokretom. Prevladava tragični osjećaj globalne katastrofe. Bliži se čas odmazde, anđeli najavljuju dolazak posljednjeg suda.

Poslednjih decenija svog života majstor se bavio samo arhitekturom i poezijom. Djelo velikog Mikelanđela činilo je čitavu eru i bilo je daleko ispred svog vremena, imalo je ogromnu ulogu u svjetskoj umjetnosti, a utjecalo je i na formiranje principa baroka.

Visoka renesansa u Veneciji

Ako Mikelanđelovo delo u svojoj drugoj polovini već nosi obeležja nove ere, onda za Veneciju čitav 16. vek još uvek prolazi u znaku Cinquecenta. Venecija, koja je uspjela održati svoju nezavisnost, duže ostaje vjerna tradiciji renesanse.

Iz Gianbellinove radionice izašla su dva velika umjetnika visoke venecijanske renesanse: Giorgione i Tizian.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, nadimak Giorgione (1477-1510), - direktni sljedbenik svog učitelja i tipičan umjetnik visoke renesanse. Bio je prvi na tlu Venecije koji se okrenuo književnim temama i mitološkim temama. Pejzaž, priroda i prekrasno nago ljudsko tijelo postali su za njega predmet umjetnosti i predmet obožavanja. Osećajem za harmoniju, savršenim proporcijama, linearnim ritmom, mekim svetlosnim slikarstvom, duhovnošću i psihološkom ekspresivnošću njegovih slika i istovremeno logikom i racionalizmom, Giorgione je blizak Leonardu, koji je, nesumnjivo, imao direktan uticaj na njega kada je on je prolazio iz Milana 1500. Venecije. Ali Giorgione je emotivniji od velikog milanskog majstora, i poput tipičnog umjetnika Venecije, zanima ga ne toliko linearna perspektiva koliko prozračna perspektiva i uglavnom problemi boja.

Već u prvom poznatom djelu, “Madonna of Castelfranco” (oko 1505.), Giorgione se pojavljuje kao potpuno razvijen umjetnik; slika Madone puna je poezije, zamišljene sanjivosti, prožeta onim raspoloženjem tuge koje je svojstveno svima ženske slike Giorgione. U posljednjih pet godina svog života (Giorgione je umro od kuge, koja je posebno često dolazila u Veneciju), umjetnik je stvorio najbolji radovi, izvedeno u naftnoj tehnologiji, uglavnom u venecijanska škola u vrijeme kada je mozaik postao prošlost zajedno sa cjelokupnim srednjovjekovnim umjetničkim sistemom, a freska se pokazala nestabilnom u vlažnoj venecijanskoj klimi. Na slici iz 1506. godine "Gromna oluja" Giorgione prikazuje čovjeka kao dio prirode. Žena koja doji dijete, mladić sa štapom (koji se može zamijeniti za ratnika s helebardom) nisu ujedinjeni nikakvom radnjom, već ih u ovom veličanstvenom pejzažu spaja zajedničko raspoloženje, zajedničko stanje duha. Giorgione ima suptilnu i neobično bogatu paletu. Prigušeni tonovi mladićeve narandžasto-crvene odjeće, zelenkasto-bijela košulja, koja odzvanja ženskom bijelom ogrtačem, kao da su obavijeni onim polusumračnim zrakom koji je karakterističan za rasvjetu prije oluje. Zelena boja ima mnogo nijansi: maslina u drveću, gotovo crna u dubini vode, olovna u oblacima. I sve to objedinjuje jedan blistavi ton, koji prenosi dojam nestabilnosti, tjeskobe, tjeskobe, radosti, poput samog stanja osobe u iščekivanju nadolazeće oluje.

Tizian Vecellio (1477-1576) - najveći umjetnik venecijanske renesanse. Stvorio je radove i na mitološkim i Hrišćanske priče, radio u žanru portreta, njegov koloristički talenat je izuzetan, kompoziciona inventivnost je neiscrpna, a srećna dugovječnost mu je omogućila da iza sebe ostavi najbogatije kreativno naslijeđe, što je imalo ogroman uticaj na potomke. Tizian je rođen u Cadoreu, gradiću u podnožju Alpa, u vojničkoj porodici, studirao je, poput Giorgionea, kod Gianbellina, a njegovo prvo djelo (1508.) bila je zajednička slika s Giorgioneom štala njemačkog dvorišta godine. Venecija. Nakon Giorgioneove smrti 1511. godine, Tizian je oslikao nekoliko soba u Padovi za scuolo, filantropska bratstva, u kojima se nesumnjivo osjeća utjecaj Giotta, koji je nekada radio u Padovi, i Masaccia. Život u Padovi upoznao je umjetnika, naravno, sa djelima Mantegne i Donatela. Slava dolazi Tizianu rano. Već 1516. godine postao je prvi slikar republike, od 20-ih godina - najpoznatiji umjetnik Venecije, a uspjeh ga nije napuštao do kraja njegovih dana. Oko 1520. godine vojvoda od Ferare naručio mu je seriju slika na kojima se Tizian pojavljuje kao pevač antike, koji je uspeo da oseti i, što je najvažnije, otelotvori duh paganstva („Bakhanalije“, „Venerin praznik“, „Bakhus“ i Arijadna").

KASNO ROĐENJE

U drugoj polovini 16. veka, opadanje privrede i trgovine u Italiji je ušlo u borbu sa humanističkom kulturom; Jačao je antirenesansne antiklasične tendencije, oličene u manirizmu.

Manirizam nije uticao na Veneciju, koja je u drugom poluvremenu XVI vijek postao glavni centar kasnorenesansne umjetnosti. Iako je trgovački i politički značaj Mletačke Republike bio u stalnom opadanju, kao i njena moć, Grad Laguna je i dalje bio sveden na vlast Pape i strane vlasti, a bogatstvo koje je akumulirao bilo je ogromno. Tokom ovog perioda, način života Venecije i priroda njene kulture odlikovali su se takvim obimom i sjajem da se činilo da ništa nije ukazivalo na pad sve slabije mletačke države. U skladu sa visokom humanističkom renesansnom tradicijom u novim istorijskim uslovima, Venecija se razvijala obogaćena novim oblicima stvaralaštva velikih majstora kasne renesanse - Paladija, Veroneza, Tintoreta.

Tintoretto (1518-1594), čije je pravo ime bilo Jacopo Robusti, rođen je u Veneciji i bio je sin farbara, pa otuda i majstorov nadimak - Tintoretto, ili Mali farbač.

Obilje vanjskih umjetničkih utjecaja rastvorilo se u jedinstvenoj stvaralačkoj individualnosti ovog posljednjeg od velikih majstora italijanske renesanse. U svom radu bio je gigantski lik, tvorac vulkanskog temperamenta, burne strasti i herojskog intenziteta. Slijedeći pokojnog Michelangela i Tiziana, Tintoretto je utabao nove puteve u umjetnosti. Nije uzalud njegov rad postigao ogroman uspjeh kako među njegovim savremenicima tako i među narednim generacijama. Tintoretto se odlikovao zaista neljudskim kapacitetom za rad i neumornom potragom. Osjećao je tragediju svog vremena oštrije i dublje od većine njegovih savremenika. Majstor se pobunio protiv ustaljenih tradicija u likovnoj umjetnosti - pridržavanja simetrije, stroge ravnoteže, statičnosti; proširio granice prostora, ispunio ga dinamikom, dramatičnom radnjom i počeo jasnije izražavati ljudska osjećanja. Kreator je scena mase prožetih jedinstvom iskustva.

1539. godine slikar otvara svoju radionicu u Veneciji. Tintorettova rana djela malo su poznata. Slavu mu je donijela slika "Čudo uklonjenog žiga" (1548). Ekspresivnost oblika i bogata shema boja velikih mrlja crvene i plave stvara utisak čuda koje se događa pred očima zbunjene gomile. Brze leteći naopačke, Sveti Marko u lepršavoj grimiznoj odeći zaustavlja pogubljenje nepravedno osuđenog čoveka. Restauracija posljednjih desetljeća otkrila je majstorovu bogatu šarenu paletu u svoj svojoj raskoši.

Slika „Uvođenje u hram“ u crkvi Santa Maria del Orto (1555) je neobična. Tintoretto je prikazao polukružno asimetrično stepenište koje ide strmo prema gore. Marija je već dostigla svoj vrhunac, a sporedni likovi u prvom planu, među kojima je i žena sa devojkom, gestovima i pogledima usmeravaju pažnju gledaoca na nju. Umjetnik je ekspresivno i hrabro izgradio kompoziciju duž dijagonale - najdinamičniju tehniku ​​u slikarstvu. Na slici je Tintoretto izrazio ideju duhovnog usavršavanja čovjeka.

U Veneciji, zbog klimatskih uslova, za ukrašavanje zgrada nisu koristili fresko slikarstvo, već ogromne slike naslikane tehnikom uljnog slikarstva. Tintoretto je majstor monumentalnih slika, autor gigantskog ansambla koji se sastoji od nekoliko desetina djela. Izrađene su za gornju i donju dvoranu Scuolidi San Rocco (škola Sv. Roka; 1565-1588).

Majstor je započeo dizajn Scuola di San Rocco stvaranjem grandiozne monumentalne kompozicije "Raspeće". Slika sa mnogo likova - gledalaca (muškaraca i žena), ratnika, dželata - u polukrugu prekriva središnju scenu raspeća. U podnožju krsta, Spasiteljevi rođaci i učenici čine grupu retke duhovne snage. U sjaju boja na sumračnom nebu, Hristos kao da grli nemirni, zabrinuti svet rukama, prikovanim za prečke, blagosiljajući ga i praštajući ga. I u kasnijim godinama svog života, Tintoretto je bio privučen masovnim scenama. „Careva bitka“ (oko 1585.) koju je stvorio za Duždevu palatu zauzima čitav zid. U suštini, ovo je prva istinski istorijska slika u evropskom slikarstvu. Kako bi na slici prenio napetost bitke, majstor je koristio nemirni ritam linija, šokove boja i bljeskove svjetlosti.

Tintorettovo djelo zaokružuje razvoj umjetničke kulture renesanse u Italiji.

Maniristička umjetnost

Manirizam je pokret u evropskoj umetnosti 16. veka. Dolazi od italijanske riječi maniera - "način", "tehnika", "umjetnički rukopis". Ovaj termin se prvi put pojavio u evropskoj likovnoj kritici 20-ih godina. XX vijeka, a proučavanje manirizma je dovelo do obimne naučne literature sa kontroverznim ocjenama i gledištima.

Manirizam u svom najopćenitijem izrazu označava antiklasični pokret koji je nastao u Italiji oko 1520. godine i razvijao se do 1590. godine. Umjetnost manirizma odstupa od renesansnih ideala harmonične percepcije osobe koja se nađe na vlasti. natprirodne moći. Svijet izgleda nestabilno, klimavo, u stanju propadanja. Slike su pune tjeskobe, nemira, napetosti, umjetnik se udaljava od prirode, nastoji da je nadmaši, slijedeći u svom radu subjektivnu „unutrašnju ideju“, čija osnova nije stvarnom svijetu, ali kreativna mašta; sredstvo izvođenja je „lep način” kao zbir određenih tehnika. Među njima su proizvoljna izduženost figura, složeni serpentinasti ritam, nestvarnost fantastičnog prostora i svjetlosti, a ponekad i hladnih prodornih boja.

Prva faza italijanskog manirizma obuhvata 20-40-te godine. XVI vijek i relativno je uzak pokret, najjasnije oličen u slikarstvu. Najveći i najdarovitiji majstor složene stvaralačke sudbine bio je Jacopo Pontormo(1494 –1556). U njegovom čuvena slika„Silazak sa krsta“ kompozicija je nestabilna, figure pretenciozno izlomljene, svetle boje oštre.

Završava se prva generacija manirista Francesco Mazzola, nadimak Parmigianino (1503 - 1540), sofisticirani zanatlija i briljantan crtač. Volio je da zadivi gledatelja: na primjer, naslikao je autoportret u konveksnom ogledalu. Namjerna promišljenost izdvaja njegovu čuvenu “Madonu s dugim vratom” (1438 – 1540).

Druga faza manirizma (1540–1590) pretvara se u široki pokret u Italiji, koji pokriva slikarstvo, skulpturu i arhitekturu. Manirizam je postao dvorska aristokratska umjetnost, koja se u početku razvila u vojvodstvima Parme, Mantove, Ferrare, Modene, a zatim se uspostavila u Firenci i Rimu.

Najveći majstor - umjetnik dvora Medici Agnolo Bronzino(1503-1572), posebno poznat po svojim svečanim portretima. Oni su odražavali eru krvavih zločina i moralnog pada koji je zahvatio najviše krugove italijanskog društva. Bronzinove plemenite mušterije kao da su nevidljive udaljenosti odvojene od gledatelja; ukočenost njihovih poza, ravnodušnost njihovih lica, bogatstvo njihove odeće, pokreti njihovih lepih besposlenih ruku - poput spoljašnje ljuske koja skriva njihov unutrašnji manjkav život.

Vrsta dvorskog portreta koju je stvorio manirizam utjecala je na portretnu umjetnost 16. – 17. stoljeća u drugim zemljama, gdje se obično razvijala na živoj, zdravoj, a ponekad i prozaičnijoj lokalnoj osnovi.

Umjetnost manirizma bila je prijelazna: renesansa je prolazila, a dolazilo je vrijeme za novi panevropski umjetnički stil - barok.

ZAKLJUČAK

Ideje humanizma su duhovna osnova za procvat renesansne umjetnosti. Umjetnost renesanse prožeta je idealima humanizma, skladno je stvorila sliku ljepote razvijena osoba. Italijanski humanisti su tražili slobodu za čovjeka. „Ali sloboda u shvatanju italijanske renesanse“, pisao je njen stručnjak A.K. Dzhivelegov, „značila je da je humanizam dokazao da čovek u svojim osećanjima, u svojim uverenjima nije podložan nikakvom staranju. nemoj biti sila volje koja ga sprečava da osjeća i razmišlja kako želi.” U modernoj nauci ne postoji jednoznačno razumijevanje prirode, strukture i hronološkog okvira renesansnog humanizma. Ali, naravno, humanizam treba smatrati glavnim ideološkim sadržajem kulture renesanse, neodvojivim od cjelokupnog tijeka povijesnog razvoja Italije u doba početka raspada feudalnih i pojave kapitalističkih odnosa. Humanizam je bio progresivni ideološki pokret koji je doprinio uspostavljanju kulturnog sredstva, oslanjajući se prvenstveno na antičko nasljeđe. Italijanski humanizam je prošao kroz nekoliko faza: formiranje u 14. veku, svetli procvat sledećeg veka, unutrašnje restrukturiranje i postepeni pad u 16. veku. Evolucija italijanske renesanse bila je usko povezana sa razvojem filozofije, politička ideologija, nauke i drugih oblika društvene svijesti i, zauzvrat, imao snažan utjecaj na umjetničku kulturu renesanse.

Humanističke nauke, oživljene na antičkim osnovama, uključujući etiku, retoriku, filologiju, istoriju, pokazale su se kao glavna sfera u formiranju i razvoju humanizma, čija je ideološka jezgra bila doktrina o čovjeku, njegovom mjestu i ulozi u prirodi i društvo. Ovo učenje se razvilo prvenstveno u etici i obogaćeno u raznim oblastima renesansne kulture. Humanistička etika je u prvi plan stavila problem čovjekove zemaljske sudbine, postizanje sreće vlastitim naporima. Humanisti su zauzeli novi pristup pitanju društvene etike, u rješavanju kojeg su se oslanjali na ideje o snazi ​​ljudske kreativnosti i volje, o njegovim širokim mogućnostima za izgradnju sreće na zemlji. Smatrali su da je harmonija interesa pojedinca i društva važan preduvjet za uspjeh, postavljaju ideal slobodnog razvoja pojedinca i neraskidivo povezanog unapređenja društvenog organizma i političkog poretka. To je mnogim etičkim idejama i učenjima italijanskih humanista dalo izražen karakter.

Mnogi problemi koji se razvijaju u humanističkoj etici poprimaju novo značenje i posebnu važnost u našoj eri, kada moralni poticaji ljudska aktivnost obavljaju sve važniju društvenu funkciju.

Humanistički pogled na svijet postao je jedno od najvećih progresivnih dostignuća renesanse, koje je imalo snažan utjecaj na kasniji razvoj evropske kulture.

Bibliografija

1. A.I.Pigalev Culturology. Volgograd. Izdavačka kuća Volgogradskog državnog univerziteta, 1998.

2. Kulturološke studije. Istorija svjetske kulture, urednik profesor A.N. Moskva. “Kultura i sport”, izdavačko društvo “UNIGI”, 1998.

3. Istorija svjetske kulture. Kurs predavanja priredio S.D. Moskva. Ruski državni univerzitet, 1998.

4. Eseji o istoriji svjetske kulture, priredila T.F. Moskva. „Jezici ruske kulture“, 1997.

5. Kulturološke studije. Naučni urednik profesor G.V. Rostov na Donu. Izdavačka kuća Feniks, 1998.

6. Enciklopedija za djecu. Umjetnost priredio M.D. Aksenov. Moskva.

"Avanta+", 1997.

7. L. Lyubimov Umjetnost Zapadne Evrope. Moskva. "Prosvjeta", 1982.

8. Umetnost Zapadne Evrope, priredio V. Butrosheev. Moskva. "Savremenik", 1996.

“Oživljavanje” - oživljavanje, povratak u život. Na prvi pogled, ovo je prilično čudna definicija za eru kulturnog procvata. Međutim, ovo uopće nije pretjerivanje. Takve dramatične promjene u umjetnosti i razmišljanju evropskih naroda imale su banalan i užasan razlog -.

Samo tri godine sredinom 14. vijeka postale su oštar razdjelnik između epoha. Tokom ovog perioda, stanovništvo italijanske Firence je brzo umiralo od kuge. Crna smrt Nisam sredio činove i zasluge, nije ostala nijedna osoba koja ne bi mogla podnijeti teret gubitka voljenih. Vekovni temelji su se rušili, vera u budućnost je nestala, više nije bilo nade u Boga... Kada se pandemija povukla i noćna mora prestala, stanovnici grada su shvatili da se više neće moći živjeti na stari način.

Materijalni svijet se uvelike promijenio: čak i najsiromašniji od preživjelih dobili su u naslijeđe „dodatnu” imovinu, na račun izgubljenih vlasnika kuća, stambeni problem je riješen sam od sebe, odmorna zemlja se pokazala iznenađujuće izdašnom, plodno tlo bez mnogo truda dao je odlične žetve, za kojima je sada, međutim, potražnja bila vrlo mala. Upravnici fabrika i bogati zemljoposjednici počeli su osjećati nedostatak radnika, kojih je sada jednostavno nedostajalo, a pučani više nisu bili željni da prihvate prvu ponudu koja im se našla, imajući priliku da biraju i cjenkaju se za povoljnije uslove. Ovo je mnogim Firentincima dalo slobodno vrijeme za razmišljanje, komunikaciju i kreativnost.

Još veća revolucija dogodila se u glavama ljudi, svjetonazor se radikalno promijenio: pojavila se veća nezavisnost od crkve, koja se pokazala bespomoćnom pred katastrofom, misli su se okrenule materijalnom postojanju, spoznavanju sebe ne kao Božje tvorevine, već kao deo majke prirode.

Firenca je izgubila polovinu svog stanovništva. Međutim, samo to ne može objasniti nastanak renesanse u ovom gradu. Postojala je kombinacija razloga različitog značaja, kao i faktor slučajnosti. Neki istoričari kulturni procvat pripisuju porodici Mediči, najutjecajnijoj firentinskoj porodici tog vremena, koja je pokroviteljstvovala umjetnike i svojim novčanim donacijama doslovno „odgajala“ nove genije. Upravo ta politika vladara Firence još uvijek izaziva kontroverze među stručnjacima: da li je grad imao sreće u srednjem vijeku da se rodi talentovanih ljudi, ili posebni uslovi doprineli su razvoju genija, čiji se talenti teško da će se ikada manifestovati u običnom društvu.

Književnost

Početak renesanse u talijanskoj književnosti vrlo je lako ući u trag - pisci su se udaljili od tradicionalnih tehnika i počeli pisati na svom maternjem jeziku, koji je, treba napomenuti, u to vrijeme bio vrlo daleko od književnih kanona. Pre početka ere, jezgro biblioteka su činili grčki i latinski tekstovi, kao i modernija dela na francuskom i provansalskom. Tokom renesanse, formiranje italijanskog književnog jezika odvijalo se uglavnom kroz prijevode klasičnih djela. Pojavila su se čak i "kombinirana" djela, čiji su autori dopunili drevne tekstove vlastitim refleksijama i imitacijama.

„Glas“ rane renesanse u Italiji bili su veliki Firentinci Francesco Petrarca i Dante Alighieri. U Danteovoj Božanstvenoj komediji jasan je uticaj srednjovekovnog pogleda na svet i snažnog hrišćanskog motiva. Ali Petrarka je već predstavljao pokret renesansnog humanizma, okrećući se u svom radu klasičnoj antici i modernosti. Osim toga, Petrarka je postao otac italijanskog soneta, čiji su oblik i stil kasnije usvojili mnogi drugi pjesnici, uključujući Engleza Shakespearea.

Petrarkin učenik, Giovanni Boccaccio, napisao je čuveni “Dekameron” - alegorijsku zbirku od stotinu kratkih priča, uključujući tragične, filozofske i erotske. Ovo Bokačo delo, kao i druga, postalo je bogat izvor inspiracije za mnoge engleske pisce.

Niccolo Machiavelli je bio filozof i politički mislilac. Njegov doprinos književnosti tog vremena sastoji se od djela refleksije koja su nadaleko poznata u zapadnom društvu. Traktat „Princ“ je delo političkog teoretičara o kojem se najviše raspravlja, koje je postalo osnova za teoriju „makijavelizma“.

Filozofija

Petrarka, koji je djelovao u zoru renesanse, postao je i glavni osnivač filozofske doktrine tog doba - humanizma. Ovaj trend stavlja um i volju čovjeka na prvo mjesto. Teorija nije bila u suprotnosti s osnovama kršćanstva, iako nije priznavala koncept izvorni grijeh, posmatrajući ljude kao inherentno vrlina bića.

Najviše od svega, novi pokret je odjeknuo sa antičkom filozofijom, što je izazvalo val interesovanja za drevne tekstove. U to vrijeme se pojavila moda traženja izgubljenih rukopisa. Lov su sponzorirali bogati građani, a svaki nalaz je odmah preveden na moderne jezike i objavljen u obliku knjige. Ovaj pristup ne samo da je napunio biblioteke, već je i značajno povećao dostupnost literature i veličinu čitalačke populacije. Opšti nivo obrazovanja je značajno porastao.

Iako je filozofija bila od velikog značaja tokom renesanse, ove godine se često karakterišu kao period stagnacije. Mislioci su opovrgli duhovnu teoriju kršćanstva, ali nisu imali dovoljno osnova da nastave s razvojem istraživanja svojih drevnih predaka. Obično se sadržaj sačuvanih radova iz tog vremena svodi na divljenje klasičnim teorijama i modelima.

Postoji i preispitivanje smrti. Sada život ne postaje priprema za "nebesko" postojanje, već punopravni put koji se završava smrću tijela. Renesansni filozofi pokušavaju da prenesu ideju da „ vječni život“Primit će ih oni koji mogu ostaviti trag iza sebe, bilo da se radi o neizmjernom bogatstvu ili umjetničkim djelima.

Nauka

Prvi korak renesansne nauke bio je povratak klasičnoj Ptolomejevoj teoriji o strukturi svemira. Postoji opšta želja da se nepoznato objasni materijalnim zakonima.

Naravno, najistaknutiji naučnik renesanse je Leonardo da Vinci. Poznat je po izvanrednim istraživanjima u raznim disciplinama. Jedno od najzanimljivijih djela firentinskog genija odnosi se na definiciju idealnosti čovjeka. Leonardo je dijelio mišljenje humanista o pravednosti novorođenčeta, ali pitanje kako sačuvati sve crte vrline i fizičkog savršenstva ostalo je misterija. A za konačno pobijanje božanstva čovjeka bilo je potrebno pronaći pravi izvor života i razuma. Da Vinci je napravio mnoga otkrića u raznim naučnim oblastima, njegovi su radovi i dalje predmet proučavanja potomaka. I ko zna kakvo bi nam naslijeđe ostavio da mu je život bio još duži.

Italijansku nauku kasne renesanse predstavljao je Galileo Galilei. Mladi naučnik, rođen u Pizi, nije se odmah odlučio za tačan pravac svog rada. Upisao je medicinski fakultet, ali je brzo prešao na matematiku. Dobivši akademsku diplomu, počeo je predavati primijenjene discipline (geometriju, mehaniku, optiku itd.), sve više se udubljujući u probleme astronomije, utjecaja planeta i svjetiljki, a istovremeno se zainteresirao za astrologiju.

Upravo je Galileo Galilei bio prvi koji je jasno povukao analogije između zakona prirode i matematike. U svom radu često je koristio metodu induktivnog zaključivanja, koristeći logički lanac za izgradnju prijelaza od pojedinih odredbi ka opštijim odredbama. Ispostavilo se da su neke od Galilejevih ideja prilično pogrešne, ali većina njih je bila zamišljena kao potvrda njegove osnovne teorije o kretanju Zemlje oko Sunca. Tadašnji akademici su to opovrgli, a briljantni Toskanac je "opkoljen" uz pomoć moćne inkvizicije. Prema glavnoj istorijskoj verziji, naučnik je pred kraj života javno napustio svoju teoriju.

Nauka renesanse težila je „modernosti“, koja je bila izražena uglavnom u tehničkim dostignućima. Inteligencija se počela smatrati vlasništvom bogatih. Bilo je moderno imati naučnika na dvoru, a ako je nadmašio svoje susjede u znanju, onda je to bilo prestižno. Ni sami jučerašnji trgovci nisu bili skloni poniranju u nauku, ponekad birajući tako "spektakularna" područja poput alhemije, medicine i meteorologije. Nauka se često slobodno miješala s magijom i praznovjerjem.

Tokom renesanse pojavila se alhemija – rani oblik hemije koji je uključivao podjednako natprirodnih principa koliko i istinski naučnih. Većina alhemičara bila je opsjednuta idejom pretvaranja olova u zlato, a ovaj mitski proces se još uvijek poistovjećuje s konceptom alkemije. Mnogo prije stvaranja periodičnog sistema elemenata, alhemičari su predložili svoju viziju: sve supstance, po njihovom mišljenju, sastojale su se od mješavine sumpora i žive. Svi eksperimenti su bili zasnovani na ovoj pretpostavci. Kasnije je dvama glavnim elementima dodan treći - so.

Vrijedi napomenuti geografska dostignuća XIV-XVII stoljeća. Ovo je vrijeme velikih geografskih otkrića. Posebno zapažen trag na ovim prostorima ostavio je Portugalac i čuveni Firentinac Amerigo Vespucci, čije je ime ovjekovječeno u najznačajnijem otkriću tog vremena - američkim kontinentima.

Slikarstvo, skulptura, arhitektura

Iz Firence se širila likovna umjetnost italijanske renesanse, koja je umnogome odredila visok kulturni nivo grada, koji ga je godinama veličao. Ovdje, kao iu drugim područjima, dolazi do povratka na drevna načela klasične umjetnosti. Nestaje pretjerana pretencioznost, radovi postaju „prirodniji“. Umjetnici odstupaju od strogih kanona religioznog slikarstva i stvaraju najveća ikonografska remek-djela na nov, slobodniji i realističniji način. Pored dubljeg rada sa svjetlom i sjenom nego ranije, postoji aktivno proučavanje ljudske anatomije.

Harmonija, proporcionalnost i simetrija se vraćaju arhitekturi. Gotičke građevine koje izražavaju srednjovjekovni vjerski strah postaju stvar prošlosti, ustupajući mjesto klasičnim lukovima, kupolama i stupovima. Arhitekti rane renesanse radili su u Firenci, ali su u kasnijim godinama počeli biti aktivno pozivani u Rim, gdje su podignute mnoge izvanredne građevine koje su kasnije postale arhitektonski spomenici. Krajem renesanse rodio se manirizam, istaknutog predstavnika koji je bio Mikelanđelo. Posebnost ovog stila je naglašena monumentalnost pojedinih elemenata, koju su predstavnici klasične umjetnosti dugo vremena doživljavali oštro negativno.

Povratak antici najjasnije se očitovao u skulpturi. Klasični akt postao je primjer ljepote, koji se ponovo počeo prikazivati ​​u contrapposto (karakteristični položaj tijela na jednoj nozi, koji omogućava ekspresivno prenošenje prirode pokreta). Istaknute ličnosti renesansne skulpture bili su Donatello i Michelangelo, čija je statua Davida postala vrhunac renesansne umjetnosti.

Muzika

Renesansni humanizam je uticao na sve aspekte društvenog stvaralaštva. Muzika renesanse je prestala da bude previše akademska, podvrgnuta velikom uticaju narodnih motiva. U crkvenoj praksi rasprostranjeno je zborno višeglasno pjevanje.

Raznolikost muzičkih stilova dovela je do pojave novih muzičkih instrumenata: viole, lutnje, čembalo. Bili su prilično jednostavni za korištenje i mogli su se koristiti u kompanijama ili malim koncertima. Crkvena muzika, mnogo svečanija, zahtevala je odgovarajući instrument, koji su tih godina bile orgulje.

Renesansni humanizam predložio je nove pristupe tako važnoj fazi razvoja ličnosti kao što je učenje. U doba vrhunca renesanse, postojala je tendencija razvijanja ličnih kvaliteta od malih nogu. Grupno obrazovanje ustupilo je mjesto individualnom, kada je učenik tačno znao šta želi i išao ka zacrtanom cilju, oslanjajući se u svemu na svog majstora učitelja.

Stoljeća italijanske renesanse nisu bila samo izvor nevjerovatnog kulturnog napretka, već i vrijeme snažnih kontradikcija: sukobili su se antička filozofija i zaključci modernih mislilaca, što je dovelo do temeljne promjene kako u samom životu, tako i u njegovoj percepciji.