Svaka zemlja ima svoje heroje savremene umjetnosti, čija su imena poznata, čije izložbe privlače mnoštvo obožavatelja i znatiželjnika, a čija se djela prodaju u privatnim kolekcijama.

U ovom članku ćemo vas upoznati s najpopularnijim savremeni umetnici Japan.

Keiko Tanabe

Rođena u Kjotu, Keiko je izvojevala mnoge pobjede kao dijete. likovnih konkursa, Ali više obrazovanje Uopšte to nisam shvatio na polju umetnosti. Radila je u odjelu za međunarodne odnose japanske lokalne vladine trgovinske organizacije u Tokiju, velika advokatska firma u San Franciscu i u privatnoj konsultantskoj firmi u San Diegu, i mnogo je putovao. Počevši od 2003. godine, napustila je posao i nakon što je u San Diegu studirala osnove akvarela, posvetila se isključivo umjetnosti.

Ikenaga Yasunari

Japanski umjetnik Ikenaga Yasunari slika portrete moderne žene u staroj japanskoj slikarskoj tradiciji, koristeći Menso četku, mineralne pigmente, čađu, mastilo i lan kao bazu. Njegovi likovi su žene našeg vremena, ali zahvaljujući Nihonginom stilu, imate osjećaj da su nam došle od pamtivijeka.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki je realistički umjetnik koji je ovladao tehnika akvarela. Abe se može nazvati umjetnikom-filozofom: on u osnovi ne slika poznate znamenitosti, preferirajući subjektivne kompozicije koje odražavaju unutarnja stanja osobe koja ih promatra.

Hiroko Sakai

Karijera umjetnika Hiroko Sakaija započela je ranih 90-ih u gradu Fukuoka. Nakon što je diplomirala na Univerzitetu Seinan Gakuin i na francuskoj školi za dizajn interijera Nihon u dizajnu i vizualizaciji, osnovala je Atelier Yume-Tsumugi Ltd. i uspješno vodi ovaj studio 5 godina. Mnogi njeni radovi ukrašavaju predvorje bolnica, kancelarije velikih korporacija i neke opštinske zgrade u Japanu. Nakon preseljenja u Sjedinjene Države, Hiroko je počela slikati uljem.

Riusuke Fukahori

Trodimenzionalni radovi Riusukija Fukahorija podsjećaju na holograme. Oni su gotovi akrilne boje, nanesena u nekoliko slojeva, i tečnost prozirne smole - sve to, ne isključujući tradicionalne metode kao što su crtanje senki, omekšavanje ivica, kontrola transparentnosti, omogućava Riusukiju da kreira skulpturalne slike i daje radovima dubinu i realizam.

Natsuki Otani

Natsuki Otani je talentovani japanski ilustrator koji živi i radi u Engleskoj.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu je kao osnovu za svoju kreativnost odabrao win-win temu - crta mačke. Njegove slike su popularne u cijelom svijetu, posebno u obliku slagalica.

Tetsuya Mishima

Većina slika savremenog japanskog umjetnika Mishime rađena je u ulju. Profesionalno se bavi slikarstvom od 90-ih i ima ih nekoliko lične izložbe i veliki broj kolektivnih izložbi, japanskih i stranih.

Ako mislite da su svi veliki umjetnici u prošlosti, onda nemate pojma koliko griješite. U ovom članku ćete naučiti o najpoznatijim i najtalentovanijim umjetnicima našeg vremena. I, vjerujte, njihova djela će vam ostati u sjećanju ništa manje od djela maestra iz prošlih vremena.

Wojciech Babski

Wojciech Babski je savremeni poljski umjetnik. Završio je studije na Šleskom politehničkom institutu, ali se povezao sa. IN U poslednje vreme privlači uglavnom žene. Fokusira se na izražavanje emocija, nastoji postići što veći učinak jednostavnim sredstvima.

Voli boje, ali često koristi nijanse crne i sive kako bi postigao najbolji utisak. Ne plašite se eksperimentisanja sa različitim novim tehnikama. U posljednje vrijeme sve je popularniji u inostranstvu, uglavnom u Velikoj Britaniji, gdje uspješno prodaje svoja djela koja se već nalaze u mnogim privatnim kolekcijama. Osim umjetnosti, zanimaju ga kosmologija i filozofija. Sluša jazz. Trenutno živi i radi u Katowicama.

Warren Chang

Warren Chang - moderan Američki umjetnik. Rođen 1957. godine i odrastao u Montereyu u Kaliforniji, diplomirao je sa odlikom na Art Center College of Design u Pasadeni 1981. godine, gdje je dobio BFA. U naredne dvije decenije radio je kao ilustrator za različite kompanije u Kaliforniji i New Yorku prije nego što je započeo karijeru profesionalnog umjetnika 2009. godine.

Njegove realistične slike mogu se podijeliti u dvije glavne kategorije: biografske unutrašnje slike i slike koje prikazuju ljude na djelu. Njegovo interesovanje za ovaj stil slikanja datira još od rada umetnika iz 16. veka Johanesa Vermera, a proteže se na subjekte, autoportrete, portrete članova porodice, prijatelja, studenata, enterijere studija, učionice i domove. Njegov cilj je da realistične slike stvaraju raspoloženje i emocije kroz manipulaciju svjetlom i korištenje prigušenih boja.

Chang je postao poznat nakon prelaska na tradicionalnu likovnu umjetnost. U proteklih 12 godina stekao je brojne nagrade i priznanja, od kojih je najprestižnija Master Signature od Uljnih slikara Amerike, najveće zajednice slikanja ulja u Sjedinjenim Državama. Samo jedna osoba od 50 ima priliku da dobije ovu nagradu. Voren trenutno živi u Montereyu i radi u svom studiju, a takođe predaje (poznat kao talentovani učitelj) na Akademiji umetnosti u San Francisku.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni – Italijanski umetnik. Rođen u Blairu, 15. oktobra 1955. godine. Diplomirao je scenografiju na Institutu za umjetnost u Spoletu. Kao umjetnik, samouk je, jer je samostalno „sagradio kuću znanja“ na temeljima postavljenim u školi. Počeo je slikati uljem sa 19 godina. Trenutno živi i radi u Umbriji.

Brunijeve rane slike su ukorijenjene u nadrealizmu, ali s vremenom se počinje fokusirati na blizinu lirskog romantizma i simbolizma, pojačavajući ovu kombinaciju izuzetnom sofisticiranošću i čistoćom svojih likova. Animirani i neživi objekti dobijaju jednako dostojanstvo i izgledaju gotovo hiperrealistično, ali se u isto vrijeme ne skrivaju iza zavjese, već vam omogućavaju da vidite suštinu svoje duše. Svestranost i sofisticiranost, senzualnost i usamljenost, promišljenost i plodnost duh su Aurelija Brunija, hranjenog sjajem umjetnosti i harmonijom muzike.

Aleksander Balos

Alkasander Balos je savremeni poljski umjetnik specijaliziran za slikarstvo ulja. Rođen 1970. u Glivicama, Poljska, ali od 1989. živi i radi u SAD-u, u mjestu Shasta, Kalifornija.

Kao dijete učio je umjetnost pod vodstvom svog oca Jana, samoukog umjetnika i vajara, pa je rane godine, umjetnička aktivnost dobila punu podršku oba roditelja. Godine 1989, u dobi od osamnaest godina, Balos je napustio Poljsku i otišao u Sjedinjene Države, gdje je školski učitelj i honorarna umjetnica Katie Gaggliardi ohrabrila je Alkasandera da se upiše u umjetničku školu. Balos je potom dobio punu stipendiju na Univerzitetu Milwaukee, Wisconsin, gdje je studirao slikarstvo kod profesora filozofije Harryja Rosina.

Nakon što je 1995. godine diplomirao, Balos se preselio u Čikago da bi pohađao Školu lepih umetnosti, čije su metode zasnovane na kreativnosti. Jacques-Louis David. Figurativni realizam i portret činili su većinu Balosovog rada 90-ih i ranih 2000-ih. Danas Balos koristi ljudska figura kako bi se istakle osobine i pokazale nedostatke ljudske egzistencije, a da se pritom ne nude rješenja.

Predmetne kompozicije njegovih slika zamišljene su da ih posmatrač samostalno tumači, tek tada slike dobijaju svoje pravo vremensko i subjektivno značenje. Godine 2005. umjetnik se preselio u Sjevernu Kaliforniju, od tada se tematika njegovog rada značajno proširila i sada uključuje slobodnije slikarske metode, uključujući apstrakciju i različite multimedijalne stilove koji pomažu u izražavanju ideja i ideala postojanja kroz slikarstvo.

Alyssa Monks

Alyssa Monks – moderno Američki umjetnik. Rođen 1977. u Ridgewoodu, New Jersey. Slikarstvo sam počeo da se zanimam još kao dete. Studirala je na The New School u New Yorku i Montclair State University, a diplomirala je na Bostonskom koledžu 1999. godine sa diplomom. Istovremeno je studirala slikarstvo na Akademiji Lorenzo de Mediči u Firenci.

Zatim je nastavila studije na master studijama na Akademiji umetnosti u Njujorku, na odseku figurativne umetnosti, diplomirala 2001. Diplomirala je na koledžu Fullerton 2006. Neko vrijeme je predavala na univerzitetima i obrazovne instituciješirom zemlje predavala je slikarstvo na Akademiji umetnosti u Njujorku, kao i na Državnom univerzitetu Montclair i koledžu Lyme Academy of Art.

“Koristeći filtere kao što su staklo, vinil, voda i para, izobličavam ljudsko tijelo. Ovi filteri vam omogućavaju da kreirate velike površine apstraktni dizajn, sa ostrvima boja koji proviruju kroz delove ljudskog tela.

Moje slike mijenjaju moderni pogled na već ustaljene, tradicionalne poze i gestove kupaćih žena. Mogli bi ti puno reći pažljivom gledaocu o takvim naizgled samorazumljivim stvarima kao što su prednosti plivanja, plesa i tako dalje. Moji se likovi pritiskaju na staklo na prozoru tuš kabine, izobličujući vlastita tijela, shvaćajući da time utiču na ozloglašene muški pogled na goloj ženi. Debeli slojevi boje se miješaju da imitiraju staklo, paru, vodu i meso izdaleka. Međutim, izbliza, neverovatno fizička svojstva uljane boje. Eksperimentirajući sa slojevima boje i boja, pronalazim tačku u kojoj apstraktni potezi kistom postaju nešto drugo.

Kada sam tek počeo da slikam ljudsko telo, odmah sam bio fasciniran, pa čak i opsednut njime i verovao sam da svoje slike moram da učinim što realnijim. Realizam sam „ispovedao“ sve dok nije počeo da se raspliće i otkriva kontradiktornosti u sebi. Sada istražujem mogućnosti i potencijal stila slikarstva u kojem se susreću reprezentativno slikarstvo i apstrakcija – ako oba stila mogu koegzistirati u istom trenutku, to ću i učiniti.”

Antonio Finelli

Italijanski umjetnik – “ Time Observer” – Antonio Finelli rođen je 23. februara 1985. godine. Trenutno živi i radi u Italiji između Rima i Campobassa. Radovi su mu izlagani u nekoliko galerija u Italiji i inostranstvu: Rimu, Firenci, Novari, Đenovi, Palermu, Istanbulu, Ankari, Njujorku, a nalaze se iu privatnim i javnim kolekcijama.

Crteži olovkom" Time Observer„Antonio Fineli nas vodi na večno putovanje unutrašnji svet ljudska temporalnost i s njom povezana skrupulozna analiza ovoga svijeta, čiji je glavni element prolazak kroz vrijeme i tragovi koje ono ostavlja na koži.

Finelli slika portrete ljudi bilo koje dobi, pola i nacionalnosti, čiji izrazi lica ukazuju na prolazak kroz vrijeme, a umjetnik se nada da će na telima svojih likova pronaći dokaze nemilosrdnosti vremena. Antonio svoje radove definiše jednim, opštim naslovom: “Autoportret”, jer u svojim crtežima olovkom ne samo da prikazuje osobu, već omogućava gledaocu da sagleda stvarne rezultate protoka vremena unutar osobe.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni je 37-godišnja italijanska umjetnica, kćerka diplomate. Ima troje djece. Dvanaest godina je živela u Rimu, a tri godine u Engleskoj i Francuskoj. Diplomirala je istoriju umjetnosti na Umjetničkoj školi BD. Tada je dobila diplomu restauratorice umjetnosti. Prije nego što je pronašla svoj poziv i potpuno se posvetila slikarstvu, radila je kao novinarka, koloristkinja, dizajnerica i glumica.

Flaminijina strast za slikanjem nastala je u detinjstvu. Njen glavni medij je ulje jer voli da se “coiffer la pate” i igra sa materijalom. Sličnu tehniku ​​prepoznala je u djelima umjetnika Pascal Torua. Flaminia je inspirisana velikim majstorima slikarstva kao što su Balthus, Hopper i François Legrand, kao i raznim umjetničkim pokretima: uličnom umjetnošću, kineskim realizmom, nadrealizmom i renesansnim realizmom. Njen omiljeni umetnik je Caravaggio. Njen san je otkriti terapeutsku moć umjetnosti.

Denis Chernov

Denis Černov - talentovan ukrajinski umetnik, rođen 1978. godine u Sambiru, oblast Lavov, Ukrajina. Nakon što je 1998. godine završio umjetničku školu u Harkovu, ostao je u Harkovu, gdje trenutno živi i radi. Studirao je i na Harkovskoj državnoj akademiji za dizajn i umjetnost, odsjek grafičke umjetnosti, diplomirao 2004.

Redovno učestvuje u umjetničke izložbe, trenutno ih je više od šezdeset, kako u Ukrajini, tako iu inostranstvu. Većina radova Denisa Černova čuva se u privatnim kolekcijama u Ukrajini, Rusiji, Italiji, Engleskoj, Španiji, Grčkoj, Francuskoj, SAD, Kanadi i Japanu. Neka dela su prodata na Christie's.

Denis radi u širokom spektru grafičkih i slikarskih tehnika. Crteži olovkom jedna su od njegovih najomiljenijih metoda slikanja, lista njegovih tema crteži olovkom je takođe veoma raznolik, slika pejzaže, portrete, aktove, žanrovske kompozicije, ilustracije knjiga, književni i istorijske rekonstrukcije i fantazije.

Ima veoma bogatu istoriju; njegova tradicija je ogromna, sa jedinstvenom pozicijom Japana u svijetu koja uveliko utječe na dominantne stilove i tehnike japanskih umjetnika. Opšte je poznata činjenica da je Japan bio prilično izolovan dugi niz vekova, ne samo zbog geografije, već i zbog dominantne japanske kulturne sklonosti ka izolaciji koja je obeležila istoriju zemlje. Tokom vekova onoga što bismo mogli nazvati „japanskom civilizacijom“, kultura i umetnost su se razvijale odvojeno od onih u ostatku sveta. A to je čak i primjetno u praksi japanskog slikarstva. Na primjer, Nihonga slike su među glavnim djelima japanske slikarske prakse. Zasniva se na preko hiljadu godina tradicije, a slike se obično stvaraju kistovima na Vashi (japanski papir) ili Egina (svila).

Međutim, japanska umjetnost i slikarstvo bili su pod utjecajem stranih umjetničke prakse. Prvo, to je bila kineska umjetnost u 16. stoljeću i Kineska umjetnost i kineska umjetnička tradicija, koja je bila posebno utjecajna u nekoliko aspekata. Od 17. vijeka uticaj je bio i na japansko slikarstvo Zapadne tradicije. Konkretno, tokom predratnog perioda, koji je trajao od 1868. do 1945. godine, japansko slikarstvo je bilo pod uticajem impresionizma i evropski romantizam. Istovremeno, na nove evropske umjetničke pokrete također su značajno utjecale japanske umjetničke tehnike. U istoriji umetnosti ovaj uticaj se naziva „japanizam“, a posebno je značajan za impresioniste, kubiste i umetnike povezane sa modernizmom.

Duga istorija japanskog slikarstva može se posmatrati kao sinteza nekoliko tradicija koje stvaraju delove priznate japanske estetike. Prije svega, budistička umjetnost i metode slikanja, kao i religiozno slikarstvo, ostavio je značajan trag u estetici japanskog slikarstva; slikanje pejzaža vodenim tušem u kineskoj tradiciji književno slikarstvo- drugi važan element, prepoznat na mnogim poznatim japanskim slikama; slike životinja i biljaka, posebno ptica i cvijeća, su ono što se obično povezuje s japanskim kompozicijama, kao i pejzaži i prizori iz svakodnevnog života. konačno, veliki uticaj Japansko slikarstvo ima drevne ideje o lepoti iz filozofije i kulture Drevni Japan. Wabi, što znači prolazna i gruba ljepota, sabi (ljepota prirodne patine i starenja) i yugen (duboka gracioznost i suptilnost) nastavljaju da utiču na ideale u praksi japanskog slikarstva.

Konačno, ako se koncentrišemo na odabir deset najpoznatijih japanskih remek-djela, moramo spomenuti ukiyo-e, koji je jedan od najpopularnijih žanrova umjetnosti u Japanu, iako pripada grafiki. On je dominirao Japanska umjetnost od 17. do 19. vijeka, sa umjetnicima koji pripadaju ovom žanru stvarajući drvoreze i slike poput lijepih djevojaka, kabuki glumaca i sumo rvača, kao i scena iz istorije i narodnih priča, scena i pejzaža s putovanja, flore i faune i čak i erotika.

Uvek je teško napraviti listu najbolje slike od umjetničke tradicije. Mnogi nevjerovatni radovi bit će isključeni; međutim, ova lista sadrži deset najprepoznatljivijih japanskih slika na svijetu. Ovaj članak će predstaviti samo slike nastale od 19. stoljeća do danas.

Japansko slikarstvo ima izuzetno bogatu istoriju. Tokom vekova, japanski umetnici su razvili veliki broj jedinstvenih tehnika i stilova koji su najvredniji doprinos Japana svetu umetnosti. Jedna od ovih tehnika je sumi-e. Sumi-e doslovno znači "crtanje tušem" i kombinuje kaligrafiju i slikanje tušem kako bi stvorio rijetku ljepotu kompozicija nacrtanih kistom. Ova ljepota je paradoksalna - drevna, ali moderna, jednostavna, a složena, hrabra, ali prigušena, nesumnjivo odražavajući duhovnu osnovu umjetnosti u zen budizmu. Budistički sveštenici su u Japan uveli blok mastila i bambusovu četku iz Kine u šestom veku, a tokom proteklih 14 vekova Japan se razvio bogato naslijeđe slikanje tušem.

Pomaknite se prema dolje i pogledajte 10 japanskih slikarskih remek-djela

1. Katsushika Hokusai "San ribarske žene"

Jedna od najprepoznatljivijih japanskih slika je „San ribarske žene“. Naslikao ju je 1814. godine poznati umjetnik Hokusai. Po strogoj definiciji, ovo zadivljujuće Hokusaijevo djelo ne može se smatrati slikom, jer je riječ o drvorezu žanra ukiyo-e iz knjige Mladi borovi (Kinoe no Komatsu), koja je trotomna šunga knjiga. Kompozicija prikazuje mladog ama ronioca koji je seksualno isprepleten sa parom hobotnica. Ova slika je bila veoma uticajna u 19. i 20. veku. Rad je uticao na više pokojni umetnici kao što su Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopf i Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka “Abe no Nakamaro piše nostalgičnu pjesmu dok gleda mjesec”

Tessai Tomioka je pseudonim slavnog Japanski umetnik i kaligraf. Smatra se posljednjim velikim umjetnikom u tradiciji bunjinga i jednim od prvih velikih umjetnika Nihonga stila. Bunjinga je bila škola japanskog slikarstva koja je procvjetala u kasnoj Edo eri među umjetnicima koji su sebe smatrali literatima ili intelektualcima. Svaki od ovih umjetnika, uključujući Tessayu, razvio je svoje sopstveni stil i tehnologije, ali svi su bili veliki obožavatelji Kineska umjetnost i kulture.

3. Fujishima Takeji “Izlazak sunca nad istočnim morem”

Fujishima Takeji bio je japanski umjetnik poznat po svom radu na razvoju romantizma i impresionizma u umjetničkom pokretu joge (zapadnjački stil) s kraja 19. i početka 20. stoljeća. Godine 1905. otputovao je u Francusku, gdje je bio pod utjecajem francuskih pokreta tog vremena, posebno impresionizma, što se može vidjeti na njegovoj slici Izlazak sunca nad istočnim morem, koja je naslikana 1932. godine.

4. Kitagawa Utamaro “Deset tipova ženskih lica, kolekcija vladajućih ljepotica”

Kitagawa Utamaro je bio istaknuti japanski umjetnik koji je rođen 1753. i umro 1806. On je svakako najpoznatiji po seriji pod nazivom "Deset tipova ženska lica. Zbirka vladajućih ljepotica, teme Velika ljubav klasična poezija" (ponekad nazvana "Zaljubljene žene", koja sadrži odvojene gravure "Gola ljubav" i "Promišljena ljubav"). On je jedan od najvažnijih umjetnika koji pripadaju žanru ukiyo-e drvoreza.

5. Kawanabe Kyosai “Tigar”

Kawanabe Kyosai je bio jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika Edo perioda. Na njegovu umjetnost utjecao je rad Tohakua, slikara iz škole Kano iz 16. stoljeća koji je bio jedini umjetnik svog vremena koji je slikao ekrane u potpunosti mastilom na osjetljivoj pozadini od zlata u prahu. Iako je Kyosai poznat kao karikaturista, napisao je neke od njih poznate slike V Japanska istorija umjetnost 19. vijeka veka. "Tigar" je jedna od onih slika za koje je Kyosai koristio akvarel i mastilo.

6. Hiroši Jošida “Fudži sa jezera Kavaguči”

Hiroshi Yoshida je poznat kao jedna od najvećih figura Shin-hanga stila (Shin-hanga je umetnički pokret u Japanu početkom 20. veka, tokom perioda Taisho i Showa, koji su ponovo oživeli tradicionalna umjetnost ukiyo-e, koji se ukorijenio u periodima Edo i Meiji (XVII - XIX vijek)). Bio je obučen u tradiciji Zapadno slikarstvo ulje, koje je pozajmljeno iz Japana tokom Meiji perioda.

7. Takashi Murakami “727”

Takashi Murakami je vjerovatno najpopularniji japanski umjetnik našeg vremena. Njegovi radovi prodaju se po astronomskim cijenama na velikim aukcijama, a njegov rad već inspirira nove generacije umjetnika ne samo u Japanu, već iu inostranstvu. Murakamijeva umjetnost uključuje niz medija i obično se opisuje kao superflat. Njegov rad je poznat po upotrebi boja, uključujući motive japanske tradicionalne i popularne kulture. Sadržaj njegovih slika često se opisuje kao "slatki", "psihedelični" ili "satirični".

8. Yayoi Kusama “Pumpkin”

Yaoi Kusama je također jedan od najpoznatijih Japanski umjetnici. Ona stvara u razne tehnike, uključujući slikarstvo, kolaž, scat skulpturu, performans, umjetnost okoliša i instalaciju, od kojih većina pokazuje njen tematski interes za psihodelične boje, ponavljanje i uzorak. Jedna od najpoznatijih serija ovog velikog umjetnika je serija “Bundeva”. Prekrivena točkastim uzorkom, obična bundeva jarko žute boje predstavljena je na mrežastoj pozadini. Svi takvi elementi zajedno čine vizuelni jezik koji je nepogrešivo veran umetnikovom stilu, a razvijan je i usavršavan decenijama mukotrpne proizvodnje i reprodukcije.

9. Tenmyoya Hisashi “Japanski duh br. 14”

Tenmyoya Hisashi je savremeni japanski umjetnik koji je poznat po svojim neo-nihonga slikama. Učestvovao je u oživljavanju stare tradicije japanskog slikarstva, što je sušta suprotnost modernom japanskom slikarstvu. Godine 2000. kreirao je i svoju novi stil butouha, koji demonstrira jak stav do autoritativnog umetnički sistem kroz njegove slike. "Japanese Spirit No. 14" nastao je kao dio umjetnička shema"BASARA", prevedeno u Japanska kultura poput buntovničkog ponašanja niže aristokracije tokom perioda Zaraćenih država da se onima na vlasti uskrati mogućnost da postignu idealan životni stil oblačeći se u raskošnu i luksuznu odjeću i djelujući po slobodnoj volji koja nije bila u skladu s njihovom društvenom klasom.

10. Katsushika Hokusai “Veliki val od Kanagawe”

Konačno, " Veliki talas u Kanagawi" je vjerovatno najprepoznatljivija japansko slikarstvo ikada napisano. To je zapravo najpoznatije umjetničko djelo nastalo u Japanu. Prikazuje ogromne valove koji prijete čamcima uz obalu prefekture Kanagava. Iako se ponekad pogrešno smatra cunamijem, val je, kao što naziv slike sugerira, najvjerovatnije jednostavno nenormalno visok. Slika je napravljena u ukiyo-e tradiciji.

Japanski klasično slikarstvo ima dug i zanimljiva priča. Japanska likovna umjetnost predstavljena je u različitim stilovima i žanrovi, od kojih je svaki jedinstven na svoj način. Drevne oslikane figurice i geometrijski motivi pronađeni na bronzanim dotaku zvonima i krhotinama keramike datiraju iz 300. godine nove ere.

Budistička orijentacija umjetnosti

Umjetnost zidnog slikarstva bila je prilično razvijena u Japanu; u 6. stoljeću slike na temu budističke filozofije bile su posebno popularne. U to vrijeme u zemlji su se gradili veliki hramovi, a njihovi zidovi su posvuda bili ukrašeni freskama oslikanim prema scenama iz budističkih mitova i legendi. Drevni primjerci zidnih slika još se čuvaju u hramu Horyuji u blizini japanskog grada Nara. Horyuji murali prikazuju scene iz života Bude i drugih bogova. Umjetnički stil ovih fresaka je vrlo blizak vizuelni koncept, popularan u Kini za vrijeme dinastije Song.

Slikarski stil dinastije Tang stekao je posebnu popularnost sredinom perioda Nara. Freske otkrivene u grobnici Takamatsuzuka datiraju otprilike iz 7. stoljeća nove ere iz tog perioda. Umjetnička tehnika, nastala pod utjecajem dinastije Tang, kasnije je formirala osnovu slikovni žanr kara-eh. Ovaj žanr je zadržao svoju popularnost sve do pojave prvih djela u stilu Yamato-e. Većina fresaka i slika je nepoznatih autora, a danas se mnoga djela iz tog perioda čuvaju u riznici Sesoina.

Rastući uticaj novih budističkih škola kao što je Tendai uticao je na široki religiozni fokus japanske likovne umetnosti u 8. i 9. veku. U 10. veku, kada je došlo do posebnog napretka japanskog budizma, žanr raigozua, pojavile su se „slike dobrodošlice“, koje su prikazivale dolazak Bude u zapadni raj. Rani primjeri raigozua, koji datiraju iz 1053. godine, mogu se vidjeti u hramu Bedo-in, koji je opstao u gradu Uji, prefektura Kjoto.

Promjena stilova

Sredinom Heian perioda zamijenjen Kineski stil Kara-e dolazi iz žanra Yamato-e, koji je dugo vremena postao jedan od najpopularnijih i najtraženijih žanrova japanskog slikarstva. Novi slikovni stil se uglavnom koristio u slikanju sklopivih paravana i kliznih vrata. Vremenom, yamato-e je takođe prešao na horizontalne emakimono svitke. Umjetnici koji su radili u žanru emaki pokušali su svojim radovima prenijeti svu emocionalnost odabrane radnje. Genji Monogatari svitak sastojao se od nekoliko epizoda nanizanih zajedno, s umjetnicima tog vremena koji su koristili brze poteze četkicom i svijetle, izražajne boje.

E-maki je jedan od najstarijih i najistaknutijih primjera otoko-e, žanra reprezentacije. muški portreti. Ženski portreti istaknuto u poseban žanr onna-uh. Između ovih žanrova, zapravo, kao i između muškaraca i žena, vidljive su prilično značajne razlike. Onna-e stil je živopisno predstavljen u dizajnu Priče o Genđiju, gde su glavne teme crteža romantične priče, scene iz sudskog života. Muški otoko-e stil je pretežno umjetnička slika istorijske bitke i drugo važnih događaja u životu imperije.

Klasična japanska umjetnička škola postala je plodno tlo za razvoj i promociju ideja savremena umetnost Japan, u kojem je prilično jasno vidljiv utjecaj pop kulture i animea. Jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika našeg vremena može se nazvati Takashi Murakami, čiji je rad posvećen prikazivanju scena iz japanskog života u poslijeratnom periodu i konceptu maksimalne fuzije. likovne umjetnosti i mainstream.

Među poznatim japanskim umjetnicima klasične škole možemo navesti sljedeće.

Napet Xubun

Syubun je radio početkom 15. veka, posvećujući dosta vremena proučavanju dela kineskih majstora dinastije Song, ovaj čovek je stajao na početku japanskog vizuelni žanr. Shubun se smatra osnivačem sumi-e stila, monohromatskog slikanja tušem. Uložio je mnogo napora da popularizira novi žanr, pretvarajući ga u jedno od vodećih područja japanskog slikarstva. Subunovi učenici bili su mnogi umjetnici koji su kasnije postali poznati, uključujući Sesshu i osnivača slavnog umetnička škola Kano Masanobu. Xubunu se pripisuju mnogi pejzaži, ali se njegovo najpoznatije djelo tradicionalno smatra “Čitanje u gaju bambusa”.

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin je jedna od njih glavni umjetnici u istoriji japanskog slikarstva, osnivač i jedan od najsjajnijih predstavnika umjetnički stil rimpa. Korine se hrabro udaljio od tradicionalnih stereotipa u svojim djelima, formirajući vlastiti stil, čije su glavne karakteristike bile male forme i svijetli impresionizam radnje. Korin je poznat po svojoj posebnoj vještini u prikazivanju prirode i radu sa apstraktnim kolor kompozicijama. "Cvijet šljive crveno-bijeli" je jedan od najjačih poznata dela Poznate su i Ogata Korina, njegove slike "Hrizanteme", "Talasi Matsushime" i niz drugih.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku je osnivač japanske škole umjetnosti Hasegawa. Za rani period Tohakuovu kreativnost karakteriše uticaj čuvene škole japanskog slikarstva Kano, ali je s vremenom umjetnik formirao svoj jedinstveni stil. Na Tohakuov rad na mnogo načina utjecala su djela priznatog majstora Sesshua; Hosegawa je čak sebe smatrao petim nasljednikom ovog velikog majstora. Primljena slika Hasegawe Tohakua "Pines". svjetska slava, poznata su i njegova djela “Javor”, “Borovi i cvjetnice” i druga.

Kano Eitoku (1543-1590)

Stil Kano škole je dominirao vizuelnom umjetnošću Japana oko četiri stoljeća, a Kano Eitoku je možda jedan od najpoznatijih i istaknutih predstavnika ove umetničke škole. Eitoku je bio favorizovan od strane vlasti, pokroviteljstvo aristokrata i bogatih mecena nije moglo a da ne doprinese jačanju njegove škole i popularnosti njegovih dela, bez sumnje u velikoj meri talentovani umetnik. Klizni ekran Cypress sa osam panela, koji je naslikao Eitoku Kano, pravo je remek djelo i sjajan primjer opseg i moć Monoyama stila. Ništa manje zanimljivo izgledaju i druga djela majstora, kao što su "Ptice i drveće četiri godišnja doba", "Kineski lavovi", "Pustinjaci i vila" i mnogi drugi.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai – najveći majstoržanr ukiyo-e (japanski drvorez). Hokusaijeva kreativnost primljena globalno priznanje, njegova slava u drugim zemljama nije uporediva sa slavom većine azijskih umetnika, njegovo delo "Veliki talas iz Kanagave" postalo je nešto poput poslovna kartica Japanska likovna umjetnost na svjetskoj umjetničkoj sceni. Na svoju ruku kreativni put Hokusai je koristio više od trideset pseudonima; nakon šezdeset, umjetnik se u potpunosti posvetio umjetnosti, a to je vrijeme koje se smatra najvećim plodan period njegovu kreativnost. Hokusaijeva djela utjecala su na rad zapadnih majstora impresionizma i postimpresionističkog perioda, uključujući djela Renoira, Moneta i Van Gogha.

Jedno od njih je jednobojno slikarstvo Japana jedinstvene pojave umjetnost istoka. Dosta rada i istraživanja je posvećeno tome, ali se često doživljava kao vrlo konvencionalna stvar, a ponekad čak i dekorativna. To nije tako, duhovni svet japanskog umetnika je veoma bogat, i on ne brine toliko o estetskoj komponenti koliko o duhovnoj. Umetnost Istoka je sinteza spoljašnjeg i unutrašnjeg, eksplicitnog i implicitnog.

U ovom postu želim da obratim pažnju ne na istoriju monohromatskog slikarstva, već na njegovu suštinu. O tome ćemo razgovarati.

ekran "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Ono što vidimo na monohromatskim slikama rezultat je umetnikove interakcije sa osnovnom trijadom: papir, kist, mastilo. Stoga, da biste ispravno razumjeli rad, morate razumjeti samog umjetnika i njegov stav.

"Pejzaž" Sesshu, 1398

Papir za japanskog majstora nije lako improvizovanog materijala, koju on podređuje svom hiru, već suprotno - ovo je "brat", pa se prema tome i odnos prema njoj razvio. Papir je dio okolna priroda, prema kojem su se Japanci oduvijek odnosili s poštovanjem i pokušavali da ga ne potčine, već da s njim mirno koegzistiraju. Papir je u prošlosti drvo koje je stajalo na određenom području, određeno vrijeme, "vidjela" nešto oko sebe, a ona sve to čuva. Ovako japanski umjetnik doživljava materijal. Često, prije početka rada, majstori su dugo gledali Prazan list(razmišljali su o tome) i tek onda počeli slikati. Čak i sada moderni japanski umjetnici koji prakticiraju tehniku ​​Nihon-ga (tradicionalno japansko slikarstvo) pažljivo biraju papir. Kupuju ga po narudžbi iz fabrika papira. Svaki umjetnik ima određenu debljinu, propusnost vlage i teksturu (mnogi umjetnici čak sklapaju ugovor sa vlasnikom tvornice da ovaj papir ne prodaju drugim umjetnicima) - stoga se svaka slika doživljava kao nešto jedinstveno i živo.

"Čitanje u šumarku bambusa" Xubun, 1446

Govoreći o značaju ovog materijala, vrijedi spomenuti takve poznate spomenike japanske književnosti kao što su "Bilješke uz krevet" Seija Šonagona i "Genji Monogotari" Murasakija Šikibua: i u "Bilješkama" i "Genji" možete pronaći zaplete kada dvorjani ili ljubavnici razmjenjuju poruke . Papir na kojem su ispisane ove poruke bio je odgovarajućeg doba godine, nijanse, a način pisanja teksta odgovarao je njegovoj teksturi.

"Murasaki Shikibu u hramu Ishiyama" Kyosen

Četka- druga komponenta je nastavak majstorove ruke (opet, ovo je prirodni materijal). Stoga su se i kistovi izrađivali po narudžbi, ali najčešće sam umjetnik. Odabrao je dlačice potrebne dužine, odabrao veličinu četke i najudobniju dršku. Majstor slika samo svojim kistom i ničim drugim. (Od lično iskustvo: pohađao majstorsku klasu Kineski umetnik Jiang Shilun, publika ga je zamolila da pokaže šta mogu njegovi učenici koji su prisustvovali majstorskom kursu, a svaki od njih je, uzimajući u ruke majstorovu četku, rekao da rezultat neće biti onakav kakav su očekivali, jer kist nije njihov. , nisu navikli na to i ne znaju kako da ga pravilno koriste).

Skica tušem "Fuji" od Katsushike Hokusaija

Maskara- treći važan element. Maskara se dešava različite vrste: može dati sjajni ili mat efekat nakon sušenja, možda sa dodatkom srebrnih ili oker nijansi, stoga pravi izbor maskara takođe nije nevažna.

Yamamoto Baitsu, kraj 18. - 19. vijeka.

Glavni predmeti monohromatskog slikarstva su pejzaži. Zašto u njima nema boja?

Upareni ekran "Pines", Hasegawa Tohaku

Prvo, japanskog umjetnika ne zanima sam predmet, već njegova suština, određena komponenta koja je zajednička svim živim bićima i vodi harmoniji između čovjeka i prirode. Dakle, slika je uvijek nagoveštaj; ona je upućena našim čulima, a ne viziji. Potcenjivanje je podsticaj za dijalog, a samim tim i za povezivanje. Linije i mrlje su važne na slici - one čine umjetnički jezik. To nije sloboda majstora, koji je ostavio smeli trag tamo gde je hteo, već je na drugom mestu, naprotiv, potcrtao - sve na slici ima svoje značenje i značenje, i nije slučajno.

Drugo, boja uvijek nosi neku vrstu emocionalne konotacije i različito je percipiraju različiti ljudi u različitim stanjima, stoga emocionalna neutralnost omogućava gledaocu da na najadekvatniji način uđe u dijalog, da ga pozicionira za percepciju, kontemplaciju i razmišljanje.

Treće, ovo je interakcija jina i janga; svaka jednobojna slika je harmonična sa stanovišta omjera tinte i netaknute površine papira.

Zašto je većina papirnog prostora neiskorištena?

"Pejzaž" Xubun, sredina 15. vijeka.

Prvo, prazan prostor uranja gledaoca u sliku; drugo, slika se stvara kao da je na trenutak isplivala na površinu i da će nestati - to je povezano sa svjetonazorom i svjetonazorom; treće, u onim područjima gdje nema mastila dolazi do izražaja tekstura i nijansa papira (to nije uvijek vidljivo na reprodukcijama, ali u stvarnosti je uvijek interakcija dva materijala - papira i mastila).

Sesshu, 1446

Zašto pejzaž?

"Razmatranje vodopada" Gayami, 1478

Prema japanskom svjetonazoru, priroda je savršenija od čovjeka, pa on mora učiti od nje, štititi je na svaki mogući način, a ne uništavati ili potčinjavati. Stoga se u mnogim pejzažima mogu vidjeti male slike ljudi, ali su one uvijek beznačajne, male u odnosu na sam krajolik, ili slike koliba koje se uklapaju u prostor koji ih okružuje i nisu uvijek uočljive - sve su to simboli pogled na svet.

"Godišnja doba: jesen i zima" Sesshu. "Pejzaž" Sesshu, 1481

U zaključku, želim da kažem da jednobojno japansko slikarstvo nije haotično prskano mastilo, nije hir umetnikovog unutrašnjeg ega - to je čitav sistem slika i simbola, ono je skladište filozofske misli, i što je najvažnije, način komunikacije i harmonizacije sebe i svijeta oko nas.

Evo, mislim, odgovora na glavna pitanja koja se javljaju kod gledaoca kada se suoči sa monohromatskim japanskim slikarstvom. Nadam se da će vam pomoći da to što ispravnije shvatite i uočite kada se sretnete.