19. Postajanje klasična muzika. Veliki kompozitori 17. i 18. veka

Monteverdi. D. Frescobaldi`. A. Corelli. A. Vivaldi. A. Scarlatti D. B. Pergolesi. Dinastije proizvođača violina.

MUZIKA ITALIJE

J. B. Lully. J.F. Rameau. F. Couperin.

FRANCUSKA MUZIKA

G.Purcell.

MUZIKA ENGLESKA

G. Schutz. D. Buxtehude. G. F. Handel. J.S.Bach.

MUZIKA NJEMAČKE

M.S.Berezovski. D.S. Bortnyansky. E.I.Fomin.

MUZIKA RUSIJE

Na prelazu iz 16. u 17. vek, polifonija, koja je dominirala u muzici renesanse, počela je da ustupa mesto homofoniji (od grčkog "homos" - "jedan", "identičan" i "telefon" - "zvuk", „glas”). Za razliku od polifonije, gdje su svi glasovi jednaki, u homofonoj polifoniji se izdvaja jedan koji izvodi glavnu temu, a ostali igraju ulogu pratnje (pratnje). Pratnja je obično sistem akorda (harmonija). Otuda i naziv novog načina komponovanja muzike - homofonsko-harmonijski.

Pojavila su se djela koja su pisana na vjerske tekstove ili teme, ali nisu bila namijenjena za obavezno izvođenje u crkvi. (Takva djela se nazivaju duhovnim, jer riječ „duhovno“ ima šire značenje od „crkveno“.) Glavni duhovni žanrovi 17.-18. - kantata i oratorij. Povećao se značaj svetovne muzike: slušala se na dvoru, u salonima aristokrata i u javnim pozorištima (prva takva pozorišta otvorena su u 17. veku). Pojavila se nova vrsta muzičke umjetnosti - opera.

Instrumentalnu muziku obilježava i pojava novih žanrova, prije svega instrumentalni koncert. Violina, čembalo i orgulje postepeno su se pretvorili u solo instrumenti. Muzika napisana za njih pružila je priliku da pokažu talenat ne samo kompozitora, već i izvođača. Pre svega se cenila virtuoznost (sposobnost da se nosi sa tehničkim poteškoćama), koja je postepeno postala sama sebi svrha i umetnička vrednost za mnoge muzičare.

Kompozitori 17.-18. veka obično ne samo da su komponovali muziku, već su majstorski svirali i vežbali instrumente. pedagoška djelatnost. Dobrobit umjetnika uvelike je ovisila o konkretnom kupcu. Po pravilu, svaki ozbiljan muzičar tražio je mjesto ili na dvoru monarha ili bogate aristokrate (mnogi pripadnici plemstva imali su svoje orkestre ili opere) ili u hramu. Štaviše, većina kompozitora je lako kombinovala crkvenu muziku sa služenjem sekularnom pokrovitelju.

21. Umjetnički pokreti 18. stoljeća i njihovi karakteristike

Umjetnički pravac je temeljna zajedništvo umjetničkih pojava u dužem vremenskom periodu.

Barok - smjer do evropska arhitektura i umjetnost kasnog 16.-18. stoljeća, koju karakteriziraju:

Grandioznost, pompa i dinamika;

Patetično ushićenje;

Intenzitet osjećaja;

Ovisnost o spektakularnim spektaklima;

Kombinacija iluzornog i stvarnog;

Snažni kontrasti skale i ritma, materijala i tekstura, svjetla i sjene.

Klasicizam je umjetnički pokret u evropskoj umjetnosti 17.-19. stoljeća. Umjetnici klasicizma:

Priznat kao najviši primjer antička umjetnost;

Oslonite se na tradiciju Visoka renesansa;

Nastojali su da izraze ideju o skladnoj strukturi društva zasnovanoj na vječnim "zakonima razuma"

22. „Prosvetiteljski“ apsolutizam u Rusiji. Kulturne reforme Petra 1 i Katarine 2

Nacionalna istorija- jedna od glavnih nacionalnih svetinja svake zemlje - postala je u Rusiji predmet žestokih sporova i sukoba, često povezanih sa suprotstavljenim procjenama prošlih događaja, kako dugogodišnjih, tako i onih iz posljednjih dvadesetak godina. Kada u napetoj atmosferi međusobne iritacije protivnika (da ne kažem – dubokog međusobnog otuđenja, pa i prezira i mržnje) pribegnete terminima bolesti, dijagnoze, sindroma, etiologije, rizikujete da dobijete optužbe za bogohuljenje, sa svih strana. Obračun društvene stratifikacije. Pod Katarinom II proširila su se prava plemića u pogledu posjeda i seljaka, ali su se time pogoršala porobljavanje i teškoće seljaštva. Jedini parametar “slobode” nije u stanju da obuhvati ovu “suptilnost”. Aritmetičko sabiranje vrijednosti indikatora za različite društvene slojeve može samo zamagliti sliku (poput ozloglašene „prosječne bolničke temperature pacijenata“).

23. Romantizam kao umjetnički pokret

Romantizam, ideološki i umjetnički pokret koji je nastao u evropskoj i američkoj kulturi krajem 18. stoljeća - prvoj polovini 19. stoljeća, kao reakcija na estetiku klasicizma. U početku se razvijao (1790-ih) u filozofiji i poeziji u Njemačkoj, a kasnije (1820-ih) se proširio na Englesku, Francusku i druge zemlje. On je predodredio najnoviji razvoj umjetnosti, čak i one pravce koji su mu se suprotstavljali.

Novi kriterijumi u umetnosti bili su sloboda izražavanja, povećana pažnja prema pojedincu, jedinstvene osobine ličnosti, prirodnost, iskrenost i opuštenost, koja je zamenila imitaciju klasičnih modela 18. veka. Romantičari su odbacivali racionalizam i prakticizam prosvjetiteljstva kao mehanističke, bezlične i umjetne. Umjesto toga, dali su prioritet emocionalnom izražavanju i inspiraciji. Osećajući se slobodnim od raspadajućeg sistema aristokratske vladavine, nastojali su da izraze svoje nove poglede i istinu koju su otkrili. Njihovo mjesto u društvu se promijenilo. Svoju čitalačku publiku našli su među rastućom srednjom klasom, spremnim da emocionalno podrže, pa čak i obožavaju umjetnika - genija i proroka. Uzdržanost i poniznost su odbačeni. Zamijenile su ih jake emocije, koje su često dosezale do krajnosti. Neki romantičari su se okrenuli tajanstvenim, zagonetnim, čak i strašnim, narodnim vjerovanjima i bajkama. Romantizam se dijelom povezivao s demokratskim, nacionalnim i revolucionarnim pokretima, iako je "klasična" kultura Francuska revolucija zapravo je usporio dolazak romantizma u Francusku.

... "16. Ove teorije se zasnivaju na ideji da je umjetnički svijet koji stvara jedan narod drugome neshvatljiv, da je nedostupan zbog psiholoških i istorijskih barijera. Istorija razvoja muzičke kulture Hakasije u potpunosti dokazuje nedosljednost ovih pogleda. Bez izmišljanja čisto nacionalnih žanrova Khakas opere, Khakas baleta ili simfonije, ali obogaćen poznatim iskustvom...

Približno 10% ruskih naučnih radova je konkurentno na globalnom tržištu naučnih proizvoda. 4. Umjetnički i duhovni život zemlje 80-90-ih U godinama perestrojke dogodile su se temeljne promjene u odnosu umjetničke kulture prema vlasti i društvu. S jedne strane, književnost i umjetnost su se oslobodile ideoloških diktata, s druge - umjetničkih...

Preraspodjela vlasti između federalnog centra i konstitutivnih entiteta Federacije, društveno-ekonomske promjene posljednje decenije. Kao rezultat ovih procesa, povećana je uloga regionalnih (subjekata Federacije) i općinskih budžeta u podršci aktivnostima kulturnih i umjetničkih institucija. Iza prošle decenije udio finansijskih prihoda iz regionalnih budžeta za...

Oni bi potvrdili ne samo razvoj kulture i umjetnosti u antici i antici, već bi posebno ukazali na razvoj fizičke kulture u periodu od 15.000 godina prije Krista. do 6. veka nove ere 1. Odraz razvoja fizičke kulture u umjetnosti antičkih u periodu od 15.000 pne. do 6. veka nove ere 1.1 Arheološki nalazi, potvrđujući razvoj fizičke kulture do 5. milenijuma pre nove ere...

Njihova sudbina nije bila laka.

Malo poznati kompozitori 18. veka, prethodnici i savremenici Mihaila Ivanoviča Glinke. O njima je sačuvano malo podataka.
O izvanrednom kompozitoru i violinisti Ivanu Khandoshkinu sačuvano je vrlo malo podataka. Potičući iz kmetske sredine, stekao je dobro obrazovanje. Naučio je da svira violinu od jednog od Italijana koji je živeo u Rusiji i ubrzo je postigao veliku vještinu kao izvođač.

Ivan Khandoshkin. Canzona.

Ivan Khandoshkin. "Dole Majka Volga"

Zanimljiva su i njegova brojna djela za violinu: varijacije na narodne teme, sonate. U njima su oličene ruske narodne pesme, iako je primetna povezanost sa panevropskom muzikom. Isto tako malo znamo i o drugim ruskim kompozitorima 18. veka – poput Daniila Kašina, Fjodora Dubjanskog, Vasilija Paškeviča. Poznato je samo da su mnogi od njih stekli dobro muzičko obrazovanje u inostranstvu i tamo su bili prepoznati i nagrađeni počasnim titulama. Ali nisu svi uspjeli ostvariti ono za što su imali poziv, nisu svi dosegli one visine u umjetnosti koje su bile u njihovoj moći. U Rusiji su ovi kompozitori učinili mnogo za razvoj nacionalna muzika. Pa ipak, biti nadaren i obrazovanih ljudi, ostali su u položaju kmetova. Budući da su potpuno ovisni o hirovima svojih gospodara, često su svoje muzičke dužnosti spajali sa dužnostima kočijaša, lovaca i lakaja. Ova situacija je ponižavajuća ljudsko dostojanstvo, koji nije dozvolio talentu da se u potpunosti ispolji, bio je uzrok mnogih tragedija, pa čak i smrti nekih muzičara.

Ovo je, na primjer, sudbina Maksima Berezovskog. Zajedno sa velikim Mocartom, sjajno je učestvovao na takmičenju Muzičke akademije u Bolonji i dobio titulu akademika. Jedna od opera ruskog kompozitora, postavljena u inostranstvu, doživjela je veliki uspjeh. U njemu je, prema rečima savremenika, spojio „živost i dobar ukus sa muzičkim znanjem“. Ali, nakon što se vratio u Rusiju, Berezovski se pokazao nikome nepotreban i nije mogao naći primjenu svom svijetlom talentu. Doveden do očaja, izvršio je samoubistvo - imao je 32 godine.

Maksim Berezovski. Sonata za violinu i čembalo.

Maksim Berezovski. "Ne odbijaj me u starosti"

Još jedan istaknuti ruski muzičar, kmet grofa Šeremeteva Stepan Dekhterev, umro je isto tako rano od teškog siromaštva i tuberkuloze. Bio je „uništen talentom i ropstvom“, pisao je jedan od njegovih učenika poboljšanje.
Njegovo muzičke kompozicije doneo mu je tamo časnu slavu. Ali, vrativši se u otadžbinu, zatekao je strogog despota, koji je, prema pravu revizije duše jednog briljantnog čovjeka, želio bezuslovno prisvojiti sebi njeno nadahnuće: stavio je na njega željeznu ruku.” Jedna od grofovih naredbi elokventno govori o nemoćnoj situaciji u kojoj se muzičar nalazio: „Koncertni učitelj Stepan Dekhterev, za držanje koncerata strancima, treba da odbije 5 rubalja od svoje plate. i daj ga pevaču Čapovu da ga je najavio.” Izvanredni ruski kompozitor, dirigent, pjevač - Dekhterev plaćen je 177 rubalja godišnje. 70 kopejki, dok su obični strani muzičari orkestra dobili 1.225 rubalja. Ipak, Stepan Dekhterev je ostavio mnoga originalna djela. Među njima se ističe prvi ruski oratorij na nacionalnu temu „Minjin i Požarski, ili Oslobođenje Moskve“. Njegov uspeh je bio toliki da je oratorijum više puta izvođen kao jedno od najvažnijih dela ruske muzike. početkom XIX veka. Novine su zabilježile da je „orkestar bio sastavljen od skoro 200 samo ruskih muzičara i pjevača, pod upravom samog Dekhtereva“. Muzika oratorija, puna visokog herojskog patosa, i dalje oduševljava svojom strogom, muževnom lepotom.

Stepan Dekhterev. Oratorij "Minin i Požarski", preludij.

Arija Dmitrija Požarskog iz oratorija "Minjin i Požarski"

Stepan Dekhterev. "Danas je Hristos u Vitlejemu."

Njihov strastveni ljubavnik i kolekcionar Daniil Kašin učinio je mnogo na širenju ruskih narodnih pesama. Savremenici su ga nazivali „miljenikom građana Moskve“, „slavujem ruskih pesama“. Prema rečima savremenika, Kašin je „čuo ove pesme i od kočijaša na putu i od ruskog seljaka u polju“. Dobro poznavanje narodnih pjesama omogućilo mu je da sastavi i objavi prilično veliku zbirku za ono vrijeme, „Ruske narodne pjesme“ - jednu od prvih zbirki u Rusiji. Kašin je bio izvrstan pijanista i dirigent - i sam je izvodio svoje kompozicije koje su bile veoma popularne. Ali ceo život je bio kmet muzičar. Tek neposredno prije smrti uspio je, uz najveće poteškoće, doći do slobode. Tragična je bila i sudbina drugih darovitih muzičara iz naroda.
Pa ipak, trag koji su ostavili na rusku muziku je veliki: njihove opere, instrumentalni, klavirski i violinski komadi, romanse i pesme odigrali su veliku ulogu u razvoju ruske muzike svog vremena. Ovi kompozitori su, po pravilu, imali visoko razvijeno osećanje nacionalnog dostojanstva, potvrđujući ga za razliku od aristokrata, koji su imali strast prema svemu stranom. Sredinom 18. veka muzika je naširoko ušla u život svih slojeva ruskog društva. Muzika se predavala u zatvorenim internatima i školama. Svuda gde se okupljalo i malo društvo, zvučala je muzika. „Običaj puštanja muzike ukorenjen je svuda, širom Rusije“, pisao je o tom vremenu akademik B.V. Asafjev. - Koliko god da je moral bio okrutan i koliko god bio loš položaj kmetskih muzičara (kao i glumaca), ipak se kroz njih širila vokalna i instrumentalna kultura, razvijali su se ukusi i formirali vrhunski izvođači i kompozitori. To se mora zapamtiti pre nego što je plemstvo promovisalo kompozitore iz svog okruženja, rusku muzičku kulturu već su stvarali talentovani ljudi niskog ili, kako su govorili, „podlog” porekla.

Najveća i najznačajnija ličnost ruske muzike 18. veka bio je talentovani kompozitor Evstignej Ipatojevič Fomin. Zahvaljujući svom reformske aktivnosti ostavio je dubok trag. Ali većina njegovih djela je ili izgubljena i zaboravljena, ili je došla do nas u obliku zasebnih odlomaka.
Sin vojnika, zahvaljujući svom briljantnom talentu, poslan je u Italiju, gdje je učio kod čuvenog Padre Martinija (koji je svojevremeno bio učitelj velikog Mocarta). Tamo, u Bolonji, Fomin je dobio titulu akademika. A po povratku u domovinu nagrađen je počasnim ordenom - da napiše operu „Novgorodski Bogatir Boeslavič“ na libreto Katarine II (autokrata je ponekad udovoljavala njenoj sujeti stvarajući jednostavne, pretenciozne stihove i drame). Ali Fomin nije postao dvorski kompozitor.

Evstigney Fomin. Uvertira "Orfej i Zvridika"

Uvod

Barok, rokoko, klasicizam - glavni pravci u umetnosti 18. veka, manifestovali su se u svemu - u književnosti, u slikarstvu, u arhitekturi i u muzici.

Evolucija muzike u 18. veku dostiže briljantnu eru. Oblici nastali početkom 17. vijeka dostižu najviši nivo savršenstva.

Početkom 18. veka najpopularniji stil muzike bio je sentimentalni klasicizam. Bila je spora, ležerna muzika, ne posebno složena. Svirao se na žičanim instrumentima. Obično je pratila balove i gozbe, ali su je voleli i slušati u opuštenoj kućnoj atmosferi. Zatim je muzika na lutnji počela da uključuje rokoko karakteristike i tehnike, kao što su trilovi i flažoeti. Dobio je zamršeniji izgled, muzičke fraze su postale složenije i zanimljivije. Muzika je postala sve više odvojena od stvarnosti, fantastičnija, manje korektna i samim tim bliža slušaocu.

U drugoj polovini 18. veka, rokoko karakteristike su postale toliko integrisane u muziku da su počele da dobijaju određenu orijentaciju. Tako su se ubrzo u muzici jasno pojavila dva pravca: muzika za ples i muzika za pevanje. Balove je pratila muzika za ples, a muzika za pevanje puštala se u poverljivom okruženju.

Klasicizam je postao vrhunac klasične umjetnosti.

Ovo djelo ističe muzičku umjetnost 18. stoljeća kao doba stvaranja muzički klasici u svojim glavnim pojavama i žanrovima (opera, fuga, sonata, simfonija) karakteriše se stvaralaštvo Bacha, Hendla, Glucka, Haydna, Mocarta i drugih kompozitora; ispituje rad istaknutih kompozitora. Rad se sastoji od uvoda, tri poglavlja glavnog dijela, zaključka i liste literature.

1. Muzička kultura 18. vijeka

U istoriji muzičke umetnosti 18. vek je dobio ogroman značaj i još uvek je od najvećeg interesovanja. Ovo je doba stvaranja muzičkih klasika, rađanja glavnih muzičkih koncepata sa suštinski sekularnim figurativnim sadržajem. Muzika se ne samo uzdigla na nivo drugih umetnosti koje su cvetale od renesanse, već i na nivo književnosti u svojoj najbolja dostignuća, ali je u cjelini nadmašio ono što je postignuto nizom drugih umjetnosti (posebno likovne umjetnosti) i do kraja stoljeća uspio je stvoriti veliki sintetizirajući stil tako visoke i trajne vrijednosti kao što je simfonizam bečke klasične škole.

Bah, Hendl, Gluk, Hajdn i Mocart prepoznati su vrhovi na ovom putu muzičke umetnosti od početka do kraja veka. Međutim, uloga takvih originalnih i u potrazi za umjetnicima, kao Jean Philippe Rameau u Francuskoj, Domenico Scarlatti u Italiji, Philippe Emanuel Bach u Njemačkoj, a da ne spominjemo mnoge druge majstore koji su ih pratili u općem stvaralačkom pokretu.

Kao što je poznato, Njemačka, Italija i Francuska sa svojim kreativnim školama zauzimale su vodeću poziciju u razvoju muzičke umjetnosti tog vremena. Ali učešće drugih zemalja u ovom procesu je takođe van sumnje. Muzički i društveni uslovi Engleske, u kojoj su nastajali Hendlovi oratoriji, uticaj španske muzičke kulture na Scarlattija, vodeća uloga čeških majstora u formiranju Manhajmske kapele, slovensko i mađarsko poreklo niza Haydnovih tema su uvjerljivi primjeri za to.

Općenito, kreativne veze između različitih evropskih zemalja, uočljive ranije, barem u 15., 16. XVII vijeka, jačaju i intenziviraju se tokom XVIII. To se ne izražava samo u samom međusobnom bogaćenju muzičko pisanje, muzičke žanrove, njihove teme, principe razvoja muzičkih formi, ali i opšti ideološki i estetski uticaj koji se pojačao u novim istorijskim uslovima. Ako bi se teoretski moglo zamisliti Johann Sebastian Bach ili Gluck (i također Hendl ili Mocart) kako se razvijaju u izolovanom okruženju svoje zemlje, onda mnogi od najvažnijih kvaliteta njihova velika umjetnost izgledala bi neutemeljeno, teško objašnjivo, gotovo paradoksalno. Odakle dolazi visoka tragedija u Bachovoj umjetnosti, koja, međutim, ostaje mudra i skladna? Odakle dolazi akutni osećaj tragična, koja nije dostigla takvu snagu među umjetnicima 17. vijeka? Ako dolazi iz svijesti o teškoj sudbini zavičaja, zašto onda nije oličena mnogo ranije? Jer, upravo su istorijski uslovi 18. veka, primer drugih zemalja, probudili u novoj generaciji novu oštrinu samosvesti, a sa njom i nova osećanja, nove ocene.

Poznato je da je u razorenoj i razjedinjenoj feudalnoj Njemačkoj prosvjetiteljstvo nešto kasnilo i tamo nije imalo tako očito revolucionarni karakter. No, uoči prosvjetiteljstva, muzička umjetnost njemačkih majstora uzdiže se do uzvišenih visina figurativnih generalizacija i kreativnih koncepata kod Bacha i Handela, sintetizirajući najbolje povijesne tradicije i predviđajući puteve u daleku budućnost. A kao rezultat prosvjetiteljstva, nastala je austro-njemačka kreativna škola, koju predstavljaju bečki klasici, koja u novoj fazi dostiže najviši stvaralački princip simfonizma. U ovoj atmosferi, koja se, na ovaj ili onaj način, osjeća u svim evropskim zemljama, intenzivno se razvija niz nacionalnih stvaralačkih škola, koje stiču snagu, samostalnost i dobivaju umjetnički autoritet upravo u 18. stoljeću zahvaljujući novim dostignućima u oblast sekularne muzičke umetnosti.

Ruska kreativna škola čisto sekularnog smjera oblikovala se upravo u 18. stoljeću, iako njeni počeci sežu stoljećima. Sve je veći značaj i kreativni uticaj češke muzičke škole, koja je široko zastupljena instrumentalnim žanrovima i koja se proslavila stvaranjem opera.

18. vijek se pokazao plodonosnim za Poljsku kreativna škola, koja ima dugu tradiciju i sada savladava nove glavne žanrove instrumentalne i pozorišne muzike.

Na opštim putevima muzičkog razvoja od početka do kraja 18. veka mnogo toga već ujedinjuje ili spaja zemlje zapadne Evrope (što postaje najočiglednije u poslednjoj trećini veka). U Francuskoj i Italiji počinje polemika oko starih operskih žanrova, koji su podložni ozbiljnim i oštra kritika društveni i estetski poredak. U nizu zemalja pojavljuju se novi progresivni operski trendovi, povezani s pojavom komičnih, komedijskih operskih žanrova: opera buffa u Italiji, komična opera u Francuskoj, Singspiel u Njemačkoj i Austriji, komične muzičke predstave u Španiji. A posebno je značajno da sve zapadnoevropske zemlje na ovaj ili onaj način učestvuju u kretanju ka novom stilu bečka škola, označavajući trijumf homofonsko-harmonijske strukture i sonatno-simfonijskih formi. Koliko god različite tradicije i kreativne mogućnosti svake zemlje, stilsku prekretnicu oko sredine veka i dalji razvoj sonatno-simfonijskih principa pripremao je čitav sistem stvaralačkih napora mnogih majstora iz Italije, Francuske, Nemačke, a da ne govorimo o narodno-nacionalnim izvorima koji dolaze odasvud.

Likovnu umjetnost i arhitekturu ovog perioda odlikovale su vrlo razrađene forme, složenost, pompa i dinamika, a kasnije je ta riječ primijenjena i na muziku tog vremena. Komponovanje i izvođačke tehnike baroknog perioda postale su sastavni i značajan deo klasičnog muzičkog kanona. Muzička ornamentika je postala vrlo sofisticirana, muzički zapisi su se uvelike promijenili, a načini sviranja na instrumentima su se razvili. Rasprostranjen je opseg žanrova, a povećana je i složenost izvođenja muzičkih dela. Veliki broj muzički termini i pojmovi iz doba baroka koriste se i danas.

Kompozitori baroknog doba radili su u različitim muzičkim žanrovima. Opera, koja se pojavila tokom kasne renesanse, postala je jedan od glavnih muzičkih oblika. Može se prisjetiti djela majstora žanra kao što su Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi i drugi. Oratorijski žanr dostigao je vrhunac svog razvoja u djelima I.S. Bacha i Handela. U doba baroka rođena su tako briljantna djela kao što su fuge Johana Sebastijana Baha, hor Aleluja iz oratorija Mesija Georgea Friderika Hendla, Godišnja doba Antonija Vivaldija i Večernje Klaudija Monteverdija.

Instrumentalne sonate i suite pisane su kako za pojedinačne instrumente tako i za kamerni orkestri. Koncertni žanr se pojavio u oba svoja oblika: za jedan instrument sa orkestrom i kao concerto grosso, u kojem mala grupa solo instrumenata u kontrastu sa punim ansamblom. Djela u obliku francuske uvertire, sa svojim kontrastnim brzim i sporim dijelovima, dodala su pompu i sjaj mnogim kraljevskim dvorovima. Kompozitori su često pisali djela za klavijature radi vlastite zabave ili kao edukativni materijal. Takva djela su zrela djela I.S. Bacha, općenito priznata kao intelektualna remek-djela barokne ere: Dobro temperirani klavier, Goldberg varijacije i Umjetnost fuge.

Orgulje su postale glavni muzički instrument baroka u sakralnoj i kamernoj svjetovnoj muzici. U širokoj upotrebi su bili i čembalo, trkačke i gudalske žice, kao i drveni duvački instrumenti: razne flaute, klarinet, oboa, fagot.

Propadanje baroka pratilo je dugo razdoblje suživota stare i nove tehnike. U mnogim gradovima u Njemačkoj, barokna praksa izvođenja očuvala se do 1790-ih, na primjer, u Lajpcigu, gdje je J.S. radio na kraju svog života. Bach. U Engleskoj je Hendelova trajna popularnost osigurala manji uspjeh. poznatih kompozitora, koji je komponovao u sada bledećem baroknom stilu: Charles Avison, William Boyce i Thomas Augustine Arne. U kontinentalnoj Evropi ovaj stil se već počeo smatrati staromodnim; ovladavanje njome bilo je potrebno samo za komponovanje sakralne muzike i diplomiranje onih koje su se tada pojavljivale na mnogim konzervatorijumima. Ali, jer mnogo toga u baroknoj muzici je postalo osnova muzičko obrazovanje, utjecaj baroknog stila zadržao se i nakon odlaska baroka kao izvođačkog i kompozitorskog stila.

Muzika klasičnog perioda, ili muzika klasicizma, odnosi se na period u razvoju evropske muzike otprilike između 1730. i 1820. godine. Izuzetno dostignuće drugog polovina XVIII V. je formiranje bečke klasične škole, čiji su predstavnici J. Haydn, W. Mocart i L. van Beethoven, nazvani bečkim klasicima i koji su odredili pravac. dalji razvoj muzička kompozicija.

U tom periodu uglavnom se formira sastav modernog simfonijskog orkestra, žanrovi simfonije, sonata, trio, kvartet i kvintet. U sonati allegro rođena je nova metoda, a kasnije, u Beethovenovom djelu, nastala je nova metoda. muzičko razmišljanje- simfonizam. Značajne reforme u radu V.A. Mozart i C.F. Gluck testira operski žanr, prevazilazeći okoštale konvencije aristokratske opere. U radovima K.F. Gluck i L. Van Beethoven su odvojeni kao nezavisni žanr balet.

Estetika klasicizma zasnivala se na vjeri u racionalnost i harmoniju svjetskog poretka, koja se očitovala u pažnji na ravnotežu dijelova djela, pažljivoj doradi detalja i razvoju osnovnih kanona. muzička forma. U tom periodu konačno se formira sonatni oblik, zasnovan na razvoju i suprotstavljanju dvije suprotstavljene teme, te se utvrđuje klasična kompozicija sonatnog i simfonijskog stavaka. U periodu klasicizma nastaje gudački kvartet koji se sastoji od dvije violine, viole i violončela, a sastav orkestra se značajno širi.

Dakle, sa svim svojim poteškoćama, estetskim protivrečnostima, pa i šokovima, sa svojim kontrastima i svojim najvišim jedinstvom, 18. vek je bio veliki vek muzičke umetnosti, vreme njenog divnog uspona. Uz svu stilsku i žanrovsku raznolikost u muzičkoj kulturi 18. stoljeća, mogu se identificirati glavni razvojni trendovi:

Sekularna muzika postepeno zamjenjuje duhovnu muziku, a dotadašnja jasna granica između ovih polova muzičke kulture se briše.

Instrumentalna muzika postaje sve rasprostranjenija.

Formira se simfonijski orkestar i osnovne tehnike orkestarskog pisanja.

Sljedeće faze u razvoju opere. Pojava novih žanrova, klasičnih i romantičnih.

Vrhunac klasicizma - sonata, simfonija, koncert. Sonatna forma.

Nova harmonija i nove slike u romantizmu.

Pojava nacionalnih škola.

Kulturna baština 18. vijeka i danas oduševljava svojom izuzetnom raznolikošću, žanrovskim i stilskim bogatstvom, dubinom razumijevanja ljudskih strasti, najvećim optimizmom, vjerom u čovjeka i njegov um.

Bahov kompozitor baroknog klasicizma

2. Izuzetni kompozitori 18. veka

Najpoznatija imena ovog perioda I.S. Bach, G.F. Handel. Njihovi radovi se mogu različito ocenjivati: ocena zavisi od ukusa i trendova. Ali svako na svom polju ispunili su svoju misiju jednako savršeno. Snaga njihovog stvaralaštva koncentrisala je oko sebe sve značajno što je do tada postigla evropska muzika.

Johan Sebastian Bach (1685 - 1750) jedan je od najvećih kompozitora u istoriji muzike. Tokom svog života, Bah je napisao više od 1000 dela. Njegov rad predstavlja sve značajnih žanrova tog vremena, osim opere; on je sažeo sva dostignuća muzičke umetnosti ovog perioda.

U formiranju Bachove ličnosti i kreativnosti važnu ulogu koju svira muzička kultura njemačkog protestantizma. Nije slučajno da najveći deo kompozitorovog nasleđa čini sakralna muzika. Za najpopularnije žanr XVIII in., opera, nije se prijavio.

Bach nikada nije napustio Njemačku, štoviše, živio je uglavnom ne u glavnim gradovima, već u provincijskim gradovima. Međutim, bio je upoznat sa svim značajnim razvojima u muzici tog vremena. Kompozitor je u svom radu uspio spojiti tradiciju protestantskog korala sa tradicijom evropskih muzičkih škola. Bahova djela su različita filozofska dubina, koncentracija misli, nedostatak sujete. Ključna karakteristika njegova muzika ima neverovatan osećaj za formu. Ovdje je sve izuzetno precizno, izbalansirano i istovremeno emotivno. Različiti elementi muzičkog jezika rade na stvaranju jedne slike, što rezultira harmonijom cjeline.

Djelo Bacha, univerzalnog muzičara, saželo je dostignuća muzičke umjetnosti nekoliko stoljeća na granici baroka i klasicizma. Izrazito nacionalni umjetnik, Bach je spojio tradiciju protestantskog korala sa tradicijom austrijske, talijanske i francuske muzičke škole.

Vodeći žanr u Bachovom vokalnom i instrumentalnom stvaralaštvu je duhovna kantata. Bach je stvorio 5 godišnji ciklusi kantate, koje se razlikuju po pripadnosti crkvenom kalendaru, po izvorima teksta (psalmi, koralne strofe, „slobodna” poezija), po ulozi korala itd.

Od sekularnih kantata najpoznatije su “Seljak” i “Kafa”. Principi razvijeni u kantiranoj dramaturgiji implementirani su u masama i „Pasiji“. “Visoka” misa u h-molu, “Muke po Jovanu”, “Muke po Mateju” postale su kulminacija vekovna istorija ovih žanrova.

Orguljska muzika zauzima centralno mesto u Bahovom instrumentalnom delu. Sintetizirajući iskustvo improvizacije orgulja naslijeđeno od svojih prethodnika (D. Buxtehude, I. Pachelbel, G. Böhm, I.A. Reinken), različite varijacione i polifone kompozicijske tehnike i savremene principe koncertiranja, Bach je preispitao i osavremenio tradicionalne žanrove. orguljske muzike- toccata, fantasia, passacaglia, chorale prelude.

Kao virtuozni izvođač i jedan od najvećih stručnjaka za klavijaturne instrumente svog vremena, Bach je stvorio opsežnu literaturu za klavir. Među klavijaturnim delima, najvažnije mesto zauzima „Dobro temperirani klavier“ – prvo iskustvo u istoriji muzike umjetnička primjena razvijena na prelazu iz 17. u 18. vek. temperirani sistem.

Najveći polifonista, Bach, stvorio je nenadmašne primere u fugama, svojevrsnoj školi kontrapunktnog majstorstva, koja je nastavljena i dovršena u „Umetnosti fuge“, na kojoj je Bah radio poslednjih 10 godina svog života. Bach je autor jednog od prvih koncerata za klavijature - Talijanskog koncerta (bez orkestra), koji je u potpunosti utvrdio samostalni značaj klavijara kao koncertnog instrumenta.

Bachova muzika za violinu, violončelo, flautu, obou, instrumentalni ansambl, orkestar – sonate, suite, partite, koncerte – označava značajno proširenje izražajnih i tehničkih mogućnosti instrumenata, otkriva duboko poznavanje instrumenata i univerzalizam u njihovoj interpretaciji.

Među Bahovim djelima za druge instrumente, glavno mjesto imaju violinske sonate, partite i koncerti. Biti sa mladost Izvrstan violinista, Bach, kompozitor, savršeno je shvatio mogućnosti instrumenta, njegov „stil“, kao što je ovladao „stilom“ orgulja i klavira. Nova vrsta violinske muzike u to vrijeme poslužila mu je kao uzor u stvaranju ne samo violinskih djela, što je već zabilježeno na primjeru koncerata. Istovremeno, Bach je nastojao da razvijenu polifoniju razvijenu u formama orguljaške i klavirske muzike prenese na violinske sonate, postavljajući izuzetno visoke zahtjeve ovom instrumentu. „U suštini, sva njegova djela stvorena su za idealan instrument, pozajmljujući od klavijature mogućnosti polifonog sviranja, a od gudača – sve prednosti u proizvodnji zvuka“, s pravom zaključuje Albert Schweitzer 6 Brandenburških koncerata za različite instrumentalne kompozicije, koje implementirali žanrovske i kompozicione principe Concerto grosso, bili su važan korak na putu ka klasičnoj simfoniji.

Za Bachovog života objavljen je mali dio njegovih djela. Bahovo delo je toliko duboko i višestruko da ga njegovi savremenici nisu mogli ceniti u njegovoj pravoj vrednosti. Prava skala Bahov genij, koji je imao snažan uticaj na kasniji razvoj evropske muzičke kulture, počeo je da se ostvaruje tek nakon njegove smrti. Morao je proći čitav vek pre nego što je Bah dobio priznanje kao veliki kompozitor.

Ime Georgea Friderica Handela (1685-1759) vezuje se za razvoj opere i oratorija. Već sa dvanaest godina Hendl je napisao crkvene kantate i komadi orgulja. Godine 1702. preuzeo je dužnost orguljaša protestantske katedrale u svom rodnom gradu Haleu, ali je ubrzo shvatio da crkvena muzika nije njegov poziv. Mnogo više kompozitor Privukla me je opera.

Hendl je ostavio trag kao operski kompozitor u Italiji. Slavu mu je donela predstava Agripina (1709) u Veneciji, a opera Rinaldo (1711), postavljena u Londonu, učinila je Hendla najvećim operskim kompozitorom u Evropi. Učestvovao je u operskim preduzećima (tzv. akademijama), postavljao svoje opere, kao i dela drugih kompozitora; Posebno uspješan za Hendla bio je njegov rad na Kraljevskoj muzičkoj akademiji u Londonu. Hendl je komponovao nekoliko opera godišnje. 1730-ih godina. kompozitor traži nove puteve u muzičkom pozorištu - jačanje uloge hora i baleta u operama ("Ariodante", "Alcina", obe - 1735).

Hendlov operski rad bio je pod uticajem muzičke dramaturgije R. Kajzera. Umjetnik prosvjetiteljstva, Hendl je sumirao dostignuća muzičkog baroka i utro put muzičkom klasicizmu. Ne kršeći potpuno kanone opera seria, kontrastnim poređenjem dramskih slojeva, Hendl je postigao intenzivan razvoj radnje.

Radio je i u žanru italijanske opere serije. Muzika nesvakidašnje lepote ostavila je veliki utisak na slušaoce. Ukupno je majstor stvorio više od četrdeset djela ovog žanra. Međutim, nisu svi prihvatili opersku seriju u Engleskoj. Nije slučajno što je Prosjačka opera (1728; muzika Johann Christoph Pepusch, libreto Džon Gej), koja je parodirala italijanske opere, što je, kako su neki verovali, ometalo razvoj nacionalnog teatra, postigla ogroman uspeh.

Doveo je italijansku Opera Seria na prag reformi. Gluck će to početi provoditi tek više od dvadeset godina kasnije, kada se steknu potrebni istorijski uslovi. Sam Hendl će nastaviti svoju potragu u oratorijskom žanru.

Hendelova djela karakterizira monumentalno-herojski stil, optimistički, životno-potvrđujući princip koji spaja herojstvo, ep, lirizam, tragediju i pastoralizam u jedinstvenu skladnu cjelinu. Upijajući i kreativno preispitujući uticaj italijanskog, francuskog, engleska muzika, Hendl je ostao nemački muzičar u poreklu svog stvaralaštva i načina razmišljanja.

U 40-im godinama, nakon neuspjeha opere “Deidamia” (1741), Hendl se više ne okreće ovoj vrsti muzičke umjetnosti i sve svoje vrijeme posvećuje oratoriju - najvišem kreativno dostignuće G.F. Handel.

Nova kompozitorova djela naišla su na topli prijem u javnosti. Hendl je stvorio trideset i dva oratorija. U oratoriju, ne vezan strogim žanrovskim ograničenjima, Hendl je nastavio traganje na polju muzičke drame, u zapletu i kompoziciji.

Ovaj zaokret neće ostati bez posljedica čak ni na dalji put kompozitor. Stvarajući istinski herojske oratorije, okrenut će se temama i slikama povezanim s idejom žrtvovanja, žrtvovanja u sudbini osobe, neodoljive propasti heroja ili heroine. A sve što je Hendel postigao dugi niz godina u operskoj umetnosti, sve najbolje što je ovde pronašao, neće proći pored oratorija. Među Hendelovim najpopularnijim djelima su oratoriji “Izrael u Egiptu” (1739) i “Mesija” (1742), koji su nakon uspješne premijere u Dablinu naišli na oštre kritike svećenstva. Uspjeh kasnijih oratorija, uklj. Juda Makabejski (1747.), doprinio je Hendelovom učešću u borbi protiv pokušaja obnove dinastije Stjuart. Zasnovano na biblijskim pričama i njihovom prelamanju u engleska poezija Hendl je otkrio slike narodnih nesreća i stradanja, veličinu narodne borbe protiv ugnjetavanja porobljivača. Hendl je bio tvorac nove vrste vokalnih i instrumentalnih dela koja kombinuju skalu (snažni horovi) i strogu arhitektoniku. Hendlovi oratoriji zadivljuju snagom zvuka hora, virtuoznom upotrebom polifonije i mekim i fleksibilnim, izražajnim melodijama arija. Refren je osmišljen da naglasi monumentalnost događaja, njegov ogroman značaj za čovečanstvo, a arije imaju za cilj da naglase snagu herojevih osećanja.

U oratorijskom žanru, kao ni u jednom drugom, Hendl je mogao slobodno raspolagati horskim masama, uključivši hor u epsku pripovest ili dramatična radnja. Nije ni pomišljao da oponaša italijanske oratorijumske uzore, koji su u njegovo vrijeme mnogo više gravitirali opernim formama nego horskoj monumentalnosti. Kao i Bach, Hendl je očigledno uvek imao duboko kreativno interesovanje za velike polifone forme.

Tokom svoje karijere, Hendel je takođe radio u instrumentalnim žanrovima; najveća vrijednost have it concerti grossi. Motivski razvoj, posebno u orkestralnim djelima, i homofono-harmonijski stil u Hendlu prevladavaju nad polifonim razvojem materijala, melodija se odlikuje dužinom, intonacijom i ritmičkom energijom, te jasnoćom obrasca. Samo u poređenju sa Hendlovim operama i oratorijumima njegova instrumentalna muzika može izgledati manje značajna. Ali sam po sebi je vrlo indikativan za njega, usko povezan sa glavnim oblastima njegovog rada i pun umetničkog interesovanja. Iako na trnovit put Za kompozitora su instrumentalna djela bila više opuštanje nego ekstremni napor. Uspio je da napiše mnogo njih: više od 50 koncerata, više od 40 sonata i oko 200 komada za klavir, klavir ili orgulje, kao i razne instrumentalne; kompozicije. Dakle, da Hendel nije stvorio ništa osim oratorija, njegovo stvaralačko nasleđe bi se i dalje smatralo grandioznim. Ali takođe poseduje više od četrdeset opera, uključujući bezbroj stranica prelepe muzike. I pored svih značajnih žanrovskih razlika, sa drugačijim odnosom muzike i teksta, Hendlove italijanske opere u samom muzičkom smislu pripremile su mnogo za dijapazon slika u njegovim oratorijumima. Zauzvrat, neprekidna evolucija njegovog oratorijumskog stvaralaštva i višestruka istraživanja u ovoj oblasti bili su od neprocenjive važnosti kako za istoriju oratorijuma, tako i za dalju istoriju opere. Njegovi radovi imali su značajan uticaj na umetnike narednih generacija, posebno na predstavnike bečke klasične škole. Handelov rad imao je značajan uticaj na J. Haydna, V.A. Mozart, L. Beethoven, M.I. Glinka.

3. Ruska muzika 18. veka

Prije svog procvata i formiranja prvih nacionalnih kompozitorskih škola početkom 19. stoljeća, prošao je dug put razvoja. Sve do sredine 18. veka sekularne muzike nije bio profesionalan, glavni muzički žanrovi ležali su na tom području folklor i sakralne muzike. Glavni žanrovi bili su kanta i horski koncert. Horski koncert je bio važna prelazna faza od crkvene do profesionalne svjetovne muzike. Većina složenog oblika Ruska muzička umjetnost 18. stoljeća smatra se " duhovni koncert za hor." U 18. veku dogodila se odlučujuća prekretnica u celokupnoj strukturi ruske muzike. Počinje da prevladava svjetovna muzika, uvode se moderne forme profesionalna muzika- simfonijski i kamerni koncerti, razvija se domaća muzika. Uspješno je uspostavljena muzika evropskog tipa sa notnim zapisom.

Rođen je ruski muzički teatar, koji se zasnivao na tradiciji horsko pevanje, upotreba raznih tropara, nadmotaja. U poslednjoj trećini 18. veka u Rusiji se pojavilo pravo muzičko pozorište. Posebno su bila poznata tvrđava pozorišta Šeremetjeva i Voroncova. Od 1730-ih u Sankt Peterburgu je postojao dvorjanin Italijansko pozorište, za koji su radili kompozitori kao što su Baltasare Galupi i Domenico Cimarosa. Godine 1780. u Moskvi je osnovano prvo muzičko pozorište u Rusiji, Petrovsko pozorište. Od 1783 muzičke predstave postavljen u Sankt Peterburgu u pozorištu Kamenny. Pokrajinski gradovi slijedili su ovaj primjer. U posljednjoj četvrtini 18. vijeka nacional škola kompozitora, koji je apsorbirao slobodoljubive obrazovne ideje, zanimanje za narodnu pjesmu, za koju su glavni žanrovi bili komična opera, lirska romansa i varijacije na ruske teme. Među različitim žanrovima profesionalne muzike kasnog 18. veka, opera je na prvom mestu. Opera u ovom dobu postaje najrazvijeniji, najprofesionalniji i ujedno najrašireniji oblik. muzičko stvaralaštvo. Nije iznenađujuće da su se upravo u operskom žanru kasnije najjasnije ispoljile kreativne sposobnosti ruskih kompozitora 18. stoljeća. Opera privlači kako široku publiku tako i najbolje kreativne snage. Opera izaziva živahne reakcije u javnom mnjenju, u poeziji, književnosti i kritici. Sa velikom spontanošću i potpunošću odražava napredne, demokratske tendencije ruske umetnosti.

Uz operu, u Rusiji postaju sve popularniji različiti žanrovi kamerna muzika. Sredinom 18. vijeka, kamerni koncerti na dvoru postali su uobičajeni. Kamerno sviranje uživalo je veliki uspjeh u aristokratskim amaterskim krugovima. Do tada je uloga dvorskog orkestra značajno porasla. Početkom 60-ih orkestar je podijeljen u dvije nezavisne grupe muzičara - izvođače operske, simfonijske i plesne muzike. Takva diferencijacija bila je nesumnjivi znak rasta izvođačkih snaga.

Maksim Berezovski i Dmitrij Bortnjanski bili su briljantni operni i instrumentalni kompozitori. Evstigney Fomin postao je poznat u žanru opere „pjesme“ po ruskim motivima („Kočijaši na stajalištu“ na tekst N.A. Lvova) i u žanru opere-tragedije („Orfej“ na tekst Ya.B. Knyazhnin). Violinski virtuoz Ivan Khandoshkin autor je šarmantno melodičnih sonata i varijacija na ruske narodne teme. Osip Kozlovsky je stekao popularnost svojim patriotskim polonezama ("Grom pobede, zazvoni!") i "Ruskim pesmama".

Tako je ruska muzika 18. veka odražavala nagli i brzi uspon koji se desio u svim oblastima javni život u postpetrovskoj Rusiji.

Neobičan preplitanje nacionalnog i panevropskog, pomalo naivnog i zrelog, starog i novog, duhovnog i sekularnog - sve to zajedno čini jedinstveni izgled ruske muzike doba prosvjetiteljstva.

Zaključak

Završavajući ovaj rad, napomenimo ukratko sljedeće. U 18. veku, muzički jezik, o kojem će tada govoriti cijela Evropa, forme dostižu najviši nivo savršenstva. Veliki majstori koji rade u raznim zemljama, svojom kreativnošću definišu svu muzičku umjetnost ovog perioda.

U stvaralaštvu kompozitora ovaj period je predstavljen takvim umjetničkih stilova poput klasicizma, baroka, rokokoa. Uz već postojeće monumentalne žanrove mise i oratorija, fundamentalno vodeći žanr novi žanr- opera. Dominacija sekularne muzike je konačno konsolidovana. Njegov sadržaj pokriva širok spektar tema i slika; razvija se javni muzički život; otvaraju se stalne muzičke institucije - opere, filharmonije; unapređuju se gudački i duvački muzički instrumenti; razvija se muzička štampa.

Muzika 18. veka istakla je dva gigantska, nedostižna vrha - Hendla i Baha. Prošlo je više od dvije stotine godina, a interesovanje za njihovu muziku samo raste.

Na kraju ovog perioda počinje formiranje simfonije i baleta. Paralelno sa usponom polifonije slobodnog stila, koja zamjenjuje strogu stilsku polifoniju, u svakodnevnoj plesnoj, a kasnije i profesionalnoj muzici javlja se homofono-harmonijska kompozicija. U zemljama u kojima se u ovom trenutku nastavlja proces formiranja nacija, formiraju se visoko razvijene nacionalne muzičke kulture. Tako su se rodile opera, oratorijum i kantata u Italiji, obnovljena je instrumentalna muzika, u Francuskoj - opera-balet, novi oblici klavijaturnih minijatura, u Engleskoj - škola klavijatura virginalista.

U ruskoj muzici u 18. veku dogodio se odlučujući preokret: počela je da preovladava svetovna muzika, uvode se moderni oblici profesionalne muzike - simfonijski i kamerni koncerti, razvija se kućno muziciranje, uspešno se uspostavlja muzika evropskog tipa sa notnim zapisom. , a pojavile su se i prve opere.

Period Petra Velikog označio je početak razvoja nove vrste svjetovne muzike. Kreativnost ovog vremena je još uvijek vrlo beznačajna: ograničena je uglavnom na najjednostavnije žanrove primijenjene muzike - vojnu, stonu, plesnu.

Vojni bendovi sviraju na ulicama nove prestonice - Sankt Peterburga; U palati se održavaju skupovi s plesovima; muzika se čuje na svečanim proslavama, na vojnim paradama i na pozorišnim scenama. Izgradnja nove „ruske države“ uporno je zahtevala nove, posebne, specifične oblike muziciranja.

Nova funkcija muzičke umetnosti posebno se u potpunosti manifestovala u žanrovima svečane i obredne muzike.

U čast Petra I i njegovih zapovjednika izvođeni su posebno komponovani napjevi, nazvani "panegiričnim" ili "viat" pjevanjima.

U muzičkom i poetskom smislu, panegirični napjevi bili su tipičan izraz herojsko-patriotskih osjećaja iz doba Petra Velikog.

Izrodili su poseban stil svečano bujne, himnične horske muzike, stil koji je primio vrhunski završetak u horskim koncertima, kantatama i oratorijumima krajem veka. Plesni žanrovi bili su posebno popularni Plesovi sabora Petra Velikog - menuet, poloneza, anglaza - bili su čvrsto ukorijenjeni na ruskom tlu, a neki od njih, prvenstveno menuet, postali su omiljeni u plemićkom društvu.

Muzički repertoar Petrovih sabora bio je prilično raznolik. Posljednjih godina Petrove vladavine muzička zabava na dvoru poprimila je drugačiji karakter.

Postepeno su se najobrazovaniji predstavnici ruske aristokratije počeli baviti muzikom. Neki od njih su bili vešti u veštini sviranja klavikorda, violine i flaute. Na dvoru su u modi ušle i galantne pjesme ljubavnog i lirskog sadržaja ("arije"), izvođene uz pratnju čembala, flaute ili violine. Prve godine vladavine Petra I označile su početak aktivnog razvoja pozorišnog života u Rusiji. Po prvi put, stud teatar je relativno pristupačan širok raspon gledaoci. Instrumentalna muzika je bila stalni učesnik svih nastupa. Scenska produkcija je očigledno zahtevala prilično veliku grupu muzičara.

Počevši da postoji u prvim godinama vladavine Petra I, rusko pozorište je nastavilo da raste i razvija se tokom 18. veka. Pozorište je postalo važno središte muzičkog života u postpetrovsko doba, kada je umjetnost dobivala širu javnost.

Doba 30-60-ih godina 18. stoljeća obilježila je rast nacionalne samosvijesti i jačanje nacionalnih kulturnih tradicija. Aktivnosti Mihaila Vasiljeviča Lomonosova, prvog ruskog naučnika u svetskim razmerama, bile su od velikog značaja. ruska književnost je rasla i jačala; Poezija ruskog klasicizma je procvjetala, zastupljena u djelima istog Lomonosova i njegovih najbližih savremenika V.K. Trediakovskog i A.P. Sumarokova. Uspjesi ruske umjetnosti jasno su se očitovali u radu poznatog arhitekte V.V.Rastrelija, na portretu A.P.Losenka, A.P.Antropova i I.P.

U periodu 30-40-ih godina, muzika je postepeno napuštala sferu primijenjene umjetnosti na samostalan put razvoja. Savladavaju se složeni muzički žanrovi: opera, kantata, sonata, suita. Muzički instrumenti, uključujući klavikord, violinu i harfu, postajali su sve rašireniji u svakodnevnom životu plemstva. Kamerni koncerti održavaju se na dvoru iu kućama plemića. Formiraju se horovi, orkestri i operske trupe, a ruski muzičari savladavaju izvođačke vještine. Dakle, razvijanje tradicije svakodnevnog i koncertnog muziciranja pripremilo je teren za kasniju pojavu ruske škole kompozicije.

Glavni žanr koji karakteriše razvoj muzičke umetnosti u 18. veku u Rusiji bila je opera. Nije iznenađujuće da su se upravo u operskom žanru kasnije najjasnije ispoljile kreativne sposobnosti ruskih kompozitora 18. stoljeća.

Uz operu, u Rusiji postaju sve popularniji različiti žanrovi kamerne muzike. Sredinom 18. vijeka, kamerni koncerti na dvoru postali su uobičajeni.

Kamerno sviranje uživalo je veliki uspjeh u aristokratskim amaterskim krugovima. Do tada je uloga dvorskog orkestra značajno porasla.

Početkom 60-ih orkestar je podijeljen u dvije nezavisne grupe muzičara - izvođače operske, simfonijske i plesne muzike. Takva diferencijacija bila je nesumnjiv znak rasta izvođačkih snaga.

Nije slučajno da su se među muzičarima dvorskog orkestra pojavili tako nadareni ruski kompozitori kao što su V.A. Khandoshkin.

Poslednju trećinu 18. veka karakteriše značajna demokratizacija muzičkog i društvenog života. Pozorišni život ide daleko izvan granica dvorskog, aristokratskog života. Razvijaju se muzičko obrazovanje, muzička štampa i muzičko izdavaštvo. Muzika postaje vlasništvo širih krugova ruskog društva: kućno sviranje postaje široko rasprostranjeno u malim i urbanim buržoaskim sredinama.

Vodeća uloga u muzičkom životu Rusije i dalje pripada opera. Međutim, razvoj muzičko pozorište Do tada je poprimila novi pravac: mijenjali su se i operski repertoar i sastav publike.

Uspjesi domaćeg dramskog pozorišta bili su od velikog značaja za razvoj operskog žanra u Rusiji. Pozorišni život je dostigao veliki uspon u periodu 1770-1780, u doba delovanja vodećih ruskih dramatičara Fonvizina, Nikolajeva, Knjažina, Kapnista. Godine 1776. u Moskvi je otvoreno pozorište Petrovsky, na osnovu kojeg je kasnije nastao Boljšoj teatar.

Uz gradska "slobodna" pozorišta, krajem 18. veka bila je široko razvijena mreža kmetovskih pozorišta raštrkanih širom Rusije.

Posebno su bila poznata pozorišta grofa N.P. Šeremeteva u njegovim posjedima Kuskovo i Ostankino.

Pozorište Šeremetjev je prvenstveno bilo operska kuća, a osnovu repertoara činile su najnovije pozorišne "vesti" - komične opere francuskih i italijanskih kompozitora. Na ovoj sceni izvedena su najbolja djela Paisiella, Piccinija, Grétryja i Monsine.

A u glavnim ulogama blistala je poznata „prva pjevačica“ pozorišta Šeremeteva Praskovya Ivanovna Kovaleva (na sceni - Parasha Zhemchugova, 1768-1803), čije je ime ušlo u narodne legende i bilo je prekriveno legendarnom slavom.

Posebna vrsta izvođenja, muzika horni orkestara, uživala je široku popularnost u svakodnevnom životu u feudalnoj Rusiji.

Krajem 18. vijeka, horni orkestri su izvodili i prilično širok koncertni repertoar klasične muzike (uključujući simfonije Haydna i Mocarta) i čak su učestvovali u operskim predstavama.

Krajem 18. vijeka koncertni život postaje sve sistematičniji.

Koncerti oratorijuma i hora imali su veliki uspeh u javnosti. U isto vrijeme održani su i solistički koncerti.

Nastupi čembalista i orguljaša W. Palschaua, I. Gesslera, A. Sartoria, koji su bili poznati i u Rusiji po svojoj nastavničkoj djelatnosti, uživali su veliki uspjeh.

Uspjesi u muzičkom obrazovanju i pozorišnom i koncertnom životu

stvorio čvrst temelj za dalji rast muzičke kulture. Ako je početkom veka kućno muziciranje cvetalo samo u uskom krugu ruske aristokratije i u velikoj meri predstavljalo danak „stranom ukusu“, sada je postalo neophodnost.

Uprkos klasnim ograničenjima, sve širi slojevi stanovništva su privučeni muzičkom umetnošću, pa čak i predstavnici klase kmetova sada čine gotovo glavnu grupu profesionalnih muzičara. Do kraja 18. vijeka možemo govoriti o uvriježenim, stabilnim nacionalnim tradicijama u oblasti muzičkog izvođenja, operskog pozorišta i koncertnog života.

OperaXVIIIveka.

Među različitim žanrovima profesionalne muzike kasnog 18. veka, opera je na prvom mestu. Opera u ovom dobu postaje najrazvijeniji, najprofesionalniji i ujedno najrašireniji vid muzičkog stvaralaštva. Opera privlači kako široku publiku tako i najbolje kreativne snage. Opera izaziva živahne reakcije u javnom mnjenju, u poeziji, književnosti i kritici. Sa velikom spontanošću i potpunošću odražava napredne, demokratske tendencije ruske umetnosti.

Opera je, kao i komedija, dotakla najakutnije, temeljne probleme ruske stvarnosti, a prije svega pitanje društvene nejednakosti, teškog, nemoćnog položaja kmetovskog seljaštva.

Ruska opera 18. veka je, pre svega, realistička opera-komedija svakodnevnog života, usko povezana sa celokupnom strukturom ruskog društvenog života.

Na operskoj sceni krajem 18. veka pojavljuje se galerija tipičnih likova davno poznatih gledaocu iz tadašnjih komedija.

Opera je, na svoj način, prikladno ismijavala zaostali moral ruskog društva, kažnjavala poroke stoke i prostakluka.

Kritička, optužujuća orijentacija određuje glavnu, osnovnu tendenciju realističke opere-komedije 18. stoljeća, koja je ušla u krug najznačajnijih, progresivnih pojava ruske umjetnosti Radiščovljevog doba.

Mlada operska umetnost 18. veka jasno pokazuje neverovatnu raznolikost puteva razvoja ruske kompozicije.

Opera je, sa svom složenošću i raznovrsnošću svojih oblika, hranila svu rusku profesionalnu muziku i doprinela razvoju drugih žanrova.

U njemu su ukorijenjeni temelji i ruskog simfonizma i ruske horske klasike. Blisko vezan za narodne pjesme i svakodnevnu romansu, utjecao je i na profesionalne vokalne tekstove.

Aktivan razvoj operske dramaturgije u 18. veku umnogome je unapred odredio važnu ulogu koju je operski žanr trebalo da ima u stvaralaštvu klasičnih kompozitora.