Dobrotvorni duhovno-prosvetni ciklus POVRATAK U OTADŽBINU 2006 - 2007. VII DEO CIKLUSA posvećen je velikom sinu ruskog naroda Vjačeslavu MIHAILOVIČU Klikovu 28. septembar četvrtak - svečano otvaranje VII dio ciklusa. Veče je posvećeno 570. godišnjici

Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja je jednostavno. Koristite obrazac ispod

Studenti, postdiplomci, mladi naučnici koji koriste bazu znanja u svom studiranju i radu biće vam veoma zahvalni.

Objavljeno na http://www.allbest.ru/

1. Obrazovnirealizam

OBRAZOVNI REALIZAM je umjetnička metoda u evropskoj umjetnosti i književnosti 18. stoljeća, prema kojoj su se sve pojave društvenog života i postupci pojedinih ljudi ocjenjivali kao razumni ili nerazumni. Njegovi tvorci i teoretičari bili su Didro u Francuskoj i Lesing u Njemačkoj. Posebnosti obrazovnog realizma bile su dalje širenje i demokratizacija tema u oblicima umjetničke kulture kao što su književnost, pozorište i slikarstvo; pojava novog heroja - predstavnika trećeg staleža, proglašenog u duhu vremena za nosioca Razuma ili Prirode; odbacivanje normativnosti svojstvene klasicizmu; zahtev životne istine, dokumentovano tačno otkrivanje likova i „mišljenja“; poučna naracija povezana sa željom da se slušaocu, gledaocu, čitaocu prenese društveni ili moralne ideje. Istovremeno, pristalice ovu metodučesto dozvoljavali konvencije u svojim radovima. Dakle, okolnosti u romanu i drami nisu nužno bile tipične. One mogu biti uslovne, kao u eksperimentu. Glavno dostignuće obrazovnog realizma bilo je stvaranje romana Novog doba - moćnog sredstva umjetničkog spoznavanja stvarnosti. Smatra se njenim osnivačem D. Defoe, inicijator takvih žanrovske sorte roman kao biografski, avanturistički, psihološki, kriminalistički, avanturistički, edukativni i alegorijski. D. Swift postao tvorac žanra satiričnog filozofskog i političkog romana. U eri zrelog prosvjetiteljstva pojavljuju se porodično-svakodnevni (S. Richardson) i društveno-svakodnevni (G. Fielding) roman. Pojava novog heroja dovela je do pojave „filisterske“ drame („Londonski trgovac“ D. Lilloa, „Lukavstvo i ljubav“ F. Schillera, „Pobočni sin“ D. Dideroa, itd.) , obrazovna demokratska (R. Sheridan) i socijalno politička (G. Fielding) komedija. Scenski realizam je u potpunosti oličen u djelu P. O. Beaumarchaisa.

Prosvetiteljske ideje uticale su na razvoj realistike slikarstvo XVIII V. Realistički umjetnici W. Hogarth, J. B. Chardin ušli su u borbu za iskorenjivanje društvenih poroka, okrenuli se svakodnevnim situacijama ili stvarali slike „na moderne moralne teme – područje koje još nije isprobano ni u jednoj zemlji“ (Satirski ciklusi W. Hogartha) . J. B. Chardin je mrtvu prirodu pretvorio u samostalan žanr slikarstva.

2. KreacijaUlyamaHogarth

Rođenje nacionalne škole slikarstva u Engleskoj datira iz prve polovine 18. veka. Osnivač ruske umjetničke škole i jedan od njenih najsjajnijih majstora bio je William Hogarth. Svojom smelom i originalnom kreativnošću označio je početak novog procvata engleskog slikarstva.

Hogarthova djela bila su istinit odraz života različitih slojeva engleskog društva i bila su prožeta istinitim, aktivnim kritičkim tendencijama.

Umjetnikove slike i gravure odlikovale su visoko umijeće dramskog pripovijedanja, inovativna originalnost i originalnost umjetničkog oblikovanja. Aktivno se borio za afirmaciju realizma i ideja građanstva u umjetnosti. U svojoj teorijskoj raspravi "Analiza ljepote" (1753.) umjetnik je iznio principe demokratske estetike realizma. Oštro je osudio varljivo laskanje stereotipnim sekularnim portretima i branio svakodnevno slikarstvo, zasnovano na neposrednom posmatranju i otkrivanju suštine životnih pojava.

Hogarthova umjetnost imala je značajan utjecaj na evropsku svakodnevicu 19. stoljeća, nosila je mnoge od najznačajnijih crta daljeg razvoja i bila je preteča svega što je postalo karakteristično za evropsko umjetnost 19. vijeka veka, posebno kritički realizam.

Važan dio kreativno naslijeđe William Hogarth se sastoji od njegovih radova na svakodnevne i moralizirajuće teme. Svaki njegov ciklus je detaljna dramska pripovijest ljudske sudbine, ovo je svojevrsni izazov društvu, gdje Hogarth prikladno i oštro prikazuje društveno okruženje i tipične okolnosti engleskog života.

Umjetnik mislio Šta main zadatak "korisno" art iznosi sud gore život, A metoda služi satira. Sviđa mi se za to Kako napredno pisci Prosvetljenje kreiran novo tip umjetnički radi - domaći realno roman, Hogarth kreiran novo Za njegov vrijeme žanr - serije satiričan domaćinstvo slike Ove serije čitaj Kako romani I Hvala za jasnoća njihov umjetnički jezik bili dostupan mnogo više širok krugovima ljudi, kako bilo koji knjiga.

Hogarthov rad je također u velikoj mjeri posvećen ismijavanju poroka njegovog savremenog društva; ali otkrivajući mračne slike okrutnosti, korupcije, nemorala, duhovnog siromaštva i materijalne bijede, umjetnik nikada ne izdaje svoju vjeru u čovjeka. Umjetnik stvara portrete. Njegove slike govore o zdravlju, mentalnoj snazi ​​i unutrašnjoj ljepoti ljudi - osobinama koje umjetnik vidi i koje su osnova njegove umjetnosti.

2. Hogarthovi prvi koraci u umjetnosti i formiranje samostalne procjene u odnosu na stvarnost u njegovom radu

Do 1730-ih u Engleskoj se pojavio originalan i nevjerovatan umjetnik - William Hogarth.

W. Hogarth (1697-1764) rođen je u porodici seoskog učitelja koji se preselio u London. Njegov otac je prvo vodio školu u svom selu, potom u Londonu, a kasnije je radio kao lektor, studirao književnost i ostavio nekoliko djela filozofske prirode, koja mu nisu donosila materijalnu sigurnost.

Iz ovih izjava proizilazi da se njegova metoda razvijala od malih nogu. Za njega je predmet umjetnosti i jedini izvor umjetničkih slika bio život. Smatrao je da ne treba proučavati pravila svojih prethodnika i slike koje su oni stvarali, već svijet oko sebe. Nema smisla kopirati objekte i figure, potrebno je razvijati pamćenje i zapisivati ​​zapažanja.

Graviranje karakteriziraju jednostavne tehnike crtanja i jasan ritam kompozicije.

Godine 1726. Hogarth je napravio dvije serije ilustracija za “Hudibras”: u prvoj je, na zahtjev kupaca - knjižara, prilično pomno pratio tehnike anonimnih ilustracija iz ranijeg izdanja ove knjige (1710.), ali je napravio značajne promjene. . Druga serija se može smatrati samostalnim radom umjetnika. Realistične ilustracije svjedoče o zrelosti njegovih crteža i bogatstvu njegove stvaralačke mašte. Odlikuju ih cjelovitost kompozicije, širok, jedinstven ritam i izvanredno bogatstvo detalja svakodnevne prirode.

Godine 1729. Hogarth se oženio kćerkom umjetnika Thornhilla, oženivši je tajno od roditelja. Roditelji su ubrzo oprostili Hogarthu i mladi se par preselio u Thornhills.

Umjetnik je slikao od ranih 1720-ih, kada je studirao na Akademiji kod Vanderbanka, učestvujući u oslikavanju seoske kuće zajedno sa svojim učiteljem Thornhillom.

Hogarth je prilično brzo iscrpio mogućnosti žanra „razgovornih“ grupnih portreta, što ga je odvelo u sferu salonske umjetnosti. Sve više su ga fascinirali društvene teme koje su odgovarale idealima umjetnika i karakteristikama njegovog talenta. Ali kao satiričar i autor aktuelnih tema, u potpunosti se razvio 1730-ih.

Tako se u prvom periodu svog djelovanja mladi Hogarth pojavljuje pred nama kao čovjek rano formiranog svjetonazora, kao majstor velike stvaralačke svrhe. Već u ranim godinama čini prve korake ka postizanju cilja cijelog svog života - stvaranju umjetničkih djela korisnih društvu. Njegovi mladalački radovi pokazuju da je Hogarth u svojim radovima na aktuelne teme donekle pronašao svoje učitelje, svoj žanr i uspostavio kontakt sa publikom kojoj se obraćao. Životne događaje je uzimao kao materijal i satirično ih tumačio i ocjenjivao. Koristeći iskustvo svojih prethodnika, nastavio je razvijati vlastiti umjetnički jezik. obrazovni realizam likovne umjetnosti

4. Serija “Modni brak”

U prvoj polovini 40-ih godina 18. vijeka, Hogarth je stvorio svoju najpoznatiju seriju “Modni brak” (šest slika, galerija Tate, London). Ciklus je sastavljen od pojedinačnih dramskih zapleta. Naslovi scena otkrivaju radnju epizode. Hogarth je sebe u više navrata nazivao ne slikarom, već „autorom“ serije, želeći da naglasi važnost književne radnje koja je u njihovoj osnovi, ne bez razloga ga mnogi suvremenici ocjenjuju upravo kao autora. T. Gautier kaže: “Hogarth je Aristofan kista, koji crta svoje komedije umjesto da ih piše.”[, - Krol A.E. William Hogarth. L.-M., 1965, str. 83-84.7] Thackeray, koji je umjetniku posvetio cijeli dio u svojim predavanjima o strip piscima 18. stoljeća, naglašava profesionalnu književnu cjelovitost Hogarthovih ciklusa radnje.

Autorova misao postaje poznata gledaocu kada prepozna čitav niz. Umjetnik prikazuje ljude u trenutku same radnje, njegovi likovi kao da razgovaraju jedni s drugima. Hogarth u tome uspijeva zahvaljujući preciznom prikazivanju izraza lica i gestova.

Hogarthova serija slika bila je široko popularna među piscima, koji su ih koristili u dramskim adaptacijama. Charles Lamb u svom članku kaže: "... Gledamo druge slike - čitamo njegove gravure." Međutim, treba reći da su radnje i likove koje je Hogarth stvorio obrađivali, u pravilu, nevažni autori i to samo u pojedinačnim epizodama.

Teško je utvrditi tačno datiranje ciklusa “Modni brak”. Postoje dvije serije slika na ovu temu koje su bliske jedna drugoj. Jedna, kao što je ranije spomenuto u galeriji Tate (London), druga, koja se od nje razlikuje u detaljima i koja se smatra Hogarthovim skicama, završena drugom rukom - u kolekciji G.R. Villeta. Postoji pretpostavka da je poznata serija nastala između 1742. i 1745. godine.

„Modnobrak"

bila je Hogarthova treća satirična serija. Na slikama ove serije gledalac vidi oštru društvenu satiru koja izlaže društvenu klasu ruglu. Prikaz scena iz života visoko društvo Hogarth prikazuje ništa manje ružno i zlobno, strašno i smiješno nego u scenama iz života skitnica, lopova i prostitutki. Likovi, kao iu prethodnim epizodama, dobijaju portrete.

Radnja Williama Hogartha je brak iz interesa. Ovo je priča o braku uništenog sina sa ćerkom bogatog trgovca, vrlo česta pojava u Engleskoj u Hogarthovo vrijeme, o muževljevom druženju i ni o čemu, osim ljubavna afera, život neispunjene žene. Ova priča završava tragičnim raspletom - smrću grofa, kojeg je nasmrt izbo grofičin ljubavnik, koji zbog toga završava na vješalima, i samoubistvom grofice.

Prva epizoda je već izražajna - "Brak Ugovor"

koji se zaključuje kao komercijalni posao. Okupili su se zainteresovani. Oni formiraju dvije grupe. Prvi prikazuje starog lorda sa čistokrvnom aktovkom i veličanstvenim držanjem i kako sjedi naspram oca nevjeste sa bračnim ugovorom u rukama, koji sa užasom gleda svog budućeg rođaka i računa koliko će ga ova veza koštati. Druga grupa su mlada i mladoženja koji sjede s dosadnim pogledom, personificirajući pasivnu ravnodušnost. U prvom planu su životinjske figure povezane lancem, simbolizirajući isti spoj koji se sklapa u ovoj prostoriji.

Sliku odlikuje ekspresivnost, jasnoća, promišljena kompozicija, valovita "zmija" linija naglašava sve obrise, a likovi su vješto grupirani.

Hogarth je u ovoj priči pokazao uobičajenu pojavu u životu engleskog društva. Očevi, pohlepni za novcem i društvenim statusom, lukavi i sebični, zarad sopstvenog profita, sklapaju savez između svoje dece koja su za njih dobra. Mladin otac kupuje sebi mjesto među plemstvom i ne boji se preplatiti. Pohlepa, strah, servilnost oličeni su u njegovom licu i liku. Prepreden pogled naglašava njegovu prirodu. Stari lord - mladoženjin otac, gledajući sve oko sebe s visine veličine, znajući kako održati arogantan izgled pred kupcem, povećava svoju vrijednost. Svi žele da ugrabe ukusno. Krhkost ovog dogovora odmah je vidljiva svakom gledaocu.

U drugoj sceni („Jutro doručak. Uskoro poslije vjenčanja")

] uključena su sva tri lika. Ova kompozicija prikazuje jutro u domu mladih. Prevrnute stolice, koje je lijeno podigao pospani sluga, ležeće na podu karte za igranje, muzički instrumenti i sveska - sve govori o jučerašnjem prazniku koji je završen poštenom vakhanalijom. Prilično zgodna grofica se ležerno proteže, sprema se da zijeva i izražava potpunu ravnodušnost prema svom mužu, koji je upao u sobu ne skidajući šešir i teško se srušio na stolicu. Menadžer sa hrpom novčanica u ruci odlazi, podižući ruke prema nebu.

Sve što se dešava na slici – odnos između likova, svaka fizionomija, svaki gest – prikazano je izuzetno jasno i jasno.

Treće scene („U šarlatan") [Adj. pirinač. 20] govori o daljim avanturama njenog supruga. Došao je sa svojom djevojkom kod doktora šarlatana. Doktor ih prima u spektakularno uređenoj ordinaciji, gdje svaki predmet govori o „učenosti“ vlasnika. Mladi veseljak razotkriva šarlatana zamahujući štapom prema njemu. Betty Careless, poznati makro u Londonu, zauzima se za doktora. Umjetnik je, uz pomoć gestikulacije, pogleda i općenitog djelovanja, spojio doktora šarlatana i lopovluku u jednu grupu, što kao da otuđuje figuru bespomoćne, plašljive figure mlade žrtve.

Na sledećoj slici - „Jutro prijem"

umjetnik otkriva prirodu zabave mlade grofice. Vidimo je u jutarnjem toaletu. Frizer se vrvi oko domaćice, poznati londonski pevač peva uz pratnju flaute, gosti o nečemu živahno pričaju, a advokat se izležava na kauču, ponaša se kao da je kod kuće. On daje grofici karte za maskenbal. Odnos između gospodarice kuće i advokata pruža bogatu hranu za razmišljanje onima oko njega.

Meke harmonije boja, ružičaste i srebrno-sive, ili maslinaste, ružičaste i smeđe-zlatne, prenose spoljašnji blagostanje i eleganciju ovog života, a kompozicija slika, puna užurbanog pokreta, odgovara unutrašnjoj praznini i nesklad u životima junaka "Modnog braka".

Sljedeće slike iz serije “Modni brak” približavaju gledatelja raspletu. U petoj sceni [Add. pirinač. 22] prikazuje prekretnicu: muž pada, smrtno pogođen, mlada žena kleči pred svojim ležećim mužem, a njen ljubavnik, ubica, skriva se u prozoru. Ekspresivnost scene određena je njenom dinamikom. Hogarth hrabro pokušava da uhvati neuhvatljivi trenutak kako u pokretima tako iu emocionalnim iskustvima likova. Kao iu drugim scenama, radnja se opet odvija u specifičnom ambijentu sa mnogo stvarnih detalja. Lica i figure scene prikazani su u sjeni.

Šestoscene obojena gorčinom i dramom. Grofica uzima otrov. Kod njenih nogu leži čaršava poslednje reči pogubljeni ljubavnik. Kroz otvoreni prozor sumorne stare nastambe pruža se prekrasan pogled na široku Temzu i London Bridge- kao simbol života proteže se rijeka koja mirno teče, uprkos svim životnim tragedijama.

U seriji "Modni brak" William Hogarth dotaknuo se važnog društvenog problema, zbog čega je smatran moralistom - propovjednikom. Umjetnik ne kažnjava zlo. Pohlepni otac koji je žrtvovao svoju kćer i stari lord koji je profitabilno oženio njegovog sina ne pate. Njihova djeca su patila, postajući pasivne žrtve nemilosrdnih društvenih uslova. Sudbinu junaka u Hogarthovim pričama određuje društvena situacija. Pozitivni heroji na njegovim slikama su vrlo rijetke, jer umjetnik ne vidi glavnu stvar u trijumfalnoj vrlini i moralu, već u potvrđivanju neizbježnosti poroka i nesreća.

Sredinom 1740-ih, Hogarth je pokušao proglasiti pozitivno životne vrednosti. Počinje seriju "Srećan brak" (1745). Ali umjetnikov plan nije dovršen; samo šest epizoda iz ove započete serije je preživjelo. Prva, četvrta i peta slika sačuvane su u gravurama, treća i šesta u slikarstvu, a druga u obliku slikovnog fragmenta.

Posebno mjesto u stvaralaštvu Williama Hogartha zauzima serija gravura „Marljivost i indolentnost“ (1747-1748), u kojoj umjetnik najopširnije razvija svoj pozitivni program.

Hogarth je bio sin svog doba, nemilosrdno je razotkrivao poroke i istovremeno dijelio iluzije koje su propovijedali pisci prosvjetiteljstva, poput Defoa. Takve iluzije uključivale su ideju da su sreća i bogatstvo nečija nagrada za vrlinu i pošten rad. Defoe u romanu Robinson Crusoe prikazuje hrabrog, upornog, vrijednog heroja koji je svojim rukama gradio sreću, uprkos prevrtljivostima sudbine. U didaktičkoj seriji “Marljivost i indolentnost” Hogarth odaje počast ovom idealu tog vremena.

Oko 1750-1751, Hogarth je stvorio još nekoliko grafičkih djela poučne prirode: suita “Četiri stepena okrutnosti” i dva uparena bakropisa “Gin Street” i “Beer Street” [Add. pirinač. 30, 31]. U njima slijedi isti program koji je izveo u svojoj velikoj didaktičkoj seriji „Marljivost i lijenost“ [Add. pirinač. 32].

Na gravurama “Gin Street” i “Beer Street” umjetnik se obraća narodu. Hogarth piše: „Budući da su teme ovih gravura osmišljene da utiču na neke uobičajene poroke svojstvene nižim klasama, onda ih je, kako bi se osigurala najšira distribucija gravura, autor izveo najjeftinijom tehnikom.“[, - Krol A.E. William Hogarth. L.-M., 1965, str. 115.15]

Ovog puta Hogarth je nastupio kao javna ličnost koja se borila protiv pijanstva, koje je bila prava pošast Engleske njegovog vremena. Ovo društveno zlo se pojačavalo zajedno sa porastom siromaštva i bolesti među „nižim“ klasama. Naravno, uzrok siromaštva i smrtnosti među siromašnim stanovništvom Londona nije bio ukorijenjen samo u pijanstvu, ali Hogarth, poput vodećih umova tog vremena, nije prepoznao izvor zla. Stoga je umjetnik, zajedno s drugim engleskim prosvjetiteljima, svu snagu svoje kritike usmjerio ne na temelje društvenog sistema, već samo na jednu od pojava koja ih prati.

Gravure "Gin Street" i "Beer Street" naišle su na hitan odziv, a 1751. godine u parlamentu je donesen akt kojim se zabranjuje ilegalna prodaja džina.

Kako piše William Hogarth, list “Gin Street” pokazuje posljedice konzumiranja ovog pića – “... besposlica, bijeda, siromaštvo i očaj, koji vode do ludila i smrti.”

Umjetnik dijeli list u dvije ravni po dijagonali koja ide od gornjeg desnog do donjeg lijevog ugla. Na desnoj strani prikazuje nekoliko ključnih epizoda sa nekoliko likova. S lijeve strane su gradske zgrade i ulice sa gomilom malih ljudskih figura. Pozadina centralnih zidina je osiromašeni London sa svojim prenatrpanim brodovima i trošnim kućama.

Beznadežnost ćorsokaka u kojem ginu stanovnici „Gin Streeta“ naglašena je simbolima zajedničkim Hogarthom: znakom zajmodavca s tri teške lopte i znakom kafane u obliku ogromnog vrča sa natpis “Royal Gin”.

"Beer Street" daje kontrast "Gin Streetu". Scena je puna vesele animacije. Umjetnik prikazuje ulicu sa čistim, obnovljenim kućama. Prolaznici šetaju ulicom, slikar dovršava tablu na kojoj prikazuje kako plešu seljake oko hrpe ječma. Ljudi piju pivo za stolovima. Jedina napuštena kuća je kreditna kancelarija na čijim stepenicama stoji putujući trgovac pivom.

Ako na prethodnoj stranici strip služi da naglasi tragično, onda je „Ulica piva“ sva prožeta veselim, blagim humorom. Hogarth ironično prikazuje pivopija sa ogromnim stomacima, koji drže pune krigle piva s bujnom pjenom. Znak kreditnog ureda više ne izgleda zlokobno.

Još jedna serija moralizirajućeg karaktera Hogarth je nazvala "Četiri stepena okrutnosti". Prikazuje životni put čovjeka koji muči mačke i pse kao dijete, zatim muči konje i na kraju postaje ubica. Leš pogubljenog zločinca legalno se predaje lekarima, koji ga raskomadaju na komade.

Hogarth je napisao: " Ove listovi bili gravirano V nada V neka vrsta najmanje promijeniti To najbolji varvarski žalba With životinje, jedan pogled mučenje koji radi naš glavni gradovi (London) tako žalosno Za svaki osjetljivo duše. Ako Oni će obezbediti Ovo akcija I će spriječiti okrutnost, I će više budi ponosan one Šta ja sam njihov od strane autora kako Ako bi I napisao kartoni Raphael."( Krol A.E. William Hogarth. L.-M., 1965, str. 117.18)

"Četiri stepena okrutnosti", kao i serije "Marljivost i lenjost", kao i "Gin Street" i "Beer Street", piše A.E. Krol, otkrivaju Hogarta kao umetnika koji ne prolazi lepo kroz društvene katastrofe i ne pokušajte da nasmejete gledaoce slikama siromaštva i neznanja. U isto vrijeme, Hogarth ne ostaje običan moralist-propovjednik, već ima širi i objektivniji pogled na svijet od većine njegovih savremenika. Birajući grofa ili skitnicu, plemenitu damu ili prostitutku za heroja, on u njihovim slikama osuđuje one mračne osobine koje su karakteristične ne samo pojedinci, ali i čitavim društvenim grupama. Hogarth je ove aktualne epizode obraćao narodu i bile su popularne, ali javnost kojoj se obraćao ponekad se divila smiješnosti epizode, komičnim licima i nije primjećivala duboko značenje njegova djela.

Tako se Hogarthovo djelo odigralo važnu ulogu u razvoju engleske umetnosti. Njegova djela bila su realističan odraz modernog života različitih slojeva engleskog društva i bila su prožeta aktivnim kritičkim mislima u duhu progresivnih ideja tog vremena. Hogarthove slike i gravure odlikovale su visoko umijeće dramskog pripovijedanja, inovativna originalnost i originalnost umjetničkog rješenja. Aktivno se borio za uspostavljanje realizma i ideja građanstva u umjetnosti, braneći vodeće mjesto svakodnevni žanr u slikarstvu.

3 . KreacijaZhanaBatistaSimeonChardin

JeanBatimstSimeomnShardemn (1699--1779) -- francuski slikar, jedan od najpoznatijih umjetnika XVIII vijek i jedan od najboljih kolorista u istoriji slikarstva, poznat po svom radu u oblasti mrtve prirode i žanrovsko slikarstvo.

U svom radu umjetnik je namjerno izbjegavao svečane i pastoralno-mitološke teme karakteristične za umjetnost svog vremena. Glavna tema njegovih mrtvih priroda i žanrovskih scena, koje su se u potpunosti zasnivale na posmatranjima na terenu i u suštini su bili skriveni portreti, bila je svakodnevica. kućni život ljudi iz tzv. trećeg staleža, prenošeno na miran, iskren i istinit način. Chardin, čiji je rad kao umjetnik označio procvat realizma u 18. stoljeću, nastavio je tradiciju holandske i Flamanski majstori mrtva priroda i svakodnevni žanr 17. veka, obogaćujući ovu tradiciju i unoseći dašak gracioznosti i prirodnosti u svoj rad.

Učenik Pierre-Jacquesa Cazea i Noëla Coypela, Chardin je rođen i cijeli svoj život proveo u pariskoj četvrti Saint-Germain-des-Pres. Nema dokaza da je ikada bio van francuske prestonice. Pomažući Coypelu u kreiranju dodataka na svojim slikama, stekao je izvanrednu umjetnost prikazivanja neživih predmeta svih vrsta i odlučio se posvetiti isključivo njihovoj reprodukciji. Na početku svog samostalna aktivnost slikao je voće, povrće, cvijeće, kućne potrepštine i lovačke atribute s takvom vještinom da su ljubitelji umjetnosti zamijenili njegove slike s radovima poznatih flamanskih i holandskih umjetnika, a tek od 1739. proširio je dijapazon svojih tema scenama iz domaćeg života. siromašnih ljudi i portreta.

Pariškoj javnosti rano je postao poznat kao izvrstan majstor mrtve prirode. To se dogodilo uglavnom zahvaljujući pariskoj „izložbi debitanata“, koja se održala na Place Dauphine. Tako je 1728. godine tamo predstavio nekoliko slika, uključujući mrtvu prirodu "Scat". Slika je toliko impresionirala Nicolasa de Largilierea, počasnog člana Francuske akademije za slikarstvo i skulpturu, da je pozvao mladog umjetnika da izloži svoja djela u zidovima akademije. Nakon toga, slikar je insistirao da se Chardin natječe za mjesto na Akademiji. Već u septembru je prihvaćena njegova kandidatura, te je uvršten na liste kao “slikar cvijeća, voća i žanr scena”.

Žanr svakodnevice i mrtva priroda organski su povezani u njegovoj umjetnosti kao aspekti holističkog i poetski dubokog sagledavanja stvarnosti. Nakon Holanđana, francuski žanrovski umjetnik je mogao izraziti šarm interijera i onih kućnih predmeta koji okružuju osobu. Za svoje kompozicije Chardin je birao najobičnije predmete - kuhinjski rezervoar za vodu, stare lonce, povrće, zemljani vrč, a tek povremeno se u njegovim mrtvim prirodama mogu vidjeti veličanstveni atributi nauke i umjetnosti. Dostojanstvo ovih slika nije u dragocjenosti stvari, koje su Holanđani toliko voljeli, već u njihovom produhovljenom poetskom životu, u ravnoteži građenja, stvarajući sliku skladnog postojanja.

Posjedujući savršeno znanje o odnosima boja, Chardin je imao istančan osjećaj za međusobnu povezanost objekata i originalnost njihove strukture. Didro se divio vještini kojom umjetnik osjeća kretanje sokova ispod kore voća. Chardin je vidio mnoge nijanse u boji predmeta i prenio ih malim potezima. Njegova bijela boja je satkana od sličnih nijansi. Sivi i smeđi tonovi koje je Chardin posjedovao bili su neobično brojni. Zraci svjetlosti koji prodiru kroz platno daju objektu jasnoću i definiciju.

1730-ih godina. Chardin se okrenuo žanrovskom slikarstvu, svakodnevnim porodičnim i kućnim scenama, pun ljubavi i mir, zadivljujući figurativni i koloristički integritet (“Molitva prije večere”, 1744). U žanrovskim scenama Chardin je rekreirao smiren, odmjeren način svakodnevnog života - bilo u najobičnijim, ali lirski uzvišenim trenucima, bilo u epizodama s unutrašnjim moralnim značajem.

Žanrovske slike, koje se odlikuju naivnom jednostavnošću sadržaja, snagom i harmonijom boja, mekoćom i bogatstvom kista, čak i više od dosadašnjih Chardinovih radova, izdvojile su ga iz redova savremenih umjetnika i osigurale mu jedno od istaknutih mjesta u istorija francusko slikarstvo. Godine 1728. raspoređen je na Parišku akademiju umjetnosti, 1743. izabran je za njenog savjetnika, a 1750. preuzeo je mjesto njenog blagajnika; osim toga, od 1765. bio je član Ruanske akademije nauka, književnosti i likovnih umjetnosti.

U djelima različitih godina i žanrova, kao što su “Peračica” (1737), “Tekgla maslina” (1760) ili “Atributi umjetnosti” (1766), Chardin uvijek ostaje odličan crtač i kolorista, umjetnik “ miran život“, pjesnik svakodnevnog života; njegov pogled i blag pogled nadahnjuju najobičnije predmete. Posljednjih godina svog života Chardin se okreće pastelu i stvara nekoliko veličanstvenih portreta (autoportret, 1775.), u kojima je pokazao svojstvenu emocionalnu suptilnost, ali i sposobnost psihološke analize.

Enciklopedisti su učinili mnogo na širenju Chardinove slave, suprotstavljajući njegovu „buržoasku“ umjetnost dvorskim umjetnicima „odsječenim od naroda“ – majstorima erotskih i pastoralnih vinjeta u duhu rokokoa. Didro je svoju vještinu uporedio sa vještičarstvom: „Oh, Chardin, ovo nisu bijele, crvene i crne boje koje trljaš po svojoj paleti, već sama suština predmeta; uzmite zrak i svjetlost na vrhu četke i nanesete ih na platno!”

4 . KreacijaZhanaLouisDavid

Jacques-LouismDavimd(30. avgust 1748, Pariz - 29. decembar 1825, Brisel) - francuski slikar i učitelj, veliki predstavnik francuskog neoklasicizma u slikarstvu.

Jacques-Louis David rođen je 30. avgusta 1748. godine u porodici veletrgovca gvožđem Louis-Maurice Davida i njegove supruge Marie-Geneviève (rođene Buron) i istog dana kršten je u crkvi Saint-Germain-l'Auxerrois. Do 2. avgusta 1757. godine - na dan očeve smrti, vjerovatno ubijen u dvoboju, živio je u pansionu samostana Picpus zahvaljujući bratu svoje majke, Fransoa Buronu, devetogodišnjem Jacquesu-Louisu. sa tutorom, upisala je Koledž četiri naroda na kurs retorike, ostavivši dete u Parizu na brigu o svom bratu, otišla je u Evreux-u, a porodica je bila u srodstvu sa umetnikom. François Boucher je primijetio djetetovu sposobnost da crta, kao i njegova oba ujaka.

David uzima časove crtanja na Akademiji sv. Luke, 1764. godine rođaci ga upoznaju sa Françoisom Boucherom u nadi da će uzeti Jacques-Louisa za svog učenika. Međutim, zbog bolesti umjetnika, to se nije dogodilo - ipak je preporučio mladiću da počne studirati kod jednog od vodećih majstora istorijsko slikarstvo rani neoklasicizam Josepha Viena. Dve godine kasnije, 1766., David je upisao Kraljevsku akademiju za slikarstvo i skulpturu, gde je počeo da studira u Vienneovoj radionici. Pedagoški sistem potonjeg, koji je proveo nekoliko godina u Italiji i bio fasciniran antikom, zasnivao se na proučavanju antičke umjetnosti, djelima Rafaela, braće Carracci, Michelangela i zahtjevu da se postigne "istina" i "veličina". ” u slikarstvu.

Godine 1775-1780 David je studirao u Francuska akademija u Rimu, gdje je studirao antičku umjetnost i rad renesansnih majstora.

U maju 1782. oženio se Charlotte Pécoul. Rodila mu je četvero djece.

Godine 1783. izabran je za člana Akademije slikarstva.

Aktivno je učestvovao u revolucionarnom pokretu. Godine 1792. izabran je za Nacionalnu konvenciju, gdje se pridružio Montanjarima predvođenim Maratom i Robespierreom i glasao za smrt kralja Luja XVI. Bio je član Komiteta javne bezbednosti, u čijem svojstvu je potpisivao naredbe za hapšenje „neprijatelja revolucije“. Zbog političkih razlika u to vrijeme, razveo se od supruge.

U nastojanju da ovjekovječi događaje revolucije, David je naslikao niz slika posvećenih revolucionarima: “Zakletva u plesnoj sali” (1791, nedovršena), “Maratova smrt” (1793, Muzej moderne umjetnosti, Brisel ). Također u to vrijeme organizirao je masovne narodne festivale i stvarao Nacionalni muzej u Luvru.

1794. godine, nakon Termidorskog prevrata, zatvoren je zbog svojih revolucionarnih stavova.

U novembru 1796. ponovo se oženio Charlotte.

Godine 1797. svjedočio je svečanom ulasku Napoleona Bonapartea u Pariz i od tada postao njegov vatreni pristalica, a po dolasku na vlast - dvorski "prvi umjetnik". David stvara slike posvećene Napoleonovom prelasku Alpa, njegovom krunisanju, kao i niz kompozicija i portreta ljudi bliskih Napoleonu. Nakon Napoleonovog poraza u bici kod Vaterloa 1815. godine, pobegao je u Švajcarsku, a zatim se preselio u Brisel, gde je živeo do kraja života.

Sahranjen je na groblju u četvrti Leopold u Saint-Josse-ten-Node (1882. je ponovo sahranjen na briselskom groblju u Evereu), njegovo srce je prevezeno u Pariz i sahranjeno na groblju Père Lachaise.

5. KreacijaZhanaAntoineHoudon

Jean Antoine Houdon (1741-1828) - poznati vajar klasicizam. Stvorio je jedinstvenu portretnu enciklopediju istaknutih ljudi tog doba. Njegov glavni lik je javni čovjek, plemenitog i snažnog karaktera, hrabar i neustrašiv, kreativna osoba. Houdona nikada nisu zanimale titule i titule onih koje je prikazivao u mermeru i bronzi. Slike koje je stvorio maestralno prenose ne samo vanjsku, već i unutarnju sličnost s originalom, te posebnosti psihologije junaka. Portret kompozitora Glucka, govornika Mirabeaua, komičara Molijera, javne ličnosti D. Diderot i J. J. Rousseau, američki predsjednik George Washington - ovdje najbolji radovi veliki vajar. Poznato je da je i Katarina Velika od njega naručila svoj portret, ali je Houdon odbio da ode u Rusiju. Briljantno je stvorio statuu ruske carice od brojnih portreta, a da nikada nije vidio original.

Slava majstora skulpturalnog portreta bez premca, koju je Houdon osvojio za života, neosporna je do danas. To je dijelom zasluga ličnosti njegovih modela – velikih ljudi 18. stoljeća: Voltera, J. J. Rousseaua, D. Diderota, B. Franklina, J. Washingtona. U međuvremenu, portrete ovih poznatih ličnosti kreirali su i drugi vajari, ali u našim mislima oni tvrdoglavo nastavljaju da postoje upravo onakvima kakvima ih je Houdon prikazao. I to nije iznenađujuće. Radovi majstora zadivljuju osjećajem života koji iz njih izvire. Jedan od njegovih savremenika ovako je govorio o njegovoj skulpturi: „Progovorila bi da monaška povelja nije propisivala njeno ćutanje. Tajna je u tome što je Houdon u svom radu koristio drevno pravilo: potrebno je postaviti pitanje, privući pažnju i prikazati osobu u trenutku kada cijelo lice oživi i odgovor je spreman da pobjegne s usana. Osim toga, razvio je jednu jednostavnu tehniku ​​koja stvara upečatljiv efekat. Modelirajući oči i kapke u skladu s oblikom prirode, napravio je udubljenje po cijeloj širini šarenice na način da se činilo da je sjena koja je ispunjava dio volumetrijske i konveksne površine oka, a zjenica izgledalo potpuno crno. Mali "privjesak" od bijelog mramora koji je ostao iza nas je stvorio iluziju lagani odsjaj, dovodeći utisak volumena do savršenstva. Kao rezultat toga, oči su izgledale žive, prozirne i blago vlažne. Nijedan skulptor još nije uspio postići takvu preciznost u prenošenju izraza ljudskog pogleda.

Unatoč činjenici da je prepoznavanje njegovog talenta došlo do majstora prilično brzo, sudeći po sačuvanim dokumentima, ostao je jednostavna, pa čak i slabo obrazovana osoba. Cijeli njegov život, ne bogat spektakularnim i dramatičnim događajima, svodio se na težak svakodnevni rad u radionici i svakodnevne brige. Međutim, Houdon je najveću pažnju posvetio svemu što se odnosilo na njegov omiljeni rad, bilo da se radi o proučavanju strukture ljudskog tijela ili nadmetanju s drugim kiparima.

Jean Antoine je rođen u Versaju 20. marta 1741. godine u porodici daleko od umjetnosti. Njegov otac, Jacques Houdon, dolazio je iz seljačkog porijekla. U vrijeme rođenja njegovog sina, radio je kao običan vratar u versajskoj rezidenciji grofa Delamottea, generalnog inspektora kraljevskih parkova. Otac i braća majke, Ane Rabaš, bili su baštovani u ovim parkovima, a od tri sina i četiri ćerke bračnog para Houdon, samo Jean Antoine. četvrto dijete, steklo slavu kao umjetnik. Čini se da su se odozgo pobrinuli da daju priliku da se dječakov urođeni talenat razvije u istinsko majstorstvo. Nakon njegovog oca, koji je prebačen u parisku kuću grofa Delamota, porodica se preselila u glavni grad, a 1749. godine ova kuća je data u zakup francuskoj kruni kao „Škola za odabrane učenike“. Odnosno, oni studenti Kraljevske akademije za slikarstvo i vajarstvo koji su se, među najboljima od najboljih, spremali da putuju u Rim na dalje školovanje o trošku države. Jacquesu Houdonu je bilo dozvoljeno da ostane kao vratar nova škola, a Jean Antoine se od malih nogu našao među ljudima umjetnosti. Dječak je nestrpljivo upijao samu atmosferu kreativnosti koja je vladala u školi, dolazio u radionice i, moleći glinu, oduševljeno vajao, oponašajući svoje starije. Prvo su učenici, a potom i nastavnici, obraćali pažnju na sposobno dijete, pomagali mu, davali savjete i na kraju doprinijeli da 1756. mladi Houdon postane student akademije. Iste godine dobio je srebrnu medalju za uspjeh u izradi skica, a pet godina kasnije, za bareljef „Kraljica od Sabe daruje Solomonu“ (1761), nagrađen je prvom nagradom - zlatnom medalju sa pravom studiranja na Francuskoj akademiji u Rimu - i vratio se u svoju rodnu "Školu za izabrane", sada kao student. Njegov glavni učitelj bio je M. A. Slodts, ali je naučio i mnoga korisna znanja od drugih akademika - J. B. Lemoinea i J. B. Pigala. Tri sljedeće godine Jean Antoine se posvetio savladavanju umjetnosti obrade mramora, proučavanju historije i mitologije, a ujedno je posjetio i Anatomsko pozorište, neposredno se upoznavši sa unutrašnja strukturačovjeka, kao i Louvrea i drugih zbirki, upoznavanje sa umjetničkim djelima drugih zemalja i velikih majstora prošlosti.

Godine 1764. Houdon odlazi u Rim. Prema akademskom sistemu obrazovanja raširenom širom Evrope, bio je dužan da pravi kopije skulptura na teme klasične mitologije, a njegovo prvo delo u tom pravcu bila je mala „Vestalka“ (1767-1768) - prilično slobodno interpretirano ponavljanje drevne statue. Štaviše, vajar je nemjerljivo unaprijedio dosadni helenistički original, dajući mu nježnost i ženstvenost karakterističnu za rokoko stil, zadržavajući pritom specifično klasičan duh. Nakon toga, često se vraćao ovoj slici, kao i mnogim drugim, ponekad jednostavno kopirajući svoj rad u različitih materijala- gips, mermer, terakota, bronca, - i ponekad kreiranje opcija koje se razlikuju u detaljima. Rimski period Houdonovog stvaralaštva uključuje djela kao što su "Sveti Bruno", "Sveti Jovan Krstitelj" (oba 1766-1767), "Sveštenik Luperkalije" (1768) i druga, kao i poznata skulptura "Ecorche "(1766-1767) - čovjek golih mišića - čiji su odljevci i kopije postali neophodan atribut umjetničkih škola u Evropi i Americi sve do danas. Štaviše, čak i doktori su ga koristili tokom treninga.

Zanimljivo je da je ovaj izvanredan i možda najomiljeniji anatomski model u istoriji skulpture isprva bio samo gipsana skica za „Ivana Krstitelja“. Figura, zasnovana na dubinskoj studiji anatomije na leševima u bolnici Saint Louis u Francuskoj, prikazana je u usporenom snimku s ispruženom rukom u blagoslovu desna ruka i sam po sebi je remek-djelo kiparske vještine. Ova poza je u potpunosti prenijeta na prvu, nesačuvanu verziju “Ivana Krstitelja”, izvedenu, poput “Sv. Bruna”, prema nalogu rektora crkve Santa Maria degli Angeli, što je bilo više nego časno za jednog. ambicioznog umjetnika. Mnogo kasnije, Houdon je stvorio još jednu, bronzanu figuru "Ecorche" (1792), malo promijenivši položaj ruku

Novembra 1768. Jean Antoine se vratio u Pariz. Razdoblje šegrtovanja je završilo, a sada je mladi vajar bio suočen sa zadatkom da postane samostalan majstor, stekne priznanje u svojoj domovini, a istovremeno stekne materijalni položaj koji odgovara njegovim mogućnostima. Godine 1769., na osnovu radova izvedenih u Italiji, Houdon je lako primljen na akademiju, što mu je dalo pravo da izlaže na bijenalnim akademskim salonima, a samim tim i da ima priliku da svoje radove prikaže javnosti i, što je još važnije, , vjerovatno visokim pokroviteljima. Od tog vremena vajar je učestvovao na gotovo svim takvim izložbama do 1814. godine.

Prvo značajan posao Houdon je, po povratku u Francusku, imao portretnu bistu filozofa D. Dideroa (1771), koja je otvorila čitavu galeriju slika - kako savremenika tako i velikih ljudi prošlosti: Moliere (1778), J. J. Rousseau (varijacije 1778- - 1779.), O. G. Mirabeau (1791.) itd. Nakon ovog rada, umjetnik je dobio narudžbe od vojvode od Saxe-Gotha. mala kneževina koju je prethodnog dana posetio u Nemačkoj, i Ruska carica Katarine II, koja je postala prvi vladajući pokrovitelj skulptora. Godine 1773. majstor je izveo mramornu bistu Katarine Velike, u kojoj je savršeno prenio sličnost s originalom, ne samo izvana, već i karakteristično. iako je u svom radu bio primoran da se oslanja samo na slike, crteže ili gravure francuskih autora. Caričin portret u potpunosti pobija uvriježeno uvjerenje da Houdon ne bi mogao djelotvorno raditi bez živog modela ispred sebe. Zaista, majstor je često pažljivo mjerio portretiranu osobu, izrađivao gipsane odljevke glave i pojedinih dijelova figure, a ponekad je, kao u slučajevima Mirabeaua i Rousseaua, skidao čak i posmrtne maske. Ali sve ove radnje samo su olakšale rad kipara, ali ni na koji način nisu bile presudne. Dokaz za to mogu biti i portreti davno umrlih Molièrea i J. de La Fontainea (oko 1781.), koji su upečatljivi po preciznom prikazu karakterističnih crta.

Treba napomenuti da je, unatoč izvrsnoj sposobnosti obrade mramora, Houdon prvenstveno bio kipar, a ne rezbar. Najprije je radio od gline, a potom napravio gipsani kalup, koji je čuvan u ateljeu i davao mu mogućnost da ponavlja svoje radove u gipsu, terakoti, bronzi ili mermeru sve dok je za njima postojala potražnja. Štaviše, odlično vladajući livačkom tehnologijom, vajar je lično učestvovao u livenju bronzanih statua, vršeći završnu doradu strugačem i ostavljajući površinu grubom, a ne brižljivo poliranom, kao u kasnijim, neautorskim kopijama.

Iako je Houdon ušao u istoriju prvenstveno kao vajar portreta, njegova kreativna priroda bila je privlačnija za teme izvučene iz istorije, religije ili mitologije. Poznato je da je stalno tražio narudžbine za velike radove, a tokom života, govoreći o svojim umetnička dostignuća, obično izdvaja kipove, kao što su “Sveti Bruno”, “Ecorche” ili “Diana” (1776). Ovo posljednje zaslužuje posebno spomenuti. Tema boginje-lovca datira iz antike i prilično je tradicionalna u umjetnosti još od renesanse. Međutim, Houdonova "Diana" imala je dvije karakteristične osobine - brzo kretanje i potpunu golotinju. Majstor je postigao iluziju trčanja prisiljavajući boginju da održava ravnotežu dok stoji na prstima jedne noge. Samo u mermernoj verziji iz 1780. godine dodavan je grm trske kako bi se stvorila dodatna potpora. Statua, koja je šokirala vladine zvaničnike, imala je veliki uspjeh u javnosti, pjevali su je pjesnici i hvalili kritičari, kao nijedno drugo Houdonovo djelo. Međutim, vajar je ipak odlučio da je ne izlaže u Salonu, a oni koji su želeli mogli su da se dive čistoj klasičnoj gracioznosti „Dijane“ u umetničkom ateljeu.

Godine 1777. smanjena mramorna verzija "Morfeja" - gipsane statue u prirodnoj veličini (1771.) - postala je Houdonova konkursna prijava za titulu punopravnog člana Akademije za slikarstvo i skulpturu. Iste godine na Salonu broj njegovih radova bio je jednak polovini svih izloženih skulptura i od tada je određena uloga majstora kao šefa francuske skulpturalne škole.

Centralno mjesto u Houdonovom stvaralaštvu zauzimaju najbolja i najznačajnija njegova djela - statua francuskog pisca i filozofa prosvjetiteljstva Voltera, na čijem je liku vajar radio dugi niz godina i stvarao cela linija divni portreti. Među njima se zasluženo ističe slika Voltera koji sjedi (1781.). Umjetnik je obukao mudraca u starinsku togu, skrivajući njegovo slabo, mršavo tijelo. Ali nije popuštao sa istinom i prikazao je lice starca upalih obraza i upalih usta. Međutim, neumirući, podrugljivi um velikog filozofa živi tako intenzivno u ovom licu da se čitavo djelo pretvara u himnu ljudskom intelektu, proglašavajući pobjedu besmrtnog duha nad slabim i smrtnim tijelom. Oni koji su vidjeli ovu skulpturu znaju za njeno zadivljujuće svojstvo - kada se ugao gledanja promijeni, Voltaireov izraz lica se nevjerovatno mijenja. Plače, ruga se, tragično gleda na svijet i guši se od smijeha. „U svom pogledu razotkrio je dušu“, rekao je o Houdonu još jedan veliki francuski vajar Rodin.

I zaista, u portretima naučnika, filozofa, ljudi umetnosti, u ženskim slikama koje stvara majstor, oštrina i svestranost dolaze do izražaja psihološke karakteristike modeli. Dečji portreti su takođe izuzetni sa ove tačke gledišta. U njima je umjetnik otkrio nevjerovatnu sposobnost da bez sentimentalnosti prenese svježinu i čistoću djetinjstva. Njegova djeca su misleći pojedinci sa svojim unutrašnjim svijetom.

Ne najmanje, iako ne i glavnu ulogu u tako preciznom prikazu ljudskog karaktera za vajara je odigralo neposredno posmatranje i proučavanje prirode. Stoga, kada je 1785. godine Houdon dobio naređenje da izvrši mermernu statuu generala Džordža Vašingtona, otišao je u inostranstvo da radi na portretnoj bisti u neposrednoj blizini modela. Po povratku u Pariz, ovu bistu je vajar koristio kao skicu. Statua u prirodnoj veličini koja prikazuje generala kao komandanta je možda najbolji portret Vašingtona koji postoji.

U ljeto 1786. četrdesetpetogodišnji vajar oženio se dvadesetogodišnjom Marie-Ange-Cecile Langlois, kćerkom zaposlene u kraljevskim preduzećima. Godine 1787--1790. imali su tri ćerke. Madame Houdon i djevojke poslužile su kao modeli za nekoliko majstorovih najšarmantnijih portreta.

Umjetnik je 1787. godine kupio kuću, opremio je radionicom i postavio male ljevačke peći. Sada ima priliku da gotovo svako svoje djelo izlije u bronzi. U tome mu pomažu asistenti i studenti, jer je on, kao akademik, trebao imati studente. Međutim, iz njegove radionice nije izašao niti jedan, čak manje ili više značajan vajar. Očigledno je Houdon bio previše zauzet da bi posvetio pažnju podučavanju. I tek u posljednjim godinama života, posebno nakon imenovanja 1805. za profesora specijalnih škola slikarstva, kiparstva i arhitekture na Francuskom institutu, koji je zamijenio Kraljevsku akademiju, ispunjavao je svoje nastavničke dužnosti po potrebi, a tek 1823. potpuno se povukao.

Francuska revolucija 1789--1794 lišio Houdona ne samo najvećeg broja kupaca i njegove uspostavljene pozicije vodećeg kipara, već i njegove kreativne moći. Od sredine 1790-ih. njegova umjetnost je naglo opala. Međutim, nastavlja da radi, iako u znatno manjem obimu, slikajući portrete članova carske porodice, maršala i generala. Godine 1804. dobio je zadatak da napravi ogromnu bronzanu statuu Napoleona koja će se postaviti na stup u Boulogneu - završena je 1812. i uništena nakon pada Carstva. Poslednji rad Stari majstor je imao bistu cara Aleksandra I, izloženu na Salonu 1814. Nakon toga nema podataka o njegovom radu. Godine 1823. umrla je Madame Houdon, a 15. jula 1828. preminuo je i sam vajar.

Kako da ne? bolja kreativnost majstor je okarakteriziran vlastitim riječima: „Jedna od najljepših osobina tako teške kiparske umjetnosti je sposobnost da se u svoj autentičnosti sačuvaju crte i učine gotovo neiskvarljivim slike ljudi koji su stvorili slavu ili prosperitet svoje domovine. . Ova me misao neprestano proganjala i ohrabrivala u mojim dugim trudovima.”

Houdonov Voltaire, uprkos njegovoj bolnoj mršavosti i senilnoj slabosti (vajar je pisca prvi put vidio neposredno prije njegove smrti), oličenje je snage, trijumfa nad fizičkom slabošću. Ovo djelo nije samo najveće dostignuće samog vajara, već i vrhunac evropske umjetnosti 18. stoljeća. Volterov kip izazvao je mnoge oduševljene reakcije. Auguste Rodin je uzviknuo: „Kakva nevjerovatna stvar! Ovo je inkarnacija sprdnje! Oči su pomalo iskošene, kao da čekaju neprijatelja. Oštar nos liči na lisicu: migolji se svuda, njuši svuda zlostavljanje i razloge za podsmijeh, bukvalno drhti.” Jean Antoine Houdon. Voltaire. 1779-1781 "Comédie Française", Pariz.

Jean-Antoine Houdon - francuski kipar. Jean-Antoine Houdon rođen je 20. marta 1741. godine u Versaju (Francuska). Godine 1756. primljen je u školu Kraljevske akademije za slikarstvo i skulpturu, dobio je treću nagradu za skulpturu, a 1761., sa dvadeset godina, prvu nagradu za bareljef „Kraljica od Sabe daje darove Solomon.” Houdonovi učitelji bili su Michel Slodtz, Jean-Baptiste Lemoine i Jean-Baptiste Pigal. Školu i Akademiju studirao je osam godina i, kao jedan od najboljih studenata, poslan je u Rim 1764. godine. Kipar je u Italiji ostao četiri godine i za to vrijeme stvorio niz djela koja su proslavila njegovo ime. Ovo je kip “Vestalka”, “Ecorche” - anatomska studija, skulpture za ukrašavanje crkava “Sv. U ovim ranim skulpturama, koje je majstor kasnije nekoliko puta ponovio u drugim materijalima, daje prednost klasičnoj interpretaciji slike, jasnoj, mirnoj, uravnoteženoj, povezanoj s proučavanjem antičkog naslijeđa. Potreba za zaradom i traženjem mušterija i pokrovitelja vjerovatno mu nije omogućila da produži svoju italijansku penziju, kao što su to činili drugi.
Godine 1768. vajar se vratio u Pariz. Ovdje je pronašao svog prvog pokrovitelja, njemačkog vojvodu od Saxe-Gotha, koji je bio dugogodišnji umjetnikov klijent. Počevši od 1769. godine, kada je Houdon debitovao u Salonu, pa sve do kraja veka, nijedan od otvorenih Salona nije mogao bez vajarskih dela. Na Salonu 1771. pojavila se jedna od najpoznatijih Houdonovih bista - portret Denisa Didroa. I sam filozof, poznavalac umjetnosti i kritičar, primijetio je izuzetnu sličnost portreta. Didroa su često prikazivali. Ali među portretima koje je stvorio Van Loo, Anne Marie Collot, J.-B. Pigalem i L.-A.-J. Lecoint, Houdonov portret se ističe svojom svjetlinom i živahnošću karakterizacije. Bista je bez ikakvih dodataka i ukrasa. Sva pažnja je koncentrisana na lice. Houdon je portretirao filozofa bez perike, prema kojem gaji neskrivenu mržnju. Pomalo raščupanu kosu, Houdon se prema njoj ponaša lako i slobodno, kao iu svim svojim skulpturama. Poprsje je visoko izrezano, glava okrenuta na tri četvrtine, usta blago otvorena, oči širom otvorene, pogled im je živahan i spontan, uhvaćen je prolazan izraz lica. Ovaj rad je naveo ljude da pričaju o mladim talentima u Francuskoj. Preko Didroa i njegovog bliskog prijatelja Melkiora Grima, Houdon je ubrzo stekao svog najmoćnijeg pokrovitelja - rusku caricu Katarinu II, koja je od Houdona mogla naručiti skupe bronce i mermer. 1770-ih, vajar je postao poznat kao majstor nadgrobne skulpture. Među njegovim najpoznatijim djelima su nadgrobni spomenici feldmaršala Mihaila Golitsina i senatora A.D. Golitsina (nalaze se na nekropoli Donskog manastira u Moskvi) i grobnica grofa d'Enneryja tip klasičnih nadgrobnih stela antičke Grčke. Za mermernu statuu "Morfej" izabran je za akademika 18. veka. Iluzija trčanja Iskrena senzualna interpretacija slike nije u suprotnosti sa čisto klasičnom gracioznošću kipa. Gola ohlađena djevojka poznata su u cijelom svijetu i zato što ih je ponavljao mnogo puta u jeftinom gipsu iu skupljem mermeru i bronzi tehnika livenja bronze. Posebno ga je to zanimalo 1780-ih i 90-ih godina. Napisao je: „Mogu da glumim u dve uloge – vajara i livačkog radnika. U prvoj sam stvaralac, u drugoj mogu precizno da reprodukujem druge...“ Međutim, Houdon je ušao u istoriju skulpture pre svega kao. majstor portreta. Odlikuje ga analitički pristup prirodi, neumorna potraga za istinom života, njegove slike odlikuju se dubokim i akutnim psihologizmom. Broj njegovih portretnih skulptura je velik. Posebnu grupu čine portreti djece. Među njima su odlične biste Alexandrea i Louise Brongniart, portreti kiparovih kćeri Sabine, Anne-Ange i Claudine i drugi. Čini se da 18. vijek ponovo otkriva svijet djeteta. Houdon je uspio prenijeti osjećaj svježine i čistoće djetinjstva bez dodira sentimentalnosti i razigranosti karakterističnih za rokoko. U njegovim djelima djeca su misleće osobe sa svojim unutrašnjim svijetom.
Među briljantnim portretima figura francuskog teatra koje je stvorio Houdon je i posthumna Molijerova bista, koju je naručila Comédie Française. Houdon je u njemu postigao sličnost sa postojećim slikovitim Molijerovim portretom, koji nije uspio vidjeti u procesu rada, ali je stvorio sliku-personifikaciju francuskog teatra uopće. Moliereova glava, uokvirena dugom kosom koja slobodno teče, oštro je okrenuta, neobično živa poza koja sugerira trenutnu akciju ili pokret. Pogled je prodoran, usta su blago otvorena, kao u razgovoru. Široki šal se labavo veže oko vrata. Bista izložena u zgradi Kraljevske biblioteke izazvala je oduševljenje kritičara, a Grim je o njoj napisao: „Njegov pogled (gospodin Houdon je verovatno jedini vajar koji ume da prenese oči) prodire dušu.“ Houdon je slikao portrete mnogih poznatih ličnosti svog vremena: Neckera, Lafayettea, Baillyja, Franklina i Georgea Washingtona i drugih. Za niz portreta velikih ljudi koje je zamislio d'Anjivillier, on je stvorio portret maršala de Tourvillea od serije treba smatrati portrete već spomenutih Denisa Didroa, F.-A d'Alemberta, Jean-Jacquesa Rousseaua (rađen od posmrtne maske) a najpoznatiji od njih je portret In vrlo kratko, radeći sa maske koju je skinuo, vajar je predstavio Voltera kako sjedi u stolici, umotanoj u ogrtač koji veoma podsjeća na ogrtač filozofa i koljena, koji ocrtavaju figuru skrivenu u njoj, a istovremeno joj daju dojmljivost Lice portretisane osobe zrači ogromnom vitalnošću i visokom duhovnošću, prenosi svo bogatstvo njegovog unutrašnjeg života u trenutno uhvaćenom izrazu koji je teško protumačiti. Ovo je suptilan, precizan i veličanstven portret u kojem je doba prosvjetiteljstva našlo svoje živopisno oličenje. Jean-Antoine Houdon umro je 15. jula 1828. u Parizu.

Slični dokumenti

Kontinuirani razvoj, miješanje i suprotstavljanje stilova i trendova u likovne umjetnosti. Analiza karakteristika različitih škola prikazivanja oblika u slikarstvu i vajarstvu. Klasicizam kao estetski pokret u evropskoj književnosti i umetnosti.

sažetak, dodan 08.10.2016


Francuska kao hegemon duhovnog života Evropa XVIII veka. Hronološki i teritorijalni okvir doba prosvjetiteljstva. Evolucija filozofske ideje prosvetitelji i njihovo oličenje u likovnoj umetnosti. Uticaj prosvjetiteljstva na razvoj pozorišne umjetnosti.

kurs, dodan 31.03.2013


opšte karakteristike slike Z. Serebryakova i N. Yaroshenko. Pregled autoportreta "Iza toaleta". Upoznavanje s posebnostima proučavanja slike ruskih žena u likovnoj umjetnosti kasnog XIX-XX vijeka. Analiza kratke istorije ruskog slikarstva.

kurs, dodato 08.06.2014


Futurizam - umjetnički avangardni pokreti 1910-1920. u književnosti i likovnoj umjetnosti, koja je nastala u Italiji i Rusiji kao kult budućnosti i diskriminacija prošlosti uz sadašnjost; proklamacija patosa destrukcije, eksplozije, obnove.

prezentacija, dodano 04.06.2012


Opis glavnih trendova u likovnoj umjetnosti dvadesetog stoljeća. Karakteristike razvoja i tipične karakteristike svakog od njih, karakteristike tehnike pisanja i koncept prenošenja slika. Glavni predstavnici umjetničkih pokreta i njihove izvanredne slike.

prezentacija, dodano 28.10.2013


Suština i značenje alegorije, njena upotreba u književnosti i režiji masovne proslave, pozorišna predstava, likovna umjetnost. Posebnosti kompjuterska umjetnost, digitalno slikarstvo i fotomontaža, njihovi nedostaci. Slike i simbolika četiri elementa.

kurs, dodan 20.04.2011


Pravac u umetnosti 20. veka, koji karakteriše raskid sa istorijskim iskustvom umetničkog stvaralaštva, želja za uspostavljanjem novih netradicionalnih principa u umetnosti i obnovom umetničkih formi. Konvencionalnost, shematizacija i apstrakcija stila.

prezentacija, dodano 22.06.2012


Početak stoljeća klasike u razvoju evropska kultura sa klasičnim Njemačka filozofija. "Zlatno" doba umetnosti. Popularnost djela George Sand i Dickensa. Predstavnici glavnih pravaca i pravaca realizma u slikarstvu, umetnosti i književnosti.

sažetak, dodan 28.06.2010


Realizam kao istorijski specifičan oblik umjetničke svijesti modernog vremena. Preduvjeti za stvaranje i formiranje realizma u umjetnosti renesanse. Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci i Raphael Santi. Djela Albrechta Durera i Pietera Bruegela.

sažetak, dodan 04.12.2009


Identifikacija funkcija, estetske originalnosti i uloge postmodernizma u umjetničkim i estetskim procesima moderne kulture. Postmodernizam u likovnoj umjetnosti Sjedinjenih Američkih Država i Europe. Multimedijalna umjetnost i konceptualizam.