Za Evropljane je završen period mračnog srednjeg vijeka, ustupajući mjesto renesansi. To je omogućilo da se oživi gotovo izumrlo naslijeđe antike i stvori velika umjetnička djela. Naučnici renesanse također su igrali važnu ulogu u razvoju čovječanstva.

Paradigma

Kriza i uništenje Vizantije doveli su do pojave hiljada hrišćanskih emigranata u Evropi, koji su sa sobom donosili knjige. Ovi rukopisi sadržavali su znanje o antičkom periodu, napola zaboravljenom na zapadu kontinenta. Oni su postali osnova humanizma, koji je u prvi plan stavio čovjeka, njegove ideje i želju za slobodom. Vremenom, u gradovima u kojima se povećavala uloga bankara, zanatlija, trgovaca i zanatlija, počeli su da nastaju sekularni centri nauke i obrazovanja, koji ne samo da nisu bili pod kontrolom katolička crkva, ali se i često borila protiv njenih diktata.

Slika Giotta (renesansa)

Umjetnici u srednjem vijeku stvarali su djela pretežno vjerskog sadržaja. posebno, dugo vremena Glavni žanr slikarstva bila je ikonografija. Prvi koji je odlučio da prikaže na svojim platnima obični ljudi, kao i napuštanje kanonskog stila pisanja svojstvenog vizantijskoj školi, bio je Giotto di Bondone, koji se smatra pionirom protorenesanse. Na freskama crkve San Francesco, smještene u gradu Asizu, koristio je igru chiaroscuro i odstupio od općeprihvaćenog kompozicionu strukturu. Međutim, Giottovo glavno remek-djelo bilo je slikanje kapele Arene u Padovi. Zanimljivo je da je odmah nakon ove narudžbe umjetnik pozvan da ukrasi gradsku vijećnicu. Dok je radio na jednoj od slika, kako bi postigao najveću autentičnost prikaza "nebeskog znaka", Giotto se konsultovao sa astronomom Pietrom d'Abanom. Tako je zahvaljujući ovom umjetniku slikarstvo prestalo da prikazuje ljude, predmete i prirodne pojave prema određenim kanonima i postalo je realističnije.

Leonardo da Vinci

Mnoge ličnosti renesanse imale su svestrani talenat. Međutim, niko od njih se po svojoj svestranosti ne može porediti sa Leonardom da Vincijem. Pokazao se kao izvanredan slikar, arhitekta, vajar, anatom, prirodnjak i inženjer.

Leonardo da Vinči je 1466. godine otišao na studije u Firencu, gde je pored slikarstva studirao hemiju i crtanje, a takođe je stekao veštine u radu sa metalom, kožom i gipsom.

Već prve slike umjetnika su ga izdvojile među njegovim kolegama. Tokom svog dugog, u to vreme, 68-godišnjeg života, Leonardo da Vinči je stvorio remek dela kao što su „Mona Liza“, „Jovan Krstitelj“, „Dama sa hermelinom“, „ poslednja večera"itd.

Kao i druge istaknute ličnosti renesanse, umjetnik je bio zainteresiran za nauku i inženjerstvo. Konkretno, poznato je da se brava za pištolj na točkovima koju je izumio koristila do 19. stoljeća. Osim toga, Leonardo da Vinci kreirao je crteže padobrana, leteće mašine, reflektora, teleskopa sa dva sočiva itd.

Michelangelo

Kada se govori o tome šta su renesansne ličnosti dale svetu, na listi njihovih dostignuća obavezno se nalaze dela ovog izuzetnog arhitekte, umetnika i vajara.

Među najpoznatijim kreacijama Michelangela Buonarrotija su freske stropa Sikstinske kapele, kip Davida, skulptura Bacchusa, mramorna statua Madone iz Briža, slikarstvo“Muka svetog Antuna” i mnoga druga remek djela svjetske umjetnosti.

Rafael Santi

Umjetnik je rođen 1483. godine i živio je samo 37 godina. Međutim, veliko nasljeđe Rafaela Santija stavlja ga na vrh svake simbolične ocjene " Istaknute ličnosti renesansa“.

Umjetnička remek-djela uključuju “Krunisanje Marije” za oltar Oddi, “Portret Pietra Bemboa”, “Dama s jednorogom”, brojne freske naručene za Stanza della Segnatura, itd.

Vrhunac Raphaelove kreativnosti smatra se " Sikstinska Madona“, izrađen za oltar crkve manastira Sv. Sixta u Piacenzi. Ova slika ostavlja nezaboravan utisak na svakoga ko je vidi, jer Marija prikazana na njoj na neshvatljiv način spaja zemaljsku i nebesku suštinu Majke Božje.

Albrecht Durer

Poznate ličnosti renesanse nisu bile samo Italijane. To uključuje njemački slikar i majstora gravure Albrechta Dürera, koji je rođen u Nirnbergu 1471. godine. Njegova najznačajnija djela su “Landauer oltar”, autoportret (1500), slika “Praznik ružinih vijenaca” i tri “Radioničke gravure”. Potonji se smatraju remek-djelima grafička umjetnost svih vremena i naroda.

Tizian

Velikani renesanse na polju slikarstva ostavili su nam svoje slike poznatih savremenika. Jedan od istaknutih portretista ovog perioda evropske umetnosti bio je Tizian, koji je poticao poznata porodica Vecellio. Ovekovečio je na platnu Federika Gonzagu, Karla V, Klarisu Stroci, Pjetra Aretina, arhitektu Đulija Romana i mnoge druge. Osim toga, njegovi kistovi uključuju platna na teme iz antičke mitologije. Koliko su umjetnika cijenili njegovi savremenici svjedoči i činjenica da je jednog dana car Karlo V požurio da uzme četkicu koja je pala iz Tizianovih ruku. Monarh je svoj postupak objasnio riječima da je služenje takvom gospodaru čast za svakoga .

Sandro Botticelli

Umetnik je rođen 1445. U početku je planirao da postane zlatar, ali je onda završio u radionici Andrea Verrocchio, sa kojim je svojevremeno studirao Leonardo da Vinči. Uz djela vjerske tematike, umjetnik je stvorio nekoliko slika svjetovnog sadržaja. Botticellijeva remek djela uključuju slike "Rođenje Venere", "Proljeće", "Pallas i Kentaur" i mnoge druge.

Dante Alighieri

Velike ličnosti renesanse napustile su svoje neizbrisiv znak i u svetskoj književnosti. Jedan od najistaknutijih pjesnika ovog perioda je Dante Alighieri, rođen 1265. godine u Firenci. U 37. godini je protjeran iz rodnog grada zbog svog političkih stavova i lutao do posljednjih godina sopstveni život.

Još kao dete, Dante se zaljubio u svoju vršnjakinju Beatris Portinari. Sazrevši, djevojka se udala za drugog muškarca i umrla u dobi od 24 godine. Beatrice je postala pesnikova muza i njoj je posvetio svoja dela, uključujući i priču „ Novi zivot" Godine 1306. Dante je počeo da stvara svoj " Divine Comedy“, na kojoj radi skoro 15 godina. U njemu razotkriva poroke italijanskog društva, zločine papa i kardinala, a svoju Beatriče smješta u "raj".

vilijam šekspir

Iako su renesansne ideje stigle nešto kasno na britanska ostrva, tamo su nastala i izvanredna umjetnička djela.

Konkretno, u Engleskoj je stvorio jedan od najviše poznatih dramskih pisaca u istoriji čovečanstva - William Shakespeare. Njegove drame su popularne više od 500 godina. pozorišnoj sceni u svim krajevima planete. Njegovo pero obuhvata tragedije “Otelo”, “Romeo i Julija”, “Hamlet”, “Makbet”, kao i komedije “Dvanaesta noć”, “Mnogo buke oko ničega” i mnoge druge. Osim toga, Shakespeare je poznat po svojim sonetima posvećenim misterioznoj Tamnoj dami.

Leon Battista Alberti

Renesansa je također doprinijela promjeni izgleda evropskih gradova. U tom periodu nastala su velika arhitektonska remek-djela, uključujući rimsku katedralu sv. Petra, Laurentijanovo stepenište, Firentinska katedrala itd. Uz Mikelanđela, među poznatih arhitekataČuveni naučnik Leon Battista Alberti pripada renesansi. On je doprineo ogroman doprinos u arhitekturi, teoriji umjetnosti i književnosti. Područje njegovog interesovanja uključivalo je i probleme pedagogije i etike, matematike i kartografije. Stvorio je jedan od prvih naučni radovi o arhitekturi, pod nazivom “Deset knjiga o arhitekturi”. Ovaj rad je imao ogroman uticaj na naredne generacije njegovih kolega.

Sada znate najpoznatije kulturne ličnosti renesanse, zahvaljujući kojima je ljudska civilizacija stigla nova runda njegovog razvoja.

Ulazi period Visoka renesansa . Ako je protorenesansa trajala skoro vek i po, rana renesansa je trajala skoro jedan vek, onda je visoka renesansa trajala samo 30-40 godina. Ali upravo je Cinqucento svijetu dao brojnu galaksiju majstora rijetkih genija i svestranosti: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buanarrotti, Domenico Ghirlandaio, Andrea Verrocchio.

Umjetnost visoke renesanse postala je izraz složenosti i razmjera istorijskog postojanja tog doba. Kao da je u suprotnosti sa sve većim političkim i ekonomskim padom, umjetnost Cinquecenta prožeta je visokim i svijetlim idealima. Nikada do sada junaci slikovitog i skulpturalnih radova nisu bili tako uzvišeni, slobodni i moćni. Oni su utjelovili titanski ideal čovjeka nove ere, koji se uspostavlja u harmoničnom i racionalno uređenom svijetu. Stoga se razlikuje od prethodnog perioda - umjetnosti Quattrocenta - prvenstveno po velikom obimu slika. Ali to nije bilo njihovo glavna karakteristika: i grandiozan i male veličine Umjetnička djela odlikovale su se svojim unutrašnjim značajem, dubinom, složenošću i posebnom veličinom slika. Takve radove stvarali su umjetnici novog tipa - aktivni kreativne ličnosti, oslobođeni prethodnih radioničkih ograničenja, svjesni svoje visoke namjene; ljudi ogromnog znanja, koji posjeduju sve kulturne vrijednosti svog vremena.

Među umjetnicima Cinqucento ističu se tri svestrana mislioca i umjetnika - Leonardo da Vinci, Raphael i Michelangelo, koje su njihovi savremenici nazivali božanskim. Postali su personifikacija glavnih vrijednosti talijanske renesanse: inteligencije, harmonije i moći. Svi konopci su bili veliki slikari, oboje su radili na terenu monumentalno slikarstvo(freske) iu štafelajnoj prostoriji. Svaki od njih postao je otkrivač ideja, slika i tehnika koje su odredile daljnji razvoj likovne umjetnosti. Tri briljantna majstora odražavaju različite strane evropska kultura: Leonardo - odvažan proboj u nepoznato, žeđ za spoznajom svijeta, prodor u tajne prirode; Raphael - razumijevanje najsuptilnijih pokreta ljudska duša; Michelangelo - titansko herojstvo, tragedija i veličanstvo. Istovremeno, oni utjelovljuju tri glavna sloja slikarstva: Leonardo - epsko-narativni, Rafael - lirski, Michelangelo - dramski.

On je možda najneobičnija ličnost u istoriji svjetske umjetničke kulture. Posjedujući svestrane sposobnosti i darove, bio je u punom smislu Homo universale (univerzalni čovjek). Istovremeno je bio umjetnik, teoretičar umjetnosti, vajar, arhitekta, matematičar, fizičar, astronom, anatom i inženjer, te se pokazao kao inovator u svim oblastima. Navest će jedini primjer velikog slikara kojem umjetnost nije bila glavni posao života.

Do nas je stiglo 15-ak slika koje su mu autentično pripadale. To nije zato što su neka njegova djela izgubljena, već zato što, beskrajno eksperimentirajući, težeći savršenstvu, često nije dovršio svoja djela. Većina njegovih nastojanja ostala je u crtežima i bilješkama. Leonardo je bio višeznačan i nestrpljiv, bio je zarobljen samim procesom znanja i kreativnosti: napravivši neki izum ili rad, odbacio ga je da bi preuzeo drugi.

Njegove najvažnije kreacije bile su freska “Posljednja večera” u jednoj od Milanski manastiri, kao i svjetski poznati portret mlade firentinske Mona Lize. U Posljednjoj večeri Leonardo daje novo rješenje, drugačije od tradicionalnog. biblijska tema: prvi put prikazuje psihološki konflikt, otvorenu manifestaciju jaka osećanja, proces samog dramatičnog događaja. Hristos je rekao apostolima: "Jedan od vas će me izdati." Quattrocento umjetnici obično su predstavljali apostole koji su u ovom trenutku sjedili izolovani jedni od drugih, u statičnim i monotonim pozama, a Juda je bio izdvojen tako što su ga stavljali odvojeno iza Suprotna strana sto. U Leonardovom delu, posle Hristovih reči, apostoli postaju veoma uzbuđeni, što se izražava u pokretima i stavovima, pokretima ruku i izrazima lica. Oni su začuđeni, šokirani, ogorčeni, sumnjaju, raspravljaju. Umjetnik dijeli apostole u četiri grupe po tri, a Judu postavlja pored Kristovih voljenih učenika, koji se razlikuju samo po sjenci koja mu pada na lice. Burno kretanje i emocionalna napetost apostola spojeni su s plemenitom Kristovom smirenošću, što stvara skladnu zaokruženost kompozicije u cjelini.

Najpoznatije djelo Leonarda da Vinčija i, možda, cijelog svjetskog slikarstva je portret Mona Lize, supruge bogatog Firentinca Francesca del Gioconda. Mnoge legende, naučne hipoteze i studije povezane su sa ovim portretom, takođe poznatim kao "La Gioconda". Tradicionalna kompozicijska shema - ljudska figura u prvom planu na pozadini pejzaža - dobila je neviđenu psihološku dubinu slike i postala najviše umjetničko utjelovljenje ljudska ličnost. Portret fascinira i oduševljava: uprkos vanjskoj nepokretnosti modela, prenosi se život duše, suptilno mijenjajući nijanse misli, osjećaja i raspoloženja. Posebno je očigledan kontrast između neobično živog izraza Mona Lizinog lica i nepomične, veličanstvene poze, čiji karakter odražava pejzaž.

web stranice - umjetnik potpuno drugačijeg tipa od Leonarda. Nije bio inovator u umjetnosti. Njegov rad bio je sinteza dostignuća prethodnih umjetnika i postao je najupečatljiviji izraz klasične linije u umjetnosti Cinquicenta. Njegova umjetnička djela su harmonična i jasna, osoba u njima savršena, a svijet u ravnoteži. Raphael je u svojim djelima utjelovio najsvjetlije i najuzvišenije ideje renesansnog humanizma o čovjeku i njegovom izuzetnom mjestu u svijetu oko njega.

Umjetnikova omiljena slika bila je slika Madone, u kojoj je mogao najpotpunije otkriti svoje ideje o plemenitosti i savršenstvu čovjeka, o harmoniji vanjske i unutrašnje ljepote. Raphael je cijeli život slikao slike na ovu temu. Ali kako je umjetnik postajao zreliji, promijenio se i karakter slike; dirljivost, lagana liričnost, meka duševnost, nežnost njegovih mladih madona rani radovi su zamijenjene izrazom velike duhovne snage, duboke, nesebične majčinske ljubavi.

Najpoznatija Rafaelova kreacija i jedna od najpoznatijih poznata dela svjetsko slikarstvo je njegova “Sikstinska Madona” - slika naslikana za crkvu sv. Siksta iz jednog od italijanskih manastira. Tradicionalnu kompoziciju pojave Majke Božje umjetnica predstavlja u obliku mlade Madone, koja lako hoda bosa po oblacima i nosi svog sina, Krista, ljudima. Nadahnuto lice Madone izražava i beskrajnu ljubav i iščekivanje tragične sudbine njenog sina, svest o njenoj neminovnosti i žalosnu spremnost da ga žrtvuje za dobrobit ljudi. Umjetnik je spojio duboku religioznost sa visokom ljudskošću, stvarajući najveće i najljepše oličenje teme majčinstva.

Buanarotti ističe se čak i među najveći umetnici to doba. Njegova umjetnost označava vrhunac renesanse, ali i njen završetak. Više od 70 godina kreativni put Mikelanđelo se poklopio sa istorijskim periodom punim preokreta. Za umjetnika je vrlo važno na tom putu bila potpuna fuzija pojmova čovjeka i borca. Mogućnost da herojsko djelo, borba za slobodu bila je lajtmotiv njegovog stvaralaštva.

Mikelanđelo je stavio skulpturu iznad svih umetnosti i želeo je samo da bude vajar. Ali, voljom sudbine, postao je i slikar i arhitekta. Težnja da ostvarim svoje glavna tema- borbu duha i materije, on je prvi u istoriji skulpture spojio ideal telesne lepote sa apstraktnom duhovnom idejom, pronalazeći glavni oblik njenog izraza u Davidovom kipu. Za razliku od svojih prethodnika, Donatela i Verrocchia, Michelangelo je portretirao heroja prije nego što je izvršio podvig. Gigantska figura personificira bezgraničnu moć slobodne osobe, prenosi i ljepotu idealiziranog tijela i ogromnu unutrašnja napetost u trenutku najveće koncentracije snage i volje.

Najistaknutije i najgrandioznije djelo majstora bilo je oslikavanje stropa i zidova Sikstinska kapela Vatikanska palača (ukupna površina fresaka preko 600 kvadratnih metara). Na stropu kapele prikazao je starozavjetne scene - od stvaranja svijeta do potopa. Sa strane su nastavili zaplete „David i Golijat“, „Judita i Olofsrn“, „Pogubljenje Hamana“ i „Medna zmija“. Tokom renesanse, plafonsko slikarstvo je prvenstveno bilo dekorativne prirode, ograničeno na jednostavne teme. Michelangelo je, naprotiv, prikazao slike stvaranja svijeta i života prvih ljudi na zemlji, epizode iz Biblije, proroka i Sibila (proročica), Kristovih predaka. Na stropu kapele stvorio je svijet titana. Njegov Bog je nadahnuti tvorac, stvarajući svemir i čovjeka u moćnom impulsu; prvi ljudi su moćni i lijepi tijelom i duhom, proroci i sibile su hrabri u svom uvidu u budućnost, ma koliko im se ona činila strašnom.

Najimpresivnija freska slike je scena Posljednjeg suda, koja se nalazi na oltarskom (istočnom) zidu kapele. Kompoziciju “Posljednjeg suda” umjetnik je zamislio kao mnoštvo nagih ljudskih figura koje okružuju Boga u oreolu svjetlosti. Centralni lik Freska je lik Hrista, koji podiže desnu ruku u prijetećim gestom. Sa njegove lijeve strane su prikazani otvoreni grobovi i mrtvi koji iz njih ustaju. Iznad su duše koje jure gore, iznad kojih su pravednici. Na samom vrhu freske anđeli nose instrumente Hristovog mučenja. IN desna strana, ispod anđela su opet pravednici, pod kojima su buntovni titani, još niže je čamac sa Haronom, koji tjera grešnike u pakao. Cijela slika je prožeta pokretom.

Od kraja 15. veka Italija počinje da doživljava sve posledice nepovoljnog ekonomskog rivalstva sa Portugalom, Španijom i Holandijom. Sjeverni gradovi Evrope organiziraju niz vojnih pohoda na Italiju, koja se rascjepka i gubi svoju moć. Ovaj težak period oživljava ideju ujedinjenja zemlje, ideju koja nije mogla ne uzbuditi najbolje umove Italije. Poznato je da se određeni periodi procvata umetnosti možda ne poklapaju sa opšti razvoj društvo, njegov materijalni i ekonomski status. U teškim vremenima za Italiju, počelo je kratkotrajno „zlatno doba“ italijanske renesanse – takozvana visoka renesansa, najviša tačka prosperiteta Italijanska umjetnost. Visoka renesansa se tako poklopila sa periodom žestoke borbe italijanskih gradova za nezavisnost. Umetnost ovog vremena bila je prožeta humanizmom, verom u kreativne snagečovjeka, u neograničenim mogućnostima njegovih mogućnosti, u razumnoj strukturi svijeta, u trijumfu napretka. U umjetnosti su problemi građanske dužnosti visoki moralnih kvaliteta, podvig, slika lepog, skladno razvijena, jak duhom i telo ljudskog heroja koji je uspeo da se izdigne iznad nivoa svakodnevice. Potraga za takvim idealom dovela je umjetnost do sinteze, generalizacije, do razotkrivanja općih obrazaca pojava, do identifikacije njihovog logičkog odnosa. Umjetnost visoke renesanse napušta pojedinosti i beznačajne detalje u ime generalizirane slike, u ime želje za harmoničnom sintezom lijepih aspekata života. To je jedna od glavnih razlika između visoke renesanse i rane.

Osnivačom umjetnosti Cinquecenta može se smatrati:

LEONARDO DA VINCI. (1452-1519).

Leonardo da Vinci (1452-1519) bio je prvi umjetnik koji je jasno utjelovio ovu razliku. Rođen je u Anchianu, blizu sela Vinci; njegov otac je bio notar koji se preselio u Firencu 1469. Leonardov prvi učitelj bio je Andrea Verrocchio. Lik anđela na učiteljskoj slici „Krštenje” već jasno pokazuje razliku u umjetničkoj percepciji svijeta prošlog i novog doba: nema frontalne ravnosti Verrocchia, najfinijeg odsječenog modeliranja volumena i izuzetne duhovnosti. slike. Istraživači datiraju “Madonu s cvijetom” u vrijeme Verrocchiovog odlaska iz radionice (“ Madonna Benoit“, kako se prije zvalo, po vlasnicima). Tokom ovog perioda, Leonardo je nesumnjivo bio pod uticajem Botičelija. Njegovo “Navještenje” u pojedinostima još uvijek otkriva bliske veze s Quattrocentom, ali mirna, savršena ljepota figura Marije i Arhanđela, koloristička struktura slike i kompoziciona sređenost govore o svjetonazoru umjetnika novog. doba, karakteristično za visoku renesansu.

Od 80-ih godina 15. vijeka. Sačuvale su se dvije nedovršene Leonardove kompozicije: “Poklonstvo mudraca” i “Sv. Jerome." Vjerovatno sredinom 80-ih, drevnom tehnikom tempere nastala je i “Madonna Litta”, u čijoj je slici izražen tip Leonardove ženske ljepote: teški, poluspušteni kapci i suptilan osmijeh daju Madoninom licu posebnu duhovnost.

Međutim, činilo se da Firenca ovih godina umetniku nije bila baš dobrodošla, a 1482. godine, saznavši da je milanski vojvoda Lodovico Sforca, poznatiji kao Lodovico Moro, tražio vajara koji bi napravio spomenik njegovom ocu. Francesco Sforza, Leonardo nudi svoje usluge vojvodi i odlazi u Milano. Napominjemo da je Leonardo u pismu Moreauu prije svega naveo svoje zasluge kao vojni inženjer (graditelj mostova, utvrđivač, „topnik“, brodograditelj), meliorator, arhitekta, a tek onda kao kipar i slikar. Kombinujući naučne i kreativne principe, posedujući i logičko i umetničko mišljenje, Leonardo je ceo svoj život proveo baveći se naučnim istraživanjem uz likovnu umetnost; rastrojen, djelovao je spor i ostavio je malo umjetnosti. Na milanskom dvoru Leonardo je radio kao umetnik, naučni tehničar, pronalazač, matematičar i anatom. U isto vrijeme, nakon što se našao u službi Moreaua, čini se da je stvoren za drustveni zivot, slična onoj koju je vodio milanski plemić.

Učvršćivanje i uređenje milanske tvrđave (Castello Sforzesso), osmišljavanje stalnih proslava i brojnih vjenčanja, te naučne studije udaljile su Leonarda od umjetnosti. Uz sve to, milanski period, koji je trajao od 1482. do 1499. godine, bio je jedan od najplodnijih u majstorovom stvaralaštvu, koji je označio početak njegove umjetničke zrelosti. Od tog vremena Leonardo je postao vodeći umjetnik u Italiji: u arhitekturi je bio zauzet dizajniranjem idealnog grada, u skulpturi - stvaranjem konjičkog spomenika, u slikarstvu - slikanju velike oltarne slike. I svaka kreacija koju je stvorio bila je otkriće u umjetnosti. Prvo veliko djelo koje je izveo u Milanu bila je “Madonna of the Rocks” (ili “Madonna of the Grotto”). Ovo je prva monumentalna oltarna kompozicija visoke renesanse, zanimljiva i po tome što je u potpunosti izrazila crte Leonardovog stila pisanja. Stvorivši generaliziranu, kolektivnu, idealno lijepu sliku u liku Madone s novorođenčadi Kristom i Ivanom i anđelom, zadržavajući sve značajke vitalne uvjerljivosti, Leonardo je, takoreći, sažeo sva potrage ere Quattrocenta. i okrenuo pogled ka budućnosti. Kompozicija slike je konstruktivna, logična i strogo provjerena. Grupa od četiri osobe čini svojevrsnu piramidu, ali gest Marijine ruke i prst anđela stvaraju kružni pokret unutar slike, a pogled prirodno prelazi s jedne na drugu. Iz figura Madone i anđela izvire mir, ali u isto vrijeme inspiriraju i određeni osjećaj misterije, uznemirujuće misterije, naglašen fantastičnim pogledom na samu pećinu i pozadinu pejzaža. Zapravo, ovo više nije samo pejzažna pozadina, već određeno okruženje u kojem prikazane osobe komuniciraju. Stvaranje ovog okruženja olakšava i ona posebna kvaliteta Leonardove slike, koja se zove "sfumato": prozračna izmaglica koja obavija sve predmete, omekšava konture, stvarajući određenu lagano-vazdušnu atmosferu.

Leonardovo najveće djelo u Milanu, najveće dostignuće njegove umjetnosti, bilo je oslikavanje zida blagovaonice samostana Santa Maria della Grazie na temu Posljednje večere (1495-1498). Krist se posljednji put susreće sa svojim učenicima na večeri da im objavi izdaju jednog od njih. “Zaista vam kažem, jedan od vas će me izdati.” Leonardo je prikazao trenutak reakcije svih dvanaestoro na riječi učitelja. Ova reakcija je drugačija, ali na slici nema spoljašnje afektacije, sve je puno sputanog unutrašnjeg pokreta. Umjetnik je mnogo puta mijenjao kompoziciju, ali nije promijenio glavni princip: kompozicija je zasnovana na preciznim matematičkim proračunima. Trinaest ljudi sjedi za dugačkim stolom, paralelnim s linijom platna: dvoje je u profilu prema gledaocu sa strane stola, a jedanaest je okrenuto licem. Ključ kompozicije je lik Hrista, postavljen u centar, na pozadini vrata, iza kojih se otvara pejzaž; Hristove oči su oborene, na njegovom licu je pokornost višoj volji, tuga, svest o neminovnosti sudbine koja ga čeka. Preostalih dvanaest ljudi podijeljeno je u četiri grupe od po tri osobe. Sva lica su osvijetljena, izuzev Judinog lica, okrenutog u profilu prema posmatraču i leđima prema izvoru svjetlosti, što je odgovaralo Leonardovom planu: razlikovati ga od ostalih učenika, učiniti njegovu crnu, izdajničku suštinu. gotovo fizički opipljiv.

Za Leonarda su umjetnost i nauka postojale neodvojivo. Baveći se umetnošću, bavio se naučnim istraživanjima, eksperimentima, posmatranjima, prošao je kroz perspektivu u oblasti optike i fizike, kroz probleme proporcija - u anatomiju i matematiku, itd. naučno istraživanje. To je ujedno i nova faza u umjetnosti. Mnogi Quattrocento umjetnici naslikali su Posljednju večeru. Za Leonarda, glavna stvar je reakcija različiti ljudi, karaktere, temperamente, ličnosti, da otkrije večna pitanja čovečanstva: o ljubavi i mržnji, predanosti i izdaji, plemenitosti i podlosti, pohlepi, što je ono što Leonardovo delo čini tako modernim, tako uzbudljivim do danas. Ljudi se pokazuju na različite načine u trenutku emocionalnog šoka: Hristov voljeni učenik Jovan, sav klonuo, krotko spustio oči, Petar je zgrabio nož, Jakov je u zbunjenosti raširio ruke, Andrej je grčevito podigao ruke. U stanju potpunog mira i zaokupljenosti ostaje samo Krist, čija je figura semantičko, prostorno, kolorističko središte slike, dajući jedinstvo cjelokupnoj kompoziciji. Nije slučajno da plavi i crveni tonovi koji dominiraju slikom najintenzivnije zvuče u Hristovom ruhu: plavom ogrtaču, crvenoj tunici.

Za razliku od mnogih Quattrocentovih djela, Leonardove slike ne sadrže nikakve iluzionističke tehnike koje omogućavaju da se stvarni prostor transformiše u prikazano. Ali slika smještena uz zid blagovaonice podredila je čitavu unutrašnjost. A ta Leonardova sposobnost da podredi prostor u velikoj meri utrla je put Rafaelu i Mikelanđelu.

Sudbina Leonardovih murala je tragična: on je sam doprineo njihovom brzom raspadanju eksperimentišući sa mešanjem tempere i ulja, eksperimentišući sa bojama i prajmerima. Kasnije su u zidu razbijena vrata i u trpezariju su počele da prodiru vlaga i pare, što nije doprinelo očuvanju slike. Oni koji su upali krajem 18. vijeka. U Italiji su bonapartisti izgradili štalu, skladište žita, a potom i zatvor u trpezariji. Tokom Drugog svetskog rata u trpezariju je pala bomba, a zid je samo nekim čudom preživeo, dok su se suprotni i bočni zidovi urušili. U 50-im godinama, slika je očišćena od slojeva i temeljno restaurirana.

Leonardo je uzeo pauzu od studija anatomije, geometrije, fortifikacije, melioracije, lingvistike, versifikacije i muzike da bi radio na “Konju”, konjičkom spomeniku Frančesku Sforci, zbog kojeg je prvenstveno došao u Milano i koji je završio u punoj veličini. ranih 90-ih u glini. Spomeniku nije bilo suđeno da bude oličen u bronzi: 1499. Francuzi su izvršili invaziju na Milano, a gaskonski samostreličari su pucali na konjički spomenik. O Leonardovoj skulpturi možemo suditi po njegovim crtežima nastalim u različitim fazama rada. Spomenik, visok oko 7 m, trebao je biti 1,5 puta viši od konjičkih statua Donatela i Verrocchia, a suvremenici su ga ne uzalud nazivali "velikim kolosom". Od dinamične kompozicije s jahačem na konju koji gazi neprijatelja, Leonardo je otišao na više mirna odluka lik Sforce, koji svečano sjedi na moćnom konju. Godine 1499. počele su godine Leonardovih lutanja: Mantova, Venecija i, konačno, rodnom gradu umjetnik - Firenca, gdje slika karton „Sv. Ana s Marijom u krilu”, iz koje stvara sliku ulja u Milanu (kuda se vratio 1506.). Leonardo je kratko vrijeme proveo u službi Cezara Bordžije, a u proljeće 1503. vratio se u Firencu, gdje je od Pietra Soderinija, sada doživotnog Gonfalonijera, dobio nalog da oslika zid nove dvorane Palazzo Signoria. (suprotni zid je trebao oslikati Michelangelo). Leonardo je napravio karton na temu bitke Milanaca i Firentinaca kod Angijarija - trenutak žestoke bitke za zastavu, Mikelanđelo - bitka kod Cascine - trenutak kada, nakon signala za uzbunu, vojnici izlaze iz bare. Savremenici su ostavili dokaze da je drugi karton doživio veliki uspjeh upravo zato što ne prikazuje žestoki, gotovo zvjerski bijes, bijes i uzbuđenje ljudi koji se bore na smrt, kao u Leonardu, već lijepe mlade, zdrave mladiće koji žure da se obuku i uđu u bitku - uzvišeno slika junaštva i hrabrosti. Ali oba kartona nisu sačuvana, nisu oličena u slikarstvu, a za Leonardov plan znamo samo iz nekoliko crteža. U Firenci je Leonardo započeo još jednu sliku: portret žene trgovca del Gioconda, Mona Lize, koji je postao jedna od najpoznatijih slika na svijetu. O portretu su ispisane stotine stranica: kako je Leonardo dogovarao sesije, pozivajući muzičare da osmeh na licu modela ne bi izbledeo, koliko je dugo (kao što je to tipično za Leonarda) odlagao rad, kako se trudio da detaljno prenese svaku crtu ovog živog lica. Portret Mona Lize Gioconde je odlučujući korak ka razvoju renesansne umjetnosti. Po prvi put, žanr portreta se izjednačio sa religioznim i religioznim kompozicijama. mitološka tema. Unatoč svim neospornim fizionomskim sličnostima, Quattrocentovi portreti su se odlikovali, ako ne vanjskim, onda unutrašnjim ograničenjem. Veličanstvenost Mona Lize prenosi samo suprotstavljanje njene naglašeno voluminozne figure, snažno izgurane do ruba platna, s pejzažom sa stijenama i potocima vidljivim kao izdaleka, topljenim, primamljivim, neuhvatljivim i stoga, uprkos sva realnost motiva, fantastično. Ta ista neuhvatljivost prisutna je iu samoj pojavi Gioconde, na njenom licu, u kojoj se u njenom pogledu, inteligentnom i pronicljivom, kao da neprekidno posmatra posmatrača, u njenom jedva osećam principijelnu volju, intenzivan intelektualni život. primetan, očaravajući osmeh.

Na portretu Mona Lize postignut je stepen generalizacije koji, uz očuvanje sve jedinstvenosti prikazane individualnosti, omogućava da sliku smatramo tipičnom za visoku renesansu. I to je, prije svega, razlika između Leonardovog portreta i portreta rane renesanse. Ova generalizacija, čija je glavna ideja osjećaj vlastitog značaja, visoko pravo na samostalan duhovni život, postignuta je nizom određenih formalnih momenata: kako glatkom konturom figure tako i mekim modeliranjem lice i ruke, obavijene Leonardovim „sfumatom“. Istovremeno, ne upuštajući se u najsitnije detalje, ne dopuštajući ijednu naturalističku notu, Leonardo stvara takav osjećaj živog tijela koji je omogućio Vasariju da uzvikne da se može vidjeti kako puls kuca u udubini Mona Lizinog vrata.

Leonardo je 1506. otišao u Milano, koji je već pripadao Francuzima. Posljednje godine kod kuće bile su godine lutanja između Firence, Rima, Milana, ispunjene, međutim, naučnim istraživanjima i kreativnim aktivnostima, uglavnom slikarstvom. Opterećen vlastitom nemirom, osjećajem nepriznavanja, osjećajem usamljenosti u rodnoj Firenci, rastrganoj, poput cijele Italije, vanjskim i unutrašnji neprijatelji, Leonardo je 1515. godine, na prijedlog francuskog kralja Franje I., zauvijek otišao u Francusku. Leonardo je bio najveći umjetnik svog vremena, genije koji je otvorio nove horizonte umjetnosti. Iza sebe je ostavio nekoliko djela, ali svako od njih predstavljalo je etapu u istoriji kulture. Leonardo je poznat i kao svestran naučnik. Njegova naučna otkrića, na primjer, njegova istraživanja u ovoj oblasti aviona su od interesa za naše doba astronautike. Hiljade stranica Leonardovih rukopisa, koje pokrivaju bukvalno svaku oblast znanja, svedoče o univerzalnosti njegovog genija.

Upečatljiv izraz klasične linije u umjetnosti visoke renesanse, gdje je čovjek savršen, a svijet u ravnoteži i harmoniji, bio je stanovnik Urbina:

RAFAEL EL SANTI (1483-1520).

Ideje monumentalne umjetnosti renesanse, u kojoj su se spojile tradicije antike i duh kršćanstva, našle su svoj najživlji izraz u djelu Rafaela (1483-1520). U njegovoj su umjetnosti dva glavna zadatka našla zrelo rješenje: plastično savršenstvo ljudskog tijela, izražavanje unutrašnje harmonije sveobuhvatno razvijene ličnosti, u kojoj je Rafael slijedio antiku, i složena višefiguralna kompozicija koja prenosi svu raznolikost svijet. Ove probleme je Leonardo razriješio u “Posljednjoj večeri” svojom karakterističnom logikom. Raphael je obogatio ove mogućnosti, postigavši zadivljujuću slobodu u prikazivanju prostora i kretanja u njemu ljudska figura, besprijekoran sklad između okoline i čovjeka. Raznovrsni životni fenomeni pod Rafaelovim kistom jednostavno su se i prirodno formirali u arhitektonski jasnu kompoziciju, ali iza svega toga stajala je stroga preciznost svakog detalja, neuhvatljiva konstrukcijska logika i mudra samosuzdržanost, što njegove radove čini klasičnim. Nijedan od renesansnih majstora nije shvatio pagansku suštinu antike tako duboko i prirodno kao Rafael; nije uzalud što se smatra umjetnikom koji se najpotpunije povezao drevne tradicije sa zapadnoevropskom umetnošću nove ere.

Rafael Santi rođen je 1483. godine u gradu Urbinu, jednom od centara umjetničke kulture u Italiji, na dvoru vojvode od Urbina, u porodici dvorskog slikara i pjesnika, koji je bio prvi učitelj budućeg majstora. . Rani period Raphaelov rad savršeno karakterizira mala slika u obliku tonda “Madonna Conestabile”, sa svojom jednostavnošću i lakonizmom strogo odabranih detalja (uprkos plašljivosti kompozicije) i posebnim, svojstvenim svim Raphaelovim djelima, suptilnim lirizmom. i osećaj mira. Godine 1500. Rafael odlazi iz Urbina u Perugiu da bi studirao u radionici poznatog umbijskog umjetnika Perugina, pod čijim je utjecajem napisana Marijina zaruka (1504.). Osjećaj za ritam, proporcionalnost plastičnih masa, prostorni intervali, odnos između figura i pozadine, koordinacija osnovnih tonova (u "Veridbi" su zlatna, crvena i zelena u kombinaciji sa nežno plavom pozadinom neba) stvaraju sklad koji već je vidljivo u Rafaelovim ranim radovima i razlikuje ga od umjetnika prethodne ere. Godine 1504. Raphael se preselio u Firencu, čija je umjetnička atmosfera već bila zasićena trendovima visoke renesanse i pridonijela njegovoj potrazi za savršenom harmoničnom slikom.

Rafael je čitavog života tražio ovu sliku u Bogorodici; njegova brojna djela koja tumače sliku Madone su ga zaradila svjetska slava. Zasluga umjetnika, prije svega, je u tome što je uspio utjeloviti sve najsuptilnije nijanse osjećaja u ideji majčinstva, spojiti lirizam i duboku emocionalnost s monumentalnom veličinom. To je vidljivo u svim njegovim Madonama, počevši od mladalački plašljive „Madone Conestabile”: u „Madoni zelenih”, „Madoni sa češljugarom”, „Madoni u fotelji” i posebno na vrhuncu Rafaelovog duha i veštine. - u "Sikstinskoj Madoni". Nesumnjivo, ovo je bio način da se prevaziđe prostodušna interpretacija spokojne i svijetle majčinske ljubavi prema slici zasićenoj visokom duhovnošću i tragedijom, izgrađenoj na savršenom harmonijskom ritmu: plastičnom, kolorističkom, linearnom. Ali to je bio i put dosljedne idealizacije. Međutim, u Sikstinskoj Madoni ovaj idealizirajući princip je potisnut u drugi plan i ustupa mjesto tragično osećanje proizilazi iz ove idealno lijepe mlade žene s djetetom Boga u naručju, kojeg daje kao iskupljenje za ljudske grijehe. Madonin pogled, uperen u prošlost, odnosno kroz posmatrača, pun je turobnog iščekivanja tragične sudbine njenog sina (čiji je i pogled djetinjasto ozbiljan). “Sikstinska Madona” jedno je od najsavršenijih Rafaelovih djela u jezičkom smislu: lik Marije s Djetetom, strogo siluetiran na nebu, ujedinjen je zajedničkim ritmom pokreta s likovima sv. Varvari i papa Siksto II, čiji su gestovi upućeni Bogorodici, kao i pogledi dva anđela (više nalik putiju, što je tako karakteristično za renesansu), nalaze se u donjem delu kompozicije. Likovi su također ujedinjeni zajedničkom zlatnom bojom, kao da personificiraju božanski sjaj. Ali glavna stvar je tip lica Madone, koji utjelovljuje sintezu antičkog ideala ljepote s duhovnošću kršćanskog ideala, što je tako karakteristično za svjetonazor visoke renesanse. Sikstinska Madona je kasno Rafaelovo delo. Prije toga, 1509. godine, papa Julije II pozvao je mladog umjetnika u Rim da slika lične papine sobe (strofe) u Vatikanskoj palači. IN početkom XVI V. Rim preuzima kulturni centar Italija. Umjetnost visoke renesanse dostiže svoje na svom vrhuncu u ovom gradu, gdje voljom filantropskih papa Julija II i Lava X, umjetnici poput Bramantea, Michelangela i Raphaela istovremeno rade. Umjetnost se razvija u znaku nacionalnog jedinstva (jer su pape sanjale da ujedine zemlju pod svojom vlašću), hrani se drevnim tradicijama i izražava ideologiju humanizma. Opći ideološki program oslikavanja papinskih soba je veličanje autoriteta Katoličke crkve i njenog poglavara, pape.

Rafael slika prve dve strofe. U Stanza della Segnatura (soba potpisa, pečata) naslikao je četiri freske alegorije glavnih sfera ljudske duhovne djelatnosti: filozofije, poezije, teologije i jurisprudencije. U umjetnosti srednjeg vijeka i rane renesanse bilo je uobičajeno prikazivanje znanosti i umjetnosti u obliku pojedinačnih alegorijskih figura. Raphael je ove teme rješavao u obliku višefiguralnih kompozicija, koje ponekad predstavljaju stvarne grupne portrete, zanimljive i po svojoj individualizaciji i po tipičnosti. Upravo u tim portretima Rafael je utjelovio humanistički ideal savršenog intelektualnog čovjeka, prema renesansi. Zvanični program za slikanje Stanze della Segnatura bio je odraz ideje o pomirenju kršćanske religije s antičkom kulturom. Umjetnička implementacija ovog programa od strane Rafaela - sina njegovog vremena - rezultirala je pobjedom svjetovnog nad crkvenim. U fresci „Atinska škola“, koja personifikuje filozofiju, Rafael je predstavio Platona i Aristotela okružene filozofima i naučnicima iz različitih perioda istorije. Njihovi gestovi (jedan pokazuje na nebo, drugi na zemlju) karakterišu suštinu razlika u njihovim učenjima. Na desnoj strani, na Euklidovom liku, Rafael je prikazao svog velikog savremenika, arhitektu Bramantea; Slijede poznati astronomi i matematičari; na samom rubu desne grupe umjetnik je naslikao samog sebe. Na stepenicama stepenica prikazao je osnivača kiničke škole, Diogena, u lijevoj grupi - Sokrata, Pitagoru, u prvom planu, duboko zamišljenog, Heraklita iz Efeza. Prema nekim istraživačima, veličanstvena i lijepa slika Platona inspirirana je izvanrednim izgledom Leonarda, a u Heraklitu je Rafael uhvatio Michelangela. Ali bez obzira koliko su izražajne individualnosti koje je Raphael prikazao, glavna stvar na slici ostaje opća atmosfera visoke duhovnosti, osjećaj snage i moći ljudski duh i razum.

Platon i Aristotel, poput drugih antičkih mudraca, trebali su simbolizirati simpatije papa paganske antike. Slobodno smještene u prostoru, u raznovrsnom ritmu i pokretu, pojedine grupe objedinjuju likovi Aristotela i Platona. Logičnost, apsolutna stabilnost, jasnoća i jednostavnost kompozicije ostavljaju kod gledaoca utisak izuzetne celovitosti i zadivljujuće harmonije. Na fresci "Parnas", koja personificira poeziju, Apolon je prikazan okružen muzama i pjesnicima - od Homera i Sapfo do Dantea. Složenost kompozicije bila je u tome što je freska “Parnas” postavljena na zid koji je probijen prozorskim otvorom. Prikazujući žensku figuru naslonjenu na okvir, Raphael je vješto povezao cjelokupnu kompoziciju s oblikom prozora. Slika Dantea se dva puta ponavlja na Rafaelovim freskama: još jednom je prikazao velikog pjesnika u alegoriji teologije, često pogrešno nazvanoj "Disputa", među umjetnicima i filozofima Quattrocenta (Fra Angelico, Savonarola, itd. ). Četvrta freska Stanze della Segnatura „Mjera, mudrost i snaga“ posvećena je jurisprudenciji.

U drugoj prostoriji, nazvanoj "Eliodorova strofa", Rafael je naslikao freske o istorijskim i legendarnim temama koje veličaju rimske pape: "Izgon Eliodora" - o biblijskom zapletu o tome kako je kazna Gospodnja u obliku anđeo - prelijepi konjanik u zlatnom oklopu - pao je na sirijskog vođu Eliodora, koji je pokušao ukrasti zlato iz jerusalimskog hrama, namijenjenog udovicama i siročadi. Nije slučajno da se Rafael, koji je radio po nalogu Julija II, okreće ovoj temi: Francuzi se spremaju za pohod na Italiju, a papa podsjeća na Božju kaznu za sve koji zadiraju u Rim. Nije uzalud Raphael uključio u kompoziciju sliku samog pape, koji se u stolici nosi do poraženog zločinca. Proslavljanju papa i njihove čudotvorne moći posvećene su i druge freske: "Misa u Bolseni", "Susret pape Lava I sa Atilom" - a u prvom papi date su crte Julija II, a ovo je jedna od njegovih najizrazitije portrete, a u posljednjem - Lava X. U freskama druge strofe Rafael je veliku pažnju posvetio ne linearnoj arhitektonici, već ulozi boje i svjetla. To je posebno vidljivo na fresci „Izbavljenje apostola Petra iz tamnice“. Trostruka pojava anđela u tri scene prikazane na istoj ravni zida, u pojedinačna kompozicija(što je samo po sebi bila arhaična tehnika), predstavljeno je u složenom osvjetljenju različitih izvora svjetlosti: mjeseca, baklji, sjaja anđela, stvarajući veliku emocionalnu napetost. Ovo je jedna od najdramatičnijih i najsuptilnijih fresaka. Preostale freske vatikanskih strofa oslikali su Rafaelovi učenici na osnovu njegovih skica. Učenici su pomogli i Rafaelu u oslikavanju vatikanskih lođa uz papine sobe, oslikanih prema njegovim skicama i pod njegovim nadzorom motivima antičkih ornamenata, uglavnom izvučenih iz novootkrivenih antičkih špilja (otuda i naziv „groteske“).

Raphael je izvodio djela različitih žanrova. Njegov dar dekoratora, ali i reditelja i pripovjedača, u potpunosti se očitovao u nizu od osam kartona za tapiserije za Sikstinsku kapelu na prizore iz života apostola Petra i Pavla („Čudesni ulov ribe“, za primjer). Ove slike tokom 16.-18. služio je kao svojevrsni standard za klasičare. Rafaelovo duboko razumevanje suštine antike posebno je vidljivo na slici rimske vile Farnesine, izgrađene po njegovom nacrtu (freska „Trijumf Galateje“, scene iz Apulejeve priče o Kupidonu i Psihi). Rafael je bio i najveći portretista svog doba, koji je stvorio tip slike u kojoj je pojedinac u bliskom jedinstvu sa tipikom, gde se, pored određenih specifičnih osobina, pojavljuje i slika čoveka epohe, što omogućava da vidimo istorijske portrete-tipove u Rafaelovim portretima („Papa Julije II“, „Lav X“, umetnikov prijatelj pisac Kastiglione, prelepa „Donna Velata“ itd.). A u njegovim portretnim slikama, po pravilu, prevladava unutrašnja ravnoteža i harmonija.

Na kraju svog života, Raphael je bio nesrazmjerno opterećen raznim radovima i narudžbama. Čak je teško i zamisliti da sve ovo može da uradi jedna osoba. Bio je središnja ličnost u umjetničkom životu Rima; nakon Bramanteove smrti (1514.), postao je glavni arhitekta katedrale sv. Petra, bio je zadužen za arheološka istraživanja u Rimu i okolini i zaštitu antičkih spomenika. To je neizbježno podrazumijevalo uključivanje studenata i velikog broja asistenata pri izvršavanju velikih narudžbi. Rafael je umro 1520; njegova prerana smrt bila je neočekivana za njegove savremenike. Njegov pepeo je zakopan u Panteonu.

MICHELANGELO BUONARROTI (1475-1564).

Treći najveći majstor visoke renesanse - Michelangelo - daleko je nadživeo Leonarda i Rafaela. Prva polovina njegove stvaralačke karijere dogodila se u vrijeme procvata umjetnosti visoke renesanse, a druga u vrijeme kontrareformacije i početka formiranja barokne umjetnosti. Iz blistave plejade umjetnika visoke renesanse, Michelangelo je nadmašio sve bogatstvom svojih slika, građanskim patosom i osjetljivošću na promjene javnog raspoloženja. Otuda kreativno oličenje kolapsa renesansnih ideja. Michelangelo Buonarroti (1475-1564) rođen je u Capreseu, u porodici podesta (gradski guverner, sudija). Godine 1488, u Firenci, gdje se porodica preselila, ušao je u radionicu Ghirlandaio, godinu dana kasnije - u vajarsku radionicu u samostanu San Marco sa jednim od Donatellovih učenika. Tokom ovih godina zbližio se sa Lorenzo Medici, čija je smrt ostavila dubok trag na njega. Upravo je u vrtovima Medičija i u kući Medici Michelangelo počeo pažljivo proučavati antičku skulpturu. Njegov reljef "Bitka kod Kentaura" je već po svom unutrašnjem skladu djelo visoke renesanse. Godine 1496. mladi umjetnik odlazi u Rim, gdje stvara svoja prva djela koja su mu donijela slavu: “Bacchus” i “Pieta”. Doslovno zarobljen slikama antike, Michelangelo je prikazao antičkog boga vina kao nagog mladića, kao da se lagano tetura, okrećući pogled na zdjelu vina. Golo lijepo tijelo od sada i zauvijek postaje glavni predmet umjetnosti za Michelangela. Druga skulptura - "Pieta" - otvara čitav niz radova majstora na ovu temu i stavlja ga među prve skulptore Italije.

Mikelanđelo je prikazao Hrista prostrtog na Marijinom krilu. Mlado, idealno lijepo lice Madone je žalosno, ali vrlo suzdržano. Da bi postavio veliko muško tijelo na Madonino krilo, vajar umnožava broj nabora ogrtača koji pada iz Marijinog krila. Figure formiraju piramidu u kompoziciji, dajući grupi stabilnost i kompletnost. Istovremeno, čak i u ovom ranom Mikelanđelovom djelu postoje osobine koje nisu karakteristične za umjetnost renesanse ili, recimo, neuobičajene za nju: u neobično snažnom kutu, glava Krista je zabačena unazad, njegovo desno rame Ispalo je lijevi dio kompozicije, opterećen više od desnog, zahtijevao složenu asimetričnu konstrukciju postolja, višeg na desnoj strani. Sve zajedno davalo je grupi unutrašnju napetost neobičnu za renesansnu umjetnost. No, dominantne crte u ovoj kompoziciji su osobine karakteristične za visoku renesansu: cjelovitost herojske slike, klasična jasnoća monumentalnog umjetničkog jezika.

Vrativši se u Firencu 1501. godine, Mikelanđelo se u ime Sinjorije obavezao da izvede lik Davida od mermernog bloka koji je pre njega oštetio nesrećni kipar. Godine 1504. Mikelanđelo je završio čuvenu statuu, koju su Firentinci nazvali "Džin" i postavila je ispred Palazzo Vecchia, gradske vijećnice. Otvaranje spomenika preraslo je u državnu proslavu. Slika Davida inspirirala je mnoge Quattrocento umjetnike. Ali Mikelanđelo ga ne prikazuje kao dečaka, kao u Donatelu i Verokiju, već kao mladića u punoj snazi, i to ne posle bitke, sa divovskom glavom do nogu, već pre bitke, trenutno najveće napetosti snage. U prekrasnoj Davidovoj slici, na njegovom strogom licu, vajar je prenio titansku snagu strasti, nepopustljive volje, građanske hrabrosti i bezgranične moći slobodnog čovjeka. Firentinci su u Davidu vidjeli sebi bliskog heroja, građanina republike i njenog branioca. Odmah je shvaćen društveni značaj skulpture.

Godine 1504. Mikelanđelo (kao što je već pomenuto u vezi sa Leonardom) počinje da radi na slici „Dvorane pet stotina“ u Palazzo Signoria, ali crteži i kartoni za njegovu „Bitku kod Cascine“ nisu sačuvani, npr. Leonardovo delo. Papa Julije II je 1505. pozvao Mikelanđela u Rim da sagradi svoju grobnicu. Skulptorova ideja bila je grandiozna: želio je stvoriti kolosalan spomenik-mauzolej, ukrašen sa četrdeset figura više od prirodne veličine. Proveo je osam mjeseci u planinama Carrara, nadgledajući vađenje mramora, ali kada se vratio u Rim, saznao je da je Papa odustao od svog plana. Ljuti Mikelanđelo je otišao u Firencu, ali je, na zahtev pape, pod pritiskom firentinskih vlasti, koje su se plašile komplikacija sa Rimom, bio primoran da se ponovo vrati u Rim, ovoga puta na isto tako grandiozan, ali, na sreću, i realizovan plan - oslikavanje stropa Sikstinske kapele u Vatikanskoj palači

Michelangelo je sam radio na oslikavanju stropa Sikstinske kapele, od 1508. do 1512. godine, oslikavajući površinu od oko 600 kvadratnih metara. m (48x13 m) na visini od 18 m. Mikelanđelo je centralni deo plafona posvetio prizorima sakralne istorije, počevši od stvaranja sveta. Ove kompozicije su uokvirene istim oslikanim vijencem, ali stvarajući iluziju arhitekture, a odvojene su, također, slikovitim šipkama. Živopisni pravokutnici naglašavaju i obogaćuju stvarnu arhitekturu stropa. Ispod živopisnog vijenca Mikelanđelo je slikao proroke i sibile (svaka figura je oko tri metra), u lunetama (lukovi iznad prozora) prikazao je epizode iz Biblije i Hristove pretke kao obični ljudi zauzet svakodnevnim aktivnostima.

Devet centralnih kompozicija odvijaju događaje prvih dana stvaranja, priču o Adamu i Evi, globalnom potopu, a sve te scene su, u stvari, himna čoveku, silama koje su u njemu, njegovoj moći i lepoti. . Bog je, prije svega, stvaralac koji ne poznaje prepreke na putu stvaranja, slika bliska ideji stvaraoca iz humanističkog doba (scena „Stvaranje Sunca i Mjeseca“). Adam je idealno lijep u sceni „Stvaranje Adama“, još uvijek je lišen volje, ali ga dodir tvorčeve ruke, poput električne iskre, probada i rasplamsa život u ovom prekrasnom tijelu. Čak ni tragična situacija poplave ne može poljuljati vjeru u moć čovjeka. Veličina, moć i plemenitost izraženi su u slikama proroka i sibila: stvaralačko nadahnuće - u ličnosti Ezekiela, koji je čuo glas Božji; kontemplacija - u liku Eritrejske Sibile; mudrost, filozofska promišljenost i odvojenost od svjetovne taštine - u liku Zaharije; žalosni odraz - Jeremija. Uz ogroman broj figura, slika Sikstinskog stropa je logično jasna i lako vidljiva. Ne uništava ravan luka, ali otkriva tektonsku strukturu. Mikelanđelovo glavno izražajno sredstvo su naglašena plastičnost, preciznost i jasnoća linija i volumena. Plastični princip u Mikelanđelovoj slici uvek dominira slikom, potvrđujući umetnikovu ideju da će „najbolja slika biti ona koja je najbliža reljefu“. Ubrzo nakon završetka radova u Sikstini, Julije II je umro i njegovi nasljednici su se vratili ideji nadgrobnog spomenika. Godine 1513-1516. Mikelanđelo za ovaj nadgrobni spomenik izvodi lik Mojsija i robova (zarobljenika). Prema njegovom nacrtu, vajari su potom izgradili zidnu grobnicu, u čijem je donjem sloju bio postavljen lik Mojsija. Slika Mojsija je jedna od najmoćnijih u djelu zrelog majstora. U njega je uložio san o mudrom, hrabrom vođi, punom titanske snage, izraza, volje - osobina koje su tada bile toliko potrebne za ujedinjenje njegove domovine. Likovi robova nisu uključeni u konačnu verziju grobnice. Možda su imali neku vrstu alegorijskog značenja (umjetnost u zatočeništvu nakon papine smrti? - postoji takvo tumačenje). “Svezani rob”, “Umirući rob” prenose različita stanja osobe, različite etape borbe: snažan impuls u želji da se oslobodi okova, nemoći („Vezani rob”), posljednji dah, umiranje život u prekrasnom, ali već otupjelom tijelu („Umirući rob“). Od 1520. do 1534. godine Michelangelo radi na jednom od najznačajnijih i najtragičnijih skulpturalnih djela - na grobnici Medičija (florentinska crkva San Lorenzo), izražavajući sva iskustva koja su zadesila samog majstora, njegov rodni grad i čitavo zemlje u cjelini. Od kasnih 20-ih, Italiju su bukvalno rasparčali i vanjski i unutrašnji neprijatelji. Godine 1527. vojnici plaćenici su porazili Rim, protestanti su opljačkali katoličke svetinje vječnog grada. Firentinska buržoazija ruši Medičije, koji su ponovo vladali od 1510. godine, nakon smrti Pietra Soderinija, ali papa maršira na Firencu. Firenca se sprema za odbranu, Michelangelo je na čelu izgradnje vojnih utvrđenja, doživljava raspoloženje zbunjenosti, očaja, odlazi - bukvalno bježi iz Firence, saznavši za predstojeću izdaju svog kondotiera, ponovo se vraća u svoj rodni grad da svjedoči njegov poraz. U strašnom teroru koji je počeo, mnogi Mikelanđelovi prijatelji su umrli, a on je bio primoran da neko vreme živi kao izgnanik.

U raspoloženju oštrog pesimizma, u stanju sve veće duboke religioznosti, Mikelanđelo radi na Medičijevom grobu. On je sam sagradio dogradnju firentinske crkve San Lorenzo - malu, ali vrlo visoku prostoriju, pokrivenu kupolom, i ukrasio dva zida sakristije (njenu unutrašnjost) skulpturalnim nadgrobnim spomenicima. Jedan zid je ukrašen likom Lorenza, suprotan Giulianom, a ispod njihovih nogu nalaze se sarkofazi ukrašeni alegorijskim skulpturalnim slikama - simbolima brzog vremena: "Jutro" i "Veče" na Lorenzovom nadgrobnom spomeniku, "Noć" i “Dan” na Đulijanovom nadgrobnom spomeniku. Obje slike - Lorenco i Giuliano - nemaju portretnu sličnost, zbog čega se razlikuju od tradicionalnih rješenja 15. stoljeća. Michelangelo naglašava izraz umora i melanholije u licu Giuliana i teške misli, na granici očaja, kod Lorenza, smatrajući da nije potrebno precizno prenijeti crte na licima modela. Najpoznatija je “Noć”. Oličena je figurom žene koja spava, naslonjena na koleno. Michelangelo joj je posvetio sljedeće redove:

„Lepo je spavati, lepše je biti kamen,

Oh, u ovo doba, zločinačko i sramotno,

Ne živeti, ne osećati je zavidna mnogo.

Molim te, budi tih, da se nisi usudio da me probudiš.”

Za njega je važnija filozofska ideja suprotstavljanja života i smrti, izražena u poetskom obliku. Osjećaj nelagode i tjeskobe dolazi od slika Lorenca i Giuliana. To se postiže samom kompozicijom: figure su posađene u skučeni prostor niša, kao da su stisnute pilastrima. Ovaj nemirni ritam dodatno je pojačan pozama alegorijskih figura doba dana: napeta zakrivljena tijela kao da se kotrljaju s kosih kapaka sarkofaga, ne nalazeći oslonac, glave im prelaze preko vijenaca, narušavajući tektoniku zidova. Sve te disonantne note, koje naglašavaju stanje slomljenosti, narušavaju arhitektonski sklad renesanse i najavljuju novu eru u umjetnosti. U kapeli Medici nalaze se arhitektonski oblici i plastične slike neraskidiva veza, izražavajući jednu ideju.

Čak je i papa Klement VII, neposredno prije svoje smrti, iskoristivši jednu od Michelangelovih posjeta Rimu, predložio da oslika oltarski zid Sikstinske kapele slikom "Posljednjeg suda". Zauzet u to vrijeme sa statuama za kapelu Mediči u Firenci, vajar je odbio. Pavle III je, odmah po izboru, počeo uporno da zahteva od Mikelanđela da ispuni ovaj plan, a 1534, prekinuvši radove na grobnici, koje je završio tek 1545, Mikelanđelo odlazi u Rim, gde započinje svoj drugi rad u Sikstinskoj kapeli. - do murala" Last Judgment"(1535-1541) - grandiozna kreacija koja je izrazila tragediju ljudske rase. Osobine novog umjetničkog sistema još su se jasnije pojavile u ovom Mikelanđelovom djelu. Kreativni sud, kažnjavajući Hristos postavljen je u središte kompozicije, a oko njega su u rotacionom kružnom kretanju prikazani grešnici koji se bacaju u pakao, pravednici koji se uzdižu na nebo, dižu se iz grobova na Božiji sud mrtvi ljudi. Sve je puno užasa, očaja, ljutnje, zbunjenosti. Čak se i Marija, koja se zalaže za narod, boji svog strašnog sina i okreće se od njegove ruke, koja neumoljivo razdvaja grešnike od pravednika. Složeni uglovi isprepletenih, uvrnutih tijela, ekstremni dinamizam, pojačana ekspresija, stvaranje izraza tjeskobe, tjeskobe, zbunjenosti - sve su to osobine koje su duboko tuđe Visokoj renesansi, baš kao i sama interpretacija teme „Posljednjeg suda“. ” mu je tuđ (umjesto trijumfa pravde nad zlom - katastrofa, kolaps svijeta).

Slikar, vajar, pesnik, Mikelanđelo je takođe bio briljantan arhitekta. Završio je stepenište firentinske Laurentijanove biblioteke, projektovao Kapitol trg u Rimu, podigao Pijeva vrata (Porta Pia), a od 1546. godine radi na katedrali sv. Peter, koju je započeo Bramante. Mikelanđelo je vlasnik crteža i crteža kupole, koji je izveden nakon majstorove smrti i još uvek je jedna od glavnih dominantnih karakteristika u panorami grada.

Posljednje dvije decenije Mikelanđelovog života poklopile su se sa periodom kada su se u Italiji iskorenjivale slobodoumne crte velikog humanističkog doba renesanse. Na insistiranje Inkvizicije, koja je toliki broj golih tijela na fresci Posljednjeg suda smatrala opscenim, Michelangelov učenik Daniele de Volterra snimio je neke od figura. Posljednje godine Mikelanđelovog života bile su godine gubitka nade, gubitka voljenih i prijatelja, vrijeme njegove potpune duhovne usamljenosti. Ali ovo je i vrijeme nastanka najmoćnijih djela u smislu tragedije svjetonazora i lakonizma izraza, koja svjedoče o njegovoj neumirivoj genijalnosti. To su uglavnom skulpturalne kompozicije i crteži (u grafici je Mikelanđelo bio veliki majstor kao Leonardo i Rafael) na temu „Oplakavanje“ i „Raspeće“.

Mikelanđelo je umro u Rimu u 89. godini. Njegovo tijelo je noću odvezeno u Firencu i sahranjeno u najstarijoj crkvi u njegovom rodnom gradu Santa Croce. Istorijski značaj Michelangelove umjetnosti, njen utjecaj na njegove suvremenike i na naredna razdoblja teško se može precijeniti. Neki strani istraživači ga tumače kao prvog umjetnika i arhitektu baroka. Ali ponajviše je zanimljiv kao nosilac velikih realističkih tradicija renesanse.

Najveći uspon kulture dogodio se u najtežim vremenima istorijski periodživot u Italiji, u uslovima oštrog ekonomskog i političkog slabljenja italijanskih država. Turska osvajanja na istoku, otkriće Amerike i novo morski put Indiji oduzimaju talijanskim gradovima njihovu ulogu najvažnijih trgovačkih centara; nejedinstvo i stalno međusobno neprijateljstvo čine ih lakim plenom za sve centralizovanije severozapadne države. Kretanje kapitala unutar zemlje od trgovine i industrije do poljoprivrede i postepena transformacija buržoazije u klasu zemljoposjednika doprinijeli su širenju feudalne reakcije.

Invazija francuskih trupa 1494. godine, razorni ratovi u prvim decenijama 16. veka i poraz Rima uveliko su oslabili Italiju. Upravo u to vrijeme, kada se nad zemljom nadvila prijetnja njenog potpunog porobljavanja od stranih osvajača, otkrila se snaga naroda koji ulazi u borbu za nacionalnu nezavisnost, za republikanski oblik vlasti i njegovu nacionalnu samosvijest. je rastao. O tome svjedoče narodni pokreti s početka 16. stoljeća u mnogima Italijanski gradovi, a posebno u Firenci, gdje republička vlada osnovan je dva puta: od 1494. do 1512. i od 1527. do 1530. godine. Ogroman društveni uspon poslužio je kao osnova za procvat moćne kulture visoke renesanse. U teškim uslovima prvih decenija 16. veka formiraju se principi kulture i umetnosti novog stila.

Posebnost kulture visoke renesanse bila je izvanredna ekspanzija društvenih horizonata njenih tvoraca, razmjera njihovih ideja o svijetu i prostoru. Mijenja se pogled na osobu i njen odnos prema svijetu. Sam tip umjetnika, njegov svjetonazor i položaj u društvu izrazito se razlikuju od onih koji su zauzimali majstori 15. stoljeća, koji su još uvijek bili u velikoj mjeri povezani sa klasom zanatlija. Umjetnici visoke renesanse nisu bili samo ljudi velike kulture, već kreativni pojedinci, oslobođeni esnafskih okvira, prisiljavajući predstavnike vladajućih klasa da uzimaju u obzir svoje ideje.

U središtu njihove umjetnosti, sažeto po umjetnički jezik, slika je savršena divna osoba savršeni fizički i duhovno, ne apstrahovani od stvarnosti, već ispunjeni životom, unutrašnja snaga i značaj, titanska snaga samopotvrđivanja. Uz Firencu, najvažniji centri nove umjetnosti početkom 16. stoljeća bili su papski Rim i patricijska Venecija. Od 1530-ih godina u Srednjoj Italiji raste feudalno-katolička reakcija, a s njom se širi i dekadentni pokret u umjetnosti, nazvan manirizam. A već u drugoj polovini 16. stoljeća javljaju se trendovi u antimanirističkoj umjetnosti.

U tome kasni period Kada samo pojedini centri renesansne kulture zadrže svoju ulogu, oni su ti koji proizvode najznačajnija djela umjetničke vrijednosti. To su kasne kreacije Mikelanđela, Paladija i velikih Venecijanaca.

Karakteristike renesanse

Italijanska renesansa je jedan od najupečatljivijih fenomena u istoriji evropske kulture. Kontroverze oko njegovog karaktera istorijskih korena, faze trovjekovnog razvoja ne jenjavaju do danas. U sovjetskoj istorijskoj nauci, renesansa se smatra naprednom kulturom, karakterističnom za doba tranzicije od feudalnih ka kapitalističkim odnosima, kada je srednjovekovni crkveno-skolastički sistem mišljenja zamenjen uspostavljanjem sekularno-racionalističkih principa svetonazora. Evropa. T. 3. Od srednjeg vijeka do modernog doba (kraj 15. - prva polovina 17. stoljeća) - str. 455.

Čitava renesansa je podijeljena na nekoliko perioda: protornesansa u Italiji je trajala oko vek i po, rana renesansa - oko jedan vek, visoka renesansa - samo pedeset godina i zadnji period, kasna renesansa, - do 80-ih godina 16. stoljeća Sažeta enciklopedija umjetnost - str. 257.

U ovom radu želio bih razmotriti samo period visoke renesanse.

Umetnost visoke renesanse razvila se u prve tri decenije 16. veka. Ovaj period se naziva "zlatno doba" italijanske umetnosti. Hronološki je bio kratak, a samo u Veneciji je trajao duže, do sredine veka.

Najveći uspon kulture dogodio se u najtežem istorijskom periodu u Italiji, u uslovima naglog ekonomskog i političkog slabljenja italijanskih država izazvanog otvaranjem Amerike i novih trgovačkih puteva ka Indiji i, kao posljedicom, gubitkom uloga najvažnijih trgovačkih centara. Drugi razlozi uključuju nejedinstvo i stalno međusobno neprijateljstvo talijanskih država, što ih je činilo lakim plijenom rastućih centraliziranih sjeverozapadnih država.

Invazija francuskih trupa 1494. godine, razorni ratovi u prvim decenijama 16. veka i poraz Rima oslabili su Italiju. Unutar zemlje kapitala dolazi do kretanja od trgovine i industrije do poljoprivrede, postepenog pretvaranja buržoazije u klasu zemljoposednika zainteresovanih za očuvanje feudalnog poretka. Sve je to doprinijelo širenju feudalne reakcije. Međutim, upravo u tom periodu, kada se nad zemljom nadvila opasnost od potpunog porobljavanja od strane stranaca, raste nacionalna samosvijest.

U ovim teškim uslovima prvih decenija 16. veka formiraju se principi kulture i umetnosti novog stila.

Karakteristike umjetnosti visoke renesanse

U središtu ove umjetnosti, uopšteno umjetničkim jezikom, nalazi se slika idealno lijepe osobe, savršene fizički i duhovno, slika herojske ličnosti koja je uspjela da se izdigne iznad nivoa svakodnevnog života. U ime ove generalizirane slike, u ime želje za harmoničnom sintezom lijepih aspekata života, umjetnost visoke renesanse napušta pojedinosti i beznačajne detalje. Osnova takve umjetnosti je sveobuhvatna vjera u neograničene mogućnosti čovjeka za samousavršavanje, samopotvrđivanje, vjera u racionalnu strukturu svijeta, u trijumf napretka. Problemi su došli do izražaja građanska dužnost, visoke moralne kvalitete, feat.

Tvorci ove duboko humanističke umjetnosti bili su ljudi ne samo velike kulture i širokih pogleda, već i kreativni pojedinci, oslobođeni okvira srednjovjekovnog esnafa. Era je rodila kreativnih pojedinaca, u kojem postoji sinteza nauke i umjetnosti. Veliki tvorci visoke renesanse kasnije su nazvani titanima. U svom stvaralaštvu dostigli su takve visine koje nijedna druga era nije mogla postići prije ili poslije njih. Svaki od njih - cijeli svijet, kompletan, savršen, apsorbujući svo znanje, sva dostignuća prethodnih vekova i uzdigao ih do vrhunca umjetnosti.

I prije njihovog otkrića i jasne identifikacije, neke karakteristike stila visoke renesanse su, takoreći, latentno sadržane u umjetnosti rane renesanse. Ponekad određeni trendovi, anticipirajući umjetnost visoke renesanse, isplivaju na površinu, utječući na težnje jednog ili drugog slikara i vajara 15. stoljeća. do povećanog stepena umjetničke generalizacije, do oslobađanja od moći detalja, zatim u iskazu kolektivna slika umjesto empirijskog praćenja prirode, konačno, u privrženosti slikama monumentalne prirode. U tom smislu, majstori kao što su Masaccio, Castagno, Piero della Francesca, Mantegna su, takoreći, uzastopne prekretnice umjetnosti rane renesanse na putu ka novom stilu.

Pa ipak, umjetnost visoke renesanse sama po sebi ne nastaje u procesu glatke evolucije, već kao rezultat oštrog kvalitativnog skoka koji je odvaja od prethodne faze. Prijelazni oblici između umjetnosti ova dva razdoblja izraženi su u radu samo rijetkih majstora. Uz nekoliko izuzetaka, činilo se da su umjetnici rane renesanse kao takvi već rođeni, baš kao i oni slikari 15. stoljeća koji su nastavili da rade u prvim decenijama 16. stoljeća. (uključujući Botticellija, Mantegnu, Lucu Signorellija, Piera di Cosimo, Perugina) i dalje su ostali umjetnici rane renesanse u svojoj umjetnosti.

U suštini, jedan majstor, Leonardo da Vinci, delovao je kao osnivač umetnosti visoke renesanse, i duboko je simptomatično da je on, kao niko drugi, bio potpuno naoružan najvišim dostignućima materijalne i duhovne kulture svog vremena. u svim svojim oblastima. Leonardov doprinos umjetnosti visoke renesanse može se uporediti s ulogom Giotta i Masaccia, začetnika prethodnih faza renesansne umjetnosti, s tom razlikom što je, prema uslovima nove ere i većeg obima Leonardovog talenta , značenje njegove umjetnosti postalo je neuporedivo šire.